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Email: contact@dgtarchitects.com www. dgtarchitects.com
75 rue de la Fonatine au Roi 75011 Paris FRANCE Tel: +33 1 43 38 12 47 / Fax: +33 1 43 38 12 85
DORELL.GHOTMEH.TANE / ARCHITECTS
SOMMAIRE CONTENTS
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Scénographie de l’exposition hokusai / Scenography hokusai at grand palais
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Toshiba Milano Salone / Toshiba Milano Salone
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Citizen Milano Salone / Citizen in Milano
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Exposition de Textiles Junichi Arai / Junichi Arai Textile Exhibition
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Scénographie Play 2 Play / Scenography for Play 2 Play
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Scénographie Zone - nomadic / Scenography for Zone - nomadic
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Scénographie Bluebeard’s Castle Opera /
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Conception d’univers Renault / Booth design for Renault
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Défilé de Mode Minä Perhonen /
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Exposition Minä Perhonen /Minä Perhonen Exhibition
Bluebeard’s Castle Opera Scenography
Minä Perhonen Fashion Show
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Scénographie “365 Charming everyday things”/ Scenography “365 Charming everyday things”
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Galerie des projets / Projects gallery
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“Hokusai”
SCÉNOGRAPHIE DE L’EXPOSITION HOKUSAI S C E N O G R A P H Y H O K U S A I AT G R A N D PA L A I S * statut : réalisé DATE: Dec 2013, Jan 2015 LIEU: Paris, France SURFACE : 1500 m² TYPE DE MARCHÉ : Public MAITRISE D’OUVRAGE : RMN Grand Palais, Paris PROGRAMME: Scénographie pour l’exposition HOKUSAI ARCHITECTE : DGT, Paris LUMIÈRE: ABRAXAS concept, Paris ANIMATION: LUFTZUG, Paris COÛT : 350 000 €
DATE: 2013 -2014 LOCATION: Paris, France AREA : 1500 m2 COMMISSION TYPE : Public CLIENT : RMN Grand Palais, Paris PROGRAM : ScEnography for HOKUSAI exhibition ARCHITECT : DGT, Paris LIGHTING DESIGN : ABRAXAS concept, Paris ANIMATION: LUFTZUG, Paris COST: 350 000 €
Photo du Daruma, la plus grande oeuvre de Hokusai, reproduction Photo of the Daruma, the largest work of Hokusai, reproduction
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Conçue par DGT, l’exposition HOKUSAI a ouvert ses portes au public le 1er octobre 2014 au Grand Palais à Paris. La scénograpie proposée s’installe dans un contexte atmosphérique fort aux illustrations uniques. Elle instaure une grande vénération pour son art. Les sept périodes principales du travail de l’artiste, portant chacune une appellation, sont matérialisées avec précision par la segmentation proposée de l’exposition. Chaque salle mesure dans la durée l’activité et la densité du travail de Hokusai. Les couleurs des salles d’exposition, alternant entre le bordeau et le vert, sont choisies en référence aux couleurs de la période d’Edo au Japon. L’ambiance de chaque salle est légèrement marquée par une fine gradation de tonalités colorimétriques, les deux couleurs s’obscurcissent subtilement au fil du parcours du visiteur, atteignant la dernière période « Gakyo Rojin » où la gradation approfondie permet aux travaux de flotter dans un effet pratiquement indétectable. C’est la rétrospective la plus récente et la plus complète d’Hokusai en Europe, juste avant l’ouverture - l’année prochaine à Tokyo, d’un musée qui lui sera complètement dédié. Plus de 500 travaux sont présentés, c’est pourquoi quatre rotations de présentation des oeuvres sont prévues. Designed by DGT, HOKUSAI’s exhibition opened to the public on the 1st of October 2014 at the Grand Palais in Paris. The proposed scenography remains both a strong atmospheric backdrop to the unique artworks of Hokusai, and commands a great reverence for his art. The seven major periods on display of the great artist’s work, for each of which he had been differently named, are precisely materialized through the proposed segmentation of the exhibition. Each room is measured by the duration of Hokusai’s activity. Its color, alternating between bordeau and green, is chosen in reference to the colors of Edo period in Japan yet complement the palette of the works. In praise of a dim environment, both colors subtly darken as one moves through the exhibition reaching the last period ‘Gakyo Rojin’ where the gradation deepens allowing the works to float in a virtually undetectable effect. This is the last and most comprehensive retrospective of Hokusai in Europe before the opening of a dedicated Museum in Tokyo next year. More than 500 works are on display, and within the exhibition four rotations of artwork are planned.
Plan genera l Genera l plan
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S C É N O G R A P H I E D E L’ E X P O S I T I O N H O K U S A I / S C E N O G R A P H Y H O K U S A I AT G R A N D PA L A I S
Introduction : Japonisme Introduction: Japonism
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S C É N O G R A P H I E D E L’ E X P O S I T I O N H O K U S A I / S C E N O G R A P H Y H O K U S A I AT G R A N D PA L A I S
Espace Sori Sori Ex hibition
Espace Sori Sori Ex hibition
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S C É N O G R A P H I E D E L’ E X P O S I T I O N H O K U S A I / S C E N O G R A P H Y H O K U S A I AT G R A N D PA L A I S
Espace Litsu Litsu Ex hibition
Espace Sori Sori Ex hibition
Espace Ga k yo Rojin Ga k yo Rojin Period Ex hibition
Espace Manga Manga Ex hibition
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“Luce Tempo Luogo”
TOSHIBA À MILANO SALONE I NSTA LL ATION FOR TOSHIBA * statut : réalisé DATE: 2010-2011 LIEU: Milan, Italie SURFACE : 534 m² TYPE DE MARCHÉ : Privé MAITRISE D’OUVRAGE : Toshiba corporation PROGRAMME: Installation lumineuse LED ARCHITECTE : DGT, Paris DESIGN LUMIÈRE : Izumi Okayasu, Tokyo CONSEILLER TECHNIQUE : Masafumi Shinoda (Tamon), Tokyo COORDINATEUR PROJET : ADK, Tokyo CONSTRUCTEUR : Xilografia, Milan COÛT : 300 000 €
DATE: 2010-2011 LOCATION: Milano, Italy AREA: 534 m² COMMISSION TYPE: Private CLIENT: Toshiba corporation PROGRAM: LED Lighting installation ARCHITECT: DGT, Paris LIGHTING DESIGN: Izumi Okayasu, Tokyo TECHNICAL ADVISER: Masafumi Shinoda (Tamon), Tokyo PROJECT COORDINATION: ADK, Tokyo CONTRACTOR: Xilografia, Milan COST: 300 000 €
Espace 01: ‘APPROCHE’ Space 01: ‘APPROACH’
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L’initiative de ce projet revient à la marque Toshiba qui souhaitait proposer une installation lumineuse à base de lumières LED au Salon de Milan 2011, le plus grand salon de design au monde. Cette année, DGT était le partenaire associé invité à concevoir l’installation. L’événement s’est tenu au Cortile de Via Savona, dans les ruines d’un bâtiment construit il y a plus d’un siècle et qui a été témoin de l’histoire de Milan. Après s’être attaché à comprendre les caractéristiques du bâtiment, DGT a envisagé de quelle manière, en alliant créativité et technologie, cet endroit pourrait offrir une expérience unique de la lumière et acquérir ainsi une nouvelle dimension. « Une lumière qui n’existerait qu’ici ». Le projet propose trois expériences différentes de la lumière: APPROCHE Pour arriver à l’installation principale, il faut parcourir un tunnel absolument blanc. Une ligne de lumière au plafond se reflète dans un filet d’eau au sol qui devient à son tour une deuxième ligne de lumière. DANS LA COUR - Dans deux bassins se forment des ondulations constantes à la surface de l’eau qui sont illuminées par le soleil pendant la journée et par des LED la nuit. Ces vagues se reflètent ensuite sur le mur vieux de plus de 100 ans. A L’INTERIEUR- Un espace magique est créé par un mur de lumière dans lequel de multiples couches d’eau sont constamment transformées et deviennent d’innombrables particules de lumière. This project was initiated by Toshiba, a corporate citizen of planet Earth, wanting to create a light installation featuring LED lights at Milano Salone 2011, the world’s largest design trade fair. DGT was Toshiba’s partner for their installation for this year’s Salone. The intervention venue took place in Cortile di Via Savona, in a context that was built over a century ago. In the ruins of a building that has been a witness to the history of Milano. It was only after gaining a thorough understanding of the building that DGT considered how this site could be imbued with greater values through creativity and technology into a unique experience of light. A “Light that exists nowhere but there”. The project composed 3 specific experiences of “Light”: APPROACH - A seamless white tunnel, an entrance to the installation. The single line along the ceiling is reflected onto the stream of water on the floor to become yet another line of light. COURTYARD - The constant ripples created on the water’s surface are illuminated by the sun during the day, and by LEDs at night. The ripples are then reflected on a single wall that has survived over 100 years. INSIDE - A fantastical space made by the wall of light in which multiple layers of water are constantly transformed as a result of countless lighting particles.
