Memoria: ¡Verbena! by Cristina Sáez

“El arte, por su propia naturaleza, siempre vendrá cargado de sorpresas y no se ocupará demasiado de los aspectos concretos ni las directrices; lo mismo sucede con los estampados en general, que siempre deben tener libertad para seguir directrices novedosas e inexploradas” Robert F. Butts

Cristina Sáez Ruiz 48642118- Q CFGS Ilustración Escuela de Arte de Murcia Proyecto realizado entre Septiembre y Diciembre de 2014

índice Estudio Histórico-artístico 8 memoria 17 testimonio gráfico 28 imágenes finales 32 BIBLIOGRAFÍA 37

Estudio Histórico-artístico Definición del proyecto

Este proyecto toma forma a partir de una serie de cuatro composiciones de ilustraciones realizadas a mano y retocadas y rapportadas digitalmente para su posterior aplicación en tela, conformando una colección de pañuelos o carré, como producto de lanzamiento de una posible marca propia. El título del proyecto-Verbena- acompaña al tema de las ilustraciones, que es la primavera de una forma amplia: las primeras flores, las fiestas, el buen tiempo…destacando una visión positiva de la vida, una filosofía donde lo importante son las pequeñas cosas. De la mano de un estilo un tanto naïf y folk, resulta una mezcla de lo natural, sencillo y urbano.

Contexto y antecedentes históricos El deseo de agregar color y diseño a los materiales textiles es casi tan antiguo como la humanidad. Las primeras civilizaciones usaron el color y diseño para distinguirse y separarse de los demás. El estampado textil es la más importante y versátil de las técnicas usadas para agregar diseño, color y especialidad a las telas. Puede considerarse como una técnica que combina arte, ingeniería, y tecnología de teñido para producir imágenes que solamente existían en la imaginación del diseñador textil. 8

El estampado textil puede ser considerado como un teñido localizado. En tiempos antiguos, el hombre usó estos diseños e imágenes principalmente para telas para vestir, pero en el mercado actual el estampado de textiles es muy importante para telas de tapicería, el hogar (sábanas, toallas, cortinas) tapetes, alfombras y otros usos. El origen del estampado textil es difícil de determinar. Sin embargo algunas de las primeras civilizaciones desarrollaron varias técnicas para estampar color y diseño en prendas.

debido al desarrollo de la estampación mediante planchas de cobre. Aun a pesar de sus avances tecnológicos, en Occidente fue muy importante la influencia de los diseños asiáticos que en la actualidad resulta visible. En el diseño textil podemos encontrar dos grandes factores de influencia: en primer lugar, una proporción significativa de los nuevos diseños procede de actualizaciones o versiones adaptadas de diseños ya existentes; en segundo lugar, la tecnología utilizada condiciona la tarea de crear los diseños.

Algunas imágenes de más de 4000 años de antigüedad en tumbas egipcias muestran vestidos decorados. Probablemente estos tejidos se pintaron a mano, puesto que en la India se remonta el uso de sellos de madera a hace más de 2000 años. En la misma época, existió en China una técnica similar de la que no se sabe con certeza si se utilizaba específicamente para estampar tejidos. Lo lógico sería pensar que el diseño y fabricación de estampados textiles es una actividad relativamente reciente. No obstante, los tejidos fueron parte fundamental en las rutas comerciales durante siglos. No fue hasta a el siglo XVIII cuando la producción europea de estampados se igualó a la de Asia,

En la mayoría de las técnicas el diseño se aplica sobre el sustrato, estampando el color sobre él, pero algunos de los métodos más antiguos utilizan otras técnicas, como el uso de pastas de reserva o mordientes.

Estampación por reserva

En éste método, el tejido se pinta o se estampa con algún producto que actuará de barrera cuando el tejido se tinte. Por ejemplo, en la técnica indonesia del Batik, se aplica cera fundida sobre el tejido, ya sea con un pincel o con una herramienta específica a modo de estilográfica, el tjantin, o con sellos hechos generalmente con láminas metálicas (tjaps). El Batik se caracteriza por patrones únicos y combinaciones de color así como la apariencia de líneas fracturadas debido al craquelado de la cera durante el proceso de teñido. La palabra Batik se deriva del término Japonés Ambatik, que significa retocar, escribir o dibujar. Existen distintas versiones del Batik en distintas regiones de África, Europa y Asia, al igual que se utilizan alternativas a la cera, entre ellas la pasta de arroz.

