Arteria 35

F.

. en PD a t s tuiDigitale a gr .000 n cióos & 691653 u b s tri s ImpreN: 1794 s i D re SS

la mp e j E 00 0 .

25

Periódico

I

Informaciones, opiniones y todo lo que necesita saber sobre el arte en Colombia.

“El arte es lo que resiste: resiste a la muerte, a la servidumbre, a la infamia, a la vergüenza”. Gilles Deleuze.

Versión descargable en PDF www.periodicoarteria.com

Fotografía: Diego Guerrero.

Obra de la Colección del Banco de La República.

Año 8 # 35. Septiembre - Octubre 2012.

Cincuenta años de ´Violencia´

Una de las obras fundamentales del arte colombiano cumple medio siglo de haber ganado el 14 Salón Anual de Artistas Colombianos. Análisis de Nicolás Gómez Echeverri. Página. 12.

´El camino corto´o los desastres de la cocaína

‘Minería’ 2012. Cortesía: Antonio Caro.

Obra de Rosemberg Sandoval. Cortesía: RIAP

Miguel Ángel Rojas presenta su más reciente exposición, comisionada por el Museo de Arte de la Universidad Nacional en Bogotá. Dólares, famosos, narcotraficantes y los pueblos indígenas se mezclan en esta muestra. Páginas. 4-5.

Colombia en el RIAP de Quebéc

Antología de Antonio Caro

En el marco de los 14 SRA, el artista bogotano abre una exposición en Tunja y vuelve a poner ‘el texto en la llaga’, cuestionando con una nueva obra (en la foto) la política nacional. Pág. 6.

El país fue el invitado de honor en este evento que reúne a destacados artistas del performance de todo el mundo. Un recorrido por las propuestas presentadas por creadores nacionales y de España, Francia, Uruguay, entre otros países. Página. 7.

octubre 19-22 2012

Feria Internacional de Arte de Bogotá

Sección de galerías Nuevas galerías Proyectos individuales Programa de coleccionistas Encuentros académicos Pabellón Artecámara Pabellón infantil

www.artboonline.com

ARTERIA Ed. 35

2

Septiembre - Octubre 2012

EDITORIAL

A

l hacer una revisión de las 34 ediciones publicadas durante los primeros siete años del Periódico Arteria, vemos que al haber sido testigos y relatores de grandes e importantes eventos institucionales en Colombia y fuera del país han sido limitadas las oportunidades en que hemos abierto espacio para destacar actividades realizadas en otros lugares de promoción y salas de exhibición de las artes plásticas y visuales, que actualmente dedican especial atención a nuevas prácticas y nombres de artistas.

Así, iniciando nuestro octavo año, parte de esta edición se acerca a actividades que se realizan actualmente en lugares de promoción sin ánimo de lucro como Plataforma Bogotá, un proyecto de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño, entidad adscrita a la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte; la Fundación Odeón y NC-Arte, espacios privados que promueven la realización de obras especialmente pensadas para el lugar, o la Alianza Francesa, que a través de su espacio cultural ha promovido por décadas la producción artística nacional. También se hace un especial reconocimiento a exhibiciones promovidas desde lugares de comercialización de obras, que desde intereses particulares contribuyen en la apuesta por hacer que el arte sea una manera de invertir.

Aun cuando es cierto que estos lugares han hecho parte de las secciones de Noticias, Circular o Galerías y a las que siempre se han dedicado notas, aunque breves, en esta publicación, la apertura y ampliación de estos espacios de circulación de información apunta al reconocimiento de su importancia como plataformas de lanzamiento y posicionamiento no solo de los artistas sino ,también, de quienes desde la curaduría, la investiga-

Por: Nelly Peñaranda

ción y la crítica, son claves para la comprensión de la actualidad de las artes a través de la escritura.

Sin duda, una gran oportunidad para esta publicación y sus lectores al contar con la presencia de diferentes voces y puntos de vista, lo cual, también hace parte de los compromisos asumidos por nosotros desde años atrás.

Inscrito en la línea de ser promotores de la circulación de otras de las maneras de comunicar a través de las artes, hacemos entrega a nuestros lectores del fanzine realizado por el colectivo Papaya Galáctica, dirigido por Henry Palacio y Laura Peña y con diagramación de Alexa Ospina, que resultó ganador de la convocatoria para la intervención de una página de ARTERIA, abierta por el Instituto Distrital de las Artes, Idartes y la Fundación Arteria, con el apoyo del proyecto independiente La Peluquería y su evento La Publicatoria.

Sin embargo, no se pueden dejar de lado los grandes eventos institucionales, realizados por museos o entidades internacionales: la participación de Colombia como país invitado de honor al Encuentro Internacional de Arte de performance en Canadá, la puesta en escena de artistas nacionales dentro de la conmemoración de la Semana de la Memoria, la apertura de una exhibición antológica de Antonio Caro en una ciudad como Tunja o las recientemente abiertas exhibiciones de Miguel Ángel Rojas y María Elvira Escallón, seguirán siendo temas de interés para ARTERIA, no sin olvidar otros que aunque no se incluyen en el impreso seguirán estando consigandos en la página web o circulando a través de las redes sociales, y nuestras bases de datos de correo electrónico, para así seguir contribuyendo en la difusión de la información dentro de un escenario del que cada día hay más de que hablar.

NOTICIAS El colectivo de artistas Espacios Alternativos junto al Museo de Arte Contemporáneo (MAC) presentan la exposición virtual, ‘Dospuntocero, esfera pública y participación’. Se podrá ver hasta el próximo 30 de septiembre en la página www.espaciosalternativos.org. Los artistas participantes son: Alexandra Gelis, Nelson Fory, Fito Segrera y el Colectivo Pedro Romero Vive Aquí. Información: www.espaciosalternativos.org Del 9 al 14 de octubre el fotógrafo español José María Mellado, autor de ‘Fotografía de alta calidad. Técnica y método’, que ha sido uno de los más vendidos en su país visitará Colombia para dictar una conferencia y dirigir talleres sobre los métodos de su trabajo. José María Mellado es considerado uno de los fotógrafos más importantes en España, sus obras se exhiben en museos y hacen parte de colecciones públicas y privadas.

Además participa regularmente en ferias de arte con galerías de Alemania, Bélgica, Francia, Suiza y Turquía. Del 9 al 11 de octubre estará en Medellín y del 12 al 14, en Bogotá. Información: www.fotoaltacalidad.com/tourlatino.htm, www.josemariamellado.com.

Hasta el 11 de noviembre en el Museo Universitario de Ciencias y Arte Roma (MUCA Roma), de la Ciudad de México, se presenta ‘Colección: el crimen fundacional’.

Sus sugerencias y comentarios son importantes www.periodicoarteria.com www.fundacionarteria.org

Informaciones, opiniones y todo lo que necesita saber sobre el arte en Colombia.

Directora Nelly Peñaranda R. nelly.penaranda@periodicoarteria.com

Fotografía Óscar Monsalve. oscarmonsalvepino@gmail.com

Consejo Editorial Juan Fernando Herrán, Carlos Andrés Hurtado, Humberto Junca, José Ignacio Roca, María Belén Sáez de Ibarra, Luisa Ungar.

Suscripciones $25.000 Bogotá. $37.500 resto del país.

1 año (5 ejemplares)

Editor Diego Guerrero. cuentameunsecreto@gmail.com Colaboran en esta Edición Ricardo Arcos-Palma, Héctor Carrasco, Gonzalo Cárdenas, Jaime Cerón Silva, Julio García Murillo, Andrés García La Rota, Nicolás Gómez Echeverri, Nydia Gutiérrez, Víctor Manuel Rodríguez Sarmiento, Santiago Rueda Fajardo, Eduardo Serrano, Guillermo Vanegas.

Diseño Gráfico diseno@periodicoarteria.com Concepto Editorial Paulo Ramírez, Manuela Calle L.

Contactos info@periodicoarteria.com periodicoarter@periodicoarteria.com periodicoarteria@gmail.com Redes sociales www.facebook.com/pages/ARTERIA/ twitter: @arteria_ Las opiniones consignadas en los artículos y correos en la presente edición son responsabilidad de cada uno de los autores y no necesariamente expresan el punto de vista del Periódico ARTERIA. Apartado Aéreo 260.193 Tel. 57 (1) 4673921 / 703 8134 Cel. (317) 638 6108 Bogotá - Colombia

Periódico Arteria es una publicación de Colombian Art Crafts SAS y Fundación Arteria.

ARTERIA cuida el medio ambiente.

El papel utilizado para la impresión de este periódico es 100 % reciclable.

Cortesía Julio García Murillo.

Según Julio García Murillo La exhibición reúne obras de once artistas de Colombia, México y Perú, y forma parte del proceso académico de graduación de la primera generación de la Maestría en Historia del Arte con orientación en Estudios Curatoriales, de la Universidad Nacional Autónoma de México (2011-13).

En esta exposición Fernando Escobar (Colombia) presenta Nueva fauna y flora (un jardín francés), proyecto ya presentado en Medellín, Bogotá y París, pero que en esta ocasión elabora una particular lectura del tejido social de la colonia Roma, del D.F. En la muestra también se puede ver Maneje con precaución (1973), de Felipe Ehrenberg; Bookworks Revisited (1985), de Ulises Carrión; Diorama y Good and Bad (2011), de Dulce Pinzón; Sube o baja según se va o se viene. Para el que va, sube; para el que viene, baja (2006), de Mariana Castillo Deball; Tienda LiMAC (2002-2012), de Sandra Gamarra, entre otras.

Desde el 27 de septiembre y durante un mes, en Montealegre Galería se puede ver, ‘Feedback’, La propuesta de Jorge Jurado. En palabras de Eduardo Serrano, curador de la muestra: “En estos nuevos trabajos el artista se apropia directamente de esas obras, fragmentos de las cuales plasma con evidente idoneidad pero visibilizando su proveniencia, es decir, clarificando su autoría, precisando su origen, al insertarlos en una especie de aura que reproduce los perfiles de sus creadores. Es como si el artista no quisiera apropiarse de esas producciones sin citar la fuente original. Así: la dama del Almuerzo sobre la hierba de Manet aparece alojada en una especie de sombra que retrata el perfil del maestro, al igual que aparecen insertadas en las sombras de los perfiles de sus respectivos autores,

pinturas como el Retrato de la raya verde de Matisse, La Persistencia de la memoria (conocido también como Los relojes blandos) de Dalí y Elizabeth Taylor de Andy Warhol. Y basta observar estos trabajos en el contexto de la obra de Jurado para entender que, por ejemplo, el interés por los contrastes y por la libertad del artista se cuenta entre las razones de su admiración por la obra de Manet; que la incipiente planimetría y la intensidad cromática del fauvismo motivaron su evocación de la obra de Matisse; y que entre los motivos de su entusiasmo por la Persistencia de la memoria de Dalí, se contó la idea de festejar el poder de los sueños y de los recuerdos aunque se reblandezcan con el paso del tiempo como lo sugiere la obra referida, ya que las remembranzas son en gran parte responsables del contenido de estas obras.

Por otra parte, la pintura de Warhol considerada en relación con la producción de Jurado reitera su admiración por el arte Pop la cual es evidente desde la primera mirada a su trabajo, por su vivo cromatismo reminiscente de la publicidad, al igual que lo reitera su alusión a El Ángel de los viajeros de Niki de Saint Phalle, una obra que, además de su colorido rutilante rebosa vitalidad como lo hacen las formas que acompañan las representaciones del artista colombiano que parecen desplazarse a lo largo y ancho de sus lienzos.

Pero, a pesar de que las obras de esta exposición se circunscriben a la pintura, sus referentes no se limitan al reconocimiento de aportes en el área pictórica sino que también aluden a trabajos de tipo conceptual como Fuente de Duchamp, su famosos orinal, trabajo pionero en materia de apropiaciones, un recurso que, como se ha visto a lo largo de este texto, ha sido fundamental en la producción de Jurado, en tanto que su referencia a la obra de Christo, el artista conocido por sus envoltorios, en ocasiones, como en este caso, de grandes construcciones, pareciera constituir una indicación de que lo principal en su trabajo, por encima de alusiones extra artísticas, son los logros estéticos así como cierto ánimo lúdico, un claro disfrute en su concepción y ejecución”.

El Edificio Terpel plantea un proyecto de intervención, en sus áreas comúnes. Miembros del edificio y asesores externos hacen parte del comité que seleccionó los proyectos ganadores. Hasta el primero de diciembre estará la intervención de Beatriz Olano, Tensiones. Posteriormente, se contará con intervenciones de Édgar Guzmánruiz y Natalia Castañeda.

El Instituto Distrital de las Artes, Idartes, traerá a Bogotá, durante el mes de octubre, al artista mexicano Éder Castillo, con la propuesta ‘GuggenSITO’, un juego inflable con una estructura similar a la del Museo Guggenheim de Bilbao, con el objetivo de crear una conexión social. En ‘GuggenSITO’ se pueden desarrollar muestras artísticas, desde performances, conferencias, hasta conciertos. Pero su propuesta principal, en palabras de Castillo es: “Realizar un breve recuento de manifestaciones artísticas y

’Naturaleza casi Muerta’, obra Beatriz Gonzalez.

ARTERIA Ed. 35

movimientos, así como de proyectos que por su naturaleza nos brindan horizontes desde donde ampliar nuestra visión del arte hoy día”.

Durante el desarrollo del Segundo Festival Gabriel García Márquez, Visiones de México en Colombia, se presenta ‘Pintura mexicana contemporánea’, de los artistas Javier Fernández y Javier Mariano. La muestra cierra el 30 de septiembre. En el Centro Cultural Gabriel García Márquez de Bogotá.

En la Galeria Santa Fe, a partir del 19 de septiembre y hasta el 20 de octubre se podrá visitar la exposición, ‘Apocalipsis WOW’, donde el video y las estructuras son protagonistas. Los artistas, Sara Milkes, Ximena Díaz, William Aparicio, Santiago Pinyol, Victor Garcés y Alberto Roa. La muestra cuenta con la curaduría de Santiago Rueda, a través de la cual, se aborda “Una actitud crítica que comprende tanto el examen de la vida a la sombra del árbol del hiperconsumo; la manipulación mediática y la corrupción a gran escala que vive el país; el desarrollo de nuevas tecnologías de visión y mapeo; los problemas frente a la representación y sus límites; la voracidad de los monopolios económicos; y la alienación de la comunicación y la transformación de la intimidad y el sexo en la vida virtual”.

En la exposición ‘Caperucita roja te amo: mi colección’ se encuentran diferentes versiones de la historia que publicó en 1697 Charles Perrault, representada en textos, ilustraciones, videos y otros objetos. La muestra se presenta en la Cámara de Comercio de Medellín, en el Centro empresarial Aburrá Norte, hasta el 17 de octubre.

Hasta el 15 de octubre estará abierta la exposición ‘Glob-all Mix: 30 afiches para un mundo sostenible’ en el Área Cultural del Banco de la República de Cali. En palabras del curador y creador de la muestra, Felipe Taborda, “Cuando salió por primera vez la noticia que Río de Janeiro sería la sede de la Conferencia de las Naciones Unidas sobre el Desarrollo Sustentable 2012 (Río+20), inmediatamente pensé en reeditar la experiencia del evento, 30 Afiches sobre el ambiente y el desarrollo, proyecto que realicé hace 20 años para la Conferencia de las Naciones Unidas sobre el Medio Ambiente y el Desarrollo (Río 92)”.

Julián Urrego y Adriana Pineda desarrollaron ‘Un instante helado en el que todos ven lo que hay en la punta de sus tenedores’. Durante dos meses Pineda leyó un libro, sin que Urrego supiese cuál era. Durante este lapso de tiempo, Pineda le enviaba manuscritos a Urrego quien después de leerlos los reinterpretaba y generaba un texto visual. El resultado se podrá ver hasta octubre 5 en la sede San Fernando Plaza, del Colombo Americano de Medellín.

Hasta el 12 de octubre, en el Colombo Americano de Cali, Leonardo Gómez presenta la exposición ‘Under the Rock’. En sus palabras, “es un culto, una ilusión, el insight; un universo paralelo

cuyo lenguaje pocos hablan pero todos entienden; homenaje a infinitas y apasionadas horas de ensayo en un garaje, donde sin publicistas, discos de platino, djs, ni grammys, la fama es el estado de ánimo del rock”.

En el Museo Rayo (Roldanillo, Valle) se presentan las exposiciones, ‘Maestros de la pintura colombiana’, ‘Panorama gráfico’ y ‘Zoo-Rayo’.

‘Maestros de la pintura colombiana’ cuenta con la curaduría de Miguel González; una selección de obras colombiana producidas en tres décadas del siglo XX. En ‘Zoo-Rayo’ se presentan las obras de animales del maestro Rayo, bajo la curaduría de Édgar Correal. ‘Panorama gráfico’ presenta obras de: Alfonso Quijano Acero, Luis Ángel Rengifo, Hanné Gallo, Augusto Rendón, Enrique Grau, Juan Antonio Roda, Umberto Giangrandi, Diego Arango, Pedro Alcántara, Luis Caballero, Juan Manuel Lugo, Margarita Monsalve, Édgar Negret, Eduardo Ramírez Villamizar, Carlos Rojas, Beatriz González, Carlos Granada, Manuel Hernández, Óscar Muñoz, Ever Astudillo, Saturnino Ramírez, Óscar Jaramillo, Antonio Caro, Alfredo Guerrero y Antonio Grass.

La muestra ‘Bola viva’ se presenta en el Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo de Santa Marta hasta el 27 de septiembre. 30 obras realizadas por artistas cubanos que hacen referencia a la pelota de béisbol, por el hecho de ser difícil de atrapar por ser una ‘Bola viva’.

Durante la celebración de los 50 años de la Universidad del Magdalena, el 15 de agosto pasado el artista SOLER desarrolló un performance con más de 1.000 personas. Además, documentó todo el proceso, ‘Anticipación/Retrovisión’. Los resultados del proyecto se presentan en el Museo de Arte San Juan Nepomuceno, de Santa Marta, hasta el 23 de septiembre. La muestra cuenta con la curaduría de Santiago Rueda, quien describe el desarrollo del performance: “se les pidió a los asistentes que se recostaran en el suelo, se les cubre con un polvo blanco dibujándose la silueta de cada uno, para luego levantarse y dejar la huella de sus cuerpos. Reflejando los elementos que configuran la línea del artista: la forma, los fluidos, la sangre, lo dúctil”.

