REVISTA HÚMEDA

Revista digital de arte, diseño y fotografía Año 1, número 1, 2021

HUMEDA

Departamento de artes, educación y humanidades DESE-CUC-UDG

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Húmeda revista digital de arte, diseño y fotografía Universidad de Guadalajara Centro Universitario de la Costa División de Estudios Sociales y Económicos Departamento de Artes, Educación y Humanidades

Año 1 Número 1 Puerto Vallarta, Jalisco, México INICIO

DIRECTORIO

COMITÉ EDITORIAL

Dr. Ricardo Villanueva Lomelí Rector General

Dr. E. Andrade Romo LAV. Ireri Topete Camacho Mtra. G.M. Gómez Basunto Mtra. M. De Niz Villaseñor Mtro. Candelario Macedo H. LAV. Ada López O’Connor Mtro. Ángel García Ávalos

Dr. Jorge Téllez López Rector del CUCosta Dr. José Luis Cornejo Ortega Secretario Académico Mtro. Marco Antonio Delgadillo Guerrero Director de la DESE Dr. Edmundo Andrade Romo Jefe del DAEH

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Editorial Húmeda, es la revista-galería digital de arte, diseño y fotografía del Departamento de artes, educación y humanidades, adscrito a la División de Estudios Sociales y Económicos del Centro Universitario de la Costa, Universidad Guadalajara.

Húmeda también es un espacio virtual para el ensayo crítico y la exposición de obras regionales y locales.

Húmeda, según el diccionario es un adjetivo que pretende sustantivarse en la medida de su alcance e importancia entre la comunidad universitaria, vallartense y del occidente de México; singular: en tanto se desmarca y deslinda de otras revistas y adquiere su propia esencia; femenino, como la descripción del poeta Óscar Wilde, “profunda, misteriosa, introvertida…”

El arte, diseño y fotografía, como la humedad permean, aparecen, desmoronan lo edificado, se siente su presencia, sugieren, susurran, altera y en algunos casos trastornan, impactan, demuestran, proponen, sensibilizan, tranquilizan, inquietan, sanan.

Húmeda aparece como una mancha en nuestras vidas, como una señal o un símbolo, en todo caso nos indica que está ahí y algo hemos de hacer.

Húmeda como la vida en la costa, como las personas en verano, como la lluvia y el viento, como el mar y la tromba, como la fruta.

Una revista digital sobre arte, diseño y fotografía que pretende ser Húmeda en nuestra cotidianidad puede ser la respuesta a muchas preguntas que están secas, marchitas, sedientas.

Húmeda es de todas y todos; es universitaria y una opción para ver y leer; es un encuentro y desencuentro que como la humedad: ¡no se quita!

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Índice César Gilabert Juárez Arte y sociedad ............................................................................................................5 Guadalupe María Gómez Basulto El cuerpo como vehículo de expresión ...................................................................7 Candelario Macedo Hernández El fenómeno del diseño gráfico en Puerto Vallarta, Un recorrido histórico...............................................................................................10 De pinturas y comics ................................................................................................12 Ángel García Ávalos La historia de la arquitectura de Puerto Vallarta ................................................15 Ada O’Connor Fotografía de naturaleza ..........................................................................................18 Natalia Balzaretti Merino Homo eligens .............................................................................................................22 Natalia Balzaretti Merino Sueños vividos ...........................................................................................................26 Alfredo Carreon Más que a un juguete ................................................................................................32

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Ensayos críticos

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Arte y sociedad César Gilabert En la Licenciatura de Artes Visuales que se cursa en el Centro Universitario de la Costa hay un trío de materias que resultan fundamentales para la formación integral de los alumnos: Arte y mitos; Arte y Ciencia; Arte y sociedad. Con esto no quiero menoscabar la importancia del resto: reconocemos que cada asignatura del programa tiene una finalidad específica que la hace importante para desarrollar habilidades, destrezas y conocimientos sólidos, ya sean teóricos o prácticos, que en conjunto contribuyen a formar profesionales competentes, con sentido crítico y compromiso ético.

Pero no está demás subrayar que incursionar de manera multidisciplinaria en temas filosóficos, sociales, culturales, antropológicos, económicos, políticos, históricos y de humanidades, para ponerlos en relación con el arte, sienta las bases para promover en los estudiantes una visión amplia, universal y compleja de la época y circunstancias que, como individualidades, nos tocó vivir: llámese país en vías de desarrollo; sociedad posmoderna; globalización; o cualquier otra caracterización.

Se trata de tener herramientas intelectuales y anímicas para ubicarnos en la realidad: lo que hoy en día nos ofrece escenarios complicados como los fenómenos derivados del Cambio Climático: amenazas ecológicas de alcance planetario de algún modo activadas por acciones humanas. (La desaforada intensidad del huracán Nora, la pandemia de Covid 19, el colapso económico que se cierne sobre el sistema mundial, son apenas, pese a su magnitud, botones de muestra). De allí la urgencia de tener conciencia y sensibilidad para adoptar posiciones como personas capaces de generar transformaciones sociales desde nuestra pequeña trinchera. Después de todo, sabemos por la Historia, que la emancipación de todas las ataduras que nos hunden en la inequidad y la pobreza es el resultado de sumar pequeñas acciones que contribuyan a defender la vida. Y esta defensa se manifiesta en muy diferentes campos y expresiones. Desde el punto de vista de la cultura, por mencionar un caso, se trata de proteger y acrecentar el amplio universo de patrimonios materiales e intangibles de la humanidad. Y allí, dentro de cada comunidad que defiende su parte, los creadores y el arte juegan un papel crucial. Por razones de espacio, me enfocaré solo en la materia: Arte y sociedad, pero si hay oportunidad en números subsiguientes de la revista completaré la tercia.

