Dossier Fotográfico Yessica Canarios by Cuandolasfloresmarchitan

Fotografía artística y publicitaria Docente: Adrian Fierro Ayala

Por: Yessica Flores Canarios

2021

Fotografía artística y publicitaria

Por: Yessica Flores Canarios

Índice Prólogo

Breve historia de la fotografía

Exposición correcta de una fotografía

Iluminación

Planos y encuadres

Ángulos de visión

Tipos de objetivos

Composición fotográfica

Hacia una lectura fotográfica

Hacia una filosofía de la fotografía

Análisis de la imagen

Arte y fotografía

Democratizar la fotografía

La fotografía y la estética

Antiarte

Estética

Arte, estética y belleza

Fotografía, arte y discurso

Modos de ver

Alter ego

Factor teórico

Hacia una estética de la imagen

Fotografía conceptual

Fotografía simbólica

Ensayo fotográfico

Sistema de zonas

Fotografía publicitaria

Fotografía arquitectónica

Figuras retóricas

Estilos y géneros fotográficos

Tomas fotográficas

Conclusión

Curriculum

Prólogo En este trabajo están materializados mis conocimientos aprendidos en la materia de fotografía artística y publicitaria; aquí no solamente nos preparamos para saber de arte, sino también para saber de la vida. Para empezar vamos a definir lo que es arte, algunos consideran que el arte es la imitación de la naturaleza, otros que es un gozo eterno, hay quien dice que el arte es la mentira que nos permite comprender la verdad.

El arte es un estado del alma, necesita soledad, o miseria, o pasión. Es una flor de roca, que requiere el viento áspero y el terreno duro. El arte no es el objetivo, sino el camino, que además de ser un acto sensible también es un acto de liberación, nos sensibiliza y nos hace sentir vida. Pero ¿Todo lo que se produce fotográficamente es arte? ¿Qué requiere un fotógrafo de arte?

El arte se trata de transgredir, transitar y encontrar la entidad de esta identidad humana. Hegel, sostenía que el arte es una actividad espiritual, debe plasmarse en un material, porque es la manifestación del espíritu. Por otro lado Heidegger decía que era la entidad del ser y se debía esclarecer el sentido del ser ¿Quién soy yo para proponer? Lo esencial sería poner en operación la verdad del ente, cuestionarme a mí primero, lo social y lo universal ¿Quién es y quien lo hace artista? Reclama un esfuerzo en muchos sentidos. Interiorizar lo exterior, hacer una devolución al mundo.

Un producto para ser arte reclama la participación del ser humano. Sebastián Salgado dice que si una fotografía no tiene intervención del autor, entonces no es artista sino documentalista. Cuando nosotros miramos significa que estamos vivos, y tenemos que observar nuestro entorno; el contexto actual, porque pensar en el futuro es huir. La fotografía no es la verdad absoluta, El arte recrea con la finalidad estética, aspectos de la realidad o sentimientos en formas bellas valiéndose de la materia, la imagen o el sonido.

El ser humano tiene la necesidad del arte, ¿Es posible vivir sin arte? El arte nos puede salvar. No todo lo que comunica es arte, entender ese algo es un llamado al artista, al espacio, sociedad y realidad actual del arte. El círculo del arte tiene muchos rostros, relaciones de poder, políticas y ganancias.

largo

del

proyecto

vida)

usaremos

tríada:

Epísteme

(conocimientos verdad, creencia), téchne (técnica) y corazón (pasión). Las imágenes monosémicas son las que tienen un solo significado, siendo este claro, pero hay otro tipo de imágenes que intentan transmitir un mensaje oculto, más profundo (connotativo), estas son las imágenes polisémicas.

La mejor foto es la que voy a tomar mañana.

Breve historia de la fotografía SIGLO III La primer cámara oscura fue construida por Aristóteles, la utilizaba para visualizar eclipses solares. SIGLO X Alhazen aplica el principio de la cámara oscura para explicar la formación de la imagen visual en el ojo.

SIGLO XV Para realizar sus pinturas Da Vinci crea una cámara oscura compacta en una mesa. SIGLO XVI Giovani Battistadella porta antepuesto al orificio una lupa y con esto obtuvo mayor nitidez y luminosidad en la imagen.

1550 Girólamo Gardano inserta una lente biconvexa en el agujero, obtuvo una imagen más brillante y con mayor resolución.

1646 Kircher crea la cámara oscura transportable.

1727 Johann Schulze descubre que sales de plata se ennegrecían con la luz.

Thomas Wedwood obtiene impresiones de objetos y plantas sobre el papel y cuero.

1806 Cámara lucida de Wollaston.

1816 Nicéphore Niépce logra las primeras imágenes en negativo utilizando papel tratado con cloruro de plata.

1819 John Herschel descubrió las propiedades fijadoras del hiposulfuro de sosa.

1822 Louis Jacques, Mandé Daguerre con ayuda de Bouton crean la diorama.

Padres de la fotografía: Nicéphore Niépce. Louis Daguerre. Henry Fox Talbot.

1824 Niépce crea la heliografía utilizando placas de peltre recubiertas con betún de Judea y fijadas con aceite de lavanda.

1826 Primera heliografía llamada "puntos de vista". PP 1837 Daguerre lanza su procedimiento para fijar la imagen, lo nombra daguerrotipo.

1838 Se conoce "Boulevard du temple" primera fotografía panorámica.

1839 Año cero de la foto, una fotografía tardaba 15 minutos en tomarse.

Sir John Herschel acuña la palabra fotografía y también los términos negativo y positivo.

William Henry Fox Talbot presenta el 31 de enero ante el Royal Society de Londres su propuesta fotográfica sobre el papel el cual denomino dibujos fotogénicos.

Hippotyte Bayard presenta su procedimiento para obtener imágenes de esculturas y figuras humanas.

1840 Fox Talbot lanza el calotipo en el que se tomaban fotografías de alto contraste y en sepia, permitía obtener más copias de la toma original.

Se elige en el proceso universal fotográfico "Daguerrotipo", antes se conocía como "espejo con memoria".

1844 William Fox escribe y publica el lápiz de la naturaleza, un libro en el cual se visualizan 24 impresiones realizadas por su calotipo.

1850 Abel Niépce descubre el procedimiento de albúmina sobre vidrio, huevo, yoduro de potasio y nitrato de plata.

1852 Scott Archer utiliza colodión con los negativos los cuales debían ser expuestos y revelados estando húmedos.

1871 Se emplea el gelatino de bromuro esto mejora el colodión húmedo, se utilizaba una placa de vidrio que no necesitaba estar húmeda para el momento de la exposición o revelado. 1880 Primera fotografía en la prensa mundial en el periódico de New York "Daily Ghaphic". 1900 J. Ostermeier inventa la primera bombilla de flash efectiva.

1907 Eastman Kodak saca una serie de cámaras domesticas de gran acceso, no se necesitaba conocimiento sobre fotografía, su lema era: "Tú toma la foto, nosotros hacemos el resto". Kodak crea el rollo fotográfico.

1935 Los hermanos Lumiere crean el autochrome consiste en una mezcla aditiva utilizando filtros de colores básicos (rojo, verde y azul). Obteniendo la fotografía a color.

Leopold Mannes y Leopold Godwsky crean el kodachrome, técnica de la fotografía a color donde utilizan tres capaz de emulsión, cada una sensible al color. 1961 Se crea la primer cámara impermeable permitiendo tomar fotos en el agua.

1972 Edwar Land lanza la cámara fotográfica a color con lente plegable.

1975 Steven Seasson y Kodak lanzan la primer cámara digital.

1996 Cannon lanza la primer cámara digital para los consumidores en general.

2002 Las ventas de cámaras digitales superan lo analógico.

2003 Cámara digital de Canon Rebel 300D.

2014 Se venden las patentes de Kodak.

Actualidad La fotografía es un invento relativamente reciente, por tanto aún queda mucho por explorar.

Exposición correcta en una fotografía Antes de hacer una foto debemos llegar a preguntarnos ¿Quiero profundidad de campo? Si la respuesta es SÍ entonces debemos cerrar el diafragma esto hará que tengamos todo enfocado. Si la respuesta es NO debemos cerrar el diafragma, esto creará el conocido efecto Bokeh, es cuando se logra desenfocar el fondo y enfocar el primer plano.

Al abrir el diafragma entra más luz por ello debemos compensar con la velocidad y el ISO o ASA., según sea el caso. Al cerrar el diafragma entra menos luz, nuevamente debemos compensar con los demás valores. El diafragma nos ayuda a definir si deseamos o no profundidad de campo.

La velocidad rápida congelan el objeto en cuestión, sin embargo oscurecen la foto pero aún contamos con el ASA, esta nos puede ayudar a controlar el exposímetro. Si usamos velocidad baja se logra barrido y también entra más luz.

El ASA en la cámara análoga se puede alterar hasta dos pasos. Se usa ASA de grado fino cuando las condiciones de luz son favorables., en el caso de las cámaras digitales se usa el ISO en valores bajos como 100, 200 o 400. Los granos gruesos o ISO elevado se utilizan cuando hay poca luz.

Cuando la luz entra y tenemos un ASA de grado fino se conserva la nitidez de la imagen. El material fotosensible está confirmado por granos, estos son finos, medianos y gruesos. Se le llama rompimiento de grano o ruido cuando en nuestra foto se ven puntos. Con bulbo: podemos hacer desaparecer personas, pintados de luz o el efecto de seda en el agua.

Una vez que ya sabemos manejar el diafragma, la velocidad y el ASA no debemos de pensar que ya sabemos hacer fotos pues necesitamos ayuda, para eso contamos con el exposimetro, este realiza una lectura de luz general, cuando la línea esté en medio podemos disparar, aunque también depende de tu estilo, porque hay quien prefiere sus fotografías subexpuestas.

Sabiendo esto podemos manejar el triángulo de la exposición de manera correcta, recuerda

pensar

primero

qué

que

quieres

para

que

así

puedas

elegir

adecuadamente, a veces es mejor sacrificar un poco de la calidad por conseguir lo que buscamos, ya sea un congelado o mucha profundidad de campo.

El histograma es una gráfica que representa la distribución de los distintos tonos de una fotografía, este nos ayuda a lograr la exposición correcta desde la captura, solamente lo encontraremos en la cámara digital, su lectura es simple, los negros y las sombras se encuentran del lado izquierdo de la gráfica; mientras que los blancos y luces están a la derecha, todos los tonos medios se concentran en el centro.

El balance de blanco es la operación de identificar el punto blanco de la escena que se va a tomar para que los colores sean naturales y correspondan con la adaptación cromática de neutralización de tonos. El equilibrio de blancos consiste en elegir el tono "blanco" en una escena para que adapte todos los otros tonos en consecuencia.

Iluminación La luz es lo más importante en la fotografía, incluso la palabra lo dice, photo significa brillar, una referencia a la luz, y graphia es grabado, se interpreta como un grabado de luz, por eso es importante saber lo que significa. Existe la luz artificial y puede ser continua (lampara) o discontinua (flash). Regla: para rescatar sobras se expone a las altas sombras, se procesa a las altas luces. Se hace una lectura de luz a las sombras. La luz rebota en todo en un 18%, además la luz tiene duración e intensidad. La luz artificial cuenta con dirección. Existe la luz natural y la luz artificial. Hay luz incidente, es la que va directo al objeto, está la lee el exposimetro manual, y la luz reflejante es la que sale del objeto, también existe la luz pasiva, está es por rebote, como la de la luna o la de una vela. La luz activa es la del sol, una recomendación es no hacer fotografía a las 12 del día pues provoca sombras demasiado duras. Existen distintos tipos de iluminación:

Contrapicada: Los gestos se endurecen, genera sombras en alto contraste, se amplían las facciones y engrandece.

Picada: Es 45° desde la parte superior, somete al personaje, lo empequeñece y deprime.

De halo o recorte: Genera halo de luz en la periferia, no permite profundidad ni textura.

Mariposa: En este se busca la cabeza de la mariposa en el labio, no lo debe rebasar.

Cenital: Acorta los planos, llega a desaparecer el rostro si no se fotografía bien.

Rembrandt: Se busca generar un triángulo de luz en la mejilla del modelo.

Contraluz a detalle: Rescata los detalles del objeto en cuestión.

Contraluz absoluto: Rescata los detalles de las sombras

¾: Da profundidad, rescata texturas, un lado va más iluminado que el otro, es importante que si la toma es de perfil la nariz no sobrepase el pómulo si no la persona se verá 14 con una nariz más grande.

