Festival Internacional de Música 2018

UN FESTIVAl

de estética contemporánea en una zona profundamente rural y tradicional. No pienso que sean polos opuestos. Más bien pienso que necesitan de un medio para coexistir. Eso es lo que intentamos brindar en Luque; la quintaesencia de este festival. Mi nombre es Antonio Jiménez Marín y soy el fundador y director artístico del Festival Internacional Multidisciplinar de Luque – FIML. Un año más, nuestro pueblo acoge la Bienal de la Música, que este julio cumple su tercera edición.

En 2018, un comité artístico asociado formado por Jorge Sánchez-Chiong, Helga Arias y Sylvia Nopper recibió el encargo de diseñar las programaciones para los distintos eventos y nuevos formatos de conciertos del festival.

Todos los proyectos han sido concebidos presentando una contaminación de géneros como su leitmotiv: la contaminación como alteración de la forma, de la pureza y de las condiciones por la influencia de la diversidad de género, tanto en su significado artístico como biológico y formal. Encargos a los compositores Jorge Sánchez-Chiong y Helga Arias, grandes solistas como la estelar pianista Isabel Pérez Dobarro, el percusionista brasileño Zacarias Maia y la soprano alemana Sylvia Nopper, el Ensemble Contemporáneo de la Bienal de Luque, entre otros, son el eje sobre el que se vertebra esta nueva edición.

Pero la Bienal no es solo una mera semana de conciertos. Cursos de formación, intercambio cultural con músicos de diferentes nacionalidades, actividades paralelas de participación e inclusión social abiertas a todo tipo de público (músico y no músico)

como por ejemplo los talleres: “género batucada”, “género improvisación” y “género expresión corporal”. Conferencias en composición, multidisciplinariedad, y arte y sostenibilidad. Todo ello contribuye a que Luque sea un encuentro veraniego de mentes curiosas único en toda España.

El festival ha llegado a un punto clave de su existencia con una identidad bien definida. Desde la dirección del festival, agradecer el apoyo unánime de los artistas internacionales que han pasado por Luque y los que pasarán en este año 2018, quienes nos están ayudando a cambiar la visión de nuestra propia cultura. Y es que es esencial conocer estas visiones para estar de acuerdo con el presente en el que vivimos.

Solo me queda animaros a disfrutar de toda la música que os ofrezca la vida y por supuesto…, de los eventos programados en la III Bienal del FIML.

Antonio Jiménez Marín Director Artístico

“La experiencia sonora que yo prefiero sobre todas las otras es la experiencia del silencio�

JOHN CAGE (1912-1992) Compositor americano

FIML 2018 SOMOS Antonio Jiménez Marín, Dirección Rosa San Martín, Ayuda de Dirección Eduardo Jiménez Marín, Dirección Técnica Sonido Mimi Nicholson, Contenido en Inglés Pedro López, Protocolo y Coord. de Artistas Maria Sharan, RRPP, Comunicación y Marketing Daniel Barrios Jurado, Comunicación y Marketing

COMITÉ ARTÍSTICO Antonio Jiménez Marín Jorge Sánchez-Chiong Helga Arias Parra Sylvia Nopper

A FESTIVAL

of contemporary aesthetics in a profoundly rural and traditional area. They are not poles apart. I rather think they need a medium to coexist. This is what we try to offer in Luque - the quintessence of this festival. My name is Antonio Jiménez Marín and I am a founder member and artistic director of Festival Internacional Multidisciplinar de Luque - FIML. Once again, our town welcomes the Bienal for Music, celebrating its third edition. In 2018, an associated artistic committee formed by Jorge SánchezChiong, Helga Arias and Sylvia Nopper was asked to design the programmes for the different events and new formats of the festival concerts.

All the projects have been conceived with the theme “gender contamination” as its leitmotiv: contamination as an alteration of the shape, purity and the conditions due the influence of genre diversity, both in its artistic, biologic and formal meanings.

Commissions to composers Jorge Sánchez-Chiong and Helga Arias, great soloists such as the stellar pianist Isabel Pérez Dobarro, the Brazilian percussionist Zacarias Maia and the German soprano Sylvia Nopper, the new music group Ensemble Contemporáneo de la Bienal de Luque, among others, will form the axis on which this new edition vertebrates.

But Luque Bienal is not a mere week of concerts.

Formation workshops, cultural exchanges, parallel workshops of social inclusion open to all kind of

publics (musicians and non-musicians)as for instance: “batucada genre”, “improvisation genre”, “art with Mimi” and “corporal expression genre”. Conferences in composition, multidisciplinarity, and arts sustainability. It helps Luque to be a summer meeting for open-minded people unique in Spain.

The festival has arrived to a key point of its existence with a well defined identity. From the direction of the festival, we want to thank all the international artists that have come to Luque in the past as well as the new ones that will come in 2018, who are helping us to change the vision of our own culture. It is essential to know these visions to find agreement with the present in which we are living in.

Last thing I have to say is to encourage you all to enjoy the music that life gives you, and of course…, the events from our III Bienal FIMLuque.

Antonio Jiménez Marín Artistic Director

“The sound experience which I prefer to all others is the experience of silence �

JOHN CAGE (1912-1992) American composer

FIML 2018 staff Antonio Jiménez Marín, Direction Rosa San Martín, Direction assistant Eduardo Jiménez Marín, Sound Direction Mimi Nicholson, Content in English Pedro López, Protocol and Artists development Maria Sharan, Communication and Marketing Daniel Barrios Jurado, Comm. and Marketing

ARTISTIC COMMITTEE Antonio Jiménez Marín Jorge Sánchez-Chiong Helga Arias Parra Sylvia Nopper

ACTIVIDADES PARALELAS FIMLUQUE 2018 MESA REDONDA “CONTAMINACIÓN DE GÉNEROS” TEATRO CINE CARRERA MIÉRCOLES 25 DE JULIO : 20H00 A cargo de Helga Arias y Jorge Sánchez-Chiong.

Moderador: Antonio Jiménez

CONFERENCIA “ARTES Y SOSTENIBILIDAD” TEATRO CINE CARRERA JUEVES 26 DE JULIO : 20H00 A cargo de Isabel Pérez, pianista y abogada. Directora de la iniciativa de la ONU SDSN – “Youth Arts Twenty Thirty”.

TALLER “GÉNERO BATUCADA” TEATRO CINE CARRERA 23 Y 24 DE JULIO : 10H00 A cargo del percusionista Zacarías Maia.

TALLER “GÉNERO IMPROVISACIÓN VOZ” TEATRO CINE CARRERA 23 Y 24 DE JULIO : 12H00 A cargo de la cantante Sylvia Nopper.

TALLER “GÉNERO IMPROVISACIÓN SAXO” TEATRO CINE CARRERA 26 AL 28 DE JULIO : 10H30 A cargo del saxofonista Marc Vilanova.

TALLER “GÉNERO EXPRESIÓN CORPORAL” TEATRO CINE CARRERA 25 AL 28 DE JULIO : 9H00 A cargo de la bailarina y coreógrafa Patricia Grau.

TALLER “ARTE CON MIMI” LOCAL BANDA MUNICIPAL (Mié/Jue/Vie) 18 AL 21 DE JULIO : 18H00 CASA DE LA CULTURA (Vie/Sáb) 20 AL 21 DE JULIO : 11H00 Este creativo taller abierto a todos los públicos reúne las principales características por las que el FIML aboga: multidisciplinariedad, intercambio cultural y arte de nueva creación.

Originalmente músico de vocación, la profesora británica de arte Mimi Nicholson impartirá cursos de inglés práctico enfocado a la interpretación musical y arte escénico a todos los asistentes, así como inglés asociado a situaciones de la vida cotidiana.

El taller se completará con clases de arte en la Casa de la Cultura.

Biografía Mimi Nicholson (1993, Manchester - Reino Unido).

