crescendo 6/08

B47837 Jahrgang 11 – 06/2008

Oktober / November 2008 www.crescendo.de

EXOTIK Neugier auf’s Fremde

Aus dem Kloster in die Welt Die Mönche aus dem Wienerwald Klassik rockt Daniel Müller-Schott beim Roskilde Festival Exotische Stimmen Counter und Soprano 100 Jahre Messiaen

E CH O KLASSIK

2008 BESTSELLER DES JAHRES

E CHO KLASSIK

2008

GABRIELI CONSORT & PLAYERS

E CH O

KLASSIK OHNE GRENZEN

KLASSIK

Dirigent:

PAUL McCREESH

DAVID GARRETT MIT BAND UND ORCHESTER

Foto © Kasskara/DG

2008 BESTSELLER DES JAHRES

30.04.09

BERLIN PHILHARMONIE

08.05.09

10.01. 11.01. 12.01. 14.01. 16.01.

Die aktuelle CD

HAMBURG LAEISZHALLE

cielo e mar

Köln München Leipzig Berlin Münster

21.01. 23.01. 26.01. 27.01. 29.01.

Mannheim Bremerhaven Kempten Frankfurt/M. Hamburg

Das neue Album

"ENCORE" ab 24.10.

16.05.09

BRAUNSCHWEIG - VOLKSWAGENHALLE

HILARY HAHN

„Jonas Kaufmann ist die Aufregung wert” DER SPIEGEL

ROYAL LIVERPOOL PHILHARMONIC ORCHESTRA TSCHAIKOWSKY VIOLINKONZERT D-DUR OP. 35 SYMPHONIE NR. 5 DIRIGENT

VASILY PETRENKO 08.01.09, STUTTGART - LIEDERHALLE 11.01.09, MANNHEIM - ROSENGARTEN 19.01.09, BERLIN - PHILHARMONIE

Die aktuelle CD auf DECCA erhältlich

KLAVIER-REZITAL & IMPROVISATIONEN

30.10.08 DÜSSELDORF - TONHALLE 01.11.08 HAMBURG - LAEISZHALLE

KLASSIK

2008 SÄNGER DES JAHRES

11.11.08 HAMBURG - KAMPNAGEL 12.11.08 BERLIN - KONZERTHAUS 13.11.08 FRANKFURT/MAIN Mit freundlicher Unterstützung von HR SENDESAAL

Das aktuelle Album

09.11.08 MÜNCHEN HERKULESSAAL

Das aktuelle Album

E CHO

PHILIPPE JAROUSSKY

ERWIN SCHROTT DIE NEUE CD JETZT AUF DECCA ERHÄLTLICH

C O N C E R T O

„GRANDIOSER AUFTRITT EINER PRIMADONNA” (FAZ)

K Ö L N

23.01.09, 25.01.09, 29.01.09, 07.02.09, 14.03.08, 19.03.09, 29.03.09,

23.11.09 Berlin - Konzerthaus 30.11.09 Hamburg - Laeiszhalle-Musikhalle

ELINA GARANcA - Im März 2009 auf Deutschland-Tournee!

München - Philharmonie Berlin - Philharmonie Frankfurt - Alte Oper Hannover - NDR Funkhaus Leipzig - Gewandhaus Hamburg - Laeiszhalle Köln - Philharmonie DAS NEUE ALBUM AB 7.11.

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crescendo 06 2008 | 3 editorial

Exotik Vor 300 Jahren erschien die erste Übersetzung der „Geschichten aus 1001 Nacht“: „Sindbad, der Seefahrer“, „Ali Baba und die 40 Räuber“, „Aladin und die Wunderlampe“, die bis heute das europäische Bild des Orients, des sagenhaften „Morgenlandes“, prägen.

inhalt Exotik und Exotismus 4 Zwei Phänomene

Exotische Stimmen 10 Counter und Soprano

Hélène Grimaud 14 Ein Leben auf vielen Kontinenten

Die Faszination des Fremden, des Außergewöhnlichen, diese Mischung aus Furcht, Abenteuer und Neugier nutzte auch die Kunst: die Malerei, Literatur und natürlich die Musik. Exotische Stoffe waren Kassenschlager. Mozarts „Entführung aus dem Serail“ spielt im Osmanischen Reich. Da gab es wundersame Gewänder, Menschen mit dunkler Hautfarbe und unerhörte Janitscharenmusik. Freilich war Mozart nie dort, so wie die meisten seiner Komponistenkollegen nicht über die Grenzen des Alten Europas hinausgekommen waren. Doch das störte das Publikum nicht. Man liebte den Blick in eine fremde, exotische Welt und verwechselte ihn allzu gern mit der Wirklichkeit. Viele daraus entstandene rassistische Klischees über Moslems, Asiaten, „Neger“ und „Indianer“ halten sich hartnäckig, obwohl die Welt auf ein paar Flugstunden zusammengeschrumpft ist. Und was ist heute noch wirklich „exotisch“? Zum Beispiel Mönche in den Pop-Charts (S. 32), Männer, die in hoher Stimmlage singen (S. 10) oder die so ungewöhnliche Musik aus Indonesien, die Olivier Messiaen für seine Musik aufgegriffen hat (S. 16). Eigentlich beginnen wir erst jetzt, unsere Ohren für die Kompositionen der letzten 100 Jahre zu öffnen. Die Kunst für die Augen ist da schon viel weiter. Picasso kennt jedes Kind – seine komponierenden Zeitgenossen wie Paul Dukas und Albert Roussel nicht. Da gibt es noch viel zu entdecken (S. 22). Und, ganz ehrlich gesagt, für viele Menschen ist „klassische Musik“ äußerst exotisch. Zum Beispiel für die Besucher des weltgrößten Rockfestivals in Roskilde. Daniel Müller-Schott konfrontierte sie mit Schostakowitsch. Die gute Nachricht: Sie waren begeistert.

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Viel Spaß beim Lesen, Ihr Winfried Hanuschik

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Exklusiv für Abonnenten: Hören Sie die Musik zu unseren Texten auf der crescendo premium-CD, siehe auch S. 35.

16 100 Jahre Messiaen Seine musikalische Sprache

Carlos Acosta 19 Die Autobiografie des Startänzers

Exotische Klassikerlebnisse 20 Umfrage unter Musikern

22 Exotik in der Musikgeschichte Rezensionen 26 Die besten CDs und DVDs dieses Monats 30 Mozarts Geburtshaus Die Rettung

32 Gesang der Mönche Stift Heiligenkreuz

35 premium Zwei Ausgaben crescendo kostenlos

36 Anime & Beethoven Klassik im Zeichentrick

38 Klassik meets Rock Müller-Schott in Roskilde Essay 41 Wie exotisch ist Klassik heute? 42 Thomas Hampson Verliebt in die Plus Regional 44 deutsche Sprache Die wichtigsten Termine im Süden Musikstadt Dresden

Die wichtigsten Termine im Norden

48 50 Lieto Fine Gastkommentar von David Orlowsky Impressum

26.09.2008 15:14:06

Fotos: Rabanus Photos/Winfried E. Rabanus; www.hampsong.com; www.stift-heiligenkreuz.at; Ralph Fassey

Titel: Nadja Auermann auf einem „Turandot“-Premierenplakat Foto: André Rival für DEUTSCHE OPER BERLIN

exotik 4 | www.crescendo.de 06 2008

â&#x20AC;&#x17E;Das klingt mir all

www.crescendo.de 06 2008 | 5 exotik

es fremd vorm Ohr“ Exotik und Exotismus: zwei Phänomene, die in der Musik voll zugeschlagen haben VON PASCAL MORCHÉ

Es war in der Hamburgischen Staatsoper und es ist schon einige Jahre her. Doch das Erlebnis war ein außerordentlich exotisches: Die repräsentative Treppe im Parkett-Foyer führte damals noch nicht ans Buffet, sondern schwachsinnigerweise zur Garderobe, zu den Regenmänteln des hanseatischen Opernpublikums. Auf dieser Treppe nun traf mich der Blick einer schönen Frau mittleren Alters. Die Dame, Opernbesucher wie ich, blieb stehen, sagte zu mir, ich sähe aus, als sei ich „nicht so leicht zu schockieren“. Sodann fragte sie mit flackernden Augen und fast bebender Stimme: „Gibt es hier in der Oper auf den Herrentoiletten Präservativautomaten?“ Diese Frage war an diesem Ort nun wirklich exotisch (und ist bis heute mit „nein“ zu beantworten); ich schickte die Frau ins italienische Restaurant auf der gegenüberliegenden Seite der Dammtorstraße. Doch, warum ist die Frage nach Kondomen in einem Opernhaus exotisch? Zumal damals wahrhaftig kein sehr erotisierendes Werk gegeben wurde. Irgendeine Spieloper. Wahrscheinlich mit Helen Kwon. Jedenfalls sang an diesem Abend nicht einmal Renate Spingler mit ihrem Fußkettchen – was als erotisch/exotische Entgleisung (besonders bei Spinglers Donna Elvira) vielleicht noch Lüste geweckt hätte. Was also ist exotisch in der Oper?

Wenn der Sänger des Radamès vergisst in der Garderobe seine Armbanduhr abzunehmen, bevor er auf die Bühne geht? Dass, gegen alle Kostümbildnerermahnungen resistente, stets präsente private Fußkettchen einer Sängerin? Ein Präservativautomat auf dem Klo? Oder wäre es nicht wirklich exotisch, wenn neben dem Bayreuther

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Festspielhaus, wo man zur Zeit noch fränkische Bratwürste bekommt, in Zukunft Döner angeboten würden? Das alles wäre (Döner!) und ist (Spinglers Fußkettchen!) doch ziemlich fremd und befremdlich, und also exotisch. Und so ist es ja auch: „Das klingt mir Alles fremd vorm Ohr“, bemerkt Walther von Stolzing in Wagners „Meistersingern“, wenn er von David erstmals mit den Regeln und Gesetzen der Sangeskunst überschüttet wird. Stolzing ist wahrhaft ein Exot, der ins biedere Nürnberger Bürgertum einbricht. Ihn, den Fremden, fürchten die Meister – und ihm, diesem Paradeexoten Richard Wagners klingt eben „Alles fremd vorm Ohr“ – wie mir die Frage der Dame in der Hamburgischen Staatsoper. Man fürchtet sich vor dem Fremden, vor der Exotik. Das Alte fürchtet sich vor dem Neuen (und umgekehrt). Das Bekannte vor dem Fremden (und umgekehrt). Das Schwarze vor dem Weißen (und umgekehrt). Letzteres kann man auf der Bühne besonders schön erleben, wenn der schwarze Monostatos in der „Zauber�öte“ auf den weißen Papageno trifft. Sie „besehen sich – erschrecken einer über den anderen“ steht hier von Mozart als Regieanweisung in der Partitur. Im Duett glauben dann beide im andern den Schlimmsten zu erkennen, singen im Duett „Das ist der Teufel sicherlich!“ und �iehen schließlich vor ihrem exotischen Gegenüber. Die vielleicht banalste, doch auch menschlichste Erkenntnis in Mozarts Werk folgt, wenn Papageno

auf dem Grünen Hügel beim Biss in die Bratwurst ernsthaft die Frage „ja, derf a Negerin d’Venus singa?“. Nun, Bumbrys Auftritt fand in, für heutige Verhältnisse prähistorischer Zeit statt. Und als sich später Kathleen Battle als Despina über die Bühnen trällerte und der farbige Simon Estes mit Holländer und Wotan Triumphe feierte, hatte das Staunen des Publikums vor der exotischen Sängerhautfarbe schon wesentlich abgenommen. Fast beruhigend: Ein Farbiger als Wotan war also wesentlich früher akzeptiert als ein farbiger US-Präsident. Verglichen mit allen anderen Lebens- und Arbeitsbereichen war die Globalisierung und Internationalisierung des Musikbetriebs bahnbrechend und voranschreitend. Heute wundert sich niemand mehr im Publikum, wenn ein südkoreanischer Pianist mit einer japanischen Geigerin musiziert; wenn der indische Dirigent eine russische Sängerin begleitet; wenn Sänger an einem Opernabend buchstäblich vom Betriebsbüro aus allen Kontinenten und Ländern zusammengewürfelt; nein: zusammenengagiert sind und rassische wie ethnische Unterschiede absolut nicht von Bedeutung sind. Think global – sing global. Und das ist gut so! Die klassische Musik im allgemeinen und der internationale Opernbetrieb im Besonderen sind nur mehr eine Frage von Flugplänen (das ist nicht unbedingt gut so!). Uns klingt kein Ochs auf Lerchenau mehr exotisch und „fremd vorm Ohr“, nur weil der Sänger dieser Partie zufällig aus Milwaukee stammt; uns irritieren keine Rosalinden, deren Heimat vielleicht Sibirien ist, denn diese hochprofessionellen Sänger und Sängerinnen sind längst von Sprachcoaches für Rosenkavaliere und Fledermäuse eingewienert worden, auf dass kein Idiom mehr von ihrer noch so exotischen Herkunft beein�usst wird. Sie werden sogar vom Abopublikum im Provinztheater so selbstverständlich zur Kenntnis genommen wie der Sarotti-Mohr im Schokoladengeschäft. Wenn also „der klassische Musik- und Opernbetrieb“ interkulturell, multinational, global „funktioniert“ und deshalb(!) inzwischen über die Exotik erhaben ist; wenn wir uns an nach Kondomautomaten Suchende am Pausenbuffett ebenso gewöhnt haben wie an Träger von Doc Martens-Stiefeln in der Königsloge; ja wenn wir eventuell die Musik der Maori-Indianer parallel zu einer „Parsifal“-Vorstellung im Foyer zu hören bekommen (weil es vielleicht Wunsch und Wille eines Regisseurs ist) – was, ja was bedeutet dann Exotik in der Musik? Und vor allem: Wann taucht sie auf? Sind es die für unsere Ohren scheppernden Klänge fremder Instrumente, disharmonisch anmutende Tonfolgen und 1883 stellte der berühmte Zoo in Hamburg Menschen als exotische Sensation aus. seltsam leiernde Gesänge? Sicher ist: Exotisch wirkt, was fremd ist. Das zumindest gilt heute, im Zeitalter nach diesem Schrecken re�ektiert: „Es gibt doch auch schwarze Vögel der Globalisierung, immer noch. Allerdings wird dieser Blick auf’s auf der Welt, warum denn nicht auch schwarze Menschen?“ Exotische nicht mehr an Säbelzahntigern, Elefanten und Löwen geDie Exotik der Hautfarbe und somit der ethnischen Herkunft schult. Auch sind fremdartige P�anzen, Kuppelbauten, „Mohren“, in eines Menschen ist ja auf der Opernbühne durchaus schon in RePumphosen und Puffärmel verschleierte Frauen, Kalifen und Kamele alitas Thema gewesen. Auch noch nach 1945. Grace Bumbry löste kaum mehr Zeichen der Exotik. Exotische Klänge �nden wir heute 1961 als „schwarze Venus“ im Tannhäuser auf dem Bayreuther Hügel vielleicht in der Musik auf indonesischen Inseln, bei Pygmäenvölkern einen Pressewirbel aus und das Publikum diskutierte in den Pausen und in der Karibik. Doch betrifft uns das? Es gibt doch schließlich den

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Exotik sells. Statt MarlboroCowboys und CamelAbenteurern setzte in den 1930ern die Werbung auf die damals exotischen Türken.

Begriff der „Weltmusik“ – der Bach, Mozart & Co. interessanterweise gerade „nicht“ meint. Konkret versteht man unter musikalischem „Exotismus“ die Einbeziehung von Elementen aus Musikkulturen außereuropäischer Gebiete oder europäischer Randgebiete, die von unserer tradierten, abendländischen Musikästhetik als fremdartig empfunden wird, die uns also „fremd vorm Ohr“ klingt. Hierzu zählen vor allem von der Dur-Moll-Tonalität abweichende Skalen wie die Pentatonik, „Zigeuner“- und Ganztonleiter, bestimmte Rhythmen sowie ein spezi�sch exotisches Intrumentarium. Exotische Elemente wurden zuerst in die Ballett- und Tanzmusik einbezogen. Sie manifestierten sich zunächst in der Dekoration, in den Kostümen und in der Verwendung unüblicher Utensilien (wie zum Beispiel den Fußschellen beim Tanz). War es im Barock noch ein sehr harmonischer Traum einer idyllischen, oftmals paradiesisch-illysischen, märchenhaften, doch letztlich friedlichen Exotik (Händelopern), so ändert sich dies erst in der Kunstmusik des 18. Jahrhunderts, die unter dem Eindruck der Türkenkriege und Türkenbelagerungen entstanden ist. „alla turca“ in Form und Ausdruck werden bei Haydn, Mozart und Beethoven Mode. Exotik befruchtet eben: Unter Türkeneindruck und Türkentrauma übernahm man in Wien schließlich nicht nur das Kaffeetrinken und den türkischen Halbmond als Gebäck (Croissant oder Kipferl), sondern vor allem die spitzen Staccati, die schnellen Rhythmen und die Instrumentierung der Janitscharenmusik, mit ihrer typischen Besetzung aus Piccolo�öte, Triangel und großer Trommel. Nirgendwo anders sind diese exotischen Klänge offensichtlicher eingesetzt und besser zu hören als in Mozarts „Entführung aus dem Serail“. Diese ganze Oper, ein Paradestück in Sachen Exotik, führt exemplarisch vor, „wie“ lebensgefährlich es ist, sich mit der Fremde einzulassen. Ja, wie grausam diese exotische Fremde sich (gegenüber Westeuropäern) in ihren Bräuchen und Hinrichtungsformen verhält: „erst geköpft,

Exotisch wirkt, was fremd ist. Das zumindest gilt heute, im Zeitalter der Globalisierung, immer noch.

dann gehangen, dann gespießt auf heißen Stangen; dann verbrannt, dann gebunden, und getaucht; zuletzt geschunden.“ Diese Exotik ist wahrlich zum Fürchten und wird erst dramaturgisch geläutert, wenn Mozart und sein Textdichter Gottlieb Stephanie der orientalischen Hauptfigur Bassa Selim abendländisch, aufklärerische Menschlichkeit in den Mund legen – und damit auch den Verzicht auf Rache und Gewalt. Übrigens sind es bei Mozart die Buffo-Partien, „die kleinen Leute“, die jene Brücken bauen und jene Probleme lösen, die von der vermeintlich gefährlichen Exotik ausgehen: Papageno, wenn er in der „Zauber�öte“ auf Monostatos trifft; Pedrillo, wenn er Osmin betrunken macht; und auch Kammermädchen Despina versichert in „Così fan tutte“ „griechisch und arabisch“, „türkisch und vandalisch“, ja sogar „schwäbisch und tartarisch“ sprechen zu können (und mausert sich hier zu einer kleinen Kundry, der nichts Exotisches fremd ist). Im 19. Jahrhundert hat sich Orientalistik als wissenschaftliche Disziplin etabliert. Reiseberichte und Abhandlungen über orientalische Literatur werden gierig verschlungen oder genau studiert – die ferne Fremde, das Exotische wird idealisiert, geträumt und kopiert. Im bürgerlichen Salon wuchern nun Palmen und schreien Papageien. Wer damals auf sich hält (z.B. Wagner, Flaubert, Heine) hat solch einen exotischen Vogel. Man geht auf Reisen (beliebt Marokko, Marrakesch, Indien) und stellt bald fest, was Ernst Bloch unter dem Kapitel „Schöne Fremde“ im „Prinzip Hoffnung“ schreibt: „Nichts ist in der Fremde exotisch als der Fremde selbst.“ (Man bemerke Blochs Nähe zum Spontispruch „Alle Menschen sind Ausländer – fast überall.“) Diese Begeisterung für die Exotik drückt sich im 19. Jahrhundert vor allem in den Sujets aus, die nun auf die Opernbühne kommen: Charles Gounod schreibt „La Reine de Saba“ („Die Königin von Saba“); Meyerbeers „L’Africaine“ spielt in Lissabon und – wie Delibes „Lakmé“ – in Indien; Massenet widmet sich dem „Roi de Lahore“; Bizet beschreibt „Perlen�scher“ auf der Insel Ceylon; Rossini komponiert die Abenteuer einer Italienerin in Algier, eines Türken in Italien und der Königin Semiramis von Babylon; Carl Maria von Weber erzählt musikalisch von „Abu Hassan“ in Bagdad; der frühe Verdi hat mit einer Oper Erfolg, die in Jerusalem und Babylon spielt („Nabucco“) und der späte Verdi gibt als Schauplatz von „Aida“ Memphis und Theben an. Je mehr nun das Fin de Siècle naht, je näher das 20. Jahrhundert

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Der kleine, aber feine Unterschied

Foto: Staatsgalerie Stuttgart, Ausstellungskatalog, Das exotische Plakat, 1987

und der Jugendstil rückt, desto exotischer werden die Themen und Handlungsorte auf der Opernbühne: Puccini setzt seinen Landsleuten als seine erste Oper „Le Villi“ vor, welche (durchaus exotisch für Italiener!) ausgerechnet im deutschen Schwarzwald spielt, um sich später an exotischen Schauplätzen zu tummeln: „Madame Butter�y“ spielt in Nagasaki, „Turandot“ in Peking und in „La fanciulla del West“ erlebt das Publikum – wahrlich paradox exotisch – italienisch singende Cowboys und Goldgräber in Kalifornien; Richard Strauss feiert mit einer so exotischen Figur wie der „Salome“ seinen ersten großen Bühnenerfolg. Der Dramatiker und Komponist Richard Wagner bleibt auf der Bühne dem Norden, der Edda, Nürnberg und Cornwall treu. Privat und geschäftlich hat er durchaus exotische Ideen: Als es im Verhältnis zu seinem Gönner König Ludwig II. erstmals zu Schwierigkeiten kommt, überlegt Wagner ernsthaft, sich Kaiser Dom Pedro von Brasilien an den Hals zu werfen und beauftragt sogar den Architekten Semper mit Plänen für ein Opernhaus in Rio de Janeiro. Dieser bekundet, es sei sicher recht reizvoll „ein Opernhaus für schwarze Menschen“ zu bauen.

Beginn der Tourismusindustrie: Nicht der Blick auf fremde Menschen steht im Vordergrund, sondern die exotischen Länder selbst, sollen Reiselust wecken.

