PREMIO ICPNA ARTE CONTEMPORANEO 2019 by culturalicpna

Del 27 de marzo al 16 de junio de 2019

CONSEJO DIRECTIVO

DEL CATÁLOGO

DE LA EXPOSICIÓN

Roberto Hoyle PRESIDENTE

EDICIÓN Alberto Servat Charles Miró-Quesada Roger A. Cáceres Luis A. Muro

PRODUCCIÓN GENERAL Alberto Servat Charles Miró Quesada

Rosa María Paz Soldán PRIMERA VICEPRESIDENTA Augusto Eduardo Floríndez DIRECTOR SUPLENTE SEGUNDO VICEPRESIDENTE Richard Uculmana TESORERO Kimberlie B Burns SECRETARIA María Teresa Dulanto VOCAL

DISEÑO Lucho Chumpitazi - Lingo TEXTOS Augusto del Valle FOTOGRAFÍAS Daniel Giannoni Archivos de las artístas: cubierta, pp.13, 47, 51, 107 PREPRENSA E IMPRESIÓN Impresso Gráfica

Álvaro Roca-Rey VOCAL Judith Ravin MIEMBRO NATO

Rafael Yzaga GERENTE GENERAL Alberto Servat GERENTE CULTURAL Charles Miró Quesada JEFE DE ARTES VISUALES José Avilés JEFE DE ARTES ESCÉNICAS

PREMIO ICPNA ARTE CONTEMPORÁNEO 2019 Autor: Augusto del Valle Editado por © Instituto Cultural Peruano Norteamericano - Lima Av. Angamos Oeste 120, Miraflores, Lima - Perú Primera edición: mayo, 2019, Lima - Perú Tiraje: 500 Hecho el Depósito Legal en la Biblioteca Nacional del Perú Nº 2019-05908 Se terminó de imprimir en mayo de 2019 en Impresso Gráfica Av. Mariscal La Mar 585, Miraflores, Lima, Perú

CURADURÍA Augusto del Valle ASISTENTE DE CURADURÍA Daniel Bernedo PRODUCCIÓN Y MUSEOGRAFÍA Roger A. Cáceres Kate Cabezas Edgar Ccorahua Luis A. Muro Steve Castillo MONTAJE Sandro Barriga Jhonatan Yucra ASISTENCIA Susana Cisneros

Tal como la entendemos en el Instituto Cultural Peruano Norteamericano, la promoción de la cultura discurre por una diversidad de caminos distintos, trazados en función de las particularidades de nuestro medio y sus necesidades, así como de una tradición de gestión cultural desarrollada a lo largo de más de 80 años. Entre esos caminos, la realización de concursos de artes visuales ha ocupado, desde los inicios de nuestra vida institucional, un lugar de privilegio en nuestra actividad. Luego de un largo período en el que realizábamos periódicamente salones dedicados a cada una de las disciplinas plásticas (pintura, acuarela, dibujo, fotografía y escultura), se tomó la decisión de centrar los esfuerzos en un solo concurso. Al concentrar esta línea de trabajo en la realización del Premio ICPNA Arte Contemporáneo, que en esta segunda edición recibió más de 300 postulaciones, estamos en condiciones de ofrecer al público una exposición de los trabajos finalistas —en esta ocasión, 46 en total, presentados en nuestra galería ICPNA de Lima— que es ya un logro en sí misma, pues permite aproximarnos al panorama diverso de la creación actual en nuestro medio. Gracias a la curaduría de Augusto del Valle Cárdenas, esta exposición permite descubrir las tendencias, lenguajes, soportes y temáticas que dan forma a la práctica artística actual, tanto limeña como del resto del país. El trabajo de un jurado altamente calificado, compuesto en esta ocasión por el curador y crítico Max Hernández Calvo, la periodista Fietta Jarque y el director del Museo de Arte Contemporáneo de Lima (MAC-Lima) Nicolás Gómez, ha dado como resultado la elección del trabajo Fragmentos potenciales de obras para desplegar fractal y cíclicamente de la artista Paola Vela como ganador absoluto y acreedor de un premio consistente en 30,000 nuevos soles y la realización de una exposición individual, así como el otorgamiento de dos menciones honrosas a los artistas Juan José Barboza-Gubo y Teté Leguía. La gran convocatoria que ha suscitado el concurso, así como el magnífico resultado, que se puede apreciar tanto en la calidad de las obras premiadas como en la consistencia de la exposición de los finalistas, nos reafirman que avanzamos por buen camino. Desde aquí, nuestro agradecimiento a todos aquellos que han hecho posible que este joven concurso se posicione como uno de los más importantes del país.

Roberto Hoyle Presidente del Consejo Directivo Instituto Cultural Peruano Norteamericano

As we understand it at Instituto Cultural Peruano Norteamericano, the promotion of culture flows through different paths marked by the particular features of our environment and its needs, as well as by a tradition of cultural management developed throughout 80 years. In these paths, carrying out visual art contests has occupied a privileged place in our activities since the very beginning of our institutional life. Following a long period of periodic exhibitions dedicated to plastic art (painting, water painting, drawing, photographs and sculpture), we decided to focus all our efforts on one contest. By concentrating our work into Premio ICPNA Arte Contemporáneo (ICPNA Contemporary Art Award), whose second edition received more than 300 applications this year, we are in the position to offer the public an exhibition of the final artworks, 46 in total, presented at our ICPNA Lima Gallery. This is an achievement in itself, since it allows us to get a closer look into the diverse panorama of present local creation. Thanks to the curatorship of Augusto Del Valle Cárdenas, this exhibition shows us the trends, languages, means and themes that shape the present artistic practice in Lima and in the rest of the country. A highly qualified jury comprising the art critic and curator Max Hernández Calvo, journalist Fietta Jarque and the Director of the Contemporary Art Museum of Lima (MAC-Lima) Nicolás Gómez awarded the first place to the artwork “Fragmentos potenciales de obras para desplegar fractal y cíclicamente” [Potential fragments from works to develop fractally and cyclically] by artist Paola Vela, who received a cash prize of PEN 30,000 and the opportunity to have a solo exhibition, and gave two honorary mentions to artists Juan José BarbozaGubo and Teté Leguía. The high turnout of the contest, as well as the magnificent result, reflected in the quality of the awardwinning artworks and the consistency displayed in the finalists’ exhibitions, reassure us that we are on the right track. We thank everyone that has made it possible for this young contest to become one of the most important in the entire country.

Roberto Hoyle President of the Board of Directors Instituto Cultural Peruano Norteamericano

Como suele ser en un concurso ambicioso, el proceso premiación ha sido un reto para el jurado. Pero, además de ello, una ocasión especial para ver y discutir las propuestas de 46 artistas, muchos de ellos emergentes y algunos establecidos, provenientes de distintas regiones del Perú, e incluyendo algunos extranjeros residentes en el país desde hace más de tres años. En tal medida, el Premio ICPNA de Arte Contemporáneo 2019 nos da una idea de la muy diversa producción artística en el país y, sobre todo, nos ofrece un vistazo a la escena artística limeña, con énfasis en el arte joven. Al evaluar las obras, tomamos en cuenta múltiples criterios, entre ellos: solidez conceptual de la propuesta, resolución formal de la obra, originalidad del planteamiento y pertinencia al contexto actual. En nuestro proceso de deliberación, cada uno de nosotros elaboró individualmente una lista de las 10 obras que considerábamos respondían mejor a nuestra lista de criterios de valoración. Luego de ello, comenzamos a discutir cada una de las propuestas que habíamos escogido, revisando para ello el material elaborado sobre cada una de las obras preparado previamente por el curador de la preselección y la exposición, Augusto del Valle. Si bien al cruzar nuestras listas descubrimos que los tres miembros del jurado coincidíamos en algunas obras, mientras que en otras coincidíamos solo dos, y aún, otras eran listadas de forma individual por alguno de los jurados, no solo debatimos sobre las coincidencias, sino que también abordamos esas selecciones solitarias. Fue un proceso en el que conjuntamente revisamos nuestros puntos de vista y que dio lugar a una decisión totalmente compartida para los premios y las menciones. La decisión de dar el premio a la artista Paola Vela fue en reconocimiento a un trabajo que destaca por su calidad estética y conceptual. En la obra se hace evidente el excepcional dominio técnico del medio audiovisual por parte de la artista, evidente en la calidad de la fotografía, el cuidado en el aspecto sonoro (música, ruidos y silencios incluidos) y el inteligente desarrollo de la narrativa a lo largo de la pieza. El hecho de abordar en su video el proceso creativo de otra artista, planteaba un diálogo interesante y novedoso entre el proceso creativo de Vela (implícito en la obra) y el proceso creativo del personaje central de la pieza (explícitamente abordado en el video). Por otra parte, tratándose de un proyecto de muy alto nivel y claramente ajeno a las lógicas del circuito comercial y sus soportes, consideramos valioso poder brindar el respaldo institucional a la artista, para así promover la continuidad de su obra. En cuanto a las dos menciones honrosas, otorgadas a Juan José Barboza y Teté Leguía (en orden alfabético), se buscó reconocer dos exploraciones personales y originales de dos medios tradicionales como son la pintura y el dibujo, respectivamente, que apuestan por actualizar el potencial comunicativo de estos medios. Tanto BarbozaGubo como Leguía exploran en sus obras la dimensión semántica de la imagen artística con muy buenos resultados. Nicolás Gómez, Max Hernández Calvo, Fietta Jarque Jurado calificador

As it usually is in an ambitious contest, the award process has been a challenge for the jury. But, in addition, it has been a special occasion to see and discuss the proposals of 46 artists, many of them emerging and some established, from different regions of Peru, and including some foreigners living in the country for more than three years. To this extent, the ICPNA Prize for Contemporary Art 2019 gives us an idea of the very diverse artistic production in the country and, above all, offers us a glimpse of the Lima artistic scene, with an emphasis on young art. When evaluating the works, we took into account multiple criteria, among them: conceptual soundness of the proposal, formal resolution of the work, originality of the approach and relevance to the current context. In our deliberation process, each of us individually drew up a list of the 10 works that we considered to be the best responders to our assessment list. After that, we began to discuss each of the proposals we had chosen, reviewing the material prepared on each of the works prepared previously by the curator of the pre-selection and the exhibition, Augusto del Valle. While crossing our lists we discovered that the three members of the jury coincided in some works, while in others we agreed only two, and still others were listed individually by one of the juries, we not only discussed the coincidences, but also we also address those solitary selections. It was a process in which we jointly reviewed our points of view and which resulted in a fully shared decision for awards and mentions. The decision to give the award to the artist Paola Vela was in recognition of a work that stands out for its aesthetic and conceptual quality. In the work is evident the exceptional technical mastery of the audiovisual medium by the artist, evident in the quality of photography, care in the sound aspect (music, noise and silence included) and the intelligent development of the narrative as length of the piece. The fact of approaching in his video the creative process of another artist, raised an interesting and novel dialogue between the creative process of Vela (implicit in the work) and the creative process of the central character of the piece (explicitly addressed in the video). On the other hand, being a very high level project and clearly oblivious to the logic of the commercial circuit and its supports, we consider it valuable to provide institutional support to the artist, in order to promote the continuity of her work. As for the two honorable mentions, given to Juan Jose Barboza and Tete Leguia (in alphabetical order), we sought to recognize two personal and original explorations of two traditional media such as painting and drawing, respectively, that bet on updating the potential communicative of these media. Both Barboza-Gubo and Leguia explore in their works the semantic dimension of the artistic image with very good results. Nicolas Gomez, Max Hernandez Calvo, Fietta Jarque Evaluating Jury

El Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019, asiste a su segunda edición. En esta ocasión se presentaron más de 300 portafolios de artistas, conforme a las bases, residentes en el Perú y el extranjero. Para presentar los resultados de los 46 finalistas, se ha optado por dividirlos en seis ejes: Sin título, Hibridaciones, Metalenguaje, Vida cotidiana, Geografía y ciudad y Biopolítica. De esta manera se observa cómo el Arte Contemporáneo en el Perú, a través de trabajos en video, fotografía, performance, instalación, documentación de procesos, entre otros, goza de un fuerte consenso que respalda sus procesos. Gracias a la reñida competencia y a la calidad de los proyectos y obras finalistas presentadas, el criterio de selección además de considerar dicha característica, optó también por ampliar su mirada hacia un porcentaje interesante de artistas no limeños, extranjeros residentes en el Perú por más de tres años y de peruanos que viven y trabajan fuera de nuestra frontera.

Augusto del Valle Cárdenas Curador

The second edition of the 2019 ICPNA Contemporary Art Prize gathered more than 300 artists –residents in Peru or abroad–, who submitted their portfolios according to the contest guidelines and conditions. In order to present the results of the 46 finalists, six axes were considered: Untitled, Hybridizations, Metalanguage, Everyday Life, Geography and City and Biopolitics. It is clearly observed how Contemporary Art in Peru, through video, photography, performance, installation, process documentation works, among others, is heartily endorsed by a strong consensus supporting its processes. Thanks to the intense competition, and the quality of the projects and the finalist works, the selection criterion –in addition to considering such feature–- was broadened to include an interesting percentage of non-Limeño artists, foreigners residing in Peru for more than three years, and Peruvians who live and work beyond our borders.

Augusto del Valle Cárdenas Curator

10 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019

GANADORA PREMIO ICPNA ARTE CONTEMPORÁNEO 2019 Winner Icpna Prize Contemporary Art 2019

Paola Yamile Vela Vargas (Lima) Fragmentos potenciales de obras para desplegar fractal y cíclicamente 2019 Video HD, 16’ HD 16’ Video

Paola Vela es una artista que investiga el video en el arte peruano y también produce piezas asociadas a esta posibilidad. Junto con ello, se ha interesado por reflexionar acerca del sentido del proceso creativo. Sobre esta pieza, en particular, nos dice: «Aquí podemos ver las acciones, métodos y modos de ver de Ana, una artista que se encuentra en el momento inicial de la creación de obras nuevas. La cámara registra su fuerte relación con los objetos, como los compila o como pretende manipularlos, sin dejar claro si serán el punto de partida o el producto final de sus proyectos artísticos. Este es un seguimiento observacional sobre el habitus en el inicio de un proceso creativo».

Paola Vela is an artist that looks into Peruvian art videos and also produces pieces associated with this form of expression. Additionally, she has taken a close interest in the sense of the creative process. Regarding this piece, she tells us: “Here we can see Ana’s actions, methods and approaches, an artist at the initial creation stage of new artworks. The camera records her strong relationship with objects, how she compiled them or intends to manipulate them, without the need to clarify if that is the starting point or the final product of her art projects. This is a visual follow-up of her habitus at the beginning of a creative process”.

12 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019

MENCIÓN HONROSA Honorary Mention

Juan José Barboza-Gubo (Lima) Non Tenebris Lucet 9 2018 Técnica mixta Mixed technique 100 x 80 x 8 cm

Los proyectos pictóricos de Juan Barboza-Gubo exploran sensorialmente la luz y la posibilidad de trasladar dicha sensación a una superficie. Y paradójicamente, sus investigaciones también tocan aspectos espirituales, en algún sentido por aclarar. Un sentido asociado a la vida misma, a la intimidad de las emociones. Sobre esta pieza el artista dice: «Es un trabajo de técnica mixta de trupán y acrílico. Tiene como resultado un efecto óptico que da como punto de partida lo efímero de la luz».

Juan Barboza-Gubo’s pictorial projects explore light through sensations and the possibility to transfer such sensations to a medium. Paradoxically, his research also involves spiritual aspects, somehow to be clarified. A sense associated with life itself, with the intimacy of emotions. About this piece the artist says: “It is a mixed-technique work of trupan and acrylic. It results in an optical effect where the ephemeral (nature) of light is the starting point.”

14 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019

MENCIÓN HONROSA Honorary Mention

Teté Leguía (Carlos Leguía Alegría) (Lima) Transferencia 2019 Ensamblaje de escultura y dibujo Assemble of sculpture and drawings 120 x 152 x 180 cm

Teté dice: «La pieza aborda el automatismo a través de dos medios; dibujo y escultura. Esta intenta poner en conflicto la idea del dibujo automático (entendido siempre como un acto de liberación) al repetir constantemente su proceso, aludiendo así a la posibilidad de mecanizarlo. Los dibujos y esculturas han sido dispuestos de manera distinta. Los primeros se encuentran atomizados linealmente dentro del plano bidimensional. Las esculturas en cambio forman una masa unificada dentro del espacio que intenta recrear una forma que se ha diluido entre procesos de traslado y transferencia. Este diálogo funciona como una alegoría al modo en que el lenguaje sintetiza el mundo en signos».

Teté says: “This piece addresses automation in two media: drawing and sculpture. It seeks to raise a conflict about the idea of automatic drawing (always understood as a liberation act) by constantly repeating its process, thus alluding to the possibility of mechanizing it. The drawings and sculptures have been placed in different ways. The former have been atomized in a line on a two-dimensional plane, whereas the sculptures form a unified mass in space that tries to recreate a shape that has been diluted in the removal and transfer process. This dialogue works as an allegory of the way language synthesizes the world into signs.”

16 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019

SIN TÍTULO UNTITLED

Con frecuencia la producción de pintura abstracta eligió la alternativa de no colocar títulos a sus obras. Este no es el caso para los participantes de este concurso. Aquí, en algunas piezas de pintura se reconocen todavía formas de objetos que son un contrapunto con geometrías sutilmente trabajadas. A menudo, los títulos de estas pinturas son un «agregado semántico», es decir, un añadido de significado a aquello que ha sido resuelto en un soporte plano, a través del color o el ornamento.

It is frequent that the abstract painting production opts for not placing titles on its works. But, this is not the case for the contest participants. Here, in some paintings, you can recognize the shapes of objects that are in counterpoint to the subtly worked geometries. Often, the titles of these paintings are a “semantic aggregate”, i.e. a meaning added to what has been already constructed on a flat medium through colors or ornaments.

18 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Fernando Alberto Bedoya Torrico (Amazonas) Trueque 2019 Óleo sobre lienzo Oil on canvas 120 x 120 x 3.5 cm

Fernando explica su proceso: «Desde mis primeros trabajos, recurrí a la forma de la llamada “asa estribo”, característica de la cerámica Moche. Hace aproximadamente un quinquenio empecé a trabajar con las mismas asas, ahora como objeto, obtenidos del descarte de mis “trepanaciones peruanas”, es decir, de una serie de ceramios falsos, intervenidos luego de serrucharles el asa de manera de producir un agujero como si fuera una cirugía craneal. Con esas asas, realicé varias obras tridimensionales con el nombre de Así y asá, serie surgida del asa como objeto independiente, conectando una asa con otra, desarrollé conductos, cañerías, nudos retorcidos de cerámica pegados con distintos materiales, combinando los colores propios de la cerámica del pasado: rojo indio y negro, los mismos que aquí aparecen (…) Por otro lado, no faltará quien lea en el asa partida al medio y rotada sobre su eje, el signo $, una interpretación también plausible, una consecuencia contingente del uso de las formas del pasado».

Fernando explains his process: “From my first works, I resorted to the so-called “stirrup handle” shape, one of the features of the Moche ceramics. About five years ago I started working with the same handles, now as an object, obtained after discarding my “Peruvian Trephinations”, that is a number of fake ceramics produced after sawing their handles off to make a hole as if they were a cranial surgery. With these handles, I made several 3D pieces naming them “Así y asá” [Like this, like that], a series arising from the handle [asa] as an independent object. Joining one handle to another, I developed channels, pipes, twisted knots of ceramics glued with different materials, and combined the characteristic colors of the antique ceramics (Indian red and black) as they appear here (...). On the other hand, some might say they see in the handle split in half and rotated on its axis, the dollar sign, an also plausible interpretation, a possible consequence of the use of the past shapes.”

20 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Ferran Gisbert Carbonell (Alcoy, España) Templo 2019 Acrílico sobre lienzo Acrilic on canvas 140 x 170 cm

El proceso de esta pintura, según Ferran, se da: «Tratando de extender y entender el espacio pictórico, considero la acción de pintar como un acto performativo, de modo que, los aspectos procesuales son el motivo y significado de mis pinturas. Son situaciones concebidas como acontecimientos que se organizan y preparan como si se tratara de una celebración para la prueba y el error. En mi propuesta se presta atención al papel que cumple el público en el arte. Al situarnos frente a estas obras debemos atender al lugar, al momento y al modo en que fueron pintadas. Inclusive, en algunas de mis obras, el espectador es llamado a participar en el proceso de creación favoreciendo la participación ciudadana en actividades culturales»

According to Ferran, the painting process occurs “Trying to extend and understand the pictorial space; I consider painting as a performative action, so that the process aspects are my paintings’ motif and meaning. These are situations conceived as events organized and prepared as if they were a trial-and-error celebration. In my proposal, attention is paid to the people’s role in art. When facing these works, we must consider the place, time and way they were painted. Even in some of my works, the viewer is called to participate in the creation process, thus favoring citizen participation in cultural activities.”

22 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Gino Marchini (Lima) Lozanía 2017 Óleo sobre tela Oil on fabric 150 x 100 cm

Marchini investiga, desde hace años, de distintas maneras a partir de una práctica sostenida de taller que le permite construir series de pinturas integradas a algún motivo principal, no importa si figurativo o lo contrario. «En el 2015 empecé una serie de trabajos para ordenar mis pensamientos en el color, su variedad, textura y veladura; esencialmente en la geometría. En el camino he reencontrado un horizonte hundido en la locura de lo cotidiano que no nos deja convivir en paz».