Bâtiment en volume 3D bui lding
TOSHIBA MIL ANO SALONE / TOSHIBA MIL ANO SALONE Espace 03 : ‘L’INTER IEU R’ Space 03: ‘INSIDE’
Zoom sur le rideau de lumière et d ’eau Zoom on the wa l l of light
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Espace 02: ‘DA NS LA COU R’ Space 02: ‘COU RT YA R D’
A l ’ intérieur du bâtiment - un rideau de lumière Inside the bui lding - a cur tain of light
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TOSHIBA MIL ANO SALONE / TOSHIBA MIL ANO SALONE
Photo de l ’ intérieur Interior photo
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TOSHIBA MIL ANO SALONE / TOSHIBA MIL ANO SALONE
“Light is Time”
CITIZEN À LA TRIENNALE CITIZEN IN
MILAN
* statut : réalisé DATE: 2014 LIEU: Milan, Italie SURFACE : 423 m² TYPE DE MARCHÉ : Privé MAITRISE D’OUVRAGE : CITIZEN WATCH Co., LTD PROGRAMME: Installation ARCHITECTE : DGT, Paris DIRECTION TECHNIQUE : Luftzug, Amsterdam COORDINATEUR DU PROJET : ADK, Tokyo CONSTRUCTION DU PROJET : Xilografia, Milan CRÉDIT PHOTO: Takuji Shimmura, Paris
DATE: 2014 LOCATION: Milan, Italy AREA: 423 m² COMMISSION TYPE: Private CLIENT: CITIZEN WATCH Co., LTD PROGRAM: Installation ARCHITECT: DGT, Paris TECHNICAL DIRECTION : Luftzug, Amsterdam PROJECT COORDINATION: ADK, Tokyo PROJET CONSTRUCTION : Xilografia, Milan PHOTO CREDIT: Takuji Shimmura, Paris
Passage: ‘LIGHT IS TIME’ Path ‘LIGHT IS TIME’
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« Le Temps Suspensu » est une installation qui a été présentée au Salon de Milano, à la Triennale pour le fabricant de montres japonais CITIZEN. Citizen a souhaité se différencier : au lieu de simplement proposer un stand à ses visiteurs, Citizen a fait le choix de dédier une partie de son espace à un créateur afin de mettre en place une installation artistique. Chaque année, le créateur invité fera ainsi évoluer l’espace Citizen et mettra en scène le “Challenging Spirit” de la marque. DGT a été invité pour concevoir la première installation. La visite de l’usine Citizen au Japon a tout d’abord révélé un processus incroyable de manufacture : un millions de manipulations pour créer un si petit univers. En parallèle, DGT s’est interrogée sur ce qu’est ‘le Temps’ : scientifiquement, historiquement, mécaniquement, via l’ethnographie, etc. DGT conclu à son concept : ‘le temps est la lumière et la lumière est le temps’. plus de 50 000 plaquettes métalliques ont été suspendues à 3 000 fils métalliques. Chaque plaquette a été soigneusement positionnée sur le fil afin de respecter une composition géométrique crée par 30 assemblages différents. La mise en place sur le site s’est révélée d’une complexité infinie. 4 nouveaux modèles de montres ont été positionnés au sein de l’installation afin que le visiteur devienne un véritable acteur de l’exposition. L’éclairage a été programmé avec 178 projecteurs LED sur le plafond et 60 spots au sol pour créer une sensation atmosphérique où la notion de temps - lumière est en constante évolution et ne sera jamais le “même instant”. ‘Frozen time’ has been presented for a Japanese watch brand CITIZEN in Baselworld which is the largest watch and jewel industry exhibition in the world. CITIZEN as a Japanese watchmaker took their approach to represent their brand identity differently in this context. Instead of just renewing entire booth for next 4 years, they have reserved a large reception space to be opened and to present an installation for CITIZEN every year as space to evolve and to express their fundamental identity of ‘Challenging spirits’. DGT has commissioned for the first year installation. First of all, by starting to visit the CITIZEN factory in Japan and discovered a million assembling process as human manufacture and to make it into one object was production of small universe. At the same time, by researching a conception of ‘what is a time?’ scientifically, historically, mechanically, ethnographically, etc… DGT has concluded a concept: ‘Time is Light and Light is Time’. A movement plates that were suspended more than 50,000 pieces with 3,000 metal wires. Each of them has carefully positioned in wire with a geometric composition that has 30 different types. And when it constructed on site it is achieved an immeasurable complexity. There are 4 new watches that has displayed along the passage to navigate a space for a visitor to be an actor in the installation. Lighting was programmed with 178 LED dimmable spotlights on the ceiling and 60 spots on the floor to create an atmospheric sensation where notion of time - light are continuously changing or never be the same moment.
