Historia del Arte by Daniela Gonzalez

Daniela Gonzรกlez Arellano

del

arte

Historia del arte

Historia

©2020 LCI MONTERREY Hidalgo 380 Pte. Monterrey, México, 6400 www.lci.com.mx Primera edición Historia del Arte Prohibida la reproducción total o parcial de esta obra, por cualquier medio, sin permiso expreso de los editores. Concepto y coordinación general: Juan Alberto Caraballo Gamboa Diseño: Lidanid Ballesteros Lozano & Daniela González Arellano 2

Daniela Gonzรกlez Arellano

del

arte

Historia del arte

Historia

â&#x20AC;&#x153;

La belleza perece en la vida, pero es inmortal en el arte. â&#x20AC;&#x201D; Leonardo da Vinci

Contenido

Introducción

Barroco

Prehistoria

Rococó

Mesopotamia

Precolombino

Egipto

Neoclásico

Grecia

Romanticisimo

Roma

Realismo

Bizantino

Impresionismo

Románico

Postimpresionismo

Islámico

Vanguardias Siglo XX

100

Gótico

Conclusión

102

Renacimiento

Bibliografías

107

Manierismo

Infografías

Historia del arte

Introducciรณn 6

Historia del arte

Un libro con aventuras hacia el pasado desde el arte en la prehistoria hasta Vanguardias del siglo XX, y nos lleva a comprender eventos o artistas que destacaron en cada uno. Se tendrá un mejor entendimiento de lo que es el arte y como se ha interpretado de distintas maneras. Podrá ser una explicación de muchas cosas que vemos hoy en día o de aquellas que se ha escuchado, pero no se sabe más que lo esencial. El arte es una forma de expresión y se verá en este libro como el ser humano lo ha puesto en una pintura, en la música, en esculturas, en la arquitectura y en la literatura. Además, como han sido influenciadas por el deporte, la guerra, la educación y las ideologías del momento. También, se tocará el tema sobre un Dios, su representación y como es la vida después de la muerte. En este libro se verán descubrimientos que se han hecho, pero también los que tendrá el lector al momento de comenzar con el primer capitulo, porque a partir de ahí hay valentía, empoderamiento, nostalgia, e incertidumbre. No dejes que la historia termine aquí, sino que siga adelante.

P Prehistoria 8

La mujer ideal en la prehistoria fertilidad, ya que se dice que los hombre preferían a mujeres con estas características por su significado de abundancia, capacidad de parir y criar hijos con buena salud. Además, de esta manera ellos creían que aseguraba el crecimiento de la descendencia de su población. Se relacionaba a la mujer con ciertos estereotipos como la maternidad y la fertilidad, pero nunca por la autoridad que ellas tenían ante los hijos, la crianza, la alimentación y actividades domésticas. Es ahí donde se propone ver con otra mirada las representaciones de la mujer y verlas también como parte de la creación de la cultura en la prehistoria. La manera de representar la figura de la mujer en el paleolítico es obesa, de brazos delgados, senos y muslos grandes, piernas cortas y pies pequeños. Se muestra el cuerpo generalmente desnudo o con prendas ornamentales. La mayoría de estas figuras son 9

Historia del arte

La belleza de la mujer o el concepto de la mujer ideal ha cambiado a través de los años. En este escrito se hablará de cómo era la imagen de las mujeres en la prehistoria así como la moda, la vestimenta y costumbres, la belleza de la mujer forma parte importante de la evolución a través del tiempo. Una de las primeras representaciones del cuerpo femenino fue la pieza llamada, Venus de Willendorf. Es una de las más antiguas y famosas debido a su belleza, habilidad y significado que transmite. Esta misma representa una cultura, una forma de pensar, y una tradición artística que ha existido desde el Paleolítico, hasta la actualidad. Además de la pieza de Venus de Willendorf, se muestran cuerpos redondos de mujeres voluptuosas con grandes senos y caderas anchas. Se ha debatido durante tiempo si las representaciones de esta época simbolizan lo atractivo o la

de tamaño no muy grande y esculpidas en diversas piedras. Según lo que expuso Leroi McDermott, profesora de arte de la Universidad de Missouri, en 1996 afirmó que estas figuras eran elaboradas como autorretrato; por ellas mismas. Este argumento se basaba en que sólo ellas eran quienes podían ver ciertas partes de su cuerpo, por lo que también llevaban a cabo un proceso de autoconocimiento. Se puede ver en las figuras que se encuentran

en los entornos de los hogares o en el fondo de cuevas mujeres en diferentes etapas. La razón por la cual este periodo sea llamada la Edad de la acrílica, se debe a los materiales más usados como son: la acrílica cocida, piedra, hueso y concha. Se veía mucho por el ámbito doméstico, por lo que construían vasos de cocina y de almacenamiento, hornos, tabiques, mesas, y otras cosas necesarias dentro de las casas utilizando los materiales men-

Venus de Willendorf.

“

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cionados. Ahora se puede entender porque las figuras se hallaban dentro de las casas o cerca. Durante el Neolítico no se conocen muchas figuras femeninas, sin embargo se sabe de la Venus de Gavá, pieza de cerámica encontrada dañada en las Minas Prehistóricas de Gavá. Se puede solamente alcanzar a distinguir partes como los ojos, el busto, la nariz, los brazos sobre el vientre, entre otras características relacionadas con la fertilidad. Otra muy conocida es la figura de Nea Nikomedia, la cual fue hallada en un rincón de un edificio y actualmente se puede ver en el Museo de Veroia con sus 18 cm. de altura y modelada con arcilla cruda. Es difícil no creer lo que se ha mencionado anteriormente en el escrito después de que se sabe sobre estos dos grandes ejemplos. Un cambio radical en el ámbito doméstico por causa de aspectos sociales y económicos, se comenzó a tener importancia la posesión de tierras para asegurar la substancia. Esa necesidad los llevó a tomar diferentes estrategias como: las figuritas, los enterramientos, y el uso de la tierra como materia prima. Las figuras además de

Venus de Gavà

La belleza está en el ojo del observador. — David Hume

representar fertilidad comenzaron a asociarse con la fecundidad de la tierra, se decía que con estas representaciones se podía hacer presente a los poseedores de la tierra, porque fueron quienes llegaron primero y trabajaron con la tierra. Al ser una tierra fértil, se les fueron brindados diversos beneficios. En esta época no había escritura por lo tanto no hay documentos que digan algo sobre ciertas piezas, pero basta con saber que cada una de ellas buscaba resaltar los atributos femeninos. No se buscaba representar a una mujer

en concreto, sino una imagen de los órganos reproductores como generadora de vida. No existían la cantidad de representaciones masculinas como las femeninas. Dentro del contexto doméstico, la imagen femenina cambió tanto la forma de representación, como su contexto de uso. No se puede decir algo general sobre las figuras de las mujeres, sino que cada una debe ser analizada cuidadosamente, ya que hay variedad de estilo y contextos. Se concluye en que la mujer “ideal” o bella ha cambiado radicalmente a como se veía en

Ursula Andress y Kim Basinger

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Cassi van den Dungen

esta época, la sociedad llegó por un momento a ver en pasarelas y revistas modelos esqueléticas como bellas. En este milenio se ve a la mujer “perfecta” ya sea delgada, alta, con caderas y cuerpo tonificado,

pero se puede decir que la belleza es subjetiva porque varía en distintas opiniones dependiendo de quien esté juzgando.

M Mesopotamia 14

Cerámica comenzar por definir ¿Qué es cerámica? La cerámica al ser objeto realizado por distintos materiales mezclados obtenidos de materia prima. Su creación comienza por la necesidad de tener algún recipiente en el cual se pudiera contener y guardar las cosechas del día. Cuando este estaba terminando tenía una forma en específico con gran resistencia y se decoraba con dibujos, líneas o símbolos. Al final, teniendo como resultado, un contenedor con el poder de aislar la temperatura de gran fragilidad. La más interesante de clasificar es la cerámica de Hassuna, esta está decorada con líneas pintadas de gran precisión. Su origen es de Irak septentrional, un lugar con agricultura donde se han encontrado fragmentos de cerámica Hassuna. De esta manera se puede entender su cultura y definir la época, por el contrario, la cerámica de Samarra tiene aspectos como formas originales, decoración más ela15

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Una de las culturas específicas fundamentales a clasificar es el uso de la cerámica, ya que este mismo se esparce por toda Mesopotamia por su gran capacidad de reservar líquidos y sólidos. Este proviene de la obtención de la cal y el yeso, los cuales fueron utilizados en la arquitectura y en fabricación de vasijas. Julian Reade en su libro de Mesopotamia (1991), menciona que en la prehistoria ya se habían fabricado vasijas pero no tenían la suficiente tecnología en especial con el control del fuego, por lo que se crearon vasos más duraderos de cerámica aunque se rompan y no sea posible repararlos. Se puede decir que el uso que se dio a los vasos ha ido cambiando tras los años e innovando su estilo y decoración. Se dominaron varias técnicas como el modelado, el engobe, el ilustrado, el pulido, el alisado y la cocción. Además, estilos de cerámica como por ejemplo: Tell Hassuna, Tell Halaf, Samarra, y Tell al-Ubaid. Se puede

Fragmento de cuenco de Halaf, circa 5600-5000 a. C.

borada, y es originaria de Irak central. La Samara está a un nivel más alto que la cerámica Hassuna debido a la capacidad de supervivencia. Los dos aún siendo estilos diferentes, ambos cubrían la misma necesidad en la tierra. El Tell Halaf está situado en el Norte de Siria y tiene distintas características, dependiendo del uso que se quería dar. Los vasos más pequeños fueron de los más maravillosos, ya que además de estar hechos a mano con gran calidad, se realizaban dibujos imaginativos. Los materiales que se utilizaban para que fueran desarrollados son pasta verdosa con engobe claro. Según Jean-Claude Margueron (2002), durante el periodo El Obeid la agricultura tuvo grandes avances ya que se estableció control del agua mediante canales. La cerámica se volvió más fina, de mayor tamaño e incluso con largos cuellos y se desarrollaron símbolos con planchas de acrílica con incisos en cada envase para que cada persona pudiera identificarlos. De acuerdo a lo que dice Julian Reade en su libro (1991), para fabricar y producir Ubaid de manera fácil y económica se utilizaba torno lento. La fabricación de Halaf

