I N T R O D U C C I Ó N A C O M U N I C A C I Ó N V I S U A L
DANIEL MURILLO ARIAS 2019-7586
E L E M E N T O S D E L D I S E Ñ O
Elementos del diseño La teoría de Wucius Wong comienza con una lista de elementos del diseño, estos elementos están muy relacionados entre si y no pueden ser fácilmente separados por nuestra experiencia visual general. Tomados por separado, pueden parecer bastante abstractos, pero reunidos determinan la apariencia definitiva de un diseño.
o
Elementos conceptuales Los elementos conceptuales no son visibles. No existen de hecho, sino que parecen estar presentes. Estos puntos, líneas, planos y volúmenes no están presentes, si lo estuvieran dejarían de ser elementos conceptuales. Punto. Un punto indica posición, no tiene ancho o largo, ni ocupa una zona, es simplemente el principio y fin de una línea. Línea. Cuando un punto se mueve, su recorrido se transforma en una línea, esta línea tiene largo, pero no ancho y forma los bordes de un plano. Plano. El recorrido de una línea en movimiento se convierte en un plano. Un plano tiene largo y ancho, pero no grosor. Tiene posición y dirección, este define los limites extremos de un volumen. Volumen. El recorrido de un plano en movimiento se convierte en un volumen, Tiene una posición en el espacio y está limitado por planos.
o Elementos visuales Cuando dibujamos empleamos una línea visible para representar la línea conceptual, así es como los elementos conceptuales se vuelven visible adquiriendo forma, medida, color y textura.
Forma. Todo lo que pueda ser visto tiene una forma que es lo que identificamos por nuestra percepción. Medida. Todas las formas tienen un tamaño, el tamaño es relativo si lo describimos en términos de magnitud y de pequeñez pero asimismo es físicamente mensurable.
Color. Una forma se distingue de sus cercanías por medio del color. El color se utiliza en su sentido amplio, comprendiendo los colores del espectro solar y los neutros. Textura. La textura se refiere a las cercanías en la superficie de una forma. Puede ser decorada, suave o rugosa y puede atraer tanto al sentido del tacto como al de la vista.
o Elementos de relación Este grupo de elementos gobierna la ubicación y la interrelación de las formas en el diseño, estos elementos pueden ser percibidos, como la dirección y la posición; otros pueden ser sentidos, como el espacio y la gravedad. Dirección. La dirección de una forma depende de cómo está relacionada con el observador, con el marco o con otras formas cercanas.
Posición. La posición de una forma es juzgada por su relación respecto al cuadro o la estructura del diseño.
Espacio. Las formas de cualquier tamaño, por pequeñas que sean ocupan un espacio, así quede el espacio ocupado o vacío, sugiere profundidad.
Gravedad. Esta sensación no es visual sino psicológica. Tenemos tendencia a atribuir pesantez o liviandad, estabilidad o inestabilidad a formas o grupo de formas.
o Elementos prácticos Los elementos prácticos subyacen el contenido y el alcance de un diseño.
Representación. Cuando una forma ha sido derivada de la naturaleza, o del mundo hecho por el ser humano, es representativa. La representación puede ser realista, estilizada o semi-abstracta. Significado. El significado se hace presente cuando el diseño transporta un mensaje. Función. La función se hace presente cuando un diseño debe servir un determinado propósito.
W U C I U S W O N G
Wucius Wong 1936 Guangdong, es un famoso pintor que trabaja con tinta china, siendo uno de los principales referentes del movimiento conocido como Nueva Tinta en Hong Kong. A su vez, es considerado el exponente más importante del diseño bidimensional y en tres dimensiones.
Es originario de la provincia de Guangdong, China, aunque creció en Hong Kong. Fue influenciado por Lui Shou-Kwan, con quien dio sus primeros pasos en la pintura china con tinta en 1955. Su rol ha sido fundamental para la promoción de la literatura y arte moderno, siendo además miembro del One Art Group. También ha tenido un papel importante como educador y administrador de arte, llevando a Hong Kong muchas de las teorías y conceptos utilizados en la era moderna por los occidentales. Se encargó de propagar estas ideas gracias a la publicación y la organización de eventos. Su influencia ha sido tan importante que ayudó a desarrollar e impartir cursos de diseño que han servido para formar a un gran número de diseñadores. Los primeros pasos de Wong en el área del diseño los realizó estudiando y experimentando con los conceptos tradicionales, aunque con un giro hacia detalles y elementos más modernos. Se convirtió en uno de los grandes exponentes en su estilo, con obras exhibidas por todo el mundo.
Durante la década de los 50, Wong se mudó a Estados Unidos. Allí se inscribió en el Columbus College of Art and Design, institución que se encuentra en Ohio. Un tiempo después también realizó estudios en el Maryland Institute of Art, que se ubica en Baltimore, institución donde logró el título de Bachiller y un master. Luego de completar su formación en Estados Unidos, Wong decidió regresar a China. Obtuvo un empleo como conservador en un museo de arte. Además, dio clases en la escuela de diseño Swire, parte del politécnico de Hong Kong. Para los años 70 logró ser becado por la fundación John Rockefeller III. Esto ayudó a que Wong pudiera realizar una serie importante de estudios que tienen que ver cómo las lenguas occidentales se pueden plasmar con el uso de elementos como las líneas, las luces y/o las texturas. El libro Fundamentos del diseño es una de las contribuciones más importantes de Wong al mundo del diseño. Esta publicación se ha convertido en un libro de cabecera para todos los estudiantes de diseño, ya que en la obra se exponen de forma bien detallada todas las definiciones y detalles sobre el diseño en dos y tres dimensiones. En Fundamentos del diseño se exponen y agrupan de una manera sencilla los principios de la gramática visual, que se refiere al arte de crear mensajes visuales. Estos principios resultan indispensables a la hora de realizar una construcción gráfica. Para Wong, para que un diseño se pudiera considerar como algo bueno o bien realizado, debía representar de la mejor forma posible las propiedades o los atributos de algo. Este algo podría ser un mensaje, un objeto o simplemente un producto.