Frontal: No es muy recomendado usar porque la luz es muy dura lo que genera sombras muy fuertes, además acorta los planos, no permite texturas ni profundidad.

Split: respecto al sujeto genera un contraste, los gestos son muy duros por lo que hace notar mucho las imperfecciones, no permite texturas pero si da mucha profundidad.

Planos y encuadres Los planos son heredados por el cine, estos están en inglés pues los estadounidenses fueron los pioneros en este tema. Los planos nos ayudan a contextualizar la imagen o a hacerla tan cercana que sea íntima para el observador. No son elegidos al azar, siempre tienen una intención, la gente se encarga de interpretarlos. Utiliza esto a tu favor, dependiendo de lo que quieras transmitir utiliza planos generales, medios o a detalle.

Generales

VLS: Very Long Shot, es un plano descriptivo, contextualiza.

LS: Long Shot, situación general del ambiente, lugar, escenario y personajes.

FS: Full Shot, el cuerpo ocupa la totalidad del plano, importa la acción del personaje.

MS: Medium Shot, va abajo o arriba de la cintura, acentúa la atención en el sujeto, se tiene mayor interacción con el personaje.

MCU: Medium Close Up, esta toma va de medio pecho hasta la cabeza.

Medios

MLS: Medium Long Shot, es importante nunca cortar articulaciones, da la sensación de mutilación.

A detalle

CU: Close Up, va de los hombros a la cabeza, es usada para los retratos, nos hace cercanos.

BCU: Big Close Up, va de la barbilla a la frente, destaca el rostro ya sus gestos, intensifica emociones.

ECU: Extreme Close Up, es un detalle ya sea de la cara o de algun objeto.

Ángulos de visión Es un error fotografiar todo de manera frontal porque eso cualquiera lo puede hacer, lo increíble de la fotografía es que puedes ser creativo y buscar un ángulo adecuado para su significado. Si algo no te gusta cambia el ángulo, en realidad no hay personas feas, solo las estamos viendo desde el ángulo equivocado. Una nota importante es que no debemos confundir el ángulo holandés con el horizonte caído. Experimenta con los distintos ángulos de visión, tírate al suelo, salta, sube a un edificio o a una silla, haz algo distinto. Piensa en si la foto que vas a hacer la puede hacer alguien más, si la respuesta es SÍ entonces no la hagas.

Rasante: también es conocido como de gusano, se toma en el suelo, la atención se fija en un solo objeto.

Picado: este ángulo minimiza, nos victimiza, muchas fotografías de niños en Siria o África son tomadas con este para denotar nostalgia y debilidad.

Contrapicada: este ángulo nos da poder, es utilizado con políticos o famosos.

Imposible: La cámara se coloca en un lugar imposible

Centinela: se toma desde el punto más alto.

Ángulo frontal: Relación uno a uno, es frontal. Es común y ordinaria.

Holandés: esta toma va a 45 grados, da dinamismo.

Nadir: se toma desde abajo.

Tipos de objetivos Los objetivos son estructuras complejas de mecanismos con cristales cóncavos y convexos que concentran y focalizan la luz en el sensor digital para crear una imagen. Se crearon con la finalidad de corregir las aberraciones ópticas o errores de las imágenes capturadas por la cámara.

Gran angular: ofrecen una perspectiva diferente, más llamativa, son ideales para los paisajes. La distancia focal es menor a 45-55 mm y el ángulo de visión es mayor a los 45-55 grados. Tiene profundidad de campo amplia, el objetivo de lente de pescado también entra aquí pero este ve a 180 grados.

Teleobjetivo: objetivo para distancias largas, su distancia focal es mayor a 45-55 mm, su ángulo de visión es menor a 4555 grados. Todo se hace más chico, ideal para tomas lejanas, se utiliza para fotografiar deporte o incluso la luna. Entre más largos son menor profundidad de campo tienen.

Normal: distancia focal de 45-55 mm y el ángulo de visión va desde los 45 a 55 grados.

ZOOM: cuenta con tres aros, el de diafragma, profundidad y enfoque, hay de 70 a 210 mm de 18 a 55 mm de 35 a 70 mm. Son ideales para el fotoperiodismo pues permite ajustar la distancia focal.

Objetivo catadióptrico: es un teleobjetivo corto, tiene espejos dentro que aumentan su distancia focal.

El ojo humano ve de 45 a 55 mm en ángulos de 45 a 55 grados. Estas son las características de un lente normal. El enfoque es muy importante, en caso de tener problemas de visión puedes usarlo en automático.

Composición fotográfica La composición le dará armonía a nuestra fotografía, es importante saber sobre la armonía visual, para que nuestras fotografías sean más estéticas, aunque vayas a fotografiar algo extraordinario, de nada sirve si cortas articulaciones, si pones todo en el centro, si no usas líneas de fuga, la regla de los tercios es conocimiento que todo fotógrafo debería tener.

Ley de tercios: es una forma de organizar los objetos dentro de la imagen. Surge a partir de la secuencia

Fibonacci

0,1,1,2,3,5,8,13,21,34.

Está

secuencia

divide

rectángulos.

Obtenemos la espiral de aro y al juntar las cuatro espirales dentro de una imagen, se forman las intersecciones en dónde deben ir los objetos de mayor importancia. El punto de oro y de la perfección es el .618.

El punto tres de la ley de tercios es el que tiene mayor peso en una

imagen, ya que leemos de izquierda a derecha y en ese punto recae la mirada.

Ley del horizonte: nunca el horizonte debe estar en medio debes elegir si lo pones en la primera o en la segunda línea del horizonte, esto ayuda a tener armonía en tu imagen. Ley de la mirada: cuando fotografiamos a un sujeto es importante que si está viendo hacia un lado dejemos un espacio de aire para crear mayor interés, o también si hay otro objeto de peso la mirada debe concentrarse en el objeto para llevar la atención a ese punto. El círculo cromático nos ayuda a componer nuestra imagen con colores armónicos, esto hace que al ver la imagen la encontremos más llamativa. La psicología del color nos ayuda a saber que color será el indicado dependiendo del tema a tratar. Todas las fotos tienen una intención por eso es necesario saber las reglas de composición para hacer una buena lectura. Las líneas nos marcan la entrada y la salida de la fotografía, también las curvas guían la lectora de la imagen. Si alguien se emociona con tu foto esa es tu profesión. Al fotógrafo nada le estorba, todo tiene que estar acomodado de manera armónica, esto se logra en ocasiones con las repeticiones o con usar tres objetos. La imagen también cuenta con sección mayor la parte oscura y sección menor la parte con luz. Puedes usar la creatividad pero debes tener una guía porque por muy creativo que seas tu imagen debe tener buena composición. No debemos caer en lo ordinario y hacer la misma fotografía que cualquiera puede hacer, la repetición es aburrida.

Hacia una lectura fotográfica Cuando empezamos a incursionar en la fotografía entendemos que no solo debemos practicar y ya, también debemos que observar fotografías. El primer paso para hacer la lectura es ver el formato en el que está, horizontal o vertical. Después vemos si cumple con la ley de tercios, si tiene profundidad de campo, si tiene movimiento, mucha luz o poca luz, el encuadre, el ángulo de visión y la iluminación, este análisis es ICONOGRÁFICO, es todo lo comprobable que está en nuestra imagen, al inicio es complicado pero mientras vas leyendo la imagen se hace algo simple. Esto es según Boris Kossoy, pero hay distintos tipos de lectura visual.

Algo debe ser perfectamente hermoso o perfectamente feo, debemos entender como el fotógrafo entendió su realidad. Porque al final del día en cada disparo hay una esencia de nosotros, si quieres tener una buena fotografía entonces sé una mejor persona, pero eso también depende de tu contexto social, nuestro entorno nos hace entender la fotografía, le damos la lectura ICONOLÓGICA a partir de lo que hemos vivido nosotros.

Debemos ver diferente cuando hacemos fotos, contamos con la episteme, la techne y el corazón. La fotografía no solamente es un gusto académico, si no también nos ayuda a entender la vida, nos informamos, denunciamos, reímos, disfrutamos, lloramos, conocemos y vivimos. la fotografía no solo es una imagen, es filosofía pura cuando tiene una razón de ser, por eso es necesario tener estos conocimientos antes de hacer click. A partir de la imagen registramos la vida y los eventos importantes de ella.

Para leer bien una imagen tenemos que ubicar el signo, puede tener solamente uno o puede tener varios, encontramos la técnica, el índice, el símbolo, porque esto tiene un enunciado visual compuesto de colores y de la composición, incluso la luz comunica. El signo tiene un texto y un contexto, ubicando el signo reconocemos

icónico,

índice,

esto

nos

hace

cuestionar

las

posibles

variables, estás dependen de la persona que realice la lectura Mecanismos de lectura: Apreciación. Captación. Interpretación. Comprensión. Categorización. Valoración. Selección.

Hacia una filosofía de la fotografía El autor de hacia una filosofía de la fotografía, es Vilém Flusser quien fue escritor, filósofo y periodista checo-brasileño, nació en Praga el 12 de Mayo de 1920 y en 1940 llega a la ciudad de São Paulo, lugar en que se asentará por más de tres décadas, se desempeñó como profesor de Filosofía del Lenguaje, Cine y Teoría de la Comunicación. Vilém Flusser es un teórico de los medios que tuvo como principal ocupación la cultura de la imagen. Su reflexión teórica se centra en la imagen técnica y su respectiva función en la sociedad postindustrial, en los aparatos y en los medios culturales de la comunicación, desde la máquina fotográfica hasta el ordenador. En 1983 publica su libro de hacia una filosofía de la fotografía, se divide en nueve capítulos en los que va dando conceptos poco a poco para que al final el lector, entienda la importancia de una filosofía en el ámbito fotográfico. Para empezar habla de la imagen que es algo exterior que nos permite hacer las cosas imaginables. La imaginación es proyectar la abstracción del exterior, nos permite producir y descifrar imágenes. Cada imagen tiene un significado, cuando hacemos una inspección ocular, debemos registrar todos los símbolos y la relación que guardan, en las imágenes hay

símbolos

connotativos,

esto

quiere

decir

que

son

susceptibles

interpretación, es importante aclarar que existen dos tipos de manifestaciones a la

hora

interpretar,

manifestación

imagen

sí

misma,

manifestación de quien la observa. Las imágenes permiten que el mundo sea accesible al ser humano, sin embargo la humanidad no es consciente de que vive en función de las imágenes de las que ha sido creador, las imágenes tienen un significado mágico, ya que todo se repite y participa en el mismo contexto. Con la llegada de la escritura, nace la contextualización, que es la abstracción de ideas, el propósito explicar

de la

los

imagen

textos con

meta

códigos, mientras que la imagen le

ayuda

texto

ser

imaginable, de esta manera los textos

vuelven

más

imaginativos y las imágenes más conceptuales.

Por

tanto

escritura sirve como medio para que la sociedad comprenda la imagen, y a la vez la imagen es el medio para tener acceso al

mundo.

La ciencia es el universo del vacío, pues difícilmente se pueden tener imágenes de los avances tecnológicos, para superar esta crisis de la historia, en el siglo XIX se inventaron las imágenes técnicas, con el fin de hacer los textos nuevamente imaginables. Las imágenes técnicas, fueron creadas por aparatos, que fueron creados por textos científicos. La imagen tradicional es una abstracción en primer grado, pues viene del mundo concreto, al ser prehistóricas capturan fenómenos, las imágenes técnicas son una abstracción en tercer grado, primero se abstraen los textos, después las imágenes y al final el mundo concreto, estas capturan conceptos. Aunque se consideraba a las imágenes técnicas como una ventana al mundo la realidad es que no podemos confiar en ellas como si fuera nuestra propia vista, pues son imágenes simbólicas que deben ser interpretadas, su objetivo es transformar nuestros conceptos, y con esto generar un código universal válido como un todo, para que la civilización no se dividiera por las bellas artes, la ciencia y la tecnología y la política, ese código debía ser bello, verdadero y bueno, pero esto no sucedió y difícilmente va a suceder. Los aparatos son parte de la cultura y se dividen en dos, los que son de consumo y los de producción, a los de producción se les conoce como herramientas, y estas son prolongaciones del cuerpo humano, los lentes son prolongación de la vista, al ropa es una prolongación de la piel, ¿la cámara fotográfica es una prolongación de la memoria o de nuestra esencia? Al llegar la revolución industrial fue necesario tener técnicas para poder usar los aparatos, los hombres dejaron de estar rodeados de herramientas y comenzaron las herramientas a ser rodeados por hombres. Antes las herramientas eran las variables, ahora son los humanos las variables. La función de las herramientas es extraer objetos de la naturaleza y los informan, transforman el mundo.