Un plan inspiré de celui d ’une ég lise A plan inspired by a church plan
CITIZEN TRIENNALE DI MILANO à la frontière de l ’ insta l lation on the boundar y of the insta l lation
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CITIZEN TRIENNALE DI MILANO Les gens dans l ’ insta l lation People in the insta l lation
Photo à la frontière de l ’ insta l lation Photo at the boundar y of the insta l lation Photo intérieure Interior photo
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CITIZEN TRIENNALE DI MILANO Performance dans l ’ insta l lation Performance w ithin the insta l lation 29
“Tradition and Creation”
EXPOSITION DE TEXTILES JUNICHI ARAI JUNICHI AR AI TEXTILE EXHIBITION * statut : réalisé DATE: 2012 LIEU: Opera City Art Gallery, Tokyo, Japon SURFACE : 800 m² TYPE DE MARCHÉ : Public MAITRISE D’OUVRAGE : Tokyo Operacity Art Gallary, Tokyo PROGRAMME: Exposition de textiles Junichi Arai ARCHITECTE: DGT, Paris / LUMIÈRE : Samsara, Tokyo GRAPHISTE : Shin Akiyama, Niigata / DIRECTION TECHNIQUE : Luftzug, Amsterdam / STRUCTURE: Yasuhiro Kaneda, Paris COÛT : 50 000 €
DATE: 2012 LCOCATION: Opera City Art Gallery, Tokyo, Japan AREA: 800 m² COMMISSION TYPE: Public CLIENT: Tokyo Operacity Art Gallary, Tokyo PROGRAM: Junichi Arai Textile Exhibition ARCHITECT : DGT, Paris / LIGHTING : Samsara, Tokyo GRAPHIC: Shin Akiyama, Niigata / TECHNICAL DIRECTION : Luftzug, Amsterdam / STRUCTURE: Yasuhiro Kaneda, Paris COST: 50 000 €
Vue de l’exposition Exhibition view
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“Le point de départ de la créativité réside dans la veine de la tradition», a déclaré Arai. Arai Junichi est né à Kiryu en 1932. Tout au long de sa carrière, il a produit des textiles incroyables, profonds et personnels qui combinent les techniques traditionnelles et anciennes avec les nouvelles technologies. Dans les années 1980, il a collaboré avec Issey Miyake, Rei Kawakubo (Comme des Garcons) et a créé des textiles très innovants pour leurs lignes de vêtements, ambassadrices de l’industrie de la mode japonaise. Dans l’Opera City Gallery, l’exposition se situe dans deux grandes salles et un couloir étroit . DGT a proposé que chaque espace constitue un thème : La galerie 1 est le premier espace d’exposition , où les tissus sont disposés horizontalement. Les textiles d’Arai luttent contre la gravité et se suivent dans une onde horizontale. L’éclairage est en constant mouvement, comme si les textiles respiraient ou comme s’ils étaient des organismes vivants, capables de converser par le biais de mouvements silencieux. Dans la galerie 2, les textiles sont disposés verticalement. Ceux de grande envergure ont été exposés en accord avec la gravité. « Mawaritemeguru » (nouvelle création)(200m x 5m) est composée, à l’avant et au dos d’or et d’argent et crée un labyrinthe qui est inversé par deux formes en spirale. «Textile Forest» est une autre œuvre à grande échelle formée par un groupe de textiles. Au bout de la pièce,« Pracsis » (nouvelle création) est disposée sur un mur entier de 6m x 12m. Les visiteurs auront l’impression d’une série de textiles suspendus dans l’espace. Le couloir est habillé de lumière et de son. Arai a eu l’opportunité de voyager autour du monde, où il a pris de nombreuses diapositives qui sont projetées sur le sol avec un diaporama 680. La projection en couleurs est combinée avec des enregistrements sonores de la voix d’Arai parlant de textiles provenant de cinq haut-parleurs placés au plafond. “Je crée des textiles depuis longtemps, mais la plupart des textiles qui sont exposés, je les vois pour la première fois aujourd’hui.” a déclaré Arai lors de la cérémonie d’ouverture. “The starting point of creativity lies in the vein of tradition”, said Arai. Arai Junichi was born in Kiryu in 1932. Throughout his career he has continued to produce incredible textiles which combine traditional and ancient techniques with new technologies that remain profound and individual. In the 1980s, he collaborated with Issey Miyake, Rei Kawakubo (Comme des Garcons) to make a highly creative textile for their clothing lines, representing the Japanese fashion design industry. In the Opera City gallery, the exhibit’s composition is located in two large gallery spaces and one narrow corridor. According to those three spaces, DGT proposed that through each space, Gallery 1 is the first exhibition space, where the textiles were displayed horizontally. Arai’s textile sits against gravity and continues to follow one after the other in a horizontal wave. Lighting is constantly changing as if the textiles themselves are breathing or suggestive that the textile may be a living organism, able to converse in the transition of silent motion. In Gallery 2, the textiles are displayed vertically. Large scale textiles were exhibited in accordance with gravity. “Mawaritemeguru (new work)” (200m X 5m) is fabricated on front and back of gold and silver and composes a maze which is reversed by two spiralling forms. “Textile forest” is another large scale work that forms in a group and at the end “Pracsis (new work)” is displayed against the entire wall of 12m X 6m that visitors will experience in a series of textile suspended in space. In the corridor there consists an exhibition of light and sound. Arai was able to travel around the world, where he took slide photos which are projected on the floor with a 680 slideshow. The transmission of the colour slideshow combines with the sound of recordings about textiles in Arai’s own voice from five speakers from the ceiling overhead. It is a space to feel ‘textile within textile’ from the memory of imagination by Arai Junchi. “I’ve created a textile for long time, but most of the textile that are exhibited I saw first time here today.” Arai at the opening ceremony.
Vue du ‘Corridor’ View at the ‘Corridor’
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La ga lerie 2 : Coupe Ga l ler y 2 : Section
EXPOSITION DE TEX TILES JUNICHI ARAI / JUNICHI ARAI TEX TILE EXHIBITION La ga lerie 2 : Forêt texti le Ga l ler y 2 : Texti le Forest
La ga lerie 2 : Vue du ‘Mawaritemeguru’ Ga l ler y 2 : View at the ‘Mawaritemeguru’
Forêt texti le Texti le Forest
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La ga lerie 1 Ga l ler y 1
La ga lerie 1 Ga l ler y 1
La ga lerie 1 : Coupe Ga l ler y 1: Section
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EXPOSITION DE TEX TILES JUNICHI ARAI / JUNICHI ARAI TEX TILE EXHIBITION
EXPOSITION DE TEX TILES JUNICHI ARAI / JUNICHI ARAI TEX TILE EXHIBITION La ga lerie 2 : Vue du ‘Pracsis ‘ Ga l ler y 2 : View at the ‘Pracsis’
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“Play 2 play Interfering dimensions”
SCENOGRAPHIE D’UNE DANSE CONTEMPORAINE S C E NO GR A PH Y FOR C ON T E M P OR A RY DA NC E * statut : réalisé DATE: 2007 LIEU: Ryutopia, Niigata / Théatre National de Tokyo, Japon SURFACE : 200 m² TYPE DE MARCHÉ : Public MAITRISE D’OUVRAGE : Ryutopia City Performing Arts Center, Niigata PROGRAMME: Scénographie pour une performance de danse contemporaine ESPACE: DGT, Paris/CHORÉGRAPHIE: Jo Kanamori/Noism09, Niigata / MUSIQUE: An Ton That, Paris/Costumes/COSTUMES: Yasuhiro Mihara, Tokyo/DANSEURS: Noism07 COÛT : 20 000 €
DATE: 2007 LOCATION: Ryutopia, Niigata /National Théatre of Tokyo, Japan AREA: 200 m² COMMISSION TYPE: Public CLIENT: Ryutopia City Performing Arts Center, Niigata PROGRAM: Scenography for Contemporary Dance SPACE: DGT, Paris/CHOREOGRAPHY: Jo Kanamori/Noism09, Niigata / MUSIC: An Ton That, Paris/COSTUME DESIGN: Yasuhiro Mihara, Tokyo/ DANCERS: Noism07 COST : 20 000 €
Vue du dispositif scénographique Photo of the scénographic tool
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La première de ‘Play 2 Play’- interfering dimensions a eu lieu le 20 Avril 2007 au Ryutopia à Niigata, où est basée la première compagnie de danse publique du Japon. La pièce fut ensuite jouée à Shizuoka, Tokyo et Hyogo. Pour cette œuvre, le challenge de synchroniser une équipe multidisciplinaire de spécialistes en Chorégraphie, Espace, Musique et Mode fut relevé par Jo Kanamori, le directeur artistique de la compagnie de danse Noism au Ryutopia. Cette décision de réunir ensemble une équipe pour réaliser une performance a permis d’unifier l’énergie créative de ces différents spécialistes, produisant une œuvre d’art mouvante synchronisée ; une œuvre réunissant la synthèse des performances artistiques. DGT a créé la scénographie pour cette œuvre; l’espace de performance. Leur intervention représentait un moment spécifique de l’existence une illusion; une fiction composée d’une forme de principe simple qui contenait différentes couches de complexité sur sa propre surface créant une absurdité rationnelle. Les éléments construits se placent comme éléments étrangers, leur présence donnant un ordre poétique à l’espace par leurs propres dimensions spatiales. La lumière apporte l’élément temporel à l’espace tandis que l’obscurité donne au même espace un silence. ‘Play 2 Play’ - Interfering dimensions premiered on the 20th April 2007 at the Ryutopia in Niigata where ‘Noism’, the first public dance company in Japan, is based. The piece was then performed in Shizuoka, Tokyo and Hyogo. For this piece, the challenge of synchronizing a multidisciplinary team of specialists in Choreography, Space, Music and Fashion was embraced by Jo Kanamori the Artistic Director of Noism dance company in Ryutopia. The decision to bring together a team into the making of one performance unified the creative energy of these different specialists, thus producing one synchronized piece of ‘moving’ arts - one performance that embodied the synthesis of performing arts. DGT created the scenography for this piece – the space of performance. The intervention presented a specific moment of existence; an illusion, a fiction composed of a simple principal form. This ‘simple’ intervention created a rational absurdity through the multi-layered complexity of its own surfaces. The constructed elements stand as foreign objects whose presence poetically give order to the space. Light brings time to the space while darkness gives the same space silence.