Wong explicó que “la creación de algo no debe ser solo estética, sino también funcional, mientras refleja o guía el gusto de su época”.
T E O R I A G E S T A L T
Teoría de Gestalt
Las "Leyes de la percepción" o "Leyes de la Gestalt" fueron anunciadas por los psicólogos de la Gestalt (Max Wertheimer, Wolfgang Köhler y Kurt Koffka en Alemania a principios del siglo XX) quienes, en un laboratorio de psicología experimental, demostraron que el cerebro humano organiza los elementos percibidos en forma de configuraciones (GESTALTS) o totalidades; lo hace de la mejor forma posible recurriendo a ciertos principios. Lo percibido deja entonces de ser un conjunto de manchas o de sonidos inconexos para tornarse un todo coherente, es decir: objetos, personas, escenas, palabras, oraciones, etc. El cerebro transforma lo percibido en algo nuevo, algo creado a partir de los elementos que percibe para hacerlo coherente aun pagando a veces el precio de la inexactitud. Así, las tareas del cerebro consisten en localizar contornos y separar objetos (figura y fondo) unir o agrupar elementos (similaridad, continuidad, destino común) en comparar características de uno con otro (contraste - similaridad) en destacar lo importante de lo accesorio (figura y fondo) en rellenar huecos en la imagen percibida para que sea íntegra y coherente (Ley de cierre).
L E Y E S
D E
G E S T A L T
Ley de pregnancia o de la mejor forma.
Esta es una de las leyes fundamentales, al igual que la Ley del Fondo y Figura, y engloba a varias de las leyes particulares (como la Ley de Cierre o la Ley de la Continuidad).
Nuestra mente percibe mejor las formas simples que las complejas, filtramos las partes de una figura que tienen «buena forma» de las que no la tienen, intentando dar un significado más coherente a una estructura no realista, que es lo que ocurre cuando observamos una «figura imposible«, a las que solamente les encontramos un sentido congruente si fijamos nuestra atención en una zona determinada de la imagen y nuestra imaginación crea un «todo» bien construido, resultando así más comprensible y más fácil de recordar. Unas veces, completando configuraciones inconclusas o fragmentadas.
Ley del fondo y figura.
Se basa en la incapacidad del cerebro para interpretar un objeto como fondo y como figura a la vez. Sólo somos capaces de distinguir la figura si ésta está bien diferenciada del fondo, si resulta nítida y bien definida. De no ser así, el fondo no pasa desapercibido y aleja nuestro centro de atención de la figura, convirtiendo la imagen en algo confuso y muy complejo.
Ley de cierre.
Establece que las formas cerradas nos resultan menos incรณmodas, por lo que nuestra mente tiende a completar aquello que falta. De manera que somos capaces de ver el rostro de una mujer conformado por las esparcidas piezas de una Harley Davidson desmontada.
Ley de continuidad
En un funcionamiento similar al de la Ley de Cierre, nos basamos en elementos independientes para formar en nuestra mente una figura acabada. Como por ejemplo podemos ver un conjunto de baterĂas de diferentes tamaĂąos apiladas pueden terminar formando un tren.
Ley de cercanía o de proximidad. Nos resulta más fácil entender como un «todo» a aquellas cosas que están más cerca, y tendemos a ver como una unidad los elementos adyacentes.
Aplicando esta ley podemos con un conjunto de aves descansando en un árbol seco podemos transmitir lo que es la forma de una botella de vodka.
Ley de simetría
De lejos, apreciamos como iguales las imágenes simétricas, como si se tratara de un único cuerpo, en busca de un equilibrio que nos sugiere valores positivos como la estabilidad o la constancia y que ayuda a distinguir mejor la figura del fondo, como podemos ver en la imagen publicitaria y portada del álbum “The Division Bell” de Pink Floyd.
Ley de contraste
Siempre nos resultarán más reconocibles las formas que destaquen al compararlas con otras, por su tamaño, por su textura o por su color, siendo este el elemento más diferenciador de todos. Como podemos observar en esta publicidad de smirnoff donde vemos un conjunto de ovejas que entre ellas se encuentra un lobo que resalta ya que está dentro de la botella haciendo referencia a la campaña que es “Pure fantasy”.
Ley de la dirección común
Advertimos como una única figura a aquellas cosas que se mueven en una misma dirección o hacia el mismo destino, Así como aquellos componentes de una imagen que, aun siendo ésta fija, crean patrones que parecen orientarse en una misma dirección, como por ejemplo en la publicidad de ELAL Airlines la cual marca la trayectoria de un avión para formar un avión al final de estos colores.
Ley de la experiencia Esta es una ley que puede alterar a todas las anteriores, ya que nuestra propia experiencia y nuestros conocimientos nos llevan a interpretar de diferentes maneras cualquier imagen.
Nuestra experiencia puede llegar a formar de dos botellas de Heineken con un contorno bastante marcado llegamos a ver un par de glĂşteos, gracias a esta misma silueta.
S E Ñ A L E T I C A S D E F E R R E T E R I A S
P U N T O
Y
L I N E A
Punto y línea
El punto, es el elemento gráfico básico y conforma la unidad mínima de la comunicación visual, puede verse intensificado por medio del color, el tamaño y su posición en el plano. Por el principio de agrupación es posible construir formas, contornos, tonos o colores (Kandinsky,1971). Sus principales características son:
- Cuando se encuentra solo en el plano, tiene un gran poder de atracción.