Batik

En Egipto, registros del 23 al 79 d. C. describen una técnica en cera similar al Batik. Los antiguos

egipcios usaron diseños con tintas grabadas en los extremos de cilindros de madera para estampar en telas alrededor del 400 d. C.

Tintura por atado y anudado

Otra variante de las técnicas por reserva es la tintura por atado y anudado. En esta técnica se atan con hilo partes específicas del tejido, incluyendo a veces pequeños objetos o realizando fruncidos. Esta técnica es conocida como bandhana y fue desarrollada en la India, en África y en Japón, conocida como shibori.

Estampación con mordientes

Este tipo de estampación funciona del modo contrario a la estampación por reserva. Un mordiente es un producto químico que actúa como fijador para incrementar la resistencia del colorante. Este proceso se aplica por los estampadores de la India desde el siglo XVI, a menudo con sellos de madera.

Estampación con sellos de madera

La estampación con sellos de madera es una técnica de relieve: las zonas impresoras, donde se aplica el color, están en un nivel superior al de las zonas no impresoras, en oposición a las técnicas de huecograbado como los cilindros de cobre. 10

Barbara Brown, 1969 serigrafía. Este método de estampación fue el más utilizado en Occidente hasta finales del siglo XVIII, cuando las planchas y cilindros de cobre se generalizaron. Esta técnica requiere un sello para cada uno de los colores del diseño. Para el proceso de estampado, el sello se presiona sobre una almohadilla impregnada con el colorante y después, con la guía de los alfileres de registro, se coloca sobre el tejido y se golpea con el maul (mazo especial).

A pesar de los intentos de mecanizar este proceso, fue sustituido por los cilindros de cobre durante el siglo XIX, porque era mucho más rápido. A partir de entonces se reservó a productos para la clase alta, entre los que destacan el papel de pared y los tejidos diseñados por William Morris.

La aparición de la serigrafía

Estampación con planchas de cobre

Serigrafía mediante pantallas planas

Se trata de un proceso de huecograbado que se cree se inició en Irlanda a principios del siglo XVIII. Es un proceso similar a la tampografía que permite obtener diseños detallados con líneas muy finas. Los diseños suelen ser de un solo color ya que el grabado de las planchas es costoso. Los motivos que usaron los diseñadores eran también novedosos, ya que muchos tenían un carácter narrativo, como las escenas pastorales de Jean Baptiste Huet, que destaca por ser de los primeros nombres del diseño textil de los que existe registro.

Estampación con cilindros de cobre

A finales de siglo XVIII el proceso anterior se adaptó a cilindros de cobre, sustituyendo así a las planchas. Los diseños se grababan en cilindros huecos que se colocaban en una máquina que se cubría de colorante y, tras retirar el exceso de tinte, el tejido se estampaba de modo continuo.

Durante la década de 1920, los estampadores comenzaron a usar esta nueva técnica. Se desarrolló a raíz de la técnica del estarcido, lo que permitía una producción rápida y sencilla, a precios relativamente razonables.

El desarrollo del estampado en pantalla empezó en Japón a mitades del siglo XVII. Un desarrollo temprano involucró el uso de plantillas con diseño sostenidos con hilos de seda muy finos o inclusive cabellos humanos. Los diseños yacían en las telas y el color se aplicaba solamente en las áreas que no tenían diseño. Ya que los hilos de seda eran tan finos no se apreciaban en el diseño final de la tela. La técnica japonesa se llevó a Francia donde se desarrolló una pantalla plana más moderna, inicialmente usando seda estirada en un marco de madera. Más tarde se conocerá la técnica como estampación a la lyonesa. Por primera vez, cualquier imagen susceptible de ser dibujada, pintada o fotografiada podía ser estampada sobre un tejido. Este método tuvo gran aceptación entre las empresas de moda de alta gama. 11

Serigrafía para producción en serie

La estampación por serigrafía se mecanizó en la década de 1950, aunque fue en 1960 cuando se desarrollaron las máquinas serigráficas rotativas, con las que aumentó la producción respecto a las máquinas a la lyonesa.