Exotik: Der Begriff stammt aus dem Griechischen und meint „die auswärtige“, „fremdländische“, „exotische Sache“. Es werden damit Gegenstände bezeichnet, die als besonders fremd wahrgenommen werden oder sonstwie außergewöhnlich erscheinen. Das zugehörige Eigenschaftswort heißt „exotisch“. Für außergewöhnliche oder fremd anmutende Menschen wird teilweise der Begriff „Exoten“ genutzt. Exotismus: So bezeichnet man die Überbetonung exotischer Aspekte von fremden Menschen. Dies entspricht einer bestimmten Form eines auf Europa zentrierten Weltbilds. Ein Blick auf die Fremde wird nur geworfen, indem deren „exotische“ Aspekte betrachtet bzw. deren Bewohner zu „edlen Wilden“ stilisiert werden.

Das beginnende 20. Jahrhundert nutzt in der Musik die Erotik der Exotik und die tieferen Einblicke in fremde Kulturen und deren Klangwelten. Mit diesem Zuwachs an Wissen zeichnet sich auch eine grundlegende Änderung im Umgang mit dem Exotischen ab. Waren die Exotismen zuvor in erster Linie verzierende Merkmale einer Komposition, so wurden sie nun zu substanziellen Bestandteilen. Neben der Zwölfton-Musik �nden nun die Elemente des Jazz Eingang in die Partituren (Alban Berg, Kurt Weill, George Gershwin, Ernst Krenek). Doch Jonny spielt nicht lange auf... Der Rest ist bekannt: Die Exotik, das Fremde gilt von 1933 bis 1945 als „entartet“. Hier nun entstand jener Humus, der Menschen noch 1961 über eine „schwarze Venus“ im Bayreuther „Tannhäuser“ sich empören ließ. Wir wären also wieder am Anfang der Geschichte? Nicht ganz. Leider. Die klassische Musik, vom Barock bis zur Moderne, selbst ist es, die inzwischen für die Ohren der meisten Menschen exotisch wurde, die inzwischen als ein absolut exotisches Thema empfunden wird. Eine Oboe klingt für einen durchschnittlichen deutschen Schüler heute genau so exotisch wie ein Didgeridoo, jenes Blasinstrument der australischen Aborigines – meist allerdings sogar noch exotischer, weil der Schüler ein Didgeridoo von irgendeinem Straßenmusiker aus irgendeiner Fußgängerzone kennt. Bach, Mozart, Beethoven, Wagner... Wer ist das? Es ist so: Die klassische Musik existiert, wenn überhaupt, für die meisten Menschen in einer völlig exotischen, schwer zu erreichenden und schwer begehbaren Nische. Zwischen klassischer Musik und den Menschen hat eine für immer irreparable Entfremdung stattgefunden. Die Gründe suche ein jeder sich selbst. Beispiele dieser Entfremdung gibt es viele: Versuchen sie nur mit einem normalen Redakteur eines durchaus hochwertigen Printmediums über Mozart oder Beethoven, über Richard Wagner oder Alban Berg zu sprechen – es klingt ihm „alles fremd vorm Ohr“. Der Rapper 50 Cent, Bono oder Amy Winehouse werden ihm bekannt sein. Aber: Das „Erzherzog Trio“ von Beethoven? Die „B-Dur Sonate“ von Schubert? Wagners „Tristan“? Schulterzucken. Sehr exotisch! Lang Lang und Netrebko, ja, „die“ sind nicht exotisch – jedoch: Alles, was in der Musik außerhalb populärer Wahrnehmung liegt, klingt exotisch und somit ziemlich „fremd vorm Ohr.“ Machen wir uns nichts vor: Das dürfte so bleiben. „Ohne Musik ist das Leben ein Irrtum“, schrieb Friedrich Nietzsche. Ohne „klassische Musik“ sollte man heute hinzufügen. Demnach leben die meisten Menschen heute in einem Irrtum. Aber, sie merken es nicht, und: Stört’s wen? – Sollte es aber! //

„Sony”, „like.no.other” und „WALKMAN” sind Marken oder eingetragene Marken der Sony Corporation, Japan.

Musik ist Geschmackssache, Sound eine Frage von Qualität. Schon als Teenager spielte Violinen-Star David Garrett eine echte Stradivari. Nicht nur deshalb pﬂegt er höchste Ansprüche, wenn es um perfekten Klang geht. So wie der WALKMAN® NWZ-S630 von Sony: bester Sound – immer und überall. www.sony.de/walkman

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Foto: Dagmar Gelbe-Haussen

Irgendwie anders:

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Countertenöre! Noch immer sind sie Ausnahmeerscheinungen in der Gesangsszene: Männer, die sich das Kopfregister ihrer Stimme zunutze machen. Engelsgleich und hoch scheinen sie über den Niederungen des Sängeralltags zu schweben. Eine perfekte Illusion ... VON R ICH A R D E C K S T EI N

Links: Sopranist Robert Crowe in einer aktuellen Inszenierung von Domenico Scarlattis barockem Opern-Intermezzo „La Dirindina“ am Staatstheater Darmstadt. Unten: Das Barock-Publikum in Gérard Corbiaus KastratenFilm „Farinelli“ im Markgräflichen Opernhaus Bayreuth.

den Kastraten noch heute an. Und es hat sich in säkularisierter Form auch auf ihre Nachfolger – Countertenöre und Sopranisten – übertragen. Auf den Opern- und Konzertbühnen unserer Tage gibt es keine größeren Exoten, falls Theaterintendanten bzw. Veranstalter überhaupt das „Wagnis“ eingehen, sie zu engagieren. Nach wie vor gibt es bei vielen Klassikfans Berührungsängste.

Einige Klarstellungen sind nötig, um etwas Licht in Historie und Dasein der Falsettisten zu bringen. Den Countertenor, Altus oder Falsett-Sänger gab es wahrscheinlich schon vor dem Phänomen „Kastrat“. Es handelt sich um eine ganz natürliche Erscheinung, bei der mit Hilfe einer durch Brustresonanz verstärkten Kopfstimme in Alt- oder sogar Sopran-Lage gesungen wird. Im 1. Jahrhundert waren spanische Falsettisten im Vatikan engagiert, weil nach damaliger katholischer Auffassung der Apostel Paulus den Frauen in der Kirche ein Schweigeverbot auferlegte. Die Kastration von Knaben mit dem Ziel, ihnen eine erfolgreiche Gesangslaufbahn zu ermöglichen, war eine seit der Spätantike vor allem in Italien häu�g vorgenommene Praxis. In einem operativen Eingriff, kurz unterhalb des Blinddarms, wurden den Buben vor(!) der Pubertät die Samenstränge abgeklemmt. Das

männliche Sexualhormon Testosteron konnte auf diese Weise seine Wirkung nicht voll entfalten. Der junge Mensch wuchs zwar zu einem Erwachsenen heran, behielt aber seine hohe, unmutierte Stimme und konnte mit ihr so kräftig singen wie ein Mann. Eine Gewähr dafür, wie sich Stimme und musikalisches Talent des betroffenen Knaben entwickeln würden, gab es freilich keine. Erfolgreiche Kastraten waren zwar nicht zeugungs-, aber sehr wohl erektionsfähig und daher im Barock als Liebhaber (aufgrund quasi eingebauter Schwangerschaftsverhütung) sehr geschätzt.

Foto: Bayerische Schlösserverwaltung, www.schloesser.bayern.de

Der Schwanz ist ab! Dieses (übrigens falsche) Stigma haftet

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Galerie der führenden Countertenöre und Sopranisten

Im europäischen Musikleben des 17. und 18. Jahrhunderts – insbesondere auf der Opernbühne – waren Kastraten die Superstars. Namen wie Farinelli, Senesino, Caffarelli und Bernacchi kannte jeder. Noch bis Mitte des 19. Jahrhunderts wurden Jungen kastriert. Selbst Richard Wagner soll mit dem Gedanken gespielt haben, in „Parsifal“ einen solchen Sänger einzusetzen. Schließlich hat sich Klingsor tatsächlich „entmannt“, um nicht länger den Anfeindungen der Sünde ausgesetzt zu sein. Für diese Partie soll Wagner ursprünglich an eine Stimme wie die von Giovanni Battista Velluti (1781-1861) gedacht haben. Manch merkwürdiger Sprung in Klingsors Gesangslinien würden so eine plausible Erklärung erfahren. Auch die klangdramaturgisch heikle Dopplung von zwei Heldenbaritonen – Amfortas und Klingsor – gäbe es dann nicht. Man darf spekulieren … Als führender Kastrat seiner Zeit war Velluti bereits 1824 von Wagners schärfstem Konkurrenten Giacomo Meyerbeer mit einer Hauptrolle in der Oper „Il crociato in Egitto“ („Die Kreuzritter in Ägypten“) bedacht worden. In Nach einem derart einem bemerkenswerten DVDherb-virilen Vokalklang Live-Mitschnitt aus Venedig wird könnte man geradezu diese ehemalige Kastraten-Partie von einem der beiden momentan süchtig werden. führenden Sopranisten interpretiert: Michael Maniaci. Ob die phänomenal weiche, runde, fast einschmeichelnde Stimme des Amerikaners dem Vorbild Vellutis nahe kommt, sei dahingestellt. Von erhaltenen Aufnahmen des letzten prominenten Kastraten, Alessandro Moreschi (1858-1922), wissen wir, dass der spezi�sche Klang dieser Stimmen durchaus härter gewesen sein kann. Die Besetzung von Männerrollen in Sopran- oder Altlage stellt seit Abschafffung der Kastratenpraxis ein besonderes Problem für die Aufführung Alter Musik dar. Im 20. Jahrhundert war es lange üblich, solche Rollen in typischere Männerlagen zu transponieren, um Hörerwartungen zu entsprechen, die von den Werken des 19. Jahrhunderts ausgingen. Mit der Entwicklung der Historischen Aufführungs-

Virgin Classics. Robert Crowe Giacomo Carissimi – Virtuoso Soprano Motets, Michael Eberth, Profil Edition Günter Hänssler David Daniels Sacred Arias & Cantatas, Johann Sebastian Bach, The English Concert, Harry Bicket, Virgin Classics. Andreas Scholl Crystal Tears, Concerto di viole, Julian Behr, harmonia mundi. Michael Maniaci „Il Crociato in Egitto“, Giacomo Meyerbeer, Dynamic. Philippe Jaroussky Carestini – The Story of a Castrato, Le Concert d´Astrée, Emmanuelle Haïm, Virgin Classics.

praxis hat sich jedoch die Ansicht durchgesetzt, dass eine Änderung der Stimmlage die Struktur der Musik beeinträchtigt – vor allem bei Liebesduetten in Barockopern, bei denen die Stimmen oft in der gleichen Lage miteinander verwoben sind. Jetzt „behilft“ man sich dort mit Countertenören, deren Falsett aber andere, weniger trompetenhafte Klangeigenschaften aufweist als Kastratenstimmen. Ein männlicher Sopran, der hingegen über das nötige Metall verfügt, ist Robert Crowe. Nach einem derart herb-virilen Vokalklang könnte man geradezu süchtig werden. Crowes ureigene Domäne ist die überbordend virtuose Musik der Barockzeit. Da im Vatikanstaat 30 Jahre lang keine Opern aufgeführt werden durften, waren die Oratorien des Komponisten Giacomo Carissimi (1605-1674) die einzigen dramatischen Vokalwerke, die in Rom toleriert wurden. Auf Latein gesungene biblische Texte wurden mit höchst theatralen musikalischen Gesten versehen. Robert Crowe erweist sich als ein Meister barocker Rhetorik. In den bei der Pro�l Edition eingespielten vier Solo-Motetten, von denen die kürzeste „Adeste mortalis“ neun Minuten, die längste „Oleum effusum est“ fast 25 Minuten dauert, hält er nicht bloß den Spannungsbogen aufrecht, sondern weiß genau, wo nach LegatoPhrasen voller Innigkeit und Ruhe wieder virtuoser Drive erforderlich ist. Ein solch’ makelloses Timing krönt den in der Mindelheimer Jesuitenkirche „Mariä Verkündigung“ bestens eingefangenen Klang von Crowes zupackendem Sopran. Die Vielfalt in der Countertenor-Szene ist immens. Jeder mag dort unter großen, völlig unterschiedlichen Künstlerpersönlichkeiten seinen ureigenen Liebling �nden: sei es der mit ungeheurem dramatischem Impetus singende David Daniels, ein echtes Bühnentier; Max Emanuel Cencic, der als Wiener Sängerknabe noch Sopran war und nun als Countertenor begeistert; oder Andreas Scholl, der ganz aus der Sprache heraus gestaltet und wunderbare poetische Welten zum Leben erweckt. Momentaner Senkrechtstarter ist jedoch der französische Counter Philippe Jaroussky, der für seine 30 Jahre schon eine erstaunliche musikalische wie intellektuelle Reife an den Tag legt. Er hat völlig recht, wenn er meint: „Das Kompliment, ich habe eine schöne Stimme, halte ich mittlerweile für eine Beleidigung. Ich will für meine Art zu singen geliebt werden.“ //

Mehr Counter und Soprano auf der crescendo premium-CD.

In den vergangenen Monaten sind zahlreiche Solo-Platten erschienen, die den Stand der gegenwärtigen Countertenor-Kunst hervorragend dokumentieren. Zugleich entsprechen die Recitals den Repertoire-Vorlieben des jeweiligen Sängers: Cencic setzt sich mit Rossini, Crowe mit Carissimi, Daniels mit Bach, Scholl u. a. mit Dowland und Jaroussky mit dem Kastraten Carestini auseinander. Max Emanuel Cencic Opera Arias & Overtures, Gioacchino Rossini, Orchestra de Chambre de Genève, Michael Hofstetter,

DIE MUSIKLANDSCHAFT SACHSEN SUCHT DEUTSCHLANDWEIT IHRESGLEICHEN Kein zweites Bundesland wartet mit einer solchen Fülle an Konzerthäusern und Bühnen, Museen und herausragender Architektur auf. Es sind insbesondere die erlesenen Kunst- und Kulturerlebnisse, die von Besuchern aus aller Welt geschätzt werden. International beachtete Theater- und Musikinszenierungen, hochkarätige Festivals, historische und moderne Ausstellungen prägen die sächsische Kulturlandschaft. Der einzige Festivalführer Sachsens „Musiklandschaft Sachsen“ weist allein über 40 national und international renommierte Musikfestivals aus, bei denen Künstler von Weltruf musizieren. Bereits heute blickt die Tourismus Marketing Gesellschaft Sachsen darin auf die Jubiläen großartiger Musiker voraus: der 200. Geburtstag von Felix Mendelssohn-Bartholdy 2009 und der 200. Geburtstag Robert Schumanns 2010.

Die Broschüre „Musiklandschaft Sachsen 2009“ erhalten Sie kostenlos unter +49 351 491700 oder unter www.sachsen-tourismus.de

exotik 14 | www.crescendo.de 06 2008

Ein Leben auf vielen Kontinenten und dennoch ganz bei sich: die Starpianistin Hélène Grimaud

Hélène Grimaud wird von einer Idee des „Anderswo“ getrieben, fühlt sich in dieser Heimatlosigkeit aber geborgen. Denn ihr Erlebnishorizont hat sich stark erweitert. Nun kann sie sich aussuchen, wo sie offen und loyal bleiben oder sich anpassen will. crescendo: Was ist für Sie exotisch? Hélène Grimaud: Exotik ist für mich etwas aus einer anderen Welt,

etwas Evokatives, eine Reminiszenz, aber auch etwas, was einen neugierig macht auf Neues. Zugleich könnte es einen auch nostalgisch stimmen oder abenteuerlich. crescendo: Empfinden Sie sich selbst als Exotin? Grimaud: Das ist eine schwere Frage. Als Interpretin ja, denn ein Interpret ist auch ein Bote exotischer Welten. Interpreten laden stets zu einer Reise ein, die in ganz andere, zuweilen exotische Gefilde führt. crescendo: Nun, Sie selbst entstammen exotischen Verhältnissen, einer ziemlich multikulturellen Familie... Grimaud: Mein Großvater väterlicherseits kam aus Deutschland, mein Großvater mütterlicherseits stammt aus Italien; mein Vater

Foto: Mat Hennek

„Meine Heimat heute ist die Musik“ wurde von einer französischen Familie adoptiert, nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs. So kam der Name Grimaud in die Familie. Er hat seine Familie nie kennengelernt. Meine Mutter kommt aus Nordafrika, dann ging die Familie nach Korsika, später nach Frankreich. Als junges Mädchen war dies ein Problem, weil ich mich nie als wirkliche Französin gefühlt habe. Ich konnte mich nie heimisch fühlen. Meine Heimat heute ist die Musik. Doch immer, wenn ich nach Deutschland komme, fühle ich: Es ist etwas hier, was mir entspricht. Ich kann es schwer beschreiben. crescendo: Kann man Exotik erst erkennen, wenn man weiß, wo die Heimat liegt? Grimaud: Ja, vermutlich ja. Ich fürchte, Sie haben Recht. crescendo: Oder liegt erst in der Exotik das Wahre, das Ursprüngliche? Grimaud: Die Wahrheit liegt für mich nicht nur in meinem Wissen, sondern auch in meinem Handeln. Da gibt es ein wunderbares griechisches Wort: „altea“. Es bedeutet Wahrheit, ein sich Öffnen ohne Rückzug. Um die Wahrheit im Exotischen zu finden, muss man wohl auch akzeptieren, dass es verschiedene Versionen von

www.crescendo.de 06 2008 | 15 exotik

Wurzeln suchen. Wenn sich alles vermischt, alles verallgemeinert wird, dann gibt es keine exotischen Orte mehr. crescendo: Umgekehrt gefragt: Wieviel „Exotik“ vertragen wir wirklich? Je näher uns Fremde kommen, umso unheimlicher werden sie doch den meisten Menschen. Statt Faszination und Freundschaft herrscht viel eher Aggression und Angst, sobald alle sich den Alltag teilen müssen. Grimaud: Ja, das ist wirklich paradox. Viele Menschen fühlen sich eingeengt und sehen nicht die unglaubliche Chance, eine andere Kultur nun kennenlernen zu können. Doch das müssen wir tun. Denn irgendwo sind wir uns sehr ähnlich in unseren Bedürfnissen, unseren Ängsten und eigentlich auch in unseren Zielen. Und da wir auch aufeinander angewiesen sind, müssen wir über unseren eigenen Horizont hinausgehen. Das ist eine faszinierende Herausforderung. crescendo: „Exotik sells“ könnte man sagen: Reisen, Parfums, schöne Frauen und sogar der Orangensaft wird damit etikettiert… Grimaud: Ja, das ist gut und schlecht. Gut, weil es als ein Zeichen von Interesse gedeutet werden kann, schlecht allerdings, weil es Klischees und Vorurteile fördert. Vieles bleibt an der Oberfläche und lässt einen schalen Geschmack zurück. Es liegt auch immer an einem, was man damit anfängt. Exotische Produkte können Türen öffnen, in eine fremde faszinierende Welt. Und zum Verständnis beitragen, was die Welt zusammenhält. Die Gefahr heute ist, dass man alles vereinfacht und die Menschen immer nur für die Idee begeistert, aber nicht für die Essenz der Dinge. // Das Gespräch führte Teresa Pieschacón Raphael

Am 17. 10. erscheint bei der Deutschen Grammophon Hélène Grimauds neues Bach-Recital.

fotograﬁ e: stefan moses

Wahrheit, von Bewusstseinsebenen gibt. Das Wahre kann nicht nur ein fixer Status sein, das Wahre ist wesentlich komplexer. crescendo: In Briefen und farbenfrohen Bildern schildert Paul Gaugin sein selbst gewähltes Paradies in der Südsee, während er in Wahrheit von Malaria und Gelbfieber gezeichnet und hungernd, weil sein Vermögen aufgebraucht war, in seiner ärmlichen Hütte lag. Brauchen wir Exotik, um zu überleben? Grimaud: Ich glaube, dass Menschen in solchen Situationen empfindsamer sind, manche brauchen diese extremen Gefühle, oft überleben Menschen, oft sind es Künstler, nur, wenn sie sich mit einer anderen Realität umgeben, auch wenn diese nicht so komfortabel ist. Vielleicht muss man manchmal in eine andere Realität gehen, um sich selbst zu erkennen. Man kann aber auch andere Realitäten vor dem inneren, geistigen Auge erstehen lassen. crescendo: Henri Rousseau, der Büromensch, der nie aus Frankreich herauskam, malte Urwaldszenen. Der Schreibtisch-Abenteurer Karl May erfand Indianer- und Cowboy-Geschichten. Grimaud: Das ist doch interessant, nicht wahr? Es gibt Komponisten, die viel reisten und überall Einflüsse mit sich nahmen. Dann gibt es andere, die imstande sind, ein ganzes Universum in sich erstehen zu lassen. Bach ging einen mittleren Weg, er hörte sich die Werke anderer Komponisten mit all ihren Stilarten an, und brachte sie zur Synthese. Er bringt die ganze Welt zum Einklang. crescendo: Also kein Exot. Grimaud: Nein, das wirklich nicht. Er war universal. crescendo: Wir leben in einer globalisierten Welt, geprägt von political correctness. Wie passt das mit unserer Sehnsucht nach Exotik zusammen? Grimaud: Sehr schlecht. Je mehr versucht wird, alles anzugleichen, umso mehr wird der Mensch sich seine eigenen Räume, seine

HENRIETTE KAISER · JOACHIM KAISER

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von diesem mystischen Ort inspirieren zu lassen. Heute sind die buddhistischen Tempelanlagen von Borobudur Touristenziel Nr. 1 auf der indonesischen Insel Java.

Foto: Thomas Pfeffer/Bildagentur Thomas Pfeffer

Messiaen war einst hier, um sich

www.crescendo.de 06 2008 | 17 exotik

Foto: Ralph Fassey

„Eine Musik wie Kirchenfenster“ Olivier Messiaen und seine musikalische Sprache VON CHRISTOPH SCHLÜREN Paradiesvogel unter den Komponisten: 60 Jahre lang hatte Olivier Messiaen (1908-1992) die Organistenstelle an der Pariser Kirche Sainte-Trinité inne.

Am 8. Dezember begeht die Musikwelt den 100. Geburtstag von Olivier Messiaen. Er war einer der Hauptrepräsentanten der Moderne des 20. Jahrhunderts, der Idee von Fortschritt und Individualismus, und wird heute verehrt als eine Ikone großer Kunst. Was hat Messiaen der Welt an Neuem gebracht, und was ist sein schöpferisches Vermächtnis?