La exposición itinerante, del proyecto curatorial ‘Inter cambios’, que hace parte de los 14 Salones Regionales de Artistas, Región Orinoquía-Amazonia, tiene como eje conceptual la teoría que Oswald de Andrade denominó como Antropofagia cultural, interpretada como la acción de “ingerir” críticamente lo que viene de otras partes, generando de esta manera una dinámica en ambos sentidos que provoca “intercambios transculturales”. La muestra presenta obras que se expusieron en la sala Guayupe, de la Biblioteca Germán Arciniegas de Villavicencio y una caravana tiene como principal componente el container que alberga la muestra de las obras, proyectos y resultados de algunos experimentos. El proyecto Inter cambios asume una descentralización real

del Salón al usar este espacio expositivo móvil que recorre desde finales del mes de agosto algunas poblaciones de la región. Para la puesta en marcha de esta curaduría, se cuenta con el apoyo de la Corporación Cultural Municipal de Villavicencio, Corcumvi. Mayor información: www.salonesdeartistas.com.

El ganador de la residencia en la Galería Santa Fe, Ramiro Ramírez, presenta el proyecto ‘Por sus carros los conoceréis’. El concepto que desarrolla es el de pensar el pasado y el presente de Bogotá, una ciudad en constante transformación que mantiene lugares que parecen detenidos en el tiempo, como La Magdalena, Palermo o La Soledad. El artista propone a los autos como la insignia de poder y privilegio de cada personaje.

La mayoría de los vehículos fueron usados como trincheras aquel 9 de abril de 1948. Por esta razón, el recuerdo de los autos está en viejas fotografías de periódicos. Los días 20 de septiembre y 4 de octubre, Ramírez realizará charlas sobre el proyecto de acceso gratuito. Información: www. galeriasantafe.gov.co.

‘Oro negro’, de la artista Ana Mercedes Hoyos, se presenta hasta el próximo 14 de octubre en el Museo de Arte de la SHCP, Antiguo Palacio del Arzobispado de la Ciudad de México.

Son 50 piezas en pintura, escultura, dibujo, fotografía, grabado e instalación, que hablan del reconocimiento de la población africanoamericana como una forma de reivindicación de la condición humana. Hoyos ubica su trabajo entre el hiperrealismo y una transpolación plástica del arte Pop en un contexto latinoamericano, entendiendo con ello la creación de imágenes cuyo impacto está centrado en contenidos directos a través de elementos iconográficos o gráficos a gran escala. La muestra es presentada por La Oficialía Mayor de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, a través de la Dirección General de Promoción Cultural, Obra Pública y Acervo Patrimonial y La Embajada de Colombia.

‘Premoniciones del fin del mundo’ es una exposición planteada por la Fundación Universitaria de Bellas Artes, y presentada en la Casa de la Lectura Infantil (Medellín), abierta hasta el 30 de septiembre.

‘La noche del Ángel’ es un homenaje a Ángel Loochkartt en el Taller-Galería La Escalera.

Veinte artistas colombianos exaltan la labor de Loochkartt, quien nació en Barranquilla en 1933 y es conocido por series de obras como: ‘Congos del Carnaval de Barranquilla’, ‘Travestis’, ‘Etruscas’, ‘Ángeles Perversos’ y ‘Tanguistas’. El tema que desarrollan los artistas participantes es la noche. El mismo que Loochkartt ha trabajado durante cinco décadas. Los participantes son: Augusto Rendón, Dioscórides Pérez, Nicolás de La Hoz, Fernando Maldonado, Manolo Colmenares, Eduardo Esparza, Jaime Pinto, María Victoria García, Fabiola Flórez, Adriana Patiño, Marlén Amaya, Patricia Tavera, Sergio Trujillo

Septiembre - Octubre 2012

Béjar, Martha Guzmán, Héctor Castro, Yolanda Mesa, Nicholas Esperakis, Roshi Gómez y Patricia Ortega.

CONVOCATORIAS La Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte, el Instituto Distrital de las Artes -Idartes y su Gerencia de Artes Plásticas y Visuales, convocan a los agentes del sector de las artes plásticas y visuales para que participen como candidatos o electores de las elecciones de los sectores que se encuentran sin representación del Consejo Distrital de Artes Plásticas y Visuales. Este espacio de participación ciudadana tiene como objetivo principal la deliberación, participación y concertación de las políticas, planes y programas públicos y privados y las respectivas líneas estratégicas de inversión para el desarrollo del área artística de artes plásticas y visuales en el Distrito Capital. Fecha límite de inscripción: 5 de octubre.

Información: www.idartes.gov.co La Galería Casa Cuadrada abre la convocatoria para la versión número 11 del Salón Nacional de Arte Diversidad, 2012, dirigida a mayores de 18 años, que estén vinculados con las artes plásticas o visuales. La temática y la técnicas son libres.

Fecha límite de inscripción: 17 de noviembre.

Información: www.casacuadrada.com Desde el 24 de septiembre hasta el 6 de octubre se recibirán las propuestas de la sexta versión de la Bienal Regional de Arte en Antioquia. El temática será: Moradores y Transeúntes. La intención apunta a la valorización del territorio, redescubriendo su geografía y reconstruyendo la historia.

Información: www.udea.edu.co.

NUEVOS ESPACIOS La Quincena, un espacio para mostrar proyectos gráficos, visuales, sonoros, editoriales y artísticos, abrió recientemente en Teusaquillo en Bogotá. La muestra inaugural ‘Ficciones a medias’, indaga los límites entre verdad y mentira, a través de collages de imágenes y objetos. Los participantes son: Álvaro Álvarez, Catalina Bulla, Fernando Uhía, José Covo, Juan Manuel Blanco, Natalia Becerra, Pedro Manrique Figueroa, Susan Andrade, Vivian Tole y Wonksite.

Casa Ibáñez Herazo es un espacio cultural, ubicado en la Vereda Juaica Carrón en Tabio, Cundinamarca como espacio para el apoyo y divulgación de artistas plásticos y visuales. www. casaibanezherazo.com.

Galería de Arte Contemporáneo Ele Alcuadrado es un espacio de exposición, ubicado en Chia, Cundinamarca. En la actualidad presenta la muestra ‘7 Mundos pictóricos’, en la que participan: Andrea Astudillo, José Luis Ardila, Toloza Villalobos, Javier Santamaría, Uriel Ladino, Sergio Arcos y Luisa Linares.

El país de los demás

Un proyecto de Fernando Arias Del 30 de agosto al 6 de octubre de 2012 Cr. 5 No. 26 B - 76

Bogotá - Colombia

lunes a viernes 10 am - 6 pm / sábados 10 am - 2 pm

3

Tel: (571) 2821474 / 0973

4

ARTERIA Ed. 35

Septiembre - Octubre 2012

Miguel Ángel Rojas plantea con una instalación que incluye escultura, video y fotografía la tragedia que ha sido la producción y el comercio ilegal de cocaína.

Es una síntesis de varias obras del artista bogotano.

‘El camino corto’ o los desastres de la cocaína

Miguel Ángel Rojas muestra los estragos que ha causado la cocaína desde diferentes ángulos y como su comercio ilegal ha afectado a las sociedades de distintas maneras.

Por: Diego Guerrero

E

n alrededor de cien metros de las paredes altas del Museo de Arte de la Universidad Nacional, en Bogotá, comparten espacio los nombres de cientos famosos. Mezclados en diferentes tamaños están P Hilton, D Maradona, Billie Holliday, Elton John, K Cobain… junto con alias como El Arete, Fritanga, La Rana, Chupeta, Garraseca…

Los primeros, mundialmente famosos por ser del jet set, por ser deportistas o artistas destacados; los segundos, pasaron de ser temidos en el mundillo del hampa a resonar en los noticieros por manejar –unos más, otros menos- uno de los negocios más productivos de todos los tiempos: la producción y tráfico de cocaína.

Aunque los unos tal vez nunca se encontrarán con los otros en una calle de Hollywood o en una selva colombiana, Miguel Ángel Rojas (1946) los pone en el mismo espacio –al igual que están en el mapa mental de cualquier colombiano medianamente informado-, sobre

esos muros blancos que recuerdan el color del polvito que, sin que ellos lo sepan, los une.

‘El camino corto’ se llama la exposición de este artista bogotano que lista los nombres de celebridades consumidoras de cocaína y productores y comerciantes tristemente célebres.

De hecho, al ver los nombres escritos mediante círculos de unos dos centímetros de diámetro, obtenidos de 2.000 billetes de dólar reales, comprados y troquelados, uno se pregunta por qué los unos caminan con garbo bajo las luces de los flashes, mientras los otros se ocultan, perseguidos por la justicia.

“La droga es un problema entre mundos. Los narcos quieren ser ricos ya y los famosos quieren ser felices ya con un pase de cocaína, que finalmente los lleva a la muerte”, dice Rojas.

Por eso junto a los nombres de los muertos por la droga hay una pequeña estrella diseñada con hojas de coca. No sobra recordar que

Fotografía: Óscar Monsalve.

la cocaína es un alcaloide obtenido de una planta que es sagrada para los pueblos indígenas y cuyos miembros usan su hoja en ese contexto, el sagrado.

Dice Rojas, que encontrar los nombres fue fácil. Incluso aquellos que destacan por el atractivo color verde y amarillo oro de las estrellas de hoja de coca que los acompañan: “No es difícil encontrar personalidades. Escribes droga en Internet y la lista es interminable”, comenta. El problema es que en esas listas no están todos los que son: “En las paredes ves nombres de los dos mundos.

Ambos son igualmente culpables en la guerra que tenemos aquí y son los indígenas los que ponen los muertos”, sentencia el artista.

El otro lado de la hoja Y si los muros altos color blanco cocaína parecen una tenebrosa metáfora de las tumbas y de las salas de hospital que productores y consumidores tratan de evitar, el resto de la sala no es más alentadora.

ARTERIA Ed. 35

Septiembre - Octubre 2012

5

“Usamos dólares reales porque en el arte contemporáneo es importante la realidad y trabajar con materiales significativos. Por eso también uso hoja de coca”.

Miguel Ángel Rojas.

En una pared entre los nombres hay varias cabezas que semejan ser precolombinas, tan grandes como un puño: “Son los muertos que hemos recogido, producto de un comercio insano –explica Rojas-.

Los hice con harina de maíz, pasto sabanero y pigmentos. En la boca les puse hiel por la amargura de lo que les ha pasado: la guerra de la cocaína ha llenado de amargura a los descendientes de quienes encontraron la hoja de coca”. La hiel les deja una línea verde que, para colmo, a veces parece una mordaza.

Copias de cerámicas precolombinas con una franja de hiel en la boca muestra la amargura que sufren los pueblos indigenas. Cortesía Museo de Arte de la Universidad Nacional.

“La droga es un problema entre mundos.

Los narcos quieren ser ricos ya y los famosos quieren ser felices ya con un pase de cocaína, que finalmente los lleva a la muerte”.

Miguel Ángel Rojas La propuesta del bogotano no olvida el daño ecológico. En medio de la sala levantó un pedazo de selva, oscura y medio desértica, que llamó Terreno de decepción. Hay algunas raíces y piedras tan grandes como sillones con una lama verde, sobre un terreno pantanoso. En un costado hay una fosa rectangular en la que perfectamente cabría un cuerpo. Y ya se sabe lo que eso significa en el imaginario de los colombianos.

Entre la realidad y la puesta en escena Para esta obra de Miguel Ángel Rojas se usaron 2.000 dólares que fueron troquelados para escribir 700 nombres de personas relacionadas con la cocaína.

Cinco bloques de icopor de 3 por 124 metros fueron necesarios para construir el escenario del Terreno de decepción en medio de la sala.

“Lo verde en las piedras es mambe (hoja de coca pulverizada), que a veces uso como pigmento para serigrafías y que aquí imita el musgo.

Lo demás es carbón vegetal y pigmentos”, explica Rojas. En la fosa hay un líquido, como si hubiera llovido y se hubiera llenado, pero el artista aclara que es glicerina con la que hidrata las hojas de coca en su taller.

La exposición fue comisionada por el Museo de Arte de la Universidad Nacional y curada por María Belén Sáez de Ibarra. Según el artista, es una síntesis de obras realizadas anteriormente e incluye el video El túnel del tiempo y varias cabezas basadas en esculturas precolombinas.

Como las piedras son de icopor y las raíces, de papel maché, resulta que nada es real, todo es una puesta en escena. “Lo falso es, en un sentido, decepcionante”, dice al referirse a ese espacio en donde lo único real parece ser la hoja de coca pulverizada.

Junto a este terreno, tal vez como una especie de horizonte, hay dos fotos de un bosque de niebla con un letrero que dice: “Caiga de lo alto bienhechor rocío como riego santo”. “Son fotos tomadas en el tiempo en el que en Colombia se debatía el riego de las zonas cocaleras con glifosato. ¿Por qué envenenar el país para acabar con una adicción extranjera?”, se pregunta Rojas.

Quien no lo sepa, tal vez entienda del todo el concepto, pero podrá guiarse por un detalle imposible de pasar por alto: decenas de pequeñas calaveras con los huesos cruzados, como la de la bandera pirata o de las etiquetas de veneno que cruzan las fotos de lado a lado: como una advertencia de que ese hermoso paisaje neblinoso está envenado.

Lo que no deja duda es el contraste que plantea la obra: la blancura suprema de las paredes en donde ‘habitan’ los consumidores y traficantes de cocaína, aún con su desigualdad, que parece estar lograda a costa de la oscuridad de la tierra que produce la planta sagrada.

E LoS A

http: / /a rte.un infarte@ iandes.edu.co uniande rEg r Ad Carrera s.edu.co o En Ar primera TE / Pr # 18A -7 Te o g r Am lefax (5 0 C o 71) 3 A d E Pr nmu Eg r Ad o Extensió tador (571) 3 3 32 4450 En H IST n 2626 94949 / / Especi o rIA d E 99 alizació L ArTE n 2636 Bogotá, Colomb ia

Id A d d

mA d E P

ación

u m A n Id

Especializ

Universidad de los andes - personería jUrídica: res . no. 28 del 23 de febrero de 1949, minjUsticia pregrado en arte código SnieS 1527 • pregrado en hiStoria del arte SnieS 91386 eSpecialización creación MultiMedia código SnieS 7026

d dE A

http: //cr e eacion-m d ia ultimedia 3 39 49 .uni 49 / 99 extensión andes.edu.co/ 263 6 - 2 6 04

rTE S y H

n M u ltiM

FA C u LT A

C r e a C ió

Ad ES u

n Iv E r S

Pro g r A

n d ES

Las paredes muestran en dólares nombres de narcotraficantes y de celebridades que han usado cocaína. Foto Diego Guerrero

6

ARTERIA Ed. 35

Septiembre - Octubre 2012

`Quiero hacer una especie de vuelta a Colombia`: Antonio Caro Por: Manuel Rodríguez-Sarmiento*

A

partir del 21 de septiembre de 2012 se llevará a cabo en el Instituto de Cultura de Boyacá, en Tunja, la exposición antológica del proyecto artístico de Antonio Caro.

La muestra es una iniciativa curatorial del propio artista y se presenta en el marco de la propuesta promovida por La Cooperativa, uno de los proyectos ganadores de la Beca de Investigación Curatorial para los 14 Salones Regionales de Artistas - Zona Centro, presentado en el 2010 por los artistas Felipe Arturo, Leyla Cárdenas, Nicolás Consuegra, Ximena Díaz y Mónica Páez.

La antología reúne proyectos artísticos importantes y memorables como la instalación San Andrés, Providencia y Santa Catalina, trabajos de impresión como Achiote y Aquí no cabe el arte, así como registros de acciones y propuestas como Homenaje a Manuel Quintín Lame, Defienda su talento, la Estampilla Maíz y Todo está muy Caro.

Durante dos semanas, el artista realizará su proyecto Taller de Creatividad con jóvenes de la región y con el apoyo de TPT y Plataforma 14, ambos colectivos de creación y gestión cultural de la zona.

Como una primicia, la muestra antológica presentará el último trabajo del artista que lleva como título Minería y que consiste en una intervención a la bandera de la República de Colombia en la que la franja amarilla que representa el oro y la riqueza de los recursos naturales de la patria se le reemplaza con una negra, a la que se le superpone la palabra “minería” escrita en color amarillo.

En una de las numerosas entrevistas públicas que desarrollamos hace casi una década como parte del proyecto colaborativo que buscaba generar diálogos entre prácticas artísticas y estudios visuales y culturales, Caro afirmaba que tenía un “arma secreta” que consistía en validar su discurso no tanto en el circuito artístico sino en los elementos “reales y concretos” de la sociedad colombiana: “Lo mío vale porque el discurso que tomo para disfrazarlo es valido sin arte […] Creo que un poco del valor artístico de lo mío está por fuera del arte”.1 Efectivamente, esta antología es ante todo un despliegue de algunas de las “armas secretas” del proyecto artístico de Caro que toman como blanco, por lo menos, dos aspectos sobre los cuales vale pena insistir: el vínculo y límite problemático y productivo entre memorias sociales y el universo artístico y la tensión entre la pulsión diacrónica del relato nacional y la sincronía de su trabajo para registrar las historias no-nacionales y restituir la heterogeneidad a la escritura del proyecto nacional.

En el primer caso, el objetivo es la tendencia autoreferencial de la institución arte. En el segundo caso, es la sintaxis del olvido que da forma a la gramática nacional. En ambos, su trabajo opera a la manera del retorno de lo reprimido que priva a las memorias nacionales y a la institución arte del sentido de unidad y totalidad.

Boceto de la más reciente obra de Antonio Caro, que está expuesta en el Palacio de Servicios Culturales, de Tunja.

continuum del tiempo nacional no se traduce necesariamente en una búsqueda utópica, humanista o multicultural que apunte a convertir la escritura de la nación en un relato abarcador y comprensivo de las historias y tiempos heterogéneos y disímiles de la gente. Si, como señala Homi Bhabha, ser obligado a olvidar es el principio para recordar la nación, Caro, al reintroducir los signos de la diferencia interna excluida invierte lo que tiene que ser olvidado para recordar la nación en aquello que tiene que ser recordado para olvidarla.