El propósito de entender las relaciones entre la sociedad y el arte, entre otros aspectos, es útil para identificar los referentes materiales e imaginarios de la creación artística, el consumo estético y el papel del arte en la dinámica social. Los conceptos de sociedad y arte tienen múltiples entradas, por eso cuesta tanto definirlos. Apenas podemos enumerar algunos contenidos de estos enunciados para luego establecer las relaciones e interacciones de ambos conceptos.

Se dice que la sociedad es el resultado de individuos que interactúan. Pero a su vez, por medio de las estructuras y regulaciones de tales interacciones, la sociedad crea a los individuos. Por este fenómeno de recursividad se dice que los seres humanos son seres sociales, Aristóteles lo resumió con su idea del zoon politikón. Significa que los seres humanos no pueden vivir sin la compañía de sus semejantes. En definitiva, un bebé humano no puede sobrevivir sin el cuidado de otros, y si lo hiciera aislado no lo haría humanamente: lo que los hace humanos es la convivencia cuyo fin principal es la subsistencia, de allí la importancia las reglas sociales para relacionarse. Esta regulación provoca que las conductas humanas tiendan a repetirse. La iteración permite agruparlas y luego conformar una estructura social que encauza las acciones. De manera que la sociedad procede instituyendo: se llama ámbito social al espacio de convivencia regido por reglas. Así delimita el contexto básico para comprender la acción y los motivos de los individuos. Para convivir es necesario comunicarse, en ese sentido la institución de la palabra parece estar en el principio de lo humano: como quien dice “primero fue el verbo”.

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Podemos especular que las formas institucionales se reprodujeron en una lógica que va de la respuesta espontánea, titubeante, experimental, hacia las soluciones racionales capaces de evaluar el alcance de las experiencias previas, comprobar su eficiencia, promover acciones intencionales para producir determinados efectos. En algún momento se depuró el mecanismo de la comprobación hasta cuajar en el método científico; y esos saberes colectivos se transmiten a las generaciones siguientes. El conjunto de estas acciones humanas, adaptativas y aprendidas colectivamente es lo que se ha dado en llamar cultura, se hace manifiesta, en costumbres, usos, tradiciones, valores compartidos. Un subconjunto de estas prácticas originó el arte.

La dinámica social es una constante de aprendizaje y cambio multidireccional que incluye periodos de estancamiento y retrocesos, puesto que hay estrategias adaptativas que son útiles por un tiempo, pero que luego dejan de serlo; y otras que definitivamente fracasan acelerando la extinción de los asentamientos humanos, sea por eliminación física (conflictos bélicos), por agotamiento de los recursos naturales u otras causas que provocan éxodos. Entretanto, surgen diferentes configuraciones sociológicas (o formas concretas y duraderas en que una sociedad se organiza), que se denominan, según su densidad histórica, en eras, épocas, edades. Y en cada una la idea de sociedad (y también de arte) está cambiando sin cesar. Pese a los cambios constantes también referentes estructurales duraderos, correspondientes a ciertos fenómenos socioculturales dominantes con capacidad para reproducirse, es el material con que se perfila el statu quo de una determinada época y lugar, y en cada uno se consolida una aceptación colectiva, aunque sin generar una resistencia constante. Es la siempre tensa relación entre lo instituido y lo alternativo que pretende ser instituyente, de donde surgen acciones e interpretaciones tanto para alinearse como para provocar la transformación o incluso transgresión. En esta arena política no solo luchan proposiciones ideológicas, sino artísticas, que influyen en las estructuras de la creación mediante la redefinición de los valores estéticos. Por eso el papel del arte está en constante reestructuración si es que tiene un encargo social por cumplir: el arte como imitación, el arte para conmover, el arte crítico, el arte por el arte o el arte para vivir.

En cualquier caso, para pensar la relación arte y sociedad puede ser muy fructífera si promueve la reflexión y fomenta una actitud propositiva, en correspondencia con un compromiso ético y estético. Entonces el arte puede encarnar la insatisfacción del artista que no se aviene al establishment.

Por un lado, en el colapso de algunos grandes proyectos sociales, como la Caída del Imperio Romano, el fin del oscurantismo medieval, la eclosión de Ancien Régime, la caída del Muro de Berlín. Por otro, la floración de grandes descubrimientos científicos y las revoluciones, generan nuevas visiones del mundo, algo que se refleja en el arte a través de necesidades y urgencias nuevas por parte de los artistas. De repente, los cánones clásicos no funcionan y cunde en los creadores la apetencia de romper con el pasado y el deseo de aventurarse en la innovación imparable. La cima de esta sensación es la modernidad. La experimentación sin reglas, cambiarlo todo, la idea de que lo más reciente es lo mejor hasta caer en la ebriedad del cambio sin referentes.

El conocimiento general de los grandes procesos históricos y sociales permiten situarse en el tiempo y espacio presente, apuntar a los futuros posibles y deseables con el respaldo que brinda el dominio del pasado. De ese modo es posible una nueva narrativa que reclasifica las corrientes ideológicas, identifica las fuentes que orientan los ejercicios del poder, para finalmente arrojar luz para el análisis del quehacer artístico. Esto es considerar el contexto social y su peso sobre la noción imaginaria de realidad, para explicar cómo las condiciones socioculturales intervienen en los procesos de creación artística, en la consolidación del canon estético de cada época, en la crítica y las maneras particulares y concretas de consumo cultural en la sociedad actual, que es una sociedad de consumo, atravesada por la tecnología de la comunicación.