La cámara ha sido programa para producir fotografías, sin embargo ya no se produce información nueva, todo es repetición constante del mundo, el fotógrafo busca la información, para eso ocupa nuevos movimientos intentando que el resultado sea distinto, pero está limitado por el programa de la cámara, entonces el fotógrafo se convierte en funcionario de la cámara.

La cámara es una herramienta inteligente, lo que le da al fotógrafo la oportunidad de jugar con ella, pero ¿Quién programa el aparato y quien agota el programa? La cámara tiene poder sobre el fotógrafo y el fotógrafo hace que la cámara haga aquello para lo que está programada.

El fotógrafo siempre está en cacería fotografiando la cultura, es decir objetos culturales. para esto debe ser capaz de tener técnica y conceptualizar para poder tener imágenes artísticas, científicas y políticas, una fotografía es una imagen de conceptos, se debe dejar de ser redundante y buscar imágenes aún no vistas para poder informar. Esto hace que el acto fotográfico sea un acto de duda fenomenológica.

La fotografía es la captura de imágenes impresas en una superficie, que de algún modo son situaciones del mundo exterior, por tanto toda crítica a la fotografía al final se convierte en una crítica a la cultura, cuando una imagen se descifra, también se descifra al fotógrafo, pues el conceptualizó el mundo en una imagen, y además busca hacerse inmortal para las personas mediante sus fotografías, las mejores fotografías son aquellas que tienen una intención humana.

Las

fotografías

son

hojillas

que

distribuyen

sociedad,

que

van

haciéndose

masificantes ya que se pueden reproducir de manera infinita, en ellas se desplaza la información sin embargo también el medio que se use para distribuirlas forma parte del mensaje, como diría Marshall McLuhan.

Se piensa que cualquiera puede hacer fotos, y que cualquiera las puede apreciar, pero eso no es así, las fotografías nos tratan y nos programan para una conducta ritualizada que a su vez le sirve al aparato para seguir mejorando su funcionamiento, nosotros debemos ser capaces de traspasar el universo fotográfico.

La contaminación visual está normalizada, y penetra nuestros ojos a diario, esto llega a nuestra conciencia e implanta conductas inimaginables, por ejemplo la programación subliminal mediante el color. El universo fotográfico está en cambio continuo, pero no deja de ser redundante si no se busca información nueva, debemos buscar un juego de combinaciones que permita el cambio.

La tarea de la filosofía de la fotografía es cuestionar a los fotógrafos respecto de su libertad, e investigar su búsqueda por esa libertad, la libertad es jugar en contra de los aparatos, quienes son la excepción son los fotógrafos experimentales, ellos son conscientes de que la imagen, el aparato, el programa y la información constituyen el problema básico, saben que juegan contra los aparatos y que por eso deben usarlos a su favor.

Una filosofía de la fotografía es necesaria si queremos elevar la fotografía a un estado plenamente consciente, entonces la fotografía sería un modelo de la libertad en el contexto posindustrial, su tarea por tanto consiste en analizar la posibilidad de la libertad en un mundo dominado por los aparatos, y en dar significado a la vida, necesitamos una filosofía de la fotografía porque representa una revolución que es accesible para nosotros.

Análisis de la imagen Descripción pre-iconográfica En está primera fase las obras se analizarán entendiéndose como expresiones estilísticas (más que significativas y simbólicas) contextualizarla en un periodo determinado. Panofsky propone ubicar la obra con base a su marco social, cultural y político. Análisis del medio físico Análisis del medio geográfico político Análisis del medio social

Análisis iconográfico En esta fase se procede a la identificación de imágenes, historia y alegorías, es decir a las distintas unidades semánticas que componen la pieza. El análisis iconográfico implica un método meramente descriptivo, no interpretativo y se ocupa de la identificación, descripción y clasificación de las imágenes. ¿Qué elementos van a participar en la fotografía?

Lectura de imagen Aspecto variable de la realidad. Imágenes natural, fotografía a color, fotografía en blanco y negro, pintura realista, representación figurativa o no realista, simbólica, convencional. El nivel de realidad puede ser dado por: Imagen natural, fotografía en color. fotografía en blanco y negro,

pintura

realista,

representación

figurativa

realista,

pictogramas,

esquemas

motivados, esquemas arbitrarios, representación no figurativa.

Generación de la imagen Original, copia, materialidad de la imagen- creada o imagen registrada. Profundidad, horizontalidad, verticalidad. Tamaño, escala, proporción. Función de significación, descriptivo, narrativo, antecedentes iconográficos.

Análisis iconológico. Verdadero objetivo del análisis de la obra de arte. Se debe prestar atención a los procedimientos técnicos, a los rasgos de estilo y a las estructuras de composición tanto como a los temas iconográficos. Esta tercera fase permitirá la puesta en relación imagen (unidades de registro) y entorno (unidades de contexto). Identificación de referente socio-cultural. Dotación de significados a los signos - Intencionalidad de la imagen (recodificación)Interpretación.

Hacer que el arte sea una idea del arte, un arte que se muerda la cola.

Arte y fotografía Todo arte es imitación de naturaleza puede ser naturaleza humana o existencial, es una expresión de sensibilidad, imaginación, virtud intelectual y doctrina. El arte termina cuando pierde su carga estética, no todo es creíble o cuestionable, un ejemplo de ello son las selfies, son bellas para quién las realiza, sin embargo es pura banalidad y ordinario, cualquiera puede sacar su celular y fingir hacer arte, pero el arte necesita pensarse.

El arte en sus principios es lo que el artista interpreta de su realidad, pero también el arte es la mentira que nos permite comprender la verdad. ¿y si los artistas no hubieran sido obreros de los reyes que no habrían pintado?

En la obra de arte existe un gozo eterno,

¿Pero de

quién es el gozó? eso depende.

Aunque las cámaras fotográficas reproducen la realidad con verosimilitud, eso no significa que sean imágenes artísticas, pues para ellos debe existir la interpretación y la intervención, fotografiar no es solo pintar con luz, el acto artístico necesita intervención humana. Charles Baudelaire: decía que la fotografía es la servidumbre del arte

El arte es un estado del alma, el arte es la libertad del genio, el arte busca la libertad, el arte es el mejor termómetro para saber lo que está sucediendo con la humanidad. El arte necesita soledad, o miseria o pasión. Es una flor de roca que requiere viento áspero y terreno duro.

Todas las disciplinas siempre van a generar mucho dolor y habrá que hacer sacrificios, el arte requiere una confrontación del pensamiento con nosotros mismos y con la sociedad. El arte no es una cosa, sino un camino; por tanto el arte nunca será una meta. El arte no solamente es un acto sensible, sino también un acto libertario. Sirve para decirle a la sociedad que hay otras formas de poder dar a conocer lo que sucede y seguir luchando por ello.

Si quisiéramos tener una definición del arte universal y atemporal sería imposible, pues cada época reclama su propia definición, el arte es una confrontación de la humanidad consigo misma, y cada contexto reclama conceptos diferentes.

fotografía

está

considerada

como

arte

más,

una

herramienta

imprescindible para que muchos artistas expresen sus emociones. Pero al igual que en la mayoría del arte contemporáneo en la fotografía la idea que se vende es mucho más importante que la propia obra; la idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales. En el arte de espejo lo que se vendía era la aproximación a la realidad, hoy se defiende y se venden los aspectos de las ideas, más allá de las ideas formales.

fotografía

artística

más

allá

belleza,

nos

invita

cuestionarnos

plantearnos una serie de preguntas, sino lo consigue será una hermosa imagen más, que será relegada a ser observada y olvidada, como algunas de las imágenes que imperan este mundo cuya democratización de la fotografía ha creado una sociedad acostumbrada a ver, pero no a fijarse en las imágenes que están a nuestro alrededor.

El arte y la fotografía nos implica expresión, función, razón, sin razón, pasión, conocimiento, rebeldía, locura, sensibilidad. En la fotografía como en todo arte el concepto y la coherencia del discurso toma una importancia relevante a la hora de realizar la fotografía, de crearla. Podríamos decir que esta visión de la fotografía como arte viene heredada de la década de los 60ś cuando los artistas parecían más preocupados por el concepto y la idea que en la propia materialización de la obra.

¿Qué es y que no es el arte? ¿Es más importante la idea o la ejecución del artista? Esta y otras preguntas forman parte del arte conceptual.

Duchamp iniciaba un gran debate ¿Quién tiene derecho de decir que es arte y que no? ¿Los curadores y autoridades del museo, los burocráticos del arte? ¿Y por qué no los artistas? ¿Acaso el museo no es una nueva forma de dogmatismo donde se llevaban las supuestas obras de arte a elevarlas convirtiéndolas en sagradas? ¿No era esta una forma de fetichismo? ¿Por qué debía el artista atenerse a la opinión de los informados? ¿Era indispensable que una obra de arte apareciera en una obra de museo para ser convalidada? ¿No era esta una actitud totalitarista totalmente contraria al espíritu artista? A esto se le llamaba el Circuito del arte

Las galerías y museos son los cementerios del arte, ahora los artistas deciden sacar el arte de los cementerios y exponerlos en las calles, porque el arte es para la gente. Lemagny decía que el arte conceptual es reducir el arte a la interrogación que deja caer sobre sí mismo. No hacer arte con ideas, sino hacer que el arte sea una idea del arte. De hecho no una idea, sino un pensar sobre un arte que se muerde la cola. Porque no existe un principio ni fin, porque el arte mientras exista la humanidad, seguirá vigente.

Según Georges Bataille, la primera manifestación del ser humano, la autoafirmación de su existencia fue el dibujo de su mano, su silueta; (como más tarde Man Ray mostraría en sus rayogramas) en las cuevas prehistóricas. Es aventurado pero esa es la primera manifestación artística, pues el arte es ante todo la afirmación del yo. Sin artista, sin artesano, no hay arte, Da Vinci dijo “el arte es cosa mental”.

La fotografía se diferencia de las demás manifestaciones artísticas porque implica haber estado ahí (se puede estar en el acto fotográfico, sin estar en la realidad concreta, pues podemos generar verdades a través de las mentiras o viceversa). Manifiesta la existencia del referente, en las demás artes el modelo puede estar presente en el subconsciente, en la experiencia o en la mentira. De ahí que la fotografía es un modelo de veracidad y objetividad, relativamente.

La fotografía de estudio no implica el estar en el lugar necesariamente, pues se pueden

construir

verdades

mentiras

sin

necesidad

estar

lugar

determinado. Ronald Barthes en la cámara lúcida dice que la fotografía es el advenimiento del yo mismo como otro.

No hay una definición única para el arte y la fotografía; El arte no está aislado del ser humano. La fotografía ha vivido procesos largos y complicados, las primeras fotografías son de documento, captaron un momento en concreto de la historia. Hoy en día la fotografía no es documental, sino que también atiende fenómenos de significaciones diferentes, y asociada al arte.

La interpretación de las imágenes dependerá del contexto de los individuos. El arte es provocación. La autoafirmación del artista y del arte, se da cuando el otro lo afirma. El arte es un acto de dolor; Todo acto creativo conlleva un desgaste emocional y a la vez de auto negación. Todo aquel que se cree artista por muy rebelde que sea, primero debe de describirse a sí mismo y después al otro.

Revolución cultural La revolución es un cambio radical y la cultura son las manifestaciones y creaciones

los

humanos.

Por

tanto

revolución

cultural

son

aquellas

innovaciones que han marcado una modificación importante en el sistema de creencias, valores, tradiciones, lengua o arte de los pueblos de la humanidad. Dalí dijo con su pintura: Yo soy más que Dios. por eso lo pintó viendo a Dios desde arriba, el arte también es interpretación.

La fotografía la debemos de pensar, en el texto de Roland Barthes llamado La muerte del autor nos explica que el acto de escribir se reforma, un escrito es una reconstrucción, un reescrito, por ello

que

autor

desaparece

metafóricamente muere. Es decir, el autor desaparece en la medida en que el lector hace presencia.

Todo

producto

sello

artístico

producto

obtiene

artístico,

solo

cuando está ante los ojos del otro. El arte

provoca

razón,

estética

provoca la emoción. Por una parte está la idea de lo que producimos, pero por otro lado entra el artefacto o la herramienta que permite al artista crear arte.

Cada artista forma su propia filosofía dependiendo de su contexto, por eso cada fotografía lleva el pensamiento del

artista.

