DISEÑO TIPOGRÁFICO INTERNACIONAL.
La composición geométrica, la proporción matemática, y el orden absoluto empiezan a coger carrerilla y junto a aportaciones de otros nombres relevantes se empezará a configurar la estética de este estilo, cuya claridad objetiva hará que gane adeptos en todo el mundo, y que la palabra internacional le acabe definiendo.
Durante la década de 1950 surgió en Alemania y Suiza un movimiento de diseño al que se llamó Diseño Suizo o más apropiadamente Estilo Tipográfico Internacional. La claridad objetiva de este movimiento de diseño ganó adeptos en todo el mundo.
Los detractores del estilo tipográfico internacional se quejan de que está basado en fórmulas y, por lo tanto, resulta en una uniformidad de soluciones; los defensores argumentan que la pureza del estilo de los medios y la legibilidad de la comunicación permiten que el diseñador alcance una perfección imperecedera de la forma, y señalan la gama inventiva de soluciones por los principales practicantes como evidencia de que ni la fórmula ni la uniformidad son intrínsecas al enfoque, excepto en las manos de talentos menores. Las raíces del Estilo Tipográfico Internacional provienen de la corriente de De Stijl, la Bauhaus y la nueva tipografía de los años 1920 y 1930.
Carteles para el turismo en Suiza. Herbert Matter, 1936.
Se basó en la funcionalidad; idealizó la legibilidad y claridad de los mensajes, principios parcialmente hallados en las teorías de la Gestalt e inicialmente introducidos por algunas eminencias de la escuela Bauhaus.
Quiénes: Bill, Gerstner, Loshe, Müller Brockman, Neuburg, Vivarelli. El cartel de Vivarelli, Für das alter (Para los ancianos), concebido para crear una conciencia de la vejez y sus problemas, usó el ángulo de la iluminación sobre la cara para generar un impacto dramático.
Características: •Imagen predominante fotografía fuerte. •Renovación tipográfica exclusivo tipo Sans Serif.
objetiva uso
casi
•Composición estricta retícula o grilla. •Ausencia de ornamentación. •Enfoque del diseño independiente del criterio. Algunos pesos de la tipografía Helvetica, diseñada por Max Miedinger en el
1957
El naciente estilo tipográfico internacional alcanzo su expresión alfabética en varios estilos de nuevos tipos Sans Serif, diseñados en los años 50. Los estilos Sans Serif geométricos, construidos matemáticamente con instrumentos de dibujo durante los años veinte y treinta fueron rechazados en favor de diseños nuevos inspirados por fundaciones de Akzidenz Grotesque del siglo XIX.
El estilo tipográfico internacional, se sustentó sobre tres pilares básicos: *El primero fue el uso de las tipografías sansserif, factor que contribuyó a la rápida difusión del estilo. La globalización de los mercados y al auge de las comunicaciones, hicieron que las corporaciones internacionales tuvieran la necesidad de una identificación global, identidad que se construyó de acuerdo a los principios de éstas nuevas familias tipográficas. La creciente demanda de tipografías sans-serif (que fueron las elegidas para las composiciones del diseño suizo, por diversos factores pero sobre todo por la influencia de la Bahuaus), posibilitó la aparición de dos tipos sans de gran calado y enorme influencia: la Univers de Ardian Frutiger (1954) y la Neue Hass Grotesk. A mediados de los años cincuenta, Edouard Hofmann de la fundición de tipos HAAS en Suiza decidio reafinar y mejorar las funciones de Akzidenz Grotesque. Hofmann colaboro con Max Miedinger, quien ejecuto los diseños y los nuevos Sans Serif con una altura “x” para elaborar tipos como el Nuevo Haas Grotesque. Cuando D. Stempel AG produjo este diseño en Alemania durante el año