Otros métodos de estampación

Aunque no se utilicen ampliamente, hay otros procesos que merece la pena conocer, como la estampación por transferencia, que permite –a través del calor- traspasar el colorante al tejido; la litografía u offset. Además de la estampación digital textil, la cual trataremos con detalle más adelante.

Resulta importante el conocimiento de las telas, pues el proceso de estampado y la técnica escogida, así como el resultado final estarán directamente condicionados por el soporte.

Las fibras

Las telas son tejidos confeccionados a partir de fibras textiles, resultantes de entrelazar una serie de hilos. Estas fibras constituyen la materia prima de las telas y son las que determinan las características

fundamentales de las mismas. Podemos distinguir entre fibras naturales o artificiales. Las fibras naturales pueden ser de origen vegetal (lino, algodón, cáñamo…), que están compuestas en gran parte por celulosa, una molécula muy estable químicamente; o animal (seda o lana), que se obtienen a partir del pelo de algunos mamíferos o filamentos segregados por un determinado insecto, compuestos por proteínas fibrosas que son insolubles al agua y confieren resistencia. Por otro lado, las fibras artificiales pueden ser regeneradas (el rayón fue una de las primeras), a partir de la transformación de polímeros naturales o a partir de polímeros obtenidos de manera industrial con derivados del petróleo. Destacamos las fibras acrílicas, que se emplean para imitar el aspecto de la lana, el poliéster, que es de las más empleadas al ser muy resistentes, estables a la luz y a los disolventes, y la poliamida, como el nailon.

Tipos de tejidos

Existe una grandísima variedad de tejidos dependiendo del tipo de ligamento y de la estructura. Los más empleados son la batista, el chantung, el chiffón, el crepé (crepé de China, crepé georgette, crepé satin), gasa, organdí, organza, pongé, popelín, satén, terciopelo, twill y diversos tipos de punto.

Origen del pañuelo

Un pañuelo es una pieza o paño de tela de forma cuadrada o rectangular, que ha sido usado tanto por hombres como por mujeres durante siglos, con infinidad de variantes, sobre todo en lo que se refiere a su tamaño. Lo suficientemente versátil tanto para ser considerado como accesorio, así como una prenda de vestir, casi no hay momento de la historia en que no se constate la presencia de alguno. Los actores de la antigua Roma utilizaban pañuelos blancos para hacer comedias y sátiras y, en la Edad Media, las mujeres lo mostraban a aquellos hombres a quienes deseaban otorgarles sus favores. Finamente decorado con bordados de plata y oro, y llenos de flecos, los pañuelos estuvieron mucho tiempo presentes en las ceremonias de Iglesia y las coronaciones, siendo un artículo cotizado durante el Renacimiento debido a sus complicados encajes y bordados. Generalmente, quienes los llevaban eran reconocidos por su delicadeza en el vestir.

Hermès carré

Ya entrado el siglo XX, este complemento empieza a ser usado de formas menos tradicionales por los militares quienes, valiéndose de toscos trozos de tela, los amarran alrededor de su cabeza y cuello para protegérselos. En los años sesenta, un creador italiano, Emilio Pucci, fabricó los foulards en seda con motivos de colores vivos. Su ejemplo fue seguido rápidamente por numerosos fabricantes: Hermès (su primer pañuelo de seda se creó en 1937), Versace, etc. En Francia, la villa de los foulards de En esta etapa, el pañuelo es sobre todo considerado seda se encuentra en Lyon, con una industria local como un artículo relacionado a la higiene y sus fines presente desde el siglo XVI. André Claude Canova es uno de los creadores lyoneses en seda que sigue son principalmente prácticos. haciéndolo de manera tradicional a mano. 13

INFLUENCIAS REALES/DIRECTAS: Dentro de lo que son las influencias reales, podemos distinguir entre las puramente visuales, relacionadas directamente con mi trabajo como diseñadora- ilustradora y las que no, como son el entorno, la literatura, la música...

Tendencias

en el diseño de estampado textil, las tendencias condicionan de varias maneras el trabajo de los profesionales, como son los conceptos abstractos que permiten una amplia variedad de posibles interpretaciones o, instrucciones directas, a parte de las paletas de color. Otros diseñadores crean sus propias tendencias cuando quieren mantener su trabajo fresco si trabajan por cuenta propia. En mi caso, tratándose de una colección para primavera, me he adaptado a unas paletas de color que se llevan viendo los últimos años y seguirán llevándose, como son los colores pastel con cierta inspiración vintage, como son el verde menta o el tangerine que tanto se vio la pasada primavera verano. Dentro de las tendencias en ilustración, ahora mis14

mo está en alza todo el estilo folk y naïf, con cierto toque retro. Hay una vuelta a lo más artesano y lo analógico, tendencia que he escogido por ser, más que nada, la forma de trabajar con la que más a gusto me siento, dejando mi impronta sobre el papel.