Taller de cerámica en Glew

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era más cara de producir. En general, como menciona Julia Máxima Uriarte (2019), la cerámica no es combustible por lo que se convertía en un material seguro para la construcción, no es oxidable sino estable, frágil, no elástica, refractaria, no conductora de electricidad, de gran dureza y tiene diferentes tipos (Porosa, semi compacta, compacta, tenaz). Definitivamente se puede decir que es muy importante en la historia, por lo que conformó como parte de muchas culturas teniendo su diferente uso como parte de las celebraciones o para actividades cotidianas. Al ampliar el conocimiento sobre lo que es cerámica, los tipos o estilos que había en Mesopotamia, y sus características, se concluye que a causa de la tecnología y la

Primeras Jarras de cerveza de la historia

fabricación de la cerámica como contenedor se han facilitado acciones para mover objetos, alimentos o líquidos de un lugar a otro. Actualmente se ha ido adaptando y es lo que hoy en día llamamos en inglés: Toppers. Otro punto que se puede ver en la actualidad es que varias empresas cuentan con productos donde cada persona se puede identificar, ya sea conteniendo su nombre en el envase o dirigido directamente. Un ejemplo de esto sería cuando Coca-Cola lanzó al mercado la campaña

donde las personas buscaban sus nombres en los envases cuando realmente esa no era la finalidad, pero ellos podían sentirse identificados. Por último, la gente ha perdido el conocimiento de lo que son los productos de cerámica, ya sea porque son cosas “viejas” o porque son frágiles, pero a pesar de que haya otros contenedores se debería de aprovechar cada una de las ventajas con las que cuenta este material y apreciar la parte artística o la mano de obra que se realizaba para llegar al producto final. 18

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Recipientes para almacenar alimentos

E Egipto 20

Vida después de la muerte pués de que el ser moría, el cuerpo finalmente abandonaba su cadáver. Al ser enterrado con diferentes recursos, permiten a este mismo pasar todas las pruebas y batallas que se le podían presentar al abandonar el cuerpo. Se creaba un nexo entre los vivos y muertos. Donde este mismo podía convivir con las personas que aún habitaban la tierra, por medio de sueños o a través de él Aj (Jeroglíficos). Solían ser considerados como pinturas con fuerzas espirituales. Este tipo de pinturas acompañaban al muerto en su tumba o en las esculturas, que se encontraban cerca de donde habían sido enterrados. Está siendo solo una de las pocas manifestaciones espirituales que se llevaban a cabo en la cultura egipcia. La muerte para los egipcios formaba parte del espíritu y del cuerpo. La parte espiritual de los egipcios provenía de varias cosas: el Ba (fuerza 21

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Una de las preguntas que provoca incertidumbre, ¿Qué sucede después de la muerte? Muchas religiones buscan dar explicaciones y una respuesta sobre lo que pasa cuando alguien muere. Muchos dirían que es el cielo donde las personas se vuelven a encontrar, pero otras no pierden el miedo de lo que conlleva esta pregunta. Habrá quienes tengan una respuesta a dar, como los egipcios en la antigüedad. Hoy en día, Egipto es un lugar en donde se encuentran monumentos que han permanecido después de varios siglos y demuestran lo que para ellos, es la vida después de la muerte. Para lograr entender la vida después de la muerte según los egipcios es importante saber que significa este concepto para ellos. Partiendo de su sistema de creencias la muerte era el centro. En el momento que esto ocurría, su cuerpo inerte era enterrado y momificado. Se decía que des-

Pirámides de Egipto

anímica), el Ib (el corazón), el Ka (fuerza vital), y el Aj. Donde después entraría el cuerpo momificado para juntar la parte espiritual con el cuerpo presente. Otra parte importante, era juntar las tablas votivas que representaban las promesas hechas anteriormente por alguna divinidad, además de las estelas. La propia tumba cavada llena de jeroglíficos con indicaciones que había que recitar para poder darle al cadáver

la fuerza y guía para vencer las batallas que había que combatir después de la muerte. Por último, la ceremonia de entierro para que todo se cumpliera. Si nos ponemos a analizarlo de manera más profunda, podemos darnos cuenta que desde hace mucho tiempo, ha estado presente el mal (Demonios) en la explicación de lo que el humano puede llegar a tener que enfrentar al momento de su muerte. 22

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â&#x20AC;&#x153;

Es la naturaleza humana luchar contra la finalidad de la muerte. Si nosotros mismos podemos vivir despuĂŠs de que nuestro tiempo en la tierra haya terminado, al menos queremos ser recordados. â&#x20AC;&#x201D; Morgan Freeman 23

Hasta ahora se sabe que la muerte para algunos faraones era diferente. Las tumbas eran inmensas y contaban con grandes pinturas, esculturas y jeroglíficos que permitieron al faraón luchar contra la muerte y permanecer en los sistemas ultraterrenales. Ellos temían no ser recordados, que su alma o su legado llegará a ser olvidado. Además, les quitaría fuerza, serían eliminados y su presencia en lo terrenal ya no existiría. Para eso, también se construyeron lugares sagrados, para que su legado pudiera estar siempre presente. En estos lugares se pintaban imágenes de los faraones momificados y tallaban profundamente su nombre “Ramsés III”, con la intención de que con el paso del tiempo su nombre nunca fuera borrado y mucho menos olvidado. El nombre era y se puede decir que ahorita también es algo importante.

Creían que mientras más fuera recordado y su nombre fuera pronunciado, más presencia y fuerza tendrían en el más allá. Es la razón por la cual creó un templo memorial en la ciudad de Thebes, actualmente la ciudad de Luxor, donde su historia es plasmada y tallada en las piedras. Para la civilización egipcia la vida más allá del faraón era extremadamente importante, ya que creían que él era el encargado de que todas las mañanas el sol saliera de nuevo. También se aseguraba de que aquellas pirámides, le permitiera a los faraones sobrevivir después de la muerte (continuar su vida ultraterrenal). Esto le daría fuerza para proteger a la civilización viviente. El faraón que iba al más allá protestaba hacia el Dios del Halcón “Horus”, su divina reencarnación. En las paredes tallaban a “Ramsés” haciendo ofrendas hacia este mismo Dios.

Batalla después de la muerte

Redes Sociales

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Entregando su Ka, su alma cambiando de monarca a monarca. La muerte provoca incertidumbre en todas las culturas y deja con inquietud a toda una civilización, pero para los egipcios no era así, sino que algo importante. Ellos fielmente creían que después de la muerte, una aventura nueva comenzaba. Donde su legado les daría fuerza para continuar cuidando a su familia y a sus ciudadanos. Es increíble ver cómo a través del arte plasman historias con fuerzas espirituales, que permiten que los faraones luchen día a día su batalla. Ramses ha logrado su objetivo, podemos ver que ha conseguido la inmortalidad ya que después de tres mil años su nombre sigue siendo pronunciado. En la cultura moderna se pueden ver actitudes similares como en las redes sociales, donde se trata de dejar plasmado quiénes éramos, quiénes somos o quién se intentaba ser. ¿Será que los que están en la red lleguen a durar para siempre? Muchos creerán que es real y que su legado será recordado, ya que se dice que los datos que se suben son imborrables.

G Grecia 26

Arte y deporte en Grecia hasta lo actualmente son Los Juegos Olímpicos. En un inicio no era nada más que un juego en el ritual funerario, donde se celebraba junto aquellos que habían sido considerados héroes. En honor a Zeus (Rey y padre de los Dioses), este ritual se convierte en conmemoraciones religiosas, culturales y deportivas en el complejo religioso de Olímpia, que se encuentra en el Peloponeso. Debido a donde era ubicado, es como se origina el nombre de Los Juegos Olímpicos. Es increíble la gran influencia que sigue teniendo la religión en esta época, como en este caso es la politeísta griega. Un dato importante, es que al inicio solo eran los hombres quienes podían competir. Además, se buscaba mostrar la belleza de los cuerpos de cada uno de los atletas. ¿Será que en esta época únicamente este género podía destacar la actividad física? La preparación deportiva 27

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Se sabe que la historia Griega está conformada por guerreros y atletas, de logros deportivos y artísticos que provienen de lo que fue llamado Los Juegos Olímpicos. Es aquí donde surgió toda esa competitividad y rivalidad entre competidores, incluso esa tensión influyó en artes como la música, el teatro, la escultura, la cerámica y en las pinturas. Los griegos no solamente competían atléticamente, sino que tenían competencias poéticas, musicales, de belleza masculina, entre otras. Partiendo de esto se puede decir que el arte es testimonio de esta historia, por lo que en este escrito se hablará sobre su origen, la preparación deportiva previa, y los días de competencia. El hombre al darse cuenta de sus capacidades y habilidades crea lo que hoy en día se conoce como el deporte, el cual conlleva de ejercicio físico para fortalecerse. Esta actividad física empieza desde la caza

El DorĂforo de Policleto

adecuada a la modernidad. El momento en que llegaba el día de inaugurar Las Olimpiadas, se comenzaba con rituales religiosos (Fuego sagrado y sacrificios a Zeus). Antes de la fiesta donde se realizaban sacrificios a los animales, se nombraba a los competidores y triunfadores. Al día siguiente, actividades conformadas por la clase alta, como carreras de carros y caballos. Después, actividades como: lanzamiento de disco, jabalina, salto largo, carrera y lucha libre. Terminando con ritos funerarios y celebrando para continuar el siguiente día. Este era mayormente para ceremonias y atributos religiosos en honor a Zeus. En el cuarto día, se realizaban las pruebas pesadas (Lucha, pugilato, pancracio), terminando con el hoplitodromo. Por último, en el templo se les entregaba a los vencedores su premio, una corona de olivo y otros adornos que eran puestos en partes de su cuerpo, y su nombre era grabado en lápidas. Al final, celebraban en un banquete y bailaban al ritmo de los instrumentos. Sin embargo, el beneficio más grande que se les otorgaba por haber obtenido la victoria, era alimento gratuito 29