1961, los alemanes escandalizaron a Hofmann al nombrar al ojo de la letra HELVETICA que es el nombre latino tradicional de Suiza y aparece en sus estampillas postales. Las formas bien definidas y el excelente ritmo de las figuras positivas y negativas de a Helvetica la hicieron el tipo de letra más específico internacionalmente durante el pasado cuarto de siglo. Debido a que sus diferentes negruras, cursivas y anchuras fueron producidas por distintos diseñadores en varios países. *El segundo pilar fue el uso de la fotografía como sustituta de la ilustración, cuya función como herramienta principal de las comunicaciones gráficas fue desarrollada por el diseñador y fotógrafo suizo Herbert Matter. Éste comprendió perfectamente los nuevos enfoques y técnicas visuales del movimiento moderno tales como el collage y el montaje. En sus carteles de 1930 usó el montaje, los cambios dinámicos de escala y una integración efectiva de la tipografía y la ilustración. Sus imágenes fotográficas se conviertieron en símbolos de esa época, e influenciaron a otros diseñadores que contribuyeron a difundir el "Swiss style", como veremos más adelante. Fue pionero en el uso de los contrastes extremos de escala y de la integración de la fotografía en blanco y negro, así como de los
pequeños anuncios y de las áreas de color. *El tercero fue el de una rejilla modular, incorporado por Josef MüllerBrockmann, que dotaba al diseño coherencia y estructura
uso
de
Cubiertas de su famoso manual de composición reticular "Grid Systems", publicado por primera vez en el año 1961.
interna, buscando con ella, una absoluta y Carteles fotográfico-tipográficos. Piezas diseñadas por Mülleruniversal Brockmann ya bajo todos los preceptos que dictaban las normas del estilo expresión gráfica por
medio
Populares mensajes gráficos, que son reflejo de la opinión sobre el amor/odio hacia el fenómeno Helvetica.
de una presentación objetiva e impersonal, para comunicarse con el público sin la interferencia de los sentimientos subjetivos del diseñador o técnicas propagandísticas de persuasión. Su objetivo era mediante estas rejillas, alcanzar la claridad y el orden. El dictaba normas más estrictas en la composición del diseño, como por ejemplo la separación de líneas de texto compactas, o el espacio entre palabras, que caracterizaron sus trabajos como una exploración del ritmo y del tempo de las formas Cartel para conciertos.
visuales.
Müller-Brockmann se hizo muy famoso por sus carteles fotográfico-tipograficos, que en su momento tuvieron mucha importancia, muchos de ellos han influido a generaciones posteriores, con lo que en la época se conoció ideológicamente como "Konstructive Grafik", concepto que rechazaba la idea del dibujo libre, y subordinaba a la pieza a un orden reticular, que en algunas ocasiones solo era desobedecido por el uso de algún elemento dispuesto en diagonal.
Sesentas, Setentas, Ochentas y Noventas. El diseño radical por encima.
El estilo tipográfico internacional llego a ser predominante hasta los años 70. En 1984, el mundo ve aparecer el primer ordenador Macintosh creado por la compañía americana Apple Computer. En contraposición a un gran movimiento, era normal el surgimiento de otro opuesto; y fue gracias al nacimiento de esta nueva herramienta, que a nivel usuario, fue posible acceder al diseño, mediante el software para el efecto que apareció junto a la nueva computadora. Los pioneros en Estados Unidos en la utilización de esta nueva tecnología Dos ejemplos de cubiertas de la publicación Ray Gun de David Carson, en las que vemos que la diposición y la organización de los elementos no se ajusta a un orden, y el tratamiento de los mismos es totalmente caótico.