Hay

autonombran cuando

quienes

como

simplemente

fotógrafos,

son

capturistas

de las imágenes, debemos hacer que el aparato obedezca a nuestras ideas y no al revés. Para ello debemos hacer uso de la techne, episte y corazón. Las habilidades del artista se deben de ir reforzando

con

creatividad

con

práctica,

ampliar

nuestro

universo fotográfico. Para hacer una fotografía primero debemos hacer un proceso

mental,

para

saber

qué

cómo lo haremos, después viene la parte técnica y estética. La Fotografía es

una

conceptualización

realidad.

En el libro de La cámara lúcida de Ronald Barthes dice:

Punctum Cualidad fotografía punzarme»,

aguda

que es

Spectrum

una

«viene

pinchazo,

Lo fotografiado etiquetado con una

palabra

«espectáculo»

especial» (un detalle del signo

algo

visual),

fotografía:

anzuelo

que

pesca

nuestra mirada.

terrible

refiere

fotografía planificado,

que

añade

hay

retorno

ese toda

que

parte el

Spectator de

autor

Los que consumimos imágenes, los

receptores, donde la foto tiene

buscado,

“conscientemente percibido”

muerto

Studium Se

mantiene

través de su raíz una relación con

goce más intenso, es un «algo

que

efecto.

Democratizar la fotografía En la charla del

Club de fotografía El Salvador, el profesor Fierro habló sobre la

democratización de la fotografía;

lo analógico es volver a lo físico es conocer el

mundo, no conocerlo es no conocer la evolución por tanto es brincar los procesos.

El conocimiento de la sensación: la foto tiene olor a vida, vivo por la foto no de la foto, la foto me da posibilidad de compartirme, de ser social. La fotografía y el arte nos llevan hacia un nuevo paradigma. ¿Todo lo fotografiado es arte? Se le debe de cuestionar a la foto, la sociedad gira en torno a la imagen y no al revés ya que la imagen puede manipular lo social.

Mimesis Aristotélica: Es la producción de la verdad, imitación de la naturaleza como fin esencial del arte; la foto como mensaje y significado: busca identidad propia, es un arte emergente, en el mundo capitalista es cerrado, obedece a una estructura de mercado. Un artista sumergente es un participante social, un pilar pequeño, busca nuevas formas de entender la fotografía.

La posmodernidad nos ha distraído de considerar la fotografía como un vínculo con el humano. La cadena de significado y significante, es un acto de suposición respecto a un acto real. Las preguntas, sospechas, cuestionar el mundo y a nosotros mismos como signos. La foto se alimenta de cierta realidad, se ayuda de la semiótica, es una traducción del mundo, una reproducción automática de la realidad.

“La foto es la servidumbre del arte”.

-El poeta maldito.

Los Status ontológicos son la realidad espejo, realidad reflejo; todo tiene que ser interpretado. Semiótica: es mayor que la suma de sus partes. Fotografismo: se convierte en idea y concepto, transito de protección, busca quemar lo existente. Googlegrama es una especie de reciclaje. Tercia para solucionar dudas: Téchne, Episteme y Corazón. Pertenecen a un círculo social espacio-tiempo. Heidegger: estar aquí y descubrirse.

La era digital cambio la percepción de la imagen ya que la foto crea nuevas ambiciones para las artes, la verdadera fotografía está en juego, pero paralelamente a la del arte, podemos pensar con los ojos, con el corazón, pero también con la memoria. ¿Qué significa la pincelada del pintor? Fotografía de espejo: ventana y cristal, todo acto fotográfico es una ilusión. Alfredo Zitarrosa: Recorrido del alma. Asomarse a la ventana del otro y reconocerse en el por habitar el mismo tiempo y espacio. Solo vemos mascaras sumergentes.

Para leer la fotografía a profundidad se necesita dialéctica iconología/iconografía desde la simbología. Tenemos que leer dos caminos, el mundo externo y el mundo interno,

esto

nos

ayuda

descubrir

potencial

los

signos

significados.

Sumergentes: trabajo colectivo y justicia social con ayuda del arte. El arte y la vida no son para cualquiera. Humberto Eco: fealdad como ventana de la estética.

Las imágenes y los archivos son efímero; necesitamos momentos de Ito que abran y despierten al arte. Andres Roemer decía que no nos creamos todo aquello que pensamos. Hacer mimesis con el objeto fotográfico es plantearse un objetivo, es dar el punto

vista

desde

imagen.

Las

puertas

comprensión

evolucionan

involucionan, crean una propuesta artística sobre detenerse y regresar. ¿Es arte lo que se hace hoy? ¿Hay beneficio colectivo o es banal?

Contaminación visual: ¿Tantas imágenes nos sirven? Las imágenes deben pensarse mejor por el devenir de la sociedad, los cubanos solo tenían poco rollo fotográfico, no había lugar para errores pues era un desperdicio de tiempo y espacio en la actualidad la fotografía no se piensa pues existe la ráfaga fotográfica pues con solo dar un clic puedes capturar cientos de imágenes.

Solo después de la droga y la comida sigue la fotografía. El arte esta acaparado, no hay espacio para los artistas y la provocación. Ahora estamos abiertos de rostro pero en realidad siempre tuvimos mascaras. Fotografía conceptual: Yo también puedo disparar.

El arte se puede entender como categoría visual. Lo antiestético contribuye su parte final ya que el fin del arte es el camino hacia el futuro. La idea es más importante que lo que se ve. Pedro Luis Roata decía que el circuito del arte es la experiencia sensible y su construcción con la relación espacio-tiempo. No somos muy abiertos, el cubrebocas nos dio la libertad de ser quienes somos. Espejo: traducir lo que vemos, pintar con luz es la capacidad reproductora no es ver el mundo visible. En el arte existen muchas puertas, la foto es el reflejo de la misma realidad.

“Todo arte reclama interacción del actor”

La fotografía y la estética La experiencia estética se circunscribe al ámbito de lo extraordinario. Lo estético tiene que ver con lo que está al interior de lo extraordinario. El arte tiene que ver con lo extraordinario, mientras que el no-arte tiene que ver con lo ordinario. Lo habitual es lo ordinario, y como tal lo que escapa de la percepción, lo cual conduce a las personas a actuar

manera

mecánica.

arte

puede

convertir

habitual,

acto

extraordinario, lo extraordinario es algo fuera de lo habitual.

Hacer arte implica disciplina y ser constante, y aun así quién sabe si llegue el rompimiento del ser, en el que se expresa la esencia del artista y la explosión de la parte creativa que te pueda llevar a morir de emoción. Lo habitual devora todo, devora la ropa, e incluso la vida.

El proceso de la percepción es un fin estético en sí mismo y debe ser prolongado, esto nos puede dar el contexto de una cierta realidad, pero esa cierta realidad no alcanza para ver la realidad pues va a depender de la percepción que se tiene. El arte toma cosas del campo de lo ordinario poniéndolas en el campo de lo extraordinario. Un ejemplo de ello es: “Ese pájaro raro ya se fue a dormir” ordinario “El hastío es pavorreal que se aburre de la luz de la tarde” extraordinario

El poeta modifica la sintaxis de las palabras, el artista debe hacer lo mismo, cambiar lo habitual por algo extraordinario. Las selfies son habituales porque cualquiera lo hace; Entonces ¿Cómo hacer fotografía algo extraordinario?

La historia de lo bello ha sido patrimonio en su definición, por parte de filósofos y artistas. Testimonios teóricos y en determinadas épocas que funcionaron como modelos. El contexto determina lo bello de cada época, lo bello no resulta bello toda la vida, corresponde con su historia y momentos. Aunque hay cosas en la historia

que

tienen

tanta

esencia

que

tiempo

importa,

sigue

predominando.

El Guernica de Picasso es magnífico por el contexto que atravesaba España, pero siguiendo cánones de belleza tal vez no se sostiene del todo; sin embargo si la asociamos con el mundo de lo estético, lo bello y el arte; la podemos hacer converger con la razón y la emoción. Y vivir el acto de la emoción, entonces se puede decir que hay obras que han traspasado su belleza más allá de su contexto. Una de las ambiciones del ser humano es mantenerse presente, tener presencia frente al otro, lo mismo ocurre con la obra de arte.

Antiarte Término inventado por Duchamp en 1916 para designar formas revolucionarias del arte. La incorporación de Duchamp de una leyenda obscena y unos bigotes a la Mona Lisa de Leonardo Da Vinci fue un ejemplo de antiarte. La línea del tiempo del arte empezaría con el

arte

espejo,

clásico, en

después

que

estaría

hacía

uso

arte

las

representaciones, más tarde llegaron todos los

ismos

permeaban

los

que

las

conceptos;

ideologías en

nuestros

tiempos esta vivo el arte moderno, en este la idea es lo primordial, se le conoce como arte conceptual o simbólico.

John Baldessari crea The cremation project, proceso

que

consistía

después

acumular muchos cuadros, los quemaba, era una forma de liberarse del pasado y volver a refrescar la vida de su arte, para volverse a edificar.

El antiarte está asociado a aquello que escapa

del

concepto

belleza,

cánones que han sido planteados por los clásicos, y que al antiarte viene a romper. Incluso Umberto Eco habla sobre la estética de la fealdad.Lo bello y la belleza es una cualidad subjetiva

abstracta y

relativa;

absolutamente

Existen

cánones

belleza que encajan en ciertas obras, pero se debe analizar desde ciertos contextos.

Platón en su concepto de belleza y el arte, expresa la relevancia que le confiere a ambos para él; lo bello es el culmen (momento crítico) de un proceso de ascensión que van a experimentar las almas, partiendo de las bellezas sensibles hasta el encuentro con una realidad verdadera a través de la contemplación, lo cual permite contemplar el conocimiento de las esencias.

Cuando estamos frente a una obra y solamente decimos que es bonita, nos quedamos en lo bobo; porque ese momento es un acto de brillantez profunda, por parte de quien hace arte y del que la contempla. ¿Cómo hemos educado nuestro espíritu para contemplar el arte? A final de cuentas los humanos vivimos de la representación, incluso cuando nos vemos al espejo nos podemos preguntar si aquel que miramos somos nosotros.

Estética La estética es una disciplina que surge para poder abordar el mundo de lo bello y del arte, es decir el universo de lo estético.

Bello Estetico

Estética Arte

Existe un mundo específico de relaciones humanas con la realidad: Objetos, procesos, actos humanos. (Nuestro ser, esencia y actuar cotidiano, el pasado y el futuro) Y este mundo nos lleva a alimentarnos de la atmósfera de lo estético. Platón decía: Lo bello es difícil. Porque debía ser perfecto, absoluto e intemporal. Nada que sea bello lo es sin proporción. Aristóteles: “simetría y extensión”. Orden y límite.

De Platón y Aristóteles deriva la teoría general de la belleza. ¿Qué es lo bello? Podría definirse lo bello, pero eso de las definiciones empobrece el espíritu, por eso cuando te digo que eres bello, no lo contemples como una definición, pues simplemente es indefinible tu belleza, solamente es mi percepción.

En el siglo XVIII Adam Smith acentúa la dimensión subjetiva de lo bello, “la belleza no es una cualidad objetiva de las cosas, sino una percepción de la mente”. La estética es la ciencia de lo bello. Históricamente usamos frases e imagenes ya hechas, Flusser dice que la estética significa capaz de ser experimentado y ‘hábito’ implica anti-estética: lo que se ha convertido habitual

absoluto

experimentado.

Complementariamente,

mientras

menos

habitual, más puede ser experimentado (percibido).

Lo antitético de la belleza: Lo feo, lo cómico, lo grotesco, lo trágico, lo monstruoso, lo gracioso, todo lo que sin ser bello, no deja de ser estético. Y va a depender del contexto, nuevamente. Para el siglo XVIII y hasta nuestros días la estética es la ciencia de un modo específico de la apropiación de la realidad, vinculado con otros modos de apropiación humana, del mundo y con las condiciones históricas, sociales y culturales. En el mundo las representaciones simbólicas están bajo las condiciones históricas, sociales y culturales.

Fotografía y estética Debe existir una relación sensible y existencial con el objeto. El factor teorético será la reflexión crítica y conceptual. La idea estética en foto debe estar basada en el enfoque teorético de la técnica El sentido inductivo hacia el otro debe ser fundamental

La irrupción del conceptualismo propiciará la reflexión teórica acerca del arte y con ello, los ensayos teóricos de fotógrafos o allegados al medio adquieren de nuevo toda su relevancia.