La idea es fomentar una actitud crítica, rigurosa y documentada, aunada al compromiso ético de cara a un desmesurado e irreflexivo consumo cultural. Así concibo el nacimiento de esta tribuna promovida por el Departamento de Artes, Educación y Humanidades para llegar a públicos dentro y fuera de la comunidad universitaria. Enhorabuena.

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El cuerpo como vehículo de expresión Guadalupe María Gómez Basulto Parte 1 El presente ensayo surge del interés por escribir un libro que me permita documentar a través de imágenes, la relación de mi cuerpo con el yoga; disciplina que practico desde hace varios años.

En esta búsqueda he descubierto los motivos que llevaron a varios artistas a expresarse a través del cuerpo como objeto de estudio, incursionando principalmente en disciplinas como la performance y el body art; entendiendo este último como los “procesos artísticos en los que el artista utiliza su propio cuerpo como soporte material de la obra” (Mas de arte, 2021) y considerando la performance “una acción artística; una muestra escénica interpretativa cuyo fin es transmitir una idea o concepto generando una reacción en el espectador” (Mercado Diseño, 2021).

El crítico de arte estadounidense Hal Foster en Cuasch (2000) dijo, “el cuerpo se convirtió en un site (lugar) nada neutral ni pasivo, sino más bien obsesivo en el que convergieron y se proyectaron a la vez prácticas artísticas y discursos críticos, un site, por tanto, ambiguo, a la vez construido y natural, semiótico y referencial”.

El cuerpo ha sido fuente de inspiración y expresión de muchos artistas, principalmente a mediados del siglo XX con el ya conocido Body Art y a finales del mismo siglo con la Performance. Ha sido también el tema central o instrumento de uso en obras de artistas de todas las latitudes, donde nuevas formas de manifestar y abordar la temática del cuerpo son el objeto de representación.

Aparentemente algunos artistas representaban a través del cuerpo la realidad evidenciando traumas, crítica, desigualdad, equidad, inconformidad, estereotipos, violencia, corrupción, censura, mutilación, que la misma sociedad producía y no quería ver o aceptar. Otros la llevaban al plano estético, incursionando en la moda o la expresión corporal.

Debido al interés de este análisis, nos centraremos en la obra de artistas como Marina Abramovic, quien conceptualiza sus obras a partir de los límites del cuerpo y las posibilidades de la mente; Man Ray, artista reconocido por su foto de vanguardia, retrato y moda; Cindy Sherman, quien se utiliza a sí misma como vehículo para representar su obra; Bruce Naumann, artista con alcances donde su arte recurre a la utilización de su propio cuerpo; Kiki Smith, que “valora el cuerpo humano como un medio para experimentar el mundo…”; y Vito Acconci, quien exponía o mejor dicho exhibía su cuerpo en sus obras.

En el yoga se habla del cuerpo, como el vehículo que nos permite a través de las posturas profundizar en nuestra complexión física, logrando por medio de la respiración calmar la mente y a partir del conocimiento filosófico adentrar en nuestro cuerpo sutil.

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El yoga es una disciplina milenaria y uno de los sies sistemas ortodoxos de la filosofía India. La palabra yoga significa unión, refiriéndose a la comunión que se logra entre cuerpo, mente y espíritu. Gracias a “Los yoga sutras” de Patanjali, textos compuestos de 196 aforismos escritos en el 200 antes de J.C. es que se sistematizó esta disciplina.

“Se dice que Patanjali nos aportó serenidad de mente por sus trabajos en yoga, claridad de palabra por sus trabajos en gramática y pureza de cuerpo por sus trabajos en medicina”. (Oración invocatoria) Han sido varios los maestros que introdujeron el yoga en Occidente, tal es el caso de: B.K.S. Iyengar, K. Pattabhi Jois, T.K.V. Desikachar e Indra Devi; todos ellos alumnos de Sir Tirumalai Krishnamacharya.

Actualmente, la práctica de yoga es conocida en todo el mundo y son varios los estilos que se difunden, los cuales se desprenden del Hatha Yoga, como: Ashtanga, Iyengar, Bikram, Prenatal, Yin, Vinyasa, Flow, Hot, Power, Rocket, Anusara, entre otros y cada uno con finalidades específicas. En este artículo no nos enfocaremos en los estilos, sino en la esencia de la disciplna y su filosofía, utilizando el cuerpo como eje central.

Algunos artistas en sus obras emplean objetos que refieren al cuerpo como aproximación de la realidad, sin embargo, ir más allá del resultado visual y encontrar en la conceptualización de cada pieza un discurso que integre la mente, el cuerpo y la esencia del ser, dará como resultado la reacción y transformación del creador o del espectador, y esto coincide con lo que estamos planteando.

En el yoga la finalidad no es lograr una postura y que ella resulte perfecta a los ojos del otro, ya que cada individuo somos dotados desde que nacemos con una anatomía diferente, por lo que el resultado visual jamás será el mismo. Sin embargo, los beneficios físicos que obtenemos al realizar una postura siempre sucederán y la conexión o encuentro con nuestro ser, será una experiencia única en cada individuo. Aquí la pertinencia de mencionar los alcances de la artista Marina Abramovic, donde temáticas sobre los estados de conciencia, el control del cuerpo y la mente, así como el concepto del ego y la identidad del ser humano, son el argumento en algunas de sus obras.

Detrás de la práctica de yoga está el control de la respiración para calmar la mente, la sincronización del movimiento del cuerpo al respirar, el equilibrio durante la realización de la postura y la concentración al permanecer, todo en conjunto nos ofrece un momento meditativo.