Para el caso del Homenaje a Quintín Lame, por ejemplo, Caro apropia la firma del líder indígena para traerlo del olvido pero su interés en la firma no radica necesariamente en las cualidades estéticas de su caligrafía, sino en la garantía que ofrece la estrategia de mímica y repetición.

Un líder indígena se apropia de la retórica del Estado nacional y se convierte en un abogado de la causa indígena. No sabe escribir en castellano y aprende leyes para poner la retórica nacional contra sí misma.

“La bandera nacional transformada recuerda la persistencia de la construcción cultural colonial”.

Como lo ha señalado Luis Camnitzer, esta forma de guerrilla visual funciona ante todo a partir de estrategias no ortodoxas para luchar a pequeña escala y son efectivas en tanto socavan la colonialidad de la nación y debilitan su autoridad cultural. Se combinan con estrategias de mascarada y mímica que, como él ha señalado arriba, se camuflan en el mundo del arte para hablar del universo que está por fuera de él pero que lo define como su diferencia. Son efectivas gracias a su genialidad al momento de apropiar y resignificar la representación cartográfica y los símbolos nacionales que operan como los caracteres visuales de la escritura nacional.

La reinserción de las historias no nacionales al

Caro apropia técnicas ancestrales, las tipografías comerciales multinacionales, los íconos nacionales y la firma de un líder no nacional, para sacar a la luz los fragmentos, residuos y parches que usa el nacionalismo para incluir/excluir la diferencia interna y crear la comunidad de la nación, y, como también señala Camnitzer, para apuntarle a aquellos blancos que son venerados por las estructuras de poder del mundo artístico. 2

1. Valdez V.2, p. 349.

2. Luis Camnitzer, “Antonio Caro: Guerrillero visual, visual

Por su parte, Caro se apropia del lenguaje del arte para cuestionar su auto referencialidad y su pretensión de universalidad. Al imitar la retórica nacional, Quintín Lame pone en cuestión la pretensión del discurso nacional de ser imitable — que se expresa en la repetición del ritual social de los himnos y las fiestas nacionales- puesto que al repetirlo Quintín Lame más que imitarlo lo disemina, es decir, pospone su significado y establece el límite de su autoridad cultural.

Caro, al imitar la firma de Quintín Lame pone en cuestión la pretensión del arte de ser inimitable y original. Ambos usan la estrategia de la repetición de símbolos, códigos y tácticas mediante la cual las instituciones culturales nos obligan a olvidar las historias de exterminio y exclusión que dieron forma a la nación. El uno se esconde en el discurso de la legalidad y el otro el discurso del arte.

Para el caso de su nuevo trabajo Minería, la bandera nacional transformada recuerda la persistencia de la construcción cultural colonial en donde se guerrilla,”. Polyester 4, 12 (Verano 1995), 44.

Cortesía: Antonio Caro.

mezclan El Dorado, el oro negro y el carbón que, al mismo tiempo, funciona como el amanecer nacional y la oscura noche de las regiones y de la gente “olvidada”. Llama la atención sobre la problemática de la minería ilimitada que parece solo beneficiar a las compañías que retornan por el oro y las riquezas minerales de la zona, poniendo en riesgo la biodiversidad y la diversidad cultural. Justo al momento de escribir esta reseña, el diario El Espectador hacía pública la carta de Noam Chomsky al presidente Juan Manuel Santos donde expresaba su preocupación por el futuro del ecosistema del Macizo Colombiano a raíz de los planes de explotación minera en la región. El artículo cita al líder campesino Óscar Salazar quien afirma: “Estamos defendiendo al Macizo Colombiano de la locomotora minera”. Se calcula que por lo menos 19 empresas nacionales e internacionales han iniciado gestiones para la explotación de lo que él llama “la estrecha hídrica de Colombia”. 3 En una conversación informal, Caro expresaba su interés por difundir y promover la apropiación de su trabajo en las regiones y rincones olvidados del país: “Mi trabajo es recordado en los sitios más recónditos e inesperados. Quiero hacer una especie de vuelta a Colombia” afirmaba. La vuelta a Colombia es también una invitación a volver sobre Colombia, sobre aquellas historias no nacionales que deben ser olvidadas para gracia del discurso nacional pero que reaparecen en la memoria oficial para deconstruir su unidad aparente, restituir la heterogeneidad propia de su tiempo y de su geografía e instalar la presencia de aquella diferencia que se le escapa. *�������������������������������������������������� Ph.D. En Estudios Visuales y Culturales de la Universidad de Rochester (EE. UU.). M.A. en Historia del Arte (Siglo XX) Goldsmiths’ College, Universidad de Londres. Ha sido profesor de las Universidades Nacional, de los Andes, Pedagógica Nacional y Javeriana. Curador independiente. Actual Vicerrector de Gestión Universitaria de la Universidad Pedagógica Nacional en Bogotá.

3. http://www.elespectador.com/impreso/vivir/articulo-375077chomsky-defensa-del-macizo-colombiano.

ARTERIA Ed. 35

Septiembre - Octubre 2012

7

Colombia en el Rencontre Internationale d’Art Performance 2012 de Québec.

Por: Ricardo Arcos Palma*

E

ste evento donde Colombia fue invitado de honor, existe desde hace unos treinta años y es liderado por el grupo de la Revue Inter Art Actuel y Le Lieu, centro de arte contemporáneo independiente.

En él han confluido artistas como Marina Abramovich y ORLAN. Esta versión, está liderada por Richard Martel artista del arte acción de Québec y un equipo curatorial conformado por Clemente Padín, Michaël La Chance y Constanza Camelo. Por Québec el Colectivo PLOTES (Marie-Andrée Godin, Maude V. Veilleux y Geneviève Robitaille), Christian Messier, Sarah Smith y Gullaume Adjutor-Provost fueron los más relevantes.

acciones que hacen referencia al desplazamiento violento y a la guerra: con unas botas pertenecientes a un soldado canadiense muerto en la Guerra del Golfo, el artista escribe sobre la pared una frase de Tiro Fijo en lodo que alude al conflicto armado en Colombia.

Sus acciones que fueron muy rápidas, se antecedieron a un explicación que él hizo. Eso le restó fuerza conceptual al trabajo. En este caso, pese al prestigio que ostenta este artista, su presentación fue mediocre.

Carlos Monroy quien realiza tres cortas acciones donde la reflexión sobre lo que significa el arribismo y la notoriedad; él asume la condición de un atleta, de un chippendale donde éxito, exhibicionismo y fama, se mezclan insistiendo sobre la condición del artista.

Edwin Miguel Jimeno, quien no pudo asistir pues el servicio migratorio canadiense le negó la visa, envío un par de videos de sus acciones anteriores, donde el artista se hace marcar por

a cuestionar la situación y premura económica de su país.

Los Torreznos, es una pareja de artistas (Jaime Vallaure y Rafael Lamata) que vienen trabajando desde años; ellos en una perfecta puesta en escena se sentaban uno al lado del otro, vestidos impecablemente y, como si estuviesen realizando una competencia de automóviles simulan el sonido de motores con sus bocas. Álvaro Terrones, con humor realiza una acción donde se dirige con bastante sigilo a una silla roja que se encuentra frente a él y donde reposa un pequeño pastel. Simula una corona realizada con una reglilla plegable que pone sobre su cabe-

Juan Ángel Italiano, insiste en rescatar la memoria histórica sobre la época de la dictadura, en la década de los años setenta y ochenta. Fotos de desaparecidos, proyección de esos rostros, frases como “dónde están ellos” que el artista pega en las frentes de algunos asistentes y un mapa del continente realizado con graffitti donde él pega palabras que aluden a la libertad, la igualdad y la fraternidad.

Finalmente Mariana Picart Motuzas, quien desde una perspectiva de la antipsiquiatría, realiza un acción donde el cuerpo desnudado y el lenguaje se ven confrontado a la “creencia”. “¿tu crees?, ¿yo creo?, ¿ustedes creen?” son frases que la artista repite una y otra vez y donde el público

Fernando Pertuz realiza una acción de lectura de miles de nombres de personajes desaparecidos.

za; luego camina lentamente y un pito de juguete en sus zapatos lo delata. Al final, cuando se acerca a la silla, un jugoso bocado deja el pastel a medio devorar y vuelve de nuevo a la pared.

La selección de Uruguay fue representada por Héctor Bardanca, quien influenciado fuertemente por la poesía sonora, realiza una acción en diferentes niveles que confronta la razón y

termina respondiendo afirmativa o negativamente.

Por Francia el colectivo femenino Alias Black Marquet que parodian el grupo que tiene este nombre realizan una performance donde la feminidad se ve confrontada a objetos de la vida cotidiana: una de ellas Léa le Bricomte, hace equilibrio sobre vasos llenos de agua calzada de zapatos con tacones mientras Lucie Mercadal “dialoga” difícilmente con un colchón que mueve

Nadia Granados con `La Fulminante`. Cortesía: RIAP.

Por Colombia, Nadia Granados representante del porno-terrorismo en América Latina; en su trabajo la condición crítica sobre el cuerpo femenino como objeto de consumo, lograr mezclar imágenes publicitarias de tinte político, música y gestos propios del mundo de la prostitución donde arte, política y ética son la esencia de su propuesta. “La Fulminante” se apoya en proyecciones vídeo que mezclan se promiscuamente con su cuerpo, donde vemos frases como “la bella rebelión”.

Fernando Pertuz Villa quien es uno de los máximos representantes de lo que he llamado “la generación de los noventa” y quien lidera un movimiento llamado Performance Art Net; realiza una acción de lectura de miles de nombres de personajes desaparecidos por muertes violentas.

La lista de estos nombres son quemados por la llama de una vela y sus cenizas depositados en una urna de cristal.

La acción se transmite en directo por la red y tiene una duración de ocho horas diarias. Esta obra se inscribe dentro de una línea muy clara para el artista de activismo político.

Rosemberg Sandoval, presentó un par de

un soldado, la espalda con hierro candente una frase que dice “propiedad del estado”.

Entre lo cotidiano y la política Por España están Julia Isabel Fernández Sánchez, quien realizó una acción en el espacio público nocturno vestida completamente de negro hasta su rostro y armada de un cuchillo. Dos naranjas exageraban las formas de su cuerpo: una dispuesta a la altura de su sexo y otra sobre uno de sus senos. Ella ofrecía una rodaja de su sexo-naranja cortada con el chuchillo que algunos comían. La referencia a uno de los símbolos culturales y comerciales de España, la naranja, es detonante de una reflexión sobre la situación política. Ángela García, vestida como una oficinista realizó una performance donde el leguaje y la comida son su esencia: la artista sentada frente a una mesa servida, devora una sopa de letras cruda, tratando de hablar con la boca llena. Ella escribe en un muro el significado de la palabra “Voltear” y con una serie de platos de cerámica que comienza a hacer girar sobre el suelo hasta que se rompen entre sí, haciendo participar a los asistentes. Esta acción también va encaminada

Fernando Pertuz Villa presentó `250 mil seres humanos`. Cortesía: RIAP.

la sinrazón. Su acción deviene rápidamente un happening donde la proyección-vídeo es un elemento plástico fundamental. Él escribe en el suelo algunas letras con tierra y harina y luego utiliza algunos asistentes para que con sus cuerpos escriban otra letra. Jesusa Delbardo realizó una performance con vídeo, donde vemos una silla blanca de madera, perforada por la artista con un taladro. Invitando al público a enunciar cualquier frase la artista repetía la oración mientras perforaba la silla. Debajo de la silla, de una manera muy discreta había una replica en menor escala e igualmente pintada de blanco. La acción termina con la silla, atada a su cuerpo saliendo de la escena. En la pantalla encontramos la réplica en pequeña escala de la silla con los restos de aserrín.

de un lado al otro de la sala.

El encuentro teórico realizó un diagnóstico del performance: Juan Ángel Italiano habló del “Performance y arte acción en Uruguay: 1961-1985”; Mariana Picart Motuzas presentó su investigación sobre “Arte acción: Problemas éticos, estéticos y socio-políticos”; y el invitado de honor, quien escribe sobre este evento, habló sobre: “Dos décadas de performance en Colombia: 1990-2010”. *Curador, crítico y teórico del arte. PhD de la Sorbona en Artes y Ciencias del Arte, Coordinador Académico de la Maestría en Historia y Teoría del Arte, la Arquitectura y la Ciudad de la Universidad Nacional de Colombia.

8

ARTERIA Ed. 35

Septiembre - Octubre 2012

Las víctimas del conflicto cuentan su historia ‘Somos tierra’ se compone de 16 piezas entre fotografías, esculturas, instalaciónes y medios visuales. Plantea que la sociedad debe avanzar en el proceso de verdad, justicia y reparación.

Por: Gonzalo Cárdenas

‘L

a guerra que no hemos visto’, de Juan Manuel Echavarría; ‘Somos tierra’, de la Fundación Minga; ‘Tierra prometida’, de Gloria Posada, ‘Versión libre’, de Clemencia Echeverri, ’Recuérdame’, de la Fundación Manuel Cepeda y una acción in situ de ‘Omar’, un artista campesino de El Placer (Putumayo), región azotada por los grupos armados, son las exposiciones que se realizarán durante la ‘V Semana por la Memoria’, organizada por el Centro de Memoria Histórica (CMH).

Por otro lado, la artista Gloria Posada presenta ‘Tierra prometida’, una recolección de cien testimonios de personas de Medellín, que cuentan sus deseos y esperanzas.

El proyecto de Clemencia Echeverri, ‘Versión libre’, entrega cinco proyecciones simultáneas que forman una video-instalación. Mientras que ‘Recuérdame’ muestra a través de fotografías los impactos de la violencia sociopolítica en los Montes de María (Bolívar) y en el Bajo Putumayo, en el sur de Colombia.

Este evento anual tiene como fin publicar los informes de las recientes investigaciones sobre las víctimas en el conflicto y son un adelanto del Informe General, que se mostrará en julio del 2013. El objetivo es apoyar los procesos de verdad, justicia y reparación.

Con los eventos los organizadores quieren visualizar y apoyar las iniciativas artísticas y culturales referentes a la memoria. Para ellos las artes son una forma de superar el duelo de las víctimas y un medio de resistencia frente al conflicto armado. Las muestras incluyen teatro y música.

Las seis propuestas buscan hacer visibles a las víctimas y se podrán visitar del 2 al 12 de octubre, en Bogotá, en sitios como El Espejo de Agua, dentro de la Universidad Nacional, y el Claustro de San Agustín.

A la par, se lanzarán cinco nuevas publicaciones basadas en los informes: ‘El Placer mujeres, coca y guerra en el Bajo Putumayo’; ‘Nuestra vida ha sido nuestra lucha Memoria y resistencia de los pueblos indígenas del Cauca’; ‘Los silencios y los olvidos la verdad’; ‘Tierras y territorios en las versiones libres de los paramilitares’; ‘Justicia y Paz ¿verdad judicial o verdad histórica?’

Como se expresa en el Decreto 4800 de la Ley 1448 de 2011, “La reparación simbólica comprende la realización de actos u obras de alcance o repercusión pública dirigidas a la construcción y recuperación de la memoria histórica, el reconocimiento de la dignidad de las víctimas y la reconstrucción del tejido social”.

La primera es, un relato desde el punto de vista de las mujeres del Bajo Putumayo, que soportaron las órdenes de las Farc y las Auc, quienes convirtieron esta zona en su base de operaciones, por causa de la producción cocalera.

El CMH propone generar una reflexión y sensibilización entre arte y conflicto en el país mediante tres ejes temáticos: resistencia indígena, violencia de género y el proceso de justicia y paz.

En la segunda, se presenta un estudio sobre la memoria y resistencia de los indígenas del Cauca.

El arte como testimonio ‘Omar’ es un artista que fue conminado por la guerrilla a realizar murales en los prostíbulos de la región. El artista creará un mural durante el lanzamiento de las publicaciones que hacen parte de las actividades de la Semana.

‘La guerra que no hemos visto’ es una recopilación de trabajos de 35 personas que particip-

Mural de Omar, artista de El Placer (Putumayo).

La foto, de Jesús Abad Colorado, muestra una de las obras que hizo obligado por la guerrilla.

aron en la guerra de Colombia, ya sea en las filas de la guerrilla, de las autodefensas o del Ejército.

La muestra presenta los resultados del trabajo de dos años, en el que los participantes pintaron

sus experiencias personales, las tragedias de los campesinos, el despojo de tierras y los desplazamientos forzados. Cuenta con la curaduría de Ana Tisconia.

Las otras tres publicaciones hacen referencia a la disputa por la tierra y los encuentros de víctimas y victimarios en las audiencias de versión libre.

La Semana por la Memoria también desarrollará espacios de debate público, para hacer difusión masiva en temas como derechos humanos, Derecho Internacional Humanitario y conflicto armado.

En la Semana participan organizaciones civiles, la academia, ONG, cooperantes y el sector público.

ARTERIA Ed. 35

Septiembre - Octubre 2012

9

10

ARTERIA Ed. 35

Septiembre - Octubre 2012

ARTERIA Ed. 35

Septiembre - Octubre 2012

Nueve propuestas de artistas en Plataforma Bogotá

El colombiano Édgar Guzmanruiz, en pos del mito de Germania

Arte y ciencia

Plano de Germania, la ciudad de Hitler que nunca existío. Cortesía: Édgar Guzmanruiz.

Fabio Noronha. ‘Conservadores’. Cortesía: Fundación Gilberto Alzate Avendaño.

D

U

urante tres años, los artistas Elfi Müller, de Alemania y el colombiano Édgar Guzmanruiz han desarrollado trabajos relacionados con la arquitectura y la memoria colectiva del mito Germania, la ciudad soñada por Adolf Hitler para renovar a Berlín y hacerla digna del imperio que planeaba construir.

El resultado se verá en una exposición dividida en tres partes, que ser realizará el primer semestre del año entrante en Berlín.

Albert Speer, arquitecto estrella del nazismo y ministro de Armamento durante la Segunda Guerra Mundial, fue el encargado de diseñar a Germania a la medida de los ideales megalómanos del dictador. Aunque se iniciaron algunas construcciones, estas debieron ser detenidas con el comienzo de la conflagración, para destinar los materiales al esfuerzo bélico.