La filosofía que nosotros vamos generando sobre nuestro arte no sale de la nada, tiene que ver con preceptos teóricos y filosóficos. Los productos ordinarios son percibidos sin ningún tipo de esfuerzo “anestesian”. Lo ordinario pierde sentido, la creatividad nos permite respirar pero para eso tenemos que vivir la vida y el arte

La dimensión estética de la fotografía está irremediablemente relacionada con el realismo, desde que una fotografía no es solo el objeto fotografiado, sino en el sentido Peirceano índice. Independientemente de la captura fotográfica de la realidad, partimos del hecho de que no solo es solo un objeto; Desde la mirada semiótica de Peirce en esos elementos fotografiados hay una idea, un índice.

El índice, es la consecuencia de algo o indicio de algo por lo tanto podemos decir que el índice es la consecuencia del signo, el cual está determinado por su referente o es una consecuencia de este; tiene una relación existencial con el objeto; existe uno porque existe el otro. Por ejemplo: el humo es índice de fuego (sin humo no hay fuego y sin fuego no hay humo).

El índice de Peirce es el que nos señala dentro de la fotografía lo que tenemos que ver, el tiempo en la foto no es el del tiempo. El tiempo es el cambio de las cosas, es el tránsito de la luz. La imagen fotográfica se puede perpetuar más allá de su propio tiempo. La importancia de la fotografía está no sólo en lo que se muestra, sino también en lo que no se muestra, en lo que queda fuera. Y participa porque implica el contexto del circuito de la fotografía.

En el arte conceptual la idea y el concepto es la parte más importante del trabajo. Cuando un artista utiliza una forma conceptual del arte, significa que todo el planteamiento y las decisiones, está hecho de antemano y la ejecución es un asunto superficial. La idea se convierte en una máquina que hace arte. Incluso conceptualizar el concepto, venir de algo para llegar a otro algo. En la fotografía conceptual se debe traducir dos realidades, la realidad social y la del fotógrafo.

La fotografía conceptual apunta a que la obra no tenga un objeto principal que la describa, sino que tenga una idea detrás; una interpretación que puede ser encontrada en la composición de la misma. El concepto y la estética nos dan una realidad bifurcada que se presta a ser resignificada. Para esto debemos replantearnos nuestra realidad, para así saber qué concepto queremos exponer y no ser simples capturistas sino creadores de realidades.

No hacer arte con idea, sino hacer que el arte sea una idea del arte. Que el arte surja del arte. Para esto debemos hacer introspección, para saber que concepto queremos retratar de nosotros mismos.

Arte, estética y belleza La percepción es la raíz de la estética, esto quiere decir que no podemos abordar la estética sin tomar en cuenta la percepción, la esfera en la que vamos a sumirnos para realizar la interpretación En la cámara Lúcida de Barthes, nos dice que existe un acto interno hacia el yo, que desnuda mi esencia y percepción de mí mismo, para poder evaluar y valorar algo, el conocimiento no solamente es cuanto sé de lo que ocurre afuera, sino también de cuanto sé de mí.

Aisthesis nos implica lo sensible, el acto sensible es un acto de aristesis. El arte es estético porque está creado a partir de la sensibilidad creadora de los humanos, pero no todo acto humano

estético,

pues

primero

deberá

pasar

por

una

introspección

por

conceptualización de nuestra realidad. El concepto que los griegos tenían sobre la estética era “amor a la belleza”.

La estética es la ciencia de lo bello en sí mismo y en su relación con el espíritu humano, la aisthesis (sensación) responde de manera emotiva ante una obra; mientras que la sensación son las modificaciones que sufre el espíritu del ser humano, por las impresiones que los objetos materiales le causan al cuerpo mediante los sentidos.

Percepción Sentido (aisthesis)

Conocimiento

Idea

Habitar el mundo de lo ordinario, de la bobería, lo insensible y superficialidad, nos puede llevar a tener una vida llena de frustraciones y sin sentidos. La sensibilidad es una aptitud de experimentar emociones Existen las fotografías de escalas altas (tienden hacia los blancos) y escalas bajas (tienden hacia los negros).

Para Aristóteles no existe la belleza, la bondad y la inteligencia. Existe una flor bella, un hombre bueno y una persona inteligente. La belleza es un trascendental que posee todo existente. Es decir, todo es bello, pero no entendemos por belleza todas las características que alguien o algo debe poseer para ser agradable.

La belleza en filosofía, va más allá de las apariencias físicas, medidas, colores, olores y sabores que son necesarios para atraer y captar nuestra atención. Por estética entendemos no el estudio de lo bello y el arte, sino de la experiencia sensible.

Aristóteles de la misma forma que Platón propone que la esencia de las artes es la imitación imaginaria del mundo real, pero mientras que Platón considera el arte como simple copia de la realidad, para Aristóteles el artista trata de descubrir el elemento universal y verdadero de todas las cosas.

Categorías de la belleza Armonía: Proporción, todas las partes son proporcionales a todo lo que quiere representar Carácter: En todas las partes y en todos los detalles se muestra unidad Expresión: La intensidad de los sentimientos en todas las partes, posee similar gradación. Orden Exposición: Se expone la idea principal y luego las ideas derivadas Desarrollo: El desenvolvimiento de la idea, obedece a la disposición metódica y convincente de las cosas. Progreso: La intensidad de la emoción procede de menor a mayor Unidad: Lo que constituye un todo completo en su especie Variedad: Diversidad de los componentes que no rompen la unidad en concepto

Lo bello y lo sublime Las condiciones constitutivas opuestas: Orden- caos Las condiciones constitutivas en común: Armonía Manifestación de lo sublime, su extensión es más grande: Poder

“Lo sublime se dirige lo mismo que lo bello al entendimiento y la imaginación, pero sobrepasa el poder y alcance de lo

imaginario.

ese

acuerdo

entre

aquellas dos facultades, de las cuales la primera percibe la infinita elevación del objeto sublime, mientras que la otra se siente turbada y espantada, porque de aquella

inconmensurable

grandeza

nace en nuestra alma un sentimiento que participa a la vez del goce y del terror. Nuestra

naturaleza

sensible

queda

sorprendida por un poder superior, y nuestra naturaleza moral experimenta el deleite y la grandeza de que es capaz” . Immanuel Kant

En la experiencia de lo bello hay cierta metodología, al hacer arte hay subjetividades, llegar a un lugar común, decir lo que ya muchos estan diciendo es ordinario, pero puedes experimentar y aundar en tu percepción del universo, podemos tomar discursos anteriores pero inyectando nuestra creatividad, jugar con las características de la belleza. El juicio estético: Habla de lo sensible a partir de nuestra percepción o capacidad de sentir. El juicio artístico: Juzga el arte con ciertos conocimientos, Kondar Fiedler: “el juicio estético sobre si algo es feo, si gusta o no… no puede ser sometido a las reglas de validez universal.

El arte solamente puede ser sometido a juicio estético y artístico, siempre y cuando esté presentado frente a otro, y este otro pueda evaluarlo y validarlo desde la sensibilidad y el arte. Sin embargo los cánones de belleza están construidos por el contexto social, y son cambiantes. Platón divide el mundo en dos, el mundo de las ideas, donde está la verdad (episteme) que pertenece a otra orden, son eternas e inmutables. El mundo de los sentidos donde todo fluye y que nos provee percepciones imperfectas. De Platón nacen las dos concepciones más importantes de la belleza.

La belleza como armonía y proporción, la belleza como esplendor. Aristóteles decía que no se debía perder la capacidad de asombro, Platón y Aristóteles coinciden en que hay algo en la esencia de las cosas, Platón la nombraba ideas y Aristóteles forma, género o esencia.

Fotografía, arte y discurso

La cámara fotográfica al igual que el pincel y el lienzo, se ha convertido en una herramienta imprescindible

para

que

muchos

artistas

expresen sus emociones. Más allá de la propia obra, de sus aspectos formales, hoy prevalece la idea.

La fotografía artística más allá de su belleza nos hace cuestionarnos y replantearnos una serie de preguntas. Si no lo consigue solamente será una hermosa imagen más, que será relegada a ser únicamente observada y olvidada como algunas de las imágenes que imperan en este mundo cuya

democratización

fotografía

creado una sociedad acostumbrada a ver, pero no a fijarse en las imágenes que están a nuestro alrededor.

La fotografía desde el discurso, va más allá del objeto de adoración por sus gamas de grises y otros alardes técnicos o compositivos, en la fotografía como en todo arte el concepto y la coherencia del discurso toma una relevancia importante a la hora de realizar fotografía, de crearla. La visión de la fotografía como arte viene

heredada

década

los

60ś

cuando los artistas parecían más preocupados por el concepto y la idea que en la propia materialización de la obra. ¿Quién coqueteó con quien la fotografía con el arte o el arte con la fotografía? La fotografía absorbió el arte, pero la fotografía ahora mismo con la tecnología debería ser más propositiva, tener un metalenguaje.

Modos de ver Libro de John Berger

“La vista llega antes que las palabras”. Lo primero que se adquiere es la vista, el poder de mirar y observar, y es por eso que la percepción visual tiene tanta importancia en nuestras vidas, existe un fenómeno en que las palabras y la visión no siempre se corresponden. La visión, es ciertamente objetiva, y es la educación, sociedad y humanidad la que le ha puesto nombre a esos objetos. Un objeto no es del todo objetivo, ya que está condicionado por la sociedad a la que pertenezcas, o a la experiencia personal, pero es la capacidad de hablar, y el afán de comunicación de los humanos, la necesidad de relacionarnos, la que ha llevado a que les pongamos nombre a dichos objetos. Por tanto, no siempre la visión estará relacionada con la palabra. Lo que sabemos o lo que creemos afecta al modo en que vemos las cosas.

“Solamente vemos aquello que miramos”

Nosotros decidimos a qué dirección queremos mirar, y qué es lo que

queremos

ver,

después

adquirimos

conciencia

que

también nosotros podemos ser vistos, descubrimos que el mundo en el que vivimos es un mundo visible, y basado en la visibilidad. Si aceptamos que vemos algo, aceptamos al mismo tiempo que ese algo (o desde ese sitio) se nos ve a nosotros. Ver y ser vistos, es la base del diálogo. El diálogo consta de intentar que el otro escuche (vea) lo que estás diciendo, y viceversa. Intentar explicar como tú mismo ves las cosas, y como la otra persona ve las cosas.

“Una imagen es una visión que ha sido creada o reproducida”

Una imagen puede al instante desaparecer o prevalecer durante siglos. La fotografía no es objetiva, ya que de cada instantánea, hay infinidad de variantes posibles y visiones que se podrían haber sacado. La fotografía surgió como pretexto para poder afirmar y verificar que algo había sido visto por alguien. La visión que tenemos cada individuo está condicionada por la sociedad a la que pertenecemos, la época, la educación que hemos recibido, la experiencias que hemos vivido, y creo que también influye un factor personal de cada uno, que nos hace únicos a la hora de percibir las imágenes exteriores y asumirlas.

Alter ego El ego es el “yo” y el alter ego es el “otro yo”, cada persona puede tener muchos otros yo, porque en cada capítulo de nuestra vida, podemos querer expresar algo que nos atañe. Este alter ego nace de nosotros mismos, proviene de nuestras existencia

esencia;

sin

embargo

existe

manera

independiente a nosotros, puede tener una historia de vida completamente distinta a la nuestra.

alter

ego

surge

del

super

tiene

características

independientes a nuestro yo, que se convierte en otro. Para generar

esto

tenemos

que

hacer

una

deconstrucción

nosotros mismos, para así dar voz a las otras personas que habitan dentro de nuestra esencia, tener un alter ego nos puede ayudar a expresar nuestros deseos más profundo, se puede hacer manera consciente o inconsciente.

Factor teorético Metodológicamente

Aplicar a la obra el enfoque

estético

teórico

Relación sensible y existencial con el

Reflexión crítica y

objetivo

conceptual

La repetición es la muerte, la investigación y enseñanza

tienen

que

ser

entonces

movimiento y vida, nuestro tiempo ya no será más egocéntrico, ha de ser enriquecido por el tiempo de los demás. Habitado por un sentido nuestro tiempo es, el del tiempo ético. La fotografía no es para nosotros, sino para aquel que nos ve.