Una de las principales artistas del arte del cuerpo es Cindy Sherman quien, fotografiándose, visibiliza a partir de su cuerpo y su caracterización temas que preocupan a la sociedad contemporánea, al contrario de Kiki Smith quien “nunca personaliza sus cuerpos, actúa como una sacerdotista vudú que busca los secretos del alma y hurga en las regiones interiores del espíritu adentrándose en las regiones del cuerpo físico…” (Cuasch, 2000).

Lo mencionado en el párrafo anterior pretende crear una conexión con el yoga, alcanzar la imagen visual que Sherman lograba con el cuerpo, agregando el toque místico que Smith penetraba al profundizar en la esencia del ser y en las partes o sistemas del cuerpo humano.

Man Ray, mejor conocido por su foto del cuerpo humano enfatiza en El Diario “Fotografío lo que no quiero pintar…” (2019). Ray logró configurar un nuevo lenguaje que hablara por sí solo, dándole valor a la técnica de la fotografía. En la publicación Body art: el cuerpo expuesto desde Man Ray hasta nuestros días, se habla de “El cuerpo como instrumento de creaión, como soporte de la obra INICIO

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de arte y luego como sujeto del arte mismo…”, en el yoga, si bien el objetivo no es crear, la práctica transforma al practicante, lo lleva a descubrir rincones de la conciencia que le permiten desarrollar habilidades adentrándonlo en terrenos desconocidos.

Al final del día, el hecho de llevar de la mano una disciplina filosófica como es el yoga y el arte representado con el cuerpo, surgió de un interés personal, liberador y expresivo, inspirado en apuestas de artistas como Vito Acconci, al narrar su obra poética con estilo propio y evitar que esta sólo fuera una performance. Otra de las motivaciones personales al relacionar la práctica del yoga con el Body Art, es gracias a los alcances que con el cuerpo, posturas y movimientos el artista Bruce Naumann logra “creando su propio lenguaje” (Carrero, 2015). Naumann, realizó ángulos con el cuerpo entre el suelo y la pared, movimientos que apreciamos en la práctica del yoga, pero que aún están alejados de la reflexión que tanto el arte, como el yoga nos pueden regalar; sólo quienes lo experimentan y practican puede saberlo. A modo de conclusión, en algún momento de nuestras vidas los seres humanos tenemos la necesidad de sanar en el terreno emocional, buscando y experimentando técnicas y herramientas que nos permitan reconciliarnos con nosotros mismos y en ese recorrido explorar diversos senderos que nos ayuden a integrar nuestro ser. Los ocho caminos del Raja yoga descifrados por Patanjali, nos muestran el sendero que todo practicante recorre para llegar al final: la liberación y así, reconocer que nuestro cuerpo posibilita la búsqueda, pero somos más que eso. Kiki Smith hablaba en su obra de liberarnos: “Romper con la vergüenza que sentimos respecto a nuestro cuerpo y normalizar situaciones naturales” (Torres, 2020).La expresión del artista parte de la necesidad por narrar, manifestar, plasmar o evidenciar un tema como desahogo de sus emociones, su arte le sirve como terapia catártica y su cuerpo como instrumento liberador. El punto de encuentro en el que se unen el artista y el practicante de yoga es al momento de emplear su cuerpo como vehículo, como herramienta que les permite expresar todo lo que se oculta dentro de el y todo lo que agita su mente para liberarse.

Referencias Blibliográficas: Carrero, M. (2015). Bruce Nauman. Biografía, obras y exposiciones. Recuperado de https://www.alejandradeargos.com/ index.php/es/completas/32-artistas/376-bruce-nauman Cuasch, A. (2000). El arte último del siglo XX. Del posminimalismo a lo multicultural. Madrid: Alianza Editorial.

Desikachar, T.K.V. (1997). Yoga-Sutra de Patanjali. España: Arca de Sabiduría.

El Diario. (2019). Man Ray, el maestro del surrealismo que transformó una barra de pan azul en una preciada obra de arte.

Recuperado de https://www.eldiario.es/cultura/arte/man-ray-surrealismo-transformo-preciada_1_1717474.html Historia Arte. (2021). Vito Acconci. Recuperado de https://historia-arte.com/artistas/vito-acconci Iyengar, B.K.S. (1994). La luz del yoga. Barcelona: Kairós.

MACVAL. (2021). Body art: el cuerpo expuesto desde Man Ray hasta nuestros días. Recuperado de http://doc.macval. fr/Default/doc/SYRACUSE/51662/l-art-au-corps-le-corps-expose-de-man-ray-a-nos-jours-exposition-mac-galeries-contemporaines-des-mus?_lg=fr-FR Mas de Arte. (2021). Body Art. Recuperado de https://masdearte.com/movimientos/body-art/ Mercado Diseño. (2021). Arte de acción: orígenes e historia de la performance. Recuperado de https://mercadodediseno. es/magazine/en-tendencia/arte-accion-origines-performance/ Torres, S. (2020). Woman Art House: Kiki Smith. Recuperado de https://www.plataformadeartecontemporaneo.com/pac/ kiki-smith/ INICIO

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El fenómeno del diseño gráfico en Puerto Vallarta, un recorrido histórico Candelario Macedo Hernández «El diseño está en todo lo que hacemos, pero también está en medio de todo; es una combinación de arte, ciencia, historia y filosofía» Erick Adigard

Introducción Hablar del diseño gráfico en la región, es abordar un fenómeno cultural particular caracterizado por los contrastes, por la influencia de la migración y la constante transformación. Sobre esta actividad en términos de conocimiento disciplinar puede suponerse que, en el dominio público es poco difundida. Más bien, lo que se encuentra dentro de campo de visión de la sociedad, se asocia principalmente al objeto de arte, particularmente las artes visuales como el dibujo y tal vez el concepto de logo como una expresión genérica de las marcas. Sin embargo, su presencia en la cotidianidad de las personas no tiene precedente alguno, su nivel de masificación en las sociedades de consumo emerge en la era digital, en el uso de los dispositivos móviles, las aplicaciones y las computadoras. Si bien, la influencia del diseño gráfico en las personas esta diversificada, puede ser reconocida principalmente a través de los efectos de la tecnología y el Internet, en los bienes de consumo, en el ocio y el entretenimiento, como parte de la fisonomía urbana y, en el uso de códigos y símbolos que facilitan la comunicación entre personas y permiten los desplazamientos y la movilidad en una región caracterizada.