- Si se añade otro punto en el mismo plano, produce una sensación de tensión.
- Da lugar a la conformación de otros conceptos como el color, cuando aparecen varios puntos en el mismo campo visual.
El puntillismo, es la aplicación del punto en la expresión artística, es un estilo de pintura que consiste en hacer un dibujo mediante puntos. El puntillismo, aparece por primera
vez en 1886, gracias al pintor neoimpresionista Georges Seurat, junto a sus seguidores más fieles, entre ellos Henri-Edmond Cross y Vlaho Bukovac. El procedimiento de pintura empleado por estos artistas, consiste en poner puntos de colores puros en vez de pinceladas sobre la tela. Georges Seurat, pintor francés, realizó un estudio cromático de la división de tonos por la posición de toques de color que, mirados a cierta distancia, crean en la retina las combinaciones deseadas. Otro de los más importantes seguidores del puntillismo fue Paul Signac, participante junto con Seurat y otros neoimpresionistas en la Société des Artistes Indépendants (1884), todos ellos seguidores del puntillismo o divisionismo (Schaefer, 1973).
La Línea, puede ser definida como la unión o aproximación de varios puntos. Casi siempre genera dinamismo y definen direccionalmente la composición en la que la insertemos. Su presencia crea tensión en el espacio donde la ubiquemos y afecta a los diferentes elementos que conviven con ella. Puede definirse también como un punto en movimiento o como la historia del movimiento de un punto, por lo cual tiene una enorme energía, nunca es estática y es el elemento visual básico del boceto (Kandinsky, 1968).
La línea, es un elemento indispensable en el diseño, tiene en el gráfico la misma importancia que la letra en el texto. Sus principales elementos son: la dirección con respecto a la página, su longitud, su grosor o espesor, su forma recta o curva y color.
La línea es capaz de expresar emociones: línea gruesa se asocia con audacia, línea recta es fuerza y estabilidad, la línea en zigzag es excitación (todo es generalización). Líneas rectas de misma longitud y grosor en agrupaciones paralelas introducen factores de relación proporcional e intervalos rítmicos.
Horizontales y verticales introducen el principio de la oposición equilibrada de tensiones. La vertical expresa una fuerza de significación primordial: la gravedad. La horizontal es un plano soportante. Producen un sentimiento satisfactorio, porque simbolizan la experiencia humana del equilibrio absoluto (Schaefer, 1973).
Identificación de punto y línea en anuncios
Como: podemos apreciar en el dibujo como usan el dibujo y la fotografía para hacer el elemento de un paquete donde se encuentran las papas. Dónde: tanto en lo que hace referencia al paquete de papas donde vemos líneas, puntos de partidas en la parte baja y hasta en el mismo logo que ya viene formando de la misma publicidad. Porque: en el dibujo del paquete y de las papas cumple perfectamente con el diseño de lo que viene a ser un tipo de empaque solo dibujando las líneas de este, ya sea un envase, la clásica bolsa de papas u otro cualquiera que nuestra mente pueda comprender.
Como: en la lata de coca cola podemos apreciar como aplican un efecto de gotas en la lata principalmente haciendo referencia a la condensación de vapor de agua cuando esta se encuentra fría. Dónde: la forma de la lata, las gotas, las líneas del clásico diseño de las latas de coca cola. Porque: por la creatividad, porque te hace recordar que la lata esta fría, te revive ese recuerdo de cuando sacas una botella fría de refresco de una hielera y por la simplicidad del anuncio.
Como: comunican a través de un niño que ha dibujado su obra de arte con los bigotes de Salvador Dalí el uso de sus productos. Dónde: Las líneas se pueden apreciar en muchas partes aquí, los dibujos del niño, en los bigotes, en el cabello y los puntos de igual manera en muchas partes principalmente en el dibujo del niño Porque: Abarcando 2 áreas como el dibujo y la fotografía para sobreponer uno del otro, primero el niño que sería a quien se le vende el producto y luego el resultado del producto, recordando que lo primero sería su clientela.
Como: este anuncio principalmente entrando en el campo de que todo es un poco más abstracto, podemos ver los puntos y líneas como se expresan en el dibujo no solamente así, si no que estos cuadrados rosados también rellenan un poco más el anuncio. Dónde: líneas y puntos los podemos encontrar principalmente en el dibujo principal los cabellos el traje, la corbata etc. Porque: un anuncio de este estilo que como podemos ver que es promocionando un programa de arte nos hace recordar, de cómo encontrarse con uno mismo por el reflejo y de un dibujo que podemos fácilmente recordar a Albert Einstein.
Como: esta es una publicidad que principalmente va a lo que es algo bastante simple donde nos presentan al icono conejo de Nesquik (llamado Quick). Dónde: en la división del amarillo y el marrón principalmente podemos apreciar varias líneas, puntos en la parte marrón, estas dos también las podemos encontrar en el conejo Quick. Porque: las líneas están bien logradas en ese anuncio ya que es bastante simple y agradable a la vistas gracias justamente a estas líneas que dividen los sectores amarillos y marrones.