Movimiento

implicación

pensamiento, creación,

pero

acción, también

desplazamiento, metamorfosis, superación y progreso. Prenderse y desprenderse, utilizar el

tiempo

descubrir,

para abrir,

articulaciones

teorizar crear

nuestro

sensibilizar,

escuchar, tiempo

que

son la

muerte recorta, con el tiempo de los demás

La estética se basa primero en el enfoque de lo sensible, es el enfoque a través de nuestros sentidos, nadie es inocente o mal dicho virgen de pensamiento o de pasado, por tanto cuando alguien recibe una obra, se convierte en ser de sentido y de sentido, es decir de sensación y de significado.

El enfoque sensible, puede partir del enfoque acogedor el enfoque creador, el enfoque teorético es una práctica considerada como el arte-hecho o el sin-arte, para distinguirlo del enfoque estético que es un enfoque teórico de una práctica considerada primero como el arte-valor o el arte de lo estético. El enfoque teorético prescinde de la dimensión artística del objeto, puede ser llevado a cabo por la filosofía, ciencia, ciencias experimentales o lógico-matemáticas. es el arte de definir qué es arte.

Quien hace investigación en estética tiene que tener primero una relación sensible y existencial con su objeto, y luego realizar sobre ello una reflexión crítica y conceptual aplicando el enfoque teorético, el enfoque estético es a la vez existencial, crítico y conceptual, porque una obra de arte afecta la existencia de los humanos. Se debe establecer

una

teoría

partir

nuestro

concepto,

nuestras

fotografías al ser pensadas tienen la obligación de dejar de ser obvias y convertirse en complejas.

Hacía una estética de la imagen La estética es el enfoque sensible, esto lo percibimos a través de nuestros sentidos, puede partir del enfoque acogedor al enfoque creador. El enfoque teorético nos obliga a entrar en mimesis con el objeto a ser fotografiado, tenemos que hacerlo nuestro y también hacer un análisis de nuestro contexto social y como el objeto se vive ahí, en su espacio y tiempo; a esto se le conoce como el arte hecho o sin-arte.

Prescinde de la dimensión artística de su objeto. El uso del enfoque teorético moldea primero las representaciones, representar a partir de dos imaginarios, el personal y el colectivo. La sociedad va moldeando nuestro pensamiento al contexto que habitamos.

En el enfoque estético quien hace la investigación en estética tiene que tener una relación sensible y existencial con un objeto y luego realizar sobre ello una reflexión crítica y conceptual. Este enfoque es existencial, crítico y conceptual va más allá de los estereotipos.

La fotografía es una metáfora de la ceguera o de la realidad, también la fotografía puede ser una mentira, hay que saber que no existe fotografía inocente, toda fotografía es producida con una intención y esta puede ser voluntaria o involuntaria; esto porque el fotógrafo es un ser social en el que su entorno social lo llevan a capturar fragmentos de su tiempo y espacio.

La imagen es la representación mental de la memoria colectiva de un conjunto de atributos; en el cuerpo de la misma podemos encontrar signos que son representaciones visuales, auditivas y contextuales que dependen de aspectos culturales, sociales y religiosos. El signo se puede dividir en dos partes, el significante (la forma) y el significado, (concepto). Los símbolos son signos artificiales que dependen de alguna convención construida por la humanidad. Al realizar una lectura de una fotografía se tendrá que pasar por el valor de la semántica (¿Qué?), lo sintáctico (¿Cómo?) y lo pragmático (¿Para quién?).

Postulados metodológicos Identidad semántica: Concepto Identificación sintáctico: Forma Imagen pragmática: Función

El discurso visual parte de categorías formales y no formales de un cierto constructo de pensamiento de razonamiento y juicios. En el discurso visual existen múltiples universos específicos, como la psicología, sociología, antropología, entre otros.

Fotografía conceptual Se

define

conceptual

representación,

desarrollo

dependerá

acto

interpretación por parte del otro. Para ello usaremos la téchne, estas son las acciones que tenemos que hacer para materializar el concepto, es el arte de la técnica.

La episteme es el conocimiento previo, teniendo en cuenta que no solo se refiere al conocimiento del contexto sino también de la introspección que se debe hacer para conocernos mejor; por último va el corazón, aquí entra la pasión, tenemos que ser tan entregados a nuestro concepto que cuando el otro lo vea, sea un deleite, y no una imagen más que quedé en el olvido.

La techne puede ser útil para la episteme, pero de manera inversa la episteme es para la téchne. A partir del conocimiento se puede construir el pensamiento para la técnica, lo primero que se debe cuestionar al hacer fotografías es qué quiero hacer, para quién y cómo. El corazón es hablar de creatividad, la creatividad es la iluminación de nuestras emociones y sentidos. Es el rumor que nace de nuestro propio corazón y que el cerebro gesta para dar voz y forma a nuestro interior.

Como fotógrafos conceptuales, no debemos hacer especulaciones sobre nuestro trabajo, tenemos que ser claros con nuestro concepto y hacerlo entendible, universal visualmente.

Filosóficamente mirar hacia afuera, es un acto biológico y mirar hacia dentro, es un acto filosófico, político, de vida y muerte, fotográfico. Leer, sentir y vivir es la dosis exacta para poder mirar hacia dentro. El acto fotográfico construye ideas y significados, antes de crear se necesita pensar, ante un mensaje visual hay que preguntarnos el por qué, cómo, para quién, en dónde.

Sin signos no hay comunicación, estamos obligados a reconocer a los signos; tenemos que deconstruir para construir. Cada fotografía es una realidad, es un medio de comprobación.

El retrato es la opinión del fotógrafo sobre el personaje, por tanto el autorretrato es la opinión sobre nosotros mismos. Para producir tenemos que hacer, originar, fabricar crear, transformar, realizar, generar y hacer. Aquí está la téchne, episteme y el corazón.

Fotografía simbólica Lo

simbólico

tiene

que

ver

con

recepción

humana.

sociedad

idéntica

cierta

representación con un cierto valor o con una cierta identidad, por tanto lo simbólico es la interpretación

universal

por

sociedad.

fotografía

simbólica

depende

representaciones aceptadas socialmente. Hay símbolos locales, regionales y universales.

El símbolo es la representación convencional de un objeto, cuya significación, tácitamente aceptada en un momento histórico dado, trasciende la individualidad de objeto para representar un contenido ideológico o conceptual afín a la naturaleza del propio objeto.

Muchas de las representaciones llevan disfrazado el mensaje, la idea central se encuentra a lado a partir de los símbolos que este contenga, han de ser comprendidos individualmente para darle un sentido general; es importante hacer una discectomía para poder interpretar el contenido.

El mensaje fotográfico simbólico tiene que estar adecuado a un cierto público o sector de la sociedad y a los intereses comunicativos. Una imagen simbólica es aquella que representa por una convención una idea o concepto, toda imagen simbólica tiene un doble referente, a lo que se parece y a lo que significa.

Existen tres tipos de fotografía; cara, rostro y máscara. La cara es solo son lo aparente, lo superficial, lo externo, desaparecer es algo que el tiempo hace con todos, el humano quiere ser inolvidable, permanecer sin ya existir, mantenerse y estar presente. El rostro es el alma, la parte más profunda del ser y la que más protege de ser vista o expuesta, estás fotografías transmiten sentimientos intensos cuando son bien logradas,

por

nivel

introspección

que

tuvo

que

hacerse

previamente; es el estado de la conciencia. La máscara es la fotografía que más predominan, vemos máscaras en todos lados, ahora con cubrebocas es más fácil ocultarnos, y cuando hacemos esto existe la comodidad; Detrás de cada máscara podemos encontrar otra máscara.

La filosofía del arte se encuentra en la estética, la semiótica, filosofía, sociología y antropología. Según Regis Debray, la logosfera es la era que representa los ídolos y la cual da un significado; en la grafosfera, la imagen se revela en lo material y prevalece la pintura, y por último la videosfera en la que la tecnología le cede un mayor peso a la imagen.

Ensayo fotografíco El ensayo fotográfico es la asunción del fotógrafo como autor con una autonomía de creación bastante amplia. Esa sería su gran diferencia con el picturestory (el reportaje fotográfico) que serían imágenes seleccionadas casi siempre por el editor gráfico, jefe de fotógrafos o cualquier otro directivo de la publicación, a lo máximo el fotoperiodista podría, en ocasiones favorables, emitir opinión sobre la estructuración del relato visual.

Es una narración visual larga, una novela en la literatura expresada en fotografías. Un conjunto

imágenes

que

estructuradas

coherentemente

exponen

los

pensamientos,

reflexiones y hallazgos del fotógrafo sobre un asunto al que ha dedicado un tiempo en su investigación, donde ha arañado para encauzar un relato visual que enamore.

El fotógrafo no es el sujeto que revuelve la vida de unos seres y acontecimientos que serían su objeto de investigación. Al contrario, se esmera en la búsqueda del otro, en el encuentro en condiciones de similitud como posibilidades de autenticidad. Los métodos del fotógrafo serán observar el contexto, diversidad e interés de las fuentes, historias de vida, relatos orales sobre hechos

históricos;

convivir

con

indagación

visual

sobre

necesidad

del

otro,

participación en lo observado y su inmersión en la realidad que se va a representar en imágenes.

Sistema de zonas Cuando hablamos de fotografía, uno de los factores decisivos a la hora de mejorar nuestras fotografías es entender la luz, saber cómo funciona para usarla a nuestro favor, y ser capaces de reconocer cual es la luz que mejor transmite lo que queremos contar. Es un sistema que inventaron Ansel Adams y Fred Archer para medir las diferentes intensidades de luz que existen en algunas fotografías (NO en todas), y dividirlas en 11 zonas, que van desde la intensidad de luz 0, llamado el negro absoluto a la zona X, o blanco puro. La zona media se llama gris medio, o zona V. Este sistema es el que mide el fotómetro de nuestra cámara, y traduce en el exposímetro. Lo más importante para entender la luz en fotografía es saber cuando subexponer y cuando sobreexponer, para de esta manera estar transmitiendo con las fotografías que hacemos; y yendo un poco más allá, saber reconocer cual es el tipo de luz que mejor se adapta al tipo de imágenes que vamos a realizar. Para aplicar la teoría del sistema de zonas de Ansel Adams en la posproducción de una fotografía, si se busca tener mayor detalle en la imagen, se recomienda exponer el gris neutral en el programa de edición y determinar la dirección, teniendo en cuenta si se quiere sacrificar las altas luces o las altas sombras. En la fotografía digital, también vemos que se utiliza el sistema de zonas de Ansel Adams para medir la exposición de la piel. La zona del tono de la piel dependerá del estilo de la foto. Por ejemplo, para fotografía de retratos en blanco y negro, la zona V es para pieles oscuras, VI para pieles de tonalidad media y VII para pieles más blancas. Se le conoce como clave alta o High key a la parte más sobreexpuesta de la fotografía, la clave baja es la parte más subexpuesta.

Fotografía publicitaria La fotografía publicitaria nace en la época de entreguerras, en los mismos años en qué surge la fotografía propagandística.Está formada por

dos

tipos

mensajes:

denotativo

connotativo.

mensaje

denotativo es un mensaje verosímil, arma la existencia del producto que se anuncia.

Los mensajes connotativos facilitan la creatividad publicitaria cuando se trata de visualizar una cualidad o atributo del producto. Las cualidades atribuidas a un producto son fácilmente visualizadas por medio de las figuras retóricas. El acercamiento interdisciplinar desde el que nacen los mensajes publicitarios, implican aspectos: psicológicos, sociológicos, históricos, económicos, antropológicos y comunicacionales, ofreciendo al lector una visión global del fenómeno publicitario y su dimensión cultural.

Fotografía arquitectónica El fotógrafo profesional de arquitectura tiene el compromiso de crear

conjunto

apreciación apegadas

equilibrado

técnica, a

para

fusionados

realidad

con

en un

comunicar

conocimiento

interpretaciones

creativas

aporte

hacia

estético

comprensión de la obra.

Cada fotografía debe presentar aspectos estéticos sorpresivos y halagadores por medio de su iluminación, la presencia y forma de sombras,

primeros

planos

cuidadosamente

seleccionados

composición de sus elementos. Debe comunicar no solo el registro visual, sino sugerir la sensación percibida que es parte esencial de toda creación arquitectónica.