Marchini has researched for years in different ways from a continuing workshop practice that helps him build series of paintings integrated to some main motif, regardless if it is figurative or not. “In 2015, I started a series of works to organize my thoughts on color, its variety, texture and glaze; basically in geometry. Along the way, I have rediscovered a horizon lost in the madness of daily life that does not let us live in peace”.

24 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Luis Alfredo Angulo Alegría (Lima) El Neshuya 2019 Óleo sobre tela Oil on fabric 195 x 130 cm

Luis Angulo está acostumbrado a trabajar, desde hace años, la materia del color. Busca siempre, en el espacio de la pintura, producir determinadas sensaciones asociadas a imágenes, con herramientas diferentes de acuerdo a una tradición expresiva, que asume de manera natural. En esta pieza, se insinúa vegetación y agua. Con frecuencia hace series de pinturas asociadas a Lima y otros espacios, haciendo desaparecer, en el proceso, las figuras, para privilegiar la pincelada de color, que asume una personalidad propia en sus más importantes lienzos.

For many years, Luis Angulo has been accustomed to working the matter of color. He always seeks, in the space of painting, to produce certain sensations linked to images using different tools in response to an expressive tradition, which he assumes naturally. In this piece, vegetation and water are implied. He often does a series of paintings related to Lima and other spaces, making his figures vanish in the process in order to favor the colored brush strokes that come into life in its most important canvases.

26 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Michelle Magot Ghibellini (Lima) Triángulo 2019 Óleo sobre tela y ensamblaje en acero (díptico) Oil on fabric and assemble in steel (diptic) 120 x 150 cm

El trabajo de Michel Magot se mueve en el marco de una investigación sobre el vínculo entre el soporte y la forma de la pintura. Respecto de lo primero se trata de elementos extra-pictóricos como la consistencia del soporte de acero y de cómo en dicho soporte, eventualmente, se integra el color; de lo segundo, la artista dice: «Una pintura propia de una serie de experimentos formales, es una confrontación y liberación de elementos».

Michel Magot’s work is framed in a research on the link between the medium and the shape of paintings. Regarding the former, it is about extra-pictorial elements such as the consistency of the steel support and how the color eventually integrates into such support; regarding the latter, the artist says: “a painting based on a series of formal experiments is a confrontation and liberation of elements.”

28 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Valeria Ghezzi Grau (Lima) El jardín más verde 2019 Instalación. Óleo sobre lienzo Medidas variables Installation. Oil on canvas Different dimensions

Valeria Ghezzi trabaja con diversas estrategias para buscar resultados en un soporte plano. Desde collage con citas de imágenes previamente existentes hasta la desaparición de las mismas y el hallazgo del ornamento. Sus piezas oscilan entre pinturas, collages, técnica mixta y otros. En esta pieza usa diversos soportes planos de distintos tamaños, ella nos dice: «Es una instalación que invita a reflexionar sobre la condición humana actual contrastándola con contextos permanentes y cambiantes».

Valeria Ghezzi works with different strategies to find results on a flat support. From collage with referents using previously existing image quotes to their vanishing and the finding of ornament. Her art pieces oscillate between paintings, collages, mixed technique and others. In this piece she uses different flat supports of different sizes; she says, “It is an installation that invites us to reflect on the current human condition by contrasting it with permanent to changing contexts.”

30 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019

HIBRIDACIONES HYBRIDIZATIONS

La unión de estéticas diferentes, asociada a la cultura popular, a manera de mixes, ha logrado que en este siglo XXI exista un aprecio natural por el ensamblaje y el collage. En algunos casos, esto viene acompañado por un , es decir, un miedo al vacío intrínseco a la aceptación de colores con personalidad propia. Pero también de rituales cotidianos que juntan la creencia en el milagro y la alegría de vivir.

The combination of different aesthetics related to popular culture, as mixes, has achieved that assembly and collage are naturally appreciated in this 21st century. Sometimes, this is accompanied not only by a horror vacui, that is, a fear of emptiness intrinsic to the acceptance of colors and their own character, but also by daily rituals that put together the belief in miracles and the joy of living.

32 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Miguel Ángel Velit (Lima) El último ekeko urbano llegó a Lima 2019 Metal y material reciclado Metal and recycled material 180 x 100 x 100 cm

Miguel Ángel es un artista viajero dedicado a ampliar el ámbito de la escultura a la intervención en el espacio público, pero también al imaginario popular. Esta pieza, según el artista «Lleva la tradición del ekeko andino a transformarse en un personaje moderno. Se mantiene viva la intención de traer prosperidad a través de este personaje mítico. Se busca revalorar las tradiciones andinas e integrarlas al vertiginoso mundo del arte contemporáneo».

Miguel Ángel Velit is a traveling artist dedicated to expanding the scope of sculpture to intervention in public spaces, but also to the popular imaginary. According to the artist, this piece “takes the traditional Andean ekeko to become a modern character. The intention to bring prosperity through this mythical character is kept alive. It seeks to revalue the Andean traditions and integrate them into the vertiginous world of contemporary art.”

34 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Francisco García Villavicencio (Lima) Traza aleatoria 2019 Collage-ensamblaje Collage-assemble 140 x 170 cm

Esta pieza, según el artista, proviene de «una parte de nuestra historia actual en donde las fronteras y sus muros (…) son representaciones simbólicas de la fragmentación que sufre nuestra sociedad, adquiriendo valores patrios efímeros que nos alejan de la unidad para vivir en armonía con la naturaleza. Esta sucesión de capas, de pieles urbanas, permite que se sienta el paso del tiempo, mientras la línea nos refriega en la cara. Si no es por el accionar de sus habitantes estos símbolos patrios no significarían nada. Debajo de la calamina, está el símbolo de la construcción de un futuro “mejor”. Y, además, sobre esta se observa un adorno de navidad al revés y con luces sin funcionar (…) A la derecha superior, una caja de luz y, en ella, una maceta con una especie de planta hecha por cables, trata de simbolizar lo nuevo en agricultura. Todo esto va plastificando nuestros alimentos con semillas hechas en laboratorio».

According to the artist, this piece comes from “a part of our current history where the borders and their walls (...) are symbolic representations of our fragmented society as we hold ephemeral patriotic values far away from a unity that led us to live in harmony with nature. This succession of layers, as urban skins, allows us to feel the passage of time, while the line rubs us in the face. These patriotic symbols would not mean anything if it weren’t for the citizens’ actions. Below the corrugated iron, the symbol of the building of a “better” future appears. On top of it, there is an upside-down Christmas decoration with broken lights (...). On the upper right, a fuse box and, on it, a flowerpot holding a kind of plant made by cables, which intends to represent the new agriculture. All this plasticize our food with seeds made in laboratories.”

36 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019

METALENGUAJE METALANGUAGE

Algunas propuestas se han preocupado por reunir citas conceptuales y visuales, a manera de «apropiación» de estéticas y prácticas previamente existentes. Asociadas a la vanguardia histórica o a artistas reconocidos del siglo XX, estas formas parecen retomar los contextos originales, para elaborar una distancia crítica, respecto a dichos contextos de producción. Otro tanto ocurre en las analogías conceptuales entre dos contextos vitales diferentes que se citan mutuamente. Dichos contextos plantean una economía visual específica que hace justicia al proceso a través de imágenes en vinil adhesivo, video, pintura y tejido. The concern of some proposals is to gather conceptual and visual elements, trying to “appropriate” previously existing aesthetics and practices. Linked to historical avant-garde or well-known artists of the 21st century, shapes and drawings seem to reconsider the original contexts to maintain a critical distance in relation to these production contexts. This also occurs in conceptual analogies between two different life contexts, mutually related, proposing a specific visual economy that does justice to the visual finish in adhesive vinyl, video, painting and weaving.

38 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Alejandro Alexis García Núñez (La Habana, Cuba) Dime por qué lloras 2019 Técnica mixta Mixed technique 140 x 140 cm

Formado en el grabado en Cuba, Alexis García utiliza a un personaje con sombrero —tomado de algunas pinturas de Magritte—, para realizar acciones sobre paredes de la ciudad de La Habana, desde el año 2011, a manera de impresiones en la vía pública. Esta serie de representaciones grafican al personaje en distintas situaciones y contextos. Dicho personaje, muy pronto, se convierte en el alter ego del artista. En la pieza que aquí se exhibe, la rosa cumple un papel central. Es una cita de un verso del poeta cubano José Martí, que a la letra dice: Cultivo una rosa blanca/en junio como en enero/para el amigo sincero/ que me da su mano franca/ Y para el cruel que me arranca/el corazón con que vivo, cardo ni ortiga cultivo: cultivo la rosa blanca. Alexis dice que el título de su obra Dime por qué lloras sugiere que, a diferencia de su alter ego representado, él sí cultiva una rosa blanca.

Trained in engraving in Cuba, Alexis García has used, since 2011, a character wearing a hat—taken from some Magritte’s paintings—to carry out actions on the walls of the city of Havana in the form of impressions on public roads. This series of representations illustrate the character in different situations and contexts, who will become—very soon—the artist’s alter ego. In the piece exhibited here, the rose plays a central role. This quote is a verse from the Cuban poet José Martí, which textually reads: I have a white rose to tend/in June as in January;/I give it to the true friend/who offers his frank hand to me. /And to the cruel one whose blows break/ the heart by which I live, thistle nor thorn do I give: for him, too, I have a white rose. Alexis says that the title of this work [Tell me why you cry] suggests that, unlike his represented alter ego, he does have a white rose.

40 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Marisabel Arias Luzuriaga (Lima) Prospección Arqueológica III, IV, V, VI 2018 Políptico de 9 folios Din A4, texto mecanografiado, letras en vinil Polyptyc of 9 sheets DIN A4, typed written text lettering in vinyl 90 x 140 cm

Marisabel Arias, en sus piezas de instalación y en otros formatos, plantea analogías conceptuales entre contextos vitales distintos. Una situación que parece interesarle, al menos según la curadora Giselle Girón, es el vínculo entre el software y hardware, como una suerte de metáfora primordial del mundo globalizado del siglo XXI. La pieza que podemos ver, en vinil adhesivo, señala solo la punta del iceberg de un complejo de procesos. Dichos procesos son pensados por la artista como una Prospección arqueológica, nombre de esta serie de trabajos. Estos dos afiches, son resultado de la enseñanza del idioma español, en Madrid, durante seis meses. En la oficina de Karaoke Autoortográfico F.S.L. (First Spanish Lesson) y con una máquina de escribir, Marisabel trabajó dando dicho servicio para una compañía ficticia, con un horario estricto que ella misma se fijó. Luego en Lima, durante tres meses, la artista construyó repisas de formas geométricas para colocar esta producción de hojas bond A4 celestes. El mundo del trabajo ha puesto como situación cotidiana el estar, aburrido, frente a una pantalla; el Karaoke también. Solo que, a diferencia del primero, este último supone una experiencia corporal para lectura de las letras de las canciones solicitadas. Estos dos universos y contextos de experiencia parecen citarse mutuamente, en nuevas constelaciones de aburrimiento, entretenimiento y burocracia.