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nunca ha sido ni será un proceso fácil, sino de mucha dedicación. Actividades educativas que requieren de ejercicios tanto físicos como mentales. A los varones se les impartía esta educación desde pequeños, hasta llegar a concluir su formación deportiva y de esta manera entrar a participar a Los Juegos Olímpicos. En el arte como en la cerámica, podemos ver cómo están presentes los entrenadores y los jueces, quienes utilizaban varas para mantener orden o para castigar a aquellos que no cumplían con el reglamento. Los escultores representaban el cuerpo con músculos, ciertas formas corporales y posturas como símbolo de belleza. Un ejemplo, es El Doríforo de Policleto, figura que transmite equilibrio. Como este hay muchos más ejemplos que mantienen como base estas características. Por otra parte, las mujeres realizaban la danza como ejercicio físico, lo que hoy sería gimnasia rítmica. Era considerado parte esencial para el desarrollo del cuerpo y con ciertos movimiento darían fuerza para los deportistas, en especial para los que luchaban. En la actualidad se sigue utilizando, pero con una vestimenta diferente y

por lo que restaba de su vida. Y por si no era suficiente, prioridad en reservar lugares para los teatros. Se convirtieron en toda una celebridad, ¿Quién se hubiera imaginado que a la fecha, los ganadores siguen siendo adorados? ¿Qué se dice de Michael Phelps? Es impresionante como cada detalle mencionado en este escrito está plasmado en el arte como en las pintu-

ras, esculturas, cerámica, entre otras obras donde se permite saber qué ocurrió en el deporte en Grecia. También, ver la gran diferencia de lo que era antes a lo que son hoy en día Los Juego Olímpicos. Como este ejemplo, de una de las pruebas de los Griegos que era el disco, el cual era de bronce y variaba el peso dependiendo de la edad. Se puede ver el esfuerzo y la fuerza que se re-

Michael Phelps

quería. Tambien, esa aventura individual, ya que en ese entonces no había deporte en equipo. Sin olvidar, las mujeres después de que se les permitió la entrada a pruebas mixtas y a los juegos Culturales. Compiten en una carrera de 162 metros. Exclusivamente para mujeres, donde corrían con los pies descalzos y con falda. No se puede dejar de admirar a la mujer que triunfó, Cinisca de

Esparta. Además, impresionante esa estatua de bronce de la mujer espartana, levantando su falda para correr. Fue una época donde finalmente, ambos géneros pudieron destacar sus habilidades y capacidades. Actualmente cada cuatro años siguen impresionando cada uno de los atletas.

Cinisca de Esparta

Historia del arte

R Roma 32

La música en la Antigua Roma como se utilizaba en las fiestas, anfiteatros, sobre histriones, y los instrumentos que utilizaban. Primero que nada es importante que se entienda de dónde proviene la influencia de la música sobre este imperio. Se relata que Roma tomó ejemplo sobre la antigua Grecia y sobre los pueblos Etruscos. Este arte jugó un papel importante en el desarrollo ciudadano, ya que apoyó la vida social, el ejército e incluso la vida laboral. Si se piensa sobre la influencia de estas otras culturas se puede tomar en cuenta que no solo copiaron la música sino los instrumentos como la trompeta etrusca, la flauta pastoril, la pandereta, lira y diferentes tipos de sonajas. Estos tipos de herramientas musicales eran comúnmente utilizadas para celebrar a los Baco (Dios romano del vino) y Célibes. ¿Será que su único uso era musical? Ciertos instrumentos como las tubas, cuernos y bocinas, al tener sonidos que 33

Historia del arte

La música está compuesta de sonidos ocasionados por instrumentos, pero más allá de ser escuchada debe ser sentida. Con ella se puede expresar mucho más de lo que se puede hacer con palabras. Una de las artes más antiguas que existen, además de las pinturas que se realizaban desde la Era Prehistórica es la música. Partiendo de algunos datos, la música existe desde hace más de treinta y cinco mil años, debido a que se han encontrado instrumentos que datan una era que tiene más de treinta mil años y con artefactos musicales que cuentan una historia. Pero surge una gran pregunta: ¿Cómo ha influenciado este bello arte en la antigua Roma? Una ciudad reconocida por ser una de las grandes potencias mundiales, no solo por su fuerza militar, sino también por su arquitectura y formas de entretenimiento. En este escrito se hablará un poco sobre el arte musical en la antigua Roma y

se podían escuchar hasta una gran distancia, eran utilizados para dar órdenes o ánimos a los soldados de combate. Es impresionante como la utilización de instrumentos en el ámbito militar, no es algo de varios años atrás, sino de varios siglos. El arte musical en la Antigua Roma formó parte de grandes fiestas. Poco tiempo después de que este imperio conquistó a Grecia, se pudo ver una gran fusión de culturas. Al ocurrir este choque se sabe que está civilización no aportó nada a la música de la antigua Grecia. En cambio, los artistas

y músicos eran muy valorados porque daban un ambiente humorístico. Una actitud que se puede relacionar a lo que sigue siendo en la actualidad, un artista con sentido del humor y con presencia conocida se puede decir que es un músico valorado. Otro aspecto que sucedió después del choque de culturas es que no había fiesta Romana que no tuviera música, ya que esto brindaba ánimo, felicidad y gozo a los ciudadanos. Sería gracioso imaginar ¿Qué pensaría un Romano de las fiestas que se organizan hoy en día y de la música que se acostumbra a escuchar?

Lira Romana

El Coliseo en Roma, Italia

culos muy conocidos por tener música culta. Esta daba un ambiente de entretenimiento a los eventos más conocidos de esta cultura. En cambio en los teatros además de que se presentaban obras, se brindaba al público conciertos musicales y por más difícil que sea creerlo, eran totalmente gratuitos. Otro aspecto increíble, es que la música tanto en aquella época como en la vida moderna no es restringida para ningún género. Por último, cabe destacar a los intérpretes quienes eran considerados esclavos intelectuales; personas asignadas por las altas gerencias de la antigua roma, que solían provenir de provincias griegas. 35

Historia del arte

Los anfiteatros y los teatros romanos eran centros de entretenimiento. En lo cuales, se presentaban obras musicales y otros tipos de entretenimientos. Se podía ver a bailarines o histriones como así se les denominaba, actores y músicos haciendo un gran espectáculo. Además, en estos centros se realizan adaptaciones de comedia y poesía de influencia Griega, la cual era conformada de diferentes artistas exitosos de la época y sus piezas teatrales eran acompañadas de instrumentos como el arpa, la cítara o el laúd. Varios de los eventos que ocurrían en los anfiteatros eran las carreras de caballos, peleas de gladiadores y otros espectá-

Antiuga Roma

los de Broadway y festivales.Es impresionante, la manera en la que esta cultura se ha difundido por todo el mundo y como se sigue actualizando para en algún momento llegar a convertirse en algo novedoso. Esto dentro de la parte de entretenimiento, pero no es solo utilizando en este entorno, sino también como parte importante en los eventos militares tanto en ceremonias como en desfiles. Por último, es sensacional como la música y los instrumentos han ido evolucionando a través de los años y como han sido influenciados por los avances tecnológicos con la finalidad de brindar diferentes beneficios y propósitos.

Evolución Musical

Historia del arte

La Antigua Roma además de ser una ciudad conocida por su poder militar y de conquista, tiene un gran potencial en el arte. Desde los libros de texto hasta en varias pinturas, se puede saber cómo la música tuvo tanto éxito que ha llegado hasta hoy en día a tener una gran influencia y a estar presente en diversos eventos. Al analizarlo, se puede decir que definitivamente este arte era parte importante tanto en lo social, como en el trabajo y en el ejército. Partiendo de esto, se puede ver como aún la gente disfruta escuchar la música en las fiestas, como complemento de las obras de teatro, musicales en especial

B Bizantino 38

Pintura Bizantina ciudad de Bizancio, esto abre la puerta a saber de dónde viene el nombre Bizantino sin importar que el emperador de este periodo haya nombrado la ciudad de Constantinopla. Después de que este imperio se formó, los gobernadores o aquellos encargados del poder sentían el deber de dar condiciones necesarias para dar culto. Se puede decir que es aquí donde se originó el arte Bizantino, por lo que se conoce después de que el Imperio Bizantino comienza y brota la necesidad por atender a su religión (Cristianismo). Este mismo se ve obligado a construir sus propias iglesias para la realización de adoración cristiana, debido a la ubicación donde se encontraban las Iglesias Grecorromanas y templos Judíos. ¿Será que la iglesia también tuvo un papel importante en esta aventura? En el momento que empieza la arquitectura para los templos surge la duda de cómo decorarlos, por lo que se buscaba la ma39

Historia del arte

La Historia del Arte permite saber que el Imperio Bizantino marca una nueva era. Se logró combinar cada uno de los diferentes estilos de arte, siendo estos el Griego y el Paleocristiano, incluso si se analiza se puede ver cómo actualmente dentro de la iglesia Ortodoxo es muy común este estilo de pintura. En este ensayo se hablará de la historia que ha dejado este movimiento, técnicas utilizadas y características del mismo. La pintura Bizantina aparece después de largas luchas y tratando de derrocar el poder de Majencio, se sabe que el imperio está dividido en dos diferentes territorios: Imperio Romano del Oriente y el Occidente. Después de que Constantino derrotó a Majencio en la batalla de Milvio, el emperador creía que todo está bajo la fuerza de la cruz. Posteriormente, le puso un fin a la persecución de los cristianos y luego estableció esta religión como base de su imperio. Se ubicaron en donde estaba la

nera de crear espacios que fueran amplios para la adoración y la celebración de eventos religiosos. Comenzaron con la adaptación de basílicas Romanas y fueron transformadas en Iglesias romanas. Se puede ver cómo este cambio arquitectónico es aún utilizado en la actualidad en los templos y basílicas, se puede quedar uno maravillado con tan solo mirar las altas cúpulas y las columnas. Estas partes arquitectónicas dan como resultado a nuevos espacios para decoración. Hasta este punto del escrito, se sabe de manera amplia sobre la historia y de cómo nace este nuevo estilo de arte. Se pueden destacar varias características que este contiene. Es un arte fuertemente influenciado por el paleocristianismo,

el grecorromano y las artes orientales principalmente de áreas como Siria y Asia menor. De esa manera se hace una combinación de diferentes culturas. Si se analiza se puede notar que esta mezcla de culturas crea un arte muy colorido. Partiendo de que era una cultura cristiana, las pinturas estaban más inclinadas a temas religiosos, donde el tema central era Cristo mismo y la Virgen Maria. En el arte Bizantino se puede distinguir como la mayoría son frescos y se realizaba en las paredes de los templos, pero principalmente en las columnas. Se solía usar con frecuencia la pintura en los libros para ilustrar imágenes e iconos y también eran muy famosas las pinturas en paneles (tablas de madera). Se puede men-

“La burla de Cristo” por Florentino Cenni

Cristo Pantocrátor (Mosaico)

Los tres Ángeles recibidos por Abraham en Mambré

Historia del arte

cionar que lo más destacado de este movimiento artístico eran los mosaicos, el fresco y la ilustración de mosaicos. El mosaico es muy reconocido por la utilización abundante de diferentes materiales, como el oro y la ornamentación. En las ilustraciones realizadas de personas, se puede ver que se presentan la mayoría de las veces de pie y con los brazos en movimiento o llevando cualquier objeto. Su vestimenta solía ser cubierta en pinturas rectas (Sin movimiento) y solo capas. Además, los mantos mostraban ondulaciones que representaban en movimiento. Las expresiones de sus rostros solían expresar divinidad, honestidad y tranquilidad teniendo una mirada siempre hacia enfrente. En cuanto a partes del rostro, los ojos solían ser grandes y siempre abiertos, la nariz alargada, y la frente amplia, los pies eran dibujados muy chiquitos y siempre apuntando hacia afuera, parecía como si siempre estuvieran parados de puntas. Por último, es algo gracioso ver como antes se utilizaba como si hubiera una perspectiva invertida o como si todos los personajes que conforman la pintura estuvieran a la misma estatura.