Stroboscope & chronophotographie (Eadweard Muybridge) Stroboscop and chronophotography (Eadweard Muybridge)
SCÉN O G R APH IE D’UN E DANSE CO N T EM PO R AIN E / SCEN O G R APHY FO R CO N T EM PO R ARY DAN CE
Disposition de l ’espace scénographique Layout of the scenographic space
Diagrammes de composition de la scénographie Compositiona l diagrams for scenography
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Scène G Scener y G
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SCÉN O G R APH IE D’UN E ANSE CO N T EM PO R AIN E / SCEN O G R APHY FO R CO N T EM PO R ARY DANSE
Scène G Scener y G
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SCÉN O G R APH IE D’UN E DANSE CO N T EM PO R AIN E / SCEN O G R APHY FO R CO N T EM PO R ARY DANSE
Scène F Scener y F
Scène D Scener y D
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SCÉN O G R APH IE D’UN E DANSE CO N T EM PO R AIN E / SCEN O G R APHY FO R CO N T EM PO R ARY DANSE
“Zone - nomadic”
SCENOGRAPHIE D’UNE DANSE CONTEMPORAINE S C E NO GR A PH Y FOR C ON T E M P OR A RY DA NC E * statut : Réalisé DATE: 2009 LIEU: Ryutopia, Niigata / Théatre National de Tokyo, Japon SURFACE : 200 m² TYPE DE MARCHÉ : Public MAITRISE D’OUVRAGE : Ryutopia city performing arts center, Niigata PROGRAMME: Scénographie pour une performance de danse contemporaine ESPACE: DGT, Paris/CHORÉGRAPHIE: Jo Kanamori/Noism09, Niigata / MUSIQUE: J.S.Bach and World Music/COSTUMES: Yasuhiro Mihara, Tokyo/DANSEURS: Noism09 COÛT : 15 000 €
DATE: 2009 LOCATION: Ryutopia, Niigata /National Théatre of Tokyo, Japan AREA: 200 m² COMMISSION TYPE: Public CLIENT: Ryutopia city performing arts center, Niigata PROGRAM: Scenography for contemporary dance SPACE: DGT, Paris/CHOREOGRAPHY: Jo Kanamori/Noism09, Niigata / MUSIC: J.S.Bach and World Music/COSTUME DESIGN: Yasuhiro Mihara, Tokyo/DANCERS: Noism09 COST : 15 000 €
Scène B Scenery B
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En 2009, le centre de performances artistiques Ryutopia à Niigata et le nouveau musée national à Tokyo, ont présenté une production conjointe de ‘ZONE’ nouvelle œuvre de Jo Kanamori, le directeur artistique du département danse. «Nomade» est le contraire d’«académique». La scénographie n’était pas descriptive : elle n’appartenait pas à une temporalité ni à un certain lieu. Les costumes des artistes étaient inspirés d’identités ethniques non- identifiables. La scénographie permettait notamment l’expression d’un espace sans temps ni lieu. Un millier de chaines de 8 mètres étaient suspendues pour créer un paysage de circulation et de particules de lumière dynamique, un “espace de phénomènes”. Un point de lumière donnait l’illusion de la scène. Cette «particule de lumière» était perçue comme un point dans l’espace qui pourrait, par la projection ou la réflexion, devenir visible ou invisible. L’espace n’était pas fixe ou constant, il était l’expression de l’incertitude «nomade» - une absence comme l’expression incertaine du nomadisme matérialisant la position des particules comme un espace de phénomènes. Noism, la compagnie de danse résidente de Ryutopia, a reçu un franc succès pour sa performance présentée non seulement sur leur scène de prédilection à Niigata, mais aussi à travers tout le Japon et à l’étranger. ZONE was a collaboration between the Japanese National Theatre and Noism in the spring of 2009. The concept of a ‘ZONE of professions’ was established by artistic director Jo Kanamori and was presented in three pieces called ‘academic / nomadic / physic’. •eNomadic’ was the opposite of ‘academic’. It was not descriptive and did not belong to anytime or anywhere. Performers were given a certain look, with unrecognisable ethnicity. These particular constructs enabled the contradiction of the expression of a space without time or place. One thousand 8m strings of chain created a scener y of movement and of dynamic particles of lights – a ‘space of phenomenon’. A point of light gave the illusion of stage. This ‘particle of light’ was understood as a point in space which could, through projection or reflection, become visible or invisible. This meant that space was not materialised as fixed or constant. Instead space was the uncertain expression of the ‘nomadic’ - an absence of presence that could reinstate the position of the particle as a scenario in a space of phenomenon. “ZONE” was presented in Niigatacity performing arts centre and New National Theater in Tokyo and received an audience of over 3,000 spectators.
Scène A Scener y A
R ideau de perles méta l liques scinti l lantes Glit tering beaded cur tain
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SCÉN O G R APH IE D’UN E DANSE CO N T EM PO R AIN E / SCEN O G R APHY FO R CO N T EM PO R ARY DANSE
Scène A Scener y A
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SCÉN O G R APH IE D’UN E DANSE CO N T EM PO R AIN E / SCEN O G R APHY FO R CO N T EM PO R ARY DANSE
“Bluebeard’s Castle”
SCENOGRAPHIE D’UN OPERA SCENOGRAPHY FOR AN OPERA * statut : réalisé
DATE: 2011 LIEU: Matsumoto, Japon SURFACE : 500 m² TYPE DE MARCHÉ : Privé MAITRISE D’OUVRAGE : Saito kinen festival PROGRAMME: Scénographie pour un opéra ARCHITECTE : DGT, Paris/MUSIQUE : Béla Bartók, Budapest / CONDUCTEUR : Seiji Ozawa, Tokyo/CHOREOGRAPHIE: Jo Kanamori, Niigata /INGÉNIERIE : Hirotsugu Tsuboi Engineer, Tokyo / LUMIÈRE : Masakazu Ito (Ryu, Kyoto)/Jo Kanamori/COSTUMES : Yuichi Nakashima (artbrut), Osaka /DUKE BLUEBEARD: Matthias Goerne/JUDITH : Elena Zhidkova /DANCEURS: Noism1, Noism 2/ORCHESTRE: Saito Kinen Orchestra /INGÉNIEUR STRUCTURE : Bollinger + Grohmann GmbH, Paris. COÛT : 170 000 €
DATE: 2011 LOCATION: Matsumoto, Japan AREA: 500 m² COMMISSION TYPE: Private CLIENT: Saito kinen festival PROGRAM: Opera scenography ARCHITECT: DGT, Paris/MUSIC: Béla Bartók, Budapest /CONDUCTOR: Seiji Ozawa, Tokyo/CHOREOGRAPHY: Jo Kanamori, Niigata / ENGINEERING: Hirotsugu Tsuboi Engineer, Tokyo/LIGHTING: Masakazu Ito (Ryu, Kyoto) Jo Kanamori/COSTUME DESIGN: Yuichi Nakashima (artbrut), Osaka /Duke Bluebeard: Matthias Goerne/JUDITH: Elena Zhidkova /DANCERS: Noism 1, Noism 2/ORCHESTRA: Saito Kinen Orchestra /ENGINEERING: Bollinger + Grohmann Gmbh, Paris . COST : 170 000 €
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Bluebeards Castle a d’abord été publié en 1910 avec une dédicace commune de Kodály et Bartók et complété comme opéra en 1911. Musicalement, il a une atmosphère mystérieuse et une dissonance qui transmettent une sensation de lourdeur dans les ténèbres. Dans le livret, Judith et Barbe-Bleue arrivent au château, il fait sombre et il y a 7 portes fermées autour du mur d’enceinte. Judith insiste pour que toutes les portes soient ouvertes, pour permettre à la lumière de pénétrer dans le château de Barbe-Bleue, mais celui-ci refuse et impose à Judith de l’aimer. Judith insiste pour ouvrir les portes une par une. Un flot de lumière colorée s’échappe symboliquement de chaque porte. Quand elle ouvre enfin la septième porte, elle est faite prisonnière et rejoint les trois autres épouses de Barbe-Bleue, ayant elles-même subit le même sort. La porte se referme derrière elle, et Barbe-Bleue est laissé seul dans un fondu au noir total. Sur la base de l’histoire actuelle, DGT crée l’idée d’un paysage interne en tant que concept scénographique. Avec huit murs qui créent sept espaces et ainsi sept ouvertures qui représentent les portes. Un mur d’enceinte qui sépare l’intérieur et à l’extérieur, sur une scène, l’illusion, la projection, la réflexion, la transparence où l’ombre de Barbe-Bleue ou de Judith apparaît/disparaît sur les surfaces grâce à un jeu de lumière dans les ténèbres. La paroie est composée de 4 couches de matériaux et la structure est construite en V à angle de 2,7 x 2,7 x 6,3 m de hauteur et de plus de 500 kg, déplacée par une pression de 10kgN/point. Les murs simples pivotants constituent un certain nombre de compositions geometriques créant la particularité de l’ambiance. Bluebeards Castle was first published serially in 1910 with a joint dedication to Kodály and Bartók and completed as the opera in 1911. Musically, it has a mysterious atmosphere and a dissonance gives a heavy feeling of darkness. In the script, Judith and Bluebeard arrive at his castle, it is all dark and there are 7 locked doors around the perimeter wall. Judith insists that all the doors be opened, to allow light to his castle but Bluebeard refuses and asking Judith to love him without any questions. One by one, Judith insists to open each door, a stream of symbolically colored light comes forth and when she finally opens the seventh doors, she becomes the fourth wives and follows the others emprisonned wives along a beam of moonlight. The door closes behind her, and Bluebeard is left alone as all fades to total darkness. Based on the existing story, DGT constitutes the idea of internal landscape as scenography concept. By having eight walls which creates seven openings inbetween that represents door. A perimeter wall which divides inside and outside on a stage, illusion, projection, reflection, transparency and shadow of Bluebread or Judith appears or disappear on its surfaces by lights within a darkness. The wall was composed by 4 layers of material and structurally constructed in V-angle of 2,7 x 2,7 x 6,3M height and more than 500kg weight can be moved by 10kgN/point like one hands push. A single pivoting walls can constitute a numerous number of geometric composition. In order to create a specific atmosphere, the transformations represents each sceneries as story of space within its darkness.