Contexto histórico Puerto Vallarta como destino turístico es un imán para la generación de actividades diversas que subsanan las necesidades de la población. El diseño gráfico como actividad surge en el marco de una ciudad en creciente desarrollo y cada vez más compleja. Esta actividad a nivel regional resulta de un intrincado sincretismo social y cultural que se manifiesta no solo en la gráfica que se produce, sino que también se observa en los usos y costumbres, en las actividades comerciales alternativas relacionadas con el sector turístico y de servicios, así como en los mercados, bazares y tianguis. En ese sentido, Puerto Vallarta y Bahía de Banderas se perciben como un polo de atracción para creativos de diversas disciplinas donde los diseñadores gráficos no son la excepción. De ahí que el fenómeno de la migración además de introducir el diseño en la región propicia la incorporación constante de nuevas estéticas, de prácticas diseñísticas innovadoras y el uso de materiales alternativos. Ejerce, además influencia en el desarrollo del pensamiento y en las temáticas que se abordan, la manera de ver la realidad y de producir y percibir el diseño que, de alguna manera pluralizan y reconfiguran su función, principios y estéticas.

En cierto sentido, el diseño gráfico en Puerto Vallarta es una actividad que resulta mayormente reconocida en ámbitos y targets específicos, toda vez que interviene fundamentalmente en una perspectiva comercial. Así pues, es detectable en el desarrollo de los negocios, la promoción de productos y servicios, en la organización de eventos sociales, turísticos y empresariales y, en el desarrollo de productos regionales. Se identifica también su presencia en ámbitos artísticos y culturales donde encuentra un nicho para su desarrollo, en la expresión artística asociada a la gráfica, el Street art, el grafiti, la fotografía y en producciones audiovisuales, además de la participación en la capacitación artística, la gestión y promoción cultural lo que paradójicamente y sin ser esa la pretensión, refuerza la idea del diseño como arte. znacional. Por otra parte, el impacto de la licenciatura en la sociedad vallartense se observa en la implementación de programas sociales, artísticos, culturales y medioambientales que pretenden influir positivamente en la generación de una sociedad más comprometida y responsable.

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En el marco de la discusión académica, es también una preocupación constante, la culturización a partir del diseño en el sentido de plantearlo como una herramienta de transformación. A partir de la respuesta a convocatorias, convenios y asociaciones, su presencia en la ciudad queda de manifiesto a lo largo de los años en campañas publicitarias, programas sociales, en las interacciones sociales en espacios comerciales de gran afluencia, la demostración creativa del diseño en espacios públicos como el malecón del centro viejo, exhibiciones de ilustraciones y proyectos de diseño en galerías, museos, centros culturales y espacios del propio centro universitario. La relevancia se encuentra en las temáticas de interés para la sociedad vallartense, en la necesidad de ofrecer alternativas y propuestas de mejora, en la empatía con el vallartense.

Siglo XXI Actualmente el diseño gráfico tiene una relación cada vez mas estrecha con la tecnología, de ahí que las innovaciones y transformaciones que surgen en este campo revolucionan constantemente la disciplina. Por esta razón el siglo XXI es para el diseño gráfico un detonador de complejidades ya que las transformaciones son multidimensionales con influencia tanto en el desarrollo de comunidades en la interacción social como en la forma de diseñar, de concebir y producir el objeto de diseño, las formas de comercialización y de venta. De ahí que Puerto Vallarta, aunque es el contenedor y una suerte de habitáculo el que se conglomeran las comunidades de diseñadores, y que en contraste con el siglo XX su geografía no determina los alcances. Consecuentemente, el ámbito digital abre nuevas áreas de oportunidad para el diseño gráfico, trastoca la estabilidad lograda por años, exige el rompimiento de los modelos tradicionales, redimensiona e hibridiza la disciplina hacia procesos interdisciplinarios que puedan responder a nuevas formas de consumo. En este escenario surgen nuevas escuelas, agencias publicitarias, agencias de marketing digital, se desarrolla la impresión digital y se impulsa el desarrollo sostenible. Al respecto, el diseñador vallartense en esta etapa de transición emergente le implica reformular sus prácticas, en una visión aún más pluralizada, en concordancia con las transformaciones sociales que modelizan el comportamiento, la comunicación y las interacciones sociales.

Conclusión El proceso histórico del diseño gráfico en Puerto Vallarta además de tener sus propias particularidades e influencias y, por si fuera poco, es también el resultado de la realidad y dinámicas nacionales.

El diseño gráfico dicho más claramente es una herramienta para el desarrollo social y más en esta época que demanda una transformación social y cultural de fondo. Si bien el diseño como actividad logra subsanar las necesidades de identidad comercial y promoción, como un agente de cambio en las practicas sociales tiene mucho camino que recorrer. Por otra parte, los problemas que se observan en su apropiación son recurrentes en la cultura mexicana lo que formula cuestionamientos sobre la influencia real de la academia y las actuaciones del profesionista como promotor y difusor de la disciplina en este sentido entender que es un proceso y una cuestión de tiempo. En su devenir histórico los contrastes modelan su percepción y desarrollo, establecen relaciones y convergencias que es necesario tomar en cuenta para plantear una producción creativa de identidad local. Finalmente, la gráfica popular y el diseño no formal son parte inherente de lo que se es ahora y, la visión academicista por su parte ofrece la legitimidad requerida para consolidarla como una disciplina formal de gran relevancia en la construcción social, cultural y económica de la región.