Das Schaffen Olivier Messiaens passt in keine vorgegebene Ordnung. Er hat eine ganz eigene Klangwelt kreiert, indem er Elemente unterschiedlichsten Ursprungs zu einer neuen Einheit verschmolz. Eines dieser Elemente ist seine musikalische Herkunft: die französische Orgeltradition mit ihrer geistlichen Bindung, also dem Dienst an den Symbolen und Ritualen der katholischen Kirche unter Einbeziehung des gregorianischen Choralgesangs, die zurückgeht auf César Franck. Ein anderes ist die ornithologische Forschung, also die systematische Erkundung der Welt des Vogelgesangs. Als drittes kommt die Erkundung exotischer Modi hinzu, also für die europäische Tradition fremdartiger Tonfolgen aus dem Fernen Osten, Indien und Indochina, Zentralasien und dem vorderen Orient. Und als viertes der umklammernde Funktionalismus, der so etwas wie eine Systemsicherheit für die Verbindung so vollkommen verschiedenartiger Stilmittel gewährleisten sollte.

Diese Seite hat Messiaen 1944 in seiner Schrift „Technique de mon language musical“ („Technik meiner musikalischen Sprache“) dargelegt, und sie bildete für die aus den Traditionen übernommenen Elemente einen strukturellen Rahmen. Ihren radikalsten Ausdruck fand diese Methodik 1950 in der Klavieretüde „Modes de valeurs et d’intensité“, wo die Anschlagsarten und Lautstärkegrade in einer feinstu�gen Skala festgelegt wurden. Dieses für Messiaen selbst unbedeutende Stück zog musikgeschichtlich eine Revolution nach sich, und in seinem Gefolge entstand der strenge „Serialismus“, propagiert von Boulez, Stockhausen, Nono usw. – in Messiaens Augen ein engsichtiger Irrweg, dem nun eine ganze Generation mit all ihrem Fanatismus folgte. Für Messiaen war Musik – hierin ist er ganz Franzose – vor allem ein Spiel der Farben. Das sind nicht nur die Farben der Instrumente, sondern ebenso die Farben einer reich schillernden Harmonik. Seine Stücke sind eine Feier der wechselnden Aura nebeneinander erstrahlender Akkorde. Um diese Wirkung zu verstärken, zog er die klassische Dynamik des zielgerichteten Sogs von der Harmonik, die sonst nach dem Verlassen stets zum Grundton zurückstrebt, weitestgehend ab und schuf eine statische Musik, die die Schönheit der Klänge an sich in den Vordergrund rückt, statt des menschlichen Faktors, den wir Drama nennen, und der – wie beispielsweise in einem Film – durch einen zusammenhängenden Spannungsverlauf gekennzeichnet war.

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Messiaen war ein Mann der Widersprüche. So verband er seinen Katholizismus mit einer geradezu heidnischen Faszination für das exotische Ritual und die Verherrlichung der göttlichen Natur. Er war ein begnadeter Entdecker von Klang- und Farbkombinationen, wofür er andere Aspekte weitgehend opferte. So �nden wir bei ihm so gut wie keine Kontrapunktik (also das spannungsreiche GegeneinanderAgieren der Melodielinien in der Vielstimmigkeit), und sein Rhythmus hat nichts frei schwingendes, aus seinen eigenen Impulsen Vitales, sondern ist numerisch zusammengesetzt, stets von außen kontrolliert. Das Spontane, unmittelbar aus dem Geschehen sich Ausdrückende ist ausgeschaltet und �ndet auf anderem Wege Ersatz, durch das die hohen Lagen durchziehende Gezwitscher, das Messiaen auf seinen Exkursionen in Indonesien, Peru, Japan etc. den Vögeln ablauschte und zu einem generellen Bestandteil seines Tonrepertoires machte. Kein Wunder, dass sein spätes Hauptwerk denn auch ein Mysterienspiel (genannt „Oper“) über den heiligen Franziskus („St. François d’Assise“) sein sollte.

Eine stilistische Entwicklung ist in Messiaens Musik kaum zu beobachten, seit er zu seiner Sprache gefunden hat, die bei dem Verzicht auf herkömmliche Dramaturgie und Tonalität ein weites Spektrum zwischen einschmeichelnder, bezirzender Schönheit und schroffen, dissonant widernatürlich hämmernden Rhythmen umspannt. So gilt für sein ganzes Schaffen, was er 1946 in einem Interview bekannte: „Ich weiß nicht, ob ich eine Ästhetik habe, aber ich kann sagen, dass meine Vorliebe auf eine schillernde, verfeinerte, ja wolllüstige Musik – wohlverstanden, nicht sinnlich gemeint – gerichtet ist. Auf eine zarte oder heftige Musik, voll von Liebe und Ungestüm. Auf eine Musik, die sich wiegt, die singt. Ehre sei der Melodie, der melodischen Phrase! Auf eine Musik, die neues Blut ist, eine sprechende Gebärde, ein unbekannter Duft, ein Vogel ohne Schlaf. Eine Musik wie Kirchenfenster, von komplementären Farben. Eine Musik, die das Ende der Zeit ausdrückt, die Allgegenwart, die verklärten Leiber, die göttlichen und übernatürlichen Geheimnisse. Ein theologischer Himmelsbogen.“ //

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Schlaglichter auf den Messiaen-Kosmos Einige Plattenfirmen lassen es zu Messiaens Hundertstem richtig krachen: EMI, hänssler und DG veröffentlichen aufwendig ausgestattete CD-Boxen. Aber auch manche Einzelveröffentlichungen sind bemerkenswert. Hommage à Messiaen Pierre-Laurent Aimard, Deutsche Grammophon Messiaen Edition Orgel, Klavier, Lieder Vol. 1, „Piano“, Willem Tanke, Peter Hill, Ingrid Kappelle, Håkon Austbo, Brilliant Classics Messiaen – Garden Of Love´s Sleep Deutsche Grammophon Messiaen – 100th Anniversary Box EMI Classics Messiaen – Die Orchesterwerke (Box) SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg, Sylvain Cambreling, hänssler CLASSIC Olivier Messiaen – Complete Edition (Box, limitiert), Deutsche Grammophon Èclairs sur l´Au-Delà Wiener Philharmoniker, Ingo Metzmacher, KAIROS. Visions de l´Amen Ute Gareis und Klaus-Georg Pohl, Thorofon.

Mehr Messiaen auf der crescendo premium-CD.

exotik 18 | www.crescendo.de 06 2008

www.crescendo.de 06 2008 | 19 exotik

Vom HavannaStreet-Kid zum Ballettstar

„Mein Name wurde angekündigt. Ich nahm meine Jacke in meine Rechte und legte meine Linke in die Hüfte. Der Hall des Mikrofons, die Geräusche des Publikums verstummten zu einer Todesstille. Ich spannte mein Gesäß an, öffnete die Augen, hob meinen Hals, und bot der Welt die ganze Strahlkraft meines Lächelns.

Ich trat hinaus und stellte mich in dem tendu derrière auf. Diesmal gab ich den Einsatz mit einem selbstsicheren Zeichen meines rechten Armes und dann stieg mein Körper auf, dem Dach des Theaters entgegen. Meine Beine hatten sich in Adlerschwingen verwandelt. Ich fühlte, dass ich �og und nichts und niemand mich zurückhalten konnte. Die Pirouetten waren sauber, endeten immer mit einem Heben des Kopfes, um ihre Vollkommenheit zu unterstreichen. Ich vollführte die double tours en l’air genau im Einklang mit der Musik, hielt die Arabeske am Ende jeder einzelnen Figur. Jetzt fehlte nur noch eine letzte Anstrengung für die abschließenden Pirouetten. Mein Herz hämmerte. Für einen kurzen Moment be�elen mich Zweifel, doch während ich meine Oberschenkelmuskeln anspannte, sagte ich mir: „Los, Mensch, du hast es beinahe geschafft. Jetzt nicht schlapp machen!“ Ich bereite mich mit einem tendu latéral vor, schleuderte mich vorwärts, uuuuund … Pruuum! Das Klavier verstummte. Einige Sekunden lang blieb ich auf dem Boden knien, lauschte dem donnernden Beifall, geblendet von dem Blitzlichtgewitter, das im ganzen Saal losbrach. Ich verbeugte mich und dachte darüber nach, was ich da gerade getan hatte. Diese Sprünge und Drehungen waren die Schreie des eingesperrten Tieres, das ich in mir trug. Zum allerersten Mal hatte ich mich freigetanzt.“ Carlos Acosta Kein Weg zurück. Die Geschichte eines kubanischen Tänzers. Schott Verlag 2008, ISBN 978-3-7957-0192-5, 368 S., 24,95 EUR

Foto: Schott Music

Ausschnitt aus der bewegenden Autobiografie des kubanischen Tänzers Carlos Acosta

exotik 20 | www.crescendo.de 06 2008

Die wundersame Kraft des

„Erzählen Sie uns Ihr ungewöhnlichstes, also „exotischstes“ Klassikerlebnis?“, fragten wir berühmte Solisten, einen und einen Komponisten. Manche Antworten überraschen, aber alle zeugen von Toleranz und gegenseitigem DAVID ORLOWSKY „Zum Marsch am Schluss wurde getanzt.“ Mein exotischstes Konzerterlebnis hatte ich im Alter von 15 Jahren in Südafrika. Wir traten mit einem Jugendblasorchester in einem Township von Kapstadt auf. Die Menschen reagierten unglaublich: Bei jeder rhythmischen Stelle wurde mitgeklatscht, nach jedem Satz applaudiert und Kommentare gerufen. Zum Marsch am Schluss wurde getanzt. Irgendwie kam uns das alles jedoch viel natürlicher vor als dieses betonte „Nichtklatschen“ – und stattdessen Husten – in deutschen Konzer tsälen zwischen den Sätzen.

DANIEL MÜLLERSCHOTT „Unmittelbarkeit und Intensität“ Daniel Shafran ist ein ganz großartiger, leider bereits verstorbener Kollege von mir, den ich immer schon sehr für seine unkonventionelle, fabelhaft freie, auch durchaus „exotische“ Art des Cellospiels bewundert habe. Hier in Live-Aufnahmen aus Russland mit Werken von Bach, Haydn, Prokofjew, bis hin zu Shchedrin, Schnit tke, Ravel und de Falla zu erleben. Die Aufnahmen beeindrucken mich vor allem durch die Unmittelbarkeit und Intensität des Musizierens: beispielsweise der extrem virtuose 2. Satz von Prokofjews „Sinfonia Concertante für Cello und Orchester“ ist atemberaubend gespielt. Daniel Shafran Edition (Brilliant Classics) Historical Russian Archives

JOHANNES MOSER „Wunderbare Kulturunterschiede“ Absolut „exotisch“ war meine Tournee nach Ruanda im Jahr 2002: die ersten klassischen Konzerte in diesem ostafrikanischen Land überhaupt! Wunderbare Kulturunterschiede: Für die virtuosen Läufe im „Haydn-Cellokonzert“ bekam ich Szenenapplaus und Jubel, danach aber klatschte keiner. Warum auch: Die Musik war ja schon vorbei! Im Gegenzug war man fast beleidigt, dass wir bei einer Vorführung des ruandischen Staatsballetts nicht mittanzten und mitklatschten, sondern danach (unrhy thmisch!) applaudier ten. Es war doch ebenfalls schon vorbei ...

PETER MICHAEL HAMEL „... das ‚ganz Andere‘, das dir näher kommt“ Meine erste „exotische“ Musik – oh Schreck! Pygmäengesang und Mato-Grosso-Stimmen: ein außerhalb von dir scheinendes, in deinem Tiefsten dennoch enthaltenes Klingen. Das Fremde, aber Urvertraute indigener und autochthoner Kulturen, das „ganz Andere“, das dir näher kommt, je weiter du dir selbst begegnest. Vor 35 Jahren für mich der nordindische Dhrupadgesang, angeblich ausgestorben, aber wiederentdeckt von Peter Pannke, dem Mi t gr ünder des Freien Musikzentrums in München, b e s ch r i e b e n i n seinem herrlichen Buch „Sänger müssen z weimal sterben“.

RAFAŁ BLECHACZ „In Nakel war nie viel los.“ Meine Kindheit war nicht besonders exotisch. Ich komme aus Nakel, einem kleinen Ort mit etwa 20.000 Einwohnern – 30 km von Bromberg entfernt und hunderte von Warschau. Da war nie viel los. Meine Familie und mein Klavier waren und sind bis heute mein Zuhause. Das Wichtigste für mich ist, wahrhaftig zu sein. Wenn ich unterwegs bin, dann gehe ich sehr gerne in Kirchen, denn ich liebe die Orgelmusik. Und ich gehe gerne ins Kino. Roman Polanskis „Der Pianist“ hat mich sehr beeindruckt, ich habe sogar ein Autogramm von ihm. Das ist natürlich nicht sehr exotisch. Oder?

CARLOS MOSQUERA „Pünktlichkeit ist für uns neuartig.“ „Exotisch“ bedeutet ja vor allem, dass etwas anders ist als zu Hause. Für uns ist in Deutschland Pünktlichkeit und Korrektheit neuartig. Wir sind zwar auch korrekt, gehen aber lockerer miteinander um, fühlen uns einander sehr verbunden und sprechen Probleme und Schwächen offen an. Im Moment singe ich hier als einziges Orchestermitgleid auch im Chor mit. Normalerweise bin ich es gewöhnt, mich während des Singens zu bewegen. Nun stehe ich neben zwei deutschen Kollegen und muss feststellen, dass sie ganz gerade und ruhig dastehen. Ich merke, dass die Stimme dadurch eine größere Sicherheit gewinnt. Schon deswegen versuche ich, mich meiner Umgebung anzupassen. Eine ganz „exotische“ Erfahrung für mich... Schlagzeuger und Chorsänger im Simon Bolivar Youth Orchestra

www.crescendo.de 06 2008 | 21 exotik

Fremden

Orchestermusiker, einen Kulturförderer Respekt. HÉLÈNE GRIMAUD „‚Excalibur‘ mit Musik aus Wagners ‚Parsifal‘“ Oft frage ich mich, warum mich die Musik so gefangen genommen hat. Vielleicht, weil sie mich von Anfang an in eine völlig verwandelte Realität dieser Welt projizierte? Ich war ein kleines Mädchen und sah mir den Monumentalfilm „Excalibur“ an, der vollgestopft war mit Kulissen aus Pappmaché. Der Trailer war unterlegt mit Musik aus Wagners „Parsifal“. Unglaubliche, farbige und kraftvolle und mehrdimensionale Welten überlagerten sich plötzlich in meinen Geist, als ich diese Musik hörte, während die Bilder vor meinen Augen flach blieben, so wie der Regisseur sie angeordnet hatte. Nächtelang verfolgte mich dieses Stück, ich begriff welche Offenbarungskraft Musik hat.

DR. KLAUS PHILIPP SEIF „Kontrastdramaturgie: ‚das Komplexe mit dem Einfachen‘“ Unsere BASF-Sinfoniekonzertreihe trägt stets ein Jahresmotto. Ich erinnere mich gut, an eine Kontrastdramaturgie im Stil von „das Komplexe mit dem Einfachen“, die wir einmal hatten. Da wurde beispielsweise Bruckners „Achte“ mit drei Minimal-Stücken von Philip Glass verschränkt: Immer nach jedem Bruckner-Satz ein Glass-Stück. Das war wirklich „exotisch“ – auch dass das Publikum hervorragend darauf reagiert hat. Etwas ähnliches haben wir dann nochmals mit Mahlers „Siebter“ und „Gesualdo-Madrigalen“, vorgetragen von Singer Pur, erprobt. Und dass jemand wie Gustavo Dudamel ein Orchesterprojekt in Venezuela sozial-integrativ nutzt, ist zwar „exotisch“, aber nichtsdestoweniger einfach großartig.

GUSTAVO DUDAMEL „Mein ‚exotischster‘ Traum ist wahr geworden.“ Die ganze Atmosphäre hier ist „exotisch“ – insbesondere die Art, in Deutschland Musik zu machen. Diese ungeheure Tradition der Symphonik, der ganzen klassischen Musik hat sogar etwas Einschüchterndes an sich. Andererseits ist es für uns als Südamerikaner wunderbar, von diesem Wissen zu lernen. Dass ich einmal mit den Berliner Philharmonikern zusammenarbeiten könnte, das war mein „exotischster“ Traum. Und nun ist er wahr geworden.

Fotos: Fanny Schertzer, Creative Commons Attribution-ShareAlike 2.5; BASF SE

Dr. Klaus Philipp Seif (Leiter Kultur, Sport und Sozialberatung der BASF SE)

SPECIAL GUEST: GLORIA ESTEFAN

88697334792 Ab 17.10.2008 erhältlich

Mit seiner ganz persönlichen Interpretation von Liedern aus Italien und seiner katalonischen Heimat kehrt der Startenor, der für sein Lebenswerk mit dem ECHO Klassik 2008 geehrt wird, zu seinen musikalischen mediterranen Wurzeln zurück.

MEDITERRANEAN PASSION-TOUR 2008 17.10. 19.30 Uhr

Wien

Konzerthaus

Mit der Neuen Philharmonie Frankfurt unter David Giménez 27.11. 20.00 Uhr Frankfurt Alte Oper www.frankfurt-ticket.de 30.11. 20.00 Uhr München Philharmonie www.muenchenmusik.de 4.12. 20.00 Uhr Berlin Philharmonie www.ticketonline.de 6.12. 20.00 Uhr Nürnberg Meistersingerhalle www.nuernbergmusik.de 13.12. 20.00 Uhr Hamburg Laeiszhalle www.ticketonline.de

www.sonyclassical.de

Foto: Rabanus Photos/Winfried E. Rabanus

exotik 22 | www.crescendo.de 06 2008

Anders, fern und wunderbar Exotik in der Musikgeschichte

„Quo vadis?“ Wohin, Musikant? Zieht es dich in die Ferne, hält es dich in der Heimat? Beziehst du die Spannung aus dem Kontrast zwischen Vertrautem und Unbekanntem, oder hast du einen Favoriten?

Die Geschichte der musikalischen Exotik ist so alt wie die Geschichte der Musik selbst. Das ist nicht ohne Weiteres ersichtlich, denn meist wird der Wandel des Gewands für den Wechsel der Gestalt gehalten. Rein äußerlich machen Kleider nicht nur Leute, sondern Welten. Die fahrenden Balladensänger – seien es die Aschochs im Orient oder die Minnesänger im Westen – sangen von fernen Ländern und fremden Menschen und faszinierten ihr Publikum mit Geschichten von Ereignissen, die jenseits des gewöhnlichen Horizonts lagen, mit Berichten aus der Welt des Unbekannten. Zuerst mit den Kreuzzügen, dann endgültig mit der Kolonisation wurde die Welt des Unbekannten näher geholt, greifbar gemacht, entmysti�ziert und aufs Wunderliche reduziert – der Rest der Welt ein Zoo. So ist das laute Aufatmen Francis Younghusbands überliefert, nachdem bei einer Himalaya-Expedition sieben Sherpas in einer Lawine den Tod gefunden hatten: „Gott sei Dank ging kein europäisches Leben zugrunde.“ Und vergessen wir nicht, dass auch heute noch für die meisten von uns „alle Chinesen gleich aussehen“.

www.crescendo.de 06 2008 | 23 exotik

Links: Opern-Exotik war in Jean-Pierre Ponnelles legendärer „Turandot“-Inszenierung an der Bayerischen Staatsoper von 1987

Fingerzeig ins 20. Jahrhundert Weniger perfekt und verfeinert, dafür origineller und ursprünglicher ist die Musik Alexander Borodins, und seine orientalischen Stücke klingen, wie auch die russischere Musik seines Freundes Mussorgsky, so modern, brillant schräg und frisch, dass beim Blindtest fast jeder meint, es sei Musik aus dem . Jahrhundert – insbesondere vieles aus seiner Oper „Fürst Igor“, zumal die berühmten „Polowetzer Tänze“. Alexander Glasunov wandelt in seiner „Rhapsodie orientale“ in RimskiKorsakows Fußstapfen. Auf eigene Weise verwirklicht Tschaikowsky seine Vorstellungen exotischer Musik im „Nussknacker“-Ballett mit köstlich überzeichneten Kleinodien wie einem chinesischen und einem arabischen Tanz.

Kulinarik pur. Mit allem Pomp fand 1926 die Uraufführung von Puccinis letzter, unvollendeter Oper an der Mailänder Scala statt. Die gezeigte Märchenwelt voll Aggression und Gewalt schien durch die exotische Ausstattung gemildert.

Foto: Bettina Stöß

Oper und Ballett sind seit ihrem Aufkommen die Gattungen, in denen der musikalische Exotismus das weiteste Verbreitungsfeld fand. In der Barockzeit sind das Werke wie Händels „Serse“ („Xerxes“) oder Rameaus „Les indes galantes“, in denen indessen kein stilistischer Niederschlag orientalischer Musik zu �nden ist. Anders ein halbes Jahrhundert später bei Mozart: Er liebt Imitationen türkischer Janitscharen-Musik, die gleichermaßen augenzwinkernd orientalisch klingt, wie sie unverwechselbar seiner Feder entsprungen ist. Ein Idealfall: Was er auch anfasst in seiner endlos vielseitigen Leichtigkeit, es ist immer seines – und heute selbstverständlicher Bestandteil des weltweiten Repertoires, wie – neben der „Entführung aus dem Serail“ – der „Alla turca“-Schlusssatz der „A-Dur-Klaviersonate“ oder das Finale des „A-Dur-Violinkonzerts“. Beethoven knüpft daran an, nicht mit der gleichen Flexibilität, doch mit würdevoller Macht wie in den „Ruinen von Athen“ oder dem „Alla marcia“ im Finale seiner „Neunten“. Cherubini, Weber, Rossini, Meyerbeer oder Berlioz verwenden vielfach exotische Sujets. Der reisefreudige Mendelssohn fährt nach Schottland, wo er sich zum elegischen Drama seiner „Schottischen Symphonie“ mit ihrem Dudelsack-artigen Scherzo inspirieren lässt, und nach Italien, von wo er die grandiose „Italienische Symphonie“ mit dem jagenden Saltarello-Finale mitbringt. Und Giuseppe Verdi erhält den Auftrag zu seiner „Aida“ zur Eröffnung des Suez-Kanals, wofür er Studien über ägyptische Musik betreibt. Saint-Saëns’ „Suite algérienne“ schließt – aus heutiger Sicht absurd, aus damaliger Sicht absolut normal – mit einer zackigen „Marche militaire française“. Es scheint, dass sich die Neigung zu fremdländischen Tonbildern am stärksten in Frankreich ausprägt. Wären da nicht die Russen, insbesondere das sogenannte „Mächtige Häu�ein“, die Petersburger nationalrussische Schule, wo wirklich Originelles aus der Auseinandersetzung mit der fremden Kultur entsteht: wie etwa in Balakirevs extrem virtuoser Klavierfantasie „Islamey“, mehr aber noch in Rimski-Korsakows symphonischer Märchenerzählung „Scheherazade“, die mit ihren arabesken Violinsoli, eingängigen Melodien und der berauschend schönen Orchestration eines der erfolgreichsten Werke im Konzertsaal geworden ist – nicht anders in seinen Märchenopern wie der „Legende von der unsichtbaren Stadt Kitesh“, wo er ein unerschöp�icher Klangzauberer ist.