fueron la diseñadora de Los Ángeles April Greiman, Rudy Vanderlans, diseñador y editor de la revista Emigre, el ilustrador de San Francisco John Hersey, y la diseñadora de tipos Zuzana Licko. Entre ellos estaba también David Carson, cuya exploración gráfica se expuso en publicaciones como “Transworld skateboarding" (1983-1987), "Musician" (1988), "Beach Culture" (19891991), y "Ray Gun" (1992-1996). Carson se hizo muy famoso y se volvió muy controvertido en los noventa, (al igual que los pioneros antes mencionados en el uso del ordenador), ya que despreció las formas convencionales de hacer diseño, incluyendo el estilo tipográfico internacional; la computadora proveyó nuevas formas de abordar los problemas gráficos con novedades que no fueron muy bien acogidas por los diseñadores de la Escuela Suiza. Las divergencias entre Carson y los seguidores de la Escuela Suiza, partieron del hecho de que las propuestas de diseño de unos y otros eran radicalmente discursos contrarios. A esta nueva corriente se la llamó diseño radical. La legibilidad esta vez no era lo primordial, frecuentemente era sacrificada; se colocaban textos dentro de columnas amorfas no sólo rectangulares; en ocasiones no había medianil o separación entre columnas; las imágenes eran recortadas de
manera poco convencional, se podía por ejemplo, ver solamente la mitad de la fotografía de un rostro. Se vio que ambas corrientes eran diametralmente opuestas. Metafóricamente hablando, la Escuela Suiza podía ser la disciplina, y el Diseño Radical la anarquía, siempre trasgrediendo las reglas. Pese a esto los diseñadores radicales también crearon escuela; tienen muchos adeptos a la fecha, y David Carson se convirtió en . "John, Paul, Ringo & George", Experimental Jetset, 2001. Con esta camiseta saltaron a la fama como estudio de diseño gráfico, miles de copias y tributos a la misma se han hecho y ellos los reunieron en 2005 en su proyecto T-shirtism. Con este diseño, buscaron la abstracción y la comunicación clara de una imagen, mediante únicamente el uso de la tipografía.
fuente de inspiración para muchos jóvenes diseñadores que estudiaron y surgieron en la década.
El nuevo siglo y los "mass media".
Por la creciente popularidad de la tipográfia Helvética, y la celebración de su 50 aniversario Gary Hustwit, presentó un documental sobre ella. En la cinta se concentran gran variedad de opiniones y de puntos de vista, que se oponen unos a otros frente a éste retorno estético, y frente al amor/odio que se le puede tener a la tipografía. Uno de los muchos estudios que aparecen a principios de la útlima década, que se adueñaron de ésta estética, es Experimental Jetset. Dieron una conferencia después del visionado del documental Helvetica; hablaron sobre como proyectan, y comentaron algunos de sus proyectos. Comentaron aquellos en los que no habían trabajado con la tipografía Helvetica, que popularmente tanto les define. Con su proyecto "T-shirtism", la Helvética bold les hizo muy populares.
ESCUELA DE NUEVA YORK.
talentosos inmigrantes europeos, que buscaban escapar del clima político del totalitarismo. Estas personas dieron a los estadounidenses una introducción de primera mano a la vanguardia europea.s. Durante los años cuarenta se dieron los primeros pasos hacia un enfoque estadounidense original del diseño. Mientras se apropiaban libremente del lenguaje de la forma creado por los diseñadores europeos, los artistas estadounidenses desarrollaron actitudes e inventaron formas que se sumaron a la tradición del diseño gráfico. El diseño europeo era teórico y sumamente estructurado; el estadounidense era pragmático, intuitivo y más informal en su enfoque para organizar el espacio. Uno de los aspectos propios de la cultura y la sociedad estadounidense es que Lester Beall. Cartel para llamar la atención por la libertad al pensamiento alemán después de la segunda
Nueva York se convirtió en el París de Europa, el cual fue la ciudad que asimiló con facilidad las ideas y las nuevas imágenes a fines del SXIX. Algo muy similar le ocurrió a Nueva York a mediados del SXX, se convirtió en el centro cultural del mundo en pleno SXX. Los estadounidenses si iban apropiando del lenguaje europeo al principio de la década del “40. La primera ola del diseño moderno en estados Unidos fue importada por
guerra munidal. Tiene composición constructivista y el mensaje es muy abstracto. Cartel 1939
dictaron su propia forma del diseño moderno. Estados unidos era la sociedad que tiende a ser igualitaria, con actitudes y valores pragmáticos, tradiciones artísticas limitadas y una herencia étnica diversa.