Su primera incursión en la expresión artística fue al aprender a tocar un instrumento de metal a los ocho años. Estudió trombón en el Real Conservatorio de Escocia antes de estudiar Bellas Artes en la Universidad de Brighton. En el año final de carrera estuvo involucrada como directora artística en un musical muy exitoso.

Con exhibiciones pasadas en “The Brighton” y “Hove Museum and Art Gallery”, así como shows en la Universidad de Brighton, Mimi tiene algunas de sus pinturas en la exposición permanente en la galería de Brighton “The Dynamite Gallery”. Desde que se graduó de la universidad, Mimi se mudó a un estudio en Suffolk donde crea sus obras de arte.

PARALLEL ACTIVITIES FIMLUQUE 2018 ROUND TABLE “GENRE CONTAMINATION” CINE CARRERA WEDNESDAY 25TH JULY : 20H00

By Helga Arias and Jorge Sánchez-Chiong.

Moderator: Antonio Jiménez.

CONFERENCE “ ARTS AND SUSTAINABILITY” TEATRO CINE CARRERA THURSDAY 26TH JULY : 20H00

By Isabel López Dobarro, pianist and lawyer.

Leader of the UN project SDSN – “Youth Arts Twenty Thirty”.

WORKSHOP “GENRE BATUCADA” TEATRO CINE CARRERA 23TH AND 24TH JULY : 10H00 By percussionist Zacarías Maia.

WORKSHOP “GENRE IMPROVISATION VOICE” TEATRO CINE CARRERA 23TH AND 24TH JULY : 12H00 By singer Sylvia Nopper.

WORKSHOP “GENRE IMPROVISATION SAX” TEATRO CINE CARRERA 26TH TO 28TH JULY : 10H30 By saxophonist Marc Vilanova.

WORKSHOP “GENRE CORPORAL EXPRESSION” TEATRO CINE CARRERA 25TH TO 28TH JULY : 9H00 By choreographer and dancer Patricia Grau.

WORKSHOP “ART WITH MIMI” LOCAL BANDA MUNICIPAL (Wed/Thu/Fri) 18TH/21ST JULY: 18H00 CASA DE LA CULTURA (Fri/Sat) 20TH/21ST JULY: 11H00 Originally a musician, Mimi Nicholson finds solace in sound. However, when a sound isn’t enough for her to express herself, painting takes over, and renders an equivalent visual language. For her, painting is an act of translation, and, to be able to create a visual note or a visual poetry has played a vital role in the work. Through an engagement with the process, her paintings are at root; a fusion of her imagination, memory of direct experience, a sense of place, aesthetic ideas around Hegel and the connection to the inner spirit through materiality of the paint.

“For me, painting in itself is a metaphorical journey through an internal and external landscape which is, disorientating, painful, disturbing, emotional, and entirely subjective. Saying this it is also the ultimate joyous experience.”

(1993, Manchester) Mimi Nicholson’s first foray into expression through the arts, was learning to play brass from the age of eight. She studied trombone at the Royal Conservatoire of Scotland before taking a degree in Fine Art Painting at Brighton University. Her final year, involved working on a highly successful musical as the Creative Director. With past exhibitions at The Brighton and Hove Museum and Art Gallery, as well as shows at the University of Brighton, Mimi currently has paintings at The Dynamite Gallery, Brighton. Since graduating from University, Mimi has taken up a studio in Suffolk where she creates her works of art.

CONCIERTO DE INAUGURACIÓN TEATRO AL AIRE LIBRE LUNES 23 DE JULIO : 21H00

K´ATAKA Balkan Paradise Orchestra en concierto K’ATAKA es un recopilatorio de todo aquello que define y ha formado parte de Balkan Paradise Orchestra desde el nacimiento de este proyecto. La raíz popular, los diferentes géneros musicales con los que han crecido y el descubrimiento de nuevas músicas y sonoridades se disuelven en este directo, una fusión sincera y orgánica de todo lo que quieren compartir en los escenarios, plazas, calles y rincones donde pueda llegar su música.

Balkan Paradise Orchestra. Desde que inició su camino a principios de 2015 en la ciudad de Barcelona, Balkan Paradise Orchestra ha ido confirmando, actuación tras actuación su papel como formación inusual y rompedora.

Integrada por diez instrumentistas de viento y percusión, la BPO ( como ya se conoce también al grupo) ha aportado un aire fresco y alegre al panorama de las fanfarrias de nuestro país.

Con formaciones, experiencias e influencias diversas pero compartiendo la pasión por la tradición balcánica, estas diez mujeres transforman el género en un auténtico elixir de melodías tradicionales con ritmos de todo el mundo, ofreciendo un espectáculo cargado de energía que funciona tanto en escenario como en la calle. Con una sorprendente capacidad para generar empatía con el público, la BPO trae alegría, fiesta y ganas de bailar a cada rincón del mundo.

Componentes de la orquesta: Eva Garín, clarinete Laura Lacueva, clarinete Mila González, trompeta Berta Gala, trompeta Alba Careta, trompeta Alba Ramírez, trompa María Cofan, trombón Maria Puertas, tuba Oliva Casas, tuba Elisenda Fábregas, percusión Núria Perich, batería

INAUGURAL CONCERT TEATRO AL AIRE LIBRE MONDAY 23RD JULY : 21H00

K´ATAKA Balkan Paradise Orchestra in concert K’ATAKA is a compilation of all that defines and has been part of Balkan Paradise Orchestra since this project was born.

The popular roots, the different styles the band has grown up with and the discovery of new music and sonority, all inspire this first live-concert, which is a sincere and organic fusion of all that they want to share on stage, squares, streets and corners of the world where their music can arrive.

Balkan Paradise Orchestra. Since they started, at the beginning of 2015 in Barcelona city, Balkan Paradise Orchestra has shown, performance by performance, their potential as an unusual and groundbreaking project.

Made up of ten wind and percussion players, the BPO (also known with this name) has brought cheer and fresh energy to the fanfare panorama of our country.

With a range of training backgrounds, experiences and influences, but inevitably connected with the Balkan tradition of the wind orchestras, these ten women transform this musical genre into an authentic elixir of traditional melodies with rhythms of the entire world. They offer a show that works both on stage and in the streets, with a surprising capacity to generate empathy with the public and always bring joy, celebration and desire of dancing in every corner of the world.

Orchestra members: Eva Garín, clarinet Laura Lacueva, clarinet Mila González, trumpet Berta Gala, trumpet Alba Careta, trumpet Alba Ramírez, french horn María Cofan, trombone Maria Puertas, tuba Oliva Casas, tuba Elisenda Fábregas, percussion Núria Perich, drum kit

LOS MARTES EN LA CRUZ CON ZACARIAS MAIA CAMPO DE FÚTBOL SALA DE LUQUE MARTES 24 DE JULIO : 21H00

Iannis Xenakis (1922-2001) Rebonds b (1988) Solo para percusión Dieter Schnebel (1930-2018) Poem für einen Springer (1989) Poema para un saltarín Francisco Abreu (1978*)y Carlos Tort (1976*) Traduzimu (2006) Dúo Percusión Performance final del taller “Género Batucada”

Rebonds es una de las obras más importantes del repertorio para percusión. Rebonds tuvo su estreno el 1 de julio de 1988 en Roma, con la misma persona a quien fue dedicada, Sylvio Gualda. La obra es un inmenso ritual abstracto que consta de una serie de movimientos y golpeos, pura música de ritmos en aumento. Organizada en dos piezas de longitud desigual que pueden ser tocadas A y luego B, o B y luego A, el trabajo va en búsqueda de la exploración del pulso como ya lo hace en otras de sus grandes piezas el compositor. Rebonds es un trabajo provisto de dimensiones dramáticas y demanda una gran técnica y experiencia al intérprete.