F O R M A S P O S I T I V A S N E G A T I V A S
Formas negativas y positivas Por regla general, a la forma se la ve como ocupante de un espacio, pero también puede ser vista como un espacio blanco, rodeado de un espacio ocupado. Cuando se la percibe como ocupante de un espacio, la llamamos forma positiva. Cuando se la percibe como un espacio en blanco, rodeado por un espacio ocupado, la llamamos forma «negativa» En el diseño en blanco y negro, tendemos a considerar al negro como ocupado y al blanco como vacío. Así, una forma negra es reconocida como positiva y una forma blanca como negativa. Pero tales formas no corresponden siempre a la realidad. Especialmente cuando las formas se penetran o interfieren entre si ya no es fácil separar lo que es positivo y lo que es negativo. La forma, sea positiva o negativa, es mencionada comúnmente como la figura, que esta sobre un fondo. Aquí el fondo designa a la zona cercana a la forma o figura. En casos ambiguos, la relación entre figura y fondo puede ser reversible.
I N T E R R E L A C I O N D E
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F O R M A S
Interrelación de formas Las formas pueden encontrarse entre sí de diferentes maneras. Hemos demostrado que cuando una forma se superpone a otra, los resultados no son tan simples como podamos haber creído. Ahora elegimos dos círculos y vemos como pueden ser reunidos. Escogemos dos círculos de la misma medida para evitar complicaciones innecesarias. Pueden distinguirse ocho maneras diferentes para su interrelación:
Distanciamiento. Ambas formas quedan separadas entre sí, aunque puedan estar muy cercanas.
Toque. Si acercamos ambas formas, comienzan a tocarse. El espacio que las mantenía separadas en queda así anulado.
Superposición. Si acercamos aún más ambas formas, una se cruza sobre la otra y parece estar por encima, cubriendo una porción de la que queda debajo.
Penetración . ambas formas parecen transparentes. No hay una relación obvia de arriba y debajo entre ellas, y los contornos de ambas formas siguen siendo enteramente visibles.
Unión. ambas formas quedan reunidas y se convierten en una forma nueva y mayor. Ambas formas pierden una parte de su contorno cuando están unidas.
Sustracción. Cuando una forma invisible se cruza sobre otra visible, el resultado es una sustracción. La porción de la forma visible que queda cubierta por la invisible se convierte asimismo en invisible. La sustracci6n puede ser considerada como la superposici6n de una forma negativa sobre una positiva.
intersección. solamente es visible la porción en que ambas formas se cruzan entre sí. Como resultado de la intersección, surge una forma nueva y más pequeña. Puede no recordarnos las formas originales con las que fue creada.
Coincidencia. Si acercamos aún más ambas formas, habrán de coincidir. Los dos círculos se convierten en uno. Las diversas clases de interrelaciones deben siempre ser exploradas cuando se organizan formas dentro de un diseño.
R E P E T I C I Ó N
Repetición Cuando un diseño ha sido compuesto por una cantidad de formas, las idénticas o similares entre si son formas unitarias o módulos que aparecen más de una vez en el diseño. La presencia de módulos tiende a unificar el diseño. Los módulos pueden ser descubiertos fácilmente en casi todos los diseños si los buscamos. Un diseño puede contener más de un conjunto de módulos. Los módulos deben ser simples. Los demasiado complicados tienden a destacarse como formas individuales, con lo que el efecto de unidad puede ser anulado.
Repetición de módulos Si utilizamos la misma forma más de una vez en un diseño, la utilizamos en repetición. La repetición es el método más simple para el diseño, suele aporta una inmediata sensación de armonía. Cada módulo que se repite es como el compás de un ritmo dado.
Tipos de repetición Con una idea precisa, la repetición debe ser considerada respecto a cauno de los elemento visuales y de relación: Repetición de figura. La figura siempre es el elemento más importante, es la que se repite, estas pueden tener diferentes medidas, colores etc.
Repetición de tamaño. Solo es posible cuando las figuras son también repetidas o muy similares.
Repetición de color. Esto supone que todas las formas tienen el mismo color, pero que sus figuras y tamaños pueden variar.
Repetición de textura. Todas las formas pueden ser de la misma textura, pero pueden ser de diferentes conformaciones, medidas o colores. En la impresión, todas las formas sólidamente impresas con la misma clase de tinta sobre la misma superficie son consideradas de una misma textura.
Repetición de dirección. Esto solo es posible cuando las formas muestran un sentido definido de dirección.
Repeticiรณn de posiciรณn. Esto se refiere a como se disponen la formas, de acuerdo a una estructura.
Repeticiรณn de espacio. Todas las formas pueden ocupar su espacio de una misma manera, en otras palabras, pueden ser todas positivas, o todas negativas o relacionadas de la misma manera en el plano.
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Estructura La mayoría de los diseños tienen una estructura. La estructura debe gobernar la composición de las formas en un diseño, por regla la estructura impone un orden y predetermina las relaciones internas de las formas en un diseño.
Estructura formal Una estructura formal se compone de líneas estructurales que aparecen construidas de manera rígida, matemática. Estructura semiformal Una estructura semiformal es habitualmente bastante regular, pero existe la ligera irregularidad. Puede componerse o no de líneas estructurales que determinan la disposición de los módulos. Estructura informal Una estructura informal no tiene normalmente líneas estructurales. La organización es generalmente libre o indefinida. Estructura inactiva Todos los tipos de estructura pueden ser activos o inactivos, una estructura inactiva se compone de líneas estructurales que son puramente conceptuales. Estructura activa Una estructura activa se compone de líneas estructurales que son asimismo conceptuales, sin embargo, las líneas estructurales activas pueden dividir el espacio en subdivisiones individuales, que interactuar de varias maneras con los módulos.