El diseño gráfico estadounidense comenzó durante los años “40, se desarrolló y destacó por su originalidad en los “50.
*Espontaneidad,
Esta época fue llamada por Herb Lubalin la Escuela Estadounidense del Expresionismo Gráfico, el que más inicio esta tendencia fue Paul Rand (1914-…) basado en el movimiento moderno de Klee, Kandinski y los cubistas, Rand comprendió que las formas inventadas libremente podían tener vida autónoma, tanto simbólica como expresiva. Se apoderó del collage y del montaje como medios para introducir conceptos, imágenes, texturas y objetos en un todo coherente.
*Humor / Ironía,
Dentro de su obra siempre vamos a poder ver entremezclado lo lúdico, lo inesperado y lo visualmente dinámico. Renovación en Director artístico,
el
Diseño
Editorial:
-Imagen importante (fotografía), -Doble página como unidad de diseño,
*Pragmatismo, *Trasmisión de la idea,
*Desenfado / Libertad, *Contraste Un conocimiento profundo del movimiento moderno condujo a Rand a comprender que las formas Logotipo creado por Cassandre. 1927
inventadas libremente podían tener una vida autónoma, simbólica y expresiva como una herramienta de comunicación visual. Su habilidad para manipular la forma visual y para analizar el contenido de la comunicación reduciéndolo a una esencia simbólica sin que esto implique que sea estéril o insulso, le permitieron influir Revista sobre arte y diseño Portfolio, nº1 n 1950. La novedad es que usó sólo tipografía.
-Tipografía simplificada y sistematizada, -Espacio en blanco. Algunas palabras que podemos definir un Diseñador Gráfico para esta época del diseño moderno en estados unidos podríamos mencionar:
Alex Brodovitch.
ampliamente cuando aún no cumplía los 30 años.
Publicidad de Cassandre en tres partes. Dubonnet. Publicidad muy caricaturesca que tuvo gran impacto en las calles parisinas.
Un claro ejemplo es la portada de la revista Direction, donde muestra la importante función del contraste visual y simbólico en los diseños. En esta portada contrasta la etiqueta de Navidad con escritura a mano, con las letras estarcidas del logotipo y un alambre de púas que cruza la tapa como si fuera una cinta de regalo, nos recuerda la propagación de la guerra. Es una visión de la Europa ocupada por los nazis. Partidario de la intervención del humor en el diseño publicitario, ecléctico y multifacético, sorprende en Rand la extrema concisión formal de algunos de sus trabajos comerciales, como folletos y cubiertas de memorias de empresa.
Para
atraer al público y
comunicarse de manera memorable se dio cuenta de que era necesaria la alteración y yuxtaposición de los símbolos y signos
del diseñador, o la reinterpretación del mensaje, con el fin de hacer de lo ordinario algo extraordinario. Definió al diseño como la integración de la forma y la función para una comunicación efectiva. La función cultural del diseñador fue definida como ascendente más que como al servicio del mínimo común denominador del gusto del público.
Alvin Lustig (1915-1955) incorporó su visión subjetiva y de símbolo privados al diseño gráfico. El editor de New Directions de Nueva York comenzó a encargarle portadas de diseño de libros y portadas, dada su gran capacidad de genio. Su diseño fue muy exitoso buscando símbolos que capturaran la esencia del contenido y tratando la forma y el contenido como un todo. Lustig creía en la importancia de la pintura para el diseño y en la enseñanza del diseño y consideraba la búsqueda de los símbolos privados por parte del artista como una fuente Portada para Harper´s Bazaar 1940. Herbert Bayer. Exprofesor de la Bauhaus. Indicios del arte Pop
inagotable para los símbolos públicos creados por el diseñador.