“Poema para un saltarín” es una escena de la obra “Sign Language” (1987/89), la cual es una colección de diferentes escenas llamadas “Música para gestos y voz”. Cada una de estas escenas tiene un tema específico que puede ser asociado con imágenes y sonidos. Schnebel se centra en estos dos elementos y los pone juntos en una escena performativa, para solista o varios intérpretes. Acciones visibles y elementos acústicos están escritos en la partitura con precisión. También están dados los gestos y partes del cuerpo, así como algunas exclamaciones, por ejemplo: “sonidos respiratorios excesivamente fuertes”.

Traduzimu, por los compositores brasileños Francisco Abreu y Carlos Tort, es una obra para dos pandeiros basada en el poema “Traduzir-se” de Ferreira Gullar. Cada sílaba del poema se corresponde en unidad del tiempo con la música. Después de la presentación del tema, se exponen cuatro variaciones: “Canônico Samba, Da Música de Câmara, Construcão y Tema”. Todas estas variaciones disponen de distinto carácter y la pieza culmina en la reexposición final. Los músicos también tienen dos bombos distintos tocados con sus pies: un Kick drum y una lata de metal.

Biografías Zacarias Maia Da Silva (1993, Limoeiro do Norte - CE - Brazil). Percusión solista con una vasta experiencia profesional que va desde música de cámara a la improvisación, además de música tradicional y popular. Centrado en el repertorio de los siglos XX y XXI, ha actuado en países como Brasil, Portugal, Alemania, Italia, Austria, Suiza y Francia. Zacarias Maia tiene titulación por la Universidad de São Paulo y Máster en Interpretación por la Escuela Superior de Música de Basilea bajo la supervisión del famoso percusionista Christian Dierstein.

Antoine Brocherioux (1992, Tours - Francia). Antoine hizo sus estudios de percusión en Tours con Jean-Baptiste Couturier.

En 2013, después de acabar sus estudios en musicología, se traslada al PSPBB de París obteniendo el diploma de percusión con Christophe Bredeloup. En 2016 obtiene un puesto en la Escuela Superior de Música de Basilea para estudiar el Máster en Interpretación con Christian Dierstein y en el CNSMD de París para hacer el Máster en Pedagogía con Jean Geoffroy. Algunas de sus experiencias musicales que resaltar son: Lucerne Festival Academy, Ensemble Intercontemporain,Orchestre Philharmonique de Radio France y la Joven Orquesta de Europa Hector Berlioz; desde 2017, comparte escenarios con Zacarias Maia en el grupo Girr Duo. Género Batucada Género Batucada es uno de los talleres de participación e inclusión social propuestos por el festival.

Una actividad abierta al público donde se experimentan los sonidos populares percusivos de Brasil, liderados por el percusionista brasileño Zaca Maia.

TUESDAYS AT CROSS STREET WITH ZACARIAS MAIA CAMPO DE FÚTBOL SALA DE LUQUE TUESDAY 24TH JULY : 21H00

Iannis Xenakis (1922-2001) Rebonds b (1988) Solo para percusión Dieter Schnebel (1930-2018) Poem für einen Springer (1989) Poema para un saltarín Francisco Abreu (1978*)y Carlos Tort (1976*) Traduzimu (2006) Dúo Percussion set Final performance of workshop “Género Batucada”

Rebonds is one of the most important pieces of the percussion repertoire. Rebonds was premiered on July 1st, 1988 in Rome by its dedicatee, Sylvio Gualda, and it is an immense abstract ritual. It is a series of movements and hammerings, pure music of increased rhythms. Organized in two pieces of unequal length that can be played A then B or B then A, the work pursues the exploration of the beat as seen in another big works of the composer.

Rebonds is a work devoid of dramatic dimension and demands a good technique and a vast experience from the performer.

“Poem for 1 Springer” is a scene from the work “Sign Language” (1987/89), which is a collection of different scenes named “Music for gestures and voice”. Each of these scenes has a specific theme that can be associated with images and sounds. Schnebel focuses on these two elements and composes them together into a performable scene, partly as solo pieces or for several performers. Visible actions and acoustic elements are specifically written in the score. Gestures and body parts are also given, as well as possible exclamations, or, for example, excessively loud breath sounds.

Traduzimu, by the Brazilian composers Francisco Abreu and Carlos Tort, is a piece for two pandeiros based in the poem “Traduzir-se” by Ferreira Gullar.

Each syllable of the poem corresponds to a tempo unity in the music. After the presentation of the Theme, four variations are exposed: Canônico Samba, Da Música de Câmara, Construcão and Tema. All these variations have different characters and the piece culminate in a re-exposition at the end.

The players also have two different drums to be played with their feet: one Kick drum and a metal tin.

Biographies Zacarias Maia Da Silva (1992, Limoeiro do Norte - CE - Brasil). Zacarias Maia, solo percussionist with vast professional experience from chamber music to improvisation, popular and traditional music. Focused on the repertoire of the 20th and 21st centuries, he has already performed in countries such as Brazil, Portugal, Germany, Italy, Austria, Switzerland and France.

Zacarias Maia holds a Bachelor’s Degree from the São Paulo State University and a Master’s Degree in performance with minor contemporary music from the Basel Musikhochschule by guidance of the renowned percussionist Christian Dierstein.

Antoine Brocherioux (1992, Tours - France). Antoine Brocherioux did his percussion studies in Tours with Jean-Baptiste Couturier. In 2013, after finishing his Bachelor in Musicology and his music graduation, he moved to the PSPBB (Paris) for his percussion Bachelor Diploma with Christophe Bredeloup. In 2016, he was awarded a place at the Musikhochschule Basel with Christian Dierstein for a Master Performance and in CNSMD of Paris in Master pedagogy with Jean Geoffroy. In his experience in music, he has had the opportunity to perform with the Lucerne Festival Academy, the Ensemble Intercontemporain, the Orchestre Philharmonique de Radio France and the European Youth Orchestra Hector Berlioz; since 2017, he also shares the scene with Zacarias Maia Da Silva with the group Girr Duo. Workshop: Género Batucada A workshop open to the public and aiming to include a wider audience. Here is an activity where participants can experiment with these popular rhythms of Brazil. This workshop is led by Brazilian percussionist Zaca Maia.

ENCUENTRO CON HELGA ARIAS TEATRO CINE CARRERA LUQUE MIÉRCOLES 25 DE JULIO : 21H00

Helga Arias Parra (1984*) Nuevo estreno (Encargo del FIMLuque, 2018) Para trombón y electrónica Helga Arias Parra

Astraglossa (2016) Para piano y electrónica

Astraglossa or First Steps in Celestial Syntax es el título de un ensayo del matemático británico Lancelot Hogben en el que se sientan las bases para un posible sistema de comunicación interestelar.

Hogben asume que los números son el lenguaje más universal y por tanto el único modo de establecer un sistema de comunicación entre humanos y extraterrestres, traduciendo algoritmos numéricos a ondas de radio. En esta adaptación musical, dos ingenieros aeroespaciales ponen en práctica las teorías de Hogben, creando un paisaje sonoro cambiante e impredecible y adentrándose en espacios cósmicos para contactar con los supuestos alienígenas.

Biografías Antonio Jiménez Marín (1989, Luque - ESP). Un aventurero e inquisitivo espíritu trombonista le rinden cuentas como el intérprete ideal de New Music, alguien que empieza a contar por decenas los estrenos de obras que le dedicaron. Un activo músico freelance que colabora con grandes figuras como Heinz Holliger, Sylvain Cambreling o Matthias Pintscher, en un rango de ensembles que va desde BBC SSO y el Klangforum vienés hasta Collegium Novum Zürich y Ensemble Modern.