Foto: La Scala Photographic Archives

ganz neu, im Dienst des musikalischen Dramas, zu erleben.

Vorwurf ans zeitgenössische Regietheater: Wenn man die Exotik weglässt, ist nicht gleich etwas anderes da... In der aktuellen „Turandot“ von Lorenzo Fioroni an der Deutschen Oper Berlin wird auf fernöstliches Kolorit verzichtet.

Eine ganz andere Welt erschließt der Böhme Antonín Dvořák: Über seine grandiosen Erfolge in England wird er zum Starkomponisten in den USA, wo er die „Symphonie aus der Neuen Welt“, seine „Neunte“, schreibt, über die seinerzeit Nathaniel Dett treffend bemerkte, ihre große Bedeutung beruhe unter anderem im Nachweis, „dass Tonweisen der Negermusik auch von symphonischem Wertgehalt sind. Es war wie ein Bombenwurf in das amerikanische Denken hinein.“ Inspiriert von Longfellows „Song of Hiawatha“, wird sie schnell zu einem der populärsten Orchesterwerke aller Zeiten. Freilich ist dieser Exotismus bewusst als reizvolles Kolorit in eine ganz und gar traditionelle europäische Struktur integriert. Die nächste Generation lässt sich schon weit mehr ein, mit den formbildenden Möglichkeiten fremder Kulturen. Wieder einmal sind es die Franzosen, die eine Vorreiterrolle spielen. Bei der Pariser Weltausstellung 1889 hört Claude Debussy erstmals ein indonesisches Gamelan-Ensemble und erkundet darauf die Welt der Ganztonskalen, in denen die harmonischen Schwerkraftgesetze zugunsten einer schwebenden Wirkung völlig aufgehoben sind. Maurice Ravel liebt Chinoiserien aller Art und schreibt seine hochoriginellen „Shéhérazade“-Orchesterlieder.

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exotik 24 | www.crescendo.de 06 2008

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Der Dritte im Bunde, Albert Roussel, widmet sich als ehemals weltreisender Marineof�zier (wie vor ihm Rimski-Korsakow) dezidiert exotischen Sujets, schreibt aufgrund seiner Indien-Erlebnisse die „Évocations“ (drei sinfonische Bilder über die Höhlentempel von Ellora, die „ville rosée“ Jaipur und, in mysteriös dunkler Glut, die Ganges-Metropole Benares) und vollendet 1918 die pittoresk-herbe Oper „Padmâvatî“ über den historisch verbürgten, ehrenrettenden Selbstmord der gleichnamigen rajastanischen Prinzessin, eines der großen Meisterwerke französischer Bühnenmusik. Dessen einzige Schwäche es sein sollte, dass es eine unau�ösbare Zwitterstellung zwischen Ballett und Oper einnimmt. Auf Tonträger spielt das glücklicherweise keine Rolle, und es lohnt sich wirklich, dieses exquisit kraftvolle Werk kennenzulernen, wie auch Paul Dukas‘ opulentes orientalisches Ballett „La péri“. Doch nicht nur in Frankreich treibt die exotische Neugier herrlich wilde Blüten musikalischer Kreativität. Dänemarks überragender Komponist Carl Nielsen reüssiert mit einer fesselnden „Aladdin“-Musik, die unter anderem ein gezielt arrangiertes Durcheinander mäandernder Instrumentallinien ohne Taktkoordination beinhaltet, in der das wuselnde Chaos des „Marktplatz zu Isfahan“ nachgezeichnet wird. Das sind die unbekannteren Wurzeln der Moderne. Ferruccio Busoni studiert Musik der Finnen und nordamerikanischer Indianer und hinterlässt eigentümliche Werke wie das „Indianische Tagebuch“ oder die „Indianische Fantasie“ für Klavier und Orchester. Gustav Mahler und Karol Szymanowski sind magisch angezogen von orientalischer Mystik. Viel konkreter und drastischer geht es Richard Strauss in seinem nekrophil aufgipfelnden Oscar Wilde-Einakter „Salome“ an: „Ich hatte schon lange an den Orient- und Judenopern auszusetzen, dass ihnen wirklich östliches Kolorit und glühende Sonne fehlt. Das Bedürfnis gab mir wirklich exotische Harmonik ein, die besonders in fremdartigen Kadenzen schillerte, wie Changeant-Seide.“ Höchst bemerkenswert ist zur gleichen Zeit Giacomo Puccinis Verkleidungskunst mit der chinesischen „Turandot“, den japanischen Liedern der „Madame Butter�y“ und den amerikanischen Songs der „Fanciulla del West“. Eine all diesem Luxus vollkommen entgegengesetzte Welt objektiver Harmonie und unendlicher melodischen Weite eröffnet sich in den rituellen Orientstücken, die in der legendären Kollaboration des spirituellen Meisters Georges I. Gurdjieff mit dem russischen Komponisten Thomas de Hartmann entstanden sind. Aus dem Schatten seines Lehrers Rimski-Korsakow tritt Igor Strawinsky mit seinem umwerfenden Ballett „Feuervogel“ hervor: Der „Höllentanz des König Kastschei“ rückt den Exotismus ins gleißende Licht orchestraler Moderne. Béla Bartók erkundet mit wissenschaftlicher Akribie die Folklore des Balkan und Anatoliens und �ndet eine völlig neuartige und zugleich authentische harmonische Sprache für die uralten Melodien. Ein Pionier einzigartiger Ausstrahlung ist John Foulds aus Manchester, der als erster Europäer gezielt Vierteltöne verwendet und die indischen Modi zur Grundlage seiner Kompositionen macht, Musikdirektor von All India Radio wird, in Kalkutta das Indo-European Orchestra mit einheimischen Instrumenten gründet und kurz vor Ausbruch des II. Weltkriegs an der Cholera stirbt. Sakari Oramo hat seinem Werk in Birmingham die überfällige Wiederentdeckung beschert.

Eigentlich ist das Exotische heute gar nicht mehr wirklich exotisch.

www.crescendo.de 06 2008 | 25 exotik

Der Kanadier Colin McPhee überträgt Gamelanmusik ins westliche Orchester und wird zum Vorreiter der heutigen Minimal Music. Der Franzose Darius Milhaud erschließt in der mit der Gleichzeitigkeit einander widersprechender Tonarten gewürzten Suite „Saudades do Brazil“ brasilianischen Straßentanz dem Spektrum des modernen Orchesters. Der Türke Ahmed Adnan Saygun verschmilzt Elemente von Ravels Frankreich, Bartóks Ungarn und aus der Su�-Schulung erfahrener anatolischen Intonationen zu einem universellen Personalstil vollendeter Noblesse; viele weitere wären zu nennen. Kurzum: die Exotik ist Allgemeingut der musikalischen Sprachvielfalt geworden, und ihre Faszination hält unvermindert an. Zu den herausragenden Köpfen des musikalischen Exotismus in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts zählen neben mit raf�niertesten Techniken agierenden Ikonen der Moderne wie Olivier Messiaen oder György Ligeti der Japaner Toru Takemitsu, der die Feinzeichnung seiner Heimat mit dem changierenden Farb�uss des französischen Impressionismus verwebt; der Finne Pehr-Henrik Nordgren, der in irrationaler Fantastik europäische Tradition und Moderne mit japanischer Ekstatik verbindet; der Franzose Jean-Louis Florentz, der in einzigartiger Manier vollendete Beherrschung des sinnlich überbordenden großen Orchesters im französischen Stil mit den Früchten lebenslanger Feldforschung in afrikanischen und arabischen Traditionen verbindet; die Kulthelden der Minimal Music wie Terry Riley oder Steve Reich; der deutsche Weltenbummler, Improvisator und Symphoniker Peter Michael Hamel. Die Reihe ließe sich endlos fortsetzen, denn eigentlich ist das Exotische heute gar nicht mehr wirklich exotisch. Wie sich die Reisezeiten verkürzt haben, sind auch die Entfernungen zwischen den Welten überbrückt worden, und die altehrwürdigen Traditionen sind so grundlegend umgep�ügt und vermischt worden, dass man von einer generellen Entwurzelung in einer kosmopolitischen Welt sprechen kann. Die Exotik ist heute – je nach Erlebniswinkel des Hörers – zugleich überall und nirgends. //

n e u e Intendant: Jan Vogler

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Christoph Schlüren T h e

„Die Oper ist weiblich“ Foto: André Rival für DEUTSCHE OPER BERLIN

„Trotz der exotischen Klänge von Puccinis reichster und mit den härtesten Dissonanzen ausgestatteter Partitur entfaltet sich in „Turandot“ nicht ein puppenhaft-niedliches China, sondern eine von der Atmosphäre unfassbarer Grausamkeit durchdrungene Welt.“ Mit diesem Werbetext startete die Deutsche Oper Berlin in die Saison 08/09. Und zur Bebilderung des Gemeinten ließ man Topmodel Nadja Auermann vom Fotografen André Rival u. a. als Turandot ablichten (Hefttitel und oben). Lorenzo Fioroni, dessen Inszenierung noch am 12., 15. und 19. November auf dem Spielplan steht, wollte dem Publikum dagegen eine farbenfroh-exotische Optik nicht zumuten. Karten/Info: www.deutscheoperberlin.de.

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rezension 26 | www.crescendo.de 06 2008

Klassik-Charts Die Bestseller

Die Besten

Rezensionen

Auswahl der besten CDs, DVDs und Bücher 1

Zisterzienser Mönche von Stift Heiligenkreuz „chant – Music for Paradise“ (DECCA)

Lang Lang „Dreams of China“ (Deutsche Grammophon)

Albrecht Mayer „In Venedig“ (DECCA) Himmlischer Oboen-Ausflug in die barocke „Serenissima“.

delian::quartett Schumann: Kammermusikwerke (Oehms Classics)

René Pape „Gods, Kings & Demons“ (Deutsche Grammophon)

Robert Crowe Carissimi: Sopran-Motetten (Profil Edition)

Netrebko/ Villazón/ Barenboim „Manon“ (Deutsche Grammophon)

Anna Netrebko/ Rolando Villazón „Duets“ (Deutsche Grammophon)

Erwin Schrott/ Orquestra de la Comunitat Valenciana „Opernarien“ (DECCA) Netrebko/Villazón/ Hampson „Violetta“ – Arien und Duette aus „La Traviata“ (Deutsche Grammophon)

10 Alfred Brendel „Brendel spielt Schubert“ (Philips) Zwei Wesensverwandte begegnen einander. Die Zuhörer sind ergriffen. 11 Netrebko/Villazón/ Cabell „La Bohème“ (Deutsche Grammophon) 12 Vladimir Horowitz „Horowitz in Hamburg – The Last Concert“ (Deutsche Grammophon) 13 Herbert von Karajan „Karajan Gold“ (Deutsche Grammophon) 14 Sol Gabetta „Cantabile“ (RCA Red Seal) 15 Renè Pape „Gods, Kings & Demons“ (Deutsche Grammophon) Überragend in jeder Bass-Rolle: der Singschauspieler René Pape

Die Klassik-Charts wurden ermittelt durch Mediacontrol im Auftrag des Bundesverbandes der phonographischen Wirtschaft e.V.

Sol Gabetta Schostakowitsch: Cellowerke (Sony BMG)

Joel Frederiksen „O felice morire“ (harmonia mundi)

Vladimir Sofronitzky „Sofronitzky-Edition“ (Brilliant Classics)

Hélène Grimaud Bach: Klavierwerke (Deutsche Grammophon)

Ihr spontannatürlicher Interpretationsstil ist schlicht hinreißend! 9

Gustavo Dudamel „Fiesta“ (Deutsche Grammophon)

10 Nikolai Tokarew „French Album“ (Sony BMG)

Populärster deutscher Tenor seiner Zeit: Peter Anders als Belmonte in Mozarts „Entführung aus dem Serail“

11 Olivier Messiaen Complete Edition (Deutsche Grammophon) Wer ganz in Messiaens Klangwelten eintauchen will, findet hier von Kammermusik bis Sinfonik einfach alles.

DER GANZE PET ER ANDERS

Strahlender Publikumsliebling

12 Erwin Schrott/ Orquestra de la Comunitat Valenciana „Opernarien“ (DECCA) 13 Fritz Wunderlich Verdi: „Requiem“ (Deutsche Grammophon) 14 Philippe Jaroussky „Carestini“ (Virgin Classics) 15 Mirella Freni Puccini: „La Bohème“ (DECCA) Die crescendo Klassik-Charts werden in der Redaktion ermittelt. Zu Grunde liegen Einspielungen der letzten Monate.

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Foto: Membran-Archiv

Luciano Pavarotti „Nessun Dorma – Puccini´s Greatest Arias“ (DECCA)

Manche Tenöre sind Mythos pur. Nicht immer ist dies nur auf vokale Schönheit oder den Glanz ihrer Karriere zurückzuführen, sondern wie bei Fritz Wunderlich (1930–1966) oder – zuvor schon – Peter Anders (1908–1954) auf ein plötzliches, von der Musikwelt völlig unerwartetes Ende durch einen tragischen Unfall. Anders hatte bereits das Glück, einer Generation anzugehören, die zahlreiche Schallplatteneinspielungen hinterlassen konnte. Seine gesanglichen Fähigkeiten lassen sich also jenseits von „Tod und Verklärung“ überprüfen – hier anhand von 222 Einzelaufnahmen.

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Der Mythos „Peter Anders“ hält einem kritischen Hineinhören fast überall stand. Ein Tenor mit solch lyrischer Leuchtkraft sowie einer stilistischen Bandbreite von Oper, Operette und Lied bis zu Radioschlagern ist extrem selten. Und immer wieder schimmert die ungeheure Bühnenpräsenz von Anders durch. Eine Stimmkrise um 1947 fällt da kaum ins Gewicht. Trotz des erheblichen Umfangs der Anders-Box wird die Sehnsucht nach noch mehr geweckt. Richard Eckstein „Peter Anders – Die unvergessene Stimme“, 10 CD-Set (Membran)

Hören Sie Ausschnitte der besten CDs, die hier besprochen werden, auf der crescendo premium-CD, siehe auch S. 35.

Mehr Anders auf der crescendo premium-CD.

Perfekte Gesangstechnik und durchschlagskräftige Stimme: Dieser männliche Sopran sucht seinesgleichen.

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Luciano Pavarotti „Pavarotti Forever“ (DECCA)

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www.crescendo.de 06 2008 | 27 rezension

O R L O W S K Y AU F R E I S EN

B AT I A S H V I L I M I T KO N T R A S T EN

A L F R E D L I E S T B R EN D EL

Klarinettist David Orlowsky, Jens Uwe Popp (Gitarre) und Florian Dohrmann (Bass), alle Ende Zwanzig, haben sich einer „Chamber World Music“ verschrieben, die aus dem Klezmer hervorgeht. Sie reisen durch die Musik vieler Kulturen, mögen Jazz und Blues ebenso wie Flamenco. Ihr letztes Album „Noema“ bekam soeben den ECHO Klassik. Nun folgt „Nessiah“ (=„Reise“). Die von Florian Dohrmann komponierten bzw. arrangierten Titel folgen einer geschickt gesteigerten Dramaturgie, wirken insgesamt spielfreudig und bieten oft Neuartiges, doch bleibt stets auch ein Nachgeschmack von „Easy listening“. So atemberaubend wie beispielsweise „The World Quintet (Kol Simcha)“ mit Michael Heitzler ist das alles leider nicht, wenn auch alle vorzügliche, vielseitige Musiker sind. Es ist im Übrigen der israelische Mandolinen-Star Avi Avital, der diesem Projekt besonderes Leben einhaucht. Er wirkt in zehn der 14 Tracks mit. Umso bedauerlicher, das sein Name auf der Cover-Vorderseite überhaupt nicht genannt wird.

Die Georgierin Lisa Batiashvili, einer der großen Jungstars der Geigerszene, hat mit Beethovens „Violinkonzert“ das anspruchsvollste und großartigste Werk der Gattung verewigt – und das sogar ohne Dirigenten. Da liegt denn auch die Crux der Aufnahme: So engagiert das dank Audi in Ingolstadt beheimatete Georgische Kammerorchester agiert, es fehlt die souverän balancierende Formung des Orchesterklangs, die entschlossene Geschlossenheit des Ausdrucks. Das Orchesterspiel integriert Manierismen der historischen Aufführungspraxis, die Solistin steht über solchen hübschen Anleihen. Batiashvili spielt befreit auf, mit plausiblen, gemessenen Tempi, die ihr subtile gestalterische Freiheit und natürlich atmende Phrasierung erlauben. Als Vorspann zum „Beethoven-Konzert“ offeriert sie sechs „Georgische Tänze“ ihres Landsmanns Sulchan Tsintsadze, einfühlsam orchestriert von ihrem Vater: stilisierte Folklore, hier sehr innig musiziert, die uns ganz unprätentiös die ferne Tradition des unbekannten Georgien näherbringt.

Alfred Brendel ist das Gegenteil dessen, was man eine „schmale Begabung“ nennt: Seine imposante, fast 60 Jahre währende Karriere als Pianist, die er Ende 2008 beenden wird, war denkbar fern von jenem Fachidiotentum, das sich bisweilen mit Sprachformeln wie „rein musikantisch gedacht“ oder „ganz in der Musik lebend“ tarnt. Brendels Herangehensweise lotete Kompositionen stets voll und ganz aus, ließ aber die anderen Beschäftigungsgebiete des Meisterinterpreten, Literatur und Malerei, nicht außen vor – ganz wie es auch die Komponisten taten, deren geistigen Horizont es zu erhellen gilt. Dies geschah jedoch niemals bierernst oder mit Verbissenheit, sondern mit jener besonderen Form von Humor, die gerade Alfred Brendel zu eigen ist: Mutterwitz. Nach seinem Abschied von den Konzertpodien wird Brendel „nur“ noch damit zu erleben sein. Einen Vorgeschmack gewähren die Live-Mitschnitte seiner geistreich-brillanten Lesungen in Essen (6/2007) und Freiburg (5/2008) mit typisch Brendel‘schen Satiren und Glossen: Brendel at his best! Richard Eckstein

Klassiker und Folklore

Benjamin-Gunnar Cohrs Lisa Batiashvili spielt Beethoven und Tsintsadze „Nessiah“, David (Sony BMG) Orlowsky Trio (Sony BMG) _BoseAnz_SD_Port_Cresendo_6_08 _1-2 quer:BoseAnz_SD_Port_Cresendo_6_08 _1/2 quer

18.09.2008

Alfred Brendel: „Spiegelbild und schwarzer Spuk“ (MDG) 10:34 Uhr Seite 1

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Christoph Schlüren

Mehr Brendel auf der crescendo premium-CD.

Musikalische Lachforschungen

Geschickt gesteigerte Dramaturgie

rezension 28 | www.crescendo.de 06 2008

R O U S S E AU AU F D E R G A M B E

E V E R Y B O DY ‘ S VAU G H A N W I L L I A M S

H I N D E M I T H / T O C H VO N E I N S T

Er sieht aus wie ein Rockstar, schlacksig, blondgelockte Mähne, Lederjacke, offenes Hemd und macht auch keinen Hehl daraus, dass er gerne mal auf seiner Viola da gamba so richtig „abrocken“ würde. Doch noch sucht der klassisch ausgebildete Gambist Ralph Rousseau – und übrigens promovierte Physiker(!) – den Kompromiss. Von „Marais bis hin zu Brel“ heißt denn auch seine CD mit „Chansons d’amour“, auf der der selbsternannte „Gambomaniac” französisches ChansonRepertoire mit klassischen Kompositionen mixt, in der Vorstellung, es gäbe eine direkte Linie zwischen dem mittelalterlichen Troubadour und dem heutigen Chansonnier. Schade, dass mancher meint, unbekanntes Repertoire immer mit einem aktuellen Bezug rechtfertigen zu müssen, so als könne es nicht für sich allein bestehen. Wie auch immer: Gemütvoll schwelgt Ralph Rousseau mithilfe des Matangi String Quartets durch „gefährlich schöne“ Bearbeitungen. Der durchsichtige edle Gambenklang, den die Renaissance so liebte, ist allerdings dahin.

Ralph Vaughan Williams‘ 50. Todestag ist hierzulande recht unbemerkt verstrichen und hat sich im Konzertleben gar nicht niedergeschlagen. Schade, ist er doch ein stattlicher Sinfoniker und Meister kleinerer Formen. Hier wurden aus André Previns Gesamteinspielung der neun Sinfonien mit dem Royal Philharmonic Orchestra die „Zweite“ und „Fünfte Sinfonie“ ausgewählt. Erstere ist eine episch angelegte Hommage an die Stadt London, letztere ein elegisch-kompaktes Meisterwerk, das zu seinen unmittelbar eingängigsten Schöpfungen zählt. Überhaupt gibt es bei Vaughan Williams keinerlei Hörbarrieren, die Musik spricht mit großer Natürlichkeit, verbindlichem Gemüt und absoluter Fasslichkeit direkt zu jedem Hörer. Das gilt noch mehr für die anderen Werke dieser Zusammenstellung: die herrlich archaisierende „Fantasia on a Theme by Thomas Tallis“ für doppeltes Streichorchester, die nostalgisch jubilierende Violinfantasie „The Lark Ascending“ und die unverblümt sentimentale „Fantasia on Greensleeves“.