La investigación de Müller y de Guzmanruiz indaga sobre las huellas que de ese proyecto quedan en la arquitectura y la memoria colectiva berlinesa.

De ella surge un proyecto, apoyado por el Servicio Alemán de Intercambio Académico (DAAD) y la fundación Nueva Sinagoga de Berlín, donde muestran lo que el arquitecto Speer planeó, para construir la ciudad de los sueños de Hitler.

Según Guzmanruiz, “la base de ambas investigaciones radica en el mito Germania, la confrontación con la destructiva arquitectura del nacionalsocialismo y su pensamiento, y con la pregunta de cómo se percibe este mito hoy en día”.

Los artistas desarrollan el trabajo en tres etapas, ‘Una visita guiada hacia el mito Germania’, ‘Realización material del proyecto’ y ‘Día de proyecto’.

En la primera parte se realizará una visita

por medio de relatos, imágenes y mapas topográficos sobre la visión que tenía Speer sobre Germania. “A lo largo del recorrido cada pieza muestra la importancia y poder que da la arquitectura y la influencia destructiva que Hitler quería tener sobre Berlín”, explica Guzmanruiz.

Luego de entender el significado del mito Germania, se pasará a un modelo a escala del actual distrito del gobierno de Berlín, en el que Guzmanruiz utiliza una cubierta transparente que toma la forma de la maqueta, con las construcciones planteadas por Speer a Hitler.

Entre ellas se destacan, el Gran Pabellón del Pueblo (núcleo de Germania) y la Gran Plaza.

Así es posible ver lo que es y lo que pudo ser al mismo tiempo.

El modelo a escala permitirá examinar y comparar la realidad del mito, con el presente. En el ‘Día de proyecto’ se hará un recorrido por la zona de Berlín que -de haber triunfado el Tercer Reich- podría ser Germania, en donde será posible comparar la arquitectura existente y la ideada por Speer.

El recorrido se iniciará en la Gran Piscina, pasará por el antiguo Parlamento, el nuevo parlamento (Reichstag), el Palacio del Führer, el Gran Pabellón del Pueblo, hasta la Gran Plaza.

Para el cierre del proyecto se plantea una mesa redonda y un panel de discusión, en la Nueva Sinagoga de Berlín, en la cual todos los participantes puedan intercambiar ideas de la experiencia.

Vale decir que Speer fue condenado en el juicio de Nüremberg a 20 años de prisión y que murió en 1981, como hombre libre y reintegrado a la sociedad alemana. Si bien durante el juicio negó que conocía el Holocausto recientes investigaciones muestran que por su cargo debió conocer la situación.

11

na exposición que mezcla tecnología y ciencia, a través del arte, se presenta bajo el nombre de ‘Conciertaciencia’ en la Fundación Gilberto Alzate Avendaño.

La muestra se realiza en el marco de Plataforma Bogotá, y puede ser visita hasta el 5 de octubre. Cuenta con la curaduría de, Santiago Rueda y Deborah Bruel.

Los artistas participantes son: Miguel Kuan, Alberto Lezaca, de Colombia, y Ana Bellenzier, Carina Weidle, Fabio Noronha, Jack Holmer, Michel Zozimo, Karen Aune y Francisco Klinger, de Brasil.

Miguel Kuan define su obra Cucaracha albina como: “la recuperación de sonidos, mecanismos y materiales residuales”. En su propuesta la utilización de materiales desechables generan una especie de naturaleza salida de la basura.

Alberto Lezaca presenta Extensor articular, donde plantea una relación entre instrumento e interprete, no solo en la creación de música sino en la de videoarte.

Lezaca además ha desarrollado sus obras en técnicas de escultura objetual y digital, y multimedia.

Ana Bellenzier participa en este proyecto con un videoarte Ornitología urbana, la artista esparce semillas de flores a través de la ciudad, de las cuales se alimentan las palomas.

Durante el desarrollo de la obra se identifican dos momentos. El primero es el uso del método científico para el desarrollo del proyecto y el segundo es el uso de los resultados de la obra para generar una reflexión científica.

Cuatro piezas componen la obra Energía Negativa de Carina Weidle, en ella explora la producción y el intercambio de energía.

La artista ha puesto la frontera entre lo cotidiano y lo fantástico como punto de referencia.

Fabio Noronha presenta tres obras (Conservadores de carne, Frango Protecting Poultry Profits, Espejo) con un mismo eje temático. El artista toma fragmentos de videos pornográficos de Internet e imágenes grabadas por él, luego son intervenidas y mezcladas para generar un nuevo contenido.

HUG ROBOT es la propuesta de Jack Holmer, quien es miembro de la Asociación Brasilera de Investigadores en Cultura Cibernética. Esta obra es un robot capaz de calcular la fuerza de los abrazos mediante sensores ultrasónicos y de contacto. La propuesta plantea la interacción con el público, generando una respuesta de HUG ROBOT, ya sea en movimientos de la cabeza o encendido de luces.

Michel Zozimo presenta una crítica a la ciencia por el afán de explicar todo mediante supuestos análisis físicos, incluso hechos casi milagrosos, en su obra Serie piedras bailarinas.

Zozimo toma fotografías de viajeros en las que aparecen cosas extrañas como las ‘piedras colgantes’ y las contrasta con la afanosa explicación científica.

Karen Aune hace visible a través de su obra Nepenthes Erratum la preocupación de las condiciones y tecnologías que generan y mantienen la vida. La artista interviene digitalmente una fotografía de una planta carnívora del género Nepenthes. (Del griego: Ne: no y penthos: pena, dolor).

Francisco Klinger presenta su obra Esto hubiera podido haber sido Obstruction, de Man Ray, pero no es, o la solución instantánea hecha en cinco minutos mientras estaba en camino al aeropuerto!!!!. En ella plantea las relaciones entre el norte y el sur, las diferencias y las adaptaciones.

12

ARTERIA Ed. 35

Septiembre - Octubre 2012

Una de las obras fundamentales en el arte colombiano Violencia, de Alejandro Obregón, fue premiada hace medio siglo como la pintura más importante del XIV Salón Anual de Artistas Colombianos. Nicolás Gómez, artista e historiador del arte, quien realizó una investigación sobre esta pintura para el Banco de la República analiza la obra.

Cincuenta años de ‘Violencia’

‘Violencia’, de Alejandro Obregón, hace parte de la coleción del Banco de la República.

Por: Nicolás Gómez Echeverri

A

través del eje central horizontal de la pintura una mujer yace mutilada. El contorno de su rostro, de su seno derecho y su vientre encinta dibuja una topografía montañosa que limita una línea extendida de horizonte. El cuerpo tendido es incorporado mediante densas sombras a un suelo gris y lóbrego, como si la tierra y el cuerpo fueran una sola entidad. La pintura no revela actores, hechos o pistas detalladas sobre su muerte. Tan sólo algunas pocas pinceladas de óleo rojo aparecen aquí y allá, sin escándalo, y se mezclan con la tierra de alrededor.

Una amalgama de trazos configuran el rostro distorsionado, que dejan ver unos ojos cerrados, como si la máscara de una tragedia silenciosa lo cubriera, un rostro desfigurado que bien podría ser de cualquiera. El vientre, que también es signo topográfico, esperaba el nacimiento de una nueva vida, pero todo parece ser desilusión. Este lugar escarpado, cubierto por matices grises y negros, se percibe hostil y desolado, abrasado y erosionado.

La pintura Violencia de Alejandro Obregón (1920-1992) cumple cincuenta años. Este óleo sobre lienzo obtuvo el primer premio del XIV Salón Nacional de Artistas, organizado por la División Nacional de Difusión Cultural en el mes de agosto de 1962, en las salas del Museo Nacional de Colombia. Durante 40 años hizo parte de la colección privada de Hernando Santos; hoy hace parte de la colección del Banco de la República y se encuentra exhibida en la muestra permanente del Museo de Arte en Bogotá.

En 1962, año en el que Alejandro Obregón pintó Violencia, la Facultad de Sociología de la Universidad Nacional realizó un primer estudio riguroso y sistemático sobre el fenómeno de la violencia en Colombia entre 1946 y 1958.1 El proyecto fue concebido como un estudio objetivo que analizara el conflicto desde perspectivas históricas, políticas y empíricas, con el fin de aproximarse metodológicamente a la raíz del conflicto y a los remedios viables para éste, así como para configurar una memoria colectiva de los hechos que habían dejado cerca de 200.000 víctimas.

El libro pone en evidencia los sitios geográficos exactos del conflicto, con estudios de caso precisos sobre sus causas y consecuencias. Desde entonces, otros estudios técnicos como el libro Colombia: país fragmentado, sociedad dividida2, proponen un amplio análisis de las condiciones políticas y económicas en Colombia a lo largo de su historia, con base en un argumento central que define a su compleja geografía como una causa fundamental del aislamiento y confrontación regional.

Durante el periodo de Violencia enmarcado entre 1946 y 1958, los artistas refirieron la situación con imágenes simbólicas que aludían al sentimiento humano en medio de la concatenación de muertes. Algunos ejemplos son las pinturas de Ignacio Gómez Jaramillo (1910-1970) en las que conforma escenarios de tragedia, donde cuerpos de niños y mujeres gesticulan teatralmente expresiones de dolor alrededor de un cadáver. En las obras Violencia y Furia y dolor, ambas de 1954, son culpadas las 1. Germán Guzmán, Orlando Fals Borda y Eduardo Umaña. La Violencia en Colombia: estudio de un proceso social. Bogotá: Universidad Nacional de Colombia, Facultad de Sociología, 1962.

2. Marco Palacios; Mark Safford. �������������������������������������������� Colombia: Fragmented Land, Divided Society.

Nueva York y Oxford: Oxford University Press, 2002.

causas políticas de liberales y conservadores: en la primera, una base de fondo en pinceladas rojas y azules incorpora las figuras agónicas; en la segunda, dos perros furiosos coloreados en rojo y azul amenazan una familia que acaba de perder a un ser querido.

Sin embargo, ambas pinturas son narraciones coherentes que presentan el conflicto como un dilema de víctimas y victimarios.

Su estrategia de figuración describe impresiones y juicios sobre la violencia mediante poses y gesticulaciones que tienen lugar en un escenario de acción de poca importancia. La expresión se reduce a los cuerpos, sus gestos y señales, mas no al espacio y a la atmósfera donde actúan.

Existen varios bocetos de Alejandro Obregón para la preparación de Violencia. Ciertamente, en el resultado final consiguió articular la dependencia entre la tragedia humana con el espacio donde ocurre. La anatomía de la mujer embarazada y el espacio donde ésta yace, configuran a la vez una sola masa densa. En lugar de narrar detalles históricos, Violencia acciona sensaciones y sentimientos de un conflicto localizado. Para esto, el artista concibió un vocabulario de color, textura, intensidades de iluminación y sombra, y modos de configuración espacial, con su respectivo potencial simbólico. Su forma de asumir las posibilidades expresivas de la pintura replanteó tanto el influjo de la tradicional pintura realista como el del arte comprometido políticamente que acudía a escenificaciones explícitas.

Violencia, de Alejandro Obregón, presenta un cuerpo que, simultáneamente, es cuerpo y paisaje, una mujer embarazada y una cadena montañosa. La síntesis de referentes es conseguida a través de veladuras matizadas de pigmento negro y gris. El volumen del cuerpo yace estático sobre un horizonte, esporádicos brochazos destacan su sexo y sus facciones, los colores crean una

ARTERIA Ed. 35

Septiembre - Octubre 2012

13

Fernando Arias en NC-Arte

El país de los demás abarcadora atmósfera silenciosa y fúnebre. Sus signos visuales comunican un tipo de conocimiento sobre el paisaje colombiano proveniente desde las sensaciones que refiere y sugiere. Como un pintor abstracto, Alejandro Obregón capta las sensaciones que produce las condiciones de un entorno inmanente.

La relación que consigue establecer Alejandro Obregón entre cuerpo, paisaje y el surtido de signos pictóricos —sombras densas, segmentos volumétricos, atmósferas expansivas, intensos brillos, etc.— bien se ajusta a la terminología que Gilles Deleuze adopta para referirse a la obra del pintor inglés Francis Bacon. Deleuze parte de la comprensión de la pintura como medio de representación del mundo en cuanto sensaciones, un modo por el cual ciertos artistas distorsionan aquello que es ilustrativo y narrativo en la figuración, aquello que configura el repertorio de imágenes predeterminadas y cotidianas. Deleuze confronta los binarios figuración-abstracción y sugiere una posibilidad intermedia que implica transformación.

En el caso que nos compete, es deformación de un cuerpo que deviene paisaje y un paisaje que deviene cuerpo. Esta mutación ocurre en la revelación de una semblanza entre la apariencia anatómica y la apariencia topográfica. De manera congruente, sobre el modo como Alejandro Obregón interpreta su contexto pictóricamente, Carmen María Jaramillo explica: “Despoja de cualquier fundamentalismo a los lenguajes de la abstracción y la figuración; los asume de una manera personal, los fusiona y configura el plano pictórico recurriendo a un pensamiento propio de su circunstancia […] Asume las paradojas de la modernidad y se dispersa a través de ellas con la fluidez que le proporcionan sus argumentos vitales y su mirada de artista”.3 La obra de Obregón puede verse de acuerdo con términos conciliatorios. Esto es, detectar los medios a través de los cuales el artista concibió un contexto dado, en miras a lo que un cuerpo que habita el espacio puede aprehender y sentir. La indisoluble relación entre territorio y cuerpo que propone la obra Violencia de Alejandro Obregón ha sido motivo de otras obras fundamentales en la historia del arte colombiano. Merecen mención: la pintura Paisaje y carroña (1964) de Augusto Rivera, primer premio del XVI Salón Nacional de Artistas (Colección Museo de Antioquia); la xilografía Cosecha de los violentos (1968) de Alfonso Quijano; la instalación Terra-incógnita de Juan Fernando Herrán (2002); la video-instalación Treno (2007) de Clemencia Echeverri. En estas obras, los cuerpos absorbidos por el paisaje se presentan como una evidencia de una tragedia localizada. Son territorios despoblados, representación de ausencia, representación de aquello que ha sido removido y de aquello que ha quedado.

3. Carmen María Jaramillo. Alejandro Obregón: el mago del Caribe. Bogotá: Museo Nacional de Colombia, 2001. P. xvii.

Bibliografía Cobo Borda, Juan Gustavo. Mis pintores. Bogotá: Villegas Editores, 2002.

Deleuze, Gilles. Francis Bacon: lógica de la sensación. Madrid: Arena Libros, 2005.

Guzmán, Germán Guzmán; Fals Borda, Orlando; Umaña, Eduardo.

La Violencia en Colombia: estudio de un proceso social. Bogotá: Universidad Nacional de Colombia, Facultad de Sociología, 1962.

Jaramillo, Carmen María. Alejandro Obregón: el mago del Caribe.

Bogotá: Museo Nacional de Colombia, 2001.

Lucena, Clemencia. “Obregón: ¿Un pintor reaccionario?”, El Tiempo, Lecturas Dominicales. Bogotá: noviembre 10 de 1974.

Medina, Álvaro. Procesos del arte en Colombia. Bogotá: Instituto Colombiano de Cultura, 1978.

Palacios, Marco; Safford, Mark. Colombia: Fragmented Land, Divided Society. Nueva York y Oxford: Oxford University Press, 2002.

Panesso, Fausto. Alejandro Obregón ¡... a la visconversa!: conversaciones junto al mar. Bogotá: ediciones Gamma, 1989.

Restrepo, José Alejandro. Cuerpo gramatical: cuerpo, arte y violencia.

Bogotá: Universidad de los Andes, Facultad de Artes y Humanidades, 2006.

Traba, Marta. Elogio de la locura. Bogotá: Universidad Nacional de Colombia, 1986.

Traba, Marta y Díaz, Hernan. Seis artistas contemporáneos colombianos.

Bogotá: Alberto Barco Editor, 1964.

Por: María Belén Sáez de Ibarra

El país de los demás sería un retrato conceptual de Colombia.

Una Colombia que parece siempre dispuesta para entregarse sin reparos al mas mediocre y mezquino de los precios.

Columbia sería el nombre de este paraíso selvático sin dueño –hoy mejor conocido como paraíso minero– servido en abundancia para los demás. Quizás habrá de recordarse pronto en un museo patrimonial este momento de fatal peligro, como mordazmente intenta emular esta instalación sostenida en el profundo silencio del vacío.

Colombia Pocas personas lo saben, pero Colombia es un país selvático.

Casi las dos terceras partes del país son selva. Las selvas son densas, cerradas, llenas de pisos, niveles, tienen más de veinte metros de altura. En las selvas se concentran las dos terceras partes de la diversidad del planeta, y allí se encuentra el agua dulce del mundo. Chocó, Catatumbo, El tapón del Darién, la cuenca amazónica.

La tercera parte del país está constituido por la selva de la cuenca amazónica, la más impenetrable del mundo amazónico. Está habitada casi en su totalidad por indígenas de muchas etnias y grupos lingüísticos. Se estiman allí más de ochenta mil especies de plantas. Hace parte de la reserva forestal más grande de la tierra. Alberga el 20% de las especies mundiales de aves. Allí reina el jaguar junto a la incontable fauna en los ríos y bosques.

Colombia se ha dedicado a vivir del turismo ecológico y realiza explotación tradicional de sus recursos naturales en un control medioambiental que garantiza el equilibrio de su delicado y vasto ecosistema, pero además permite la regeneración natural de sus sistemas biodiversos.

El Tratado de Kyoto ha reglamentado su condición de pulmón del mundo, de modo que en un globo devastado y agotado, es uno de los pocos países que puede vivir de su riqueza natural bajo la condición única de que se conserve su tesoro selvático sin alterar su equilibrio ecológico. Cada uno de los países miembros de la comunidad internacional aporta importantes sumas anuales a Colombia como una especie de impuesto medioambiental. Se considera el país más sofisticado y hermoso del mundo.

Gracias a su ancestral cultura indígena Colombia aprendió a manejar y respetar la tierra. Formas diferentes de vivir y pensar existen en Colombia junto a su inmensa biodiversidad. Hay de todo y es para todos.

