RETRO Bs. 250,00 Mayo 20/2015/Vol. 21/A単o 01
Fotografia
Katy Perry Meryl Streep Viste a la
Moda John Lennon Vida y Muerte
PopArt
Andy Warhol Michael Jackson
Sunglasses
ALPINE
速
Protect your eyes...
Directora: Cuba Calderón. Director de Arte: Daniel Manzanilla. Redactora Jefe: Teresa Chicharro. Directora de estilismo: Melany Beltrán. Jefa de maquetación: Elena Aranguren. Coordinadora general: Casilda Serrano. Maquetación: Carlos Valverde. Secretaria de redacción: Belén Martínez. Colaboradores: Directora de estilismo adjunta: Leticia Marín. Estilismo: Elena Muñoz, Bárbara Maldonado, Inés Beltrán, Amaya de Toledo. Redacción: Mariana Camejo. Fotógrafos: Marialejandra Castillo, Silvio Posada, Dexter Hodges, Pedro Laguna. Departamento de publicidad y delegaciones: Directora: Elena Sánchez Fabrés Subdirector de publicidad: Manuel Angel Parra. Jefa de Grupo: Concha Durá. Jefa de publicidad: Cristina Rodríguez. Delegado: Luis Garcés. Coordinadora: Sonia Rodríguez. Coordinador: Javier Muñoz.
Esta revista se realizó al estilo retro de los 80’s pensando en los artistas que más se destaron en esta década como lo son Michael Jackson, Jhon Lennon y Andy Warhol, que sin duda alguna demostraron a lo largo de su carrera que la onda PopArt es más que una manera comunicacional de transmitir un mensaje, es una forma de vida, las estadounidenses Meryl Streep y Katy Perry siguen aún conservando en algunas pasarelas esta moda, esta manera elocuente de vestir y de distinguirse en medio de la población; es un honor para mi en esta edición de la revista, traerles una muestra de que no solo los cómics retros eran la sensación de la época, sino que la música,la moda y las expresiones gráficas artísticas forman parte de ella.
Publicación y Edición: Presidente: Axel Ganz. Vicepresidente: José Pardo Orea. Consejero delegado: Dr. Carsten Moser. Director gerente: Markus Kley. Distribución: Víctor de la Traba. Producción: José de Aramburu. Administración: Higinio Hijoss. Planificación: Luis Maroto. Informática: Roberto Bottazzi.
John Lennon. Vida y muerte
Meryl Streep. Viste a la moda
Pop Art. Andy Warhol
El Rey del Pop. Michael Jackson
Katy Perry. como nunca la has visto
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FotografĂa
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cantante, compositora y guitarrista estadounidense.
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Fotografía
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Katheryn Elizabeth Hudson (Santa Bárbara, California, Estados Unidos, 25 de octubre de 1984), más conocida por su nombre artístico Katy Perry, es una cantautora, productora musical, actriz, escritora y embajadora estadounidense. Asimismo se dedica a causas humanitarias y al activismo en favor de los derechos de los LGBT. Nacida y criada en Santa Bárbara; a pesar de su inestabilidad en un hogar. Perry durante su infancia tuvo una limitada exposición a la música profana y en ese entonces persiguió una carrera musical para ser una gran exponente de la música evangélica. Firmó con Red Hill Records y lanzó su álbum de estudio debut, Katy Hudson, en el 2001. Al año siguiente se mudó a Los Ángeles para incursionar en la música profana y después de ser despedida de los sellos Island Def Jam Music Group y Columbia Records, fue descubierta por una empleada de Virgin Records, quien se la presentó a Jason Flom y la hizo firmar un contrato discográfico con Capitol Records en abril de 2007. Perry saltó a la fama en el 2008, tras el lanzamiento de sus sencillos «I Kissed a Girl» y «Hot n Cold» de su segundo álbum One of the Boys (2008), un disco pop-rock. Posteriormente en el 2010, lanzó su tercer álbum, Teenage Dream, en el que se aventuró en la música disco. Tuvo un gran éxito al ubicar a cinco de sus seis sencillos en la mejor posición de la popular Billboard Hot 100 de los Estados Unidos, «California Gurls», «Teenage Dream», «Firework», «E.T» y «Last Friday Night (T.G.I.F.)». El álbum convirtió a Perry en la primera mujer que logra dicha hazaña y la segunda en general después de Michael Jackson con Bad (1987). En marzo de 2012, reeditó el álbum como Teenage Dream: The Complete Confection, promocionado por los sencillos «Part of Me» y «Wide Awake», otros éxitos en listas musicales y en ventas. Su cuarto álbum, Prism (2013), está influenciado por el pop y dance, y generó dos sencillos exitosos «Roar» y «Dark Horse». Su composición es principalmente realizada en colaboración con otros, especialmente con Dr. Luke, Max Martin y Bonnie McKee, y en canciones habla acerca del empoderamiento, la autoestima y situaciones de la vida cotidiana. Influenciada por Freddie Mercury y Alanis Morissette; se caracteriza por tener un sentido idiosincrásico y basado en la diversión de moda personal que incorpora colores brillantes y figuras de frutas y alimentos, principalmente la sandía. Sus espectáculos cuentan con trajes de diseñadores notorios y con puestas en escenas bastantes elaboradas. Perry ha recibido numerosos premios, incluyendo tres menciones en el Libro Guinness de los récords y ha sido incluida en varias ocasiones en la lista de las «mujeres que más ganaron en la música». A lo largo de su carrera, ha vendido once millones de álbumes y ochenta y un millones de sencillos en todo el mundo, haciendo de ella uno de los artistas más vendidos de todos los tiempos.
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Rey muerto, Rey No Puesto.
Michael Joseph Jackson (n. Gary, Indiana, 29 de agosto de 1958-Los Ángeles, California, 25 de junio de 2009) más conocido como Michael Jackson, fue un cantante, compositor, bailarín, actor, productor, empresario y filántropo estadounidense. Conocido como el «Rey del Pop», sus contribuciones a la música y el baile, así como su publicitada vida personal, le convirtieron en una figura internacional en la cultura popular durante más de cuatro décadas, siendo reconocido como la estrella de la música pop más exitosa a nivel mundial. Sin embargo su música incluyó una amplia acepción de subgéneros como el rhythm & blues (soul y funk), disco y dance.