SCÉNOGRAPHIE D’ UN OPÉRA / SCENOGRAPHY FOR AN OPERA Scène F Scener y F
Scène E Scener y E
Diagrammes de composition de la scénographie Compositiona l diagrams for scenography 59
Scène B Scener y B
Scène G Scener y G
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SCÉNOGRAPHIE D’UN OPÉRA / SCENOGRAPHY FOR AN OPERA
Scène D Scener y D
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SCÉNOGRAPHIE D’ UN OPÉRA / SCENOGRAPHY FOR AN OPERA
“The BUMP”
UNIVERS RENAULT BOOTH DESIGN * statut : réalisé et en cours
DATE: 2012 - 2015 LIEU: Première application au Mondial de Paris 2012 puis Europe, Asie, Amérique du sud, Afrique du Nord SURFACE : 4 312 m² TYPE DE MARCHÉ : Privé MAITRISE D’OUVRAGE : Renault SA PROGRAMME : Conception de stand ARCHITECTE : DGT, Paris/LIGHTING DESIGN : Atelier Her vé Audibert / CINÉTIQUES : Lightlife/GRAPHISME : DreamOn/SON : 6èmeSon/ ASSISES : Atelier Misto/DIRECTION TECHNIQUE : FLC/ONECS/DIRECTION AUDIOVISUELLE : 3S et XL/CONSTRUCTION : CENTTHOR SAS
DATE: 2012 - 2015 LOCATION: First application: Mondial de Paris France then Europe, Asia, South America, Nor th America AREA: 4 312 m² COMMISSION TYPE: Private CLIENT: Renault SA PROGRAM: Conception de stand ARCHITECT: Dgt, Paris/LIGHTING DESIGN: Atelier Her vé Audibert / KINETICS: Lightlife/GRAPHICS: DreamOn/SOUND: 6èmeson/SEATINGS: Atelier Misto/TECHNICAL ADVISOR: FLC/ONECS/AUDIOVISUEL ADVISOR: 3S et XL/LIGHT INSTALLATION: NAT
The Bump en couleur - côté Clio The Bump in color - Clio side
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Espace recepti f - Restaurant Reception Space - Restaurant
Après plus de 6 mois de compétition internationale, Renault premier constructeur automobile français a sélectionné DGT pour la conception de son nouveau stand pour les salons de l’automobile internationaux. Le nouveau concept de stand Renault est inspiré par les qualités intrinsèques de la marque. Des qualités profondément ancrées dans notre société et l’évolution de nos vies donnant ainsi lieu au plaisir de s’approprier un véhicule avant-garde abordable et qui n’en est pas moins de qualité. Un véhicule ‘seamless’ qui se révèle comme notre troisième peau, rassurant au cours de nos parcours, et déclenchant tout les plaisirs et les émotions de découvrir des paysages changeants et variés. De ce fait, l’espace dans lequel Renault présente sa gamme ne peut pas être un espace neutre. C’est un espace vivant où le changement est clairement perçu et dans lequel le ressenti et l’expérience du public restent au cœur de son identité générant toute l’architecture et la scénographie que DGT propose pour le Stand. ‘The Bump’ se manifeste ainsi en rupture avec son environnement : une ou plusieurs surélévations du sol, des courbes subtiles mettant en valeur et en hauteur les véhicules dans un espace doux, coloré, animé et souligné par un réceptif délicatement installé derrière une interface variant de transparences : un écran animé. Ce lieu se présente comme une opportunité de faire un rêve où nos sens sont emportés par la découverte du monde Renault. Une possibilité d’introduire et de décliner un nouveau langage pour le monde des salons. Un langage qui affectera clairement la manière avec laquelle la marque et les véhicules seront appréhendés par les visiteurs. Un espace vivant, mouvant, convivial, confortable, s’adressant à nos sens, procurant douceur et sensualité. La technique, dans sa sophistication, donne lieu à la simplicité ainsi qu’à une expérience accessible à tous. Ces valeurs se reflètent non seulement par la force du concept tel que DGT l’a imaginé mais aussi à travers une réalité qui se cristallise dans une mise en construction et une mise en œuvre soigneuses et respectueuses de l’espace de « The Bump », nouveau concept de stand Renault. After over 6 months of international competition, French first automaker Renault has selected DGT to design the new stand for the international motor shows. The new concept of Renault stand is inspired by the intrinsic qualities of the brand. Qualities ingrained in our society and the evolution of our lives giving rise to the pleasure of vehicle ownership forefront affordable and not lacking in quality. A ‘seamless’ vehicle that reveals himself as our third skin, reassuring during our journey, and unleashing all the pleasures and emotions to discover varied landscapes. Therefore, the space in which Renault presents its range can not be a neutral space. It is a living space where change is clearly seen and felt and where the experience of the public is at the heart of its identity generating all architecture and scenography DGT offers for the stand. ‘The Bump’ manifests itself as a break with its environment : One or more elevations of the soil, highlighting subtle curves and height vehicles into space sweet, colorful, lively and highlighted by a delicately responsive installed behind interface varying transparencies: a moving screen. This place looks like an opportunity to make a dream. Possibility of introducing a decline and a new language to the world of exhibitions. Language that clearly affect the way in which the brand and vehicles will be apprehended by the visitors. Space living, moving, friendly, comfortable, addressing our senses, providing softness and sensuality. Technology in its sophistication, resulting in simplicity as well as experience accessible to all. These values are reflected not only by the strength of the concept as the DGT has come through but also a reality that crystallizes into a formal construction and implementation careful and respectful space - “The Bump” Renault new stand concept.