Marisabel Arias, in her installation pieces and other formats, presents conceptual analogies between different life contexts. According to the curator, Giselle Girón, a situation that seems to interest her, at least, is the link between software and hardware, as a sort of paramount metaphor for the 21st century globalized world. The piece we see in adhesive vinyl points out only the tip of the iceberg of complex processes. The artist thinks of these processes as Prospección Arqueológica [Archaeological Research], name of this series of works. These two posters are the result of teaching Spanish in Madrid for six months. In the office of Karaoke Autoortográfico F.S.L. (First Spanish Lesson) and with a typewriter, Marisabel providing such services to a fake company, with a strict schedule that she set herself. Then, in Lima for three months, the artist built geometric shaped shelves to place this A4 light blue bond sheets production. The labor world has configured being bored facing a screen as a daily situation; and Karaoke too. But, unlike the first, the latter demands a bodily experience for reading the lyrics of the requested songs. These two universes and experience contexts seem to relate each other in new constellations of boredom, entertainment and bureaucracy.

42 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Miguel Ángel Aguirre Vega (Lima) Mi país libre – II. De la serie Paroliberismo 2019 Tejido de lana de oveja. En colaboración con Elvia Páucar. Weaving on sheep yarn. In collaboration with Elvia Páucar 162 x 137 cm

Esta obra de Miguel Aguirre pertenece a la serie titulada Paroliberalismo. Funciona a través de una estrategia de «apropiación», esto es, toma prestado para su diseño ilustraciones realizadas por Konstantin Biebl (1898-1951), poeta y escritor checo —retocadas con acuarela por el artista, escritor y crítico Karel Teige (1890-1951)—, ambos de nacionalidad checa y miembros importantes de la vanguardia artística. En su momento ambas personalidades tomaron distancia frente al contexto político que, desde el Estado, los persiguió, terminada la Segunda Guerra Mundial. Aguirre que, además, ha «recogido el testimonio de 25 venezolanos que, debido a la trágica situación política, social y económica por la que atraviesa su país, se vieron obligados a salir de Venezuela e instalarse en Lima (Migraciones calcula que hay más de 700 mil venezolanos viviendo en el Perú, siendo nuestro país el que más acoge en el mundo luego de Colombia)». El trabajo de Aguirre establece un paralelo entre ambas situaciones.

This Miguel Aguirre’s work belongs to the series entitled Paroliberalismo [Words of Freedom]. It works through an “appropriation” strategy, that is, he borrows for his designs illustrations by Czech poet and writer Konstantin Biebl (1898-1951), touched up with watercolor by the Czech artist, writer and critic Karel Teige (1890- 1951), both important members of the artistic avant-garde. At the time both personalities maintained distance from the political context that persecuted them from the State after the Second World War. Aguirre who, in addition, has “collected testimonials of 25 Venezuelans who, due to the tragic political, social and economic situation faced by this country, had to leave Venezuela and settle in Lima (according to the Peruvian Immigration Services there are more than 700,000 Venezuelans living in Peru, a country that, after Colombia, host more Venezuelan in the world).” Aguirre’s work draws a parallel between both situations.

44 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Olenka Macassi (Lima) La higiene de la memoria 2018 Vídeo loop de 1’27’’ en 16:9 video loop 1’27’’ on 16:9

El proyecto de Olenka Macassi investiga procesos de temporalidad que regresan sobre sí mismos. La fotografía de la iglesia de Sant Martí de Solamal en el Vall de Bianya (Cataluña), se vuelve en una imagen que es confrontada con la propia edificación tiempo después. Dicha confrontación utiliza el agua como medio, precisamente al usar agua de la pica bautismal de la misma iglesia para interpelar su naturaleza de representación. Sobre esta pieza, nos dice Macassi que «se desarrolla a través de un vídeo proyectado sobre el ábside de la iglesia dentro de un ambiente totalmente oscuro, donde se ven dos manos insertando una fotografía de la misma iglesia dentro del agua en una pica bautismal. Una vez que la imagen ya está totalmente dentro, el sonido de las campanas “interviene” y “distorsiona” la imagen durante unos segundos, repitiéndose una y otra vez».

Olenka Macassi’s Project investigates processes of temporality that return on themselves. The photograph of Sant Martí de Solamal church at Vall de Bianya (Catalonia) is compared with an image of the same building taken later. This comparison uses water as a medium, specifically water from its baptismal font to question its nature of representation. Regarding this piece, Macassi tells us that “it is developed through a video projected on the apse of the church against a totally dark environment, where two hands can be seen immersing a photograph of the same church into the baptismal font. Once the image is totally immersed, the sound of bells “intervenes” and “distorts” the image for a few seconds, making the sound once and again.”

46 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019

VIDA COTIDIANA DAILY LIFE

El día a día suele transcurrir en las instituciones sociales o fuera de ellas a través de acciones, intercambio de comportamientos, jerarquizaciones que desde el punto de vista personal pueden ser experimentadas como estrategias de exclusión o de dominio. Resulta de interés, por ello, observar de cerca las dinámicas del trabajo, los acontecimientos importantes en la vida de una persona, como una boda o sucesos específicos vinculados a alguna cultura.

Life goes on within or outside social institutions through actions; exchange of behaviors; or hierarchies that—from a personal point of view—can be experienced as strategies of exclusion or domination. It may be of interest, therefore, to take a closer look at the dynamics of work, important events in a person’s life, such as a wedding or specific events linked to any culture.

48 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Elena Sofía Tejada Herrera (Lima) Las reglas para romperlas 2018-2019 Video Medidas variables Different dimensions

Sobre esta pieza Elena Tejada dice: «En el tango tradicional el hombre es el que guía y la mujer solo lo sigue, aunque puede realizar figuras. Expresiones contemporáneas como el tango queer retan esta forma tradicional al ser bailarines del mismo género quienes forman la pareja. Así el concepto del hombre que guía y la mujer que lo sigue es anulado. También los roles se pueden alternar. En la performance al final el baile es interrumpido cada vez para jugar un corto partido de fulbito. También el fútbol es una forma deportiva tradicionalmente practicada más por hombres, pero en este caso es realizada solo por mujeres. En la performance se mezclan dos expresiones culturales muy características de Argentina, que es el país donde se realizó la performance. Las formas escogidas permitieron una puerta de entrada a la cultura argentina y una forma de acercamiento afectivo a las personas que me acogieron con calor. El audio remite a una evolución histórica del tango como género musical».

Regarding this piece, Elena Tejada says, “In traditional tango the man is the one who leads, and the woman just follows; however, she can make figures. Contemporary expressions such as the “queer tango” challenge this traditional way since couples are made up by same-sex dancers. Thus, the concept of the man leading and the woman following is invalidated, since roles may be alternated. At the end of every performance, they interrupt the dance to play a short soccer match. Soccer is also a sport traditionally played by men, but in this case, it is played only by women. At the performance, two very characteristic cultural expressions from Argentina are combined and it is precisely in this country where the performance took place. The shapes chosen provided an introduction to the Argentinian culture and a way of emotional approach to the people who welcomed me so warmly. The tape refers to a historical evolution of tango as a musical genre.”

50 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Eriván Phumpiu Cuba (Lima) Popcorn 2018 Acrílico sobre papel Acrilyc on paper 59 x 168 cm

Eriván Phumpiú, peruano de nacimiento, vive actualmente en Europa. El detonante de esta pintura es la música: «En una tienda de antigüedades (…) me compré unos discos de vinilo de 7 pulgadas de una banda que se llama Anarchic System con una versión del tema Popcorn». Luego nos relata: «Estando en Berlín por casi tres años he experimentado una conexión particular con Perú. Conexión proporcionada por las huellas del tiempo que se perciben en esta ciudad. Sus calles mantienen muchos elementos de la Segunda Guerra Mundial. Hay un descuido en ellas que me remonta particularmente a la Lima de los años ochenta, en donde crecí con cierta tranquilidad a pesar de ese ambiente tenso y las carencias. En mi pintura plasmo inconscientemente elementos de mi propio pasado el cual no es presentado como narración sino como un cúmulo de elementos que se van distorsionando al momento de ser representados sobre un soporte».

Eriván Phumpiú, originally from Peru, is currently living in Europe. The trigger of this painting is music: “In an antique store (…) I bought a 7-inch vinyl record of a band called Anarchic System with a version of the song ‘Popcorn’.” Then he tells us: “In my almost three-year stay in Berlin I have experienced a special connection with Peru. Connection arising from the traces of time that can be perceived in this city, whose streets still show many elements of World War II. There is a certain carelessness there that takes me particularly back to the Lima of the eighties, where I grew up peacefully despite the tense environment and the shortcomings. In my paintings I unconsciously express elements from my own past, not as a narration, but as an accumulation of elements which distort when being represented on the medium.”

52 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Issy Barsallo (Lima) Don’t look down sugar 2019 Montaje escultórico Sculpture mounting 73 x 77 x 67 cm

La obra de Issy Barsallo está orientada hacia una crítica de ciertas estructuras de la vida cotidiana, desde la perspectiva de un sujeto sin voz. Es una «apropiación» y una vuelta de tuerca sobre un póster, publicado en 1911, por un periódico de la IWW (International Workers of the World) en el que se observa, literalmente, una pirámide como crítica del sistema capitalista. Según la artista, esta instalación «representa la estructura piramidal de la sociedad con sus jerarquías sociopolíticas contemporáneas. Convierto a la pirámide en una torta de bodas para así criticaron ironía el eje de la sociedad con la idea del matrimonio heteronormativo como el ideal más anhelado de nuestro tejido social».

Issy Barsallo’s work is oriented to a criticism of certain daily life structures from the perspective of a voiceless individual. It is an “appropriation” and a plot twist to a poster published in 1911 by the IWW (International Workers of the World), literally showing a pyramid as a criticism of the Capitalist system. According to the artist “this installation represents the pyramid structure of society with its contemporary sociopolitical hierarchies. I make this pyramid into a wedding cake to criticize in an ironic matter the axis of society that places the idea of heteronormative marriage as the most desired ideal of our social fabric.”