Columbia Pocas personas lo saben, pero Columbia es un país minero. Casi las dos terceras partes del país están bajo explotación minera. Las minas son densas, cerradas, llenas de pisos, niveles, tienen más de veinte metros de altura. Las minas alteran la diversidad del planeta, y acaban con el agua dulce del mundo.

La tercera parte del país está constituido por la reserva especial minera de la cuenca amazónica, cerca de 18 millones de hectáreas. Está explotada casi en su totalidad por empresas multinacionales. Su riqueza se haya en el subsuelo en donde abunda oro, uranio, platino, hierro y coltán.

Columbia se ha dedicado a vivir principalmente de la minería y realiza explotación de sus recursos naturales en un control medioambiental que no puede garantizar el equilibrio de su delicado y otrora vasto ecosistema, los grupos armados ilegales han encontrado en la minería una nueva fuente de recursos, que sumados a la minería ilegal genera una velocidad y cantidad de explotación que impide la regeneración de sus sistemas biodiversos.

La comunidad internacional constantemente se reúne en cumbres de la pobreza, y busca entre sus miembros apoyo para suministrar por caridad, alimento y cobijo para una población que sufre niveles de pobreza absoluta en un 80%.

No se encuentra alimento en los campos. Los suministros son importados gracias a los tratados de libre comercio que abaratan los precios.

Se considera uno de los países más peligrosos y con más pobreza en el mundo.

Gracias a su privilegiada condición minera Columbia aprendió a explotar al máximo sus recursos con la asesoría de expertos internacionales que provienen de países que trasladaron su propia minería a los territorios del tercer mundo. Aquí todos hacen lo que quieren y hay de todo para los demás. Columbia es un paraíso minero sin dueño que vive de la rapiña y es feliz con el vacío de la nada que sobre yace el subsuelo minero.

NC-Arte. Agosto 30 - octubre 6. Curaduría: María Belén Sáez de Ibarra. Fotografía cortesía NC-Arte.

ARTERIA Ed. 35

14

Septiembre - Octubre 2012

‘Ellas sí hablan’ ‘Ambivalencias y melancolía’ de erotismo

El artista expone en Bogotá y el D.F. de México

Miler Lagos, entre el Polo Norte y la Zona Tórrida

Cortesía: Adriana Marmorek.

L

a colombiana Adriana Marmorek expone con cinco cubanas, fotografías, dibujos, instalaciones y videos que plantean un universo femenino del erotismo lejos de lo tradicional En ‘Ellas sí hablan’, actualmente en exhibición en la galería Milla Manuela de La Habana, participan Rocío García, Katiuska Saavedra, Deborah Nofret, Rachel Valdés, Marlys Fuego; de Cuba y Marmorek, quienes proponen una reflexión sobre las maneras de percibir las prácticas sexuales en relación con la percepción actual, que convierte al sexo en mercancía.

El erotismo es una condición subjetiva y como tal, debe asumirse desde varias perspectivas. La propuesta en la que se enmarca la exposición es la mujer, no solo como objeto de deseo sino como sujeto deseador.

Los organizadores de la exposición parten de que en Cuba si bien el erotismo ha sido abordado desde la literatura, la plástica y el cine, ha tenido poca aceptación y la mayoría de las veces ha sido presentado desde la perspectiva masculina.

Desde su mirada, son pocas las mujeres que han puesto como base de sus discursos el erotismo y, en general, los temas relacionados con el sexo han sido recibidos con escepticismo, por las características de la sociedad.

Las participantes de la exposición son de diferentes generaciones, aunque la mayoría son jóvenes y han hecho trabajos de acercamiento al tema. Así las obras llaman la atención sobre el cambio del papel de la mujer asignado por la sociedad, de ser deseada a ente deseador.

Rocío García relaciona su obra con el homoerotismo; Katiuska Saavedra hace una reflexión sobre el sexo en la sociedad consumista y hedonista; Rachel Valdés plantea el cuerpo como objeto de consumo, relacionado con el narcisismo; Marlys Fuego presenta simulaciones de juguetes sexuales en un estilo Kitsch y Adriana Marmorek hace parte de la muestra con su proyecto la arquitectura del deseo, dando continuidad a su investigación sobre la temática del erotismo.

v v ARTISTAS ARTISTAS JUANA JUANA ANZELLINI ANZELLINI FELIPE FELIPE RUIZ RUIZ ANIBAL ANIBAL GOMESCASSERES GOMESCASSERES LEONARDO LEONARDO PINEDA PINEDA ALONSO ALONSO ORDOSGOITIA ORDOSGOITIA ALEJANDRO ALEJANDRO SANCHEZ SANCHEZ

Cortesía: Ana Patricia Palacios.

Por: Nydia Gutierrez

E

xposición de Ana Patricia Palacios en la Alianza Francesa de Bogotá, sede de la 93 13 de Septiembre a 23 de Octubre, 2012

Esta exposición es una recopilación de unas cincuenta obras producidas entre el 2002 y el 2012, que ratifican los rasgos distintivos que Ana Patricia Palacios deja ver en sus dibujos precisos, en las pinturas de controlado manejo del color, y en sus inquietantes videos y fotografías que parecen hablar de las incertidumbres propias de la vida en los ambientes urbanos contemporáneos.

Se reúnen piezas de la serie Dualidad, referidas a los conflictos identitarios que la artista ha venido trabajando de manera singular: a partir de la magnificación de las preguntas esenciales por el quien soy, con la noción del doble, con la realidad gemela. Se incluyen también obras de las series Absurdos paralelos, algunas de las cuales rozan una obscura realidad de otros pares que se encuentran, se hacen, en la oposición, como son las niñas boxeadoras (populares en el ambiente del caribe colombiano) y una preocupación reciente sobre la cara humana e individual de la guerra, que se va conformando con las imágenes de las series Minas y Combatientes.

Sus imágenes a primera vista refieren a escenas de engañosa cotidianidad; en realidad se convierten en retos para la percepción y reflexión del espectador, que Palacios parece acentuar con la paradoja entre contundencia y levedad de su expresión.

La exposición se organiza en tres segmentos, obviamente con traslapes, repeticiones y cercanías entre ellos. Esos tres espacios corresponden en primer lugar al desplazamiento de la antigua oposición arte-naturaleza hacia una relación artevacío; en segundo lugar, otras piezas hablan de la firmeza de la femineidad que lucha por quebrar sus moldes; y otro grupo desenmascara, en tono opaco y nada heroico, los pequeños seres que habitan en héroes y soñadores. Un excedente ambiguo de melancolía parece unificarlas.

Cortesía: Fundación Teatro Odeón.

‘R

ompimiento de gloria’, es la exposición que Miler Lagos presenta en la Fundación Teatro Odeón en Bogotá. Se trata de una video-instalación que estará abierta hasta el 6 de octubre.

más ambicioso, en el que pretende identificar y catalogar caramelos de varias regiones. El único requisito es que de alguna manera parezcan gemas o algunos minerales.

En ella Lagos muestra los resultados de su residencia en AB Projects, en el Ártico canadiense, con su proyecto ‘LAT 65.31 N, LONG 114,13 N’, que es el punto del que partían las primeras expediciones europeas del siglo XIX, en Canadá y que lograron una gran contribución al conocimiento y estudio de recursos naturales.

El desarrollo del proyecto duró 12 días, en los que el artista tomó fotos y videos entre la puesta y el nacimiento del Sol. La muestra se inaugura el 20 de septiembre y es la primera de Lagos desde hace dos años en Bogotá. En la exposición sobre lo que fue el techo del teatro se proyectará un video de 12 metros de largo por 8 de ancho.

“Rompimiento de gloria se denomina a la escena pictórica barroca que, haciendo uso de técnicas de perspectiva, puntos de fuga desde la arquitectura y figuras en escorzo, produce la ilusión de un espacio casi siempre metafísico, que conecta lo terrenal con lo sublime, sugiriendo la apertura del cielo desde la invención de la tridimensionalidad”.

Gemas dulces Simultáneamente, la Galería Enrique Guerrero, de México, el colombiano expone ‘Arqueología del deseo’, donde los dulces se vuelven piedras preciosas.

Esta muestra es la primera etapa de un proyecto

CO CO RUIZ RUIZ FEDER FEDER . .

ARTE ARTE LATINOAMERICANO LATINOAMERICANO GG EE SS TT IO IO NNC C UU LL TT UU RR AA LL w w w .wf e. fdeedrei rc iocrouriuz i. zi n. ifnof o . (57) . (57) . Bog-Col . Bog-Col fr@federicoruiz.info fr@federicoruiz.info 312-3791240 312-3791240

´Halls classic´. Cortesía: Miler Lagos.

En palabras del artista, “‘Arqueología del Deseo’ es una propuesta plástica que busca aprovechar las cualidades físicas de estos caramelos para realizar una clasificación de los mismos, de la misma manera en que se clasifican aquellos minerales considerados piedras preciosas”.

En esta muestra hay dulces de Boyacá, Cundinamarca y también de México D.F. Según dice Lagos, el título de la exposición propone una relación entre el hecho de desear y la motivación del deseo.

MERCADO MERCADO SECUNDARIO SECUNDARIO C OCM O EMRECRI C A ILAI LZ IAZCAI CÓINÓ N

Ariza, Ariza, Botero, Botero, Caballero, Caballero, Caro, Caro, Cano, Cano, Diaz Diaz Vargaz, Vargaz, Echeverri, Echeverri, Gomez Gomez Campuzano, Campuzano, Hernandez, Hernandez, Hoyos, Hoyos, Jacanamijoy, Jacanamijoy, Manzur, Manzur, Morales, Morales, Muñoz, Muñoz, Negret, Negret, Obregón, Obregón, Ramírez Ramírez Villamizar, Villamizar, Rayo, Rayo, Richter, Richter, Santamaría, Santamaría, Wiedemann, Wiedemann, Zapata.

Zapata.

ARTERIA Ed. 35

Jackson Pollock: ayuda “No van sólo por mí, lo que quieren es detener el arte moderno”, Pollock.

Septiembre - Octubre 2012

15

María Elvira Escallón en el Museo de Arte de la Universidad Nacional

`Urgencias´

Plan Federal de las Artes fue la modificación de la valoración social del artista.

Por: Guillermo Vanegas*

V

ale la pena pensar que el artista cuya reputación se cimentó universalmente tras aparecer un artículo dedicado a él en la revista Life debía gran parte su éxito a la modificación de su dieta química.

Pasó del licor al fenobarbital, el dilantin, y el café negro, por prescripción. En otras palabras, estaba tranquilo, sobrio y tenía tiempo para trabajar.

Lo que originalmente eran gestos de desaprobación contra expresiones de petulancia, ingenuidad sociológica, homosexualidad o desapego por las normas; pasó a ser visto, lentamente, como la representación de “virtudes” como el trabajo duro, el machismo multinivel y la posibilidad de aparecer en la gran prensa.

En una amplia porción de público Pollock sólo era “el artista del reportaje en Life”. Entre la época de la depresión y la resaca triunfalista de la postguerra algo había cambiado. Mucho en realidad.

Hace cien años nació Jackson Pollock y hace cincuenta y seis murió. En 1949 había alcanzado la cima de su carrera, llegando a creer que él era la esperanza del arte de los Estados Unidos de la segunda postguerra. Lo cual no era por completo fruto de su imaginación: para muchos observadores el valor de su obra tenía que ver, fundamentalmente, con la consolidación del campo artístico de ese país. Y nunca dejaron de hacérselo saber.

Pero no todo. De no ser por su esposa quizá jamás hubiera salido de Nueva York, jamás hubiera reparado el depósito que había detrás de una casa que, muy seguramente, jamás habría comprado ni jamás habría descubierto las virtudes del goteo.

No importaba que críticos como Clement Greenberg afianzaran su autoridad a la sombra del artista o que sus dealers se devanaran los sesos por vender un cuadro suyo y él no agrediera luego a su comprador. No importa demasiado que hubiera encarnado la figura convencional del artista bohemio. Ni que para los medios de información simplemente fuera “el equivalente artístico (y visual) de James Dean o Ernest Hemingway.”1 Tras su triunfo, muchas personas comenzaron a pasar por alto sus desplantes, pues, como dicen que decía su esposa, “él no cree en la charla, cree en la acción.”

“Uno de esos breves días de luz pura, envuelto en ropa para combatir el frío, con sólo un cigarrillo para calentarse, con las manos tan ateridas que apenas podía sostener el pincel, Jackson Pollock cambió el curso del arte occidental”.

Sin embargo, a esta acción habría que añadir una amplia cuota de socorro. La contradicción inherente en Pollock al defender con rabia la idea de que “el verdadero pintor tiene que sacar algo propio, decir algo individual”, tiene que ver con el hecho de que siempre produjo su obra con base en la colaboración -o el sacrificio, le daba igual-, de personas o instituciones o bares cercanos.

Basta oír sobre la época de miseria postdepresión económica de 1929, cuando junto con una miríada de artistas debió trabajar para un Estado dispuesto a financiar la producción de obra (en un intento por incrementar los niveles de ocupación de un segmento profesional más que por consolidar la semiautonomía del campo) y notar que uno de los efectos colaterales de ese 1. Steven Naifeh-Gregory White, Jackson Pollock. Una saga estadounidense. Circa. Barcelona, 1991.

Y como se trata de una gloria del arte moderno, para muchos la cuestión no puede saldarse sino al precio de la epifanía. Al decir de Naifeh y White, sus chismosísimos biógrafos:

En realidad, lo que sucedió está mucho más cerca de la decisión que tuvieron Marcel Duchamp y David Hare de cortar un pedazo de tela del mural que le había contratado Peggy Guggenheim a Pollock, para poder montarlo en el apartamento de la coleccionista.

Más que la iluminación mística provocada por el invierno, simplemente fue algo que tenía que ver con la solución de un problema de espacio -en su taller, no en el lienzo: la pintura La llave medía 1,50 x 2,10 metros y estaba enmarcada. Por lo mismo era supremamente difícil de instalar en un sitio con techo bajo. Entonces, Pollock decidió llevarla al deposito y botarla en el piso. Aunque la pieza como tal no resultó esencialmente modificada, Naifeh y White recuerdan que “empezó a experimentar con la nueva técnica, trabajando predominantemente de rodillas, pasando de un lado a otro, creando y revisando la imagen desde todos los ángulos”.

Y el resto es historia: se convirtió en un ícono de la cultura popular, desmadrándose mientras tanto. *Psicólogo, aspirante a mágister en historia del arte de la Universidad Nacional de Colombia.

Menos deudas.

Cortesía: María Elvira Escallón.

Por: Andrés García La Rota

A

ntes de las EPS (Entidades Prestadoras de Servicios de Salud), la prestación de este servicio era de carácter público.

Desde 1998, con la privatización de los servicios públicos (salud, comunicaciones, aseo...), las instituciones públicas aumentaron a pasos agigantados el ritmo de su atomización dentro del precario e indefinido sistema estatal, mudando su canon de corrupción al sector privado. Esta situación ha causado, además del enriquecimiento desmedido de las EPS, un traslado de las formas de percepción espaciotemporal relacionadas con la corrupción y la burocracia natural del sistema estatal: en general, tiempo y espacio se miden matemáticamente para obtener registros precisos. Sin embargo, hay factores psicológicos, fisiológicos, religiosos y culturales que condicionan la percepción espaciotemporal de los sujetos; pensar en la vida y la muerte, padecer una enfermedad o un dolor, sumirse en la angustia o el

En este proyecto, la artista lleva a cabo una serie de procesos y utiliza métodos de captura y edición de imagen relacionados con la espera y el tiempo como la pixilación (“fantasma”, en checo) y el stopmotion (tiempo detenido). Las intervenciones se realizan en el triage, área de urgencias donde se da atención y tratamiento a los pacientes en emergencia médica.

Con su contenido, podría pensarse como una forma de incrementar la fricción entre la temporalidad detenida del hospital fuera de uso con el concepto de la urgencia médica, parodia de la actitud del Estado frente a la salud pública; asimismo, presenta la falta de uso del hospital como un proceso de destrucción y pauperización activa -más que pasiva-, provocando una especie de micro-catástrofe, suerte de ruina hecha a mano, en las instalaciones del hospital.

Sobrelas paredes de algunas habitaciones (usadas hoy como depósitos), hay una serie de letreros

Al llegar, se asignaba a cada paciente un jergón de paja, se le daban cuatro litros de agua de arroz y medio gramo de opio.

Si aún seguía vivo doce horas después se repetía la dosis de opio.

William. S. Burroughs tedio en atestados corredores y salas deurgencia de hospitales sombríos (mientras que hay hospitales públicos abandonados) llevados por la negligencia y la corrupción a estados de ruina, puede hacer que el sujeto perciba su entorno de manera distinta a como lo haría si el sistema fuera adecuado para su uso. De hecho, el propio espacio afectado por las formas de corrupción y negligencia, se transforma en símbolo de esa percepción espaciotemporalidad intuitiva, más ligada a estados de ánimo que a medidas científicas.

escritos a mano con fechas, firmas y sellos, indicadores de los sucesivos inventarios realizados a lo largo de los años, que ponen de relieve esa obsesión del Estado por enunciar, cuantificar, clasificar y situar los bienes en documentos archivísticos en lugar de utilizarlos, desgastando, haciendo polvo, como en un molino, el patrimonio útil de la Nación. Esta obra se empeña en presentarnos la crisis del sector salud como la interminable voracidad de un Estado que engulle sus propios recursos.

16

ARTERIA Ed. 35

Septiembre - Octubre 2012

Circular EXHIBICIONES INSTITUCIONALES BOGOTÁ Museo del Banco de la República - piso 3 Gerhard Richter: ‘Sinopsis’ Hasta octubre 8 En esta muestra se ven obras de todos los periodos por los que ha pasado el artista, desde lo figurativo hasta lo abstracto, con manejo de color o en blanco y negro. Son 27 obras las que componen esta exhibición y fueron elegidas por el propio Richter.

Esta muestra cuenta con la curaduría de Dietmar Elger y es organizada por: el Banco de la República, el Institut für Auslandsbeziehungen —IFA— y el Goethe Institut.

Cortesía: Museo de Arte del Banco de la República.