Comenzó su carrera artística a mediados de los años 1960 en la agrupación musical The Jackson 5, en la cual publicó junto a algunos de sus hermanos, diez álbumes hasta 1975. En 1971 inició su carrera como solista, aunque siguió perteneciendo a la agrupación. Debido al éxito de su álbum Thriller (1982), el disco más vendido de la historia, se convirtió en la mayor estrella de la música pop en ese momento. Algunos de sus álbumes publicados, como Off the Wall (1979), Bad (1987), Dangerous (1991) o HIStory: Past, Present and Future, Book I (1995), figuran entre los álbumes más vendidos de todos los tiempos, pero en 2001 fue publicado Invincible, cuyas ventas fueron inferiores a los gastos y el artista se vio implicado en una disputa con su discográfica. Por otra parte, trece de los 98 sencillos de Jackson alcanzaron el primer lugar de la lista Billboard 100. Se estima que Michael Jackson ha vendido más de 400 millones de sus producciones musicales, lo que lo convierte en uno de los músicos con mayores ventas. Ha cosechado múltiples premios, ha sido incluido dos veces en el Salón de la Fama del Rock, ha batido múltiples récords en el Guinness World Records y ha recibido veintiséis American Music Awards y
quince premios Grammy en diversas categorías musicales, de los cuales dos son póstumos. Posee el récord del artista más galardonado de la historia de la música, con más de 400 premios (Véase la sección «Premios y honores» para más información). Además, ha sido reconocido por sus actos de filantropía, ostentando el récord al artista que más dinero ha donado a obras benéficas, con cientos de millones de dólares donados a 39 instituciones de este tipo. Jackson se vio envuelto en dos capítulos polémicos: el primero en 1993 y más tarde en 2003. En ambos casos el cantante fue acusado de abuso sexual hacia dos niños de trece años en cada caso. Sin embargo, las acusaciones fueron revocadas tras abonar una suma de más de veinte millones de dólares a fin de evitar un juicio en el primer caso y, en el segundo, al ser absuelto en el juicio por falta de pruebas. Estos sucesos tuvieron repercusión mundial y afectaron su vida y carrera artística. Tras más de diez años desde su última gira, Michael Jackson anunció su regreso a los escenarios con una gira que se titularía This Is It, sin embargo, días antes del comienzo de la gira, el 25 de junio de 2009, el cantante falleció por una parada cardiorrespiratoria.
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Michael Joseph Jackson nació en Gary, Indiana, el 29 de agosto de 1958. Su madre, Katherine Esther Scruse, era una devota testigo de Jehová, y su padre, Joseph Walter “Joe” Jackson, trabajaba en una fábrica y cantaba en un conjunto musical llamado The Falcons. Michael tuvo tres hermanas: Rebbie, La Toya y Janet, y seis hermanos: Jackie, Tito, Jermaine, Marlon, Brandon (mellizo de Marlon que murió poco después de nacer) y Randy. Durante su infancia vivió en una casa en su tierra natal de Gary, Indiana, con sus padres y sus ocho hermanos, donde creció en un ambiente de maltratos continuos, debido a los abusos que sufrió por parte de su padre, como confirmó su hermano Tito. Éste aseguro que, en varias ocasiones, el cantante «lloraba mucho debido a los golpes de su padre e intentaba esconderse de él» y que, cuando no podía, Joe se reía de Michael. Su padre cometió adulterio varias veces, y en una de esas tuvo una hija. Ese tipo de relación hizo que la pareja no se sintiese a gusto con su relación matrimonial, por lo que desde 2005 la pareja decidió dejar de vivir junta y en agosto de 2010 anunciaron su separación después de 60 años de matrimonio. Desde temprana edad Michael demostró interés por la música, cuando cantaba en las celebraciones navideñas del jardín de infancia al que asistía. En 1964, su hermano Marlon y él se unieron a la banda musical Jackson Brothers, formada por sus hermanos mayores —Jackie, Tito, y Jermaine— donde tocaban unos pequeños bongós y panderetas. Michael destacó del resto de sus hermanos por su habilidad para cantar y bailar, y se convirtió, junto a su hermano Jermaine, en vocalista del grupo, al que posteriormente denominaron The Jackson Five. El grupo actuó durante años en diferentes clubes chitlin’ circuit a lo largo de los estados del este y del medio Oeste de Estados Unidos, comenzó a participar en concursos y festivales para aficionados, y llegó a actuar en el conocido teatro Apollo
de Nueva York. En 1967, lanzaron el sencillo “Big Boy” con la discográfica Steeltown. Al año siguiente, recomendados por Gladys Knight y por el productor Bobby Taylor, hicieron una audición para Motown Records, en la que Berry Gordy, dueño y jefe de la discográfica, decidió contratarlos tras ver una cinta de vídeo en la que Michael hacía versiones de temas de James Brown junto a sus hermanos. Más tarde, en 1969 lanzaron el sencillo “I Want You Back”, canción que alcanzó la primera posición de la lista Billboard Hot 100. Un éxito similar tuvieron sus tres siguientes sencillos, “ABC”, “The Love You Save” y “I’ll Be There”, los cuales también llegaron a la cima de las listas de éxitos.8 En 1972, a los catorce años de edad, inició su carrera en solitario con los álbumes Got to Be There y Ben, al tiempo que compatibilizaba su labor como vocalista del grupo que formaba con sus hermanos. Llegaron a los primeros puestos de la lista Billboard Hot 100 las canciones “Got to Be There” (cuarto lugar), “Ben” (primer lugar), tema central de la película del mismo nombre, y “Rockin’ Robin” (segundo lugar). Pese al éxito que habían conseguido los temas que había grabado el cantante en solitario, las ventas de los discos de The Jackson Five comenzaron a descender, al mismo tiempo que el grupo deseaba autoproducirse y componer sus propios temas, cosa que Gordy no aceptó, por lo que los hermanos dejaron Motown Records en 1975. En junio de 1975, The Jackson 5 firmaron un contrato con Epic Records, filial de CBS Records y cambiaron su nombre por el de The Jacksons. Continuaron realizando giras de conciertos en los siguientes años y entre 1976 y 1984 lanzaron seis álbumes de estudio, para los cuales Michael escribió varias canciones, como por ejemplo “Shake Your Body (Down to the Ground)”,
“This Place Hotel” y “Can You Feel It”. En 1978, el cantante interpretó el papel de Espantapájaros en la película El mago, remake del musical El Mago de Oz (1939), realizada esta vez por actores de origen afroamericano. Durante el rodaje conoció al productor Quincy Jones, con quien trabajó en los siguientes años. Jones lo convenció para que produjeran juntos el siguiente álbum de estudio del artista, Off the Wall. En 1979, se lesionó la nariz realizando una compleja rutina de baile y debió someterse a una rinoplastia, ya que además tenía problemas para respirar.