54 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Kathryn Páucar Vergara (Ica) Duelo (procesos) 2018 - 2019 Instalación Medidas variables Installation Different dimensions

«Mi madre falleció el 24 de octubre del 2018, cada mes que transcurre desde su partida realizo una acción para honrar su vida y poder continuar con la mía», nos dice Kathryn Páucar. Ella considera a la acción de la artista en determinadas situaciones como fuente de conocimiento que, a su vez, deja ver la aparición de una conciencia crítica. Para transmitirlo usa el video, fotografía, dibujo y otras formas estéticas. En este caso Kathryn nos dice: «Esta instalación tiene como contexto el Hospital Sabogal, es una reconstrucción a partir de mi subjetividad. Mi cuerpo recorrerá nuevamente las áreas para hacer memoria del proceso que mi madre atravesó, es una historia de desamor, desde la expectativa de cómo uno imagina la atención [al ciudadano] hasta lo que en carne tuve que vivir ahí, mi duelo aún vive y ahora reclama».

“My mother passed away on October 24, 2018, every month since her passing I have performed an act to honor her life and continue with mine,” says Kathryn Paucar. She considers the acts of the artist in certain situations as source of knowledge that, in turn, permits a look into the artist’s critical consciousness. In order to transmit it, she uses the video, photograph, drawing and other aesthetic forms. In this case, Kathryn tells us: “This installation has Sabogal Hospital as the context; it is a reconstruction based on my subjectivity. My body will go through the areas again to remember what my mother went through. It is a heartbreak story from the expectation of how one imagines [citizen] services and what I had to experience firsthand there. My grief still lives, and now it complaints.”

56 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Krizia Zurita Martínez (Lima) El juego I, II 2018 Videoinstalación 4’9”; 7’2” Medidas variables Video installation Different dimensions

La video instalación de Krizia Zurita, nos enfrenta a estereotipos en el mundo del trabajo. Ella nos dice al respecto: «En El Juego I, interrumpo el tiempo muerto que suelen vivir algunas personas durante el trabajo, al presentarme repentinamente frente a ellos y llamar su atención. Cuando esto sucede, huyo, enfrentándolos a una situación imprevista. Por otro lado, en El Juego II, surge el diálogo con el intervenido y, así, la pregunta: “¿Quién parpadea primero?”. De esta forma, busco generar una discusión acerca del sentido del espacio y el tiempo que representan algunos trabajos informales relacionados a la seguridad privada, los privilegios de una sociedad sectorizada y el carácter político de una acción artística en la que el subalterno es llamado a cumplir el papel de coprotagonista».

The installation by Krizia Zurita presents us work stereotypes. She says about it: “In El Juego I [The Game I], I interrupt the dead time some people live at work, by suddenly appearing in front of them to catch their attention. When that happens, I run away, leaving them in front of an unexpected situation. On the other hand, El Juego II [The Game II] shows the dialogue with the subject and, thus, the question: “Who blinks first?” In this way, I seek to generate a discussion about the meaning of space and time in some informal jobs related to private security, the privileges of a sectoral society, and the political nature of an artistic action in which the subordinate is called to play the co-star role.”

58 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Nancy Cecilia Carpio Gonzales (Arequipa) Cabina de Liberación I / Healing Booth I 2019 Instalación Medidas variables Installation Different dimensions

Nancy Carpio, realiza acciones en las que pone en juego su propia subjetividad. Recurre a la lectura de procesos personales para plantear comentarios a veces de diagnóstico y otras veces de crítica a los estereotipos de comportamiento. La artista nos dice sobre esta instalación: «La obra presente es la conclusión de un largo proceso personal en el que cuestioné el propósito de mi existencia. Presa del dolor del mundo siempre soñé que podía cambiarlo. Al día de hoy he aprendido el arte de curar, arte con el que pretendo crear un mundo nuevo desde otra dimensión similar al soplo de energía primordial del que algún día nacieron nuestras almas y todo el universo».

Nancy Carpio performs acts in which she challenges her own subjectivity. She resorts to the reading of personal processes to make comments on behavioral stereotypes, sometimes diagnostic comments, other times, critical comments. The artist tells us about this installation: “This work is the conclusion of a long personal process in which I questioned the purpose of my existence. Being a prisoner of the world’s pain, I always dreamed that I could change it. Now I am acquainted with the art of healing, art with which I pretend to create a new world from another dimension similar to the breath of primal energy that gave birth to our souls and the entire universe.”

60 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Natalia Villanueva Linares (Francia / Perú) Sister 0 2014 Instalación Hilos, bobinas, 120 páginas (Sister 0) Medidas variables Installation Threads, rolls, 120 pages (Sister 0) Different dimensions

El trabajo de Natalia Villanueva tiene una veta importante en el trabajo con objetos. Los usa de manera metafórica para, mediante rituales cotidianos, transformarlos en energía psíquica de producir ámbitos privados de protección. Natalia dice: «Los hilos de 34 bobinas de colores distintas fueron cortados juntos mechón por mechón hasta quedar totalmente vacías. Estas páginas cuentan los 34 objetos. Los que poco a poco se transforman en escritura, como una ofrenda, para que podamos leer toda su historia y apreciar el corte manual e imperfecto de los hilos».

Natalia Villanueva’s work finds its strong suit in the use of objects. She employs them metaphorically to transform them, through daily rituals, in psychic energy to produce private shelters. Natalia says: “The threats from 34 spools of different colors were cut together bundle by bundle until emptying the spools. These pages contain 34 objects, which progressively transform into writing, as an offering, so everyone can read all its history and appreciate the manual and imperfect cut of the threads.”

62 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Nelly Ramos Taquire (Lima) Formulario de inscripción 2019 Instalación de vinil adhesivo y acrílico Installation on adhesive vinyl and acrylic 110 x 150 cm

Llenar formularios se ha vuelto una práctica cotidiana en diversas instituciones. El trabajo de Nelly Ramos escoge diversos soportes —fotografía, vinil, objetos, entre otros— para señalar procesos de la vida cotidiana mediante palabras en intervenciones que vuelven extraños el entramado diario. Según Nelly: «Al hacer que esta obra sea participativa la vuelve un catalizador de energía, cuando la exposición termine se obtendrá un resultado a partir de la subjetividad de todas las personas que hayan intervenido. El resultado será completamente inesperado, porque yo como artista no puedo controlar el proceso en el que esta se va a ir formando».

Filling up forms has become a daily practice in different institutions. The artwork by Nelly Ramos employs different media–pictures, vinyl, objects, etc.–to represent the daily life processes through words from interventions that makes the daily life strange. Nelly says: “By making this project a participatory piece, it became a catalyst of energy. When the exhibition finishes, we will get a result that comes from the subjectivity of all the people involved. It will be a completely unexpected result, since I cannot, as an artist, control this process, which will independently form the piece.”

64 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Ronny Camero Quispe (Lima) Sin título 2019 Instalación (bolsas de plásticos intervenidas, bicicleta, mochilas, bolsos) elementos encontrados en los alrededores, posteriormente ensamblados Installation (used plastic bags, bicyle, back packs, purses) material found in the vecinity, subject to transformation 170.5 x 110.5 x 100 cm

La obra de Ronny Camero está a medio camino entre la pintura y la escultura, interpelando a ambos medios. Según Ronny, «Esta instalación tiene como eje vertebrador la relación de la obra con el espacio para dar partida a la aventura de los elementos y gestos que vierto en ellos. Este lenguaje me permite explorar desde lo cotidiano, lo literal, lo abstracto, siempre con metáforas que solfeen [sic.] la subjetividad de los espectadores».

Ronny Camero’s art piece is halfway between painting and sculpture, questioning both media. According to Ronny, “this installation finds its main axis in the relation of the piece with the space to start the adventure of the elements and gestures that I pour on the medium. This language allows me to explore from the daily life, the literal, the abstract, always with metaphors that sing along with the subjectivity of the audience.”

66 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Veiko Vladimir Valencia Pacheco (Arequipa) Patrón establecido del conocimiento 2019 Acrílico, plumones y collage sobre papel Acrylic, markers and collage on paper 60 x 45 cm

Las imágenes de Veiko Valencia asumen de una manera cotidiana la reflexión misma sobre el conocimiento, produciendo representaciones que imitan a la pintura en sus componentes estéticos, accediendo a formas que, en esquema, parecen seguir los patrones para representar a la naturaleza de los seres humanos en diferentes escenarios, posando como objetos de estudio. El artista utiliza pinturas como placas de Petri, es decir, como ámbito de prueba de ciertos enunciados. Sobre la pieza finalista, que forma parte de esta serie, nos dice: «El siguiente trabajo gira alrededor del proceso de observación que existe entre el sujeto y el objeto, enfatizando tres aspectos en dicho proceso, de una forma irónica. El primer punto describe cómo la observación no surge de una forma empírica, sino más bien está asociada a una metodología o a una escuela. El segundo punto es el filtro que aparece entre el sujeto y el objeto, al condicionar el proceso de observación. Finalmente, el tercero, se muestra cómo el objeto en observación que ya ha condicionado a priori todo este proceso, al ser retrasmitido por una pantalla».

Veiko Valencia’s images assume from an everyday perspective the reflection on knowledge, producing representations that mimic the aesthetic components of painting, arriving to shapes that, in blueprints, seem to follow the patterns to represent human nature in different settings, posing as objects of study. The artist uses paintings like Petri dishes, i.e. as a place to test certain statements. Concerning her finalist piece that is part of this series, she says: “The following artwork revolves around the observation process existing between the subject and the object, placing emphasis on three aspects in such process in an ironic manner. The first point describes how observation does not come empirically, but it is rather associated with a methodology or a school of thought. The second point is the filter that appears between the subject and the object after conditioning the observation process. Finally, the third one shows how the object under observation has already conditioned this process, after being broadcasted on a screen.”

68 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019

GEOGRAFÍA Y CIUDAD GEOGRAPHY AND CITY

Las representaciones que tienen como fuente la importancia que el territorio ha tenido siempre para definir el hábitat humano, se han vuelto un insumo crucial para muchos artistas contemporáneos. Así mismo, los materiales que caracterizan y señalan, con sus propiedades, a determinados lugares como, por ejemplo, a distintas piedras o cortezas, a manera de cantera para hacer objetos, diseñar formas en un tejido e incluso en una edificación. El pensamiento visual usa también las representaciones históricas para asumir una posición crítica frente al turismo o la depredación contemporánea del medio ambiente.

The representations based on the importance of the territory to always define the human habitat have become a fundamental input for many contemporary artists. Another vital input is found in the materials with their own properties that characterize and point us into determined places, e.g. to different stones or tree barks, as a quarry to make objects, to design shapes on a textile, or even on a building. The visual thinking also employs the historic representations to adopt a critical stance against tourism and the contemporary destruction of the environment.