Estructura invisible En la mayoría de los casos, las estructuras son invisibles, sean formales, semiformales, informales, activas o inactivas, en las estructuras invisibles las líneas estructurales son conceptuales, incluso si cercenan un fragmente de un módulo. Estructura visible Las líneas estructurales existen como líneas reales y visibles, de un grosor deseado, tales líneas deben ser tratadas como una clase especial de modulo ya que poseen todos los elementos visibles y pueden interactuar con los módulos y con el espacio contenido por cada una de las subdivisiones estructurales. Estructura de repetición Cuando los módulos son colocados regularmente, con un espacio igual alrededor de cada uno, puede decirse que están en una estructura de repetición. Estructura de múltiple repetición Cuando la estructura se compone de más de una clase de subdivisiones estructurales, que se repiten en forma y tamaño, ya no se trata de una estructura de repetición, sino de una estructura de múltiple repetición, esta sigue siendo una estructura formal, las diversas clases de subdivisiones estructurales se entretejen en un dibujo regular.
M O D U L O S S U B M O D U L O S T A R E A
E S T R U C T U R A E N
A N U N C I O S
Tipos de estructuras en anuncios
Estructura formal por las líneas que siguen la forma de las letras estas, aunque cambian de color siempre siguen este mismo patrón en todo momento, tiene una estructura visible y se puede tomar como retícula básica partiendo de que esta son las letras.
Una retícula básica de líneas verticales se puede entender bastante bien que, tenemos también una estructura visible en las galletas y la crema, subdivisión estructurar entre las galletas con la crema, estructura de repetición y tenemos una estructura formal.
Estructura semiformal ya que cada uno de las puntas del producto es de tamaĂąo diferente y forma, aunque guardan un parentesco entre ellos, estructura inactiva y estructura invisible.
Estructura informal es lo más notable en el diseño ya que cada uno de los elementos tiene un tamaño diferente, estructura inactiva de lo que venía a ser una naranja y estructura visible en los fragmentos de naranja.
Estructura de repeticiรณn bastante clara, estructura visible, estructura activa en las formas del fondo junto con la forma de la botella y estructura formal ya que se pueden ver perfectamente las marcas de las estructuras en la botella y en las formas del fondo tanto y de igual manera las formas dentro de la botella.
S I M I L I T U D
Similitud Las formas pueden parecerse y sin embargo no ser idénticas. Si no son idénticas, las formas no están en repetición. Están en similitud. Los aspectos de similitud pueden encontrarse fácilmente en la naturaleza. Las hojas de un árbol, los árboles de un bosque, los granos de arena en una playa, las olas del océano, son ejemplos vívidos. La similitud no tiene la estricta regularidad de la repetición, pero mantiene en grado considerable la sensación de regularidad.
Similitud de Módulos Las figuras usadas se parecen. En la repetición sus tamaños deben ser también parecidos. Cuando la diferencia sea reducida, los módulos pueden parecer repetitivos, si esta aumenta pueden parecer figuras individuales, solamente vagamente relacionadas.
La similitud de módulos en un diseño se refiere primordialmente, a la similitud de las figuras de esos módulos. En una estructura de repetición, los tamaños de los módulos deben ser también similares, la similitud debe ser considerada separadamente, respecto a cada uno de los elementos visuales y de relación. La figura es siempre el elemento principal para establecer la relación de similitud, porque las formas difícilmente podrían ser consideradas como similares si lo fueran en tamaño, color y textura, pero diferentes en figura. Desde luego el grado de similitud de figuras puede ser muy flexible.
La similitud de figura puede ser creada por uno de los siguientes medios:
Asociación: Pueden ser agrupadas juntas de acuerdo a su tipo, su familia, su significado o su función. La serie de similitud es aquí particularmente flexible.
Imperfección: Es cuando una figura ‘ideal’ es deformada, transformada, mutilada, cortada o quebrada.
Distorsión Espacial: Es cuando la forma es rotada, curvada o retorcida lo que deriva en una gran variedad de distorsiones espaciales.
Unión o Sustracción: Una forma puede está compuesta por dos formas más pequeñas que son unidas u obtenidas sustrayendo una forma menor de una mayor. Los múltiples medios por los que se relacionan las dos formas componentes producen una cadena de módulos en similitud.
Tensión o Comprensión: Una forma puede ser estirada (Por una fuerza interior que empuja los contornos hacia afuera) o apretada (Por una fuerza exterior que empuja los contornos hacia adentro), lo que deriva en una serie de módulos en similitud.
E S T A M P A D O S ( T A R E A )
G R A D A C I O N
Gradación La gradación es una disciplina más estricta. Exige no solo un cambio gradual, sino que ese cambio gradual, sea hecho de manera ordenada. Genera ilusión óptica y crea una sensación de progresión, lo que normalmente conduce a una culminación o una serie de culminaciones. La gradación es una experiencia visual diaria. Las cosas que están cerca de nosotros parecen grandes, y las lejanas parecen pequeñas. Si miramos desde abajo a un edificio alto, con una fachada de ventanas iguales, el cambio en tamaño de las ventanas sugiere una ley de la gradación.
Gradación de módulos La mayor parte de los elementos visuales o de relación pueden ser utilizados en gradación, solos o combinados, para obtener diversos efectos. Esto supone que los módulos pueden tener gradación de figura, de tamaño, de color, de textura, de dirección, de posición, de espacio y de gravedad. Sin embargo, tres de estos elementos serán descartados de la presente consideración. Uno es el color, que está más allá del objeto de este libro, otro es la textura, y el otro es la gravedad, que depende de los efectos producidos por otros elementos. Eliminados éstos, los restantes pueden reunirse en tres grupos principales: gradación en el plano, gradación espacial y gradación en la figura.
Gradación de Plano No afecta a la figura ni al tamaño de los módulos. La relación entre los módulos y el plano de la imagen permanece constante. Pueden distinguirse dos clases de gradación en el plano: Esto indica en gradual cambio de dirección de los módulos. Una figura puede ser rotada sin trasladarse en el plano de la imagen. Rotación en el plano: Esto indica un gradual cambio de dirección de los módulos. Una figura puede ser rotada sin trasladarse en el plano de la imagen.