En 1940 Alex Steinweiss (1916-…) fue nombrado director artístico de Columbia Records. El diseño moderno de los años “40 fue aplicado al diseño de portadas de discos a medida que él iba buscando formas y figuras visuales para expresar la música. Tenía un enfoque informal del espacio.
Bradbury Thompson (1911-…) surgió como una de los diseñadores gráficos influyentes de la posguerra. Sus profundos conocimientos de impresión y composición tipográfica se combinaron con su experimentación, permitiéndole extender la gama de posibilidades de diseño. Figuras grandes, orgánicas y geométricas eran empleadas para dar fuerza gráfica y simbólica a la página. Usualmente, las letras eran ampliadas a gran tamaño y utilizadas como elementos de diseño o para crear modelos visuales y movimientos. Logró una maestría en la organización compleja, la forma y el flujo visual.
asimétrico por parte de Paul Rand durante los años “40 constituyó una inspiración importante para Bass. Pero mientras las composiciones de Rand utilizaban contrastes complejos de figura, color y textura, Bass redujo el diseño gráfico a una imagen dominante, sencilla, generalmente centrada en el espacio. Bass tiene una habilidad para identificar el núcleo de un problema. Lo expresa con imágenes que se vuelven glifos o signos pictográficos elementales, poseedores de una gran fuerza gráfica. Redujo la comunicación a una imagen pictográfica sencilla. Estos no son los gráficos elementales del constructivismo. Las formas en trozo son cortadas del papel con tijeras o trazadas con un pincel. Dibujadas libremente es probable que las letras decorativos sean empleadas en su obra así como la tipografía o las letras manuscritas.
Durante los años sesenta y setenta, se volvió cada vez más hacia un enfoque clásico del diseño de libros y editorial. La amenidad, la armonía formal y el uso de tipos de Old Style han distinguido su trabajo. La sensibilidad de la Escuela de Nueva York fue llevada a Los Ángeles por Saul Bass (1921-…). El empleo de la figura y del balance
Cassandre. Tipografía Bifur. 1929
George Tschery (1924-…, húngaro) emigró a EE.UU. cuando era pequeño. Durante 25 años aproximadamente funcionó como diseñador independiente. El vocabulario de sus técnicas para resolver problemas de diseño incluyen dibujo puramente tipográfico, fotografía, dibujo caligráfico simple con pincel y las figuras gruesas, sencillas de papeles de colores que a él le encanta recortar.
Nuevas Tendencias.
La primera ola de la cultura del cartel surgió por medio de la subcultura hippie a finales de los años
1960. Debido que los de
a medios
comunicación y el público en general relacionaban estos carteles que trasmitían mensajes contra el orden establecido y a favor de la música rock Cassandre (1901- 1968). Cartel Publicitario para muebles 1923. Premiado en la exposición de artes decorativas de París 1925.
y las drogas se les llamó “carteles psicodélicos”. En los carteles se usaban formas turbulentas y letras retorcidas y curvadas hasta el borde de la legibilidad, frecuentemente impresos en colores complementarios de profundo contraste. El movimiento gráfico que expresó este Director de arte del Studio Athelia. Cubierta del catálogo ATHELIA 1929. Alex Brodovitch
clima cultural se inspiró en varias fuentes: las fluidas y sinuosas curvas del Art Noveau, la intensa vibración óptica
del color asociada con el Pop – art y el reciclaje de imágenes de la cultura popular. Los carteles artísticos para los conciertos y festivales de rock produjeron algunos de los más llamativos ejemplos de caligrafía ilegible, pero de gran poder de comunicación, con su elaborada
escritura manual a base de palabras distorsionadas.