Plan génera l Genera l plan 67
The Bump en cou leur - un zone d ’assises The Bump in color - seating area
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C O N C E P T I O N D E S TA N D / B O O T H D E S I G N
Accuei l de la zone rĂŠceptive Reception of the of f ice area
C O N C E P T I O N D E S TA N D / B O O T H D E S I G N Cou loir desser vant les bureau x Corridor leading to the of f ices
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Salle de rĂŠunion de la zone rĂŠceptive Meeting room in the offices area
C O N C E P T I O N D E S TA N D / B O O T H D E S I G N Esca liers dans la zone rĂŠceptive Stairs in the of f ice area
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Organisation spatiale et colorimĂŠtrique Colorimetric space organization
Auditorium Conference area
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La col line en cou leur - Le pla fond en mouvement The bump in color - The cei ling in movement
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C O N C E P T I O N D E S TA N D / B O O T H D E S I G N
Changement de cou leur - Une scĂŠnographie dy namique Changes in color - A dy namic scenography
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C O N C E P T I O N D E S TA N D / B O O T H D E S I G N
“Minä Perhonen - Spring / Summer 07”
SCENOGRAPHIE D’UN DEFILÉ DE MODE S C E NO G R A PH Y F OR A FA S H ION S HOW * statut : réalisé DATE: 2007 LIEU: 9, Rue Des Saints Pères, 75006, Paris, France SURFACE : 182 m² TYPE DE MARCHÉ : Privé MAITRISE D’OUVRAGE : Mina Perhonen/Kvadrat PROGRAMME: Scénographie pour un défilé de mode SPACE: DGT, Paris/FASHION DESIGN: Akira Minagawa (Mina Perhonen) STAGE DIRECTION: Yoshio Wakatsuki (DRUMCAN.inc)/CASTING: Martin Franck /HAIR: Stephane Lancien (Calliste)/MAKE-UP: Dee Dee (Calliste)/ PRESS: Bureau Isabelle Roque, Paris COÛT : 10 000 €
DATE: 2007 LCOCATION: Paris, France AREA: 182 m² COMMISSION TYPE: Private CLIENT: Mina Perhonen PROGRAM: Scenography for a fashion show SPACE: DGT, Paris/FASHION DESIGN: Akira Minagawa (Mina Perhonen) /STAGE DIRECTION: Yoshio Wakatsuki (DRUMCAN.inc)/CASTING: Martin Franck /HAIR: Stephane Lancien (Calliste)/MAKE-UP: Dee Dee (Calliste)/ PRESS: Bureau Isabelle Roque, Paris COST: 10 000 €
Minä Perhonen - collection printemps / été 07 Minä Perhonen - spring/summer 07
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C’est une scénographie que DGT a eu à concevoir pour le défilé parisien de la collection Printemps/ Eté 2007 du styliste japonais Akira Minagawa. Le défilé devait avoir lieu dans une galerie conçue par Gustave Eiffel et en collaboration avec la société danoise de textiles KVADRAT. Minä Perhonen, qui signifie en finnois “Je suis un papillon”, est le nom de cette marque japonaise. Le styliste, passionné par la production textile et le tricot, voulait produire autant de sortes de textiles qu’il existe de papillons dans le monde. Et dans chacune des pièces qu’il produit, il dessine et raconte l’ histoire d’un rêve. Pour cet événement, DGT a imaginé transformer l’environnement du défilé en un paysage poétique et surréaliste de fleurs parsemées sur la neige. Toute la galerie était recouverte d’une surface de coton blanc, un blanc ponctuellement interrompu par des tiges d’acier surmontées de fleurs textiles délicatement tricotées. Une atmosphère de paysage, vacant loin d’une simple décoration pour cet espace singulier. Dans ce paysage, les mannequins évoluaient en mouvements circulaires, loin de la trajectoire linéaire habituellement suivie dans les défilés de mode conventionnels. L’événement devait rester imprimé dans les esprits des spectateurs comme un moment onirique. This is a space scenography that DGT were commissioned to design for the Spring/ Summer 2007 Paris Fashion show of the Japanese fashion designer Akira Minagawa. The show took place in a special gallery (designed by Gustave Eiffel), and was produced in collaboration with the Textiles Danish company KVADRAT. «Minä Perhonen », translated from finnish to english as « I am a butterfly », is the name of this ascending Japanese brand. Akira Minagawa, valuing the intricacy of textile production, dreams of creating as many textiles as there are butterflies in the world. Every piece he produces draws a small story on a larger canvas. For this scenography, DGT transformed the gallery space into a surreal yet poetic landscape of flowers planted in the snow. Surfaces were covered in a soft white fabric from which emerged steel rods holding delicately knitted textile flowers. The models moved within this landscape in circular motions, far from the typical linear trajectories models follow in conventional fashion shows, creating a memorable dream-like spectacle which imbued the clothes displayed with a magical air.
H=1.80m
LOCAL ELEC.
STOCKAGE
COLLECTEUR
Air Neuf Désenfumage
VB
STOCKAGE VB
WC H
CUISINE
WC F
VB Mach.Asc
socle h=10cm
ECS
BUANDERIE
CHAUFFERIE
+31.60B
+31.58F
1
8 7 CAVE
1
+31.47F
2 6
5
4
3
2
3
ASC
MEETING ROOM
OFFICE SPACE
4
5 13
12
10
9
8
7
6
DESSERTE
LOCAL ELEC.
H=1.80m
Cheminements à travers les f leurs Paths through the f lowers
STOCKAGE
COLLECTEUR
Air Neuf Désenfumage
VB
Minä Perhonen - col lection printemps / été 07 Minä Perhonen - spring/summer 07
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S C É N O G R A P H I E D ’ U N D É F I L É D E M O D E / S C E N O G R A P H Y F O R A FA S H I O N S H O W
Minä Perhonen - col lection printemps / été 07 Minä Perhonen - spring/summer 07
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S C É N O G R A P H I E D ’ U N D É F I L É D E M O D E / S C E N O G R A P H Y F O R A FA S H I O N S H O W U U
Minä Perhonen - col lection printemps / été 07 Minä Perhonen - spring/summer 07
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S C É N O G R A P H I E D ’ U N D É F I L É D E M O D E / S C E N O G R A P H Y F O R A FA S H I O N S H O W
“Mina Perhonen Exhibition”
SCENOGRAPHIE D’ UNE EXPOSITION SCENOGR APHY FOR A TEMPORY EX HIBITION * statut : réalisé DATE: 2009 LIEU: Tilburg, Pays-bas SURFACE : 500 m² TYPE DE MARCHÉ : Public MAITRISE D’OUVRAGE : Musée du textile, Tilburg PROGRAMME: Scénographie pour une exposition temporaire ARCHITECTE : DGT, Paris COÛT : 15 000 €
DATE: 2009 LOCATION: Tilburg, Netherlands AREA: 500 m² COMMISSION TYPE: Public CLIENT: Audax textile museum in Tilburg PROGRAM: Scenography for a temporary exhibition ARCHITECT: DGT, Paris COST: 15 000 €
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‘Atelier gallery’ espace en longueur Atelier gallery - Long room
Plan genera l Genera l plan
En 2009, DGT a conçu et construit une scénographie pour l’exposition du label de mode Minä Perhonen, fondé par le designer Akira Minagawa. Cette exposition se situait dans le Musée du Textile Audax à Tilburg, aux Pays-Bas et a duré d’octobre 2009 à février 2010. Les créations Minä Perhonen y compris des tissus d’intérieur ainsi que du mobilier peuvent être décrites comme intemporelles, enjouées et minutieusement détaillées. Akira Minagawa et son équipe de créateurs recherchent continuellement à pousser les limites du techniquement faisable : tressages, impressions et machines à broder couplés des techniques artisanales traditionnelles. Cette association de techniques anciennes et contemporaines génère des résultats uniques et surprenants. Le Musée du Textile Audax était à l’origine une usine de textile et a été transformée en espace d’exposition temporaire, en musée et ateliers qui ont chacun gardé l’identité caractéristique de leur fonction initiale. DGT a pris le parti de conserver l’atmosphère de ce lieu et de présenter le travail de Minä Perhonen en amenant du ‘merveilleux’ à la galerie d’exposition. Les salles restent donc inaltérées et conservent leur caractère industriel. En revanche, elles se dissocient par une thématique qui leur est propre : ‘mode’, ‘intérieur’, ‘media’, ‘atelier’. Les créations ont été mises en scène de manière à apporter une atmosphère unique à chaque espace en générant des interactions intrigantes et surprenantes avec les créations de Minä Perhonen. In 2009, DGT designed and created an exhibition of the work of fashion design label minä perhonen, founded by designer Akira Minagawa. The exhibition, at the Audax Textile Museum in Tilburg, the Netherlands ran from October 2009 to February 2010. Minä Perhonen’s creations, which include interior fabrics and furniture, can be described as timeless, playful and giving full attention to minute detail. Akira Minagawa and his designers are continuously seeking out the boundaries of what is technically feasible: using weaving, print and embroidery machines in combination with traditional handcraft, they combine old and new techniques to create unique and surprising results. The Audax Textile Museum was originally a textile production factory and has been transformed into an exhibition venue, museum and workshop which have retained unique characteristics from their initial function. DGT sought to maintain the strong spirit of this place and to present the works of minä perhonen as bringing ‘wonder’ to the gallery spaces . The rooms remained as untouched factory rooms, each given a specific theme: ‘fashion’, ‘interior’, ‘media’ and ‘atelier’. The creations were choreographed to bring about a unique atmosphere to each space – creating intriguing and surprising encounters with minä perhonen’s creations.