MEDELLÍN Museo de Antioquía Óscar Muños: ‘Protografías’ Septiembre - octubre La fotografía es una parte fundamental de esta muestra, para crear la protografía, la imagen del momento anterior al que se toma la foto. En palabras de José Roca, curador de la muestra, “Óscar Muñoz ha mantenido una relación Cortesía: www.museodeantioquia.org.co. estrecha con la disciplina fotográfica, pero se trata de una relación que podríamos denominar tangencial puesto que, a pesar de que toda su obra se refiere a aspectos de la fotografía, casi nunca la utiliza como el resultado final del proceso”.

BOGOTÁ Alianza Francesa - Sede Centro Nadia Granados: ‘La Fulminante’ Hasta septiembre 8 En palabras del curador, Santiago Rueda, “La Fulminante es un personaje para web inspirado en los estereotipos de la mujer sexualmente provocativa y extraído de las fantasías sexuales construidas por los medios masivos de comunicación que busca tener el mayor número de espectadores posible para las ideas y reflexiones que no tienen lugar en los canales pertenecientes al monopolio de la comunicación”.

BOGOTÁ Museo Iglesia Santa Clara Pablo Posada Pernikoff: ‘Senderos de luz y agua’ Hasta septiembre 9

BARRANQUILLA Museo de Antropología – Universidad del Magdalena‘Danzas patrimoniales del Caribe colombiano’

Según la curaduría, mediante el uso de metal, cristal y relieves el artista genera una instalación, con la cual quiere mostrar el paso del tiempo en la transformación y cambio de las piezas, debido a los fenómenos naturales.

En total, 31 elementos componen la muestra.

Con instrumentos musicales, trajes típicos, fotografías y videos la exposición plantea un recorrido por el patrimonio musical de la región, pasando por el fandango y el porro en Córdoba y Sucre; La polka en San Andrés Islas; la yonna ,en las Comunidades Wayuu; el baile negro, en el Canal del Dique; las pilanderas, en el Cesar, y los diablos y el caimán como parte de las danzas patrimoniales en el Carnaval de Barranquilla.

Cortesía: Mauricio Vélez.

Cortesía: Museo de Antropología.

MEDELLÍN Cámara de Comercio de Medellín – Centro El Poblado Ana María Martínez Jaramillo: ‘Periferias’ Hasta septiembre 14 En palabras del asesor del proyecto, Romel Cortesía: www.camaramedellin.com.co.

Toro Carvajal, “Las montañas periféricas se han convertido en una especie de soporte en el que día a día el llamado progreso va incidiendo en su superficie, la va corroyendo al igual que el agua lo hace sobre una placa de hierro que, lentamente y no tan evidente, a nuestra vista graba”.

SANTA MARTA Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo Juan Cárdenas Hasta octubre 8 Con la curaduría de Stefannia Doria esta exposición muestra el arte figurativo, la técnica y habilidad tanto en el trazo como en el manejo de color y la observación del maestro Juan Cárdenas. En esta exposición se destaca el uso del punto de vista como un elemento fundamental.

BOGOTÁ Museo de Arte y Cultura Colsubsidio ‘Paisajeando’ Hasta octubre 31

TOLIMA Museo de Arte del Tolima ‘Grau y los arcanos mayores’ Hasta septiembre En esta muestra se exhiben 22 dibujos de Enrique Grau. En palabras de Darío Ortiz Robledo, curador de la muestra: “Este es el comienzo del Grau definitivo que muy pronto muestra una contundencia inusitada y que evolucionaría, ya sin titubeos, hacia una figuración de corte realista pero con un espíritu y una grafía propios y fácilmente reconocibles de formas rotundas y volumétricas. Su obra desde ese momento tendrá temas, situaciones y objetos provistos de la magia de lo cotidiano donde él escoge elementos característicos a los que la repetición los convierte en simbólicos e iconográficos permitiéndole crear un universo propio de lectura circular”.

Cortesía: Museo de Arte y Cultura Colsubsidio.

Cortesía: www.museodeartedeltolima.org.

CALI Alianza Francesa Cali Rodrigo Facundo: ‘Fantografías’ Desde septiembre 11

Cortesía: Alianza Francesa Cali.

Cortesía: Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo.

Esta exposición se desarrolla en el marco del programa Nuevas Miradas. El artista demuestra su interés, presentando fotografías de otras imágenes, que marcan una diferencia social e histórica. En sus palabras: “una simultaneidad en la que conviven personas y eventos, testigos de diversos momentos históricos”.

En alianza con el Museo de Arte Contemporáneo (MAC), El Museo de Arte y Cultura Colsubsidio exhibe esta exposición en la que se quiere presentar una mirada al paisaje en la plástica colombiana de los últimos 40 años.

En esta muestra se podrán ver obras de Gustavo Zalamea, Marco Ospina, Helena Caballero, Edgar Silva, entre otros y cuenta con la curaduría de Gustavo Ortiz.

MEDELLÍN Universidad EAFIT - Sala de Artes del Centro Cultural Luis Echavarría Villegas Evelin Velásquez, Alejandro Gutiérrez, Cristina Castagna, Sebastián Antonio Restrepo, Camila Botero, Laura Montoya ‘Umbral’ Un grupo de seis artistas son los encargados de mostrar sus obras en la exposición ‘Umbra’, la primera muestra que recibe la sala en el segundo semestre de este año. Según la curaduría, mediante la instalación, la intervención, el video, la fotografía y otras técnicas, los artistas buscan mostrar el punto de encuentro de las obras, planteando a través de ellas su actitud frente a la vida, el mundo y el acontecer cotidiano de cada uno.

Cortesía: EAFIT.

ARTERIA Ed. 35

BOGOTÁ Galería Santa Fe – sede temporal Nicolás Gómez Echeverri: ‘Estares’ Hasta septiembre 13 La exposición propone que los asistentes imaginen las sensaciones del clima, la atmósfera y los colores de los lugares que se ven en cada obra. El artista interviene láminas de paisajes con manchas para que los asistentes interpreten mundos de ficción a través de sus experiencias.

Cortesía: Galería Santa fe.

17

BOGOTÁ Fundación Gilberto Alzate Avendaño (FGAA) ‘Segundo Premio Bienal de Artes Plásticas y Visuales’ Septiembre 14 - octubre 14 La segunda exposición de los participantes en este premio inicia el 14 de septiembre. En la muestra se presenta el trabajo de: Ana Adarve, Iván Cano, Leyla Cárdenas, Camilo Echavarría, Lina Espinosa, Carmen Gil, Delcy Morelos, Eduard Moreno, María Fernanda Plata y Santiago Vélez.

Cortesía: Fundación Gilberto Alzate Avendaño.

MEDELLÍN Colombo Americano Medellín ‘La sombra’ Hasta septiembre 7

BOGOTÁ Cámara de Comercio de Bogotá – sede Salitre Santiago Pinyol: ‘Por un futuro aún más futuro’ Hasta septiembre 22

En el marco del programa arte e infancia del Centro Colombo Americano la ilustradora danesa, Inger Kristoffersen dirige un taller para niños de 10 años, donde tendrán la oportunidad de aprender varias técnicas, pasando por las texturas, la creación de sombras y el manejo de la luz. El resultado del taller se mostrara en la galería del Colombo (sede centro).

En palabras de Santiago Rueda, curador de la muestra: “Santiago Pinyol se ocupa de la relación entre forma y contenido, los modos operativos de la imagen y la creación de significado. Así mismo, a Pinyol le interesa la relación entre arte y vida cotidiana, como ha sido una constante en trabajos recientes y en la labor de gestión que el artista ha desarrollado”.

Cortesía: www.colomboworld.com.

Cortesía: Cámara de Comercio de Bogotá.

MEDELLÍN Alianza Francesa Medellín Sede San Antonio Carolina Navas: ‘El misterio detrás de la neblina’ Hasta septiembre 16 La exposición presenta fotografías captadas durante la producción y el rodaje de la película ‘La Sirga’.

La cinta fue grabada en La Cocha, que en lengua quechua, significa laguna. En la Casa Proartes de Cali se realiza la muestra de esta serie de fotografías hasta mediados de septiembre.

Cortesía: Alfonso Posada.

Foto de la obra

BOGOTÁ Centro Cultural Gabriel García Márquez Stephen Ferry: ‘Violentología’ Hasta septiembre 30

Cortesía: www.medellin.alianzafrancesa.org.co.

MEDELLÍN Sala U Arte Contemporáneo ‘Esta sala es un John Cage’ Septiembre 12 - octubre 28 Con videos, fotografías, instalaciones, pinturas entre otras, más de treinta artistas realizan un homenaje al que fue uno de los artistas más influyentes en los años 40 y 50, quien enseñó que el arte es un acto colectivo y que una de las formas de comprender el mundo es alfabetizando los sentidos.

BOGOTÁ Colombo Americano Bogotá ‘Invertido’ Hasta septiembre 13 La muestra plantea sustituir los objetos por sus contrarios. Las artistas que presentan su trabajo son: Leyla Cárdenas, Camila Cortesía: www.colombobogota.edu.co.

Echeverría y Alexandra McCormick. La instalación es una armazón de papel suspendida en el techo que quiere cuestionar al espectador sobre el entorno, y el concepto de arriba, abajo, sur, norte y centro.

BOGOTÁ Centro Cultural Skandia Carlos Alberto Hernández Acero: ‘Entre diarios y entretenciones’ Desde septiembre 6 En esta muestra el artista plantea la cotidianidad de la ciudad como el eje de las obras, en sus propias palabras “Voy marcando una rutina, que me llena de intención. En un confín olvidado o a la vuelta de una esquina, al transverso de una página, o el final de una noticia…” las obras están realizadas en la técnica de óleo sobre lienzo.

Cortesía: www.colomboworld.com.

Septiembre - Octubre 2012

En el marco del ‘segundo festival Gabriel García Márquez, visiones de México en Colombia’ se presenta está exposición, donde las fotografías se enfocan en los derechos humanos, de civiles en el conflicto armado colombiano, en algunas imágenes Cortesía: artista. muestran a sus protagonistas frente amenazas de muerte. El título de la muestra hace referencia a los sociólogos colombianos que estudian la violencia política y el conflicto armado del país ‘Los violentologos’.

BOGOTÁ NC-Arte Fernando Arias: ‘El país de los demás’ Hasta octubre 6 En esta muestra se reflexiona sobre la amenaza de destrucción del equilibro social y ecológico.

En palabras de María Belén Sáez, curadora de la exposición, “el país de los demás sería un retrato Cortesía: NC-Arte. conceptual de Colombia. Una Colombia que parece siempre dispuesta para entregarse sin reparos al más mediocre y mezquino de los precios. Columbia sería el nombre de este paraíso selvático sin dueño -hoy mejor conocido como paraíso minero- servido en abundancia para los demás.

Quizá habrá de recordarse pronto en un museo patrimonial este momento de fatal peligro, como mordazmente intenta emular esta instalación sostenida en el profundo silencio del vacío.”

BOGOTÁ Biblioteca Julio Mario Santo Domingo – Sala de exposición Efraín Peña Vásquez - PIN: ‘El gesto infinito’ Septiembre 6 – octubre 4 La pintura es la técnica que se desarrolla en la obra, en palabras de Efraím Medina Reyes: “Con la pintura ha sido capaz de expresar con los elementos básicos de su arte la historia trágica y violenta del país, una historia de la que ha sido testigo y también víctima. Pero la violencia y sus pormenores son sólo una parte de su obra, él es capaz de abordar los más diversos temas y ahondar con un trazo en diversos detalles plasmando fragmento a fragmento el complejo laberinto del hombre contemporáneo y lo hace Cortesía: Janet Marin. con profundidad y criterio. El tiempo es otro elemento fundamental de su trabajo, algunas de las pinturas que constituyen esta muestra han sido realizadas en lapsos de cinco, siete o más años. Sus obras no tienen una lectura única y en parte esto se debe a la superposición de planos y la acumulación de trazos hasta generar imágenes que se hacen perceptibles, pero no son estáticas”.

ARTERIA Ed. 35

Sección conducida por Humberto Junca Casas.

OTROS SALONES

18

Septiembre - Octubre 2012

José Horacio Martínez Artista, pedagogo e investigador

José Horacio Martínez, en el mar. Fotografía: Ellen Martán.

Pocas veces se le pregunta a un artista sobre su formación, sus maestros, sus compañeros de clase o su relación y posición frente a las instituciones educativas; como si los artistas hubiesen aprendido solos y sus reacciones frente a estos edificios de poder fueran algo circunstancial. Aquí se demuestra lo contrario.

Humberto Junca: ¿Recuerda alguna experiencia, alguna clase, algún profesor o ejercicio que haya sido fundamental en su formación como artista?

José Horacio Martínez: Para mí fue de vital importancia aprender a ver, aprender a preguntarme sobre la imagen, y en eso fue fundamental un taller de extensión que tomé en la Universidad Nacional, con Mardoqueo Montaña. Él es un escultor de la vieja escuela. Creo que aún existe una de sus esculturas en Colsubsidio de la calle 26, en Bogotá, como de unos niñitos jugando.

Tuve la oportunidad de ser su alumno durante dos semestres y él me enseñó a comprender el espacio, la dimensión de mi cuerpo con relación al espacio. Y me enseñó a manejar el círculo, el cuadrado y el triángulo como elementos compositivos del dibujo. Gracias a ese acercamiento al “dibujo cézanniano”, aprendí a ver. Recuerde que Cézanne, valorando la mirada de los jonios, retomó el uso del triángulo, el círculo y el cuadrado como las estructuras compositivas de todo espacio y objeto, incluso dentro de la naturaleza y el paisaje. Esto lo puso en práctica, por ejemplo, en la serie de pinturas que hizo del monte Santa Victoria.

H.J.: ¿Puede profundizar un poco más sobre el “aprender a ver”?

J.H.M.: Hay que aprender a ver, así como hay que aprender a mirar. Para mí, aprender a ver consiste en darme cuenta cómo están constituidas las cosas. De alguna manera el dibujo es una experiencia extraordinaria que nos enseña a comprender cómo está estructurado el mundo. Una vez se entiende cómo están hechas las cosas, podemos descomponer, reconstruir, replantear su estructura. Desafortunadamente esto se ha perdido: hoy por hoy los estudiantes pasan por las clases de dibujo sin desarrollar la capacidad de ver, sin entender las cosas, sin entender el mundo y la forma en que lo ven. El dibujo se ha vuelto muy superficial.

H.J.: ¿Por qué decidió estudiar arte?

J.H.M.: Yo nací en Buga, pero cuando terminé el colegio mi papá nos dijo a mi mamá, a mis hermanos y a mí: “Nos vamos para Bogotá.”

Ese fue un cambio radical. En Bogotá estudié de 1979 a 1983 publicidad y mercadeo en la Universidad Central, donde pude tomar tanto clases de diseño gráfico, como de arte. Aprendí rotulación, diseño, a hacer dibujo comercial, a ilustrar, a hacer animación. Era una carrera tecnológica con una dirección muy clara: la imagen comercial. Pero para mí no era tan importante eso; yo quería cargar con cosas mías las imágenes que hacía. Sin embargo, en aquella institución, recuerdo a Jairo Vargas, un excelente profesor que nos enseñó sobre la abstracción de la forma en unas clases que se llamaban (no sé por qué) “bocetación”. Vargas nos ponía a descomponer animales en busca de las formas esenciales. Fíjese lo importante que era comprender la composición, la estructura de las cosas.

También recuerdo las clases con Oscar Núñez, quien había sido uno de los asesores de Allende. Él estaba exiliado en Colombia y había sido, a su vez, alumno de Louis Althusser, autor de Ideología y aparatos ideológicos del Estado, donde explicaba claramente la teoría de la estructura y la súperestructura propuesta por Marx. Núñez entendía con claridad suprema las relaciones de producción en el capitalismo. Como su alumno, participé en sus grupos de estudio y en ese momento empecé a salir de mi caparazón, a entender el mundo. Simultáneamente, entré al grupo de teatro de la universidad y como había tomado clases de fotografía, aprovechando que me habían regalado una cámara rusa, una cámara que venía del otro lado de la ‘Cortina de Hierro’ -aún no había caído el Muro de Berlín, era un mundo bipolar- en mis tiempos libres me iba a los cultivos de flores a tomarle fotos a las personas que trabajaban allí y así financiarme la carrera.

Al terminarla traté de insertarme en el campo publicitario y todos mis esfuerzos resultaron en una catástrofe aplastante. No pude adaptarme a ese mundo, nunca pude trabajar con la limpieza de un dibujante publicitario.

Por eso decidí ponerme a pintar con la ilusión de exponer mi trabajo. Me ‘encarreté’ con la pintura porque, además, me tocó la llegada al Museo Nacional de las donaciones de Obregón y la exposición ‘100 Años de la Pintura Colombiana’, de Eduardo Serrano, quien cruzaba el arte con la narrativa de la

historia reciente del país. Entonces, llevé mi trabajo a una galería comercial y su dueña me recomendó que aprendiera a dibujar. Por eso me metí en clases con Mardoqueo.

H.J.: ¿Recuerda algún ejercicio en ese curso de extensión?

J.H.M.: Aprendí algo milenario que me parece fundamental cuando alguien dibuja: la forma en que se toma el lápiz. De acuerdo a ella se puede limitar el dibujo o se puede potenciar la intención misma del cuerpo. O usamos el hombro, o usamos la muñeca. El hombro abarca un gran espacio, un espacio a nuestra escala.

Si el lápiz se toma como si uno fuera a escribir con él, el movimiento se limita, uno domina un espacio menor. Pero si se toma el lápiz o el pincel como un arma y se extiende el brazo, uno puede dibujar un círculo enorme, casi del tamaño de nuestra estatura. Así el dibujo adquiere nuestra dimensión. Comprender esto es fundamental. Es la puerta que lleva a construir el rigor del dibujante, porque el dibujo es una disciplina, porque para dibujar hay que tener disciplina.

H.J.: Después de Mardoqueo, ¿qué pasó?

J.H.M.: En el año 1985 mi padre se devuelve a Cali y yo lo sigo. Por eso me meto a estudiar artes plásticas en la Escuela de Bellas Artes.

Llegué allí preguntando si tenían algún taller de extensión en artes o algo parecido y la señora que atendía me dijo que tenían una carrera que duraba cinco años. Así entré, teniendo cierto nivel pues la educación que había recibido en Bogotá me ayudó muchísimo.