Wilson fue el innovador del cartel psicodélico y creó muchas de sus imágenes más fuertes. Algunos aspectos del movimiento del cartel psicodélico fueron empleados en el frenéticamente popular arte del diseñador P. Max en la serie de carteles que produjo en los años 1960 combinó los aspectos del Art Noveau psicodélico con imágenes más accesibles y colores más suaves. En su trabajo más fino experimentó con imágenes y técnicas de impresión.
Somesse se convirtió en un prolífico diseñador de carteles. Las imágenes dibujadas se realizaron en forma libre y
casual que recordaba más a la producción de impresiones e ilustraciones gráficas europeas que las fuentes estadounidenses. Con frecuencia estas imágenes se dibujaron en tamaño pequeño y después se alargaron considerablemente. En vista de que la “nueva publicidad” se desarrolló al mismo tiempo que el “nuevo periodismo”, fue inevitable un torrente de comparaciones. El nuevo periodismo de escritores como Tom Wolfe con respuestas subjetivas como parte componente del reportaje, reemplazo a la objetividad tradicional del periodismo. El periodista Cartel publicitario Alex Brodovih. Póster para fiesta de emigrantes rusos. 1924
tenía experiencia como participante, más que como un observador desapasionado.
El expresionismo tipográfico estadounidense.
En los años “50 y ” 60 los diseñadores gráficos de New York pusieron interés en la tipografía figurativa: la letras se convertían en objetos y viceversa.
La ventaja principal fue la de reducir radicalmente el costo para introducir estilos de tipos nuevos. John Alcorn (1935) permitió que fototipos de letras victorianas estuvieran Cassandre. Cartel publicitario, 1935. Consigue crear una sensación de poderío. Las minúsculas gaviotas y el texo situado abajo da un punto de vista que ensalza la randeza y robusted del barco.
disponibles. Los diseñadores pudieron replantearse formas pasadas de moda e incorporarlas a su trabajo.
Gene Se necesita un genio tipográfico Pionros del diseño gráfico americano. Lester Beall (doctor en historia del Federico para definir el potencial estético arte). Cartel 1939, 1941. Publicidad Institucional. (1919) de la fototipografía al fue uno comprender su nueva flexibilidad de los primeros en utilizar estos recursos: y explorar la posibilidades que abrió hacia que la organización visual de los para tipos adoptara un significado la connotativo. Otra tendencia iniciada ya más en los “50 era la tipografía decorativa del SXIX y de la tipografía novedosa rechazada por varias décadas por la influencia del movimiento moderno. Esto fue inspirado por Robert Jones, quien eliminó el prejuicio por el uso de lo decorativo o pasado de moda. En 1925 la fototipografía, que ya había sido experimentada en el año 1893 obteniendo resultados limitados, renace en esta época y simbolizaba una revolución gráfica que no fue apreciada hasta medio siglo después.
expresión gráfica. La habilidad mantenerse
para en
contacto estrecho con la época es un requisito vital para alguien que trabaja en la comunicación visual, y muchos de los conceptos más innovadores de Lois nacieron de su habilidad para comprender y responder a la gente y los sucesos de su época.
Conclusión El diseño como se conoce hoy en día tuvo sus bases dentro gracias al diseño suizo y a la escuela de Nueva York, dentro de estos 2 grandes movimientos se puede observar el desprendimiento del diseño tradicional europeo, se da a notar un estilo más libre y no tan convencional, se comienza a tomar como parte del diseño los espacios vacíos o viceversa, las imágenes encimadas. El orden de los objetos dejo de ser lo primordial, se comenzó a experimentar y a jugar con el diseño. La tipografía tuvo un gran avance durante estos años, surgieron tipografías claras e internacionales. En lo personal todo lo que está relacionado con tipografía e ilustración me interesa mucho, son dos áreas que considero de lo más hermosas, la composición y la creatividad que denotan me encanta, así que hacer este trabajo me fue muy satisfactorio.