Trotz mancher Ressentiments war die Neugierde der meisten Musikfreunde auf verfemte Komponisten im Nachkriegsdeutschland groß. Da sich auch Radiosender wie der Mitteldeutsche Rundfunk für Neue Musik einsetzten, blieben in den Schallarchiven zahlreiche einzigartige Aufnahmedokumente erhalten. So erfolgten die Dresdner Wiederentdeckungen von Paul Hindemiths und Ernst Tochs in den 1920er Jahren entstandenen Liederzyklen „Die junge Magd“ op.23/2 und „Die chinesische Flöte“ op.29 1948 bzw. 1949 im Rahmen von Kammerkonzerten, denen sich jeweils eine besetzungsgleiche Rundfunkproduktion anschloss. Man merkt gleich, dass in den Interpretationen der klein besetzten Staatskapelle Dresden unter Joseph Keilberth (Hindemith) und Hans Löwlein (Toch) nicht nur höchste Sorgfalt, sondern auch intensive Leidenschaft für lang Entbehrtes mitschwingen. Die Altistin Ruth Lange verströmt ebenso ihr Herzblut wie Elfriede Trötschel im Sopran-Part der „Chinesischen Flöte“. Vorbildlich!

Teresa Pieschacón Raphael

Christoph Schlüren

Richard Eckstein

Mehr Rousseau auf der crescendo premium-CD.

Vaughan Williams: „2.“ und „5. Sinfonie“, Previn, RPO London (Telarc)

„Chansons d‘amour“, Ralph Rousseau, Matangi String Quartet (Challenge Records)

Anne-Sophie

Bach

Bewundernswerte Ausgrabungen

Hindemith: „Die junge Magd“, Toch: „Die chinesische Flöte“ (Profil Edition)

Mehr Toch auf der crescendo premium-CD.

Absolute Fasslichkeit

Es muss gar nicht „rocken“

Mutter

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Auf ihrem neuen Album verbindet Anne-Sophie Mutter wunderbar die Violinkonzerte Johann Sebastian Bachs mit der Weltersteinspielung des Violinkonzerts von Soﬁa Gubaidulina. „Ein Werk voller Reinheit und Schönheit.“ Die Welt

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J. S. Bach: Violinkonzerte BWV 1041 & 1042 Soﬁa Gubaidulina: Violinkonzert in tempus praesens Anne-Sophie Mutter, Violine · Trondheim Soloists London Symphony Orchestra · Dirigent: Valery Gergiev DG CD 477 7948 (Hardcover limited), CD 477 7450

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www.crescendo.de 06 2008 | 29 rezension

WA LT Z ‘ B L I C K AU F P U R C EL L

R S O B E R L I N EN T D E C K T G U R L I T T

R A P H A EL U N B EFA N G EN

Bei Sasha Waltz wird Barockoper völlig neu definiert: als beständiges Zusammenwirken von 12 Tänzern, Choristen und Solisten, die gemeinsam und stets direkt auf die Klänge der 51 Instrumentalisten reagieren. Zu den eigentlichen Rollenträgern werden nicht bestimmte Einzelpersonen, sondern jeweils die erzeugten Stimmungen, die von Wasserballett-artigen Bassinplanschereien bis zum Dschungelfeeling reichen. Dass ein solch multiples Bühnenerlebnis, wie Waltz´ filmisch schwer einzufangen ist, liegt auf der Hand. Der Blick der Kamera muss da auswählen, wo das menschliche Auge noch eine Vielzahl gleichzeitiger Geschehnisse in der Totale erfassen kann. Bei aller Virtuosität, die der Videoregie zu attestieren ist, (beispielsweise im kurzen, hochpoetischen Solo des kleinen Amor) macht die imponierende Bild-Ton-Konserve nichtsdestoweniger größte Lust auf das theatrale Live-Erlebnis. Und für dieses vermag die Berliner Staatsoper Unter den Linden noch am 31.10., 1., 2. und 4. 11. zu sorgen.

Manfred Gurlitt (1890–1972) floh 1939 vor den Nazis nach Japan. Seine Opern und Instrumentalwerke waren nach dem Krieg bald vergessen. Nach der großen „Shakespeare-Sinfonie“ (1954) komponierte er kaum mehr und machte sich als Dirigent und Pädagoge um den Aufbau des Musiklebens in Toyko verdient. Seiner Braut, der Sängerin Hisako Hidaka, widmete er 1952 die dramatischen Gesänge. Die „Goya-Sinfonie“, entstanden 1933 nach einem Besuch des Prado, ist eine Entdeckung ersten Ranges. Nach der an Bartók erinnernden „volkstümlichen Maskerade“ im 7/4Takt folgt die „Erschießung der Aufständischen“ mitsamt brutaler Gewehrsalve. Das kunstvolle Variationen-Finale resigniert. Antony Beaumont hat das Werk nach dem Manuskript neu ediert. Das RSO Berlin ließ sich von ihm zu Höchstleistungen motivieren und widmete sich der komplexen Partitur mit Verve. Ausdrucksstark auch Christiane Oelze in den Gesängen. Dem Label Phoenix sei für den Mut zur Veröffentlichung gedankt.

Nicht einfach, über das Werk meines Großvaters Günter Raphael (1903-1960) zu schreiben, den ich nicht persönlich gekannt habe. Wenig hilfreich der Booklet-Text von Magdalena Koehlen, die unerträglich larmoyant auf den durchaus tragischen Lebensumständen von Günter Raphael im Dritten Reich herumreitet. Schlimmer noch: In ihrer „Betroffenheit“ entzieht sie sich einem sachlichen Urteil – als seien Musiker jüdischer Herkunft per se denkmalgeschützt, weil Opfer. Ein Glück für Raphael, dass das Telos Ensemble es versteht, den elegisch poetischen Grundton seiner Kammermusik zu wahren, ohne in Rührseligkeit abzudriften: sei es bei op.4 (1924), in dem noch die Bewunderung für J. S. Bach mitschwingt oder in op.70 (1950). Richtig Spaß aber hat dem Ensemble die „Entensonatine“ op.65/3 von 1947(!) gemacht. Mit Verve packen sie deren jazzige Ostinati an, lieben deren geistreiche Heiterkeit und Vitalität, die jede „Opferthese“ ad absurdum führt. Wer so komponieren konnte, trug die Unbefangenheit des Kindes noch in sich.

Richard Eckstein

Benjamin-Gunnar Cohrs

Teresa Pieschacón Raphael

Purcell/Waltz: „Dido & Aeneas“, Attilio Cremonesi (Arthaus)

JA Z Z M E E T S I TA L I EN I S C H E A R I EN

Mehr Trovesi auf der crescendo premium-CD.

Tradition innovativ aufgegriffen

Folklore, Klassik und Tanzmusik lässt Gianluigi Trovesi mit Elementen des Jazz verschmelzen. In seinem neuesten Projekt treffen Arien und Tänze italienischer Opern von Monteverdi, Verdi und Puccini auf seine virtuosen Saxophon- und Klarinettenkapriolen und verleihen im Dialog mit einem Percussionorchester den bekannten Melodien höchst originelle Klangfarben. Trovesi atmet den musikalischen „Duft der Violetta“ ein und lässt daraus kein typisches Crossover-Projekt werden, sondern eine Imagination der Gleichzeitigkeit von Stilen und Ausdrucksmöglichkeiten, die ursprünglich Jahrhunderte auseinander liegen. So lässt sich innovativ und unterhaltsam klassische Tradition aufgreifen und in heutige KlangSzenarien übertragen. Uwe Schneider „Profumo di Violetta“, Gianluigi Trovesi, All‘Opera (ECM)

Orchestrale Höchstleistung

Kein Abdriften in Rührseligkeit

Gurlitt: „Goya-Sinfonie“, „Dramat. Gesänge“, Beaumont, RSO Berlin (Phoenix)

Günter Raphael: „Kammermusik mit Klarinette“, Telos Ensemble (telos music)

ESTSPIELKALENDER

2009

ISBN 978-3-925361-65-4

DRUCK UND VERLAG MAXIMILIANSTRASSE 58/60 95444 BAYREUTH TELEFON 0921/500-206 TELEFAX 0921/500-110 KONTAKT@ ELLWANGER-ONLINE.DE

29,90 € zzgl. Versandkosten

Mit Bildern und Szenenfotos aller Inszenierungen der Richard-Wagner-Festspiele 2007 und aktuellem Vorwort von Wolfgang Wagner.

Erhältlich beim Verlag Ellwanger und im Buchhandel.

Mehr Raphael auf der crescendo premium-CD.

Hin zum neuen Gesamtkunstwerk

rezension 30 | www.crescendo.de 06 2008

Rettung einer Pilgerstätte Wie der Salzburger Kaufmann Scio in letzter Minute daran gehindert wurde, durch die Küche der Mozarts einen Fahrstuhl zu bauen.

Fotos: Tourismus Salzburg GmbH, privat

VON KLAUS LANG

Das Cover des Buches führt ganz bewusst in die Irre: So kann es niemals auf dem Dachboden in der Salzburger Getreidegasse Nr. 9 ausgesehen haben.

Aber – in Dresden fand ich 1990, kurz nach der Wende, eine Kiste, deren kostbarer Inhalt nur noch durch die glücklichsten Umstände existierte. Unter Bier�aschen, Schutt und Lumpen entdeckte ich das urgroßväterliche Erbe meiner Frau. Es war die Bücherei des Dr. jur. Eduard Ginsberg, eines Oberjustizrats und fanatischen Mozart-Verehrers. Keiner hatte sich um 1900 so sehr um Mozarts Geburtshaus gesorgt wie er. Dieses war im Besitz des Kolonialwarenhändlers Scio, der auch mit hochexplosiven Stoffen seine Geschäfte machte. Mitten durch die Küche der Mozart-Wohnung wollte er einen Fahrstuhl bauen lassen. Die heutige Gedenkstätte – Kronjuwel der Internationalen Stiftung Mozarteum –, die jedes Jahr von 100.000 Menschen besucht wird, wäre im Originalzustand unwiderru�ich zerstört worden. In höchster Not spannte Ginsberg die Primadonna Salzburgs, die legendäre Sopranistin Lilli Lehmann (1848-1929), ein. Beide richteten – mitten im Ersten Weltkrieg – Spendenaufrufe an die Mozart-Freunde, um das Haus zu retten. Im Mozarteum konnten sie keinen wohlgesinnten Helfer gewinnen. Man war dort mit dem Auftreiben von Geldern für das neue Konzert-, Studien- und Verwaltungsgebäude derart beschäftigt, dass man sich tatsächlich mit dem Gedanken trug, Mozarts Geburtshaus an einen anderen Ort zu verlegen.

Auf dem Dachboden der Dresdner Jugendstilvilla fand ich einen Briefwechsel mit den originalen Schreiben von Lilli Lehmann. Eduard Ginsberg, der gewissenhafte Jurist, hatte alle seine eigenen Briefe mit Tinte vorgeschrieben und die ganze Akte „betreffend der käu�ichen Erwerbung des Mozartschen Geburtshauses“ mit Fäden abgeheftet. Sein Sohn, ein Wagner-Fan, konnte das Wort „Mozart“ nicht mehr hören und ließ mit roher Hand eine durchlöcherte Kiste zimmern. Weit weg hat er sie gestellt, unters Dach. Immerhin. Hinein stapelte er die „Mozartiana“ und befreite sich mit schlechtem Gewissen von der elenden Last. Ein Exemplar des Dresdner Fahrplans und der Tageszeitung „Union“ von 1951 legte er ganz unten dazu. Man lebte schließlich in der DDR, und die Wohnraumbeschneidung zwang ihn, das schöne Regal der Mozartbücherei über Eck zu stellen. Jetzt war wenigstens Platz für das Bürgerliche Gesetzbuch; auch er war Jurist. Oben stand die Kiste, während das Dach neu gedeckt wurde, bei Sturm und bei Regen. Ein Teppich, sorgsam gefaltet, bewahrte die Schätze vor der Vernichtung. Hätte es die Wende nicht gegeben, wäre vielleicht niemals ans Tageslicht gekommen, was in meinem Buch beschrieben wird: dass das Geburtshaus von Mozart 1917 durch die Initiative von zwei Fanatikern für die Nachwelt erhalten blieb. // Klaus Lang „Mozarts Geburtshaus“, novum Verlag 2008, ISBN 978-3-85022-137-5, 437 S., davon 155 Abb., 21,90 EUR

www.crescendo.de 06 2008 | 31 rezension

KO Ž EN Á S H E I M AT L I E D E R

D A S Q UAT U O R ÉB ÈN E B R I L L I E R T

H I L L E P E R L : AU F TA K T Z U R F I E S TA

Die Qualitäten von Magdalena Koženás warm timbriertem Mezzosopran, dessen leichte Angerauhtheit eine ganz spezielle Sinnlichkeit ausstrahlt, bestätigen sich auch auf dieser als persönliches Album vermarkteten Kompilation tschechischer Lieder. Die Kožená präsentiert volksliednahe Miniaturen der Romantik und der klassischen Moderne von Dvorˇ ák über Janácˇek bis Petr Eben. Doch es sind kaum Lieder, die eine Mutter ihrem Kind vorsingt, wie der Titel assoziieren will, vielmehr handelt es sich um anspruchsvolles Repertoire, das ohne den Griff in die Marketingtrickkiste nur wenige Käufer finden dürfte. So entfacht die Kožená ein Panorama stilistisch unterschiedlicher Liedminiaturen ihres Heimatlandes, mal rhythmisch beflügelnd, mal romantisch überhöht oder in harmonische Grenzbereiche vordrängend. Idiomatisch und kurzweilig vorgetragen ist das allemal, auch wenn Malcolm Martineaus brillante Begleitung weniger Konzertsaalpianistik und mehr Natürlichkeit des Ausdrucks gut anstehen würde. Uwe Schneider

Das Streichquartett ist in seiner spartanischen Ökonomie nicht gerade die Idealbesetzung für den changierenden Farbenreichtum und die verschwimmenden Konturen des Impressionismus. Es verwundert daher nicht, dass Debussy, Ravel und Fauré nur einen Beitrag zur Königsgattung der Kammermusik entrichteten – der aber hat es jeweils in sich. Diese drei Werke präsentiert das junge französische Quatuor Ébène meisterlich: klar strukturierter Debussy, anmutig fließender Fauré, innig leidenschaftlicher Ravel. Manchmal ist der Klang etwas zu schwer, der Rhythmus etwas zu starr, aber es gibt so gut wie keine Aufnahme, auf der diese Probleme nicht bestünden. Gerade bei Ravel dürfen wir staunen über die weiten Spannungsbögen und die Subtilität in Dynamik und Rubato (Beschleunigung und Verbreiterung). Die Musiker haben den Mut zu sehr ruhigen Tempi und liefern makellose, funkensprühende Darbietungen der schnellen Sätze mit Leichtigkeit und tänzerischem Drive. Ein Fest der Farben und Gesten.

„La hacha“, die Fackel, nahm der Herrscher im Mexiko des 16. und 17. Jahrhunderts in die Hand, um der Gesellschaft zu bedeuten: Es wird Zeit, ein letzter Tanz noch und dann ist das Fest vorbei. Bei der Gambistin Hille Perl beginnt die Fiesta erst. Denn wer je einmal zu einem richtigen iberomexikanischen Fandango á la Hille Perl getanzt hat, dem geht dieser rhythmisch hochexplosive Musikcocktail für immer ins Blut. Gebraut haben ihn die Gambistin und ihr Trio „Los Otros“ – die schon immer etwas anders sein wollten – aus Melodiefragmenten und Akkordfolgen, die sie in barocken Cister-Handschriften (eines Instruments, das von mexikanischen Spielleuten verwendet wurde) und Musikskizzenbüchern fanden und dann mit einer ordentlichen Prise karibisch-afrikanischer Jazzund Folkmusik würzten. „Unsere kleine, private musikalische Revolution“ nennen sie denn auch ihr Musikprojekt. „La hacha“ heißt auf Spanisch aber auch Axt. Kein Wunder in einem Land, in dem bis heute immer wieder die Gewalt regiert und der Tod nicht weit ist.

Christoph Schlüren

Teresa Pieschacón Raphael

Romantisch überhöht

„Songs my mother taught me“, Magdalena Kožená, Malcolm Martineau (DG) AE_AZ_Crescendo_Okt08:Layout 1 24.09.2008

Subtile Leidenschaft

Hochexplosiver Musikcocktail

Ravel, Debussy, Fauré: „Streichquartette“, Quatuor Ébène (Virgin Classics) 18:27 Uhr

„La Hacha“, Hille Perl, Los Otros & Friends (deutsche harmonia mundi)

Seite 1

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Foto: www.stift-heiligenkreuz.at

exotik 32 | www.crescendo.de 06 2008

Eine wahre O Sehnsuchtsort f端r Sinnsucher: Kloster Heiligen

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Seit dem Mittelalter scheint in Stift Heiligenkreuz die Zeit stehengeblieben zu sein. crescendo-Autorin Violetta Kluge übernachtete im Kloster und stand früh auf, um sich selbst ein Bild zu machen.

Kloster Heiligenkreuz, morgens um Viertel nach fünf. Dunkelheit liegt über der Zisterzienser-Abtei im Wienerwald. Nur hinter den Türen der Stiftskirche leuchtet bereits Licht. Denn im geschnitzten Chorgestühl lobpreisen 30 Mönche Gott mit den „Vigilien“, dem ersten gemeinsam auf Latein rezitierten Chorgebet des Tages. Zwei Stunden lang lassen die Patres diesem noch „Laudes“ und „Konventamt“ folgen. Erst dann frühstücken sie und wenden sich ihren Aufgaben wie Verwaltung, Unterricht in der Hochschule oder Gartenarbeit zu – bis um 12 Uhr „Terz“ und „Sext“, um circa 13 Uhr „Necrologium“ und „Non“, um 18 Uhr „Vesper“ und um 19.50 Uhr „Komplet“ anstehen. „Ora et labora“ – „Bete und arbeite“ – lautet nämlich die Regel des Heiligen Benedikt, die den Rhythmus ihres klösterlichen Lebens bestimmt. Und das seit 875 Jahren, die das älteste dauerhaft bewohnte Zisterzienserkloster der Welt besteht. Das alles findet nicht etwa unter Ausschluss der Öffentlichkeit statt. Täglich kommen Besucher, die sich durch den mittelalterlichen Komplex führen lassen. Oder einige Tage in den schlichten Zimmern des Gästetrakts wohnen, um Abstand vom Alltag zu gewinnen. Seit Mitte Mai nehmen aber auch außerhalb der Klostermauern Menschen en masse an den religiösen Ritualen von Heiligenkreuz teil. Unter dem Titel „chant – Music For Paradise“ haben die Mönche eine bei DECCA erschienene CD aufgenommen – ein Überraschungserfolg, der es blitzschnell an die Spitze der PopCharts geschafft hat. crescendo: Wie sind Sie zu Ihrem Plattenvertrag bei DECCA ge-

kommen? Pater Karl Wallner: Ein Freund aus London informierte uns kurz-

ase der Kraft

kreuz im Wienerwald und seine singenden Mönche

fristig über einen Wettbewerb von Universal England, wo nach den besten spirituellen Sängern gesucht wurde. Einen Tag vor Fristende habe ich eine Mail mit dem Satz „Please have a look at our website“ dorthin geschickt. Postwendend kam ein Anruf von der Producerin, die wissen wollte, ob es auch etwas zu sehen gibt. Diese Dame habe ich auf das YouTube-Video verwiesen, das einer meiner jungen Mitbrüder gemacht hat, die mit apostolischem Eifer an unserer Selbstdarstellung mit elektronischen Medien arbeiten. Die bieten nämlich tolle Möglichkeiten, unsere Welt nach außen zu präsentieren, ohne sie zu profanisieren. crescendo: Warum wurde Ihre CD auf Anhieb ein Erfolg? Wallner: Erstens besitzt Universal ein gutes Gespür für Musik und hat schon viele Bands erfolgreich vermarktet. Zweitens befinden wir uns in einer Zeit der Sinnsuche, weil das Leben so kompliziert

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Willkommen im Kloster! Tourneen der Mönche sind nicht geplant. Vor Ort kann man ihre Gregorianischen Choräle aber täglich hören, von Oktober bis März allerdings nur nach Voranmeldung, weil die Gottesdienste dann in der kleineren Bernhardikapelle stattfinden. Für Gäste gibt es im Kloster Übernachtungsmöglichkeiten. www.stift-heiligenkreuz.org, Tel. 0043-2258-8703.

crescendo: Haben Sie das Gefühl, das andere Sie exotisch finden? Wallner : Ich bekomme immer wieder die Frage gestellt, wie viele

Mönche hier noch leben. Das impliziert, dass wir so etwas wie vom Aussterben bedrohte Dinosaurier sind. Dabei hat unser Kloster mit seiner sehr gesunden, genialen Lebensform keine Nachwuchsprobleme. Journalisten sind auch immer erstaunt, dass wir Handys benutzen und im Internet surfen. Klöster haben aber schon immer mit den Mitteln ihrer Zeit gearbeitet, im Mittelalter Bücher kopiert und später Schulen eingerichtet. Die zuerst empfundene Exotik relativiert sich immer. Wir selbst fühlen uns nicht fremd. crescendo: Und doch hat man in Heiligenkreuz den Eindruck von Zeitlosigkeit, wenn man Ihre Chorgesänge hört, die mittelalterlich anmutenden Kutten sieht. Wallner: Wenn man aus einer solch großen Tradition wie der unseren kommt, sollte man das als Gnade verstehen und nicht zu sehr mit dem flüchtigen Zeitgeist kokettieren. In den er und er Jahren waren Latein und Gregorianische Gesänge völlig out. Mittlerweile kommen Jugendliche zu uns, weil genau das sie anzieht. Denn diese Generation hat immer schon alles gedurft, ist in einer Fastfood-Welt aufgewachsen, wo alles banal dasselbe ist und fad wird. Bei uns spürt sie die Exotik eines anderen Lebens, wo es offensichtlich etwas gibt, wofür es sich lohnt, jeden Tag um halb fünf aufzustehen und auf vieles zu verzichten. crescendo: Leben Sie auf einer Art Insel? Wallner: Solche Pflöcke im Gewoge von Ebbe und Flut einer Gesellschaft muss es geben. Sie verhindern, dass sich die Wüste weiter ausbreitet und sind eine Anlaufstelle für substanziell Suchende. crescendo: Stört der Rummel um „Chant“ da nicht? Wallner: Alle Kontakte mit Medien laufen über mich, um Unruhe zu vermeiden. Im Kloster selbst ist die CD kein großes Thema. Denn uns ist klar, dass in zwei Jahren vielleicht niemand mehr über „Chant“ spricht. Hoffentlich bleibt dennoch hängen, dass Klöster als Orte der Spiritualität ein Potenzial für die Zukunft haben. Das zumindest kommt in den Mails vieler Menschen zum Ausdruck, die unsere Gesänge inhaltlich sowie ästhetisch berührt oder wieder zur Kirche zurückgeführt haben. Fotos: www.stift-heiligenkreuz.at

ist, die Leute extrem unter Druck stehen. Da kommen Botschaften, die Orientierung geben, sehr gut an. Unser Gesang wirkt wohl wie ein Medikament, das dieses Vakuum ausfüllt. crescendo: Wie funktioniert das, wenn Sie lateinisch singen? Wallner: Der Gregorianische Choral ist schon 1 Jahre alt, aber immer noch lebendig. Denn er scheint etwas zu besitzen, was das Innerste des Menschen beruhigt und zugleich erhebt – auch wenn man die Worte nicht versteht. Ein junger Türke sagte mir, dass er ohne unsere Gesänge beim Autofahren schon lange ausgerastet wäre. crescendo: Mussten Sie für „Chant“ Kompromisse machen? Wallner: Universal hat gefragt, ob wir für die Aufnahme nach London kommen würden. Als wir sagten, dass wir für die Aufnahme unsere Kreuzkirche bevorzugen, versuchte das Label gar nicht erst zu verhandeln. crescendo: Welche Gesänge wurden für die CD ausgewählt? Wallner: Wir singen im Kloster permanent Gregorianische Choräle. Bei der Auswahl hatten wir freie Hand und haben uns für das

Fröhlichste entschieden: die Totenliturgie, denn da geht es um die Auferstehung und das Paradies. crescendo: Was bedeutet Ihnen persönlich der Chorgesang? Wallner: In das Lied der Kirche einzustimmen, beruhigt, baut auf und befreit vom Egozentrismus. crescendo: Hat der Erfolg von „Chant“ Ihr Leben verändert? Wallner: Mit 1. Besuchern pro Jahr waren wir auch schon vorher die Attraktion im Wienerwald. Sogar der Papst hat  explizit Heiligenkreuz für einen Besuch ausgesucht. „Chant“ beschert uns zwar noch mehr Aufmerksamkeit. Das Schöne an der CD ist aber, dass die Substanz dessen, was in einem Kloster geschieht, in die Welt hinausgeht. Das beeinflusst unser Selbstverständnis. Wenn ich früher einkaufen gegangen bin, war mein Gewand für mich Ausdruck der Demut. Jetzt steht es für Stolz, ist Teil einer Corporate Identity.