Isabel Pérez Dobarro (1992, Santiago de Compostela - ESP). Desarrolla su carrera concertística en los Estados Unidos, España, Rusia, Bélgica, Italia y Portugal, en salas como Carnegie Hall, Lincoln Center, el DiMenna Center, Steinway Hall, Sala Rachmaninov del Conservatorio Tchaikovsky (Moscú), entre otros. Ha sido galardonada en numerosos concursos internacionales tales como el Grand Prize International Competition y el American Protegé International Piano Competition. Realiza numerosos proyectos de promoción de la música contemporánea: UN SDSN-Youth Arts Twenty Thirty, Women in Music-Mujeres en Música, así como recitales de música actual española y americana.

Helga Arias Parra (Bilbao -ESP). Comienza sus estudios de composición en el RCSM de Granada, ampliando su formación en Milán y Parma con Javier Torres Maldonado. Más tarde continúa sus estudios en música electrónica en la Universität für Musik und darstellende Kunst de Viena con el compositor austríaco Karlheinz Essl y de postgrado en composición en la Kunstuniversität Graz con Beat Furrer.

Algunos de los premios recibidos incluyen el 1er Premio en la Categoría de Orquesta de Cámara del RCSM Victoria Eugenia de Granada, Premio FIDAPA Concorso Internazionale Città di Udine (Italia), Shut up and listen!,Viena 1er Premio en la categoría instrumento solo y electrónica, Wittener Tage für neue Kammermusik Competition (Witten, Alemania), la mención honorífica en el Premio de Composición Musical Colegio de España – INAEM 2016 o el segundo premio en el concurso internacional del ACC (Asian Culture Center) de Corea del Sur.

Sus obras han sido interpretadas en distintos países de Europa, América y Asia; ISCM World Music Days en Tongyeong (Corea del Sur ), Centre Pompidou de Paris, Donaueschinger Musiktage (Next Generation), DRK Singapore, CMC Toronto, Konzerthaus de Berlín, Festival Mixtur de Barcelona, Atlantic Music Festival de Maine, USA, Foro Internacional de Musica Nueva (México), Domaine Forget (Nouvelle Ensemble Modern) Canadá, Casa del Suono di Parma (Italia), Etchings Festival (Francia), Echoraum Vienna, Experimentalstudio Academy de la SWR, Friburgo, 3rd International Forum for Young Composers (Sond’ar-te, Electrinc Ensemble) en Cascais, Portugal, Wittener Tage für neue Kammermusik (Alemania) o Sonutopias 2014 (Santiago de Compostela) por ensembles como el Ensemble Intercontemporain, Ensemble SurPlus, International Ensemble Modern Academy (IEMA), Vertixe Sonora, Nouvelle Ensemble Moderne, ECCE ensemble, Taller Sonoro, Sond’arte electric ensemble, Ensemble Cepromusic, Ensemble Progress Berlin entre otros.

Actualmente reside en Suiza, donde compagina la composición con la labor docente.

MEETING COMPOSER HELGA ARIAS TEATRO CINE CARRERA LUQUE WEDNESDAY 25TH JULY : 21H00

Helga Arias Parra (1984*) New première (2018 FIMLuque Commission) For trombone and electronics Helga Arias Parra Astraglossa (2016) For piano and electronics

ASTRAGLOSSA or FIRST STEPS IN CELESTIAL SYNTAX. In 1952, the British mathematician Lancelot Hogben, gave a lecture to the British Interplanetary Society, explaining the details of an early radioglyph scheme for interstellar communication. This lecture, entitled “Astraglossa” or “first steps in celestial syntax”, was later developed by the author in a book of essays about various scientific topics.

Hogben suggested that numbers be represented as ordinary pulses (e.g. five pulses for the number five) and mathematical concepts, such as “plus”,”minus” or “equal” each by a distinctive signal – a radioglyph. Assuming that numbers are the most universal languages, he considered this method as the only way to find common understanding between humans and extra-terrestrials.

In this musical adaptation, two aerospace engineers try to put Hogben’s theories in practice in order to establish communication with alleged extra-terrestrial beings.

Whether they will succeed and the unexpected responses they may get, remains to be seen.

Biographies Antonio Jiménez Marín (1989, Luque - Spain) The trombonist´s inquisitive and adventurous spirit renders him an ideal interpreter of New Music. Most of the more than fifty works premiered by Antonio were written for him. He performs around the word with renowned conductors such as Holliger, Cambreling and Pintscher and ensembles ranging from BBC SSO and Klangforum Wien to the Collegium Novum Zürich and the Ensemble Modern.

Isabel Pérez Dobarro (1992, Santiago de Compostela - Spain) Isabel Pérez Dobarro has performed in the US, Spain, Belgium, Russia, Italy, and Portugal in venues such as Carnegie Hall, Lincoln Center, DiMenna Center, Steinway Hall and the Rachmaninov Hall at the Tchaikovsky Conservatory Moscow, among others. She has been a prizewinner in numerous international competitions including the Grande Prize International Competition and the American Protegé International Piano Competition. Among her many projects to promote contemporary music are SDSN-Youth Arts Twenty Thirty: Arts and Sustainability, Women in Music, as well as recitals and concerts of contemporary Spanish and American music worldwide.

Helga Arias Parra (Bilbao, Spain) Helga studied composition with Mario Garuti (Conservatorio G.Verdi Milan) and Beat Furrer (Kuntsuniversität Graz) and computer music with Javier Torres Maldonado (Conservatorio A. Boito Parma), Karlheinz Essl and Johannes Kretz (Universität für Musik und darstellende Kunst Wien).

Besides, she has received individual lessons from

other composers such as Michael Jarrell, Kaija Saariaho, J.B. Barrière, Georg Friedrich Haas, Pierluigi Billone, Isabel Mundry, Mark André, Toshio Hosokawa or Alberto Posadas among others and participated in masterclasses with Helmuth Lachenmann, Wolfgang Rihm, Philippe Manoury, José María Sánchez Verdú, Trevor Wishart or Daniel Teruggi.

She has been awarded in the international contest “Città di Udine”, the RCSM Victoria Eugenia de Granada contest for Symphonic Orchestra, the shut up and listen! Electroacustic festival in Vienna,Wittener Tage für neue Kammermusik Competition 2014, the honorary prize of the Colegio de España en Paris – INAEM 2016 and the 2nd prize at the ACC International Composer’s Competition (South Korea).

Her music has been performed in several festivals and music halls such as the Donaueschinger Musiktage (Next Generation), Manifeste Paris, Wittener Tage für neue Kammermusik, EMUFESTRome, Klangwerkstatt Berlin, Festival Mixtur in Barcelona, Atlantic Music Festival in Maine, USA, Foro Internacional de Musica Nueva (Mexico), Domaine Forget (Canada), Casa del Suonoin Parma (Italy), Etchings Festival (France), Echoraum Vienna, Experimentalstudio Academy of the SWR Freiburg, 3rd Forum for Young Composers in Cascais (Portugal), Sonutopias 2014 (Santiago de compostela, Spain or ZKM Karlsruhe (Germany) by ensembles such as Ensemble Inercontemporain, Ensemble SurPlus, International Ensemble Modern Academy (IEMA), The Riot Ensemble, Vertixe Sonora, Nouvelle Ensemble Moderne, ECCE ensemble, Taller Sonoro, Sond’arte electric ensemble, Ensemble Cepromusic, Ensemble Progress Berlin among others.

Her music strives to establish relations between acoustic and electronic resonance as well as to explore the microscopical variations of the sound phenomena.