Referencias Bibliográficas Flores, O. (2019) El diseño gráfico en México. Un análisis histórico, p. 189. Infodesign. Recuperado de: https://www.infodesign.org.br/infodesign/article/view/725/415 Gobierno municipal (2010-2012). Plan municipal de Desarrollo. Puerto Vallarta. Recuperado de: http://dotnet.puertovallarta.gob.mx/oldsite/TmpTransparencia/transparencia/PMD/pdf/PMD_10_12/historia.pdf Ramírez, M. (2021, abril 29). Luis Reyes Brambila hizo historia en Puerto Vallarta. Contralínea.net. Recuperado de: https://contralinea.net/luis-reyes-brambila-hizo-historia-de-puerto-vallarta/ Scartascini, G. (2011). Puerto Vallarta la formación de un destino. pp. 96-107. Puerto Vallarta: Universidad de Guadalajara. Recuperado de: http://www.cuc.udg.mx/sites/default/files/publicaciones/PUERTO_VALLARTA_LA%20FORMACION_ DE_UN_DESTINO.pdf

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De pinturas y comics De pinturas y comics Cuando pensamos en comics regularmente no pensamos en pintura sino en dibujar y colorear; en algunos casos nos acordamos de Roy Lichtenstein y el arte pop, obras compuestas de gruesos trazos negros entre puntos Ben-day de colores sólidos en un panel de comic, cuya significancia en el mundo del arte y popularidad en términos generales es indudable, pero no representa al comic ni como medio y ni como arte; como dijo Art Spiegelman, autor de Maus ganadora del Pulitzer: “Lichtenstein no hizo más ni menos por los cómics que Andy Warhol por la sopa”. Pero seamos claros, Roy Lichtenstein no tenía la intención de crear algo para impulsar o hacer crecer el comic, de hecho, el movimiento artístico apaleaba hacia objetivos más ambiciosos de cambio en el arte mismo, no el proclamarse como un creador de comics. Aun así, la relación entre las obras de Lichtenstein y el comic es incuestionable e incluso debatible, como muestra el historiador de arte David Barsalou en su proyecto Deconstruyendo a Roy Lichtenstein, quien ha recopilado de forma exhaustiva las fuentes de inspiración originales del pintor, encontrando artistas del mundo del comic como Tony Abruzzo, Russ Heath, Jack Kirby, John Romita, entre otros, por lo que muchos le acusan incluso de imitador.

Nota: tomado de David Barsalou Flickr, https://www.flickr.com/photos/deconstructing-roy-lichtenstein/40546762/

Nota: tomado de David Barsalou Flickr, https://www.flickr.com/photos/deconstructing-roy-lich Pero el comic cuenta con sus propios artistas y pintores, que están involucrados en el medio y crean obras específicas para ello. Durante los años noventa apareció uno de los más famosos, Alex Ross.

En 1994 la publicación de “Marvel”, que narra la historia del universo Marvel desde la perspectiva de un reportero, es una miniserie cuyos paneles interiores son pinturas hechas dibujadas con técnicas de modelaje para crear un realismo en los personajes de superhéroes y pintadas con temple.

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Nota: Tomado de Alex Ross@thealexrossart, 10 junio 2020 #marvel #covers timeless editions #September-October releases #art #comics #wednesdaymorning #WednesdayThoughts #BreakingNews Esta representación visual realista es acompañada de una historia donde el centro no son las tribulaciones de los superhéroes sino el cómo la gente común y corriente vería el día a día en este universo. Tras el éxito que tuvo la publicación, la editorial DC también le propuso crear una miniserie, es así como llegó Kingdom come, en la cual la representación realista está acompañada de como la realidad puede afectar también a los superhéroes.

Tomado de Alex Ross@thealexrossart, 10 junio 2020 #marvel #covers timeless editions #September-October releases #art #comics #wednesdaymorning #WednesdayThoughts #BreakingNews Nota: tomado de Alex Ross Facebook, Superman Mythology cover with original model. Reference photo. 05 de mayo de 2018. https://m.facebook.com/alexrossart/posts/2055236278028097?locale2=es_LA

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La pintura en comics tiene una historia más remota, podemos encontrar obras desde inicios del siglo pasado, con autores como Norman Saunders, Frank Frazetta, Bob Larkin, Norman Rockwell, Don Lawrence, entre otros, e incluso editorial como Heavy Metal y Dell Comics; pero la reacción que provocó Alex Ross en un espacio en que el comic venia experimentando desde los años ochenta con nuevas narrativas e incluso reconstruyendo sus géneros, resuena aun en nuestros días. Los lectores de comics del mercado masivo, no solo el independiente, observaron una nueva forma de creación para el medio, mientras que los críticos lo consideraron el arte fino del comic, siendo exhibido en museos y galerías. Para Alex Ross la pintura encontró un espacio en el medio del comic, el cual es amplio y se aplican muchas técnicas de creación, pero además vemos como el realismo visual acompañó las nuevas propuestas narrativas.

Así como Ross podemos observar ejemplos con otras técnicas, como el óleo aplicado a un estilo hiperrealista en la obra El Mercenario de Vicente Segrelles, fabulas de fantasía épica con piscas de ciencia ficción. Incluso podemos experimentar con técnicas de pintura digitales, como lo que hace Andi Granov, artista de Iron Man: Extremis.