Gradación Espacial La gradación espacial o gradación en el plano, afecta a la figura o al tamaño de los módulos. La relación entre los módulos y el plano de la imagen nunca es constante, Pueden distinguirse dos clases de gradación espacial: Rotación Espacial o rotación en el plano: Con una separación gradual del plano de la imagen, un módulo puede ser rotado para que veamos cada vez un poco más del borde y un poco menos del frente.
Gradación Espacial La gradación espacial o gradación en el plano, afecta a la figura o al tamaño de los módulos. La relación entre los módulos y el plano de la imagen nunca es constante, Pueden distinguirse dos clases de gradación espacial. Rotación Espacial o rotación en el plano: Con una separación gradual del plano de la imagen, un módulo puede ser rotado para que veamos cada vez un poco más del borde y un poco menos del frente, Una figura chata puede verse cada vez más estrecha hasta convertirse casi en una fina línea.
El Camino de la Gradación Toda forma puede ser gradualmente cambiada hasta convertirse en cualquier otra. Como ocurre ese cambio es algo que queda determinado por el camino de gradación que se elija. Hay múltiples caminos para la gradación. El diseñador puede escoger un camino de gradación en el plano, en el espacio, en la figura o en una combinación de ellos. El camino puede ser directo o dar rodeo.
La Velocidad de Gradación La cantidad de pasos requeridos para que una figura cambie de una situación a otra determina la velocidad de gradación. Cuando los pasos son pocos, la velocidad es rápida, y cuando son muchos la velocidad es lenta. La velocidad en gradación depende de los efectos que el diseñador quiera obtener. Una gradación rápida provoca saltos visuales, mientras una gradación lenta evoluciona lenta y a veces casi imperceptiblemente. La ilusión óptica es habitualmente el resultado de la gradación lenta.
R A D I A C I Ó N
Radiación
Es una estructura modular que gira sobre un eje en forma rotatoria, en ella encontramos varias formas de expresión de radiación, efector circular, efecto dispersivo y efecto lineal. Los módulos repetidos o las subdivisiones estructurales que giran regularmente alrededor de un centro común. Esta puede tener el efecto de vibración óptica que encontramos en la gradación. Además, se puede hacer gradación con formas estructurales de menor a mayor o redimensionando el dibujo de grande a pequeño o viceversa. Características de un esquema de Radiación. Es generalmente multisimetrico. Posee un Vigoroso punto focal, habitualmente situado en el centro del dibujo Puede generar energía óptica y movimiento, desde o hacia el centro. Estructura de Radiación. Centro de Radiación: marca el punto focal en cuyo derredor se sitúan los módulos. Debe anotarse que el centro no siempre es el centro físico. Direcciones de Radiación: son las direcciones de las líneas estructurales tanto como a las direcciones de los módulos. Se distinguen 3 clases principales de estructura de radiación: Centrifuga, Concéntrica y Centrípeta.
Cuando hablamos de este tema hacemos referencia a la repetición de los módulos o subdivisiones estructurales que giran regularmente en torno a un centro como si fuera una magnitud gravitacional. Esta posee el efecto de vibración óptica, al igual que en la gradación algunas características son: -Al igual que la gradación, este puede dar la ilusión óptica de movimiento. -Conserva siempre un potente punto focal, el cual se encuentra situado en el centro del dibujo.
Al igual que la repetición, la radiación tiende a la clonación de los elementos o módulos que se encuentran presentes en el diseño, a diferencia de que aquí, estos giran en torno a un punto, donde cada vez hay mayor concentración de los mismos. Lo que genera una sensación de vibración óptica, al igual que se puede hallar en la gradación.
Características de la Radiación:
Muestra un diseño multisimetrico. Presenta un punto a donde todos los elementos marcan una dirección. Girando en torno a este. Puede generar una sensación óptica, debido a como se presenta en el diseño.
Estructura de la Radiación: Centro de Radiación: no siempre será físico. Este centro es hacia donde todos los módulos o elementos, apuntaran una dirección, haciéndolo notable. Direcciones de Radiación: la dirección de las líneas, hacia donde se enfoca el diseño, así mismo para los módulos. Normalmente, existen tres clases de radiación, las cuales son: Estructura Centrifuga: Normalmente la más conocida, pues en este tipo de radiación indicamos que las líneas comienzan desde el centro e irán apuntando en todas las direcciones, manteniendo un orden en el diseño. Estructura Centrifuga Básica: son líneas rectas que salen del punto de enfoque o el centro de la radiación. Curvatura o quebrantamiento de líneas: como su nombre indica, las líneas salen del punto focal, hacia afuera, pero a diferencia que estas pueden presentar líneas curvas o quebradas.
Centro en posición Excéntrica: este es el centro físico del diseño, y puede presentarse en cualquier posición. Apertura del Centro de Radiación: este le da cierto enfoque a la radiación, ya que es de donde comienzan la línea, estas pueden salir de un circulo, un cuadrado, un triángulo, etc.
La Estructura Concéntrica: En vez de irradiar del centro, en esta las líneas están rodeando el centro en unas capas regulares. Estructura Concéntrica Básica: se compone de capas de círculos espaciados igualmente, que finalmente encierran el centro del diseño. Enderezamiento, Curvatura o quebrantamiento de las líneas estructurales: las líneas son puestas en formas curvas y quebradas. Traslado de los Centros: no como en el anterior tema, aquí no se posee un centro común, el centro puede encontrarse en movilidad a lo largo de las líneas. Centros Múltiples: se habla de variedad de centros de los cuales pueden salir las líneas. Centros Distorsionados, Ocultos o ambas: se conoce como un solo centro que presenta distorsión, a diferencia que los centros ocultos, pueden ser varios. Capas Concéntricas Reorganizada: en esta la estructura puede reorganizarse o modificarse, haciendo que unas líneas puedan ser curvas, y otra puedan unirse entre sí.