Discutí mucho en ese sitio, porque lo sentía quedado al compararlo con lo que ya sabía y con mis gustos. En ese momento, me interesaba mucho la “Escuela del Gesto”, la pintura del Grupo Cobra (donde estuvo Karel Appel). Y tenía cierta información sobre el Pop, que había tomado de la Enciclopedia Salvat. Esa enciclopedia fue mi salvavidas, pero llegaba hasta 1973. Lo más nuevo que aparecía en ella era Antoni Muntadas, imagínese. Y también, para ese entonces, me había leído la Enciclopedia Salvat de Arte Colombiano que mi mamá me regaló. Esa labor de investigación personal me sirvió bastante.

H.J.: ¿Sus padres lo apoyaron cuando entró a estudiar arte?

J.H.M.: Mi padre decía una cosa divertidísima: que a las cometas había que soltarles hilo mientras estaban volando y que yo era como una cometa. Cuando terminé publicidad él nunca me interpeló ni me obligó a aceptar un trabajo ni nada de eso. Pero cuando me fui a estudiar artes plásticas me dijo: “¿Pero para qué vas a estudiar eso?, ¿para qué estudiar más?” Finalmente, cuando se dio cuenta de mi pasión por el arte, me apoyó al ciento por ciento.

Mi carrera estuvo dividida en dos: antes y después de mi expulsión en el año 1990. La cosa fue así: aún de estudiante, me presenté al Salón Regional y pasé, y luego pasé al Salón Nacional; por eso me fui a Bogotá, a exponer.

Y al volver me llamaron de la Dirección a preguntarme que yo qué estaba haciendo, que si seguía de estudiante o qué. Yo les respondí que la escuela no me había proporcionado mayor cosa y que yo podía aprender de mi trabajo. En ese momento me salió mi primera exposición individual en la Galería Valenzuela y Kleener y otra vez abandoné mis clases para pintar mis cuadros y para viajar a Bogotá. Cuando regresé me dijeron que como había dejado todo tirado ya no me iban a recibir, que era mejor que hiciera mi carrera por fuera de la escuela… así que me fui.

H.J.: ¿Qué recuerda de la Escuela de Bellas Artes antes de ser expulsado?

J.H.M.: Recuerdo que al año de haber entrado Doris Salcedo tomó la Dirección y le dio un vuelco enorme, invitando nuevos y muy interesantes profesores. Fueron importantes para mí las clases de Miguel Ángel Rojas y las de Gerardo Ravassa. Ellos me ayudaron un montón con el manejo de la imagen bidimensional que tanto me interesaba. Además, fue importante vivir de cerca la experiencia del premio del Salón Nacional de 1987, que se le otorgó a Doris Salcedo. Desafortunadamente, Doris solo duró dos años y medio porque le hicieron rápido el cajón.

Más que una batalla estética, ella lideró una batalla ética por una nueva Escuela. Nosotros queríamos una academia más dinámica, algo

ARTERIA Ed. 35

que realmente fuera de avanzada. Queríamos una proyección mayor y eso molestaba a mucha gente, a quienes no les convenía que las cosas cambiaran. Y como ella fue la que trajo el cambio, se convirtió en el enemigo. Los profesores y las directivas decían que nos estaba subvirtiendo, volviendo comunistas o no sé qué vaina. Eso era muy agotador. Por esa presión, ella renunció a la dirección y se dedicó a su obra y a dictar unos pocos talleres. Recuerdo que estaba dictándonos uno –viajaba a Cali exclusivamente a eso- y de pronto sin decirnos nada, no volvió. Cuando preguntamos nos dijeron que había renunciado.

espíritu humano convulso que se escondía en ellos; para después expresar nuestro interior, a través de nuestro cuerpo y a partir de lo enseñado por dichos movimientos. Eso fue muy importante para mí.

Recuerdo también un ejercicio en una clase de color de Laignelet. Yo no la tomé, pero me metí al salón y vi cómo trataban de igualar el color de un pigmento mezclado en la paleta con el color de la superficie que lo recibía: un papel kraft. El éxito del ejercicio estaba en conseguir un tono

der, a terminar mi carrera y eso hice. Y apenas me gradué, me invitaron a dictar clases de expresión en el semestre cero de la Escuela –un semestre preparatorio- y acepté. Y ese trabajo, la práctica docente, con los meses se volvió muy apasionante. Como fui premio en el Salón Nacional de 1994, la jefatura de la Escuela de Bellas Artes me ofreció la dirección de la carrera y así, el 2 de enero de 1995 ya era su director.

H.J.: ¿Cuánto tiempo estuvo de director de la carrera?

Años más tarde me enteré que en la Dirección le habían dicho que nosotros habíamos enviado una carta diciendo que no queríamos que ella nos dictara más clases. Fíjese cómo la Escuela estaba dirigida por pequeños y mezquinos poderes, capaces de hacer ese tipo de cosas.

H.J.: ¿Qué cambió Doris Salcedo?

J.H.M.: Con Doris los estudiantes tuvimos la oportunidad de ser escuchados, de proponer cambios. Por ejemplo, cambiamos los modelos tradicionales del dibujo por las temáticas del Pop, visto este como el último movimiento figurativo.

Y esto ocurrió cuando la profesora de dibujo José Horacio Martínez. ‘Nosotros posmodernos’, 1989. Esta fotografía hace parte del libro `Libretas 88-92´, editado por La silueta S.A, en el 2010. Cortesía del artista. clásico no sabía quién era David Hockney, Ed Ruscha o Robert Rauschenberg. Otro ejemplo: en las clases de que al ser aplicado sobre el papel se volviera in- J.H.M.: Un año y medio. A veces las cosas dejan pintura se perdía mucho tiempo y a veces se iba visible, igualando medio y superficie, anulando de funcionar porque no se aceita la maquinaría, todo el semestre templando un lienzo. Eso era la diferencia entre figura y fondo. Y Gerardo o mejor, porque no se actualiza el software -yo muy triste. Por eso, para dinamizar y actualizar Ravassa –quien venía de estudiar en Cornell y todavía ando en el tiempo de la máquina, no las cosas, Doris propuso unos seminarios que fue contratado por Doris para dictar pintura- joda-. Lo que quiero decir es que vi que otra fueron dictados por artistas jóvenes como planteó sus clases a través de una serie de rela- nueva generación entraba con fuerza y que yo Víctor Laignelet, José Alejandro Restrepo o ciones intensas entre cuerpo y movimiento, debía darle permiso. Así, en 1996, antes de enMiguel Ángel Rojas. Y eso, lógicamente, generó utilizando materiales reciclados, siguiendo de tregar mi cargo, invité a dictar clase a personas un choque violento con los viejos profesores de cerca su textura, color, sus accidentes, toda la como Wilson Díaz y Juan Mejía. Creo que esa información contenida en ellos y así aprovechar época dentro de la Escuela no se ha estudiado la Escuela. los acontecimientos, los encuentros. Emplear con el rigor que merece, porque pese a todas H.J.: ¿Recuerda alguna experiencia o algún ejer- el azar es un fundamento importante en mi sus dificultades, fue el epicentro creativo más trabajo y requiere que uno esté muy dispuesto, importante de toda la década del 90 en el Valle. cicio notable con estos profesores invitados? muy atento, tener la percepción aguzada. Eso A diferencia de lo que pasó en los 70 y en los 80, el arte en Cali se manifiesta desde entonces J.H.M.: Lo que más recuerdo fue la emoción lo aprendí con él. allí, alrededor de la Escuela, de sus estudiantes generada por la posibilidad de estar cerca de los artistas que estaban mandando la parada H.J.: ¿Cómo logra reintegrarse a la Escuela de y profesores. en el arte colombiano en ese momento, la po- Bellas Artes?

H.J.: ¿Hizo algún cambio notable como director? sibilidad de hablar con ellos, de discutir con ellos. Los seminarios de Miguel Ángel Rojas J.H.M.: Porque cambiaron de director. Así fueron valiosísimos para mí: partimos del Cu- volví a estudiar. Cosa que fue muy difícil J.H.M.: Para mí es muy importante la idea del bismo para llegar al Neoexpresionismo, en una porque yo ya tenía cierto renombre y tenía ex- proceso. Por eso plantee a nivel pedagógico la búsqueda mixta por entender tanto las racio- posiciones que hacer y viajaba y todo eso. Pero posibilidad de que los alumnos expusieran sus nalizaciones de estos movimientos, como el decidí ir muy humildemente a clase, a apren- trabajos, midieran sus procesos frente a toda la

Septiembre - Octubre 2012

19

Escuela, en un seguimiento permanente y valorado que apreciara sus búsquedas en exhibiciones curadas por los profesores y llevadas a cabo en la Galería de Bellas Artes. Estas exposiciones llevaron el nombre de ´Procesos al Interior´.

H.J.: ¿Cómo resulta dando clases en Bogotá?

J.H.M.: Me fui para Bogotá, afligido y agobiado, en el año 1998, después de curar el VIII Salón Regional. En ese momento estaba Natalia Gutiérrez como directora de la carrera de Artes Plásticas de la Tadeo y ella me dio la oportunidad de trabajar como docente.

H.J.: ¿Hay diferencias entre el estudiante caleño y el bogotano?

J.H.M.: Voy a añadir otra ciudad a la ecuación.

Quiero hablar de Bogotá, Cali y Popayán.

En Popayán el estudiante no tiene pretensión alguna y su trabajo fluye. En Cali, a veces, la pretensión no los deja fluir. Y en Bogotá, muy a menudo, el espacio artístico supera, aplasta al estudiante. Por eso, muchas veces, el estudiante bogotano ni se da cuenta de lo que está pasando en la calle por estar concentrado en lo que pasa en las galerías y en el mundillo artístico. Creo que en Bogotá el estudiante de arte tiene mucha información, pero poca formación. En Bogotá el estudiante de arte ha perdido su capacidad de asombro; mientras que el de Popayán la conserva. En Bogotá el estudiante está esperando que Hans-Ulrich Obrist u Orlan le solucionen la vida; mientras en Popayán a través del arte, el estudiante vive su vida, descubre su vida (en ese sentido Cali es un lugar intermedio entre Bogotá y Popayán). Además, en Bogotá, para todo hay un comité de aplausos en cada esquina, lo que produce una sensación de satisfacción, de comodidad, de aceptación; cuando lo más importante para un joven debería ser la crítica y el cuestionamiento a eso que se da por sentado: el programa de una facultad de artes, el conocimiento de un profesor o lo expuesto en una galería. Los estudiantes de hoy son terriblemente conformes.

Nuestras universidades se han puesto a copiar programas de instituciones extranjeras sin preguntarles nada a sus estudiantes, y estos entran a clase y aceptan todo lo que el profesor dice y hace. En mis tiempos no era así. En mis tiempos echábamos profesores.

20

ARTERIA Ed. 35

Septiembre - Octubre 2012

Galerías Cortesía: artista.

BOGOTÁ Galería el Museo ‘Fotografía-colombianos-hoy’ Hasta septiembre 8

Cortesía: Galería Doce Cero Cero.

BOGOTÁ Galería Doce Cero Cero William Bahos: ‘Retratos’ Septiembre 12 - octubre 12 En palabras del artista, “los rostros pierden su esencia y finalidad, como es dar una identidad al individuo, para convertirse en presencias inquietantes cuyos rasgos faciales se transfiguran y diluyen en altos contrastes, imágenes que se fragmentan en planos de color propios de la imagen digital y elementos que nos enfrentan a lo efímero del cuerpo”.

En esta exposición se reúne el trabajo de June Juno, Camilo Echeverri, Víctor Muñoz, Karim Estefan, Jairo Llano, Nicolás Gómez y Juan Felipe Rubio. Se muestran los diferentes puntos de vista de los artistas con el fin de resaltar la fotografía como medio de comunicación y expresión. El punto guía de esta muestra es la realidad, vista desde varias perspectivas.

BOGOTÁ Cero Galería Karl Troller: ‘Pavimentos’ Septiembre 5 - 29 En palabras de Leonor Uribe Joseph, “Karl Troller encuentra el signo, la señal y el pictograma mimetizados en el asbesto y el concreto; eso que él magistralmente recompone está literalmente ‘bajo sus pies’, en los andenes y en la calle donde el transito con su profundo fluir los desaparece, este entramado que el aborda ya está ahí y es el que su ojo recompone y exalta”.

Cortesía: Montealegre Galería.

BOGOTÁ Montealegre Galería Jorge Jurado: ‘Feedback’ Septiembre 27 – octubre 27

Cortesía: Rojo Galería.

BOGOTÁ Rojo Galería ‘El retrato’ Hasta septiembre 30 La muestra recoge retratos realizados por artistas colombianos como, Antonio Roda, Sergio Trujillo Magnenat, Eddy Galvis, Alfonso Álvarez, Alicia Viteri, Mónica Gómez, Santiago Forero y Manuel Sánchez. Se propone el retrato por ser una técnica fundamental. En palabras de Ricardo Rivadeneira, curador de la muestra: “Un retrato es entonces una imagen que alguien elabora para emprender un viaje a lo más profundo de la expresión física, pero además es una disculpa notable para explorar el carácter de una persona o de un grupo de individuos”.

Eduardo serrano, curador de la muestra, dice: “En estos nuevos trabajos el artista se apropia directamente de esas obras, fragmentos de las cuales plasma con evidente idoneidad, pero visibilizando su proveniencia, es decir, clarificando su autoría, precisando su origen, al insertarlos en una especie de aura que reproduce los perfiles de sus creadores. Es como si el artista no quisiera apropiarse de esas producciones sin citar la fuente original, sin reconocer su deuda con sus predecesores, y al hacerlo deja al descubierto, no sólo su convicción de que la historia de la pintura es una sucesión de hallazgos y de innovaciones, sino así mismo las razones de su admiración por los correspondientes logros”.

Cortesía: NH Galería.

Cortesía: Artista.

BOGOTÁ Galería Mü Luis González Palma: ‘Escenas de intimidad’ Septiembre 6 - octubre 13 La fotografía se toma la Galería Mü con la exposición del guatemalteco Luis González, quien quiere contar historias a través de lo captado por su lente. En esta exhibición se podrán ver fotos de la serie ‘Jerarquías de intimidad’, realizadas entre 2004 y 2005, además mostrará el más reciente trabajo desarrollado durante 2011.

Cortesía: Guerrero Espacio Galería.

Cortesía: Galería Nueveochenta.

BOGOTÁ Galería Nueveochenta Kevin Mancera: ‘En busca de la felicidad’ Desde septiembre 27 En esta exposición se presentan mapas, dibujos y fotografías del viaje que hizo el artista, buscando por Latinoamérica, las quince poblaciones llamadas, La Felicidad. Quiere mostrar una analogía, con lo difícil que es encontrar ‘La Felicidad’.

BOGOTÁ Guerrero Espacio Galería ‘Procesos 2012-1’ Septiembre 5 – octubre 5 En el espacio la Academia de Artes Guerrero permite que sus estudiantes de artes presenten sus trabajos. En esta ocasión los expositores son: Néstor Aparicio, Armando Valbuena, Camilo Bedón, Rachid Hadra, Andrea Ovalle, Luz Stella Pinto, Zaida Lemus, Paula Navarro, Harold Cuellar, Andrés Pongutá y David Sánchez. La idea de esta muestra, es fortalecer la producción artística.

CARTAGENA NH Galería Ruby Rumié: ‘Getsamani: sujeto-objeto’ Hasta octubre 17 Esta exposición muestra a través de la fotografía, la pintura y el video el peligro de transformación en el que se encuentra el barrio Gestsemani de Cartagena. Se plantea la desaparición de un barrio colonial por causa de la expansión urbanística y, más que eso, la pérdida de tradiciones, costumbres, solidaridad social y memoria colectiva, debido al posible desplazamiento de sus habitantes.

La colección de imágenes que hacen parte de esta exhibición, muestra la riqueza de esta comunidad, en los aspectos amenazados.

ARTERIA Ed. 35

Septiembre - Octubre 2012

21

Cortesía: Espacio Van Staseghem.

BOGOTÁ Espacio Van Staseghem Johanna Arenas: ‘Tracing paper’ Hasta septiembre 16 La artista muestra algunas de las obras de su último proyecto, ‘Tracing paper’, que ella define como: “Una decisión de repetición en el gesto y la forma; desarrollada desde el dibujo como una herramienta para diseccionar y se traduce así: la repetición del gesto con lápiz a un patrón y la repetición del patrón a una forma simétrica en el papel y la repetición de esta forma a otra imagen”.

Cortesía: Delinfinitoarte.

BOGOTÁ Delinfinitoarte Andrés Sobrino: ‘Andrés Sobrino’ Hasta octubre 4 Para el artista la pintura es conceptual, lo cual le permite gran libertad en su obra, que plantea la inexistencia de límites ni miedos. Tanto así, que surge la posibilidad de ver la obra, parte por parte o en forma colectiva.

BOGOTÁ Galería Casa Cuadrada Piedad Tarazona: ‘Metáforas’ Septiembre 6 – 23 En el mes de amor y amistad se presenta la exposición de Piedad Tarazona, en la cual quiere hacer un homenaje al amor, al color, a la alegría y a las emociones, con la intención de trasmitir energía positiva a los espectadores. Son más de 20 obras las que hacen parte de la exposición.

Cortesía: www.vKgaleria.com.

BOGOTÁ Valenzuela Klenner Galería Elisenda Estrems: ‘Porosidad y territorio’ Hasta septiembre 17 La muestra plantea el territorio como elemento fundamental, donde los huecos que se han formado ya sea por el paso del tiempo o acciones humanas son representados en la obra e, incluso, son la misma. Se plantea el significado de la geografía como el concepto que envuelve la muestra, “la ciencia de las marcas y cicatrices de la tierra”.

BOGOTÁ Galería La Central Alberto Lezaca: ‘Estructura sobre estructura’ Hasta septiembre 21

Cortesía: Galería Gráfica.

BOGOTÁ Galería Gráfica Katia García Newman: ‘Pasteles, dibujos y esculturas’ Septiembre 8 - octubre 6

Cortesía: La Cometa.

Cortesía: Patricia Rodríguez S.

Cortesía: La Central.