Figuras retoricas Las figuras retóricas, son formas no convencionales de emplear las palabras o en este caso los signos de nuestra fotografía, para así dotarlas de expresividad, vivacidad o belleza, con el objeto de sorprender, emocionar, sugerir o persuadir. Algunas de ellas son:

Símil: Consiste en establecer una relación de semejanza entre dos elementos que viene introducida por un elemento relacional explícito. Retórica: Se expresa la parte por el todo. Antítesis: Contraposición de una imagen a otra de significación contraria. Hipérbole: Exagera un rasgo o situación con fines artísticos para destacar el contenido de lo que se exagera. Metáfora: Es la relación sutil de analogía o semejanza que se establece entre dos ideas o imágenes. Personificación: Es un atributo a seres inanimados de rasgos propios de humanos. Metonimia: Designa una cosa con el nombre de otra, con la cual tiene una relación de presencia o cercanía. Alegoría: Procedimiento retórico complejo en el cual, por medio de un conjunto de asociaciones metafóricas, se construye un concepto o una idea más amplia. Ironía: Da a entender una cosa expresando lo opuesto de lo que en realidad, se quiere decir o se piensa.

Estilos y géneros fotográficos

Los estilos fotográficos expresan la manera de percibir la realidad del fotógrafo dentro de un contexto determinado. El estilo refleja una forma de pensar, una ideología y una forma de ver al mundo.

Fotografía artística Se

cataloga

nivel

estético,

evidencia

los

límites

representación y experiencia de la naturaleza dentro de la visión personal y una técnica concreta. Este estilo permite hablar sobre el arte, el artista tiene la tarea de interpretar su realidad, y debe saber que elementos usar para realizar una fotografía artística.

El sujeto es a quién se va a retratar, la composición va a depender del concepto, ya que hay fotógrafos que sobrecargan sus imágenes y hay otros que prefieren ser minimalistas.

En el proceso de edición sucede lo mismo, habrá quién quiere transformar digitales,

completamente habrá

quien

fotografía

solamente

con

ajuste

las

herramientas

contraste

para

mantener la apariencia original.

El fotógrafo debe decidir si usar luz natural o artificial, así como los tipos de iluminación, encuadres, planos y el formato (vertical u horizontal).

Academicismo Este movimiento surge como reacción a las críticas que le daban el valor artístico a la fotografía. Las fotografías son más laboriosas o complicadas de analizar y lo menos mecánicas posibles.

La obra, magnífica y pionera, de Oscar Gustav Rejlander se enmarca

dentro

academicista",

que

viene

persigue

llamarse

finalidad

"Fotografía

mostrar

realidad tal cual es, sino que hace con la misma una composición ideal sometida a determinados cánones estéticos.

La obra y las técnicas que nos legó Oscar Gustav Rejlander sentaron las bases de lo que se conoció posteriormente con el título de fotografía o movimiento pictorialista, como claramente podemos reconocer en su obra alegórica "La infanta fotografía dándole

pincel

adicional

pintura".

considera

antecedentes del movimiento pictorialista de finales del siglo XIX y principios del siglo XX.

Pictorialismo Es una corriente fotográfica de pretensiones artísticas que se desarrolla a nivel mundial entre finales de los años 1880 y el final de la Primera Guerra Mundial. Fue una estética fotografía que intentó separarse de la pintura y de la fotografía academicista.

El pictorialismo plasmó paisajes y figuras femeninas, sobre todo con una mirada romántica. Parece reflejar el mundo propio de las novelas con héroes épicos o paisajes nostálgicos, la fotografía pictórica

preocupa

sobre

todo

interpretación

presentación de la belleza, más que de la realidad.

Nuevo realismo Es un movimiento artístico surgido en 1960. Fue un movimiento adoptado por artistas europeos bajo la coordinación del crítico francés Pierre Restamy, quien lo define como un nuevo enfoque a lo real. Surge en el contexto de reacción contra el expresionismo abstracto estadounidense.

Se considera a Pierre Restany y Yves Klein los fundadores de este movimiento; el artista del Nuevo Realismo se centra en el mundo que le rodea, en lo urbano. Por ello toman imágenes procedentes de la industria y de los desechos producidos por la sociedad de consumo. La aportación visual de los medios de comunicación también fue una fuente importante para sus obras; el tema central es la sociedad y sus problemas. Los autores retrataban fielmente lo que veían, pretende mostrar los defectos de esa sociedad para crear la necesidad de corregirlos.

Surrealismo El

surrealismo

nace

después

del

dadaísmo,

este

movimiento

buscaba establecer un vínculo entre las fuerzas del subconsciente y la persona, para buscar la libertad en el arte de la razón; se le considera a Bretón el fundador.

Para el surrealismo, la lógica y la razón únicamente habían logrado guerra y dominación. De modo que la potenciación del inconsciente y

reconciliación

con

lógica

era

forma

liberar

humanidad.

No se preocupaban por la estética y composición de manera formal, los surrealistas creían que la creatividad debía dar rienda suelta

inconsciente

que

los

seres

humanos

nos

preocupábamos por tres temas fundamentales el sexo, la violencia y la muerte. La narrativa surrealista surge a través de las teorías de Freud. Las técnicas que se empleaban eran fotomontajes, doble exposición y solarización.

Documentalismo Se considera fotografía documental, como uno de los tantos géneros de

fotografía,

aquella

que

constituye

una

evidencia

respecto a la realidad; son una serie de imágenes que reflejan una realidad

con

propósitos

sociales,

culturales

científicos.

Suele

centrarse en asuntos de interés universal, los temas usualmente son sociales o culturales. Trata de exponer la realidad, pero se busca una parte estética, a la par que se exponen formas de vida.

No se limita solo a informar, su finalidad es concientizar algún hecho o realidad. Tampoco suele necesitar una explicación ni pies de foto. Las imágenes están llenas de significado y hablan por sí solas. Esto es la

evidencia

experimentando

con

que un

sucede,

toque

que

imaginación

fotógrafo sin

está

cambiar

realidad.

Dinamismo La estética del dinamismo se centra en capturar el movimiento. El objetivo es capturar ya sea una persona o un objeto en movimiento. Su composición es la fotodinámica analiza o sintetiza el movimiento según convenga. Lo dinámico tiene que ser movimiento, no se puede hacer si no hay movimiento; las técnicas que se usan son la cronofotografía y la ráfaga.

En esta imagen, nuestros ojos recorren los distintos elementos, sin detenerse en ninguno de ellos, creando así un recorrido visual que aporta cierto dinamismo a la imagen. Con esta técnica se pueden hacer barridos.

Abstractismo Se trata de una expresión basada en líneas, formas y colores, llevando

espectador

ver

objeto

desde

nuevas

perspectivas, en las fotografías abstractas nos dan un cierto dato de lo que pretende mostrar, los encuadres son muy cerrados para recuperar texturas, formas que confunden al espectador.

El pionero de este movimiento es Alvin Langdon Coburn, inventó un dispositivo óptico basado en el caleidoscopio; buscaba destacar la

iluminación

alternativa

una

escena,

combinándola

con

enfoques muy amplios o extremadamente cercanos; así como las texturas del ambiente y la interacción con el objeto.

La fotografía abstracta es conceptualizar lo que quede dentro del lente, su principal objetivo de la fotografía abstracta es retratar pequeños detalles que rompan con el sentido figurativo.

Estructuralismo No

eran

partidarios

reproducir

realidad,

sino

crear

Imágenes que no existían previamente. Es decir, jugaban con la escena para crear a partir de sus conceptos de realidad; su principal herramienta era la luz, con ella buscaban crear sombras duras que permitieran dar un efecto distinto a la realidad.

Las ideas del fotógrafo estructuralista se alejaban de lo comercial y esto lo elevaba a lo artístico. Únicamente se sirvió de la luz ( iluminar al modelo) y del gesto (actitud de los modelos favorecida por su cercanía con el fotógrafo).

El protagonismo se lo llevaba el retratado, fomentándolo con el fondo negro, que centraba la atención del espectador hacia los gestos del retratado. Lo importante era jugar con la luz y adentrarse en la psicología del personaje.

“Una fotografía no es un accidente, es un concepto”. — Ansel Adams

Arráncame, donde quiera florezco No es necesario salir en la fotografía para capturar mi esencia, tuve que dejar marchitar hojas para

hacer una cama de hojas

secas y justo debajo de ellas coloqué una planta que recién está creciendo.

Para conseguir hacer está fotografía primero pensé que era lo que quería comunicar; lo que expongo con esta imagen son las cenizas

del

dolor,

esas

hojas

secas

remiten

aquellos

momentos en qué mi alma estuvo hecha pedazos, tuvo que pasar abusos, violencia, abandono y tristeza; pero si el dolor no me ha matado, es porque he logrado reconstruir me a través de el. a esto le llamo resurgir de entre las cenizas como ave fénix.

flor

esta

viendo

dirección

derecho,

pues

esto

representa el futuro; las hojas marchitas ocupan gran medida de la imagen; porque el pasado siempre va con nosotros, no hay día en que el pasado no me acompañe, incluso hace un segundo ya es parte del pasado, el formato de la fotografía es horizontal, pues así es como percibimos el mundo.

A la planta le coloque una flor amarilla que obtuve de mi huerto, para hacer referencia a la felicidad por medio del dolor. Por último agregaré una cita de Haruki Murakami:

cuando

tormenta

arena

haya

pasado,

tú

comprenderás cómo has logrado cruzarla con vida. ¡No! Ni siquiera estarás seguro de que la tormenta haya cesado de verdad. Pero una cosa sí quedará clara. Y es que la persona que surja de la tormenta no será la misma persona que penetró en ella. Y ahí estriba el significado de la tormenta de arena".

Autor: Yessi Canarios Título: Arráncame, donde quiera florezco Técnica: Digital color Formato: 12'' x 8''

Cubrealmas Para

hacer

surrealista,

está

fotografía

parece

tome

movimiento

cuenta

artístico,

corriente

que

permite

demasiada libertad artística. Claro que importa la estética, pero el surrealismo se centra más en el concepto del arte.

Mi concepto es simple, y es dado desde la máscara, los tiempos de pandemia nos han llevado a cubrir nuestras caras, hubo a quién esto no les incómodo, pues incluso desde antes ocultaban sus rostros con otro tipo de máscaras, máscaras que no permitían que se infectaran del arte, de la vida.

Ahora parece más complicado tener un rostro humano, un sentido sensible,

que

solo

conseguir

cubrebocas.

Pero

estamos

cegados, el virus nos vino a encerrar, a cegar; pero había quién desde antes vivían en el mundo de lo ordinario, ese mundo aburrido, monótono y sin chiste. El arte nos puede salvar, nos puede vacunar de lo ordinario; nos abre los ojos a un mundo extraordinario.

En la composición coloqué los ojos en el punto tres, ya que esté es el que mayor peso tiene en la fotografía pues ahí se cuenta la atención cuando se hace la lectura de la imagen. La imagen es en blanco y negro por la melancolía que implica estar cegado; los ojos están en sepia porque son el índice de la imagen.

Autor: Yessi Canarios Título: Cubrealmas Técnica: Digital color Formato: 12'' x 8''

Deconstrucción Está

imagen

esta

basada

Nuevo

realismo,

pues

esta

corriente se centra en el mundo urbano; como lo hice mostrando las estructuras derribadas y olvidadas en el bosque de Aragón; se toma una imagen de lo industrial y de los desechos producidos por la sociedad del consumo, esto permite dar a entender que existe un problema y necesita ser corregido.

Decidí al hombre ponerlo en blanco y negro y las cosas en color y sepia;

porque

blanco

negro

genera

tristeza,

olvido,

melancolía; en la industria los seres humanos son meramente mano de obra; lo importante es construir; pero no bien, sino al rato como vamos a obtener dinero si ya nadie va a comprar materiales para construir.

La destrucción y el olvido se han hecho parte de la sociedad; es más fácil tirar y comprar algo nuevo que reparar y volver a usar, vivimos en la era del vacío, sin embargo queremos llegar los huecos con basura; desechos que atiborramos donde a nadie estorben.

Autor: Yessi Canarios Título: Deconstrucción Técnica: Digital color Formato: 12'' x 8''

Respaldando a la muerte Tome como punto de partida el academicismo; pues el análisis de la imagen en esta corriente es más laboriosa; el hombre es la representación de la muerte; por eso su maquillaje es una calavera; incluso podría decir que es un catrín por la elegancia de su atuendo.

Las flores son la representación del luto; en México cuando alguien muere se le lleva arreglos florales; aunque hay que tener en cuenta que las flores presentadas ahí no son de cempasúchil, que son asociadas con la llegada de los muertos a la tierra. Por tanto es alguien que aún no ha muerto, un muerto en vida consumido por lo ordinario.

El puma es la representación desde mi contexto de fuerza y poder,

hombre

esta

protegido

por

este

animal;

academicismo no se busca retratar realidades; sino crear una composición ideal con los cánones estéticos de la sociedad.