“Llegó a ser mundialmente conocido como el «Rey del Pop», y la popular presentadora de televisión Oprah Winfrey, durante la entrevista que le hiciera en febrero de 1993, lo llamó el «rey del entretenimiento». Además, la Enciclopedia Británica lo incluye como notable estrella de rock, en su sección «Rock music», junto a Madonna y Prince.”
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“En el futuro todo el mundo será...
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ndrew Warhola (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió fama mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebri-
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dades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos. Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración: «En el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos». Esta frase de cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows. Fue personaje polémico durante su vida (algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas) y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y documentales, además de ser recreado en obras de ficción como la película I Shot Andy Warhol (Mary Harron, 1996). Al margen de la fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX debido a su revolucionaria obra.
Decidió estudiar Arte comercial en la actual Carnegie Mellon University (Pittsburgh). En 1949 se trasladó a Nueva York para iniciar una carrera como ilustrador de revistas y publicista. Durante los años 1950 ganó cierta reputación gracias a sus ilustraciones para un anuncio de zapatos. Dibujos a tinta, bastante sueltos y emborronados que fueron expuestos en la galería Bodley de Nueva York. Con la difusión de las nuevas tecnologías del vinilo y la alta fidelidad, las empresas discográficas se encontraron en un contexto comercial completamente nuevo que no tardarían en explotar. RCA contrató a Warhol y a Sid Maurer, entre otros artistas freelance, para el departamento de diseño de portadas de discos, cartelería y material promocional.
...famoso durante 15 minutos”.
Marilyn Monroe fue inmortalizada en una de las obras más conocidas de Andy Warhol. Su primera exposición individual fue en la galería californiana Ferusel. Era el 9 de julio de 1962 y marcó el debut del movimiento pop art en la costa oeste.6 Cuatro meses más tarde, entre el 6 y 24 de noviembre, inauguró su primera exposición en Nueva York. Exactamente en la galería Stable, propiedad de Eleanor Ward. Allí incluyó El díptico de Marilyn, 100 latas de sopa, 100 botellas de cola y 100 billetes de dólar. Y fue allí donde conoció a John Giorno, con quién después coincidiría en la primera película warholiana: Sueño (1963). En esa época empezó a pintar sus famosos dibujos de la sopa Campbell y de las botellas de Coca-Cola, a los que consideraba tan iconos estadounidenses como Marilyn Monroe, Troy Donahue o Elizabeth Taylor. También fundó su estudio The Factory, por donde pasaron artistas, escritores, modelos, músicos y celebrities underground del momento. El taller, decorado con hojas de papel de aluminio color plata, estaba inicialmente en la calle 47. Después se mudaría a Broadway. Su obra empezó a ser muy conocida y desató ciertas polémicas sobre el papel del artista y la finalidad del arte. Desarrolló unas imágenes personales a partir de objetos completamente impersonales, como billetes de dólar o nuevos productos de moda. Utilizaba imágenes propias de los periódicos, los carteles y la televisión para definir un olimpo particular, compuesto de símbolos de la cultura estadounidense: la silla eléctrica, las fotografías de cargas policiales contra manifestantes por los derechos civiles o los retratos de celebridades del momento. La botella de Coca-Cola se convirtió, para él, en un tema pictórico. El MOMA organizó un simposio sobre arte pop en diciembre de 1962 y algunos artistas, entre ellos Warhol, fueron atacados por «rendirse» al consumismo. Para las élites que dictaban la crítica de arte, el entusiasmo que Warhol sentía por la cultura del consumismo resultaba embarazoso e inadmisible. Este simposio definió el tono en que se iba a recibir la obra de Warhol, aunque a lo largo de los años 1960 iba a hacerse cada vez más evidente que se habían dado profundos cambios en la cultura y el mundo del arte. También que Warhol había jugado un papel esencial en ese cambio. Un evento crucial fue la exhibición The American Supermarket, una muestra celebrada en 1964 en la galería Paul Bianchinni, en el Upper East Side de Manhattan.
La serie de Latas de sopa Campbell, también conocida como 32 latas de sopa Campbell (1962). La exposición estaba organizada como el típico pequeño supermercado estadounidense, aunque los productos exhibidos (conservas, carne o posters) eran obra de prominentes artistas del pop: Mary Inman, Robert Watts o el controvertido Billy Apple. La contribución de Andy Warhol fue una pintura de una lata de sopa Campbell, valorada en 1 500 dólares. Lo curioso es que la lata tan solo costaba 6 dólares. La exposición fue uno de los primeros actos públicos en los que se confrontó al público con el pop art y la cuestión planteada por las vanguardias clásicas acerca de qué podía ser arte. Como ya había hecho en su etapa de ilustrador comercial en los años 1950, Warhol recurrió a asistentes para aumentar la productividad de su taller artístico. Esta colaboración también planteó encarnizadas polémicas sobre sus métodos de trabajo y su valor como arte, especialmente durante los años 1960. Uno de los colaboradores más importantes con que contó en esta época fue Gerard Malanga, quién le ayudó en la producción de serigrafías, películas, esculturas y otras obras producidas en The Factory. Otros colaboradores esporádicos fueron Freddie Herko, Ondine, Ronal Travel, Mary Woronov, Billy Name y Brigid Berlin (que fue quien, al parecer, le dio la idea de grabar sus conversaciones telefónicas). Durante los años 1960 también reunió a una variopinta comitiva de excéntricos y bohemios, a quien él designaba como las superstars, y que incluía a Edie Sedgwick, Viva y la célebre Ultra Violet. Todos ellos solían actuar en las películas de Warhol y algunos, como Berlin, mantuvieron una estrecha amistad con el artista hasta su muerte. Su relación con artistas como Frangeline, una cantante de la escena guapachosa, y también con artistas como el escritor John Giorno o el cineasta Jack Smith (que también figuró en algunos cortos de Warhol) revelaba su estrecha relación con distintas clases de producción artística. Hacia el final de esa década el mismo Warhol se había convertido en una celebridad y aparecía frecuentemente en la prensa, escoltado por alguno de sus compañeros en la Factory.