Das Gespräch führte Violetta Kluge.

chant – Music for Paradise ist bei DECCA erschienen. Eine weitere CD mit Advents- und Weihnachtsgesängen folgt.

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exotik 36 | www.crescendo.de 06 2008

Anime & Beethoven

Westliche Klassik im japanischen Zeichentrick

VON FREDDY LITTEN

Klassische Musik steht im Zentrum von

„Piano no mori“, einem japanischen Zeichentrickfilm (= „Anime“, von engl. „animation“).

Illustration: Mit freundlicher Genehmigung: Asatsu-DK Inc., Tokyo

Japan, 1. Januar 1963, 18.15 Uhr: Der Privatsender Fuji Television beginnt die Ausstrahlung der ersten Episode der ersten japanischen Zeichentrickserie: „Tetsuwan Atom“, inzwischen besser bekannt als „Astro Boy“, erzählt die Abenteuer des atomar angetriebenen Roboterjungen „Atom“, nach dem berühmten Manga (japanischer Comic) von Osamu Tezuka, dessen Produktionsstudio auch die Fernsehserie schuf. 18.20 Uhr: Dr. Tenma, ein durch den Tod seines Sohnes verzweifelter Wissenschaftler, erweckt Atom zum Leben. Er drückt dazu, wie es sich gehört, viele Knöpfe, Lichter blinken, Funken schlagen. Und es ertönen, schicksalhaft, die ersten Takte von Beethovens „5. Symphonie“. Beethoven begleitete damit nicht nur die Geburt Atoms, sondern auch die des Phänomens Anime. Mittlerweile ist japanischer Zeichentrick ein Milliardengeschäft, das sich nicht nur à la „Die Biene Maya“ (1975) oder „Pokémon“ (1997ff.) an Kinder wendet, sondern die verschiedensten Zielgruppen und Genreliebhaber bedient, sei es nun durch Science-Fiction-Serien oder Erotikfilme, heftigste Action oder emotionale Dramen. Kein Land erzielt eine solche inhaltliche Vielfalt des Zeichentricks, sodass der Anime dem Ideal des Animationsfilms am nächsten kommt. Zum Zeichentrick gehört aber, seit den Anfängen, die Musik – und natürlich auch die klassische Musik. Walt Disneys „Fantasia“ (1940) dürfte hier vielen einfallen, ist jedoch keineswegs das einzige Beispiel. Liszts „Zweite Ungarische Rhapsodie“ etwa taucht unter anderem in Friz Frelengs „Rhapsody in Rivets“ (1941) auf, wo sie den Bau eines Hochhauses kongenial begleitet, oder in Hanna/Barberas ausgezeichnetem „The Cat Concerto“ mit Tom als Pianist und Jerry als schließlich triumphierendem Störenfried. Angesichts des Einflusses, den der amerikanische Zeichentrick auf den japanischen hatte, aber auch des gewaltigen Umfangs an Anime,

verwundert es also nicht, dass klassische westliche Musik im Anime ebenfalls eine durchaus nennenswerte Rolle spielt – eine sehr viel wichtigere sogar als die klassische japanische Musik. Die Einsatzmöglichkeiten von Klassik im Anime sind vielfältig. So kann sie, wie Filmmusik im allgemeinen, der Unterstreichung einer Szene dienen, wie „Ellens Dritter Gesang“ von Schubert (bekannter als „Ave Maria“) in der letzten Folge der 52-teiligen Serie „Niklaas, ein Junge aus Flandern“ von 1975. Der Junge Niklaas schleppt sich, am

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Ende seiner Kräfte nach zu vielen Schicksalsschlägen, in die Liebfrauenkathedrale in Antwerpen, wo er zum ersten Mal die Originalbilder des von ihm so verehrten Rubens sehen kann. Dazu erklingt nicht nur das „Ave Maria“, sondern Niklaas bedankt sich auch (in der japanischen Originalfassung) bei der Gottesmutter; danach legt er sich auf den Steinboden und entschläft zusammen mit seinem treuen Hund. Kein Wunder, dass sich diese Szene ins japanische Kollektivgedächtnis eingebrannt hat – mit der Folge, dass noch Jahrzehnte später japanische Touristen in der Antwerpener Kathedrale in Tränen ausbrechen. Damit nicht genug, wird klassische Musik auch als Thema des Anime eingesetzt. In Masayuki Kojimas Film „Der Pianowald“ („Piano no mori“, 2007) begegnen wir dem 11-jährigen Kai, der im Wald einen verlassenen Flügel gefunden hat, den nur er zu spielen vermag. Einer seiner Lehrer, ein ehemaliger Starpianist, drängt Kai, an einem Klavierwettbewerb teilzunehmen, bei dem Mozarts Sonate KV 310 auf dem Programm steht. Das Ergebnis ist anders, als es vor allem der von westlichen Zeichentrickﬁlmen geprägte Zuschauer erwarten möchte, aber es gelingt Kai, sich von Mozarts Geistern zu befreien, indem er „seinen“ Mozart spielt. (Genau genommen spielt ihn Vladimir Ashkenazy!) Ob nun die Musik die Bilder oder die Bilder die Musik illustrieren, verwischt in manchen Anime, so in „Die Elfe Florence“ („Yosei no Florence“, 1985). Der angehende junge Oboist Michael liebt Blumen und verliebt sich in die Blumenfee Florence, der er in ihr Reich folgt. Die einzelnen Stationen seiner Reise und der Kampf gegen die drohende Zerstörung dieses Reiches werden durch Musikstücke von Brahms bis Debussy illustriert – Berlioz muss zum Beispiel mit Auszügen aus seiner „Symphonie fantastique“ jeweils bedrohliche Ereignisse untermalen –, doch wurden diese Musikstücke vorher ausgewählt, sind also kein Soundtrack sondern wirkten im Gegenteil als Inspiration.

Das wahre Exotikum?

LAMENTI

Die Lust des bitter-süßen Klagegesangs Opernarien von Monteverdi und seinen Zeitgenossen Emmanuelle Haïm, das Concert d'Astrée und elf Opernstars entdecken ein faszinierendes Kapitel früher Oper.

CD 236929 2 · www.emiclassics.de E. Haïm Tourdaten: 27.10. Frankfurt 02.11. Baden-Baden · 03.11. Berlin

Künstlerotos: Simon Fowler · Pamela Springsteen

Es sind viele westliche Komponisten, deren Werke, in kleinen Auszügen oder sogar vollständig, den Anime bereichern: Von Pachelbel bis Prokofjew reicht die Spanne. Ebenso reichhaltig sind die Arten ihrer Verwendung, ob nun als billige, weil lizenzfreie Backgroundmusik oder als gleichberechtigter, gelegentlich sogar übergeordneter Partner des Bilds. Was auf den ersten Blick exotisch erscheinen mag – dass westliche Musik eine solche Verbreitung in diesem Medium ﬁndet –, ist es tatsächlich aber nicht. Denn seit der Meiji-Zeit im ausgehenden 19. Jahrhundert spielte der Import westlicher Musik eine wichtige Rolle, da sie die Überlegenheit des Westens auszudrücken und vielleicht sogar mit zu bedingen schien. Aus dieser, eigentlich verfehlten, Wertschätzung entwickelten sich Zuneigung und Begeisterung. In Isao Takahatas sanfter Gesellschaftssatire „Meine Nachbarn die Yamadas“ (1999) wundert sich eine Nachbarin der Yamadas, dass dort offenbar Mahler gehört wird, während der Zuschauer in der nächsten Einstellung erfährt, dass Frau Yamada einfach vor dem eingeschalteten Radio eingenickt ist... Im Anime spiegelt sich, dass westliche klassische Musik in Japan den Status des Exotischen längst hinter sich gelassen hat. Bleibt abzuwarten, ob das im Gegenzug auch dem Anime im Westen gelingt. //

Philippe Jaroussky · Rolando Villazón Natalie Dessay u.a. Emmanuelle Haïm · Le Concert d’Astrée

Es gibt eine Vorgeschichte zu meinem Roskilde-Konzert vergangenen Juli: Bereits vor acht Jahren wurde ich von einem Veranstalter gefragt, ob ich den Mut hätte, als klassischer Musiker vor einem Metallica-Publikum in Freiburg Foto: Archiv Daniel Müller-Schott

aufzutreten (Anm. d. Red.: Metallica ist eine US-amerikanische Metal-Band, die 1981 gegründet wurde und seit Beginn der 1990er Jahre zu den international erfolgreichsten Rockgruppen gehört.). Mich reizte die Herausforderung auszuprobieren, ob sich Heavy-Metal-Fans mit einer „Solo-Suite“ von Johann Sebastian Bach konfrontieren lassen. Und es hat sehr gut funktioniert. Freilich musste mein Spiel für die vielen tausend Menschen elektroakustisch verstärkt werden. Am Anfang war der Lärmpegel noch recht hoch, je intimer und ruhiger sich die „Bach-Suite“ gestaltete, desto konzentrierter wurde auch die Stimmung. weiter geht‘s auf S. 40

Foto: Niclas Jessen

www.crescendo.de 06 2008 | 39 exotik

Klassik rockt! Cellostar Daniel Müller-Schott, 32 Jahre jung, wagte den Sprung in die „Löwengrube“. Von seinem Auftritt beim weltgrößten Rockfestival im dänischen Roskilde berichtete er RICHARD ECKSTEIN.

exotik 40 | www.crescendo.de 06 2008

Danach war richtige Begeisterung zu spüren. Durch dieses Erlebnis war ich darauf vorbereitet, was mich in Dänemark erwarten würde, wenn ich mein Kommen zusage. Die Organisatoren sind wohl durch einen Artikel über das Freiburger Konzert auf mich gestoßen.

Beispiel, dass Schostakowitsch unter den Zwängen des Kommunismus und des Stalin-Regimes ungeheuer zu leiden hatte. Schon da haben die Leute aufmerksam zugehört.

Bei diesem Konzert gab es einmal keinen Dresscode. Wir, die Orchestermusiker und ich, hatten alle Shirts mit dem Roskilde-Festival-Logo an. Schwarzer Anzug oder gar Frack wäre sicherlich denkbar unpassend gewesen bei dieser Gelegenheit. Das Rock-Publikum reagiert ja viel direkter als der klassische Konzertbesucher. Da wird nicht nur aus Begeisterung gejubelt, sondern bei Nichtgefallen auch mal eine Bierdose auf die Bühne geworfen. Das war eigentlich meine größte Sorge, dass ich mit meinem 1 Jahre alten, wertvollen Cello auf der Bühne stehe und vielleicht auf solch massive Ablehnung stoße, dass mein Instrument in Mitleidenschaft gezogen wird. Zum Glück hat sich diese Angst als völlig „No stage diving please!“ unbegründet erwiesen. An sich ist das – durchaus riskante – Stage-Diving bei RockEines habe ich gelernt: Eigentlich ist es viel und Popkonzerten heute üblich. Dabei springen Musiker wie leichter vor Tausenden von Menschen zu spieZuhörer von der Bühne in die Publikumsmenge. Die vorne Stelen, die schon in Rage sind und unter denen henden fangen die Springer auf und reichen diese dann „nach schon ein ungeheures Energieniveau herrscht, hinten durch“. Aufgrund des Verletzungsrisikos bittet man in Roskilde als eine „Bach-Suite“ vor 1 Zuhörern interdarum, von Stage-Diving Abstand zu nehmen. Nach einem schweren Unglück pretieren zu müssen, die ganz still und konzenim Jahr 2000, bei dem neun Menschen starben, wurden die Sicherheitsvorkehrungen dort triert lauschen. Freilich hat alles seine Vor- und nochmals verbessert: Unter anderem richtete man abgesperrte Sicherheitszonen vor der Nachteile. Für einen Solisten ist es allerdings Hauptbühne und einen Mittelgang als Fluchtweg ein. eine völlig andere Empfindung, wenn sich Zuhörer schon „in motion“ befinden. Man braucht Solisten gesucht wurde, hat man mich gefragt, ob ich bereit wäre, dann nicht nur Energie zu investieren, sondern erhält ständig „Rückein Cellokonzert zu spielen. Mit der Musik von Schostakowitsch meldung“, man kann viel stärker auf das reagieren, was man vom habe ich mich seit frühester Kindheit intensiv und mit großer LeiPublikum spürt. denschaft auseinandergesetzt. Deshalb bin ich davon überzeugt, dass sich gerade seine unmittelbare rhythmische Kraft auf ein Publikum Ressentiments der Klassik gegenüber gab es überhaupt keine. Die Zuzu übertragen vermag. Deshalb wollte ich sein „1. Cello-Konzert“ hörer hatten einfach Spaß daran, dass jetzt mal andere Musik erklingt. präsentieren. Ehrlich gesagt, war das auch mein Hintergedanke, als ich mein Einverständnis zu dem Roskilde-Auftritt gegeben habe. Bei einer ungeheuren Die Situation kannte ich ja schon von Freiburg. In Roskilde waren Fülle von mehr als 1 Rock- und Techno-Konzerten, ist das einzige etwa . Zuhörer in und vor einem großen Zelt. Das Konzert Klassikerlebnis so herausragend, dass es vielleicht sogar bei einigen wurde nach draußen übertragen, wo große Lautsprecher und Monitore hängen bleiben wird – dachte ich mir. Dann hätte ich wirklich etwas standen. Immer wenn es virtuos oder noch dramatischer wurde, gab es bewegt… Zudem habe ich – eher typisch für meine Musikergeneration Szenenapplaus – sogar mit Jubel. Das Publikum ist voll mitgegangen. – gar keine Schwellenangst. Wenn dies nur bei mehr Menschen so Es war eine tolle, andersartige, wirklich „exotische“ Erfahrung. Sicher wäre, dann würde auch die Klassik, die für alle da sein sollte, wieder hat es auch genützt, dass ich vorher etwas über das Werk und den ein größeres Publikum finden. Komponisten sowie über meine Erfahrung mit dem Stück erzählt habe. Die Zuhörer konnten dadurch eine Verbindung herstellen zwischen Als Jugendlicher habe ich sehr viel Rock, Pop und Rap gehört – beidem, was ich tue, worauf es mir in der Musik ankommt und dem, spielsweise Bands wie „Nirvana“ oder die „Red Hot Chili Peppers“ was dann akustisch passiert. So erhalten Zuhörer, die mit klassischer (schmunzelt). Es ist schon merkwürdig, dass man bei vielen solcher Musik noch gar nicht in Berührung gekommen sind, einen besseren Gruppen, schon nach kurzem zeitlichen Abstand, das Gefühl beZugang. kommt, sich ein wenig dafür schämen zu müssen, sie einmal gemocht zu haben. Bei Brahms passiert einem so etwas nicht… Das macht Ich habe den Leuten in Roskilde erzählt, wie ich zu Schostakowitsch Klassiker eben aus. Rockmusik ist nicht weniger exotisch als die Klasgefunden habe. Seine Musik habe ich ja schon recht früh studiert sik heute. Es kommt nur auf den Standpunkt und den und Aufnahmen von dem Cellisten gehört, dem die beiden Konzerte zeitlichen Abstand an. // gewidmet sind: Mstislav Rostropowitsch. Später hatte ich sogar die Möglichkeit, mit ihm zu studieren. Über den historischen Kontext Dmitri Schostakowitsch. Cello-Konzerte Nr. 1 & 2. Müllerkonnte ich somit einiges sozusagen aus erster Hand berichten: zum Schott, Kreizberg, Symphonieorchester des BR (Orfeo)

Mehr Müller-Schott auf der crescendo premium-CD.

Jedes Jahr wird in Roskilde an ein paar Sommertagen ein Mix aus Rock, Pop und Techno geboten. Ein besonders exotischer Programmpunkt ist das seit letztem Jahr stattfindende Klassikkonzert mit dem Tivoli Symphony Orchestra (Anm. d. Red.: Im Winter wechselt der aus ca.  Instrumentalisten bestehende dänische Klangkörper seinen Namen in Copenhagen Philharmonic.), das nun regelmäßig stattfinden soll. Als nach einem passenden

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ESSAY: DER VORSTAND SVO R S I T Z E N D E D E R G E M A Ü B E R D I E F R AG E

„Wie exotisch ist klassische Musik heute?“ Am Anfang ist Klassik immer exotisch. Man muss sich nur überraschen lassen ...

VON DR. HARALD HEKER

Jeder Musikkenner wird auf die Ausgangsfrage, wie exotisch klassische Allerdings eröffnet sich die neue Musik oft erst über eine gewisse Musik heute ist, zunächst folgende Gegenfragen stellen: Was verstemusikalische Bildung – was im Übrigen für jede künstlerisch anhen Sie unter „klassischer Musik“? Meinen Sie im engeren musikwisspruchsvolle Musik aller Genres und Epochen gilt. Hier machen mir senschaftlichen Sinn die Musik von Wolfgang Amadé Mozart, Joseph die De�zite z. B. in der Schulmusik durchaus Sorgen. Die Politik ist Haydn, Ludwig van Beethoven und ihren Zeitgenossen? Oder einfach gefordert, aber sicherlich auch eigenes Engagement. Musikstücke, die über die Zeit ihren festen Platz im Musikleben und Für die GEMA hat die Musik zeitgenössischer Komponisten imin den Herzen der Menschen gefunden haben? Dann müssten wir hier mer eine besondere Bedeutung gehabt. Schließlich war es Richard auch über die vielen „Klassiker“ etwa der Pop- und Rockmusik, der Strauss, von dem wichtige Impulse für die Gründung einer musikaliFilmmusik oder des Jazz reden, die ja ganz schen Urheberrechtsgesellschaft ausgingen. Die GEMA unterstützt die Schöpfer neuer sicher nicht „exotisch“, also fremd sind. Musik nachhaltig im Rahmen der in ihrer Ich nehme aber an, Sie wollen mich auf die sogenannte „zeitgenössische ernste Musik“ Satzung festgelegten kulturellen Fördermaßansprechen. Aus Sicht der GEMA – das heißt, nahmen. So leisten wir unseren Beitrag zur Entwicklung und zum Bestand dieser Muder „Gesellschaft für musikalische Aufführungs- und mechanische Vervielfältigungssikkultur. Den GEMA-Mitgliedern – Komrechte“ – geht es hier um ein Repertoire, für ponisten, Textdichtern und Musikverlegern das wir die Urheberrechte wahrnehmen, – war und ist dies ein wichtiges Anliegen, das nämlich um Werke von lebenden Kompoauch in wirtschaftlich schwierigeren Zeiten nistinnen und Komponisten. Hinzu kommt nicht zur Disposition steht. Und wir stellen all die Musik, die noch in die Schutzfrist von aufgrund der uns vorliegenden Zahlen fest, dass die Anzahl der Konzerte mit sogenann70 Jahren nach Tod des Urhebers fällt. In der Tat kann diese neue Musik auf Zuten „Werken der ernsten Musik“ im Vergleich der letzten Jahre leicht, aber durchaus hörer – insbesondere auf den unvorbereiteten Zuhörer – fremd und ungewöhnlich wirken. stetig zunimmt. Hier zeichnet sich mögliAber genau dies ist wichtig und richtig, denn cherweise ein bemerkenswerter Trend ab. Die GEMA unterscheidet übrigens nur es ist ja gerade das Ziel vieler zeitgenössischer Komponisten, etwas Neues, Ungebei Konzerten und im Rundfunk zwischen „Klassische Musik“ war zum Zeitpunkt wohntes und bisher Ungehörtes zu schaffen. „E“ und „U“. In allen anderen Bereichen, ihres Entstehens stets neue Musik. Es handelt sich bei der zeitgenössischen so zum Beispiel bei Tonträgern, wird keine E-Musik quasi um die Experimentierküche der Musikgeschichte. Und Unterscheidung der Musik vorgenommen. die Ergebnisse sind zumeist spannend, anregend und aufregend. Interessant ist die Erkenntnis, dass „klassische Musik“ zum ZeitSicherlich spricht neue Musik in der Regel keine allzu breiten Zupunkt ihres Entstehens stets neue Musik war und die Zuhörer überrascht und manchmal auch befremdet hat. Ich denke dabei auch an die hörerkreise an; schließlich geht es darum, Musik sehr bewusst zu sogenannten „Klassiker der Moderne“ wie Arnold Schönberg, Dmitri erleben. Der Begriff „exotisch“ scheint mir in diesem Zusammenhang aber unpassend, denn hier wird Musik von Komponisten unserer Zeit Schostakowitsch oder Igor Strawinsky – um nur einige Namen zu nennen –, die längst ihren festen Platz in den gängigen Konzertprofür unsere Zeit geschrieben, unser Leben und unsere Gesellschaft mit ihren Problemen werden re�ektiert. Und neben dieser eher intellekgrammen und auf dem Tonträgermarkt haben – und natürlich ein ganz tuellen Zugangsweise gibt es viele Komponisten, die höchst sinnliche wichtiger Bestandteil des GEMA-Repertoires sind. Mein Rat an alle, für die zeitgenössische Musik noch unbekanntes Klangerlebnisse schaffen. Beides – das Zielen auf „Kopf“ und „Bauch“ – muss sich gar nicht ausschließen. Neuland ist: Zeigen Sie Mut und lassen Sie sich einmal durch ein Es ist somit äußerst bereichernd, sich auf diese musikalischen ExpeStück neuer Musik überraschen – egal ob im Konzert, in der Oper, auf Tonträger oder im Hörfunk. rimente einzulassen. Wer sich einlässt, �ndet oft überraschend einen sehr spontanen Zugang zu dieser Musik unserer Zeit und das gilt gerade Dr. Harald Heker ist seit 2006 Mitglied des GEMA-Vorstands. Nach dem Jura-Studium auch für jüngere Menschen. Zudem scheuen mutige Interpreten keine war er in Leitungspositionen zunächst für das Institut für Urheber- und Medienrecht in Mühe, solche Musik einer breiteren Zuhörerschaft nahe zu bringen. München tätig und wechselte dann zum Börsenverein des Deutschen Buchhandels.