Patchwork de tissu Minä Perhonen Patchwork tissue Minä Perhonen
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Sa l le mu ltimĂŠdia - Petite ga lerie Media ga l ler y - Sma l l room
Coupe longitudina le, v ue d ’ensemble Transversa l section, over v iew
Coupe transversa le Transversa l section
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SCÉNOGRAPHIE D’ UN EXPOSITION TEMPORAIRE / SCENOGRAPHY FOR A TEMPORY EXHIBITION
Sa l le de la marque - Espace principa l Fashion ga l ler y - Main space
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SCÉNOGRAPHIE D’ UNE EXPOSITION TEMPORAIRE / SCENOGRAPHY FOR A TEMPORY EXHIBITION
Ga lerie intĂŠrieure - Sa l le haute : disposition des objets sur le mur Interiors ga l ler y_ High room: Display ing interiors objects on wa l ls
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SCÉNOGRAPHIE D’UNE EXPOSITION TEMPORAIRE / SCENOGRAPHY FOR A TEMPORY EXHIBITION
“365 Charming everyday things”
SCENOGRAPHIE D’UNE EXPOSITION TEMPORAIRE SCENOGR APHY FOR A TEMPOR ARY EX HIBITION * statut : réalisé DATE: 2012 LIEU: Paris, France SURFACE : 629m 2 TYPE DE MARCHÉ : Publique MAITRISE D’OUVRAGE : Ministère de l’économie, du commerce et de l’industrie, IFS, Tokyo PROGRAMME: Conception de l’exposition SPACE: DGT, Paris COÛT : 30 000 €
DATE: 2012 LOCATION: Paris, France AREA: 629m² COMMISSION TYPE: Public CLIENT: The Ministry of Economy, Trade and Industry, IFS, Tokyo PROGRAM: Exhibition design SPACE: DGT, Paris COST: 30 000 €
Vue de l ’exposition depuis la mezzanine View of the ex hibition from the mezzanine
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“365 - Charming Everyday Things” est un projet sur la présentation de 365 objets du quotidien japonais exposés et vendus à Paris. L’emplacement a été choisi après plus de 40 visites de lieux. Le lieu retenu est une ancienne usine métallurgique construite au 19ème siècle. En retrait de l’avenue Richard Lenoir, elle se révèle au fond d’une cours calme. L’ancienne usine a un caractère fort, renforcé par des tomettes de bois au sol. Cet espace industriel ayant déjà sa propre identité, il a naturellement amené la réflexion vers la possibilité d’une rencontre des éléments du quotidien japonais et de la vie parisienne : Et si nous combinions les articles 365 avec la vie quotidienne de Paris, comme dans un coin de café ou dans un marché (lieux incarnant la vie parisienne) ? Mettre les produits sur des disques flottants crée un paysage insolite. Chaque élément est défini par sa distance par rapport à l’autre, sur sa plaque ronde. Ils semblent vivement centripètes bien qu’encore séparés dans une continuité ressemblant au paysage de tous les jours. En faisant un support fin et linéaire par plaque comme la structure d’une colonne, en liaison et en tension, la particularité du sol en bois est mise en avant. Au sous-sol, les objets ont été exposés sous forme d’un calendrier sobrement mis en exergue par un jeu de lumière. Au deuxième étage, sur la coursive, la boutique s’installe : l’exposition visible depuis ce point de vue confère à l’ensemble une mise en scène théâtrale.”365 Charming Everyday Things” est présentée ensuite au Japon : dans une usine à Aomori, au sein de la gare de Tokyo, à la Ginza Gallery Pola, au Musée du 21e siècle d’art contemporain de Kanazawa ; avec l’objectif de procurer au sein de chaque lieu, une variété et une diversité d’expériences. The “365 – Charming Everyday Things” is a project for introducing 365 Japanese daily items that are to be displayed and sold in Paris. The location was chosen after over 40 visits of places in Paris. The chosen place is originally a metal factory which was built in the 19th century. The old factory had a great character enhanced with the wooden pavements that had been laid on the floor. On the other hands, this aged factory space had already a strong atmosphere which raised further the question of fitting Japan’s daily items in Paris life. What if we combine 365 items into the daily life of Paris like in a cafe corner or a marché? Places reflecting the particular sense of Parisian life. Putting the items on floating plates creates then an unusual landscape. Each item is set in a distance to the other one, on the round plate. They seem vividly centripetal although still separated into a continuity like everyday’s landscape. By making a one leg per plate as a column structure, linking and in tension, the visibility of wooden floor payments is enhanced. In the basement floor were exhibited the Daily Calendar with light only. On the second floor was a shop that gained a theatrical configuration with the present central void and stairs. 365 continues to exhibit around Japan, like in A-factory in Aomori, Tokyo Station, Pola Gallery Ginza, the 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa are planning to produce a variety of different experiences in each specific place the exhibition reached.