El famoso retrato del líder comunista chino Mao Zedong (1973). En 1965 conoció al grupo de música The Velvet Underground, liderado por Lou Reed. No tardó en convertirse en el mánager del grupo y añadiendo a su amiga, la cantante alemana Nico. En 1967 salió al mercado el disco de los Velvet llamado The Velvet Underground and Nico: Andy Warhol, producido por este último. Ese mismo año, por diferencias con el resto del grupo, Nico se retiró y los servicios de Warhol ya no fueron necesarios. En 1969 comenzó a publicar su revista Interview.
“Lo que es genial de este país es que Estados Unidos ha iniciado una tradición en la que los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres. Puedes estar viendo la tele, ver un anuncio de Coca-Cola y sabes que el Presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola y piensas que tú también puedes beber Coca-Cola. Una cola es una cola, y ningún dinero del mundo puede hacer que encuentres una cola mejor que la que está bebiéndose el mendigo de la esquina. Todas las colas son la misma y todas las colas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el Presidente lo sabe, el mendigo lo sabe, y tú lo sabes.” Andy Warhol
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“antes de que me disparasen, siempre pensé que estaba un poco más para allá que para acá. Siempre sospeché que estaba viendo la tele en vez de vivir la vida”
BMW M1 decorado por Warhol.
Navy Blue John by Andy Warhol.
El 3 de junio de 1968, Valerie Solanas disparó a Warhol y al crítico de arte y comisario Mario Amaya en la entrada al estudio de Warhol
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ntes del atentado, Solanas había sido un miembro discreto del colectivo de la Factory. Redactó el «Manifiesto SCUM» («capa de suciedad»; en inglés: scum) un alegato feminista separatista contra el patriarcado (y que, con el paso de los años, adquirió cierta resonancia). Solanas también aparecía en la película de Warhol “I, A Man” (1968). En 1967, Valerie le había dado una obra de teatro a Warhol proponiéndole que sea su productor. Warhol aceptó y le pidió el borrador del texto. Este borrador de la obra nunca regresó a Solanas. Se cree que Warhol nunca tuvo la intención de producir la obra ni como obra teatral ni como película y el manuscrito se le perdió. Esto enfureció a Solanas, quien pasaba por un momento de desequilibrio mental e inestabilidad emocional. Amaya sufrió sólo heridas menores, y fue dado de alta ese mismo día. Warhol, sin embargo, recibió tres disparos (el primero ni lo rozó) pero los otros dos disparos lo dejaron muy grave. Las secuelas de este ataque le acompaña-
cialidad” de Warhol «uno de los reflejos más brillantes de nuestra época», señalando que «Warhol ha capturado algo esencial sobre el zeitgeist de la cultura americana de los años setenta». Warhol siempre apreció el glamour de Hollywood. rían el resto de su vida, y no es de extrañar Warhol murió en Nueva York a las 6:32 que por tanto el recuerdo del atentado de la mañana del 22 de febrero dejase una marca profunda en el resto de la de 1987. Según los noticiarios, se estaba revida y la obra de Warhol. Esa misma tarde, cuperando sin dificultades de una operación Valerie se entregó a la policía. Argumende vesícula en el New York Hospital cuando tó que Warhol estaba planeando robar su trabajo y que controlaba demasiado su vida. falleció dormido debido a una repentina El juez ordenó que la trasladaran al Hospital arritmia post-operatoria. También se ha señalado cierto exceso de líquidos por inPsiquiátrico de Bellevue bajo observación. Se declaró culpable de intento de homicidio, toxicación de agua. Antes de su diagnóstico y la operación consiguiente, Warhol había asalto y tenencia ilícita de armas y recibió intentado retrasar los reconocimientos, deuna sentencia de tres años. Warhol rechazó testificar en su contra. El juez la declaró in- bido sobre todo a su pavor a los hospitales habilitada legalmente y la envió al Hospital y los médicos. El testamento de Warhol legaba toda Ward Island. Tras el tiroteo, el acceso a la su propiedad —con excepción de algunos Factory quedó rígidamente controlado, modestos detalles— a miembros de su y en opinión de muchos esto causó el fin familia, con el fin de crear una fundación de la época de «la Factory de los 60». El atentado, sin embargo, quedó bastante dedicada al «avance de las artes visuales». Warhol tenía tantas posesiones que desdibujado en los medios debido Sotheby’s necesitó nueve días para subastar al asesinato de Robert F. Kennedy, sus bienes tras su muerte, y la suma total dos días después. excedía los 20 millones de dólares. Su riWarhol tuvo una segunda juventud para queza total era aún mayor, debido principalla crítica —y los negocios— durante los mente a astutas inversiones realizadas años 1980, gracias en parte a su estrecha a lo largo de toda su vida. relación con algunas de las nuevas figuras En 1987, de acuerdo con la última del arte, que eran en realidad quienes convoluntad de Warhol, se constituyó la Andy ducían la tendencia del mercado en aquel Warhol Foundation for the Visual Arts. momento: se trataba de personajes como La fundación no sólo sirve como repreJean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, sentante legal de Andy Warhol, sino que David Salle y otras figuras del así llamado neoexpresionismo. Warhol también frecuen- defiende su misión de «espolear la innovataba la compañía de artistas del movimiento ción en la expresión artística y el proceso de transvanguardia europea, como Frances- creativo», y se declara «centrada, principalmente, en apoyar el trabajo de un valor co Clemente y Enzo Cucchi. Por entonces experimental o rompedor». Warhol era acusado de haberse convertido en un «artista de los negocios». En 1979 recibió algunas críticas poco favorables sobre sus exposiciones de retratos de celebridades de los años 1970, críticas en las que su obra se tachaba de superficial, fácil y comercial, carente de profundidad de la significación del tema. Esta actitud crítica, debida en parte a las propias tendencias del mercado, hizo que su siguiente exposición sobre «Genios Judíos» (1980), expuesta en Nueva York, también fuese recibida con frialdad. Una mirada más atenta a la obra de Warhol ha hecho que algunos críticos hayan creído ver en la “superficialidad” y “comer-
“Amo Los Ángeles. Amo Hollywood. Son tan hermosos. Todo es plástico, pero amo el plástico. Quiero ser plástico”
The Andy Monument (2012), obra de Rob Pruitt, se yergue afuera de la tercera ubicaci贸n de The Factory, en la calle Broadway, Nueva York.