GIRR DUO

TEATRO CINE CARRERA LUQUE MIÉRCOLES 25 DE JULIO : 21H30

Thierry de Mey (1956*) Silence Must Be (2002) Para director solista Alexandre Lunsqui (1969*) Materiali (2013) Dúo de percusión Carola Bauckholt (1959*) Polizeitrieb (1985) Para dos percusionistas Francisco Abreu (1978*) y Carlos Tort (1976*) Traduzimu (2006) Para dos panderos eorges Aperghis (1945*) Retrouvailles (2013) Para dos intérpretes

Silence Must Be. Thierry De Mey es compositor y director de cine. Un instintivo sentido del movimiento lo guiará en toda su obra, permitiéndole abordar e integrar varias disciplinas. La premisa detrás de su trabajo es el deseo de experimentar el ritmo en el cuerpo o cuerpos, revelando el significado musical del autor, intérprete y público. En esta pieza para director solista, De Mey persigue la investigación del movimiento en el corazón de la “realidad” de la música. El director se gira al público, toma el pulso de su propio latido del corazón, y procede a través de polirritmias complejas: 3/5, 5/8, acercándose a la sección dorada, traza el contorno de la música que es silencio.

El universo de sonidos presentados en Materiali de Alexandre Lunsqui se crea mediante la interlocución entre los dos percusionistas tocando algunos objetos de la vida cotidiana. Todos estos objetos, como las botellas de plástico, superficies de madera, parrilla de metal, bolsas de plástico, piedras, bolas de golf y demás, están situados en una mesa y se tocan con palillos de madera y metal.

Estos colores de sonidos se encuentran organizados de una manera muy sensible y pura por el compositor, creando una pieza única.

Polizeitrieb für zwei schlagzeuger es la obra más antigua del programa y también la única escrita en el pasado siglo. Esta especial obra de la compositora alemana Carola Bauckholt presenta una notación tradicional pero también tiene mucho que ver con los gestos y el movimiento. Los dos músicos tienen que tocar una gran cantidad de periódicos con “raquetas matamosquitos”. Gran parte de la pieza tiene ritmos en unísono que la dotan de una energía muy poderosa.

Traduzimu, por los compositores brasileños Francisco Abreu y Carlos Tort, es una obra para dos pandeiros basada en el poema “Traduzir-se” de Ferreira Gullar. Cada sílaba del poema se corresponde en unidad del tiempo con la música. Después de la presentación del tema, se exponen cuatro variaciones: “Canônico Samba, Da Música de Câmara, Construcão y Tema”. Todas estas variaciones disponen de distinto carácter y la pieza culmina en la reexposición final. Los músicos también tienen dos bombos distintos tocados con sus pies: un Kick drum y una lata de metal.

El compositor griego Georges Aperghis, considerado uno de las figuras más importantes de nuestro tiempo, trabaja principalmente en el campo del teatro musical experimental pero también tiene compuestas una gran cantidad de obras de música de cámara noprogramáticas.

Sobre su pieza Retrouvailles, el dice: “2 hombres coinciden, vemos que ellos ya se conocían de antes.

Fragmentos de gestos cotidianos (palmadas en la espalda, estrechar la mano, beber recordando viejas memorias, etc). Sílabas y fonemas musicales inteligibles para ellos pero no para el público. Esta pequeña performance es una construcción de situaciones que parecen reales pero que pierden su realidad porque la voz va procesando y cortando los gestos”.

G. A. - 2013.

Biografía. Girr Duo es un dúo de percusionistas residente en Basel, formado por Brocherioux y Maia.

Dedicados a descubrir nuevas formas de expresión y del sonido, Girr Duo se centra en el Teatro Musical, la Nueva Música y la investigación de sonidos. El dúo trabaja estrechamente con compositores actuales y desarrolla sus propias ideas con el propósito de crear nuevas experiencias y sensaciones para el público. Después de obtener en 2018 el Premio Jeune Talent en París, la próxima temporada realizará una serie de conciertos en París, así como en el Festival para la Nueva Música de Darmstadt y el Festival Klang Basel.

GIRR DUO

CINE CARRERA WEDNESDAY 25TH JULY : 21H30

Thierry de Mey (1956*) Silence Must Be (2002) Solo for conductor Alexandre Lunsqui (1969*) Materiali (2013) Percussion duo Carola Bauckholt (1959*) Polizeitrieb (1985) For two percussionists Francisco Abreu (1978*) y Carlos Tort (1976*) Traduzimu (2006) For two pandeiros Georges Aperghis (1945*) Retrouvailles (2013) For two performers

Silence Must Be. Thierry De Mey is a composer and filmmaker. An instinctive feel for movement guides his entire work, allowing him to tackle and integrate a variety of disciplines. The premise behind his work is the desire for rhythm to be experienced in the body or bodies, revealing the musical meaning for the author, performer and audience.

In this piece for solo conductor, he pursues his investigation of movement at the heart of the “fact” of music. The conductor turns to face the audience, uses the beating of his own heart as the beat, and proceeds through a series of ever more complex polyrhythms: 3/5, 5/8, approaching the golden section, he outlines the contours of a music that is silent.

The universe of sounds presented in Materiali by Alexandre Lunsqui is created by the interlocking of the two percussionists playing some objects of daily life. All these objects, like plastic bottles, wood surfaces, metal grill, plastic bags, stones, golf bools and others, are placed in a single table and are played with chopsticks made by wood and metal.

All these colors of sounds are organized in a really sensitive and pure way by Alexandre Lunsqui, creating a quite unique piece.

Polizeitrieb für zwei schlagzeuger is the oldest piece of the program and also the only one written in the last century. This special work by the German composer Carola Bauckholt was written with traditional notation but has also a lot to do with gestures and movements. The two players have to play a large amount of newspapers with “Plastic Mosquitoes Racquet”. A long part of the piece has Rhythms in Unison and this gives a strong and powerful energy for the work.

Traduzimu, by the Brazilian composers Francisco Abreu and Carlos Tort, is a piece for two pandeiros based in the poem “Traduzir-se” by Ferreira Gullar.

Each syllable of the poem corresponds to a tempo unity in the music. After the presentation of the Theme, four variations are exposed: Canônico Samba, Da Música de Câmara, Construcão and Tema. All these variations have different characters and the piece culminates in a re-exposition at the end.

The players also have two different drums to be played with their feet: one Kick drum and a metal tin.

Retrouvailles. Georges Aperghis, one of the most important composers of our time, is a Greek composer working primarily in the field of experimental musical theater but has also composed a large amount of non-programmatic chamber music.

About his piece ‘Retrouvailles’, he says:”2 men meet, We see they already know each other. Fragments of the everyday life gesture (to bang in the back, to shake hands, to drink in the name of common memories, etc). Syllables and musical phonemes are intelligible for them but not for the audience.

This short performance is a construction of situations that seem real but which lose their reality because of voice processing and cutting gesture”.

G.A - 2013 Biographie.

The girr duo is a Basel-based percussion duo formed

by Antoine Brocherioux and Zacarias Maia.

Dedicated to discover new ways of expression and sound, the girr duo is focused on Music Theater, New Music and research of sounds. The duo have close relations with composers and create their own ideas to bring new experiences and sensations to the audience. After winning the Jeunne Talent prizes in Paris 2018, for the next season, the girr duo has a series of concerts in Paris, is going to Darmstadt New Musik Festival 2018 and Klang Basel 2018.

MUJERES EN LA MÚSICA CINE CARRERA JUEVES 26 DE JULIO : 21H00

Consuelo Díez (1958*) Sein und Zeit (1996) Música para piano Graciela Jiménez (1965*) Tres piezas para piano (2012) Para piano Teresa Catalán (1951*) La danza del gozo vermell (2013)

Piano solo Rosa María Rodríguez Hernández(1963*) Citara (2015) Piano solo Marga Richter (1926) Soliloquy for piano (2010) Piano solo Ana Isabel Vázquez Silva (1970*) Historia de un amor sin respuesta y la muerte que acecha (2017) Piano solo Mercedes Zavala (1963*) Sansueña (2016) Piano solo

Isabel Pérez Dobarro (1992, Santiago de Compostela - ESP). Desarrolla su carrera concertística en los Estados Unidos, España, Rusia, Bélgica, Italia y Portugal, en salas como Carnegie Hall, Lincoln Center, el DiMenna Center, Steinway Hall, Sala Rachmaninov del Conservatorio Tchaikovsky (Moscú), entre otros. Ha sido galardonada en numerosos concursos internacionales tales como el Grand Prize International Competition y el American Protegé International Piano Competition. Realiza numerosos proyectos de promoción de la música contemporánea: UN SDSN-Youth Arts Twenty Thirty, Women in Music-Mujeres en Música, así como recitales de música actual española y americana.