Iglesia de Santa Irene

Al analizar lo descrito anteriormente, se puede analizar cómo este ha sido un arte capaz de crear un movimiento. Aún más increíble, cuando se sabe que a la fecha es aún utilizado y admirado. Muchos de los templos cristianas adoptan este tipo de pintura, como se puede ver en las basílicas y templos en Europa, aun así el Arte Bizantino resalta en ilustraciones, postales y cartas religiosas. Es un movimiento artístico que ha hecho nombre e importancia a varias iglesias, que hasta el día de hoy, son

muy conocidas como la Iglesia de los Santos Sergio y Baco ubicada en la ciudad de Constantinopla. La iglesia de Santa Irene y la Iglesia de Santa Sofía es conocida por sus hermosas y majestuosas pinturas. Además, enormes mosaicos donde está plasmado la imagen de un Dios todopoderoso. Es aquí donde se ve como algo tan viejo se puede convertir en un pedazo de historia que deja un legado muy importante para todos y un camino al arte religioso. 42

Historia del arte

â&#x20AC;&#x153;

Ă&#x2030;l es la Imagen del Dios invisible. (Col 1, 15)

R Romรกnico 44

Pintura en el Ábside de la Iglesia de San Clemente de Taüll antecedente de la expansión del cristianismo en esta época, se puede decir que este tenía mucha influencia, por ende, las iglesias y monasterios construidos fueron de mucha importancia. Se consideraban tres leyes: Ley funcional, Ley del material y Ley simbólica, donde los materiales más comunes eran los pobres, mármol, hormigón, piedra, y madera. Las formas realistas y los colores policromados también eran características fundamentales. Todo con la finalidad de lograr transmitir escenas bíblicas. Al analizar cada una de las características mencionadas se puede apreciar ante otra perspectiva la Iglesia de San Clemente de Taüll, en especial la pintura del ábside de la nave central realizada por el Maestro de Taüll. Queda claro que no era una obra sencilla de trabajar, pero aun así fue adaptada al marco arquitectónico. Se 45

Historia del arte

La Iglesia de San Clemente de Taüll, un monumento histórico, está construida al estilo Románico Lombardo. Es una de las iglesias más antiguas del Valle de Boí y está ubicada en el centro de este pequeño pueblo, de manera precisa, se encuentra en la provincia de Lérida, España. Está compuesta por tres naves, ábsides, seis columnas cilíndricas para detener el techo y una torre alta que consta de cinco pisos sin contemplar el zócalo. Se puede decir que la construcción de este es rústica, debido a que está construida de piedra sin tallar. En el año 1123, el templo fue consagrado y esto se sabe por lo encontrado en una de sus columnas. El arte románico fue un movimiento artístico de Europa a partir del siglo XI y sus características se ven exaltadas en la arquitectura o en la pintura. Tomando en cuenta el

realizó al fresco y se utilizaron colores como el rojo que significa pasión, el azul que es la esperanza en el cielo, entre otros colores que pudieran estar relacionados con el cristia-

nismo. Es interesante cómo se utilizaron estos colores como complemento para transmitir de cierta forma el apocalipsis, el libro de Isaías y de Ezequiel. Al observar detenidamente la obra

Pintura en el Ábside de la Iglesia de San Clemente de Taüll

vía en aquel pueblo mostrando escenas de la Biblia de manera fácil de comprender. Si se analiza detenidamente se puede ver que los personajes son representados casi siempre de la misma manera para que sean identificables, es algo que se puede notar en la actualidad al momento de visitar diferentes iglesias contemporáneas, se muestra a Dios hijo la mayoría de las veces crucificado en la cruz manteniendo la misma imagen o por lo menos parecida. Para finalizar, tomando en cuenta lo mencionado en el escrito, esta es una pintura ficticia que habla de lo didáctico, a pesar de la sencillez en la composición su mensaje divino es espectacular.

la Iglesia de San Clemente de Taüll

Historia del arte

se puede ver a Cristo bendiciendo y sosteniendo un libro donde está escrito: “Yo soy la luz del mundo”, a su alrededor los ángeles que están con Él en el cielo, y los cuatro evangelistas pintados con ciertos rasgos. En la parte inferior se puede admirar a los Apóstoles divididos por columnas que representan a la Iglesia Universal rindiendo su fe. Por último, cabe recalcar que los pies de Cristo están posicionados sobre el mundo para dar a entender su superioridad y la pregunta es, ¿Qué finalidad se tenía al realizar esta impresionante pintura? Con cada personaje, escena y colores plasmados en el ábside de la Iglesia de San Clemente de Taüll, se buscaba convencer a la gente que vi-

I Islรกmico 48

La Madrasa esculturas ni pinturas porque no eran permitidas. Sin embargo, hubo maestros de las artes que realizaban suras del Corán y otras decoraciones caligráficas. Por otro lado, hablando de la parte arquitectónica, el clima fue un factor que influyó es por eso que se buscaba hacerlo lo más fresco posible. La madrasa, comúnmente era una planta en forma de cruz con un patio rodeado de Iwans. De lo contrario, su construcción en El Cairo (Egipto) fue afectada con la llegada de los mamelucos, por lo que consiste de un edificio con cuatro Iwans, con el tiempo el Iwan desapareció y se creó la sala con cúpula. Dejando a un lado la parte arquitectónica, ¿Por qué preferían las Madrasas que otras escuelas? La economía se fue modernizando y los musulmanes fueron creyendo que las Madrasas tenían mejor capacidad de brindar conocimientos y oportunidades de trabajos bien pagados. Es impresionante como en la actualidad hay miles de Madrasas 49

Historia del arte

Los musulmanes eran quienes buscaban tener la educación religiosa, por lo que comenzaron lugares llamados Madrasas donde personas de altos prestigios de la comunidad brindaban clases como en bibliotecas. Años después, fueron establecidas en un solo lugar e independiente, por lo tanto, a quienes eran estudiantes se les brindaban comodidades como hospedaje, alimento y educación gratuita. Las clases eran diversas materias, pero principalmente el Corán y la Ley Sagrada, por ende, la comprensión de la religión era mucho más amplia. Se fueron expandiendo por diversos países, que hasta el leer y escribir era cada vez algo más accesible. Dentro del arte islámico destacan aspectos como la religión, la literatura, obras figurativas, la caligrafía, entre otros temas relacionados. Se utilizaban materiales como el ladrillo, yeso, madera, y azulejos, pero aun teniendo diversos materiales no fueron creadas muchas

El Cairo de Egipt

Instituo Cumbres

Legionarios, que tienen dentro de su modelo educativo clases relacionadas con la religión como materias fundamentales. Habrá colegios públicos con un sistema parecido, pero por experiencia personal conozco las privadas. Muchas de las personas que forman parte de alguna de las escuelas mencionadas, no están de acuerdo de que haya materias relacionadas con la religión o que lleven el mismo peso que las esenciales como matemáticas, química o biología. Al estar en un colegio Legionario se puede decir que como cualquier otra institución al pertenecer ahí no te asegura nada en un futuro, aún teniendo un nivel académico bueno. Por último, será gracioso pero hasta hablando de la parte arquitectónica, los colegios que pertenecen a esta Legión tienen hasta el mismo barandal rojo y al igual que las madrasas se han extendido por varios lugares logrando un éxito con su sistema educativo.

Historia del arte

y continúan creciendo en muchas partes del mundo como en Pakistán, Egipto, Mali, y en India. La realidad es que no todo aquel graduado de ahí, logra un buen desarrollo socioeconómico. Además, muchos dicen que si tuvieran los recursos suficientes para una escuela privada y no religiosa, sería su primera opción, de igual manera, hay lugares como Turquía donde estas escuelas fueron reemplazadas por otro modelo educativo. Actualmente, en Turquía se ha establecido un presupuesto para implementar la educación religiosa debido a que para ellos las escuelas religiosas son una característica para la vida de un musulmán, ya que es ahí donde se enseña el Corán y otros temas islámicos. La pregunta es, ¿Existen en Monterrey modelos educativos como el de la Madrasa? Enfocado en la religión cristiana o católica, existen varias instituciones como el Liceo, Labastida, las que pertenecen a los

G Gรณtico 52

Arte Gótico y su representación de Dios bio de pensamiento político y económico para el arte gótico, la catedral era una de las más importantes. En este mismo se podía apreciar la abundancia de luz y colores que creaban una imagen celestial, y la altitud de cada una de ellas que representaba la elevación hacia Dios. Lo que más se destacaba de este estilo, era ver cómo el exceso de luz creaba un símbolo de divinidad única. Esta representación arquitectónica fue también una oportunidad de poder unir a los reyes con los obispos. Dentro del Estilo Gótico se buscaba exaltar la divinidad de Dios y su manera de ser representada con el arte, se veía involucrado en cada una de las grandes catedrales como un símbolo celestial; grandioso y todo poderoso. No solamente eso, sino también en la manera de estructurarlas, se hacía referencia a las escrituras de los 53

Historia del arte

Alrededor de varias épocas la imagen de Dios era algo que variaba mucho, había momentos en el que Él era el centro, pero también otros donde el arte llegaba a apartarse de este mismo debido a que fue visto como algo no posible. Por ende, surgieron muchas dudas y esto generaba grandes sospechas. Al entrar a fondo en el arte gótico, se puede distinguir ese exceso de luz, asombro de la naturaleza y la belleza en temas que se podían relacionar directamente a la gran imagen de Dios. El arte gótico es un estilo que se desarrolló en los últimos años de lo que era conocido como la Edad Media. Fue sucesor del arte románico e iniciado en Francia, se esparció por toda Europa y fue así la manera en la que este estilo se vio influenciado por la cultura de cada país a la que iba llegando. Además de ese cam-

Sainte Chapelle

como la imagen de Dios siempre ha estado presente. Se ha tratado de ser olvidada, pero también ser traído de vuelta como algo fundamental. Esta situación se puede ver en la época y cómo estos distintos movimientos religiosos llegan a ser parte importante en la historia de la humanidad. Cada relato sucedido por época ha transformado la perspectiva del ser humano ante ese Dios, ya que también se ven influenciados por los diferentes estilos y pensamientos del momento. Por último, cabe recalcar lo más destacado del arte gótico y lo que lo hace diferente e interesante para investigar, la cual es el regreso hacia el enfoque hacia la divinidad, donde se puede transmitir paz y tranquilidad hasta en aspectos como en la abundancia de colores en una catedral.