Nota: tomado de EL comic en RTVE.es, reportaje de Jiménez Jesús, ‘El mercenario’: cuando el cómic es arte, 06 de Julio de 2015, disponible en https://www.rtve.es/noticias/20150706/mercenario-cuando-comic-arte/1173140.shtml Entonces cuando pienso en comics y pinturas por supuesto que veo el arte como reflejo de la realidad, esto es alguien toma un comic y a partir de ahí crea una pintura, de hecho, hoy en día vemos artistas creando no solo pinturas sino estatuas, murales y hasta música. Pero no existe una mayor relación que la creación de comics con pintura, como parte del medio, dentro de su estructura, no como un reflejo o significado de él.

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La historia de la arquitectura de Puerto Vallarta El Estilo Vallarta: Aquí no más se puede ver al cielo

Ángel García Ávalos En la colonia al lado de Volcanes, hace más o menos veinte años que mi mamá compró dos terrenos juntos en una esquina, en pagos. Recién estaban lotificando esa falda, ella fue de las primeras que se apuntó para comprar algo por ahí, porque siempre ha tenido la idea de que la mejor manera de ahorrar es hacerse de algo, y justo cuando terminó de pagar, de repente una noche amaneció una casa de cartón ahí.

Se preocupó mucho, todos nos pusimos muy nerviosos, yo apenas había entrado a la secundaria y me tenía muy desconcertado todo ese asunto. Mi mamá se la pasaba con abogados tratando de solucionarlo de algún modo. Y a los tres días de que amaneció la casa con una familia viviendo dentro, habló con mi papá y pidiendo el consejo de un primo que era policía resolvieron que: debían desalojar a la familia, destruir la casa y sacar todas las cosas a la calle.

Así sucedió, se fue mi papá en la noche pidiendo apoyo a amigos suyos y otros primos para así sin más sacar a la gente, mi otro primo (el policía) estaría presente con una patrulla para verificar que no sucediera ningún incidente, pero desde luego que se mostraría a favor de mi papá para que las gentes no se pusieran violentas. Y pasó, de repente, otra vez, amanecieron los pedazos de madera y tejas de cartón negro tirados en la calle.

El asunto no terminaba ahí, porque después de hacer eso, mis papás debían tomar posesión de los terrenos para evitar que volviera a ocurrir algo parecido. Y a los días próximos, pidiendo prestado se empezó a construir un cuarto de material para demostrar a quién le pertenecían esos terrenos.

Mi papá no podía pararse por allá, pues había participado en el desalojo, por lo que mi mamá fue la responsable de dirigir la obra.

Mi papá había conseguido a un pion para que hiciera el trabajo, solo mi mamá debía estar presente por si ocurría algún otro imprevisto. Entonces ella le pidió al señor que hiciera un cuarto en medio de los dos terrenos, pegado a la calle de arriba, con una puerta para la calle, otra para adentro y una ventana, eso fue todo.

Se terminó de construir el cuarto en una semana, nunca volvieron a aparecer las personas desalojadas, y todo regresó a una cierta normalidad. Mi mamá contrató los servicios de luz y agua, y a lo largo de varios meses mi papá empezó a construir las cercas para delimitar mejor con los terrenos vecinos, mi mamá sembró árboles frutales: dos ciruelos, un mango, un nanci, un almendro y un guaje.

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Durante esos tiempos, nos dimos cuenta que el vendedor de los terrenos no era el único, en otras palabras, habían dos vendedores que vendían los mismos terrenos a personas distintas, por lo que habían varias disputas en esa colonia por doble-venta de terrenos. El asunto fue, que el dueño lotificó y le pidió a dos de sus hijos que vendieran los terrenos, sin embargo, los hermanos estuvieron vendiendo sin ningún control entre ellos, solo buscando vender rápido y recibir dinero para dejar embaucadas a las personas.

Con el paso de los meses y años, el viejito, el dueño de los terrenos tuvo muchos problemas con todos los múltiples compradores, llegando a la conclusión de que la persona que tuviera posesión de su terreno se le respetaría. Hace ya diez años que el señor falleció, dejando una hija de responsable.

En la actualidad, ya los árboles están enormes, el guaje creció tanto que lo tuvieron que secar porque estorbaba a los cables de la luz, el pavimento ya llegó a una cuadra, y el nanci lo cortaron porque nunca dio. El ganador de las elecciones municipales pasadas prometió que legalizaría los terrenos, dando títulos de propiedad, lo que podría aliviar esa pequeña preocupación, pero hay que decir que eso mismo han prometido los últimos tres ganadores a Vallarta, y ninguno ha cumplido.

En fin, como dice mi mamá: desde el terreno de la esquina se alcanza a ver todo, se ve lejos, se ven los hoteles, el mar, los cerros se ven cerquitas, y corre mucho viento, está bien fresco ahí porque está en lo alto.

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Exposición

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Ada O’Connor

Fotografía de Naturaleza iluminada de manera natural, destacando características Ssicas, cualidades y propiedades de la Luz como: dirección, difusión, absorción, reflexión, propagación y transmisión, para resaltar en cada imagen el volumen orgánico, los detalles y el contraste lumínico de los especímenes, ayudado por un trabajo de post-producción en blanco y negro, con alto contraste y claves bajas; atendiendo profundos criterios composi8vos con la finalidad de transformar un registro fotográfico cientifiico en una imagen con cualidades artisticas.

Obtenidas en el Jardín Botánico de Puerto Vallarta entre el año 2018 y 2021.