WOMEN IN MUSIC

CINE CARRERA THURSDAY 26TH JULY : 21H00 Consuelo Díez (1958*) Sein und Zeit (1996) Music for piano Graciela Jiménez (1965*) Tres piezas para piano (2012) For piano Teresa Catalán (1951*) La danza del gozo vermell (2013) Solo piano Rosa María Rodríguez Hernández (1963*) Citara (2015) Solo piano Marga Richter (1926) Soliloquy for piano (2010) Solo piano

Ana Isabel Vázquez Silva (1970*) Historia de un amor sin respuesta y la muerte que acecha (2017) Solo piano Mercedes Zavala (1963*) Sansueña (2016) Solo piano

Biography Isabel Pérez Dobarro (1992, Santiago de Compostela - Spain) Isabel Pérez Dobarro has performed in the US, Spain, Belgium, Russia, Italy, and Portugal in venues such as Carnegie Hall, Lincoln Center, el DiMenna Center, Steinway Hall, and the Rachmaninov Hall at the Tchaikovsky Conservatory Moscow, among others. She has been a prizewinner in numerous international competitions including the Grande Prize International Competition and the American Protegé International Piano Competition. Among her many projects to promote contemporary music is SDSN-Youth Arts Twenty Thirty: Arts and Sustainability, Women in Music, as well as recitals and concerts of contemporary Spanish and American music worldwide.

ENSEMBLE CONTEMPORÁNEO DE LA BIENAL DE LUQUE Y LA SOPRANO SYLVIA NOPPER PLAZA DE ESPAÑA VIERNES 27 DE JULIO : 21H00

Betty Roe (1930*) Cat and Mouse (1982) ‘Cinco Canciones’ para soprano y contrabajo (arr. para soprano y trombón) 1. Canción infantil 2. Un llamamiento a los gatos en el negocio del amor 3. Ratón 4. Los dos ratones 5. Canción infantil Betty Roe (1930*) Danza del bombardino (1971) (letra: Jacqueline Froom) ‘Canciones de Jazz’ para soprano y contrabajo (arr. para soprano y tuba) Betty Roe (1930*) La señora y el ministro (1987) (letra: Langston Hughes) ‘Madam’s Three Callers’ para soprano y violonchelo (arr. para soprano y trombón) Frederic Rzewski (1938*) Coming Together (1972) Para narradora y ensemble Walter Zimmerman (1949*) The Paradoxes of Love (1987)

(letra: Hadewijch) Para voz y saxofón soprano

Las tres composiciones de Betty Roe fueron concebidas originalmente para soprano y contrabajo o violonchelo en un estilo jazzístico ligero. Sylvia Nopper, Antonio Jiménez y Pedro López Rueda traerán una nueva versión y serán interpretadas en una nueva versión especial para soprano trombón y soprano y tuba.

La obra del compositor estadounidense Frederic Rzewski Coming Together para narrador y ensemble es una de las piezas claves del movimiento minimalista. Fue basada en los textos de una carta escrita por Sam Melville, uno de los líderes fallecidos en las reyertas de la prisión Attica en 1971.

El material sonoro de la obra The Paradoxes of Love por Walter Zimmermann está basado en las cuarenta frases del libro “Fragments d´un discours amoureux” de Roland Barthes, que han sido transformadas en tonos. El texto de la composición es una versión inglesa de un poema escrito por Hadewijch, una beguina (un tipo especial de monja), que vivió en el S. XIII en Vlaandaren, una región holandesa:

What is sweetest in love is her tempestuousness; her deepest abyss is her most beautiful form; to lose one way in her is to touch her close at hand; to die of hunger for her is to feed and taste; her despair is assurance; her sorest wounding is all curing; to waste away for her sake is to be in repose; her hiding is finding at all hours; to languish for her sake is to be in good health; her concealment reveals what can be known of her; her retentions are her gifts; wordlessness is her most beautiful utterance; imprisonment by her is total release;

her sorest blow is her sweetest consolation; her ruthless robbery is great profit; her withdrawal is approach; her deepest silence is her sublime song; her greatest wrath is her dearest thanks; her greatest thread is pure fidelity; her sadness is the alleviation of all pain.

We can say more about Love: her wealth is her lack of everything; her truest fidelity brings about our fall; her highest being drowns us in the depths; her great wealth bestows pauperism; her largesse proves to be our bankruptcy; her tender care enlarges our wounds; association with her brings death over and over; her table is hunger; her knowledge is error; seduction is the custom of her school; encounters with her are cruel storms; rest in her is in the unreachable; her revelation is the total hiding of herself; her gifts besides are thieveries; her pretenses are all seductions; her adornments are all undressing; her truth is all deception; to many her assurance seems to lie – this is the witness what can be truly born at any moment by me and many others to whom Love has often shown wonders by which we were mocked, Imagining we possessed what she kept back for herself.

After she first played these tricks on me, and I considered all her methods, I went to work in an wholly different way: by her threats and her promises I was no longer deceived.

I will belong to her, whatever she may be, gracious or merciless to me it is all one!“

Biografías.

Ensemble Contemporáneo de la Bienal de Luque (ECBL) es una formación variable que presenta artistas locales e internacionales en un mismo escenario. Este ensemble con sede en Luque nace en 2016 y empieza a acumular grandes experiencias en las ilimitadas posibilidades que ofrece este género.

Sylvia Nopper ha cantado por todos los lugares del mundo durante más de veinte años. Ahora enseña canto, música contemporánea e improvisación vocal en la Musik-Akademie Basel. Sylvia ha trabajado con compositores y directores como Heinz Holliger, Matthias Pintscher o Pierre Boulez y con ensambles como Intercontemporain Paris, Klangforum Wien, Ensemble Modern Frankfurt y Swiss Chamber Soloists.

Más de 150 obras fueron estrenadas y escritas por y para esta intérprete tan cotizada.

Noëmi Schwank es una saxofonista nacida en Basilea. Ha estudiado en Basilea (Grado), Viena y Estocolmo. En 2012 obtiene el “Master in Concert” con Pierre-Stéphane Meugé en Lausana. Desde 2014 continúa sus estudios con Marcus Weiss en Basilea, graduándose en el “Máster de Educación”. Además de una carrera de conciertos muy implicada como músico de cámara, en grupos y orquestas, como la Sinfonietta Basel, a Noëmi le apasiona el trabajo musical con niños y jóvenes. Desde 2012 trabaja como directora de proyectos artísticos como “gare des enfants”. Es profesora en la Academia de Música de Basilea desde 2015. En 2017 se fue a Andalucía a introducirse en la cultura del flamenco, experimentando nuevos ritmos y sonidos con su saxofón, colaborando con músicos como Sophia Quarenghi y tomando clases con Jorge Pardo.