SCÉNOGRAPHIE D’ UNE EXPOSITION TEMPORAIRE / SCENOGRAPHY FOR A TEMPORY EXHIBITION Vue du rez-de-chaussée View from ground f loor
Coupe tranversa le, v ue d ’ensemble Transversa l section, over v iew 101
Vue d ’ensemble de l ’exposition O ver v iew of the exposition
Vue du dessus Seen from above
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SCÉNOGRAPHIE D’UNE EXPOSITION TEMPORAIRE / SCENOGRAPHY FOR A TEMPORY EXHIBITION
SCÉNOGRAPHIES - INSTALLATIONS SCENOGRAPHIES - INSTALLATIONS
JP01 - “Shikaku”
PL01 - “Landscape Stories”
SCÉNOGRAPHIE D’UNE PERFORMANCE SCENOGRAPHY FOR CONTEMPORARY DANCE
PÔLE D’INFORMATION POUR LE MUSÉE JUIF INFORMATION POLE FOR WARSAW MUSEUM
Statut : Réalisé Lieu : Ryutopia, Niigata, Tokyo, Japon Date : 2004 Surface : 200 m² Maîtrise d’ouvrage : Ryutopia Performing Arts Center Programme : Scénographie
Statut : 2ème Prix Concours Lieu : Varsovie, Pologne Date : 2006 Surface : Maîtrise d’ouvrage : Musée Juif de Varsovie Programme : Pôle d’information et Espace d’exposition
Status: Completed Location: Ryutopia, Niigata, Tokyo, Japan Dates: 2004 Area: 200 m² Client: Ryutopia Performing Arts Center Program: Scenography
Status: Competition, Second Prize Location: Warsaw, Poland Dates: 2006 Area: Client: Jewish Museum of Warsaw Program: Information and Exhibition Space
NO01 - “A Line Of Tears” MÉMORIAL POUR LE TSUNAMI SUMATRA TSUNAMI MEMORIAL Statut : Concours Lieu : Oslo, Norvège Date : 2006 Surface : Maîtrise d’ouvrage : Municipalité d’Oslo Programme : Mémorial pour le Tsunami Status: Competition Location: Oslo, Norway Dates: 2006 Area: Client: The Municipality of Oslo Program: Tsunami Memorial
FR01 - “Minä Perhonen - 07 S / S’’ SCÉNOGRAPHIE D’ UN DÉFILÉ DE MODE SCENOGRAPHY FOR A FASHION SHOW Statut : Réalisé Lieu : 9 rue des Saints Pères, Paris 75006 Date : 2006 Surface : 182 m² Maîtrise d’ouvrage : Mina Perhonen / Kvadrat Programme : Scénographie pour un défilé de mode Status: Completed Location: 9 rue des Saints Pères, Paris 75006 Dates: 2006 Area: 182 m² Client: Mina Perhonen / Kvadra Program: Scenography for a Fashion Show
JP01 - “Play 2 Play - Interfering dimensions”
IT01 - “52 Ludlow”
SCÉNOGRAPHIE D’UNE PERFORMANCE SCENOGRAPHY FOR CONTEMPORARY DANCE
ESPACE D’EXPOSITION PHOTOGRAPHIQUE PHOTOGRAPHER’S EXHIBITON
Statut : Réalisé Lieu : Ryutopia, Niigata/Hyogo, Tokyo, Japon Date : 2007 Surface : 200 m² Maîtrise d’ouvrage : Ryutopia City Performing Arts Center Programme : Scénographie pour une performance
Statut : Projet Lieu : Triennale de Milan (+ Paris, ...) Date : 2008 Surface : 152.8 m² Maîtrise d’ouvrage : Giovanni Ghidini, New York Programme : Espace d’exposition
Status: Completed Location: Ryutopia, Niigata/Hyogo, Tokyo, Japan Dates: 2007 Area: 200 m² Client: Ryutopia City Performing Arts Center Programme: Scenography for Contemporary Dance
Status: Project Location: Triennale of Milan (+ Paris,...) Dates: 2008 Area: 152.8 m² Client: Giovanni Ghidini, New York Program: Exhibiton space
UK01 - “Studies”
FR04 - “Yasuhiro Mihara 08 A /W”
INSTALLATION POUR LA FRIEZE ART FAIR 2008 INSTALLATION FOR THE FRIEZE ART FAIR 2008
SCÉNOGRAPHIE D’ UN DÉFILÉ DE MODE SCENOGRAPHY FOR FASHION SHOW
Statut : Réalisé Lieu : Regent’s Park, Londres, GB Date : 2008 Surface : 66 m² Maîtrise d’ouvrage : Taka Ishii Gallery, Tokyo Programme : Scénographie
Statut : Réalisé Lieu : 9 Avenue Gabriel 75008 Paris Date : 2008 Surface : 450 m² Maîtrise d’ouvrage : Miharayasuhiro / SOSU International Programme : Scénographie pour un défilé de mode
Status: Completed Location: Regent’s Park, London, UK Dates: 2008 Area: 66 m² Client: Taka Ishii Gallery, Tokyo Program: Scenography
Status: Completed Location: 9 Avenue Gabriel 75008 Paris Dates: 2008 Area: 450 m² Client: Miharayasuhiro / SOSU International Program: Scenography for a Fashion Show 105
SCÉNOGRAPHIES - INSTALLATIONS SCENOGRAPHIES - INSTALLATIONS
IT05 - “Luce Tempo Luogo”
JP06 - “The miraculus Mandarin”
TOSHIBA MILANO SALONE TOSHIBA MILANO SALONE
SCENOGRAPHIE POUR LE SAITO KINEN FESTIVAL SCENOGRAPHY FOR SAITO KINEN FESTIVAL
Statut : Réalisé Lieu : Milan Italie Dates : 2010 - 2011 Surface : 534 m² Maîtrise d’ouvrage : Toshiba Corporation Programme : Installation Lumineuse Led
Statut : Réalisé Lieu : Matsumoto, Japon Date : 2011 Surface : 250 m² Maîtrise d’ouvrage : Saito Kinen Festival Programme : Scénographie pour une performance
Status: Completed Location: Milano, Italy Dates: 2010 - 2011 Area: 534 m² Client: Toshiba Corporation Program: Led Lighting installation
Status: Completed Location: Matsumoto, Japan Dates: 2011 Area: 250 m² Client: Saito Kinen Festival Program: Scenography for Contemporary Dance
JP05 - “Bluebeards Castle”
FR11 - “The BUMP”
SCÉNOGRAPHIE DU SAITO KINEN FESTIVAL SCENOGRAPHY FOR SAITO KINEN FESTIVAL
CONCEPTION DE STAND BOOTH DESIGN
Statut: Réalisé Lieu : Matsumoto, Japon Date : 2011 Surface : 250 m² Maîtrise d’ouvrage : Saito Kinen Festival Programme : Scénographie pour un Opéra
Statut : Réalisé / En cours Lieu : Première application Mondial de Paris 2012 puis Europe, Asie, Amérique du sud, Afrique du Nord Dates : 2012 - 2015 Surface : Paris 4 312 m² Maîtrise d’ouvrage : Renault SA Programme : conception de stand
Status: Completed Location: Tokyo, Japan Dates: 2011 Area: 250 m² Client: Saito Kinen Festival Program: Scenography for an Opera
Statut : Completed / On-going Location: First application Mondial de Paris France then Europe, Asia, South America, North America Dates: 2012 - 2015 Area: Paris 4 312 m² Client : Renault SA Program : Booth design
JP11 - “365”
IT11 - “CITIZEN à la triennale’
CHARMING EVERY DAY THINGS CHARMING EVERY DAY THINGS
CITIZEN À LA TRIENNALE CITIZEN IN MILAN
Statut : Réalisé Lieu : 74 bld Richard Lenoir, Paris 75011 Date : 2012 Surface : 672 m² Maîtrise d’ouvrage : JP Ministère du l’Economie Programme : Scénographie pour une exposition
Statut : Réalisé Lieu : Milan, Italie Date : 2014 Surface : 423 m² Maîtrise d’ouvrage : Citizen watch co.,LTD Programme : Istallation
Status: Completed Location: 74 bld Richard Lenoir, Paris 75011 Dates: 2012 Area: 672 m2 Client: JP Ministry of Economy Trade and Industry Program: Scenography for an exhibition
Status: Completed Location: Milan, Italy Dates: 2014 Area: 423 m² Client: Citizen watch co.,LTD Program: Istallation
JP21 - “CAMBRIAN FEAST”
FR24 -“Scénographie de l’exposition HOKUSAI”
CONCEPTION DE VITRINE WINDOW DISPLAY
SCÉNOGRAPHIE DE L’EXPOSITION HOKUSAI SCENOGRAPHY HOKUSAI AT GRAND PALAIS
Statut : Réalisé / En cours Lieu : Ginza, Tokyo, Japon Amérique du sud, Afrique du Nord Dates : 2014 Surface : Paris 4 312 m² Maîtrise d’ouvrage : Renault SA Programme : Conception de vitrine
Statut : Réalisé Lieu : Paris, France Date : 2014 Surface : 1500 m² Maîtrise d’ouvrage : Programme : Scénographie pour l’exposition HOKUSAI
Statut : Completed Location: Ginza, Tokyo, Japan Dates: 2014 Client : HERMES Program : Window display
Status: Completed Location: Paris, France Dates: 2014 Area: 1500 m² Client: RMN Grand Palais, Paris Program: Scenography for HOKUSAI exhibition 107
PHOTO CREDIT Kishin Shinoyama Takashi Shikama Francesco Niki Takehiko Daici Ano Takuji Shimmura Mina Perhonen Makiko Takohara Kim Koomi Noriko Kawakami Sauf quand mentionné tout droits sont réser vés a DGT.
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