Glamour Elegancia y Belleza
Meryl Streep
Community&CO 速
19 tavo bisabuelo fue uno de los primeros europeos en asentarse en Rhode Island. Streep también es pariente lejana de William Penn, fundador de Pensilvania, y diversos registros demuestran que su familia fue una de las primeras en adquirir tierras en dicho estado. Una de sus bisabuelas maternas es originaria de County Donegal, Irlanda. Fue criada como presbiteriana y creció en Bernardsville, Nueva Jersey, en donde asistió a la escuela Bernards High School. Tenía muchos amigos católicos y regularmente asistía a misa, pues admiraba dicho ritual. Recibió un gradó B.A. en Drama en el Vassar College en 1971; allí recibió una breve instrucción por parte de Jean Arthur. También acudió frecuentemente al Dartmouth College. Subsecuentemente, se graduó con una Maestría en Bellas Artes en la Escuela de Drama de la Universidad de Yale. Durante su permanencia en dicha universidad interpretó una gran variedad de roles en escena, desde el papel de Helena en la obra El sueño de una noche de verano, hasta una anciana de ochenta años en silla de ruedas en una comedia escrita por Christopher Durang y Albert Innaurato. En su adolescencia tomo clases de opera, incentivada por su madre, y que poseía una voz digna de ser cantante, pero Streep
siempre optó por la actuación; sin embargo su voz ha sido un gran complemento para su carrera de actriz, la cual la ha llevado a interpretar varios éxitos de taquilla, un ejemplo claro es Mamma Mia!. Meryl Streep vivió con el actor John Cazale durante tres años hasta su muerte en marzo de 1978. Se casó con el escultor Don Gummer el 30 de septiembre del mismo año.96 La pareja tuvo cuatro hijos: Henry Wolfe Gummer (n. 1979), Mamie Gummer (n. 1983), Grace Gummer (n. 1986) y Louisa Jacobson Gummer (n. 1991). Tanto Mamie y Grace son actrices, mientras que Henry es músico. En una entrevista en 2009, cuando le preguntaron a la actriz si la religión hacía parte de su vida, ella respondió: «no sigo ninguna doctrina. No pertenezco ni a una iglesia ni a un templo ni a una sinagoga ni a un ashram». También agregó: «siempre he estado realmente, profundamente interesada en la fe, porque creo que puedo entender el consuelo que está presente en la construcción de una religión». Tampoco descarta la posibilidad de la existencia de Dios, alegando: «tengo la sensación de tratar de hacer mejor las cosas. ¿De dónde viene eso?».
Moda
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ary Louise Streep (Summit, Nueva Jersey, Estados Unidos, 22 de junio de 1949), mejor conocida como Meryl Streep, es una laureada actriz estadounidense de teatro, cine y televisión, candidata en 19 ocasiones al premio Óscar. Es considerada una de «las mejores actrices de todos los tiempos», siendo reconocida en ocasiones como «la mejor del mundo». Debutó en las tablas con The Playboy of Seville en 1971 y fue nominada posteriormente al premio Tony por Recuerdo de dos lunes y 27 vagónes llenos de algodón en 1976. Debutó en la pantalla chica con The Deadliest Season y en el cine con Julia en 1977. En 1978, recibió el premio Emmy por su protagónico en la serie Holocausto y fue candidata por primera vez al Óscar por The Deer Hunter el mismo año, premio que ganó posteriormente por las cintas Kramer vs. Kramer (1979), La decisión de Sophie (1982) y La dama de hierro (2011). Streep ostenta el mayor número de nominaciones a este galardón, diecinueve, más que ningún otro actor o actriz en la historia. Pertenece al pequeño grupo de actores, seis en total, que han ganado el Óscar en más de tres ocasiones de forma competitiva. También fue candidata gracias a las cintas: La mujer del teniente francés, Silkwood, Out of Africa, Un llanto en la oscuridad, Postcards from the Edge, The Bridges Of Madison County, Adaptation, The Devil Wears Prada, La duda y Agosto, entre otras. En 2003 volvió al teatro con La gaviota, tras 20 años de ausencia y en 2004 realizó una destacada aparición en la cinta de HBO Angels in America, por la que fue distinguida con otro Emmy. Meryl Streep es conocida por el tecnicismo, la solidez, la amplia expresividad y los distintos dialectos que le impregna a sus personajes. Ha recibido 30 nominaciones a los Globo de Oro, siendo ocho veces ganadora, acumulando así el mayor número de candidaturas que ninguna otra persona en la historia. Su larga carrera también le ha dado dos SAG, dos BAFTA y cinco nominaciones a los Grammy. En 2004 fue homenajeada por el American Film Institute por su contribución a la cultura estadounidense a través de las artes interpretativas, siendo la actriz más joven en ser distinguida. En 2010 fue reconocida con la Medalla Nacional de las Artes por parte de Barack Obama. Meryl Streep nació en Summit, Nueva Jersey. Su madre, Mary Wolf (1915–2001), fue una artista comercial y editora artística, su padre, Harry William Streep, Jr. (1910–2003), fue un ejecutivo de la industria farmacéutica. Tiene dos hermanos: Dana David y Harry William III. Sus ancestros paternos provienen de Loffenau, Alemania, en donde su bisabuelo, Gottfried Streep, fue el primero en emigrar a Estados Unidos. Igualmente, otro de sus ancestros sirvió como mayor del ejército. Por otro lado, parte de su familia es originaria de Giswil, una pequeña ciudad de Suiza. Su madre tenía ascendencia inglesa, alemana e irlandesa. Algunos de sus ancestros maternos fueron emigrantes ingleses del siglo XVIII. Su oc-