Estructura Centrípeta: Las líneas muestran un enfoque que se va hacia adentro, mostrando hacia donde apuntan o qué dirección presentan los ángulos y las curvas. Estructura Centrípeta Básica: las líneas deben presentarse paralelas, de acuerdo a los 2 lados rectos del sector que están apuntando hacia adentro. Cambio Direccional de líneas Estructurales: las líneas como son paralelas, estas pueden tomar diferentes direcciones de enfoque. Curvatura y Quebrantamiento de líneas: crean cambios entre sí, generándose líneas curvas y quebradas. Apertura del Centro de Radiación: el centro de la radiación se abre, entre sí, generando un cambio.
Radiación y Repetición: Que se genera la radiación, pero por cada línea y modulo se tiene que mantener la repetición, puede que sea guiada por una estructura inicial. Radiación y Gradación: se genera la radiación, pero aquí la gradación comienza a cambiar la estructura, ya que los módulos comienzan a cambiar su forma a como empezaron al arrancar del punto de enfoque hasta llegar al final de la radiación.
A N O M A L Í A
Anomalía
Las anomalías son alteraciones drásticas en un entorno perceptivo. Todas las anomalías tienen la propiedad de llamar la atención de manera rápida. Por ello se usan en comunicación visual para dirigir la mirada de los espectadores. En la imagen superior la anomalía perceptiva es una fuerte influencia en la llamada de atención, un grito visual por así decirlo la anomalía puede producirse por el cambio de forma, de color de tamaño y posición, también es importante la composición de los elementos. Bien es hora de aplicar a los trabajos y a decorar de manera creativa. Las anomalías siempre generan expectativas en el espectador. Es un fenómeno natural ligado a mil procesos que se operan en la naturaleza, como la caída de las hojas de un árbol. Su cambio de color es una anomalía frente al verde de las hojas cuando están activas. Las anomalías deben entenderse como un medio para jerarquizar la comunicación de un mensaje, de manera que facilitemos al lector el acceso a la información. Las anomalías siempre generan expectativas en el espectador. Es un fenómeno natural ligado a mil procesos que se operan en la naturaleza, como la caída de las hojas de un árbol. Su cambio de color es una anomalía frente al verde de las hojas cuando están activas. Las anomalías deben entenderse como un medio para jerarquizar la comunicación de un mensaje, de manera que facilitemos al lector el acceso a la información. Es la presencia de la irregularidad en un diseño en el cual aún prevalece la regularidad. Marca cierto grado de desviación, lo que resulta una interrupción leve o considerable, de la disciplina total y su uso responde a una necesidad.
Atraer la Atención. Usada en forma moderada, se destaca y atrae la atención inmediatamente, puede crearse un centro de interés si la anomalía se produce sólo dentro de una zona restringida del diseño.
Aliviar la monotonía. La regularidad se hace monótona, la anomalía genera movimiento y vibración; en este caso, las zonas anómalas deben ser esparcidas, casual o sistemáticamente, sobre todo el diseño.
Transformar la regularidad. Una clase de regularidad puede ser transformada en otra. Aquí la anomalía es sólo un cambio de disciplina.
Quebrar la regularidad. La regularidad puede ser completamente aniquilada hasta el desorden en una o más zonas. La anomalía parece ser más violenta en este caso, pero debe mantenerse la unidad del diseño.
Anomalía entre módulos
Existe la regularidad entre los módulos cuando están relacionados entre sí bajo alguna disciplina, puede ser la repetición, la similitud o la gradación. Los módulos pueden ser repetitivos, pero sólo en ciertos elementos, y de gradación en los elementos restantes. Un módulo anómalo no tiene que ser diferente en todo sentido, puede desviarse en uno o dos elementos y conformarse en los otros a la regularidad general. La anomalía puede ser apenas perceptible, o puede ser extremadamente prominente; los módulos anómalos pueden mantener cierta regularidad entre sí, o pueden ser muy diferentes entre sí.
Los módulos anómalos pueden llamar la atención de las siguientes maneras:
la anomalía es prominente, todos los módulos anómalos aparecen dentro de una zona restringida; hay sólo unos pocos módulos anómalos (o hay sólo uno).
C O N T R A S T E
Contraste
El contraste es uno de los principios del diseño. Contraste se produce cuando dos elementos son diferentes. Cuanto mayor sea la diferencia mayor será el contraste. La clave para trabajar con contraste es asegurarse de que las diferencias son obvias. Toda pieza bien diseñada tiene un elemento dominante. Esto aporta claridad a nuestro diseño y ayuda a la audiencia a entender cuál es el foco de la composición y dónde comenzar a mirar. Por el contrario, un contraste bajo puede establecer el foco en donde no corresponde. El resultado es la ambigüedad de la diapositiva y consecuentemente, la confusión del observador.
Tipos de Contraste: Contrate de Tamaño: elementos grandes y pequeños del mismo tipo.
Contraste de Figura: comparación de dos o más figuras con formas diferentes
Contraste de Escala: elementos a diferentes escalas de las reales
Contrastar Con el Color: complementos opuestos de colores para crear contraste
Contraste de Temperatura: se da con la relaciĂłn entre colores cĂĄlidos y frĂos.
Contraste de dirección: casi todos los módulos pueden tener direcciones similares, las direcciones contrastantes son utilizadas para provocar una agitación.