BOGOTÁ Galería La Cometa Fernando Pinto: ‘Adivinatoria’ Hasta septiembre 23

En esta muestra se desarrollan cuatro aspectos. El primero es la escultura, que representa insectos muy realistas con cualidades sobredimensionadas. El segundo integra el concepto de los animales y las características científicas actuales; planteando una relación entre extinción y desarrollo tecnológico. El tercero muestra paisajes de colores suaves, donde presenta una mirada infantil y fresca. En el cuarto aspecto, a través de la pintura acrílica, muestra un expresionismo original e irónico. El curador es Eduardo Gómez.

Esta exposición muestra una investigación sobre objetos de adivinación de varias culturas antiguas, que por medio de las obras parecen construcciones o pedazos de ellos, para que los asistentes tengan la sensación de no saber de qué hizo parte y generar incertidumbre.

El artista colombiano presenta una muestra en la que quiere relacionar el color y la textura para reflejar los atributos de la naturaleza. La obra se desarrolla a través de la técnica conocida como encáustica, donde gracias al manejo de la cera, Khammi expresa los recuerdos de su natal Valle de Sibundoy (Putumayo).

Cortesía: Artista.

CHÍA Galería Ele Alcuadrado ‘7 Mundos pictóricos’ Hasta septiembre 23 En la muestra participan: Andrea Astudillo, José Luis Ardila, Toloza Villalobos, Javier Santamaría, Uriel Ladino, Sergio Arcos y Luisa Linares. Cada uno plantea su mirada, por eso el título de la muestra. En palabras del curador, José Orlando Salgado: “En la exposición no solo encontraremos una mirada sino que serán siete ‘mundos’ de color, de sensaciones, de pensamiento, de indagación, de capricho, de provocación, de muchas cosas, pero la más importante, de permanencia de la pintura dentro del arte contemporáneo”.

Cortesía: Artista.

Cortesía: artista.

BOGOTÁ ALcorrienteARTE Salomon Khammi: ‘El optimismo del color’ Desde octubre 11

Desarrollando técnicas como la escultura, la pintura, el dibujo digital y el video, el artista presenta objetos que se interrelacionan. La idea es que se pueda jugar con el significado de las piezas que componen la obra, logrando hacer un recorrido entre el objeto cultural, el físico y el espacio mental que se plantea.

Cortesía: Casas Riegner.

BOGOTÁ Casas Riegner Galería Mateo López: ‘Avenida primavera, casas No. 2’ Hasta octubre 6 Las instalaciones son las protagonistas en esta muestra. La forma en que están ubicadas las obras forman una especie de libro, la intención es mezclar a los espectadores con los pensamientos del artista y generar una interacción.

BOGOTÁ LA Galería – Arte Contemporáneo Rodrigo Facundo: ‘Régimen de luz y sombra’ Desde octubre 4 Como lo indica el título de la exposición, la luz y la sombra, componentes fundamentales de la fotografía, se desarrollan a través de las obras. El fin es entender que somos seres visuales y que por medio de las imágenes creamos nuestra propia historia. También se intenta desarrollar esa dualidad de luz y sombra; vida y muerte.

ARTERIA Ed. 35

22

Septiembre - Octubre 2012

´Sustratos` o cómo olvidar el color HD mediante lentos procesos químicos en desuso desde hace al menos 100 años.

A la vez, tanto Vanegas como Delgado han decidido valerse de ciertos cánones visuales decimonónicos para representar. En el caso de Vanegas en el retrato frontal, tradición que se remonta a la antigüedad clásica y que aún hoy es el sistema de codificación válido para autenticar y validar la identidad personal. Para Delgado son las molduras neoclásicas que se encuentran en todo occidente y que encontraríamos tanto en el Louvre como en alguna olvidada edificación bogotana.

Por: Santiago Rueda Fajardo

H

ace aproximadamente una década entramos con ansiedad a vivir en una edad postfotográfica, una era en la que temíamos que el simulacro y la hiperrealidad nos superaran.

Hoy nuestros temores a perder relación con lo tangible han sido superados por hechos como el emblemático 11-S o el reciente caso del caníbal de Miami, en los que la realidad probó ser irrevocable.

Sin embargo, esta era postfotográfica evidentemente transformó nuestra relación con el medio convirtiéndonos a todos en fotógrafos, animándonos a producir, compartir y celebrar un superávit de imágenes logradas a través del medio que Andy Warhol considerara el más íntimo, el teléfono.

Los proyectos presentes en ‘Sustratos’, actualmente en exhibición en LA Galería en Bogotá, se apoyan en el medio fotográfico pero, curiosamente, evaden a la fotografía digital y a una posible y predecible crítica a ella. Tanto Javier Vanegas con sus ambrotipos, como

Para ambos artistas estas estructuras canónicas son las que definen el espacio discursivo, el lugar en el que las cosas suceden. El tema y el escenario donde esta historia de espectros, apariciones y congelamientos sucede.

Juan Carlos Delgado.`Sin Título´ (2012) . Cortesía del artista.

Juan Carlos Delgado con sus serigrafías sobre placas metálicas han decidido regresar al tipo arqueológico básico de la imagen fotomecánica, el tatuaje lumínico que mancha con precisión una tajada de realidad sobre una superficie escogida.

Un pasado-paisaje congelado en hielo tan siniestro como el laberinto del hotel de la película El resplandor, de Stanley Kubrick, en el caso de

Delgado, o una serie de fantasmas atrapados en elegantes cajas negras en el caso de Vanegas.

Pareciera que ambos artistas quieren llevar a la fotografía al límite, renovando los trucos cuasi alquímicos para obtener algo más que una imagen, ya sea por media de la ya mencionada congelación de placas donde hay imágenes impresas o bien por la laboriosa realización de ambrotipos, impresiones logradas en placas de vidrio

Y es que si algo parece esta exposición, aparte de un laboratorio de experimentos con la apariencia material -sílice, carbón, látex -en el caso de Vanegas-, esmalte, aluminio, hielo, sal -en el caso de Delgado-, es un film de ficción y terror en el que lo fantástico habita: catorce albinos que duermen bajo una tempestuosa luz de luna, un living donde tazas de latón crecen como hongos y cuadros de los que brota hielo.

Es el fin del color en la era de la alta definición, el recalentamiento global de la imagen en pantalla.

quinientaspalabras

Una imagen vale más que mil palabras; ¿será que la mitad consiguen evocarla? En esta sección un invitado hablará en 500 palabras de una obra que le parezca especialmente significativa.

Beatriz González es quizás la primera artista colombiana que renunció a tomar su “Yo” como el origen mítico del cual debiera partir su trabajo. Esta estrategia instituye una condición de autorreferencialidad en sus obras, que evita que la superficie de la imagen pueda traspasarse en busca de su autor. Así mismo, la presencia compartida de un mismo motivo temático en diferentes obras erradica la noción modernista de la autonomía de cada obra por separado. Esta necesidad de invertir el orden de valores heredado del pensamiento artístico europeo señala la manera en que Beatriz González buscó una independencia del arte universal, hallándola en los mecanismos de funcionamiento de la cultura popular.

En 1970 Beatriz González realizó una obra basada en una estampa popular del Señor Caído de Monserrate.

Observando la obra resultante, realizada con esmalte sintético sobre hojalata, comenzó a pensar en la posibilidad de agregar un marco a la obra. Reparando cuidadosamente en la escena, decidió establecer, irónicamente, como un contexto espacial adecuando a la obra una cama comprada en el Pasaje Rivas: si Cristo había caído, necesitaba descansar.

co decorativo. La artista incluso llegó a pensar en los marcos de las pinturas coloniales.

La presencia del mueble popular introduce una paradoja en relación con la noción de autor en el arte contemporáneo, puesto que obviamente ha sido elaborado por otra persona, una especie de autor alterno y, adicionalmente, la singularidad de la obra se pone en cuestión por la fabricación artesanal y producción seriada de dicho mueble.

Junto a los rasgos anteriores, la presencia del mueble altera la experiencia perceptiva de la obra. El mueble invierte el eje topográfico de la pintura, convencionalmente vertical, y lo lleva a la horizontalidad.

La presencia de este uso doméstico hace descender la pintura (en más de un sentido a la vez), llevándola a romper el canal de identificación que las convenciones artísticas han asociado a la búsqueda de la trascendencia, presente en las estructuras verticales.

Estas estructuras permiten proyectar en su imagen, la verticalidad del cuerpo emblemática de la visión humanista del ser humano.

Naturaleza casi muerta

Este “marco” dentro de la obra resultante, funciona como una huella de gusto que afecta las dos fuentes de la pieza y parece sugerir un parentesco entre los profesionales que ejecutaron la lámina y los que realizaron la cama. Esta obra fue bautizada como Naturaleza casi muerta, título que refuerza la alteración producida en el sentido de la imagen original. La pintura ornamental de la superficie de la cama, que imita las vetas de madera, emparenta esta obra con las pinturas tradicionales a las que se le adosaba un pesado mar-

La horizontalidad de la cama conecta a la obra con el espacio arquitectónico en que se ubica y con la materialidad del cuerpo del observador. Esa situación hace notar que la cultura popular no fue solo una influencia estética, sino una posición desde la cual se produjeron obras como esta que comparten una relación con sus modos de operación y que involucran una revisión política sobre sus fundamentos.

Jaime Cerón

ARTERIA Ed. 35

Septiembre - Octubre 2012

23

GUÍA NACIONAL BOGOTÁ GALERÍA SANTA FE Carrera 16 # 39-82 Tel: (1) 2875750 www.idartes.gov.co hilda.piedrahita@idartes.gov.co - Hasta septiembre 13. ‘Nieve en la pradera’: Fabio Melecio. ‘Obra en la vida’: - Septiembre 19 - octubre 20. ‘Una revolución por minuto’: Ximena Díaz. ‘Flower power’: Sara Milkes. ‘Geo Bits’: William Aparicio.

‘Por un futuro aún más futuro’: Santiago Pinyol. ‘Microfísica del poder’: Alberto Roa. ‘E.S.C.U.L.T.U.R.A.’: Victor Garcés.

ALIANZA FRANCESA a.castro@alianzafrancesa.org.co www.alianzafrancesa.org.co Sede Centro Carrera 3 # 18-45.

- Hasta septiembre 8. ‘La fulminante’: Nadia Granados.

- Septiembre 18 - octubre 26. ‘Flechas’: Ximena Díaz.

Sede Chicó Carrera 11 # 93-40.

- Septiembre 13 - octubre 23. ‘Carte Blanche’: Ana Patricia Palacios.

GALERÍA EL MUSEO Carrera 11 # 93A-43 Tel: (1) 6107451 info@galeriaelmuseo.com www.galeriaelmuseo.com - Hasta octubre 13. ‘Hierros’: Bernardo Salcedo. ‘El barroco de nuestros días’: Ángel Ricardo Ríos. ‘Tensopinturas’: Paulo Castro.

‘Parcelita de poder’: Starsky Brines.

ALCORRIENTE ARTE Calle 70 # 12-38.

Tel: (320) 2747847 alcorrientearte@gmail.com www.alcorrientearte.com - Septiembre 13 - octubre 4. ‘Registro de momentos’: Christina Sewerin.

- Octubre 11 - noviembre 1. ‘El optimismo del color’: Salomon Khammi.

GUERRERO ESPACIO GALERÍA Calle 45 # 18A-25 Tel. (1) 6094795 – 92 - 6056518 Fax. (1) 2852627 guerrero.espaciogaleria@academiadeartesguerrero.com www.guerreroespaciogaleria.com - Septiembre 5 - octubre 5: ‘Procesos 2012-1’.

FEDERICO RUÍZ ARTE – LATINOAMERICANO GESTIÓN CULTURAL Tel: (1) 3123791240 fr@federicoruiz.info www.federicoruiz.info

GALERÍA ALONSO ARTE Calle 85 # 11-53 interior 2.

Tel: (1) 6180072 alonsoarte@gmail.com - Desde septiembre 13. Hebert Sánchez.

GALERÍA CASAS RIEGNER Calle 70 #. 7-41 Tel: (1) 2499194 info@casasriegner.com www.casasriegner.com - Hasta octubre 6. ‘Avenida primavera, casas No. 2’: Mateo López.

GALERÍA LA COMETA Carrera 10 # 94A-25.

Tel: (1) 6019494 info@galerialacometa.com www.galerialacometa.com - Hasta septiembre 23. ‘De azúcar’: Ana González.

- ‘Adivinatoria’: Fernando Pinto.

NC-ARTE Carrera 5 # 26B-76 Tel. (1) 2821474 - 2820973 nc-arte@nc-arte.org www.nc-arte.org - Hasta octubre 6. ‘El país de los demás’: Fernando Arias.

Curaduría: María Belén Sáez de Ibarra.

CENTRO CULTURAL GABRIEL GARCÍA MÁRQUEZ Calle 11 # 5-60.

Tel: (1) 2832200 fcemedios@fce.com.co www.fce.com.co - Hasta septiembre 30. ‘Violentología’: Stephen Ferry.

ROJO GALERÍA Carrera 12A # 78-70 Tel. (1) 2558440 informacion@rojogaleria.net www.rojogaleria.com - Hasta septiembre 30: ‘El retrato’ GALERÍA ALONSO GARCÉS Carrera 5A # 26-92 Tel. (1) 3375827 - 3375832 agarces@cable.net.co www.alonsogarcesgaleria.com - Septiembre - octubre: Pedro Tagliafico.

- Amparo Carvajal.

MUSEO DE ARTE DE LA UNIVERSIDAD NACIONAL Carrera 45 # 26-85.

Tel. (1) 3165000 Ext. 17605 dircultura@unal.edu.co www.divulgacion.unal.edu.co - Desde septiembre 6: ‘El camino Corto’: Miguel Ángel Rojas.

- ‘Urgencias’: María Elvira Escallón.

FOTOGRAFÍA OSCAR MONSALVE

GALERÍA ESPACIO ALTERNO - UNIANDINOS Calle 92 # 16 -11.

Tel: (1) 6162211. Ext. 135-107 espacioalterno@uniandinos.org.co www.uniandinos.org.co

SANTA MARTA

LA GALERÍA ARTE CONTEMPORÁNEO Calle 77 # 12-03 Tel. (1) 6009795 info@la-galeria.com.co www.la-galeria.com.co - Hasta septiembre 29: ‘Sustratos’: Juan Carlos Delgado y Javier Vanegas.

- Desde octubre 4: ‘Régimen de luz y sombra’: Rodrigo Facundo.

BIBLIOTECA JULIO MARIO SANTO DOMINGO Carrera 11C # 116-20 Tel. (1) 8609500 - 3006128774 cristina2006p@gmail.com www.pinpinta.com - Septiembre 6 - octubre 4, ‘El gesto infinito’: Efraín Peña Vásquez.

BARRANQUILLA MUSEO DE ARTE MODERNO DE BARRANQUILLA Carrera 56 # 74-22 Tel: (5) 3690101 - 3609952 comunicaciones@mambq.org www.mambq.org - Desde septiembre 20. Santiago Cárdenas.

TUNJA

MONTEALEGRE GALERÍA DE ARTE Carrera 17A # 100-15 Tel. (1) 6917007 - 6917006 montealegre@montealegregaleriadearte.com.co montealegregaleriadearte@yahoo.com www.montealegregaleriadearte.com.co - Desde septiembre 27: ‘Feedback’: Jorge Jurado.

PALACIO DE SERVICIOS CULTURALES, SECRETARÍA DE CULTURA SALA JULIO ABRIL Carrera 10 # 19 - 17 www.proyectocooperativa.org - Septiembre 21 - octubre 9. Antonio Caro: Exposición Antológica.

VILLAVICENCIO CORCUMVI BIBLIOTECA GERMÁN ARCINIEGAS Carrera 45 # 8-16 Barrio La Esperanza Tel. (8) 6700737 www.corcumvi.gov.co - ‘Inter Cambios’14 Salon Regional de Artistas Orinoco-Amazonia: Exposición intinerante.

GALERÍA SEXTANTE Carrera 14 # 75-29 Tel. (1) 2494755 sextante@artedos.com www.artedos.com GALERÍA NUEVEOCHENTA Calle 70 # 9-80.

Tel: (1) 3466987 - 3476071 info@nueveochenta.com www.nueveochenta.com - Hasta septiembre 15. ‘Aguadas’: Esteban Peña.

- Desde septiembre 27. ‘En busca de la felicidad’: Kevin Mancera.

MEDELLÍN

CENTRO CULTURAL SKANDIA Av 19 # 109A-30.

Tel: (1) 6584000 ext. 4322 centrocultural@skandia.com.co www.skandia.com.co - Desde septiembre 6. ‘Entre diarios y entre tensiones’: Carlos Alberto Hernandez Acero.

GALERÍA EXPRESO DEL ARTE Calle 81 # 13-05. Centro Comercial Atlantis Plaza Local 310 A - 310 Tel. (1) 5312221 correo@expresodelarte.com www.expresodelarte.com

MUSEO BOLIVARIANO DE ARTE CONTEMPORÁNEO Tel: (5) 4331021 - 3125803399 prensa@museobolivariano.org.co www.museobolivariano.org.co - Hasta octubre 8. ‘Juan Cárdenas’ - Septiembre 5 - 27. ‘Bola viva’.

- Septiembre 19 - octubre 18.

‘Nada es suficiente’: Hubert Guardiola.

MUSEO DE ARTE MODERNO DE MEDELLÍN curaduria@mammedellin.org info@mammedellin.org www.fundacionepm.org.co www.elmamm.org Sala de arte de la Casa de la Música Calle 71 # 52-30. Parque de los Deseos Tel. Casa de la Música: (4) 5166005 - Hasta octubre. ‘Especulante’: John Mario Ortiz.

Curaduría: Óscar Roldan-Alzate.

MAMM Sede Ciudad Del Río Carrera 44 # 19A-100 Tel. (4) 4442622 Fax. (4) 2359415 - Hasta octubre 14. ‘Colección Daros latinamerica’: Luis Camnitzer.

Curaduría: Hans-Michael Herzog y Katrin Steffen.

ARTE Y RETRATO tel. 2712970 cel. (315) 338-6952 oscarmonsalvepino@gmail.com Bogotá, Colombia

24

ARTERIA Ed. 35

Septiembre - Octubre 2012