Nadie tiene nada seguro, más que la muerte; esa que está tan segura de ganar que nos da toda una vida de ventaja; el puma también representa la fuerza con la que nos debemos aferrar a la vida, se convierte en un recordatorio constante: La vida es de los aferrados, y que mejor manera de aferrarse a la vida con elegancia y sutileza; sin hacer ruido, pero resaltando.

Autor: Yessi Canarios Título: Respaldando a la muerte Técnica: Digital color Formato: 12'' x 8''

Grito de libertad Mi otro yo, que no soy yo, pero es parte de mí; es una mujer que expresa su sentir a través de la música, siempre me ha gustado cantar, sin embargo nunca lo hago cuando hay gente por pena; pero a mi alter ego no le importa eso; ella sabe que su voz vale y merece ser escuchada.

Los colibrí que salen de su boca, es la representación de un grito de libertad, aquella que tanto anheló y que he logrado encontrar en el arte. El colibrí es el único animal que si lo intentan detener le puede dar un infarto y morir de inmediato; a mí alter ego nadie la detiene, pues sabe que si se toma una pausa podría morir en el olvido.

En la composición de la imagen, mi alter ego, a quién nombre Victoria, se ubica en la segunda de tercios, la mano que sostiene su guitarra se encuentra en la primera de tercios. Y los pájaros vuelan hacía el pasado, es decir hacía la izquierda porque a veces hay que reconocer lo que se quedó atrás para poder dejarlo ir.

Autor: Yessi Canarios Título: Grito de libertad Técnica: Digital color Formato: 12'' x 8''

Caricias que atrapan En plena pandemia y con el alcance masivo de los medios de comunicación, la única manera que ahora tenemos de ver el mundo es a través de una pantalla; del otro lado se encuentras nuestros

seres

queridos.

Sin

embargo

cualquier

intento

que

hagamos por tenerlos cerca jamás se compararán con lo que podemos experimentar físicamente.

Los celulares no son un enemigo al que tenemos que derrotar porque nosotros somos los que elegimos darle nuestro tiempo y nuestra vida; esos aparatos pueden conectarnos y atraparnos porque nos conocen bien, saben que poner en sus pantallas para que no nos despeguemos. Las caricias que nos da de amor nos hace olvidar el mundo por un tiempo, pero a veces por olvidarlo se nos va la vida.

En la composición de la fotografía ubiqué a la modelo en la segunda línea de tercios, y con la mano hice un recorrido del punto cuatro al punto dos de la retícula áurea, esto para llevar la atención a su rostro, en el que la mano la esta acariciando, llevando el amor hacía ella, sin obligarla a nada.

Para

iluminación

usé

dos

lamparas;

una

que

venía

contrapicada para alumbrar su celular, otra que ilumina su cara de color azul, para darle un efecto de tecnología; hice dos fotografías, y después con un programa de edición las monte.

Autor: Yessi Canarios Título: Caricias que atrapan Técnica: Digital color Formato: 12'' x 8''

Dualidad La fotografía arquitectónica nos da perspectivas que quizá no alcanzamos a dimensionar con nuestros ojos, genera escenarios que parecen sacados de películas.

En esta fotografía use el cielo azul y al edificio le apliqué una capa de naranja porque son colores complementarios y generan una armonía bastante agradable a la vista.

El edificio tiene líneas verticales, que va desde su punta hasta la parte baja de la imagen; esto lo hice con la intención de que la lectura de la imagen sea más ágil.

La Diana apunta al edificio, y está desenfocada porque lo que quiero resaltar en esta fotografía es el juego de los colores y la inmensidad del edificio, tanto así que pareciera están en el mismo plano.

Autor: Yessi Canarios Título: Dualidad Técnica: Digital color Formato: 12'' x 8''

En busca de El negro es oscuridad, soledad, desolación, elegancia, falta de luz; a veces la vida se marchita cuál flor y no queda más que seguir adelante.

La vida como el arte no es para todos, pero si nos enforzamos podemos conocer un poco más y abrirnos a la experiencia de conocer y asombrarnos, si alguien ha perdido su capacidad de asombro, esa persona está muerta en vida. Tantas cosas por ver y perderse en la nostalgia del adiós y del olvido, con la mirada al pasado.

El formato es horizontal y la modelo está observando hacía atrás porque está recordando el dolor que habita en su flor marchita. Para realizar esta fotografía hice uso del sistema de zonas, para que así el fondo no se fundiera con la modelo.

Autor: Yessi Canarios Título: En busca de Técnica: Digital color Formato: 12'' x 8''

Meditación El blanco es tranquilidad, armonía, paz, no hay mayor paz que sentirse

sobrevolando

por

cielo;

acompañado

olores

provenientes de flores.

Pareciera que en un mundo tan caótico la paz es algo que nunca se alcanza, pero a veces basta con cerrar los ojos y respirar para poder encontrar la calma.

El ángulo es holandés porque genera dinamismo y movimiento, porque incluso cuando se encuentra la calma, el mundo sigue girando; aunque a nuestros ojos se detiene por unos instantes.

Autor: Yessi Canarios Título: Meditación Técnica: Digital color Formato: 12'' x 8''

Recordatorio de amor Una rosa guardada de tiempo atrás, no para ser olvidada, sino para

recordar

mirarla

amor

que

existe,

pero

expresado y que se materializa en una rosa; hay miles de formas de decir: Te quiero.

Pero hay quién se va a lo ordinario, a lo bobo, y obvio. Y aunque sea obvio, la realidad es que en mi familia el amor no se muestra, por

ello

que

guardo

con

tanto

apreció

esas

pequeñas

materializaciones del afecto, porque al no tenerlas al alcance de otra forma, al menos me queda está rosa marchita.

En la composición fotográfica puse la rosa en el punto tres porque tiene mayor peso ahí; su línea de fuga va del punto tres al punto uno. Y para tener una buena iluminación utilice una caja de luz y tres fuentes de luz, dos a los costados y una en picada.

Autor: Yessi Canarios Título: Recordatorio de amor Técnica: Digital color Formato: 12'' x 8''

Promesas Mis papás aún guardan sus copas de boda, quizá para recordar la promesa que un día hicieron frente a Dios: Nos amaremos hasta que la muerte nos separe.

Pero nadie les advirtió lo que venía, una relación en dónde habría jerarquías, por eso es vertical. Dónde el hombre quien lleva el pan a la casa, es él protagonista de la historia; y la mujer que es delicada como una flor, es su sombra, tanto así que ni siquiera la cámara fue capaz de captarla en foco.

El rojo es el color de la pasión, pero también de la sangre y la violencia, lo que acompaña a los matrimonios cuando ya no hay amor, pero si promesas que no están dispuestos a romper por miedo.

Autor: Yessi Canarios Título: Promesas Técnica: Digital color Formato: 12'' x 8''

Conclusión Estoy muy satisfecha con lo que he aprendido en esta materia de fotografía artística y publicitaria, con todo y que haya sido virtual, el paro, la pandemia y los inconvenientes técnicos, pues creo que el arte no es para todos, porque no todos se atreven a experimentarlo a vivirlo, sentirlo.

No puedo considerarme aún una artista, pero con los conocimientos que he adquirido, puede ver el mundo con otros ojos, no con los ojos de lo ordinario y cotidiano,

ahora

busco

algo

más

extraordinario,

que

rompa

cánones

paradigmas, que sea revolucionario y antiarte.

En múltiples ocasiones he tenido la oportunidad de asistir a museos de arte, en uno de ellos había expuesto tubos metálicos, no sé si mi conocimiento de la realidad estaban muy escasos en aquel momentos, pero para ser honesta, no entendí ni un poco de la obra, y lo único que sentí fue que el arte no era para mí porque no lo entendía, parecía algo muy complejo. Sin embargo ahora he descubierto que el arte de las galerías, es el cementerio.

El arte nos habita siempre y cuando queramos ser parte de el; ahora con las tecnologías he visto las exposiciones carísimas que hacen en las que proyectan en pantallas digitales cuadros de Van Gogh o de Frida Khalo, y para ser sincera no me genera curiosidad ir, porque bien podría yo proyectar los cuadros en mi pantalla; pero no podría apreciar las pinceladas de los artistas, ni podré ver a detalle, la computadora muchas veces miente, nuestra vista también, pero al menos me gusta saber que yo misma me estoy engañando y no que alguien lo manipuló para que yo crea algo que no.

El arte nos sensibiliza, nos puede hacer vulnerables frente al otro, pues solo con cuando nuestra obra es vista por alguien más esta adquiere valor y validez; si el arte esta hecho por aquello que nos rodea y tú quieres ser un gran artística, pues entonces debes cuidar tu entorno, nutrirte de saberes, de creatividad, libertad, sueños, cosas fuera de lo ordinario. De lo contrario tu arte estará orillado a fracasar, a convertirse en una repetición de discursos ya dichos, un arte que no propone nada, es aburrido y siempre queda en el olvido.

Los seres humanos parece que no queremos ser olvidados, que deseamos permanecer, pero pocos hacen cosas para seguir vigentes, para ser vistos; prefieren esconderse tras máscaras, bajo aquellas selfies que saturan las redes sociales, hay muy pocas que reflejan realmente el estado del alma, la mayoría es una falacia; la fotografía ayuda a ocultarnos, pues solo mostramos aquello que parece mejor aceptado por la sociedad.

Cerrar un ciclo de vida es algo que produce nostalgia, y más cuando has encontrado personas a las que vale la pena escuchar por la cantidad de conocimientos que transmiten y sobre todo si lo hacen con tanta pasión, como Fierro y Cristina. Tuve el gusto de haber coincidido con personas que me enseñaron a abrir mi panorama sobre la vida, somos imagen y tenemos que saber leernos, para poder tener una vida menos superficial y banal.

Y después de cerrar un ciclo lleno de conocimientos y de experiencias que han enriquecido mi alma ¿Qué sigue? Después de esto sigue la vida, pero vista con una mirada más amplía, dispuesta a seguir sorprendiéndose y captando nuevos saberes y placeres.

siento

orgullosa

entregar

último

trabajo

como

estudiante

comunicación y periodismo, porque lo hice con el corazón, puse toda mi pasión en este proyecto, no me importó desvelarme con tal de hacer algo que realmente valiera la pena. Y más allá de una calificación, quería que al terminarlo yo me sintiera

orgullosa;

porque

tengo

los

conocimientos

necesarios

(episteme)

además en estos años he estado mejorando mi téchne; pero lo más maravilloso de esto; es que mi pasión por la fotografía a penas esta empezando y sigo aprendiendo día a día, mi próximo proyecto será terminar mi fotorreportaje para obtener el titulo de Licenciada en Comunicación y periodismo.

Ha sido un gusto coincidir.

Yessica Nohemi Flores Canarios ESTUDIANTE EN COMUNICACIÓN Y PERIODISMO

EDUCACIÓN

ACTIVIDADES EXTRACURRICULARES

2014-2017 Colegio

Humanidades,

Ciencias Plantel

Oriente,

UNAM.

Actuación

Evento

Académico

General

Federico García Lorca: Homenaje a 80 años de su partida, en las instalaciones del Centro de

2017-En curso Comunicación Facultad

2016

Arte Dramático A.C.

Periodismo,

Estudios

Superiores,

Aragón, UNAM.

2017 Participación en el Taller de creación literaria, Fábrica de Artes y Oficios Aragón, CDMX.

2018

EDUCACIÓN COMPLEMENTARIA

Conferencista

“OMFA:

Ventana

investigación en la era digital ”, Facultad de Estudios Superiores Aragón, UNAM.

Fotografía,

Casa

Cultura

Bosques de Aragón.

2019 Asistencia

Cumbre

Libertad

Prensa

México impartido por CPJ, Museo Nacional de

Observatorio de Medios de la FES Aragón,

Facultad

Superiores,

Aragón,

Estudios UNAM.

Proyecto en el que se colaboró con

Vericado2018,

elecciones

durante

presidenciales

2018.

INFORMATICA Paquetería de Adobe Paquetería de Office

las del

Antropología, CDMX. Colaboración en el Taller de Género, Medios y Comunicación

impartido

por

UNESCO,

Universidad Carlos Septién García, CDMX.

2020 Asistencia

Taller

radio,

voz

podcast,

Fábrica de Artes y Oficios Aragón, CDMX.

2021 Cooperación en Taller de teatro para mujeres: Detección y prevención de micromachismos a través de las artes escénicas, Fábrica de Artes y Oficios Oriente, CDMX.

Corel Draw Audiocity GeoGebra

55 70 53 05 77

yessi99.ynfc@gmail.com