LUQUE BIENAL ENSEMBLE & SYLVIA NOPPER PLAZA DE ESPAÑA FRIDAY 27TH JULY : 21H00

Betty Roe (1930*) Cat and Mouse (1982) ‘Five Songs’ for soprano and double bass (Arr. for soprano and trombone) 1. Nursery Rhyme 2. An Appeal to Cats in the Business of Love 3. Mouse 4. The two Mice 5. Nursery Rhyme Betty Roe (1930*) Euphonium Dance (1948/71) (lyrics: Jacqueline Froom) ‘Jazz Songs’ for soprano and double bass (Arr. for soprano and trombone) Betty Roe (1930*) Madam and the Minister (1987) (lyrics: Langston Hughes) ‘Madam’s Three Callers’ for soprano and cello(Arr. for soprano and trombone) Frederic Rzewski (1938*) Coming Together (1972) For ensemble and speaker Walter Zimmerman (1949*) The Paradoxes of Love (1987)

(lyrics: Hadewijch) For voice and soprano saxophone

These Betty Roe songs, originally written for soprano and double bass or cello in a light-hearted jazzy style, will be performed in a version for soprano, trombone and tuba by Sylvia Nopper, Antonio Jiménez and Pedro López Rueda.

The work Coming Together by Frederic Rzewski for speaker and ensemble is one of the key pieces from the minimal movement. The work is based on the text of a letter written by Sam Melville, one of the deceased leaders in the Attica prison´affrays of 1971.

The Paradoxes of Love. The sound material of this Zimmermann piece is based on forty phrases of Roland Barthes’ book “Fragments d’un discours amoureux / Fragmente einer Sprache der Liebe” (in German translation and the French original), which are transferred into tone pitches. The text of the composition is an English version of a poem, written

by Hadewijch, a beguine (a special kind of a non), who lived in the 13. century in Vlaanderen, a region in Netherlands: What is sweetest in love is her tempestuousness;her deepest abyss is her most beautiful form; to lose one way in her is to touch her close at hand; to die of hunger for her is to feed and taste; her despair is assurance; her sorest wounding is all curing; to waste away for her sake is to be in repose; her hiding is finding at all hours; to languish for her sake is to be in good health; her concealment reveals what can be known of her; her retentions are her gifts; wordlessness is her most beautiful utterance; imprisonment by her is total release; her sorest blow is her sweetest consolation;

her ruthless robbery is great profit; her withdrawal is approach; her deepest silence is her sublime song; her greatest wrath is her dearest thanks; her greatest thread is pure fidelity; her sadness is the alleviation of all pain.

We can say more about Love: her wealth is her lack of everything; her truest fidelity brings about our fall; her highest being drowns us in the depths; her great wealth bestows pauperism; her largesse proves to be our bankruptcy; her tender care enlarges our wounds; association with her brings death over and over; her table is hunger; her knowledge is error; seduction is the custom of her school; encounters with her are cruel storms; rest in her is in the unreachable; her revelation is the total hiding of herself; her gifts besides are thieveries; her pretenses are all seductions; her adornments are all undressing; her truth is all deception; to many her assurance seems to lie – this is the witness what can be truly born at any moment by me and many others to whom Love has often shown wonders by which we were mocked, Imagining we possessed what she kept back for herself.

After she first played these tricks on me, and I considered all her methods, I went to work in an wholly different way: by her threats and her promises I was no longer deceived.

I will belong to her, whatever she may be, gracious or merciless to me it is all one!“

Biographies.

LUQUE BIENAL CONTEMPORARY ENSEMBLE is a variable formation that presents local and international artists on the same stage. This ensemble has residency in Luque and was born in 2016. It has already accumulated some great experiences within the unlimited possibilities of this genre.

Sylvia Nopper has performed all over the world for more than twenty years. She teaches singing, contemporary music, and vocal improvisation at the Musik-Akademie Basel. Sylvia has worked with renowned composers and conductors such as Heinz Holliger, Matthias Pintscher or Pierre Boulez and with ensembles like Intercontemporain Paris, Klangforum Wien, Ensemble Modern Frankfurt and Swiss Chamber Soloists. More than 150 works were written and premiered by Sylvia Nopper.

Noëmi Schwank is a saxophone player born in Basel.

She has studied in Basel (BMus), Vienna and Stockholm. Noëmi graduated in 2012 with a “Master in Concert” with Pierre-Stéphane Meugé in Lausanne. Since 2014 she continued her studies with Marcus Weiss in Basel, graduating with a “Master in Education”.

Aside from her busy performing career as a chamber musician, in ensembles and orchestras like Sinfonietta Basel, Noëmi feels passionate about working with kids and young students. Since 2012 she works as artistic director for the “gare des enfants” and teaches at the Basel-Musik Akademie from 2015. In 2017 she explored the flamenco culture, experiencing new rhythms and sounds with her saxophone, collaborating with musicians like Sophie Quarenghi and taking lessons from Jorge Pardo.

ENSEMBLE CONTEMPORÁNEO DE LA BIENAL DE LUQUE Y JORGE SÁNCHEZ-CHIONG + MARC VILANOVA TEATRO AL AIRE LIBRE SÁBADO 28 DE JULIO : 21H00

Jorge Sánchez-Chiong (1969*)

Nuevo estreno (2018, encargo del festival)

Para DJ y ensemble Giacinto Scelsi (1905-1988)

Taiagarù “Five Invocations” (1962) Sylvia Nopper, soprano Marc Vilanova MUT_Solo Saxophone Improvisación libre Performance final del taller “Género Formación Corporal”

Dirige: Patricia Grau Performance final del taller “Improvisación”

Dirigen: Marc Vilanova y Sylvia Nopper

Taigarù. Si uno cree en las leyendas (probablemente cierto), entonces las canciones son las transcripciones de música instrumental improvisada y grabada. No solo se trata de transcribir la grabación de la cinta lo mejor posible, sino también anotar los sonidos no intencionados como el crujido de la cinta magnetofónica, el ruido de la puerta al cerrar, el pitido de un coche de fondo, y otras emisiones sónicas del día a día. Scelsi dejó bien claro a sus intérpretes que un alto grado de fidelidad a la partitura no era lo más importante. Cualquier interpretación es solo una de las muchas posibles para hacer que su música hable.

MUT _Solo Saxophone. Cuando oímos un idioma que no entendemos, escuchamos en detalle los sonidos que sus hablantes producen al practicarlo. Cuando entendemos el idioma, ya solamente escuchamos el significado de esas palabras. Toda mi música a solo intenta traducir esta experiencia al saxofón, buscando un lenguaje único exento de significado, donde el público pueda profundizar en la escucha de cada sonido y libremente interpretarla mediante su imaginación.

Biografías Jorge Sánchez-Chiong (1969 en Caracas, Venezuela) Descendiente de una familia chino-cubana y vive desde 1988 en Viena, donde estudió composición en la Universidad de Música con Francis Burt y Michael Jarrell. Entre 2009 y 2013 fue director artístico de NeW_AiR (New experimental Ways with Artists in Residence) en la Universidad de Música de Viena. En 2010 fue artista en residencia del Conservatorio de Viena, en 2013 compositor en residencia del Ensemble Phace, en 2015 profesor invitado (Composición Electroacústica) en la Escuela Superior de las Artes de Zúrich y del Institute for Computer Music and Sound Technology (ICST), es desde 2010 docente de composición en los Cursos Internacionales de Verano de Nueva Música Darmstadt y desde 2016 docente de composición en los cursos Impuls de Graz. Entre los premios y honores que ha recibido cuentan el Premio de Música de la Ciudad de Viena, el Premio Theodor-Körner, el Estipendio de la Sinfónica de Viena y cuatro veces el Estipendio de Composición del Estado de Austria.