70 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Alejandro Jaime Carbonel (Lima) Plano II 2018 Óleo sobre plano Oil on a plain 135 x 92 cm

Los proyectos de Alejandro Jaime, desde hace años, se despliegan sobre un vínculo con el territorio y reflexionan visualmente sobre el paisaje como representación. Nos dice sobre su proceso: «Intento explorar los alcances del arte del paisaje y las diferentes formas de percibir lo que entendemos por naturaleza (…) Considero importante reflexionar sobre las incidencias de los cambios en el territorio (…) pues es en él en donde la sociedad se desenvuelve, tejiendo un entramado de relaciones tanto de identidad como de poder». Esta obra Plano II, pertenece a la serie Atlas (Morococha), es una intervención que usa el óleo sobre un plano de los socavones en diferentes lotes de la minera Puquio Cocha en el campamento minero de Morococha, en la Sierra Central del Perú. Se presentan, sobre cada una de las diagramaciones de los distintos socavones, a manera de correspondencia, representaciones de posibles porciones del material extraído.

For many years, the projects by Alejandro Jaime have shown a link to the territory and visually reflected on the landscape as a representation. He tells us about his process: “I try to explore the scope of landscape art and the different ways to perceive what we understand for nature (…) I consider important to reflect on the consequences arising from the changes in the territory (…) since society develops in the territory, weaving a network of identity and power relationships.” This piece “Plano II” [Plane II] from the series “Atlas (Morococha)” is an intervention that uses oil painting on a plane of galleries from different mining lots of Puquio Cocha in the Morococha mining camp (central highlands of Peru). On each layout of the different galleries, a representation of the possible portions of ore extracted has been placed correspondingly.

72 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Andrea Ferrero Pizarro (Lima) Ciudades invisibles 2017 Instalación Installation 260 x 100 x 45 cm

La instalación Ciudades Invisibles, título tomado adrede de Ítalo Calvino, es parte de un proyecto que, a través de la creación de escenarios ficticios —humorísticos e irónicos—, busca mostrar una fractura de la memoria colectiva. El proyecto investiga, en Lima, manifestaciones de una ideología que persiste en exhibir las huellas de la colonización. Dichas manifestaciones, aún hoy, se usan como una ficción romantizada no limitada a un período histórico específico: ¿Cómo se refuerzan las nociones de lugar y nación a través de transferencias ideológicas, arquitectónicas y estilísticas? De alguna manera, la instalación plantea un monumento al fracaso de la utópica promesa de un futuro brillante y la imposibilidad de este en una ciudad cuyas bases fueron impuestas, en gran parte mediante reformas urbanas acaso interrumpidas. Dice la artista: «Mi investigación utiliza el archivo como materia prima maleable, disponible para deconstruir, reciclar y manipular; para cuestionar las bases del poder político y desestabilizar su autoridad»

The installation “Ciudades Invisibles” [Invisible Cities], a name intentionally taken from Ítalo Calvino, is part of a project that seeks to create–comical and ironical– fictional settings to show a fracture in the collective memory. The project in Lima investigates the persistent manifestations of an ideology that continues showing the traces of colonization. Such manifestations persist nowadays as a romanticized fiction not limited to a specific historic period: How the notions of place and nation are reinforced through ideological, architectural and stylistic transfers? In a certain manner, the installation displays a monument to the failure of the utopian promise of a brighter future and its impossibility in this city, whose foundations were imposed to a great extent by the interrupted urban reformations. The artist says, “My investigation uses the archive as a malleable raw material available for building, recycling and manipulation, to question the bases of political power and throw authority off balance.”

74 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Daniel De La Barra Gómez (Lima) Consideraciones de la ciudad moderna 2019 Yute, óleo y estructura de madera pino Jute, oil and pine wood structure 170 x 70 cm cada uno / each one

El proyecto asume un punto de vista de crítica al colonialismo. Toma el caso paradigmático de la ciudad de Barcelona en España. Así, el programa de La Ruta Turística de los Indianos, que supone la existencia de un catálogo de edificios ofrecida para el disfrute los visitantes, es visto como un instrumento para construir la marca Barcelona, sin tomar en cuenta la voz del Otro. Por ello, el artista hace estas pancartas que citan edificios de aquella ruta y, con dichas pancartas y un colectivo de inmigrantes realiza, una manifestación silenciosa desde la Plaza de los Indianos (monumento público de homenaje aún vigente) hasta Fabra i Coats. Dice el artista: «Las imágenes de las pancartas están basadas en la estética de las ilustraciones de Guamán Poma de Ayala, un cronista gráfico del virreinato de Perú que desarrolló su libro Primera nueva corónica y Buen gobierno (1615), dirigido al Rey Felipe III, donde denunciaba los malos tratos e injusticias de los conquistadores hacia los indígenas. El libro desapareció en el barco de camino y apareció 300 años más tarde con unos expedicionarios daneses».

This project takes a critical point of view on colonialism and analyzes the paradigmatic case of the city of Barcelona, Spain. In this project, the Tourism Route of the IndianosTN that includes a catalog of buildings offered to entertain visitors is taken as an instrument to build the Barcelona brand, disregarding the say of the others. This is why the artist creates banners with the names of the buildings on such route, and accompanied with these banners and a collective of immigrants, stages a silent demonstration from the Square of the Indianos (existing public monument) to Fabra i Coats. The artist explains, “The images on the banners use the aesthetic of the drawings of Guamán Poma de Ayala, a graphical chronicler of the Peruvian Viceroyalty that published the book “The First New Chronicle and Good Government” (1615), where he denounced to King Phillip III of Spain the ill treatment and abuse committed by the Spanish conquistadors against the natives. The book disappeared on a ship and was found 300 years later by Danish expeditioners.”

76 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Giuliana Migliori (Lima) Amateur media 2018 Cajas de luz, duraflex, estructura de pino, acrílico Boxes of light, duraflex, pin estructure, acrylic 135 x 168 cm

Amateur media es una pieza que pertenece a un proyecto inédito sobre la imagen documental de la violencia en conflictos internacionales actuales. Así mismo, a los cambios en sus retóricas y a la manera que dichas imágenes plantean una forma de «iconicidad». Se trata de un registro visual anónimo, hecho en Irak, de guardias de seguridad de nacionalidad peruana. Al usar el recurso estético de la «apropiación», se produce un proceso que pretende, según Giuliana, «fijar intervalos y subjetivaciones de la globalización bajo una narratividad contemporánea frente a lo real». Este proceso, entonces, se sirve de lo encontrado en los medios y pretende desmontar las estrategias que estos usan para la producción y consumo mediáticos. Amateur media, con ello —a decir de la artista—, restituye «la mirada sobre la experiencia del campo bombardeado bajo el canon de un paisaje».

“Amateur media” is a piece from an unpublished project about the documentary image of violence in current international conflicts, and the changes in the rhetoric and the way such images display some sort of “iconicity”. It is an anonymous recording made in Iraq by Peruvian security guards. The use of the aesthetic resource of “appropriation” produces a process that intends, according to Giuliana, to “determine intervals and subjectivities of globalization under a contemporary narrative facing reality.” Thus, this process employs what is found in the media and tries to unravel the strategies they use for mass production and consumption. According to the artist, “Amateur media” restores “the vision of the bombarded field experience under the canon of the landscape.”

78 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Gonzalo Fernández Rodríguez (Lima) Paisaje de Migración / Cuerpos en Movimiento 2019 Videoinstalación (Registro fotográfico y de video) Video installation (video and photographic record) 170 x 140 cm

Esta obra forma parte del proyecto Poéticas del paisaje, que consiste en acciones que el artista realiza en la ciudad, en este caso con un espejo, buscando lugares que tienen un temple específico. Dice Gonzalo: «La obra fue realizada en la avenida Los Incas y alrededores del mercado Mayorista, a dos cuadras del centro histórico de Trujillo. Lugar de mucho movimiento comercial y de trabajo formal e informal. En este lugar, se observan deficiencias en salubridad y el mal uso del espacio público. En sus calles abunda el desorden, caos y se evidencia el deterioro social. La basura constantemente acumulada deja motivo para volver a ver al cuerpo y sus afectaciones dentro de un paisaje invadido por el consumo».

This piece is part of his Project “Poéticas del paisaje” [Poetics of the Landscape], where the artist carries out actions in the urban space–in this case using a mirror–searching for places with a specific mood. Gonzalo says, “The work was carried out on Ave. Los Incas and around the wholesale market, two blocks away from the historic center of Trujillo, a quite busy commercial place with formal and informal jobs. In this place, we can have a look into the poor health conditions and the inadequate use of the public space. The chaos and disorder are the common currency on these streets, where social breakdown is evident. The garbage constantly piles up giving us a reason to look back at the body and its affectations in a landscape infected by consumption.”

80 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Hayde Sotomayor Quispe (Apurímac) Sociedades - ¿A dónde vamos? 2019 Fibra de corteza cosida sobre lona Fiber cortex sewed on canvas 80 x 120 cm

El uso de materiales vegetales como si se tratara de una línea de dibujo señala el interés del Haydé Sotomayor por la naturaleza y su toma de posición frente a la responsabilidad humana frente al cambio climático. Dice la artista: «El proyecto es un análisis interpretativo visual que busca conectar al hombre con la naturaleza, representando paisajes simbolizados con elementos naturales (fibra de palmera). Las líneas que presentan las fibras naturales expresan la acción del desprendido y, a la vez, en la proyección de un futuro donde estas van desapareciendo, situación que a paso lento podría ya estar ocurriendo».

The use of vegetable materials as a drawing line shows us the interest of Haydée Sotomayor in nature and her stance on the human responsibility for climate change. The artist says, “The project is an interpretative visual analysis that seeks to connect man with nature, representing landscapes using natural elements (palm tree fiber) as symbols. The lines in the natural fibers represent the action of detachment, and at the same time, the projection into a future where these are fading away, which it may already be happening now at a slow pace.”

82 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Hugo Vásquez (Piura) Una piedra 2019 Piedra e inyección de tinta sobre papel de algodón Stone and ink injection on cotton paper 160 x 100 cm

[Una piedra]. El artista ejecuta acciones con elementos de la naturaleza, luego los convierte en «piezas de arte» dotándolos de una carga poética al sacarlas de su contexto y llevándolos al cubo blanco. «Un simple gesto puede alterar la calma». Vásquez documenta, a través de fotografías, sus acciones. Con ello va más allá de la simple contemplación para convertirse en generación de diversas posibilidades.

[One Stone]. The artist carries out actions with natural elements, and then he makes them into “artworks” giving them poetic power by removing them out of their context and taking them to the White Cube. “One simple gesture can disturb the calm.” Vásquez records his actions in pictures. Consequently, he goes beyond the simple contemplation to become a generator of different possibilities.

84 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Jean Paul Zelada Cubas (Trujillo) Hyperfocus III 2019 Óleo sobre tela Oil on fabric 100 x 130 cm

Del proyecto Hyperfocus, que trabaja una serie de pinturas, a partir de vistas de paisaje de ciudades peruanas centrando su mirada en el boom inmobiliario, Zelada ha escogido una toma desde su departamento. Esta obra está basada en una fotografía el artista tomé hace algunos años de un edificio en construcción en la Av. Arequipa, Lima. Según el artista, «una vista panorámica de edificios en construcción. A pesar de ser fotos diurnas, preferí ambientar los cuadros en escenarios nocturnos y dramáticos para reafirmar la potencia de las estructuras inacabadas».