Contraste de posición: los módulos pueden ser dispuestos hacia los bordes opuestos del marco creando tensión entre ellos.
Contraste de espacio: el encuentro entre módulos positivos y negativos es una forma de producir contraste espacial.
Contraste de gravedad: los módulos que caen desde posiciones altas o bajas, o que asciendan de bajas a altas, pueden sugerir una fuerza de gravedad.
Algunas maneras de utilizar elementos del diseño. Añadir interés visual a un diseño de columnas con alto texto mediante el uso de fotografías grandes o de forma irregular. Una serie de imágenes estáticas con una sola imagen que muestra el movimiento va a atraer la mirada a la imagen de contraste. Alinear el texto a la izquierda, estableciendo subtítulos alineados a la derecha en una columna adyacente. Típicamente, un diseño puede emplear una combinación de 2 o más elementos de contraste.
C O N C E N T R A C I Ó N
Concentración. En el Diseño existen varios tipos de concentración, cuya finalidad es presentar el contraste del peso visual en el campo de la imagen: Pesantez y liviandad. Los elementos de mayor peso tendrán la función de atraer la atención del usuario, mientras que los elementos que contienen mayor ligereza, no pierden importancia por ser distribuidos en forma estratégica y ayudan a dirigir la mirada hacia el área de concentración.
Los tipos de concentración que pueden dar impacto a una composición son los siguientes:
Concentración hacia un punto. los elementos se reúnen alrededor de un punto conceptual, quedando éste visible y los elementos de menor peso se dispersan alrededor del mismo.
Concentración desde un punto: los elementos se reúnen partiendo de un punto conceptual, quedando éste visible y completamente libre o despejado, para concentrarse en los extremos o bordes de la composición.
Concentración hacia una línea: los elementos se reúnen siguiendo una línea conceptual, quedando ésta visible y los elementos de menor peso se dispersan alrededor de la misma.
Concentración desde una línea: los elementos se reúnen partiendo de una línea conceptual quedando ésta visible al estar completamente libre o despejada, para concentrarse en los extremos o bordes de la composición.
Concentración libre: los elementos se reúnen en forma libre y estratégica en todo el campo visual de la composición.
Superconcentración: los elementos se reúnen en forma libre y densa en toda la composición, generando una saturación de elementos con un propósito específico.
Desconcentraciรณn: los elementos se dispersan en forma libre sobre la estructura, generando espacios despejados con menor peso visual.
T E X T U R A
Textura La textura se refiere a las características de superficie de una figura. Toda figura tiene una superficie y toda superficie debe tener ciertas características, que pueden ser descritas como suave o rugosa, lisa o decorada, opaca o brillante, blanda o dura. La textura puede ser clasificada en dos importantes categorías: textura visual y textura táctil.
La textura visual La textura visual es estrictamente bidimensional. Es la clase de textura que puede ser vista por el ojo, aunque pueda evocar también sensaciones táctiles. Puede ser decorativa, espontánea o mecánica.
Decorativa: Cuando “decora” una superficie y queda subordinada a la figura. Si se suprime, no afecta mucho a las figuras. Generalmente mantiene cierto grado de uniformidad.
Espontanea: No “decora”, sino que es parte del proceso de creación visual. La figura y la textura no pueden ser separadas, porque son una misma cosa.
Mecánica: Se refiere a la textura obtenida por medios mecánicos especiales, pero no los que se obtienen con instrumentos como reglas y compases. Un ejemplo típico es el granulado fotográfico y las tramas tipográficas.
Existen varios métodos para fabricar texturas visuales. Entre ellas encontramos: dibujo, pintura, impresión, copia, frotado, vaporización, derrame, manchado, quemado, raspado y procesos fotográficos. La textura táctil La textura táctil es el tipo de textura que no solo es visible al ojo, sino que puede sentirse con la mano. Se eleva sobre la superficie de un diseño bidimensional y se acerca a un relieve tridimensional. Esta textura puede ser natural, cuando es propia de los materiales utilizados; modificada, cuando se ha añadido una textura adicional a la natural de los elementos compositivos a través de algún proceso físico o químico; y organizada, cuando la unión de pequeñas porciones de algún material se ordena de manera que produzcan una nueva textura táctil (por ejemplo, semillas, alfileres, botones, cordones, etc.). Los materiales pueden a veces ser identificables, pero la nueva sensación de superficie es mucho más dominante. Todos los tipos de textura táctil pueden ser transformados en textura visual a través de un proceso fotográfico.
La Fabricación de la Textura Visual
La textura visual puede ser producida de varias maneras: Dibujo y pintura: son los métodos más simples para producir la textura visual.
Impresión, copia y frotado: un dibujo con relieve o una superficie rugosa pueden ser entintados y luego impresos sobre otra superficie, para crear una textura visual, que puede ser decorativa o espontánea, según como sea manejada la técnica.
Vaporización, derrame y volcado: la pintura líquida, diluida o evaporada hasta la consistencia deseada, puede ser vaporizada, derramada o volcada sobre una superficie.
Manchado y teñido: una superficie absorbente puede ser manchada o teñida para obtener una clase de textura visual.
Ahumado y quemado: una superficie puede ser ahumada sobre una llama para obtener un tipo de textura.
Raspado y rascado: una superficie pintada o entintada puede ser raspada o rascada con alguna suerte de utensilio duro o filoso para obtener una textura.
Procesos fotográficos: las técnicas especiales de cuarto oscuro pueden agregar una textura interesante a las imágenes fotográficas.
U N I O N
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T E C N I C A S
P R O Y E C T O F I N A L ( R A D I A C I O N ,
A N O M A L I A ,
C O N C E N T R A C I O N
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C O N T R A S T E ,
T E X T U R A )