“

Historia del arte

evangelios donde se pudiera ver la entrada como un camino hacia la divinidad: “Yo soy la puerta, si uno entra por mí estará a salvo y encontrará pasto”. Se lograba que las personas que visitaran las catedrales sintieran tranquilidad al estar dentro. Tiempo atrás, la imagen de Dios había sido muy distorsionada, pero aun así llegó a ser un tema de gran interés. Había momentos donde el arte se apartaba de Él y en donde se quería hacer un acercamiento y crear una experiencia que provocara sentir la presencia de Dios. Es increíble ver cómo este movimiento artístico lleva a la invención de nuevas piezas de arte, como “Madonna Enthroned de Cimabue”. Es un ejemplo donde se puede apreciar la imagen de la Virgen María cargando a su hijo Jesús, rodeada de ángeles que la protegen. Otra pieza que tuvo una gran influencia en la creación de grandes catedrales fue, “Sainte-Chapelle”, que está ubicada en la ciudad de París, Francia y es altamente conocida por la exageración de los colores en su interior. Durante los diferentes periodos que se han visto anteriormente, es asombroso ver

Yo soy la puerta, si uno entra por mí estará a salvo y encontrará pasto. (Juan 10:9) 55

R Renacimiento 56

El David do (Contrapposto). Se pudiera decir que es una posición un poco tensa, como si fuera alguien que está a punto de entrar o al finalizar un combate sintiendo la victoria. El arte del Renacimiento tuvo diversas maneras de expresión, una de sus influencias fue el arte clásico grecorromano y de ahí se creó la base de una nueva disciplina. La simetría, el equilibrio y la proporción son tres aspectos de la estética que se habían establecido. Los artistas tenían estudios en geometría, autonomía, matemáticas, filosófica y en otras ciencias, por ende, se utilizó el arte como una alternativa para el conocimiento de las cosas. Es una época donde el hombre comenzó a cuestionarse sobre las leyes físicas del universo, y aún así, la religión y la iglesia seguían teniendo un papel muy importante. Aparentemente, El David tiene un aspecto interesante e incoherente, en esta obra se muestra a un hombre que no está circuncidado a pesar de ser judío. Esto es algo contra57

Historia del arte

Cómo no reconocer a una de las esculturas más famosas del mundo, El David, una obra clásica de la época del Renacimiento que atrae por su belleza y su grandeza. Se esculpió en un bloque de mármol de Carrara que medía más de cinco metros, pero este ya había sido esculpido y abandonado por varios escultores hasta que varios años después, La Opera del Duomo (Institución laica encargada de la conservación de lugares sagrados), le pide a Miguel Ángel que se hiciera cargo de este. Esta obra fue ubicada en Plaza de La Señoría hasta ser trasladada a una Galería en Florencia, por seguridad. Es impresionante la mente de un artista y el trabajo físico que llevó la creación de El David, primera estatua monumental que muestra una figura humana de un hombre musculoso con una postura donde su pierna izquierda está por delante de la derecha, el brazo izquierdo doblado a la altura del hombre, y su cabeza volteada hacia el lado izquier-

dictorio a lo que dictaba la Ley Judaica, pero fue justificado por la manera en la que se ve al humano en el arte renacentista. Es curioso que actualmente, en la ciudad de Monterrey, a la mayoría de los niños se les realiza la circuncisión por esa costumbre judía o hasta por higiene. Dejando a un lado esta parte del cuerpo, no deja de impresionar los detalles que Miguel Ángel tomó en cuenta en la realización de El Da-

vid, como se puede ver en las manos y sus venas, músculos, cabello, cara, ojos, entre otras partes corporales. Cabe recalcar, que en cuanto sus proporciones como las de la cabeza, manos y torso no corresponde a las de la figura humana. Aun así es de admirarse, debido a que en una época como la del Renacimiento era difícil de crear una escultura con esa magnitud y detalle, además, dándole ese símbolo de la libertad de la humanidad. 58

¿Quién se hubiera imaginado una escultura como El David en esta época? En la época del Renacimiento, las personas querían volver a sus ideales, además de luchar por aquello que les apasionaba como lo hizo Miguel Ángel. A pesar de que su padre no estuviera de acuerdo, es de

admirar esa fuerza y valentía de crear una escultura de un cuerpo desnudo. Se buscaba lograr esa perfección en lo que se trabajara, hoy en día, aún habiendo gran cantidad de artistas que sobresalen no se encuentra uno como Miguel Ángel y la realización de sus obras, en especial la de El Da-

Historia del arte

El David

M Manierismo 60

La trinidad bilidad de hacer las cosas sin tener que hacer un esfuerzo para crearlo. Para poder formar parte de este estilo artístico era necesario eliminar la violencia, brutalidad y la tensión, y comenzar a buscar el equilibrio, la sofisticación y el refinamiento. De esta manera se crean obras de arte delicado, enfocado en lo natural y es más conocido por involucrarse con temas relacionados como la separación de forma y significado con la imagen serpentina, artificio y el virtuosismo. Aquel que fue conocido como El Greco, realizó una pintura en la que utilizó la técnica del óleo sobre lienzo. En esta obra se representa a la Santísima Trinidad: “Dios padre, Dios hijo, Dios Espíritu Santo.” Dios padre sosteniendo a Jesús, su hijo muerto, y sobre ellos la paloma como el Espíritu Santo. Alrededor se plasman ángeles con una expresión dramática, y en un espacio celestial. Al verse desde una perspectiva un poco lejana, se puede llegar a ver que los personajes forman una figura de corazón, creando 61

Historia del arte

La Trinidad es una obra realizada por el artista del manierismo, Domenicos Theotokopoulos que le decían, El Greco. Nació en el año 1541, en la Isla de Creta, al trasladarse a Italia su técnica comenzó siendo parecida a la bizantina hasta tiempo después que llega a Roma, donde es influenciado por las obras de Miguel Ángel. Teniendo alrededor de 36 años, se trasladó a Toledo y fue ahí donde realizó varios retablos, uno para la capilla del Monasterio de Santo Domingo el Antiguo y otro de tres calles presidido por la imagen de la Asunción de la Virgen María, teniendo como resultado un gran lienzo de tres metros de altura. El manierismo es un periodo que se sitúa entre el arte renacentista y el barroco, es caracterizada por la libertad de estilo y tema a realizar y es conocido por su transición del estilo renacentista y barroco. El origen de la palabra “maniera”, es el saber hacer y no esforzarse mucho por hacerlo, en otras palabras, es tener la ha-

La Trinidad

así la semejanza de Dios. La trinidad es una obra interesante de investigar, ya que en una sola obra podemos identificar la imagen que se da de Dios como Uno y Trino. La utilización de colores, hace que la obra capte la mirada del espectador y cree una conexión con las creencias sobre la divinidad. De igual manera es sensacional como el artista logra plasmar la historia de este grandioso ser y de como Dios Padre entrega a su único hijo a través del Espíritu Santo para salvar a la humanidad del pecado.

Dios Padre, Dios Hijo y Dios Espíritu Santo

El Greco

Historia del arte

Este movimiento artístico logra captar la mirada de los apasionados, debido a que se busca plasmar la imagen corporal como algo fuera de lo normal pero enfocado hacia lo natural. El manierismo llega a ser importante de analizar y entender, ya que lo que muestra es para que las personas se visualicen y comprendan los cambios que han sucedido a través de diferentes movimientos artísticos, principalmente como cada uno va cambiando su manera de ver el cuerpo humano y a los seres celestiales que se conocen. Por último, se aconseja que es conveniente tomar en cuenta las diferentes técnicas artísticas y la combinación de colores posibles, para futuramente crear únicas e increíbles obras.