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Título: Natura 1/3 Técnica:Fotografía digital Dimensiones: 6000 x 4000 pixeles Fecha de elaboración: Año 2018

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Título: Natura 2/3 Técnica:Fotografía digital Dimensiones: 6000 x 4000 pixeles Fecha de elaboración: Año 2021

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Título: Natura 3/3 Técnica:Fotografía digital Dimensiones: 6000 x 4000 pixeles Fecha de elaboración: Año 2019

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Natalia Balzaretti Merino “Homo eligens”, es una serie fotográfica que busca explorar lo ambiguo, lo vago, lo adaptable, lo críptico, lo acuoso y lo flexible. Busca una estética de formas y sombras abstractas, que esconden una belleza sombría. Exhibe la realidad del ser humano contemporáneo, entre la dualidad y la dicotomía misma del ser, como lo describe Bahuman. Como un ser humano en asedio total, pero con la facultad de elegir ser un yo permanentemente “impermanente”, completamente “incompleto”, definidamente “indefinido” y auténticamente “inauténtico”. La de un ente sin verdadera capacidad de elección, que obedece al mercado del consumo, orillado a una promesa de satisfacción que detrás esconde insatisfacción permanente, que retrata nuestra sociedad líquida actual.

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Título: Homo eligens Técnica:Fotografía digital Dimensiones: Fecha de elaboración: Año 2019

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Título: Homo eligens Técnica:Fotografía digital Dimensiones: Fecha de elaboración: Año 2019

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Título de la obra Formato y medidas: Homo eligens .JPG Técnica y/o materiales: Fotografía digital subacuática Fecha de elaboración: Año 2019

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Natalia Balzaretti Merino La serie de “sueños vividos” contiene una gran carga de simbolismos, llegando en algún punto, a ser una lectura muy confusa y hasta cierto punto demasiado cargada, en su momento necesario para proyectar los momentos vividos. “Sueños vividos” representa un desahogo de emociones y sentimientos que mantuvieron en completo desequilibrio, sin duda alguna, cada obra representa un momento de esa época, comenzando con una entrega total de rendimiento ante la tormenta (“Naufragio”), con destellos de lo que realmente se escondía en la autora (“Reflejo”), pasando a una entrega total en medio de un universo, en la que se ve proyectada el encuentro con una realidad (“La nada”) y cerrando la serie con una obra que representa un envenenamiento y enfermedad (“Degustación”) en la búsqueda de encontrar esa desintoxicación.

La técnica elegida y que predomina sobre la serie de “sueños vividos“ es la del puntillismo; técnica que causa especial fascinación, transportando al inicio del todo, cada punto componiendo la imagen, comparándola con el hecho de que cada átomo compone cada parte del universo; el puntillismo si bien es una técnica con la que se necesita tener mucha paciencia y que exige invertir mucho tiempo en la realización de la obra, ayuda mucho a desarrollar el proceso creativo y al autodescubrimiento de un estilo en ese momento.

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Título: Naufragio Técnica: acrílico /puntillismo Dimensiones: 1 x1 metro Fecha de elaboración: 2012

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Título: Reflejo Técnica: acrílico/puntillismo Dimensiones:1.20 x 1.50 metros Fecha de elaboración: Año 2014

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Título: La nada Técnica: acrílico/puntillismo Dimensiones: 1.00 x 1.50 metros Fecha de elaboración: Año 20195

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Título: Degustación Técnica: Acrílico/ Puntillismo Dimensiones:90x60cm Fecha de elaboración: Año 2016

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Video arte

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Un cortometraje de Alfredo Carreon

Más que a un juguete

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Revista Húmeda. Revista digital de Arte, Diseño y Fotografía (ISSN en trámite), www.cuc/udg/humeda.mx, es una publicación académica y artística de acceso abierto, sin cargo por publicar (APCs). Húmeda es publicada y editada por el Departamento de Arte, Educación y Humanidades del Centro Universitario de la Costa de la Universidad de Guadalajara.

Húmeda se especializa en dos disciplinas, diseño y las artes visuales, en sus distintas manifestaciones tales como el dibujo, escultura, ilustración, cartel, fotografía, pintura, performance y videoarte que se desarrollan regionalmente y se vincula con los artistas, críticos e historiadores del arte de la Red universitaria de la Universidad de Guadalajara.

Tiene como objetivo difundir el arte y la cultura, así como generar un espacio para la reflexión y debate en torno al arte, diseño y fotografía.

Todos los trabajos recibidos, originales e inéditos, están sujetos a un proceso de revisión por parte del comité editorial. La periodicidad actual de Húmeda es semestral, además de un número especial por año.

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Portafolio Cada autor tendrá su propio espacio de exposición por lo cual las obras presentadas deben ser obras originales e inéditas sobre una temática general, no se aceptarán obras que no correspondan a la misma temática. Las obras deberán seguir los siguientes requisitos: Ficha técnica que incluya; -Nombre del autor o autores -Título de la obra -Formato y medidas -Técnica y/o materiales -Fecha de elaboración Descripción de la obra Adjuntar archivo de la obra bajo los requisitos solicitados abajo dependiendo del formato de la obra (en caso de ser necesario subir a Google drive, adjuntando el enlace y dando autorización al correo de la revista)

Requisitos de formatos de la obra Fotografías, dibujos, esculturas, instalaciones, pinturas, proyectos de diseño, carteles e ilustración -Resolución de 300ppp -Tamaño mayor a 1080x720p -Peso que no exceda 3 MB por fotografía -La cantidad de fotografías está limitada a tres, sin embargo, si se da el caso de ser grandes cantidades, se elegirán las mejores según el criterio del Comité Editorial.

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