Tipos de diseños

los diseños para estampados suelen clasificarse según su contenido. Hay seis grandes grupos, aunque no todos admiten ser descritos con estos términos y algunos pueden colocarse en varias categorías. Son: florales, geométricos (dentro de los cuales podemos encontrar las texturas), conversacionales, estilos históricos y estilos geográficos. En este proyecto influye directamente el grupo floral, por el tema escogido, la textura y los motivos conversacionales, que si bien en el resultado final sólo se aprecia en uno de los proyectos, en un principio todos lo eran. Más adelante veremos el proceso de creación.

Corrientes estéticas y socioculturales

El estilo de vida boho o folk, donde se hace una apuesta por lo natural: “el estilo que llamamos bohemio está muy arraigado al ser humano, a la historia, a la antropología. Vivimos en un mundo muy tecnológico, vamos muy deprisa, y precisamente esa conexión con lo bohemio, lo auténtico, lo genuino

Phoebe Wahl, diseño floral Swing se convierte en una necesidad”. Virginia Abascal El swing: el lindy hop. Quienes lo empiezan a bailar no tardan en sentirse atraídos por su música, sus figuras, su buen rollo y hasta por su look. Un estudio reciente de la Arizona Lindy Hop Society, que propone la práctica de estas coreografías, afirma que «incrementa la autoestima, mejora la percepción del entorno, potencia el ejercicio físico y disminuye las dificultades de relación y comportamiento». No hay más reglas que seguir la música, guardar la conexión con la pareja (aunque no siempre) y sonreír.

Música

La música que me acompaña mientras trabajo suele depender del estado de ánimo, pero va desde el folk americano al rock and roll, pasando por el jazz, el swing y el pop. Aunque para este proyecto ha sido muy importante conocer la música country folk de la mano del ilustrador Ricardo Cavolo.

La palabra “verbena”,

en sí, fue una de las grandes inspiradoras del proyecto. Es una palabra que suena a lo que es, que transmite buen humor y, aunque siempre he hecho ilustraciones con un toque melancólico y tristón, me quería poner como reto hacer algo divertido, y alegre y resultón y colorido y… 15

memoria ASPECTOS FUNCIONALES ¿A quién va dirigido?

La colección va dirigida a un amplio grupo de mujeres con gusto por el diseño y los complementos, además de la moda, pero que prefiere no tomarse la moda y las tendencias al pie de la letra, sino ponerse lo que quiere cuando quiere, darle un toque personal, mostrando una filosofía de vida un poco más relajada y divertida y dulce. A gente preocupada por el medio ambiente y éticas de trabajo responsables.

¿Dónde se vendería el producto?

tendencias

En Concept Stores. Consisten en minoristas temáticos. Una nueva forma de comprar, sentir y, en definitiva, de experimentar moda. Estos espacios intentan captar la atención del cliente con diferentes categorías de productos y servicios de tal manera que el consumidor se sienta evadido y se deje llevar por la filosofía de la marca. Se trata de un espacio donde la compra del producto no es tan importante como la experiencia de la compra. El objetivo de estas tiendas es que el consumidor no sólo adquiera un producto, sino que forme parte de la tienda y su entorno mientras dura el proceso de compra. Apelan a un estilo de vida concreto, ofreciendo productos que coincidan con dicho estilo. A través de tienda online, tanto propia como

Concept Store Moritz, Barcelona

ajena, a través de plataformas sociales que apuesten por el diseño artesanal y ecológico, tipo Etsy, daWanda o FairChanges.