From the Hyperfocus Project that deals with a series of paintings, and from views of Peruvian cities’ landscapes focusing on the construction boom, Zelada has chosen a shot taken from his apartment. This piece is based on a picture that the artist took a few years ago of a building under construction on Ave. Arequipa, Lima. According to the artist, “a panoramic view of the buildings under construction. Despite being daytime pictures, I preferred to set the pictures in dramatic night scenarios to reinforce the power of the unfinished structures.”

86 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Juan Carlos Alvarado Salvatierra (Trujillo) S.O.S Central 220 Mina Quiruilca 2019 Serigrafía, transfer, acrílico, láminas de bronces, cobre, aluminio sobre aglomerado de MDF Serigraphy, transfer, acrylic, bronce sheets, copper, alluminum on MDF agglomerate 110 x 170 cm

El Proyecto Central 220, trabaja con una serie de grabados mixtos en aglomerados de mdf. Usa una estética fotográfica para, mediante el registro de instantáneas realizado durante los años 2015 y 2018 —en el distrito minero de Quiruvilca y Shorey, sierra de la Libertad en el Perú— poner en evidencia cómo, a decir del artista «los vestigios de estaciones y fábricas evidencian los cambios evolutivos del desarrollo y posterior ocaso de la actividad minera. Los mapas antiguos y actuales que nos muestran las ambiciones territoriales y de “progreso”, las cuales al término de un periodo solo nos dejaron pueblos fantasmas, contaminados, lleno de desechos tóxicos y relaves de las fabricas procesadoras».

The Central 220 Project works with a series of mixed medium-density fiberboard engravings. It uses photographic composition based on a record of snapshots taken from 2015 to 2018 in the mining district of Quiruvilca and Shorey in the highlands of La Libertad, Peru, to demonstrate how, as the artist puts it, “the remains of mining stations and factories show the evolutionary changes of development and subsequent decline of the mining activity. The old and updated maps display the territorial and “progress” ambitions, which, by the end of a period, just left polluted ghost towns filled with toxic waste and tailings from processing factories.”

88 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Nicolás López (Ayacucho) El silencio del agua es la voz de todos 2019 Instalación Medidas variables Installation Different dimensions

Los proyectos de Nicolás López usan, en su mayoría, la técnica tradicional de la acuarela. Sin embargo, lleva dicha técnica hacia sus bordes, al intervenir sobre sus formatos y la elección de sus insumos. En esta instalación, así como en otros trabajos experimenta con diversos soportes de papel y otros, pero también con el material. Su acceso a las prácticas contemporáneas supone interpelar su propio aprendizaje en Ayacucho y Arequipa, para abrirse a una poética del material.

The projects created by Nicolás López mostly use the traditional water painting technique. However, he takes this technique to its limits by intervening its formats and selection of inputs. In this installation as well as in other artworks, he experiments with different paper-based media and others but also with the material. His entrance into contemporary practices involves questioning his own learning in Ayacucho and Arequipa to open up to a poetics of material.

90 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Rafael Alejandro Freyre Mendieta (Lima) Geología de lo diverso 2018 Tallado artesanal y piedras diversas del ande peruano Artisal carving and different rocks from the Peruvian Andes 87 x 62 x 25 cm

Rafael Freyre explora el hábitat contemporáneo y los entornos naturales, a través de una práctica que junta arquitectura, diseño y arte, con el fin de disolver los límites establecidos entre estos ámbitos. Según Rafael, «El proyecto parte de la búsqueda de las piedras locales y el deseo de retomar contacto con la materialidad de nuestro territorio. En los pequeños fragmentos de piedras locales —materia considerada mayormente como deshecho por la gran industria— se da la oportunidad para construir una nueva geología y recrear de un modo artesanal la historia del territorio que habitamos. Al unir fracciones de piedras de orígenes distintos del ande, se reorganiza un territorio y un tiempo que, de algún modo, habíamos fragmentado (…) Más allá de construir un objeto, la intención fue crear una pieza como un territorio o un lugar al cual podamos relacionar nuestro cuerpo a través de su estado inacabado, abierto, en constante transformación».

Rafael Freyre explores the contemporary habitat and natural surroundings by putting together architecture, design and art to dissolve the boundaries between these areas. According to Rafael, “The project starts from the search of local stones and the desire for reconnecting with the material nature of our territory. The small fragments of local stones–mostly considered as waste by the big companies–gives us the opportunity to create a new geology and recreate in a traditional manner the history of the land where we dwell. By joining the stone fragments coming from different areas of the Andes Mountains, we reorganized a territory and time that we had somehow fragmented in a certain way in the past (…) More than creating an object, I intended to create a piece like a territory or place to which we can relate our own body through its unfinished, open state in continuous transformation.”

92 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Santiago Roose Hamann (Lima) Parcela 2019 Concreto y cobre Concrete and copper 30 x 85 x 30 cm

Esta pieza forma parte de la serie Barricadas simbólicas. Dicha serie está compuesta por un grupo de esculturas en varios materiales, entre los que destaca el cobre como material principal. Según Santiago, se trata de «esculturas relativamente ligeras cuyo origen conceptual proviene de dos fuentes estéticas y simbólicas. La primera de ellas son las cercas divisorias de los desiertos costeros, que dividen la nada de la nada apropiándose del ilegalmente del suelo sin llegar a utilizarlo. La otra son las estructuras de los campamentos mineros ilegales. Ambas fuentes proveen información sobre la estructura social del país y la ausencia del estado en el territorio»

This piece is part of the series “Barricadas Simbólicas” [Symbolic Barricades] that includes a group of sculptures made from various materials, especially using copper as main material. According to Santiago, it is about “relatively light sculptures whose conceptual origin comes from two aesthetic and symbolic sources. The first one is the division fences built in the coastal deserts to separate nothingness from nothingness to illegally take over the plots and never use them. The latter is structures of the illegal mining camps. Both sources provide information about the local social structure and the absence of the State in the territory.”

94 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019

BIOPOLÍTICA BIOPOLITICS

There are various projects inscribed within an expanded concept of politics that takes into account the strategies that the States and societies implement on the bodies. This is done to maintain within certain behavioral patterns that are considered non-standard. A large number of participating artists build subjectivity models to redefine the conventional roles given to masculinity and femininity.

96 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Alessandra Rebagliati (Lima) POMMES 2018 - 2019 Videoinstalación Medidas variables Video installation Different dimensions

Pommes es una instalación que incide en la relación entre las mujeres de las nuevas generaciones y la dominación masculina. La presencia de la manzana dorada concede a las mujeres, una oportunidad de juego, sutil simbolismo del latente de lo que ella nombra como «patriarcado», reflejado en el fuerte machismo arraigado en la sociedad peruana. Rebagliati nos dice sobre la manzana: «Evocando iconos universales que van desde Adán y Eva, pasando por pasajes de la mitología griega, cuentos de Disney como Blanca Nieves, bandas de rock como Los Beatles, marcas actuales como Apple Mac entre otras, se deja en claro que la actitud de las nuevas generaciones frente a estos asuntos tan vigentes es desde ya más irreverente, combativa y segura de sí misma».

“Pommes” [Apples] is an installation that focuses on the relationship between women of the new generation and male domination. The presence of the golden apple gives women an opportunity to play, a subtle symbolism of the latent “patriarchy”, as she names it, reflected on the machismo deeply ingrained in the Peruvian society. Rebagliati explains about the apple the following: “By recalling us universal icons that encompass Adam and Eve, Greek mythological passages, Disney fairytales such as Snow White, rock bands such as The Beatles, modern brands such as Apple Mac, among others, it is clear that the attitude of the new generations towards these relevant matters is more irreverent, combative and confident.”

98 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Delfina Nina Pinchi (Cuzco) Los otros 2019 Óleo sobre tela Oil on fabric 145 x 115 cm

La pintura de Delfina Nina, en el contexto de la ciudad de Cuzco, se adentra en la identificación, a través del retrato y de una estética fotográfica, con diversos elementos de su vínculo con el otro. Ella nos dice: «Empecé con esta pintura con un cuestionamiento de cómo es visto un migrante ya sea de la ciudad, un pueblito, de otro país, etcétera. Los que migramos por trabajo, familia, y por otras razones, invadimos espacios, lotizamos, construimos, depredamos y, aun así, no somos dueños de esos espacios porque serán los otros los que habitaran esas tierras porque las venderemos, o nuestros hijos y los hijos de nuestros hijos se relacionarán con “los otros”. Por eso, la presencia de la mosca para metaforizar lo efímero que somos como habitantes en los espacios que habitamos».

Through a portrait and photographic aesthetic, the painting of Delfina Nina, in the context of the city of Cuzco, goes deep into the identification with different elements representing her bond with the others. She explains to us: “With this painting I raised a question about how people look at a migrant from a city, little town, other country, etc. We, as migrants due to work, family, or other reasons, invade spaces, divide them into lots, build, despoil, and even then we are not the owners of those spaces, since the owners will be those that will dwell on these lands that we will sell, and our children and grandsons will interact with “the others”. That is the reason behind the presence of a fly to make a metaphor of how ephemeral we are as inhabitants of the spaces we inhabit.”

100 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Diana Fiorella Riesco Lind (Pucallpa) Venus, tomo de ti y regreso a ti 2019 Vasija de arcilla roja extraída directamente de suelo Ucayalino, quemada en alta temperatura Medidas variables Red acrylic clay pot extracted from the Ucayalan soil, burnt at high temperaturas Different dimensions

Los proyectos de Diana Riesco Lind establecen un vínculo orgánico con el entorno natural. Probablemente esto se deba a una experiencia especial con el entorno amazónico, en la ciudad de Pucallpa de la región de Ucayali, en el Perú, pero también con otros contextos rurales de distintos lugares de Estados Unidos y Europa, asociados a su familia. Sobre su obra finalista ella declara: «Es una vasija de una serie de vasijas hechas de tierra extraída de fundos familiares en Ucayali. Se trata de tomar la arcilla local y construir con ella acercamientos a formas femeninas. La arcilla en la región es tradicionalmente trabajada en cerámica por las mujeres. En la comunidad Shipibo Konibo, por ejemplo, son las mujeres aquellas que siguen enseñando las tradiciones culturales, como el uso de arcilla y telares. Una forma común en las vasijas Shipibo Konibo, por ejemplo, son distintas formas femeninas. Me hace pensar en las distintas venus hechas en todo el mundo e ideas de la tierra como femenina».