Jorge Sánchez-Chiong ha recibido numerosos encargos de festivales y renombradas salas de concierto como la Konzerthaus de Viena, Konzerthaus de Berlín, Filarmónica del Elba, Junge Oper de la Ópera Estatal de Stuttgart, Festival Wien Modern, Neue Musik Darmstadt, Días de la Nueva Música de Cámara de Witten, Traiettorie Parma, transart Bolzano, Transit Lovaina/Bélgica, Festival Lucerne, M.A.R.S. Los Ángeles, Bregenzer Festspiele, Jeunesse Especial, Klangspuren Tirol, musikprotokoll. Igualmente ha escrito encargos para orquestas como la Sinfónica de la Radio de Viena, Mahler Chamber Orchestra, Basler Sinfonietta, Orquesta Haydn de Bolzano y Trento y la Orquesta de Cámara Kaleidoscope de Los Ángeles. Sus composiciónes han sido dirigidas entre otros por Sylvain Cambreling, Emilio Pomarico,

Johannes Kalitzke, Bas Wiegers, Matthias Pintscher, Duncan Ward, Dennis Russell Davies y Jürg Henneberger; y ha recibido encargos internacionales para ensembles como Klangforum Wien, Collegium Novum Zúrich, decoder (Hamburgo), Nadar (Bélgica), Stroma (Nueva Zelanda), China FMW (Taipéi), Mivos Stringquartet (Nueva York), Schallfeld (Graz), Phace Contemporary, Noise Me Tender y para solistas como Patricia Kopatschinskaj, Dorothee Oberlinger, Lars Mlekusch, Stump-Linshalm y Ernesto Molinari.

Sylvia Nopper ha cantado por todos los lugares del mundo durante más de veinte años. Ahora enseña canto, música contemporánea e improvisación vocal en la Musik-Akademie Basel. Sylvia ha trabajado con compositores y directores como Heinz Holliger, Matthias Pintscher o Pierre Boulez y con ensambles como Intercontemporain Paris, Klangforum Wien, Ensemble Modern Frankfurt y Swiss Chamber Soloists.

Más de 150 obras fueron estrenadas y escritas por y para esta intérprete tan cotizada.

Marc Vilanova (Catalunya - ESP) Saxofonista y artista sonoro, su trabajo se sitúa en la intersección entre arte y tecnología con un espíritu de innovación y gran interés en los nuevos medios. Centrado en la creación de performances e instalaciones audiovisuales Vilanova desarrolla un lenguaje único con el que compone, improvisa y realiza colaboraciones con danza, teatro, poesía e imágenes en movimiento. Sus performances se han presentado en países como Japón, Estados Unidos, Canadá, Brasil, Taiwán, Colombia, Irán, Rusia y muchos otros dentro de Europa. Es ganador de numerosos premios internacionales y ha impartido talleres en prestigiosas universidades de Asia, América y Europa.

Curiosa por naturaleza, multidisciplinar, inquieta y creativa, Patricia Grau García realiza una extensa labor en espectáculos, performances, y laboratorios, ocupándose de la interpretación, dirección artística, escénica y coreográfica de los mismos. Ha generado multitud de creaciones propias como Tierra, Marching Band, EntreBastidores, etc, estrenadas en el FEX y otros festivales. Se ha integrado en grupos y propuestas colectivas ( La Fura del Baus, Bastard Scene, Ensemble Oyxtres, Open Lab, ENsemble Infinito, etc). y ha ampliado su campo a las videoperformances en colaboración con la Facultad de Bellas Artes o a la producción de espectáculos infantiles como El Blues del Jabalí.

Imparte Improvisación y Acompañamiento Musical, Performance y Body Percussion en el C.S.M. “Victoria Eugenia” (Granada), además de ser titulada en Danza Contemporánea. Su interés por las manifestaciones artísticas le hacen ampliar su formación con un Máster en Artes Escénicas en la Universidad Rey Juan Carlos (Madrid) y participar e impartir numerosos cursos tanto en el ámbito nacional como internacional: Roma, Londres, Salvador de Bahía..

LUQUE BIENAL ENSEMBLE & JORGE SÁNCHEZ-CHIONG + MARC VILANOVA TEATRO AL AIRE LIBRE SATURDAY 28TH JULY : 21H00

Jorge Sánchez-Chiong (1969*)

New première (2018, FIML commission)

For turntable and ensemble JSX, turnatables ECBL Ensemble Giacinto Scelsi (1905-1988)

Taiagarù “Five Invocations” (1962)

Sylvia Nopper, soprano Marc Vilanova MUT_Solo Saxophone

Free Impro Final Performance from the workshop “Genre Corporal Formation”

Leadered by Patricia Grau Final Performance from the workshop “Genre Improvisación” Leadered by Marc Vilanova and Sylvia Nopper

TaiagarĂš. If one believes the legends (probably true), then the songs are transcriptions of improvised and recorded instrumental music. It was not just a matter of transcribing the tape recording as faithfully as possible, but also notating the unintentional sounds as the crackling of the magnetic tape, the noises of doors slamming, cars horning in the background, and other everyday sonic emissions.

Scelsi ALSO made clear to his interpreters that a high degree of fidelity to the text was not the most important thing. Interpretation is just one of the ways of making his music speak, of which many others are also valid.

MUT _Solo Saxophone. When you cannot understand a language, you are able to hear the sound of syllables as they are pronounced, but as soon as you understand the language, your focus shifts to decoding meaning. My musical decisions are also inspired, with this early focus, by the sounds of language. Experimentation with extended techniques emerges from this deep thinking about these sounds, some of which are not typically associated with the saxophone. The audience too, are not usually focused primarily on meaning, and therefore, are free to identify with the imaginative possibilities that nurture my music.

Biographies Jorge Sánchez Chiong (1969 en Caracas, Venezuela) He studied in Vienna under Francis Burt and Michael Jarrell. SánchezChiong is a member of the NewTonEnsemble and cofounder of the composer group „Gegenklang“. His works, which take the vitality and spontaneity of improvisation as their point of departure, often transcend the bounds of the concert hall and find their continuation in the realms of experimental theater, video art, dance, and electronics. An emphasis of his work is close collaboration with artists from different disciplines and stylistic directions, including Joke Lanz, Christian Weber and Michaela Grill. He has also appeared as turntablist in various formations in the free improvisation scene. His stylistic openness shows in his oeuvre, which includes solo, ensemble, and orchestra works, chamber music and electronic music, multimedia projects and improvisation guidelines – using everything from classical instrumentations to formations such as electric bass and turntable.

Sylvia Nopper has performed all over the world for more than twenty years. She teaches singing, contemporary music, and vocal improvisation at the Musik-Akademie Basel. Sylvia has worked with renowned composers and conductors such as Heinz Holliger, Matthias Pintscher or Pierre Boulez and with ensembles like Intercontemporain Paris, Klangforum Wien, Ensemble Modern Frankfurt and Swiss Chamber Soloists. More than 150 works were written and premiered by Sylvia Nopper.

Marc Vilanova (Catalunya -ESP) Saxophonist and sound artist, working at the intersection of art and technology. His artistic production has always been led by a spirit of innovation fueled by an interest in new media. He is currently creating audiovisual performances/installations while also working with electroacoustic compositions, improvisation, and interdisciplinary collaborations with dance, theatre and moving images. His performances have been presented in festivals around the world in Japan, the U.S., Canada, Brazil, Colombia, Taiwan, Iran, Russia and many countries in Europe. He won several international prizes and gave workshops at the most prestigious universities of Asia, America and Europe.

Curious by nature, a creative and multidisciplinar artist, Patricia Grau García has an extensive work in the field of spectacles, performances and laboratories, focusing on the interpretation, artistic direction, as well as being scenographer and choreographer of her works. She has generated multiple creations, such as: Tierra, Marching Band, EntreBastidores, etc, premiered at the FEX Granada and other festivals. She has collaborated in groups and collectives like La Fura del Baus, Bastard Scene, Ensemble Oyxtres, Open Lab, ENsemble Infinito, etc.

Patricia teaches Improvisation and Accompaniment, Performance and Body Percussion at the “Victoria Eugenia” in Granada. She has also graduated in Contemporary Dance. Her interest for the artistic manifestations led her to extend her learning with a Masters in Scenic Arts at the “Rey Juan Carlos” University in Madrid, and to take part in numerous workshops in Spain and abroad (Rome, London, Brazil, among others).

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