Formato de la obra final

Se trata de una serie limitada de pañuelos: cuatro modelos distintos, conformados por cuatro pañuelos por cada uno, estampados en semiseda –tejido 100% poliéster, suave y transparente, parecido a la seda-. El tamaño de los pañuelos es 120x120cm, siguiendo el formato original diseñado por Pucci y Hermès, pero dándole 30 cm de lado más, para darle más presencia a una tela tan fina como es la semiseda. 17

ASPECTOS ESTÉTICOS Referentes

Como referentes directos en este proyecto, he establecido la ilustración folk y naïf, y con cierto aire escandinavo, al ser un estilo en el que me muevo con facilidad; caracterizada por la vuelta a las técnicas tradicionales de la vieja escuela, como serigrafía, collage, grabado, dibujo a mano, lettering, que dan a las obras una enorme personalidad y originalidad, y que se alejan de la tendencia minimalista de la última década. Isabelle Arsenault, ilustradora canadiense. Destaca por la síntesis a la hora de dibujar, la transformación de vegetales en casi un patrón.

Amaia Arrazola, ilustradora española que dejó la publicidad para dedicarse a la ilustración. Se caracteriza por su ilustración orgánica, colorista y algo infantil.

Lizzie Stewart, ilustradora londinense. Se le podría llamar poetisa. Destaca por la utilización de elementos de la naturaleza.

Sergio Membrillas, ilustrador valenciano, creador del libro “cuentos folk”. Clara referencia a la ilustración folk.

Carson Ellis, ilustradora folk de referencia. Detallista. Destaco su manera de componer un tanto caleidoscópica.

Mónica Muñoz: trabaja en su marca “moniquilla” donde a través de ilustración y dibujos en acuarela, rotuladores o ceras… diseña textil y superficies.

Leah Goren, ilustradora y diseñadora de superficies que vive en vive en Brooklyn, Nueva York. Trabaja mucho en acuarela

Otros ilustradores.

Anna Walker

Rebecca Jones

Charlotte Trounce

Helen Dardik

Ilustradoras textiles Hay una serie de ilustradoras textiles que son antecedentes directos en mi trabajo. Aquí vemos varias. Tammis Keefe: reconocida por su diseño textil, principalmente por sus pañuelos y paños de cocina. Trabajó en Disney y fue directora de arte en la prestigiosa revista americana Arts&architecture. Sus diseños ahora se califican como mid-century, vintage o retro.

Emily Isabella

Harriet Taylor Seed Laura Callaghan

Ben Javens

Melissa Castrillon

Charlotte Trounce

Angie Lewin Realiza pinturas y textiles de edición limitada. Suelen predominar los temas florales por la unión de sus estudios: Bellas Artes, Diseño en Serigrafía y Horticultura

Leah Duncan es diseñadora e ilustradora y aplica sus creaciones a láminas y textiles.

Otras

Madge Gill

Minifanfan Martha Armitage 24

ASPECTOS TÉCNICOS Soporte y materiales

Las ilustraciones se realizarán originariamente sobre papel (adecuado según la técnica), se escanearán, retocarán y se creará el motivo a estampar o rapport. Una vez hecho esto, se procederá a estampar de forma digital, mediante sublimación. La sublimación es una técnica donde se usa tinta dispersa base agua, pudiéndose imprimir directamente sobre los tejidos de poliéster ó mediante transfer y después pasándolos por una calandra para la termofijación de las tintas, ofreciendo una calidad y un producto ecológico.

¿Por qué producción digital?

Dichos estampados se producen digitalmente, que consiste, básicamente en un proceso de impresión por inyección de tinta. La producción digital se caracteriza por no tener necesariamente contacto con los tejidos hasta el final de dicha producción. El diseño se puede crear digitalmente o se puede digitalizar si ha sido creado a mano.

Esta nueva forma de producir estampados ofrece unas opciones de las que antes no se disponía. Por ejemplo, las transiciones de color son muy sencillas de obtener, las paletas de color pueden ser ilimita-

das porque no repercuten en el coste. Además, se reduce notablemente el tiempo de producción y resulta muy fácil y económico realizar muestras. También, en términos de consumo de colorante el proceso resulta mucho más eficiente. En la estampación por serigrafía sólo un sesenta por ciento del colorante queda adherido en el tejido y el resto se desperdicia. En el caso de la estampación digital, sólo una cantidad insignificante de colorante se pierde. Todos los puntos, pero sobre todo este último, me resultan muy importantes a la hora de decidir la forma de producción, ya que cada vez hay que ser más consciente de que no hay que dañar el planeta si queremos disfrutarlo en un futuro. Una ética sostenible es fundamental a la hora de producir cualquier diseño.