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„Für einen Sänger ist es absolut tabu etwas zu singen, was er nicht total versteht, ganz egal in

Gruft, Gotteslob und Staubsauger Thomas Hampson ist einer der führenden Opern- und KunstliedInterpreten – und liebt die deutsche Sprache wie sonst kaum jemand.

Ein Amerikaner, der uns zeigt, wie schön unsere Sprache eigentlich ist. Mit crescendo sprach Thomas Hampson bei seiner Masterclass beim Festival Heidelberger Frühling über sein inniges Verhältnis zum deutschen Wortschatz und darüber, wie er Rolando Villazón niedergeschlagen hat. crescendo: Herr Hampson, Sie sind Amerikaner und einer der füh-

renden Interpreten des deutschen Kunstliedes. Wie geht das zusammen? Thomas Hampson: Ich war 1 oder 1 Jahre alt, als ich meinen ersten ernsthaften Gesangsunterricht hatte. Meine Lehrerin war eine Nonne. Sie gab mir Bücher und Schallplatten mit Liedern von Schumann und Schubert und sagte: „Hör dir das einmal an.“ Für mich ging damals der Vorhang auf, für eine andere Welt, das war toll. Ich habe dann bereits in Amerika Deutsch studiert, weil es in dieser Sprache so viel Schönes zu singen gab, und auch weil meine Englischlehrerin an der Universität eine Deutsche war. Wir haben gemeinsam deutsche Weihnachtslieder gesungen. crescendo: Heute interpretieren Sie die Dichter der Romantik… Hampson: ... weil ich die deutsche Lyrik und Literatur speziell des 1. Jahrhunderts liebe. Es ist mir unbegreiflich, dass dieser Schatz in meinen Augen in Deutschland nicht wirklich wertgeschätzt wird. Diese literarische Epoche steht völlig zu Unrecht unter dem

Foto: www.hampsong.com

welcher Sprache.“

Verdacht, sentimental oder sogar „kitschig“ zu sein. Deutschland hat eine herrliche Sprache und eine Lyrik, die für die ganze Welt wichtig ist. Es ist ja kein Zufall, dass wir alle Gesänge „Lieder“ nennen, ein „Liederabend“ ist ein Universalbegriff in Italien und Frankreich genauso wie in den USA. Keine andere Sprache ist so reich an Metaphern, nirgendwo sonst lassen sich so unterschiedliche Aspekte des Daseins in ein einziges Wort fassen. crescendo: Zum Beispiel? Hampson: Nehmen Sie „Vernunft“, das ist so viel schöner als das englische „reasonability“, die „Vernunft“ ist beispielsweise immer auch mit Respekt verbunden. Oder vergleichen sie das Wort „loben“ mit dem Wort „praise“, da tun sich ganz andere Klangwelten auf – erst recht wenn man sich das Wort „Gotteslob“ auf der Zunge zergehen lässt! Oder was steckt alles in dem Begriff „Wehmut“. Da höre ich Stolz und Stärke, und ein Lächeln unter Tränen, wie es meine spätere Lehrerin Elisabeth Schwarzkopf formulierte. Eine Trauer, die sich jedes Mitleid verbittet, auch das Selbstmitleid übrigens. Ein wunderbares Wort ... crescendo: … das kaum noch in Gebrauch ist. Hampson: Da gibt es viele, die langsam verschwinden. „Kerker“ und „Gruft“ sind zwei andere Beispiele, die mir ans Herz gewachsen sind. Ich habe auch die alte deutsche Schreibweise sehr gerne mit dem stummen „h“, und das scharfe „ß“ ist geradezu eine kalligra-

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phische Schönheit. Für mich als Sänger hat es außerdem einen speziellen Klang und eine ganz besondere Konnotation. Davon abgesehen, und ohne banal zu werden, gibt es auch viele wunderbare, moderne Alltagswörter. „Wolkenkratzer“ beispielsweise. Da sieht man doch diese metaphysische kleine Hand, die hoch oben aus dem riesigen Gebäude herauskommt und die Wolke kratzt, die vorbeifliegt. In meiner Fantasie kichert diese Wolke. Oder das Wort „Staubsauger“. Als ich das zum ersten Mal gehört habe, war es die reinste Offenbarung (lacht). Sauger! Da hört man doch das Schwein (macht Grunzgeräusche), das eben nicht Trüffel sucht, sondern Staub. Bei uns zu Hause hieß es „Bring mal den Hoover“ oder „Mutti hoovert“. Das Gerät heißt in Amerika einfach nur Hoover, nach dem Hersteller. Welche Bilderpracht transportiert dagegen der Staubsauger. crescendo: Sie singen in vielen verschiedenen Sprachen. Hampson: Zurzeit sind es elf, und jede davon ist für mich eine faszinierende Reise in eine eigene Kultur, die ich grundsätzlich gemeinsam mit Muttersprachlern unternehme. Für einen Sänger ist es absolut tabu etwas zu singen, was er nicht total versteht, ganz egal in welcher Sprache. Einfach nur den Papagei zu machen, ist eine Schande. Natürlich bedeutet es Knochenarbeit, eine Opernpartie in einer Sprache zu lernen, die man im Alltag nicht beherrscht. crescendo: Die Paraderolle, mit der Sie in Deutschland einem breiten Publikum bekannt wurden, ist die des Vaters in der Verdi-Oper „La Traviata“. Initialzündung war die Salzburger Inszenierung im Jahr  mit Anna Netrebko und Rolando Villazón. Hampson: Was mich damals am meisten überraschte, waren die Briefe von älteren Herren, die ich bekam, nach dem Motto „Jetzt habe ich begriffen, was für einen Fehler ich mit meiner Familie

gemacht habe.“ Einige Zuschauer kamen nach den Aufführungen persönlich zu mir, fast unfähig zu sprechen und überwältigt von ihren eigenen Erinnerungen. Dieser Vater Germont ist ja anfangs voller Mitleid, und er will nur das Beste für seine Familie. Tatsächlich macht er aber einen schweren Fehler. crescendo: In der Schlüsselszene schlägt der Vater im Zorn seinen Sohn nieder. Diese brachiale und punktgenau auf die Musik platzierte Ohrfeige war eine Sensation auf der Opernbühne. Hampson: Die Idee für diese „Watschn“ hatte ursprünglich Jürgen Flimm in Zürich. Ich habe das mit dem Salzburger Bühnenregisseur Willy Decker weiterentwickelt und diese körperliche Attacke musikalisch auf den entscheidenden Akzent gesetzt. Es war klar und logisch, dass der Streit zwischen Vater und Sohn auf eine physische Auseinandersetzung hinauslaufen muss. crescendo: Wenn der Vater den Sohn niederschlägt, sieht man als Zuschauer, wie das schwache Band, das es zwischen beiden bis dahin noch gab, endgültig zerreißt. Hampson: So ist es. In diesem Moment ist dem Vater klar, dass alles verloren ist. Er fleht noch, aber er weiß, es ist nicht wiedergutzumachen, es ist aus. Diese Szene ist der Angelpunkt der ganzen Oper. crescendo: Musste Rolando Villazón nach diesem Schlag zum Arzt? Hampson: Rolando ist ein Bühnentier. Scheinbar schlage ich ihn mit dem Handrücken und mit voller Wucht ins Gesicht, tatsächlich habe ich ihn nicht einmal berührt. Den Knall dieser Ohrfeige macht er selbst. Noch ehe er sich wegdreht und zu Boden stürzt, klatscht er in die Hände. Das ist gutes altes Handwerk, das seine Wirkung nie verfehlt. Das Salzburger Publikum war jedesmal wieder geschockt. // Das Gespräch führte Hannah Glaser.

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Diese Termine sollten Sie Weitere Termine

Koblenz: Opulentes Fest im Zuschauerraum

16. Oktober Basel, Theater: Ein Schlagzeugkonzert präsentiert Raritäten der Percussionliteratur www.theater-basel.ch

Bei dieser Inszenierung der „Ariadne auf Naxos“ spielt das Publikum die Festgesellschaft in Abendrobe und wird auf Wunsch (VIP-Karte kaufen!) mit Wein bewirtet.

18. Oktober München, Gasteig: „Variaciones de piano“ Mozart, Schubert, Brahms und César Franck mit Alejandro Picó-Leonis www.cervantes-muenchen.de

Luxemburg: Bach-Kantaten mit Suzuki In der Konzertreihe „Voyage dans le temps – musique ancienne et baroque“ spielt das Bach Collegium Japan unter Masaaki Suzuki Bach-Kantaten und die Messe g-Moll.

25. Oktober Saarbrücken, Hochschule für Musik Saar: „HFM JazzNacht“, ein Ausschnitt der deutschen Jazz- und Improvisationsszene www.jazz.hfm.saarland.de

10. November München, Himmelfahrtskirche: Requiem in Es-Dur/G. J. Vogler mit der Neuen Hofkapelle München, Orpheus Chor, Leitung: G. Guglhör www.nhkm.de 13. November München, Mars-Venus-Saal/Bayerisches Nationalmuseum: Amerikanische „Alte Musik“, Joel Frederiksen/Ensemble Phoenix Munich www.muenchenticket.de 13. November Frankfurt, Alte Oper: Tschaikowsky/Schostakowitsch/Vasks mit Arabella Steinbacher, Violine und dem hr-Sinfonieorchester www.alteoper.de 15. November München, Gasteig: Helmut Lachenmann beim neuen „Forum der Gegenwartsmusik“ www.mvhs.de/musikverstaendnis 15. November Ludwigshafen, BASF-Feierabendhaus: Abschlusskonzert von Enjoy Jazz www.basf.de/kultur

Zweibrücken

Heidelberg: Südafrikanischer HipHop

Bamberg

Tumi ist schon seit einigen Jahren eine zentrale Figur des südafrikanischen HipHop, beim MontreuxFestival 2006 wurden „Tumi and The Volume“ von 15.000 Fans gefeiert.

Luxemburg

Fotos: Theater Koblenz, Philippe Gontier/Naive, Enjoy Jazz 2008 - Tumi an the Volume - Ross Garre, Sonja Werner, Musica Suevica Chor, LUCERNE FESTIVAL, Tiroler Landestheater, Richard Haughton, Theater Regensburg, Viktoria von Aigner (Probenfoto), Kulturgipfel GmbH, Ralf Dowideit, Marco Borggreve, Walter Haberland, MünchenMusik

31. Oktober Ingolstadt, Festsaal: Benefizkonzert mit Cellist Wen-Sinn Yang und der Audi Bläserphilharmonie: Cello-Konzert „Casanova“/Johan de Meij www.audi-art-experience.de

Frankfurt

12.11., Tel. +352-26322632, www.philharmonie.lu

26. Oktober (Premiere) Stuttgart, Staatsoper: Giuseppe Verdis „Aida“ eröffnet die neue Stuttgarter Opernsaison www.staatstheater-stuttgart.de

30. Oktober – 09. November Salzburg, Großes Festspielhaus: 13. Salzburger Jazzherbst – u. a. Dianne Reeves www.jazz4you.at

22.11., Tel. 069-1340400, www.alteoper.de

Koblenz

24. Oktober Ismaning, Kallmann-Museum: Tief in der Tradition des modernen Jazz verwurzelt: M. Kesselbauer, Tenorsaxophon und Th. Stabenow, Bass www.kallmann-museum.de

28. Oktober Eichstätt, Residenz: Französische Clavecinmusik mit dem argentin. Cembalisten O. Milani www.keh.net/promusica

1982 gründete Marc Minkowski die „Les Musiciens du Louvre Grenoble“, die heute zu den weltbesten Orchestern gehören. Auf dem Spielplan stehen Berlioz und Tschaikowsky.

16.11. (Premiere), Tel. 0261-1292840, www.theater-koblenz.de

18. Oktober Hohenems, Markus-Sittikus-Saal: Pianist David Fray spielt Bach/Mozart/Schubert/Liszt www.schubertiade.at

27. Oktober München, Künstlerhaus am Lenbachplatz: Konzert mit Peter Clemente, Violine/Viola und Fumiko Shiraga, Klavier www.muenchenticket.de

Frankfurt: Im Stil der Epoche

Heidelberg

22.10., Tel. 06221-161480, www.enjoyjazz.de

Zweibrücken: AusnahmeCellist Das Cellospielen begann Daniel MüllerSchott mit sechs Jahren und gewann mit 15 als erster Deutscher beim Internationalen Tschaikowsky-Wettbewerb in Moskau den 1. Preis. Seit 2000 trit t er als Kammermusikpar tner von Anne-Sophie Mutter auf. Mit dem Staatsorchester Rheinische Philharmonie spielt er in Zweibrücken zur Einweihung der neuen Festhalle Werke von Mozart und Dvorˇ ák. 14.11., Tel. 0261-3012272, www.rheinische-philharmonie.de

Augsburg: Reiche Musikgeschichte Eine festliche Auswahl beispielhafter Musikstücke aus der schwäbischen Region, präsentiert zum 25. Jubiläum des Musica Suevica Chores, unter Franz Wallisch.

Augsburg

25.10., Tel. 0821-58979738, www.musica-suevica.de

Murnau: Zerlegt und gefeiert Ein Klavierabend mit Aki Takase und Alexander von Schlippen bach, welche beide bereits Preise für ihren lustvoll dekonstruierenden Umgang mit der jeweiligen Musik-Tradition errungen haben. 24.10., Tel. 08841-61410, www.weltmusikfestival-grenzenlos.de

Luzern: Orgel-Rezital Beim 10. Lucerne Festival Piano spielt die Münchner Organistin Elisabeth Zawadke die beeindruckende und berührende Meditation des Katholiken Olivier Messiaen über die Heilige Dreieinigkeit. 22.11., Tel. +41-(0)41-2264480, www.lucernefestival.ch

Luzern

Innsbruck: Herzschmerz bei „La Bohème“ Puccinis hochromantische Geschichte um die tragische Liebesbeziehung zwischen der todkranken Mimì und dem Dichter Rodolfo spielt im Paris des 19. Jahrhunderts. 09.11. (Premiere), Tel. +43-(0)512-520744, www.landestheater.at

www.crescendo.de 06 2008 45 | plus regional süd Sonderveröffentlichung/Anzeigen

nicht versäumen:

„Kein Mensch ist unmusikalisch, jeder ﬁndet sein Instrument ...“ ... und bei uns, dem Musikforum Blutenburg, ﬁndet er es besonders preisgünstig. Von A wie Akkordeon bis Z wie Zither – bereits ab 60 Euro / Monat gibt es in der größten privaten Musikschule Münchens Instrumental-Einzelunterricht.

Bamberg: Großer Konzert- und Liederabend Simon Keenlyside singt nicht nur am Royal Opera House in London einen berückend schönen Rodrigo in Verdis „Don Carlo“, er ist auch als Liedsänger mit Recitals zu hören, wie hier mit Gustav Mahlers „Kindertotenliedern“. Die Bamberger Symphoniker spielen Werke von György Ligeti, Bach sowie Franz Schuberts große „C-Dur Symphonie“, die erst zehn Jahre nach dem Tod des Komponisten uraufgeführt wurde.

Kontakt: Musikforum Blutenburg im Steinway-Haus in München-Laim, Telefon (089) 54 67 97 31, www.musikforum-blutenburg.de AZ_Audi_Bläser_APPLAUS_129x92.qxd:Layout 1 11.09.08 13:20 Seite 1

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19.10., Tel. 089-21124216, www.bayerisches-nationalmuseum.de

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Zum visuellen Erlebnis der Porzellan-Ausstellung in Schloss Lustheim gesellt sich noch ein akustisches, wenn die seit 1985 in Deutschland lebende japanische Pianistin Masako Ohta Kompositionen ihrer Heimat einem Spektrum von Bach bis Ravel gegenüberstellt.

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Oberschleißheim: Klänge aus Ostasien und Europa

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18.10. (Premiere), Tel. +43-(0)7327611400, www.landestheater-linz.at

30.10. (Premiere), Tel. 0941-5075050, www.theaterregensburg.de

Beethovens „Fidelio“ intim: In der Fassung von Alexander Zemlinsky für Klavier zu vier Händen wird die Hymne auf die eheliche Treue und die Frau als rettenden Engel getanzt. D

Opernregisseur Kay Link bringt Lehárs Operet te „Das Land des Lächelns“ auf die Regensburger Bühne. Erzählt wird eine moderne Liebesgeschichte zwischen den Kulturen.

Linz: Fidelio im Kleinformat

Regensburg: Lehárs Erfolgsstück

Neu ab November 2008: Professionelle Korrepetition durch unsere Klavierlehrer für Musikstudenten, Prüfungskandiaten und freie Musiker.

14.11., Tel. 0951-9647100, www.bamberger-symphoniker.de

Wir bieten allen Generationen eine qualiﬁzierte Ausbildung in der Erlebniswelt Musik: Rund 50 Lehrer und Lehrerinnen unterrichten 1000 Schüler und Schülerinnen von 1 ½ Jahren bis ..., also solange es Ihnen Freude bereitet.

München: Wagner-Lesung Der Romancier und Opernkenner Herber t Rosendorfer liest aus seinem neuen Roman „Richard Wagner für Fortgeschrittene“. Den musikalischen Rahmen bildet das Lenbach-Trio.

Eine Veranstaltung der Gasteig München GmbH in Kooperation mit der AUDI AG

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10:24 Uhr

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28.11., Tel. 089-5596860, www.kulturgipfel.de

Mittags „Dornröschen“, abends „Schwanensee“ – zwei Meisterwerke voller Poesie, Anmut und Eleganz. Mit atemberaubender Leichtigkeit und technischer Präzision entführt das Russische Staatsballett das Publikum in Tschaikowskys Traumwelten. In der Mittagsveranstaltung sorgt ein Erzähler dafür, dass auch die Kleinen der Handlung folgen können. 02.11., Tel. 0180-5050030 (14 Ct./Min.) , www.muenchenmusik.de

SPIELZEIT 2008/2009

München: Ballett-Träume auch für Kinder

Samstag, 1. November 2008, 20 Uhr

GRÄFIN MARIZA

Operette in 3 Akten von Emmerich Kálmán Donnerstag, 20. November 2008, 20 Uhr

SALUT SALON: HERZENSSACHE! Sonntag, 23. November 2008, 19 Uhr

FORUM UNTERSCHLEISSHEIM

Innsbruck

KULTUR IN UNTERSCHLEISSHEIM

ELIAS: ORATORIUM VON F. MENDELSSOHN-BARTHOLDY Bürgerhaus Unterschleißheim Rathausplatz 1 Ticket Shop: Tel. 089/310 09-200, Fax: 089/310 09-168 tickets.forum@ush.bayern.de, www.forum-unterschleissheim.de www.ticketonline.com

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M U SIKSTADT DRESDEN

Ein Streifzug durch den Klangraum Kulturell sucht die sächsische Metropole Ihresgleichen: Neben überwältigenden Kunstsammlungen und Meisterwerken barocker Architektur bietet „Elbflorenz“ eine einzigartige Musiklandschaft. VON RICHARD ECKSTEIN

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Frauenkirche (links) und Semperoper (rechts): Hier spielt die Dresdner

Foto: Matthias Creutziger

Staatskapelle.