B Barroco 64

La Catedral de Morelia arte que llegó a remarcar el arte político, religioso y social. Llegó a ser un movimiento muy conocido en el siglo XVIII, ya que abarcó áreas como la música, pintura, arquitectura y la literatura. En México el arte barroco fue uno de los estilos artísticos más presentes en la Nueva España y llegó al continente por la influencia de España. En este país, el movimiento tuvo más presencia en lo arquitectónico, por lo que se puede ver en la mayoría de las catedrales el estilo barroco. Este mismo balanceaba diversos temas, ayudó a la iglesia católica a reformar sus creencias y se vio como una fuerte influencia para eliminar el movimiento gótico y renacentista en la arquitectura. Es interesante que se tiene a personas cercanas que provienen de la ciudad de Morelia y ha sido visitada frecuentemente, pero con una actitud conformista y tan solo admirando de las luces LED o el espectáculo que se pre65

Historia del arte

La Catedral de Morelia es una de las edificaciones más importantes de esta ciudad, debido a su gran altura tomando la cuarta posición de las catedrales más altas del país. Después de un incendio de la primera catedral se realizó esta nueva en el año 1660 y estuvo terminada hasta 1744. Desde el exterior se puede ver que fue construida de cantera rosa y tiene dos torres, y en el interior de acuerdo al estilo barroco se encuentra el Manifestador de plata. Llega a ser una edificación bastante conocida por los creyentes, ya que cuenta con dos cruces una de hierro que simboliza la divinidad de Cristo y otra de piedra que representa la vida humana de Jesús, a diferencia de otras catedrales, esta está orientada hacia el norte y no hacia el oriente. El barroco es un arte que nace después del renacimiento y proviene después del conocido como el manierismo,

senta en la catedral, cuando se debe prestar atenciĂłn a aspectos como el soporte de piedra unida, las puertas, la fachada tallada, los arcos, los frontones, los campanarios decorados, y especialmente el Manifestador de plata y oro que mide tres

metros de altura para poner el SantĂsimo Sacramento cuando se celebraban las misas. Se trata de cambiar el panorama, de ampliar el conocimiento y el entendimiento de lo que llega a significar o simbolizar.

algo espectacular, es uno de los lugares arquitectónicos más importantes de las ciudades de México, ya que marca una era histórica de nuestra comunidad que de cierta manera juega un papel importante en nuestro desarrollo humano y cultural. Cada catedral tiene su presencia en todos los cristianos, debido a que es el templo donde se hace alabanza al ser divino de esta religión. Por tal motivo, es atrayente aprender sobre el lugar donde se puede llegar a pasar un buen rato disfrutando el sonido del órgano y más siendo una de las atracciones turísticas de Morelia. 67

Historia del arte

Al entrar a una catedral ubicada en México se debe comprender desde lo que se llevó a cabo para la construcción o la realización de esta misma, para que las personas se identifiquen y logren aprender más sobre los lugares que se tiene a poca distancia de traslado. Con la finalidad de que se tenga una experiencia aún más enriquecedora, que a pesar de que se vean nada más las luces de afuera de la catedral es interesante ahora saber que la iluminación fue puesta por el que iluminó la Torre Eiffel de París. Cada parte que conforma la Catedral de Morelia es

R Rococรณ 68

El Rococó y el diseño de Interiores cada detalle de una habitación era el alto prestigio y lo que era el tener un buen gusto, dentro de esos detalles está la asimetría, las líneas suaves, las formas redondas y principalmente el exceso de elementos decorativos. ¿Que se encuentra en el interior de un inmenso castillo? Al analizar detenidamente cada uno de los detalles en el diseño de interiores del arte rococó, se puede apreciar la combinación del dorado con colores como el rosa, azul, verde, amarillo, perla, entre otros en tono suave. Continuando, se puede ver la utilización de materiales como madera, telas elegantes, metal y piezas doradas. En cuanto a los muebles, se realizaron sillones, sofás, mesas decorativas, camas con cabecera, bancos y tocadores, los cuales fueron tallados y algunos hasta bordados. Un ejemplo se puede ver actualmente, al visitar el Museo del Louvre, en el trabajo que realizó el especialista Delanois 69

Historia del arte

La etapa Rococó se ubica a partir del siglo XVIII principalmente en Francia, donde a comparación del Barroco, se diferencia por su elegancia y por los colores suaves que se utilizan en el arte. Se buscaba que el artista tuviera una mayor libertad al momento de realizar sus obras. Consistía en que el arte estuviera al servicio de aquellos que tuvieran lujos, como eran los burgueses, con el fin de transmitir sus sentimientos que había en aquellos que tenían ese estilo de vida. Una de sus representaciones principales se dio en lo arquitectónico, en particular se analizará sobre el diseño de interiores. El arte rococó tiene como características la elegancia, la comodidad, lo apasionante y lo lujoso, esto se puede ver en habitaciones como las salas de estar, salones de cámara, recámaras, ya sea de los propietarios o huéspedes. La intención que se buscaba transmitir en

Louis en un asiento, es impresionante el bordado, los colores utilizados y que las paredes eran combinadas con el techo; se realizaba un redondeado. Por último, la decoración consistía de lámparas de cristal, floreros elegantes, marcos, espejos, relojes de oro, almohadas decorativas con bordados, etc. Se tenía la habilidad de realizar el bordado, y lo que se representaba eran escenas mitológicas o de la vida en Europa del siglo correspondiente. El Rococó más que ser un movimiento artístico, fue un estilo de vida. Los burgueses o aristocráticas tenían el poder y los lujos para complacer lo que quisieran, por lo que esto atrajo a los artistas a la creación de algo misterioso, lujoso, elegante, cómodo, y bello. En el interior de la casa se puede saber la combinación de estas características en las salas que eran secretas y cajones ocultos en el armario. Llega a ser un tema de gran interés, ya que al ser muchos los detalles se puede llegar a pasar ciertas cosas por desapercibidas. Al obtener el conocimiento de lo mencionado, se puede admirar desde otro punto de vista y lograr apreciar cada uno de

Delanois Louis (1731-1792)

Historia del arte

los pequeños fragmentos que crean una obra artística en tan solo una habitación. El arte rococó es muy común en lo que se ve en un viaje hacia Europa, es diferente la atención que se presta al tener un previo conocimiento a cuando no se tiene. Incluso, se disfruta de mejor manera las visitas hacia los castillos e incluso a hoteles que cuentan con este estilo en sus interiores, que generan una estadía con experiencia. Actualmente se puede ver que es un arte que no ha desaparecido, debido a que forma parte de la cultura europea y genera asombro al conocerlo, tanto en las películas como en la experiencia en vivo. Claramente se puede admirar desde los colores suaves en la pared, las pinturas en un marco dorado y todo provocando una sensación elegante.

Precolombino 72

Nuevos descubrimientos de la Pirámide del Sol época prehispánica antes de la conquista española y la llegada de Cristóbal Colón, donde este movimiento abarca las zonas que eran consideradas como Mesoamérica. Su representación principal se identificó por el arte rupestre, la arquitectura y la escultura, los textiles y las pinturas. El estilo podía variar mucho dependiendo de la cultura en la que se encontraba ubicado, ya que formó parte de una gran zona geográfica, todo de lo que actualmente es conocido como México, Centroamérica y un poco de Sudamérica. Entre sus principales características se puede ver que las obras tenían muchas utilizaciones, como en el arte del hogar y el religioso. Además, no contaban con un estilo predeterminado y se utilizaban mucho los símbolos. Se ha vuelto un tema interesante el explorar las nuevas excavaciones y exploraciones que se están haciendo en la zona de Teotihuacán, justa73

Historia del arte

La Pirámide del Sol es una de las estructuras prehispánicas más antiguas de México, ubicada en la antigua ciudad conocida como Teotihuacán. Esta pirámide era muy conocida en estas épocas, ya que era donde los hombres se convertían en dioses y es una de las estructuras más grandes, estando después de la pirámide de Cholula. A esta pirámide solo se le puede acceder después de subir los 260 escalones que tiene, debido a que solían significar el mito de los 5 soles, que relataban los cinco periodos que reinaban, el último siendo la destrucción total que sería causada por un terremoto. Se decía que esta estructura pudo haber sido más alta, ya que solía tener un santuario en la cima, pero fue destruido y no queda nada más que una explanada con superficie irregular. El arte precolombino se desarrolló en las antiguas culturas Americanas, siendo la

mente sobre los túneles ya hechos en el año 1933. En el 2008, al realizar nuevos intentos por encontrar nuevos túneles y cuevas resultó siendo una misión exitosa. Se encontraron nuevas cuevas y debido a esto se logró ver cuatro entierros, dos ofrendas y varias modificaciones arquitectónicas de la época. Es realmente impresionante como en rituales antiguos se utilizaban diferentes símbolos artísticos que acompañaban a sus seres queridos, como esculturas o pinturas ru-

pestres. Con los temas mencionados anteriormente en el escrito, al ser un espectador cambia toda una perspectiva que se tenía sobre estos tipos de estructuras y sobre cuál era su funcionalidad o propósito principal. Logra captar la atención, ya que la investigación y la curiosidad es constante por saber más sobre las antiguas civilizaciones que son parte de la historia. Se puede relacionar y entender un poco más las culturas que han formado a los

Historia del arte

seres humanos. De igual manera, se comprenden temas que han llegado a ser grandes incógnitas de esta misma cultura, pero ¿Para qué eran las pirámides?, ¿Qué función tienen? y ¿Qué había antes de que hubiera una pirámide? Estas preguntas a lo mejor no pueden ser contestadas con claridad, pero se han ido resolviendo con el pasar de los años y han dado una nueva ventaja a saber lo desconocido. Cuando se escucha hablar sobre las antiguas culturas puede llegar a ser un poco aburrido, pero es impresionante tener el conocimiento de cosas nuevas como los antiguos rituales de entierro, la construcción de las pirámides más emblemáticas de México, palabras fuera de un vocabulario ordinario relacionadas con la cultura y cómo este movimiento ha sido parte del lugar donde habitamos, es todo un misterio.

Pirámide del Sol de Teotihuacán

N Neoclรกsico 76

Autorretrato (1794) de las veces enfocarse en un solo tema, donde cada detalle desde los trajes hasta el escenario en el que estaba siendo situado era de prestar gran cuidado y atención. Jacques Louis-David al ser especialista en hacer retratos no podía dejar pasar el realizar uno que tratara de él mismo, por lo que no hizo solo uno, sino tres autorretratos. El segundo se puede encontrar en Uffizi, Florencia y el tercero o último fue un obsequio para Jean-Baptiste Isabey, y actualmente se puede encontrar en el Museo del Louvre situado en París. En este escrito se hablará sobre el tercer autorretrato, donde Louis-David demuestra su apariencia fuerte y fiel a sus creencias. Desde lejos se puede ver que él está sentado de lado en una silla y tiene una mirada fija hacia enfrente sosteniendo la paleta de pintura y un pincel. Un punto interesante es que no se puede ver realmente donde está siendo si77

Historia del arte

Jacques Louis-David uno de los artistas más destacados de la pintura neoclásica, nació en el año 1748 en París, Francia. Además de hacer grandes lienzos, pinta su tercer y último autorretrato en el año 1794, fue realizado mientras él estaba en prisión a causa de apoyar a los robespierristes; grupo de políticos de la Revolución Francesa. Se puede ver en esa pintura un hombre reconocido internacionalmente y pintor que forma parte de eventos históricos. El arte neoclásico se ubica a partir de la década de 1760, principalmente en Europa. La pintura en esta época tiene como características los colores claros, efectos de luz o una iluminación dramática hacia el objeto principal de la obra, contornos, expresiones duras o de melancolía, profundidad o desde una perspectiva lineal, e increíblemente las pinturas eran realizadas en óleo sobre lienzo. Los autores buscaban muchas

Jacques Louis-David

hacia la expresión del rostro y la posición de las manos agregando solo pocos detalles. Esa mirada fija y con atención a quien lo mira, está expuesto en un cuadro pintado al óleo sobre lienzo que mide 81 por 64 centímetros. Es impresionante como a simple vista se pudiera llegar a ver tanta sencillez, pero mucho detalle y poder. Louis-David logró lo que no muchas personas actualmente llegan a reconocer que es el aceptar y querer darle poder a cada característica de sí mismo. Habrá personas que difícilmente aceptan como son o cada cicatriz que llevan en su cuerpo, por lo que dudosamente pudieran realizar una pintura que trate de ellos, porque al hacerlo tendrían que plasmar cada una de esas cosas que no les gusta. Finalmente, es decisión del autor que tanto revelar en una pintura, por lo que definitivamente “Autorretrato” es demostrado con verdadera sinceridad.