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Luego del éxito de La decisión de Sophie, encarnó a la sindicalista Karen Silkwood en el drama de Mike Nichols Silkwood. Habló con Ebert acerca de su preparación para el filme, declarando que había conocido a gente cercana a Silkwood para aprender más de ella, y que al hacerlo, se dio cuenta de que cada persona veía un aspecto distinto sobre ella. Streep se concentró en los eventos importantes de su vida, concluyendo: «no traté de convertirme en Karen. Solo traté de mirar lo que había hecho. Junté cada pieza de información que pude encontrar sobre ella... Lo que hice finalmente fue mirar los eventos de su vida, y tratar de entenderla desde adentro». Su siguientes películas fueron el drama romántico Falling in Love de 1984, junto con Robert De Niro, y el drama británico Plenty de 1985. Su participación en esta última fue descrita como de «gran sutileza; es difícil interpretar a una desbalanceada, neurótica y suicida mujer y hacerlo con tanta dulzura y encanto... Streep crea todo un personaje alrededor de una mujer que pudo haber sido simplemente solo un catálogo de síntomas». El mismo año protagonizó Out of Africa (Memorias de África), encarnando a la escritora danesa Karen Blixen y compartiendo escena con Robert Redford. La película tuvo un éxito de crítica significativo, recibiendo el 63% de aprobación por Rotten Tomatoes. Coprotagonizó junto con Jack Nicholson los dramas Heartburn (1986) y Tallo de hierro (1987). En 1988, apareció en Un llanto en la oscuridad, en donde encarnó a Lindy Chamberlain, una australiana acusada de asesinar a su propia hija de brazos, a pesar de haber clamado por su inocencia y haber acusado a un dingo del asesinato. Filmada en Australia, Streep fue condecorada por la academia cinematográfica de dicho país, AACTA, así como con el premio a la mejor actriz en el Festival de Cine de Cannes y un reconocimiento por parte del Círculo de Críticos de Nueva York, entre otros. En 1989, realizó el primer papel cómico de su carrera en She-Devil, a lado de Roseanne Barr. Richard Corliss, editor de la revista TIME, declaró que Streep era «la única razón» para ver la película y observar como marcaba su partida del tipo de papeles por las que había sido conocida, argumentando: «sorpresa! Dentro de los papeles tipo Greer Garson que Streep usualmente realiza, una loba del estilo de Carole Lombard está esperando ser liberada».
Luego de sus prominentes papeles en dos de las cintas más exitosas de la década de 1970, y además ganadoras del Óscar a la mejor película: The Deer Hunter y Kramer contra Kramer, junto con otros elogios por la versatilidad de sus interpretaciones, Streep incursionó exitosamente en los papeles protagónicos. Su primera película de la década fue La mujer del teniente francés en 1981. Un melodrama dentro de otro melodrama ambientado en la era victoriana y la actual, y en donde compartió escena con Jeremy Irons. Un artículo del New York Magazine comentó que mientras otras estrellas femeninas intentaban cultivar una identidad singular para cada película, Streep era un «camaleón», dispuesta a encarnar cualquier rol. Por su trabajo, fue premiada con el BAFTA a la mejor actriz. Su siguiente filme fue el thriller psicológico Still of the Night (1982), en donde se reunió por segunda vez con el director de Kramer contra Kramer Robert Benton y cuyo elenco estaba compuesto por Roy Scheider y Jessica Tandy. Vincent Canby, editor de The New York Times, citó que la película era un homenaje al trabajo de Alfred Hitchcock, pero que una de sus principales debilidades era la falta de química entre Streep y Scheider, concluyendo que Streep era «impresionante, pero no está lo bastante cerca de la pantalla». El mismo año interpretó a una polaca sobreviviente del holocausto en La decisión de Sophie. Su emocionalmente dramática interpretación y su aparente dominio del acento polaco le costaron el aplauso de la crítica. El guionista de la cinta, William Styron, escribió la historia para Ursula Andress, pero Streep estaba determinada a conseguir el papel. Después de conseguir una copia pirata del guión, fue hasta donde el director Alan J. Pakula y le suplicó que le diera el papel. Para la escena de «la decisión», parte fundamental de la película, Streep se negó a filmarla más de una vez pues la declaró extremadamente dolorosa y emocionalmente exhaustiva. Logró un gran número de premios internacionales, entre ellos, su segundo Óscar, esta vez como mejor actriz, así como otro Globo de Oro, entre otros. El crítico Roger Ebert declaró que sobre su actuación: «Streep realiza escenas en Brooklyn con un encantador acento polaco-estadounidense (es el primer acento que yo he querido abrazar), y realiza sus diálogos en alemán y polaco. Difícilmente no hay una emoción que Streep no toque en esta película, aún así, no somos conscientes de su esfuerzo.