aspectos económicos Presupuesto y rentabilización

La primera empresa con la que decidí llevar a cabo la producción sólo trabajaba con seda, lo que hacía que se disparase el precio por unidad de los pañuelos. Después, contacté con una empresa que me presupuestó en cerca de 1000 € sólo la estampación de la tela y la confección de los pañuelos, tardando

mínimo dos semanas en la realización del trabajo. En este caso, había elegido twill para los pañuelos, aunque si me hubiese decidido por la semiseda, el precio hubiese sido similar. Por último, supe de una nueva empresa de Granada que, en sólo dos días tendría toda la tela estampada, y en otros dos la tendría en mis manos. En su contra, que no realizan la confección de la tela y que sólo realizan rapportados all-over alineado. Aun así, me decidí a contratar sus servicios por la rapidez con la que recibí las muestras de tela y sus precios, dos tercios más barato que la segunda empresa. El presupuesto se desglosa de la siguiente manera: - Derechos de autor: 1300€ - Gastos de montaje y maquetación: 30 € - Producción del prototipo: 490€ aprox. -estampación de tela: 354.50€ -cajas: 27.90€ -corte y confección: 80€ -tinta blanca: 10.50€ -Sellos: 29.50€

ANÁLISIS DE LOS PROCESOS Y FASES DE REALIZACIÓN La colección.

Se crean grupos de estampados y de diseños unidos por el color, el estilo, el contenido, la presentación y el uso final. Una colección es un grupo de diseños basados en un mismo tema o concepto, por lo general en respuesta a un brief. En teoría dos o más imágenes serían suficientes, aunque lo habitual sean ocho o más. Una colección de diseños debería usar la misma paleta de color aunque no todos los diseños deban emplear todos los colores. En la mayoría de los casos se tiende a utilizar el color del mismo modo. El color mantiene la cohesión de la colección más que cualquier otro factor. Todos los diseños deberían tener un contenido similar y esto suele venir dado por el tema o la inspiración. Además, debería tener un estilo que la unifique. Aunque se puede trabajar de modo secuencial, muchos diseñadores prefieren trabajar en la colección como un conjunto.

Proceso.

Desde el principio, con el anteproyecto hasta el final del proyecto, ha habido una serie de cambios bastante grandes dados por el presupuesto, la empresa de estampación o el tiempo disponible para hacer los mismos. En un inicio, los cuatro diseños iban a ser conversacionales además de tener un diseño concéntrico o dividido en tres secciones. Por desgracia, la empresa de estampación sólo trabaja con rapports alineados, lo que quiere decir, que consiste en repetir el motivo directamente arriba, abajo y a los lados, resultando una simple cuadrícula. Después de cambios en las telas y el planteamiento del diseño, comenzamos bocetando a mano, hasta llegar a los bocetos finales y, a partir de ahí, realizando las ilustraciones finales que, una vez escaneadas y retocadas, darán forma a nuestra composición. Además, se le añade textura y se modifican los colores para obtener una paleta acorde a nuestro tema. Por otro lado, se trabaja en el diseño de presentación de la colección, se digitaliza lo que será después un sello que irá en el packaging de nuestro producto. Finalmente, cuando la tela está estampada, se corta y se cose el dobladillo. 28

testimonio grรกfico bocetos

imรกgenes finales

BIBLIOGRAFÍA LIBROS Principios básicos del diseño textil. Russell, Alex. Editorial Gustavo Gili, 2013. Barcelona Estampación. Varios autores. Editorial Parramón, 2007. Cómo ser un buen ilustrador. Derek Brazel y Jo Davies. Editorial Blume, 2014. 2000 combinaciones de color. Garth Lewis. Editorial Blume, 2009.

ARTÍCULOS Concept stores de marcas de moda. Virginia Plaza, lamarcademoda.com , 2012. La nueva forma de experimentar moda se llama “concept store”. María Gómez. Cuv3, 2012. CONCEPT STORE: Los nuevos conceptos de tienda. Rude Magazine, 2012. Por qué las marcas apuestan por los “flagship store” o tiendas insignia como técnicas de marketing experiencial. José Cantero Gómez. Marketing experiencial, 2012

WEBS http://www.wisegeek.com http://www.kireei.com http://www.smoda.com http://www.pinterest.com 42