The projects by Diana Riesco Lind establish an organic link to the natural environment. This is probably due to a special experience in the Amazon Rainforest (in the city of Pucallpa, department of Ucayali, Peru) and also in other countryside areas from different locations in the United States and Europe associated with her family. About her finalist artwork, she declared that “it is a pot from a series of pots made of earth taken from my family farms in Ucayali. I take local clay and create female-like shapes. Traditionally the clay in the region is used in ceramics by women. In the Shipibo Konibo community, for instance, women keep teaching the cultural traditions such as the use of clay and looms. A common shape in the Shipibo Konibo pots, for instance, is the different female shapes. This makes me think of the different Venuses sculpted all around the globe and the idea of Earth as a female entity.”

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102 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Gabriela Figueras (Buenos Aires, Argentina / Cuzco) 9 monstruos 2019 Instalación Medidas variables Installation Different dimensions

El trabajo de Gabriela Figueras se despliega en diversas formas estéticas, como la performance, la instalación, el video, entre otras, en el que junta experiencias propias de su natal Buenos Aires/Argentina para articularse a la escena del arte en Cuzco/Perú. En esta pieza, Nueve monstruos, un poema del poeta peruano César Vallejo resulta un referente crucial y detonante de su imaginación crítica, que interpela los límites geopolíticos y de género. La artista nos dice que esta pieza se caracteriza por: «La utilización de herramientas de libre descarga y software para libre apropiación de imágenes con captura de pantalla, atribuye el carácter pirata a la pieza de video y, [de otro lado, por] la reapropiación de imágenes en movimiento referidas a la contaminación ambiental y el consumo cotidiano sin respetar derechos de autor. Se sienta con ello las bases del creative commons en contraposición con el sistema capitalista de propiedad privada».

The artwork by Gabriela Figueras displays many aesthetic forms, such as performance, installation, video, among others, where she gathers her own experiences from her home town Buenos Aires, Argentina, to adapt to the art scene in Cuzco, Peru. In this piece entitled “Nueve Monstruos” [Nine Monsters], a poem of the Peruvian poet César Vallejo serves as a fundamental referent and trigger to her critical imagination that questions gender and geopolitical boundaries. The artist explains that this piece is characterized by “the use of free downloadable tools and software to freely capture screenshots which gives this video a pirate nature and, [on the other side] by the recapturing of moving images related to environmental pollution and the daily consumption disregarding all copyrights. With this, the foundations of the “creative commons” are laid in contrast with the capitalist system of private property.”

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104 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Gianine Tabja Belloso (Lima) Inhala 2018 Video Full HD, 8’41’’ Full HD 8’41’’ Video 180 x 220 cm

Este proyecto de Gianine Tabja busca ubicarse en una posición crítica contra las ansias de poder y control de los procesos de la naturaleza. Así mismo, el desequilibrio entre el sujeto —masculino y femenino— que ha identificado a uno de ellos como fuente de poder y conocimiento. En esta obra nos dice la artista: «El video presenta un cuerpo/territorio vivo con una referencia inmediata al cuerpo femenino, pauteando el movimiento y temporalidad con el movimiento y la caída de la arena. Un video poético y sugerente que a través del silencio fuerza un enfoque en la materialidad de la arena y en el movimiento del paisaje, pero sobre todo al ritmo del cuerpo y al del espectador».

This Project by Gianine Tabja tries to adopt a critical stance against the lust for power and control of the nature processes, and against the imbalance between the male and female subjects, one of whom she has identified as source of power and knowledge. About this piece, the artist explains that “the video shows a living body/territory containing an immediate reference to the female body, connecting its movement and transient nature to the sand movement and flow. A provoking and poetic video that through silence forces you to focus on the material nature of sand and the movement of the landscape, but overall on the rhythm of the body and the viewers.”

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106 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Wilder Manuel Limay Incil (Cajamarca) Galactagogas 2019 Antotipia esmaltada con resina de cristal (técnica de impresión fotográfica que utiliza la clorofila como sustancia fotosensible, sin la intervención de químicos) Enameled anthotype with crystal resin (technique of photographic printing using chlorophyll as a photo sensible substance, without the intervention of chemicals) 95 x 75 cm

En la serie Cachaco, Manuel Limay, mediante antiguos procedimientos de fijación de la imagen fotográfica, presenta las huellas de los juegos de niños de la comunidad de Cerrillo, en Cajamarca, en la sierra norte del Perú. Ellos trabajan en dicha comunidad, que abastece de ladrillos —200 fábricas y una población infantil de dos a tres niños por ladrillera—, a la edificación de una urbe neo-inca, sueño de los cajamarquinos por reivindicar un pasado Inca y lograr una cura colectiva del lamento por la muerte del Inca Atahualpa a manos de los conquistadores. Limay, busca ubicarse en una posición crítica frente a esta situación de absurda explotación infantil, y nos dice sobre esta pieza: «Volver a los orígenes, a las técnicas primeras utilizadas por los pioneros de la fotografía no como un acto de nostalgia o sin objetivo, sino, como producto de la reflexión y de conocimientos acumulados, volver a los procesos originarios a través de una mirada llena de historia “domesticada” durante casi dos siglos de experimentación y movimientos artísticos. Un liberarse de ese encierro sin perder el rumbo adquirido para reafirmarse en otro espacio, en un tiempo análogo que cruza el presente y lo ilumina con “otra luz”».

In the series “Cachaco” [Grunt], the artist Manuel Limay presents the traces of child’s games in the community of Cerrillo in Cajamarca (northern Highlands of Peru) by using old procedures to capture photographic images. These children work in this community that supplies bricks–200 factories and a child population of two to three children per brickyard–for the construction of a Neo-Incan city, the dream of the people from Cajamarca to reclaim an Incan past and attain a collective healing for the murder of the Inca Atahualpa by the Spanish conquistadors. Limay tries to take a critical stance against this absurd child exploitation and tells us in this pieces the following: “To go back to the origins, to the first techniques used by the pioneers of photography not as an act of nostalgia or without an objective, but as a product of reflection and accumulated knowledge; to go back to the original processes through a perspective full of “tamed” history during almost two centuries of artistic movements and experimentation. A way to break free from that enclosure without straying off the already established course to reaffirm in another space, in an analogous time that crosses the present and put it in a different light.”

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108 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Marcel Velaochaga (Lima) Todos los mitos están muertos 2019 Acrílico sobre tela Acrylic on fabric 140 x 160 cm

En gran parte de su obra pictórica Velaochaga trabaja con el recurso de la «apropiación», es decir, toma prestadas representaciones preexistentes para cambiarles su sentido original. En la serie De la cultura popular, horizonte contemporáneo, Ha trabajado con archivo amplio de imágenes asociadas a la violencia política que padeció el Perú, entre 1980 y 2001, pero también con referentes correspondientes a un imaginario popular tanto del presente como del pasado. En esta obra, Velaochaga junta dos referentes importantes de la memoria histórica, uno asociado al tiempo largo y las culturas precolombinas — integrado a la especulación sobre la vigencia del pasado en el presente—, a saber, por un lado, un fardo funerario reconstruido físicamente y luego fotografiado para ser pintado y la figura de Abimael Guzmán, cabecilla del grupo subversivo Partido Comunista del Perú–Sendero Luminoso, con traje a rayas y número de presidiario.

The paintings by Velaochaga largely use the “appropriation” resource, i.e. he borrows already existing representations to change their original sense. In the series “De la cultura popular, horizonte contemporáneo” [From the Popular Culture, Contemporary Horizon], he worked with an extensive photographic archive associated with the political violence that Peru suffered from 1980 to 2001 and the corresponding references from the past and present popular imaginary. In this piece, Velaochaga joins two important references from the historic memory: one associated with the more distant past and Pre-Columbian cultures–related to the influence of the past in the present–, namely a funerary bundle physically reconstructed and then photographed to be painted, and the other was the image of Abimael Guzmán, the head of the rebel group called Communist party of Peru-Shining Path, wearing a black-and-white striped jail uniform with his inmate number.

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110 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Silvana Hurtado-Dianderas Martínez (Lima) Un curioso herbario 2019 Instalación de piezas de porcelana en fondo blanco Installation of porcelain pieces on a white background 90 x 30 cm

La obra de Silvana Hurtado desarrolla, en la actualidad, una investigación relacionada a los llamados «jardines botánicos», pero también a la fragilidad de la experiencia de más completa de percepción y el alejamiento progresivo de la misma en las ciudades. Hace énfasis en el tacto y cita la escritura Braille usada los invidentes. Hurtado, incide en la importancia del acceso a experiencias de sinestesia, como una facultad acaso poética asociada a un —cada vez más— perdido vínculo sensorial del cuerpo con el mundo. Sobre esta pieza nos dice: «Partiendo desde un proceso experimental, se comenzó con papeles bordados que posteriormente se convirtieron en piezas, en las cuales la porcelana adopta la delgadez del mismo, siendo este, a su vez, material que logra encarnar por excelencia la sensación de lo frágil. Es así como el color de la porcelana y la delicadeza de su textura sobre un fondo blanco te sugiere la idea de la posibilidad de lo invisible».

Nowadays, the artworks by Silvana Hurtado look into the so called “botanic gardens”, but also into the delicacy of the most complete perception experience and the progressive distancing from the cities. Emphasis is placed on the sense of touch and Braille writing used by blind people. Hurtado stresses the importance of accessing synesthetic experiences, as a maybe poetic ability associated with a sensorial link between our bodies and the external world that we are increasingly losing. Concerning this piece, she explains as follows: “Starting from an experimental process, I started with embroidered papers that then became the pieces, in which the porcelain adopts the thinness of paper, this being the quintessential material that represents the sensation of fragility. In this way the color of porcelain and the delicacy of its texture on a white background imply the possibility of the invisible.”

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112 | Premio ICPNA Arte Contemporáneo 2019 Viviana Balcázar Villacorta (Lima) Ejercicios de protección I 2019 Cemento, tecnopor, vidrio y varilla de Construcción Cement, styrofoam, glass and construction rod 180 x 100 x 100 cm

Viviana Balcázar encuentra en los elementos de construcción y aún en otros objetos una manera de conversar con la escala del espacio urbano, de establecer un vínculo individual, a veces entrañable, otras veces irónico con el paisaje urbano. La artista nos dice sobre su proceso creativo: «Busco contraponer elementos representativos de la construcción informal limeña con los asociados a las edificaciones contemporáneas para generar un dialogo sobre las brechas socioeconómicas-culturales del contexto en el cual vivo»

Viviana Balcázar has found in the construction elements and other objects a way to talk to the scale of the urban space, to establish an individual link with the city landscape, which may be sometimes dear or sometimes ironic. The artist says about her creative process: “I try to contrast representative elements from informal construction sites in Lima with those associated with contemporary buildings to engage in a dialog about the cultural and socioeconomic gaps of the context I live in.”

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