Empodera cada característica de ti mismo. — Daniela González Arellano 79

Historia del arte

tuada la pintura, sino que solo se puede admirar el fondo color marrón y su textura. Esa misma calidad de textura se puede ver en las prendas que lleva puesto. Otra de las características de este movimiento se puede ver la luz que ilumina su rostro, pareciera que viene de su lado izquierdo y hasta permite ver la cicatriz causada por una espada que tiene debajo de su boca. Es de admirar la valentía de Jacques Louis-David al plasmar en una pintura con tanta honestidad de sí mismo y en su técnica, se puede ver desde la cicatriz que decide mostrar y no solamente en este último autorretrato, sino en los tres que hizo. No tan solo realizó cada detalle que él ve en él, sino que realizó toda una inspección profunda de conciencia donde tuvo que juzgarse. Enfatizando la característica mencionada anteriormente en el escrito sobre un solo tema, se puede ver claramente en esta pintura y en su enfoque

R Romanticismo 80

Nostalgia en la pintura término romántico, como ya se sabe, proviene del “romance” y tiene origen a todo aquello relacionado con la vida, la pasión y el amor. Hablando de sentimientos, se tiene una nostalgia por el pasado o por lo que pudo haber ocurrido. Además, personas que tenían ideales sobre cosas misteriosas o inexplicables. Caspar David Friederich, quien era pintor alemán, decía: “El sentimiento del artista constituye su ley”. La nostalgia vista en las obras del Romanticismo fue influenciada por la idea que se comenzaba a tener sobre la evolución y como cosas del presente eran causas de cosas que sucedieron en el pasado. Entonces surgía constantemente la pregunta: ¿Qué fue lo que se perdió o falta por no haber sucedido en el pasado? Es por eso que los artistas se vieron interesados por volver a ciertas características que ya habían sido vistas anteriormente en otras artes. Otro punto in81

Historia del arte

La pintura en el Romanticismo fue afectada por la Revolución francesa que ocurrió en el año 1789, se buscaba reflejar realidades tanto políticas como sociales. La pintura correspondiente a esta época se diferencia a la neoclásica, ya que estaba enfocada a la razón y basada en los sentimientos. Se estaba viendo una nueva perspectiva hacia la sociedad y por lograr un cambio, que provocó una nueva forma de expresión. Algunos pintores que destacaron fueron: William Blake, Théodore Géricault, Eugène Delacroix, Francisco de Goya, Caspar David Friedrich, entre otros. La etapa del Romanticismo se ubica a partir del siglo XVII, principalmente en Europa. Este movimiento artístico se opuso a la razón y a lo rígido, sustituyéndolo por la subjetividad y los sentimientos humanos, también, se diferencia por la libertad creativa que el autor tenía para realizar sus obras. El

teresante a mencionar es cómo este sentimiento de nostalgia se podía representar a través de elementos externos, como por ejemplo, la naturaleza puede describir el sentimiento que el artista buscaba transmitir. Es impresionante ver presente lo mencionado anteriormente en las pinturas de Caspar David Friedrich, titulada “Caminante sobre el mar de nubes” (1818), la cual trata

sobre un viajero posicionado en lo alto de una montaña mirando hacia las nubes que se encuentran por debajo de él. Analizando detenidamente se puede ver que es un hombre dando la espalda por lo que se mantiene el misterio de su rostro, está vestido de color negro y parado con una pierna adelante de la otra. Se buscaba dar a entender de que él es alguien grande y poderoso

El caminante sobre el mar de nubes

como Dios. Acompañado de la naturaleza en la que se sitúa, crean en el espectador un sentimiento de nostalgia, de no estar mirando lo que el hombre tanto está admirando.

Caspar David Friederich

“

“La añoranza por los tiempos pasados ayuda a mantener el equilibrio emocional, pero en exceso te puede condenar a vivir del recuerdo.” — Anabela Herrera 83

Historia del arte

Una pregunta que pasa por la mente de muchas personas, ¿Por qué sentimos nostalgia? Muchas de las veces se añora el tiempo del pasado, porque los cambios pueden ser muy radicales y es ahí donde comienza a surgir un sentimiento de vacío, es por eso que se debe de liderar con esos cambios y pasar por un proceso de aceptación. La Real Academia Española define el término de nostalgia como: “tristeza melancólica originada por el recuerdo de una dicha perdida” o como diría alguien que vivió el Romanticismo: “Se ha perdido algo que pudo haber sido vivido”. De lo contrario, más que ser un sentimiento negativo, muchos artistas a causa de la nostalgia lograron plasmar un bienestar y un sentido de vida en una obra de arte.

R Realismo 84

Realismo Literario: Benito Pérez Galdós El Realismo se ubica a partir de la segunda parte del siglo XIX, principalmente en Francia y nace a causa de la ruptura del Romanticismo. Fue una época importante, ya que consistió en representar lo más real posible, pero también se enfocó en respaldar a la monarquía y al poder real del Estado. El realismo literario por otro lado, fue parte del movimiento artístico donde se buscaba representar de manera fiel, objetiva y detallada la realidad, la vida de las personas y de la sociedad. Se tenía como principal objetivo retratar de manera concreta el presente el cual estaba viviendo la sociedad, estaba caracterizado porque este movimiento trataba de describir con párrafos largos los conflictos y tensiones que estaban sucediendo, utilizando mucho el habla de todas las clases sociales. De lo contrario, este estilo artístico se opone totalmente a la literatura fantástica. 85

Historia del arte

El escritor español, Benito Pérez Galdos, nació en el año 1843 en la Isla de las Palmas de Gran Canaria. Fue criado por una familia de clase media y religiosa. Era hijo de un militar por lo que recibió una buena y estricta educación. Nació en una época de liberalismo que llevó a que en un futuro se inclinara a la carrera de política. Benito se mudó a Madrid para comenzar su carrera de derecho, el cual abandonó para dedicarse a la escritura literaria. En el año 1870 y siguientes se podían ver sus primeras novelas publicadas, incluso años después de que murió su padre estaba escribiendo la novela de “Episodios Nacionales” que trataba de relatar la vida de guerra que vivió su padre cuando estuvo en batalla contra Napoleón. Una vez publicada esta novela fue creando fama y siguió escribiendo, alcanzó a escribir hasta 20 novelas sobre este mismo relato.

Benito Pérez Galdós

Es interesante que se obtenga el conocimiento de artistas del Realismo, incluso de escrituras como las de Benito Pérez Galdos, ya que tuvieron fuerte impacto en la cultura literaria hasta el día de hoy. Se pueden ver personas que intentan plasmar o retratar sus experiencias de vida e incluso en las mismas novelas cuando se relata sobre la vida cotidiana que se está viviendo actualmente. Además, es impresionante como en este movimiento se narra la vida como un cuento y de esta manera

atrae al lector, ya que este se puede sentir identificado. Definitivamente, era un arte que trataba de hacer los escritos lo más sencillo posible, sin palabras o frases complicadas, para que cualquiera lo pudiera leer y entender. En otras palabras, se utilizaba un lenguaje coloquial para captar el ojo de más lectores. Este estilo literario pudo haber sido de gran poder en la actualidad, los medios de comunicación han cambiado y el porcentaje de personas que leen libros en físico es cada 86

veces están basadas en hechos pasados, de la evolución del hombre, novelas románticas, fantásticas o de algún drama. Por tales motivos es importante aprender sobre temas o técnicas de pasado para que uno como lector y escritor adopten actitudes que puedan motivar a que estos mismos artistas literarios busquen otras corrientes que puedan llamar la atención de la sociedad, porque no se puede permitir más que continúe la cultura moderna que está alejando a las personas de la lectura. Muchos han caído en las escrituras de alguien desinformado y confiando en aquello que encuentran en internet.