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ohn Winston Ono Lennon (de nacimiento John Winston Lennon; Liverpool, Inglaterra, 9 de octubre de 1940-Nueva York, Estados Unidos, 8 de diciembre de 1980), fue un músico multiinstrumentista y compositor británico que saltó a la fama como uno de los miembros fundadores de The Beatles, una banda de rock británico activa durante la década de 1960, y reconocida como la más comercialmente exitosa y críticamente aclamada en la historia de la música popular. Junto con Paul McCartney, formó una de las parejas de compositores más exitosas del siglo xx. Nació y creció en Liverpool, donde siendo adolescente se familiarizó con el género musical skiffle, formando la banda The Quarrymen, que posteriormente se convertiría en 1960 en The Beatles. Cuando el grupo comenzó a desintegrarse hasta su disolución a finales de esa década, Lennon inició una carrera como solista, marcada por varios álbumes aclamados por la crítica, incluyendo John Lennon/Plastic Ono Band e Imagine, y canciones icónicas como «Give Peace a Chance» e «Imagine». Demostró un carácter rebelde y un ingenio mordaz en la música, el cine, la literatura y el dibujo, así como en sus declaraciones en conferencias de prensa y entrevistas. Además, la polémica le persiguió debido
a su constante activismo por la paz, junto con su esposa Yoko Ono. En 1971 se mudó a Nueva York, donde su oposición a la guerra de Vietnam dio lugar a numerosos intentos por parte del gobierno de Richard Nixon de expulsarlo del país; mientras, sus canciones fueron adoptadas como himnos por el movimiento contra la guerra. Después de su autoimpuesto retiro de la industria musical en 1975 para dedicar tiempo a su familia, Lennon volvió en 1980 con Double Fantasy. Lennon fue asesinado tres semanas después de ese lanzamiento. En los Estados Unidos, las ventas de Lennon como solista se acercan a los catorce millones de unidades, y ya sea como intérprete, autor o coautor, es responsable de veintisiete sencillos número uno en el Billboard Hot 100. En 2002, fue colocado en el octavo puesto en una encuesta de la BBC de los «100 británicos más importantes», mientras que en 2008 fue calificado por la revista Rolling Stone como el quinto mejor cantante de todos los tiempos. Después de su muerte fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores en 1987 y en el Salón de la Fama del Rock en 1994. Lennon nació en el Hospital de maternidad de Liverpool, hijo de Julia y Alfred Lennon. De acuerdo con algunos biógrafos, en ese momento se estaba llevando a cabo un ataque aéreo alemán y la hermana de su
madre, Mary «Mimi» Smith, utilizó los destellos de luz provocados por las explosiones para poder llegar al hospital por las calles destruidas. Smith diría tiempo después: «desde el momento en que vi a John en el hospital, sabía que yo era su única madre, no Julia. ¿Suena horrible? Pero, en realidad no lo es, porque Julia lo aceptó como algo perfectamente natural. Ella solía decir: “Tú eres su verdadera madre. Todo lo que hice fue dar a luz”». El niño se llamó John Winston Lennon en honor a su abuelo paterno, John «Jack» Lennon, y por el primer ministro de la época, Winston Churchill. Su padre, un marino mercante durante la Segunda Guerra Mundial, a menudo se encontraba fuera de casa y periódicamente enviaba cheques de su sueldo a Newcastle Road, Liverpool, donde Lennon vivía con su madre. Los cheques dejaron de enviarse cuando Alfred Lennon se ausentó sin previo aviso en 1943. Cuando finalmente volvió a casa en 1944, se ofreció a cuidar de la familia, pero su esposa (embarazada de otro hombre) rechazó la idea. Bajo una presión considerable, Julia le otorgó el cuidado de Lennon a su hermana después de que ésta denunciara la situación en varias ocasiones ante los servicios sociales de Liverpool.
“La vida es aquello que nos va sucediendo mientras nos empeñamos en hacer otros planes”.
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“Vivimos en un mundo dondenos escondemos para hacer el amor, mientras que la violencia se práctica a plena luz del día”
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a preocupación de Lennon comenzó a crecer cuando los admiradores que asistían a los conciertos hacían que fuera imposible oír la música con sus gritos, y la musicalidad del grupo comenzaba a sufrir las consecuencias. El repertorio estaba ya dominado por las canciones de Lennon/ McCartney, cuya letras comenzaron a recibir mayor atención por parte de los críticos que en los primeros días de la asociación. La canción «Help!» de Lennon expresa sus propios sentimientos en 1965: «Lo decía en serio (...) ¡Era yo pidiendo auxilio!». Había subido un poco de peso (más tarde se referiría a ello como su período «Fat Elvis») y se dio cuenta de que inconscientemente estaba pidiendo la ayuda de alguien y buscando un cambio. En enero siguiente tomó sin saberlo por primera vez LSD, cuando su dentista lo mezcló con café durante una cena que había organizado para Lennon, Harrison y sus esposas. El dentista le informó de lo que había hecho, y les aconsejó no salir de su casa a causa de los posibles efectos; sin embargo, los miembros del grupo se fueron, sin creer sus advertencias. Más tarde, en el ascensor de un nightclub, todos alucinaron con que estaba en llamas: «Todos estábamos gritando (...) calientes e histéricos». Otro catalizador para el cambio se produjo unos meses más tarde en marzo. Durante una entrevista con la periodista Maureen Cleave del Evening Standard, comentó: «El cristianismo se irá. Se desvanecerá y reducirá su tamaño (...) Somos más populares que Jesús ahora —no sé qué se irá primero, si el Rock and Roll o el cristianismo». El comentario pasó prácticamente desapercibido en Inglaterra, pero creó una gran controversia cuando se publicó en los Estados Unidos por la revista juvenil Datebook, cinco meses después. Las consecuencias del escándalo —la quema de discos de The Beatles, la actividad del Ku Klux Klan, y las amenazas
contra Lennon— contribuyeron a que la banda decidiera abandonar las giras. Despojados de su rutina de presentaciones en vivo después de su último concierto comercial en 1966, Lennon se sintió perdido y con deseos de dejar la banda. Desde su introducción involuntaria al LSD en enero, había aumentado su adicción a las drogas, y estuvo casi siempre bajo su influencia durante gran parte del año. En palabras del historiador musical Jonathan Gould, «Más que cualquiera de los otros Beatles, la relación de John Lennon con el LSD a lo largo de 1966 tenía como objetivo la búsqueda del aura personal». Lennon «dirigió su atención espiritual con la ayuda del LSD, con la esperanza de que esta drástica forma de la introspección le pudiera apartar de su dependencia del “Beatle” John», y pasó «largas horas en difusa contemplación, deambulando por los pasillos de su
mente». Según el biógrafo Ian MacDonald, la experiencia continua de Lennon con LSD durante el año lo llevó «cerca de perder su identidad». El consumo de drogas comenzó a afectar profundamente a su labor compositiva, y capturó lo que Gould llama «imaginería alucinatoria» en la letra de sus canciones. En 1967 apareció en su única película sin The Beatles, la comedia de humor negro How I Won the War.