Der mehr als  Jahre alte Dresdner Kreuzchor zählt zu den renommiertesten Knabenchören weltweit. Ihm gehören heute ca. 1 Kruzianer zwischen neun und 1 Jahren an. Als künstlerische Heimstatt des Chors dient die im Krieg stark in Mitleidenschaft gezogene und bewusst in vereinfachter Form wieder aufgebaute Kreuzkirche. Deren Akustik besitzt wohl gerade aufgrund des schnöden Rauhputzes so überwältigende Eigenschaften. Dem ursprünglichen Auftrag des Chors entspricht die Gestaltung der Musica Sacra für Vespern und Gottesdienste. Infos über die Chorkonzerte unter www.dresdner-kreuzchor.de //

Ein Dresden-Besuch ohne Aufführung in der Semperoper? Ein Unding. So denken viele tausend Touristen jährlich und vergessen bei aller Lust, einen solch imperialen Bau einmal von innen zu erleben, oftmals genau hinzuhören. Denn im Graben sitzt nicht nur eines der ältesten und traditionsreichsten Orchester der Welt, sondern auch eines der besten. Von seinem einstigen „Chef“ Richard Wagner, Hofkapellmeister von 18431848, wurde es als „Wunderharfe“ gerühmt.

Wer sich einmal ganz auf den dunkel getönten Sound dieses Klangkörpers, der vor allem von tiefen Streichern und Holzbläsern getragen wird, und das perfekte Zusammenspiel der Musiker eingelassen hat, ahnt, worin die tiefere Bedeutung dieses ehrenvollen Begriffs besteht. Ohne den Operndienst wäre das Orchester gewiss nicht das, was es ist. Herzstück einer jeden Kapellsaison bilden jedoch seit 1 Jahren die regelmäßigen Abonnementkonzerte – in dieser Spielzeit insgesamt zwölf. Im festlichen Rahmen der Semperoper sitzt das Orchester in einem der Innenarchitektur des Zuschauerraumes angepassten „Konzertzimmer“ auf der Bühne und präsentiert sich so – optisch wie akustisch – von seiner besten Seite. www.staatskapelle-dresden.de

Der Aufrechte

Mit seiner besonderen Art der Stabführung konnte Fritz Busch (1890–1951) Orchestermusiker und Publi-

Seit dem Wiederaufbau der Frauenkirche hat die Semperoper als das touristische Highlight Dresdens ernsthafte Konkurrenz bekommen. Und auch hier finden neben der sakralen Nutzung zahlreiche Konzerte statt – ja, man könnte fast von einem riesigen Musiktempel sprechen. Herausragende Kirchenmusik steht freilich im Vordergrund. In mehr als 1 Veranstaltungen werden sich  international gefeierte Klassikstars ein Stelldichein geben. www.frauenkirche-dresden.de

Seit einem Jahr Chefdirigent der Staatskapelle Dresden: Fabio Luisi

Foto: Matthias Creutziger

Foto: Ralf Hirschberger

Leider wird das hervorragende städtische Orchester Dresdens immer wieder vergessen: die Dresdener Philharmonie besteht derzeit aus 11 Musikern und ist (noch) im 1 errichteten Kulturpalast zu Hause. Doch das Konzertorchester und sein Chefdirigent Rafael Frühbeck de Burgos sammeln für einen neuen Saal, der akustisch keine Wünsche mehr offen lassen soll. www.dresdnerphilharmonie.de

Der traditionsreichen Sächsischen Staatskapelle Dresden, der er seit 1 als Opern- und Generalmusikdirektor vorstand, nötigte er ungeahnte dynamische Schattierungen ab, entwickelte in Agogik und Gestaltung so starke suggestive Kräfte, dass die Instrumentalisten ihm quasi willenlos folgten. Vom „Führerprinzip“ im politischen Sinn hielt der aufrechte Demokrat Busch dagegen nichts. Giuseppe Sinopolis Einschätzung seines frühen Vorgängers als Künstler „von höchster ethischer Bedeutung“ kann nur beigepflichtet werden: „Bei ihm entzieht sich der musikalische Ausdruck jeglicher Form von äußerlichem Exhibitionismus und beschränkt sich auf einen zutiefst innerlichen spirituellen Anspruch.“ Alle Zeitzeugen sind sich einig: Stand Busch am Pult, besaß die Musik – bei absoluter Texttreue – eine hinreißende musikalische Frische, Klarheit und instrumentale Balance. Eitelkeit kannte er nicht. Den Nazis war er ein Dorn im Auge: Vor einer „Rigoletto“-Aufführung am . März 1 brüllte die SA Busch bei seinem Erscheinen im Graben der Semperoper nieder. Fluchtartig verließ er das Haus. Für immer. Einziger Trost für die Nachgeborenen: sämtliche Aufnahmen Fritz Buschs aus seiner Dresdner Zeit auf drei CDs (Profil Edition). RICHARD ECKSTEIN

Foto: BrüderBuschArchiv im Max-Reger-Institut Karlsruhe

kum in eine andere Welt versetzen.

plus regional nord | 48 www.crescendo.de 06 2008 Sonderveröffentlichung/Anzeigen

Diese Termine sollten Sie Weitere Termine 19. Oktober Herdecke, Werner-Richard-Saal: Takashi Sato spielt Schubert und Chopin www.beckerkonzert.de 19. Oktober (Premiere) Bonn, Theater: Vivaldis „Orlando Furioso“ in italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln www.theater-bonn.de 19. Oktober Flensburg, Kleine Bühne: „Schwarzer Schnee“ Lieder u. a. von Prokofjew, Schostakowitsch und Rachmaninow www.sh-landestheater.de 21. Oktober Kleve, Stadthalle: Gehörtes und Ungehörtes – Sammartini, Telemann, Händel, Vivaldi, Bach www.concerto-koeln.de 25. Oktober Potsdam, Nikolaisaal: M. Schumann/Piano, G. Donker/Bass, H. Lichius/Schlagzeug begleiten Ulita Knaus bei ihren Jazzinterpretationen www.nikolaisaal.de 25. Oktober (Premiere) Münster, Städtische Bühnen: Puccinis „Turandot“ in Originalsprache mit deutschen Übertiteln www.stadttheater.muenster.de 07. November (UA) Kassel, Staatstheater: Bei den 75. Kasseler Musiktagen „Kassandra“, Erinnerungsduett www.kasseler-musiktage.de 08. November Leipzig, Gewandhaus zu Leipzig: Olivier Messiaen: Orgelstunde mit dem Gewandhausorganisten Michael Schönheit www.gewandhaus.de 09./10./11. November Köln, Philharmonie : Viktoria Mullova, Violine, spielt mit dem Gürzenich-Orchester Mendelssohn-Bartholdy, Prokofjew und Beethoven www.guerzenich-orchester.de

Hamburg: Wunder aus dem Stegreif Die Pianistin Gabriela Montero ist ein absolutes Ausnahmetalent. Mutig setzt sie sich über Grenzen der klassischen Musik hinweg und mischt, wie es sonst nur im Jazz üblich ist, die Werke großer Komponisten mit eigenen musikalischen Figuren und Inspirationen. Ihre Improvisationen im Rahmen klassischer Konzerte sind legendär. Auf ihrer Tournee ist sie auch auf dem Kampnagel zu erleben. 11.11., Tel. 01805-9690000 (14 Ct./Min.) , www.deag.de

Bremen: Zauber der Stimme Für Karajan zählte die Glocke zu den drei besten Konzer t sälen Europas. Annette Dasch interpretiert hier mit ihrem ausdrucksstarken Sopran Mozart, Haydn und Weber. 15.11., Tel. 0421-336699, www.glocke.de

Essen: Gegen Crossover und Verflachung

23. November Berlin, Renaissance-Theater: Rolle der Neuen Musik in der Gesellschaft, Komponistengespräch mit Helmut Lachenmann/Peter Ruzicka www.berlinerfestspiele.de 25. November Neuss, Zeughaus: Das Jerusalem Trio spielt Mozart, Schönberg und Tschaikowsky

Hamburg

18.11., Tel. 040-440298, www.mkg-hamburg.de

Bremen

Hildesheim: Erst brannten die Bücher… ... dann die Synagogen... Im Gedenkkonzert erklingen Werke von sechs Komponisten, die vom Nazi-Terror betroffen waren: von Gustav Mahler über Arnold Schönberg bis zu Erwin Schulhoff.

08.11., Tel. 0201-81228801, www.philharmonie-essen.de

10.11., Tel. 0511-28282828, www.tfn-online.de

Dortmund: Genie am Klavier Als erster Pole seit Krystian Zimmerman gewann Rafał Blechacz 2005 mit 20 Jahren den Internationalen Chopin-Wettbewerb. Er spielt Mozart, Debussy und Chopin. 30.10., Tel. 0231-22696200, www.konzerthaus-dortmund.de

14. November (Premiere) Hannover, Opernhaus: „Cinderella“, Ballett nach dem Libretto von N. Wolkow, Musik/Prokofjew www.staatstheater-hannover.de

21. November Düsseldorf, Opernhaus: Ballett de L‘Opera National de Paris mit „Orpheus und Eurydike“, Tanzoper/Pina Bausch, Musik/Chr. W. Gluck www.fest-mit-pina.de

Ian Mardon, das „Energiebündel mit Geige“ fasziniert die Gäste mit spanischen Tänzen und der „CarmenPhantasie“ op.25 des spanischen Geigers Pablo de Sarasate.

Reputation und musikalische Integrität: Frank Peter Zimmermann (Violine), Heinrich Schiff (Violoncello) und Martin Helmchen (Klavier) spielen Mozart und Schubert.

09. November Bonn, La Redoute: Mendelssohn und Schubert mit Konstantin Scherbakov am Klavier www.beethoven-orchester.de

21. November Hamburg, C. Bechstein Centrum: Der französische Pianist Pascal Rogé mit Werken von Fauré, Satie, Ravel, Poulenc und Debussy www.bechstein.de

Hamburg: „Fuego Español“

Dortmund Essen Düsseldorf

Düsseldorf: Durchgängige Brillanz Für die Interpretation des „D-Dur-Violinkonzerts“ op.35 von Tschaikowsky wurde Hilary Hahn 1999 als Nachwuchskünstlerin mit dem „ECHO Klassik“ ausgezeichnet. Jetzt ist sie u. a. damit in der Tonhalle zu hören. 31.10., Tel. 01805-9690000 (14 Ct./Min.), www.deag.de

Hildesheim

Weimar: Jenu˚fa aus Brünn In der durchkomponierten Oper „Jenu˚ fa“ sind Melodik und Harmonik mit ihren charakteristischen, sat ten und dunklen Farbtönen in der tschechischen Volksmusik ver wur zel t . Eine Übernahme von der Staatsoper Stuttgart. 15.11. (Premiere), Tel. 03643-755334, www.nationaltheater-weimar.de

Erfurt: Mord mit Musik Die Oper „Der Richter und sein Henker“ nach Dürrenmatts berühmtem Roman von 1950 lenkt den Blick hinter die Fassade der vordergründigen Mordgeschichte und entlarvt eine absurde Tragikomödie. 08.11. (Premiere/UA), Tel. 0361-2233155, www.theater-erfurt.de

www.crescendo.de 06 2008 49 | plus regional nord Sonderveröffentlichung/Anzeigen

nicht versäumen: Hamburg: Stürmische Wucht Der Hamburger „Ring“ unter der Leitung von Simone Young wird sich über vier Spielzeiten erstrecken. Auf die „Walküre“ folgen 2009 „Siegfried“ sowie 2010 „Die Götterdämmerung“. 19.10. (Premiere), Tel. 040-356868, www.staatsoperhamburg.de

Berlin: Spanien zu Gast Ein Konzert zur 20-jährigen S tädtepar tnerschaft Madrid – Berlin: Die katalanische Flamenco-Sängerin Ginesa Ortega interpretiert die Zigeunerszenen „Liebeszauber“ des großen spanischen Komponisten Manuel de Falla. 05.11. (UA), Tel. 030-203092101, www.konzerthaus.de

Olivier Messiaen war Komponist und Katholik mit Hang zum Mystisch-Visionären, der Gott in den Gebirgen und Ozeanen, in Blumen und Sternen spürte und wahre Klangteppiche schuf. Die drei großartigen Sängerinnen Ruth Ziesak, Christine Schäfer und Christiane Oelze (begleitet von Eric Schneider am Klavier) stellen Messiaens Kosmos Werke von Robert Schumann aus dem Jahr 1840 gegenüber. 29.10., 23.11., 28.11., Tel. 030-203092101, www.konzerthaus.de

Berlin

Berlin: Ein Großer geht Mit Mozarts „c-Moll-Klavierkonzert“ nimmt Alfred Brendel definitiv und unwiderruflich seinen Abschied von jenem Orchester, dem er so lange verbunden war: den Berliner Philharmonikern. 31.10., Tel. 030-25488999, www.berliner-philharmoniker.de

Leipzig

Leipzig: Aida ohne Styropor-Pyramiden Peter Konwitschnys Interpretation befreit „Aida“ von ihrem Image als großes Spektakel. Bei ihm gibt es weder Pharaonenpomp noch Statistenheere und Styropor-Pyramiden. Der ägyptische Feldherr Radames soll als Lohn für seinen Sieg die Königstochter Amneris zur F rau erhal ten, liebt aber Aida, die als Sklavin gehaltene Tochter des feindlichen Königs. Für die Liebenden bleibt nur der Tod. 01.11. (Premiere), Tel. 0341-1261261, www.oper-leipzig.de

Weimar Erfurt Zwickau

Zwickau: Einst umstrittenes Tanztheater Wegen seines Inhalts – es geht um Prostitution, Räuberei und Totschlag wurde Bartóks „Wunderbarer Mandarin“ nach der Kölner Uraufführung 1926 gleich wieder vom Spielplan genommen. 31.10. (Premiere), Tel. 0375-834647, www.theater-plauen-zwickau.de

Fotos: Michael Tammaro, Daniel Pasche, Ian Mardon/Privat, Klaus Rudolph, Andreas Hartmann/ Theater für Niedersachsen GmbH, Felix Broede/DG, Mathias Bothor/DG, Martin Sigmund, Lutz Edelhoff, Kurt-Michael Westermann, Natalie Bothur, Steven Haberland/edel classics, Christine Schäfer, Regina Schmeken/Decca, Uwe Bellhäuser, Gewandhaus Zwickau/Peter Awtukowitsch, Sociedad Fialrmónica Madrid Berlin

Berlin: Messiaen-Zyklus 2008

Erstmalig erschienen: Musikinstrumentenbauer in Nordrhein-Westfalen, Rheinland-Pfalz, Hessen und Saarland Die Publikation ist mit 120 Seiten die stärkste Publikation in der Reihe „Musikinstrumentenbauer in Deutschland“. In diesem geographischen Raum existieren eine Vielzahl von Handwerksbetrieben – vom Einmann-Betrieb bis hin zum Mittelständischen Unternehmen. Auffallend ist die große Anzahl an Geigen- und Zupﬁnstrumentenbauern, die häuﬁg auf eine lange Familien- und Firmen-Tradition blicken können. 160 Instrumentenbauer – viele von ihnen mit anerkanntem internationalem Ruf – präsentieren sich und ihre Leistungen in dieser Publikation, geben Einblicke in ihre handwerklich-künstlerische Arbeit. Für das Grußwort und die ergänzenden Texte zu den einzelnen Instrumentengruppen konnten wieder fachkundige Persönlichkeiten aus dem Musikleben gewonnen werden. Musikinstrumentenbauer in Nordrhein-Westfalen, Rheinland-Pfalz, Hessen und Saarland Umfang: 120 Seiten, Format A4 Schutzgebühr: 5,- Euro (zzgl. Versand). Zu beziehen über: DAKAPO Pressebüro Gubener Straße 47 10243 Berlin info@dakapo-pressebuero.de und über den Buchhandel: ISBN: 978-3-940311-03-0

lieto fine 50 | www.crescendo.de 06 2008

Gastkommentar

„Ein bisschen Spaß muss sein...“ Meine Liebe zur Klassik erwachte erst sehr spät, als ich mit Anfang 20 auf Gidon Kremers Lockenhausfestival zu Gast war. Als Kind wollte ich nur Radio hören, mit Klassik konnte ich noch nicht viel anfangen, auch wenn in meinem Elternhaus viel klassische Musik gemacht wurde. Die Welt der Klassik mit ihrer Aura der „hohen Kunst“ war mir fremd. Bei vielen Konzerten, die ich selbst besucht habe, kam es mir so vor, als würde die eigentliche Aufführung erst in der Pause beginnen, wenn mit durchgeistigt klingenden Sätzen und betont sachkundig kritischen Bemerkungen über die Musik das eigene Sachverständnis zur Schau gestellt wird. Ich erinnere mich an einige Situationen, in denen ich mich dann Dinge fragte wie: „Ist das jetzt okay, dass ich das langweilig fand, obwohl es Mozart war?“ Ich bin mir sicher, dass das nicht nur mir so ging. Sobald etwas allgemein den höheren Sphären der Kunst zugerechnet wird – sei es der Literaturkanon von Marcel Reich-Ranicki, das Kunstfilmfestival oder die sogenannte E-Musik – verändert sich unsere Wahrnehmung desselben. Die einen reagieren eher mit erhöhtem Respekt und Interesse, andere eher mit Skepsis und Unwillen. Völlig unabhängig vom Inhalt. Durch das Kunst-Attribut kann eine Verunsicherung entstehen, die einfach den Spaß verdirbt. Und darum geht es doch. Deswegen freue ich mich, dass diese Kultur des elitären Genusses in letzter Zeit immer öfter aufgebrochen wird – durch Arienabende im Fußballstadion oder Kammermusik-Konzerte in Technoclubs – und es wieder darum geht, was die Musik zu sagen hat, und nicht, ob es nun Kunst ist oder nicht. Der Klarinettist David Orlowsky wurde 1981 in Tübingen geboren. Den diesjährigen ECHO Klassik erhalten sein Trio und er für „Klassik ohne Grenzen“.

Abu Dhabi Classics: Spitzenmusiker erobern die Wüste In der E-Musik-Szene herrscht merklich Unruhe: Ist der Ausverkauf westlicher Werte voll im Gange? Der Grund: Im Vorfeld geplanter Louvre- und Guggenheim-Dependancen hebt Christian Thielemann, höchster Gralshüter mitteleuropäischen Orchesterklangs, den Stab zu einer Wagner-Gala in der Hauptstadt der Vereinigten Arabischen Emirate. Für diesen Auftakt einer Konzertserie mit Klassikstars ohnegleichen wie Mischa Maisky, Lang Lang, Zubin Mehta und Lorin Maazel (www.abudhabi-classics.com) findet sich selbst das Orchester der Bayreuther Festspiele weit nach Ende der Festivalzeit wieder zusammen. Die Scheichs wollen eben alles. Und sind bereit, tief in die Tasche zu greifen. Gebührt ihnen dafür nicht Respekt?! Sie holen sich den besten Botschafter von Toleranz und gegenseitiger Aufgeschlosssenheit in ihr Land , den es gibt: „unsere“ Musik. Besser lässt sich Geld nicht anlegen als in Kultur, der Urbarmachung von Geist und Seele. „Jemanden in die Wüste schicken“ muss nun neu definiert werden.

RICHARD ECKSTEIN

Foto: Abu Dhabi Classics

DAVID ORLOWSKY

Impressum Verlag:

Port Media GmbH Senefelderstraße 14, 80336 München Telefon: +49-89-741509-0, Fax: -11 info@crescendo.de, www.crescendo.de Herausgeber: Winfried Hanuschik (verantwortlich) hanuschik@crescendo.de Artdirector: Stefan Steitz (verantwortlich) Redaktion: Richard Eckstein (verantwortlich) eckstein@crescendo.de Schlussredaktion: Michaela Wurstbauer plus regional:

Projektleitung: Liselotte Richter-Lux richter-lux@crescendo.de

Autoren dieser Ausgabe: Carlos Acosta, Benjamin-Gunnar Cohrs, Gustavo Dudamel, Richard Eckstein, Hannah Glaser, Hélène Grimaud, Klaus Philipp Seif, Peter Michael Hamel, Dr. Harald Heker, Violetta Kluge, Klaus Lang, Freddy Litten, Pascal Morché, Johannes Moser, Daniel Müller-Schott, Rafal Blechacz, David Orlowsky, Teresa Pieschacón Raphael, Christoph Schlüren, Uwe Schneider. Produktionsmanagement: Michaela Wurstbauer Verlagsrepräsentanten: Petra Lettenmeier lettenmeier@crescendo.de Kulturbetriebe & Markenartikel: L. Richter-Lux, richter-lux@crescendo.de Claudia Kästner, kaestner@crescendo.de

Auftragsmanagement: Petra Lettenmeier (verantwortlich) lettenmeier@crescendo.de Michaela Wurstbauer wurstbauer@crescendo.de Gültige Anzeigenpreisliste: Nr. 11 vom 01.09.2007 Druck: Westermann Druck Georg-Westermann-Allee 66 38104 Braunschweig Erscheinungsweise: crescendo erscheint mit sieben Ausgaben pro Jahr und zusätzlichen crescendo-themenspecials. crescendo ist bei Opern- und Konzerthäusern, im Kartenvorkauf und im Hifiund Tonträgerhandel erhältlich.

Das nächste crescendo mit dem Themenschwerpunkt „Haydn“ erscheint am 25. November 2008.

Copyright für alle Beiträge bei Port Media GmbH. Namentlich gekennzeichnete Beiträge geben die MHaydnerfassers, nicht unbedingt die der Redaktion wieder. Nachdruck und Vervielfältigung, auch auszugsweise, nur mit schriftlicher Genehmigung des Verlags. Für unverlangt eingesandte Manuskripte und Fotos wird keine Gewähr übernommen. Angabe der Beteiligungsverhältnisse: Gesellschafter der Port Media GmbH: 100 % Winfried Hanuschik, München Abonnement: Abo-Service crescendo Postfach 13 63, 82034 Deisenhofen Telefon: +49-89-8585-3452, Fax: -362452 abo@crescendo.de Das crescendo premium-Abo umfasst sieben Ausgaben, davon ein Sonderheft

„crescendo festspiel-guide“ und zusätzlich sechs exklusive heftbegleitende premium-CDs und kostet 34,- EUR pro Jahr inkl. MwSt. und Versand. Versand ins Europäische Ausland: zzgl. EUR 10,- Bank-/Portospesen Zahlung per Rechnung: zzgl. EUR 5,- Bearbeitungsgebühr. Kündigung: nach Ablauf des ersten Bezugsjahres, jederzeit fristlos. Verbreitete Auflage: 82.780 (laut IVW-Meldung II/08) ISSN: 1436-5529 geprüfte Auflage Beilagen: Dieser Ausgabe liegt das crescendo Themenspecial „HighFidelity Herbst/ Winter 2008“ bei.

Die besten Klassik Hits. 06:00 bis 18:00 Uhr.

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