Internet

Historia del arte

vez menor. En estos últimos años se han vivido muchos conflictos tanto sociales, como políticos y culturales, el problema está en que la gente cada día está siendo mal informada o se está viendo influenciado por el gobierno y lo que este decide transmitir. Hubiera sido diferente si se pudiera vivir el movimiento del Realismo en la actualidad, donde las personas pudieran leer lo que realmente está pasando y verla plasmada o poder relacionarla con lo que cada uno enfrenta en su vida cotidiana. Se pudiera llegar a creer que las novelas que llaman la atención de los lectores de la sociedad hoy en día, muchas

Impresionismo 88

Petite danseuse de 14 ans turas, por lo que muchos pintores realizaban esculturas con características parecidas a las que contemplaban al momento de realizar sus cuadros y es así como destacaron escultores considerados impresionistas. Después de la muerte de Edgar Degas se encontraron muchas de sus esculturas y una de ellas era la “Petite Danseuse de 14 Ans”, la cual ya había sido expuesta al público antes de volver a ser encontrada. Una escultura de una joven bailarina vestida con un tutú, peinada con un moño, mallas y zapatillas. Degas muestra a una niña que pertenecía a la sociedad de su época, pero aun así por su rostro y posición creó un alboroto. Actualmente, la edición de bronce se encuentra en el Museo de Orsay ubicada en París, protegida por un marco de cristal. De lo contrario, un pregunta interesante es: ¿Quién es la bailarina que nos muestra Edgar Degas en la escultura? 89

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El pintor y escultor francés, Edgar Degas, nació en el año 1834 en París, Francia. Fue destacado por muchas de sus obras de arte y sus pinturas relacionadas con la danza, incluso cabe mencionar que muchas de sus obras sobre bailarines fue lo que provocó que distinguiera parte de su estilo. Como todo artista tuvo grandes rivales, pero de igual manera influyó a muchos de ellos antes como después de su muerte en 1917 en París. El arte Impresionista se ubica a partir del siglo XIX, principalmente en Europa. Fue ahí donde hubo un cambio tanto en lo social como en el arte por lo que muchos artistas estaban siendo rechazados, pero cada uno de ellos sabía que tenía algo nuevo a mostrar en sus piezas, desde el manejo de la luz o el color hasta la representación de una realidad de manera espontánea. Fue un movimiento que destacó principalmente en las pin-

Marie definitivamente era una niña explotada por su madre y la industria de la danza. Ahora se puede entender el porqué Edgar Degas, al mostrar a esta niña, había creado todo un alboroto. Al ser esta escultura mostrada al público, él estaba mostrando una verdad que existía detrás de la Ópera de París. Edgar Degas, en su escultura “Petite Danseuse de 14 Ans”, muestra cómo era el mundo de la danza en aquella época. Sin duda, Marie Van

La bailarina en su escultura de cera se llama Marie Van Goethem, bailó por muchos años después de que él la exhibiera en 1881 en París. Era una niña enviada por su familia a bailar a la Ópera de París, ya que ese iba a ser el contacto más cercano a los hombre que pertenecían a la burguesía. Además de ser un trabajo que le brindaba recursos, existía la prostitución. Como menciona la escritora Camille Laurens, autora del libro “La pequeña bailarina de 14 años” (2017), 90

Goethem tuvo que posar por largas horas para ser moldeada la escultura, porque al ver a detalle se puede ver como cada rasgo está casi en su perfección. La razón por la cual este artista llegó a arriesgarse por mostrar la verdad de aquella joven, es un misterio, después de la exhibición fue despedida de la Ópera de París. No fue hasta cuando muere Degas, que la escultura fue reproducida y llegó a ser hasta inspiración para Damien Hirst y la realización de “The virgin

mother”. La original permanece en Francia, pero ¿Qué pasó con Marie Van Goethem? Es también un misterio, solo se ha encontrado una joven que se casó y coincide con el mismo nombre y fecha de nacimiento, pero es incierto. Se espera que después de ser plasmada en una escultura que se hizo tan famosa haya sido más una liberación para ella, que algo que pudo haber dejado solamente consecuencias negativas.

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El caminante sobre el mar de nubes

Postimpresionismo 92

Anciano en pena influyente y reconocido a nivel mundial. El arte postimpresionista se ubica a partir del siglo XX, la cual consiste en una época donde muchos de los artistas ya habían fallecido, es por eso que se considera un término artístico-histórico. Es una extensión del Impresionismo donde se utilizan las técnicas, tendencias, características y estilos influyentes de esa época. Se buscaba perfeccionarla con colores vivos y puros, expresividad de los objetos, iluminación, contorno, y plasmar temas de la cotidianidad, pero con una visión subjetiva y emocional. Definitivamente fue un movimiento importante y que impactó en la evolución del arte. A este punto del escrito, se sabe un poco de quien fue Vicente Van Gogh y sobre el Postimpresionismo. Ahora se hablará sobre la pieza llamada: Anciano en pena (En las puertas de la eternidad), hecha por este artista del que se hablaba. Dos meses antes de que Vicente muriera, cuando se es93

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Uno de los artistas más reconocidos a nivel internacional, Vicent Van Gogh, nació en Holanda en el año 1853. Luego de terminar sus estudios y trabajar con su tío comenzó a tener éxito, pero no era suficiente, por lo cual estudió teología. Su familia era religiosa y al recibir esta educación llegó a considerar ser un predicador así como lo era su padre. Fueron varios trabajos los que tuvo, pero ninguno lo satisfacía por completo hasta que descubrió su interés por la pintura. Estudio para perfeccionar su técnica, pero aun así sus pinturas no se vendían hasta que su hermano le mencionó que sus obras tenían que tener más colores vivos. Por lo que tiempo después, adecuó y se dejó influenciar para que su estilo fuera uno más interesante para quien mirara sus obras. Más adelante, al producir alrededor de 900 pinturas y de varias enfermedades, se quitó la vida en 1890. Por supuesto, como muchos artistas, años después de su muerte su trabajo comenzó a tener mucho valor, fue

taba tratando sus enfermedades en el hospital psiquiátrico, se encontró con un anciano veterano de guerra llamado Adrianus Jacobus Zuyderland. Se puede ver al momento de analizar cuidadosamente la pintura, a este hombre sentado en una silla de madera con la cabeza sobre las manos a lado de una chimenea. En términos formales, se pueden ver las pinceladas en distintos tonos de los colores como el verde, azul y amarillos con un delineado obscuro para mostrar esperanza. Se puede decir que mientras estuvo en el hospital y después del incidente que tuvo con su oreja, poco a poco se fue poniendo más grave en su locura. Se puede suponer que para él pintar y dibujar era cada vez más difícil, pero aun así el conjunto de sus pinceladas formaban una increíble obra. Es impresionante como después de tanto tiempo y situaciones por las que pasó Vicente Van Gogh, pudo recordar uno de sus viejos dibujos y convertirlo en una pintura, aquel anciano que probablemente solo estaba esperando que su tiempo llegará. Vicente guardaba el primer dibujo para después perfeccionarlo, tiempo después finalmente utilizando

su técnica del óleo la convirtió en una obra más grande, pero esto le quita su valor a aquel dibujo. Además, sin importar la manera en la que se está representado tiene la misma intención y estado de ánimo. Habrá cosas que la mente de una persona que siga con vida, nunca olvide. Otra enseñanza que este escrito puede brindar es que, cuando uno quiere lograr algo no existe lo imposible ni la opinión de alguien más.

Cansado

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Vanguardias Siglo XX 96

Luigi Russolo venciones como el lanzamiento de los automóviles con su potencia y velocidad. Es aquí una posible razón por la cual se puede ver reflejado y relacionado este ámbito y la música electrónica, que en esos tiempos era conocida por la combinación de ruidos. Además, estaba muy influenciado por la violencia, la guerra y la destrucción de lo cultural. Este tema puede llegar a ser de gran interés, ya que puede ser enfocado a un gusto musical que actualmente se sigue escuchando. Fue un gran inicio a lo que hoy en día se conoce como música electrónica, ¿Quién hubiera pensado que una combinación de ruidos iba a ser una de las artes musicales con un gran impacto? La presencia de la música de Luigi Russolo ha evolucionado y se pudiera decir que ha cambiado radicalmente, debido a que no es algo parecido a lo que se pudiera escuchar en estos momentos. Se ha logrado convertir en un estilo de música que le interese a una gran parte de la sociedad, se 97

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La música electrónica puede ser un tema o un género que se cree que nació desde los años cincuenta o a principios de los años 60, cuando en la realidad no es así. Se dice que la música electrónica viene desde el año 1910, por el pintor, artista y compositor futurista, Luigi Russolo. Nació en Italia en un pequeño pueblo cerca de Venecia, en el año 1885. Después de que su carrera como pintor no tuviera éxito, empezó a sentirse identificado con sus instrumentos y los ruidos que estos hacían, convertirlos en la primera combinación de música electrónica. Por tal motivo, es conocido como el padre de la música electrónica. El movimiento futurista se ubica a partir del siglo XX, principalmente en Italia, debido a que el poeta Marinetti en el año 1909 empieza su búsqueda por una manera de manifestarse hacia todas las artes visuales. Este estilo artístico buscaba retratar el movimiento, dinamismo y romper con lo tradicional, fue de grandes in-

mún. Fue impresionante investigar sobre este tema y el darse cuenta de cosas que algunos dan por hecho. Al leer este escrito se dejará de creer que este estilo de música es del arte moderno del siglo XXI, sino que se sabrá que es un estilo que se ha ido perfeccionando desde los inicios del siglo pasado. Si así fue hace alrededor de 100 años atrás, ¿Cómo será en años que están por pasar? Los compositores han sido capaces de no solo crear ruido, sino de expresar sus sentimientos y sus ideologías a través de nuevas artes. Lo que para unos este tipo de música son solo ruidos, para otros significa más que eso. Que esa forma de expresar sentimientos a través de la música siga continuando y evolucionando sin importar su forma sino manteniendo siempre su valor.

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puede escuchar en las fiestas que se hace con los amigos, en las discotecas e incluso en la rutina de muchas de las personas. Volviendo al artista, además de ser ruidoso buscaba de qué manera podía hacer amplificaciones con grandes megáfonos y se le han ido agregando sonidos de la cotidianidad como de campanas, pájaros, el claxon de algún vehículo, llantos, entre otros que han sido combinados para crear una melodía. Es increíble ver como la evolución del ser humano muestra los cambios o mejoras que se han ido haciendo. Definitivamente el humano en su mayoría, no es conformista, en este escrito se ha dado el claro ejemplo. Así como toda la parte automotriz ha ido evolucionando, la música electrónica ha llegado a ser del agrado de muchos y cada vez más co-

C Conclusiรณn 100

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A través de los años las diferentes culturas han llevado el arte por distintas direcciones, algunas con un sentido religioso y otras con un sentido de modernismo. En este libro se puede ver la evidencia de que con el arte se han mostrado sentimientos tanto de coraje como de alegría, el cuerpo humano, y un sentido de vida aun por las situaciones del momento con las que se estuvieran presentando, es impresionante como esto ha sido plasmado y mostrado desde los colores que se utilizaban. Al realizar esta investigación, se presenta una oportunidad de ampliar un panorama y ver el presente con una perspectiva distinta. Algo es seguro, se puede saber que sucedió en el pasado y con la facilidad que se tiene hoy en día de indagar por la red. No se sabe que sucederá en el futuro o después de la muerte, pero un consejo es, está en uno continuar con la explicación de lo que será para otros su presente. Se espera que al terminar de leer este libro, haya surgido una invitación por seguir la investigación y que uno se haya podido identificar con alguno de los artistas.

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