Ese mismo año, el histórico álbum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band mostró el fuerte contraste de las letras de Lennon con las sencillas canciones de amor de los primeros años del dúo Lennon/McCartney. Gould calificó «Lucy in the Sky with Diamonds» como «una canción como ninguna otra de amor que John Lennon haya escrito jamás, un limpio y etéreo cuento de hadas en el que el chico conoce a la chica, el chico pierde la chica, y luego sigue conociéndola y perdiéndola de nuevo». Demostrando plenamente el lirismo surrealista de Lennon, «La búsqueda de ensueño es llevada a través de un paisaje surrealista de flores gigantescas, que da lugar a “taxis hechos de periódicos” (...) una estación de tren, y un último vistazo fugaz a la muchacha con ojos de caleidoscopio». En agosto, después de ser presentados al Maharishi Mahesh Yogi, el grupo asistió a un fin de semana de instrucción personal en su seminario de Meditación Trascendental en Bangor, Gales. El grupo se vio destrozado por la repentina muerte de Epstein durante el seminario de Bangor. «Entonces supe que estábamos en problemas», diría Lennon después. «No tuve conceptos erróneos acerca de nuestra capacidad para hacer otra cosa que tocar música, y tenía miedo». Más tarde volverían a viajar al ashram del Maharishi en la India para obtener mayor orientación; allí compusieron la mayoría de las canciones para The Beatles y Abbey Road. McCartney organizó el primer proyecto de la banda después de la muerte de Epstein, la película Magical Mystery Tour, que resultó ser su primer trabajo en recibir críticas negativas. Su banda sonora, Magical Mystery Tour, fue un éxito comercial, con letras una vez más impregnadas
del surrealismo de Lennon. Describiendo «I Am the Walrus», Gould escribe: «Para los lectores de Lewis Carroll, la morsa y el hombre huevo son personajes inconfundibles de las páginas de Alicia a través del espejo. En «Strawberry Fields Forever», Lennon utiliza frases simples para obtener un poderoso efecto: «Strawberry fields (...) Nothing is real».
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A pesar de que su amistad con Ringo Starr se mantuvo constantemente activa durante los años siguientes a la ruptura de The Beatles en 1970, la relación con McCartney y Harrison fue variada. Se mantuvo cercano a Harrison al principio, pero perdieron contacto después de que Lennon se mudara a Estados Unidos. Cuando Harrison se encontraba en Nueva York en diciembre de 1974 para su gira Dark Horse, Lennon estuvo de acuerdo en reunirse con él arriba del escenario, pero no se presentó después de una discusión por la negativa de Lennon a firmar un acuerdo que disolvería como asociación legal a The Beatles (Lennon finalmente firmó los papeles en Walt Disney World en Florida, mientras estaba de vacaciones allí con Pang y Julian). Harrison hizo enfurecer a Lennon en 1980 cuando publicó una autobiografía en la que hizo muy poca mención de él. Lennon le dijo a Playboy: «Me lastimó. Por la evidente omisión mi influencia sobre él era absolutamente nula, cero recuerda absolutamente todos los saxos y guitarras que ha conocido, pero no me menciona a mí ni una sola vez». Los sentimientos más duros de Lennon estaban reservados para McCartney. Además de atacarlo a través de la letra de «How Do You Sleep?», discutió con él a través de la prensa durante tres años después de la separación del grupo. Posteriormente comenzaron a restablecer la estrecha amistad que habían tenido una vez, e incluso, en 1974, volvieron a tocar juntos para lo que sería la única vez que lo haría, antes de perder contacto una vez más. Lennon dijo que durante la última visita de McCartney, en abril de 1976, vieron el episodio de Saturday Night Live en el que Lorne Michaels hizo una oferta en efectivo de $3,000 para reunir a The Beatles en el programa. La pareja había considerado ir al estudio para realizarles una broma, tratando de reclamar su parte del dinero, pero estaban muy cansados. El evento fue fingido en la película televisiva Two of Us (2000). Junto con su alejamiento con McCartney, Lennon siempre sintió una competitividad musical contra él y siempre se mantuvo a la expectativa de su música. Durante su auto-impuesto descanso de cinco años estaba feliz de estar sentado mientras McCartney estaba produciendo a lo que Lennon vio como basura. Cuando McCartney publicó Coming Up en 1980, el año en que Lennon regresó al estudio y el último año de su vida, la consideró como buena. Ese mismo año se le preguntó si el grupo se veía como enemigos o como los mejores amigos, a lo que contestó que no lo eran, y que no había visto a ninguno de ellos en mucho tiempo. Pero también dijo «Sigo queriendo a los chicos. The Beatles terminaron, pero John, Paul, George y Ringo siguen adelante».
lrededor de las 10:50 pm del 8 de diciembre de 1980, poco después de que Lennon y Ono volvieran al Dakota, el apartamento de Nueva York donde vivían, Mark David Chapman, a quien Lennon le había autografiado una copia del álbum Double Fantasy, y quien esperaba en el lobby junto al portero de reemplazo José Sanjenís Perdomo, disparó contra Lennon por la espalda cinco veces en la entrada al edificio (Sanjenís Perdomo fue quien lo acusó y el único testigo del hecho). Fue llevado a la sala de emergencia del cercano Hospital Roosevelt y fue declarado muerto a su llegada a las 11:20 pm. Al día siguiente, Ono emitió una declaración, diciendo: «No hay funeral para John». Ono concluyó su declaración con las palabras, «John amaba y rezaba por la raza humana. Por favor, recen por lo mismo». Su cuerpo fue incinerado en el Cementerio Ferncliff en Hartsdale, Nueva York. Ono esparció sus cenizas en el Central Park de Nueva York, donde más tarde se creó el monumento conmemorativo Strawberry Fields. Chapman se declaró culpable por asesinato en segundo grado y fue condenado a cadena perpetua en prisión; actualmente aún permanece en la cárcel, después de haberle sido negada en repetidas ocasiones la libertad condicional.
Si tomaste, no manejes. Usa el cinturón de seguridad.
HUBLOT
Mรกs que un reloj...