Match Point by David Gil

INTRODUCCIÓN Después de unas comedias que no tuvieron gran aceptación entre el público, Woody Allen se adentra en el mundo de la tragedia griega para realizar una reflexión sobre el azar en la vida. Para ello, relacionará un deporte como el tenis con el mundo de la ópera, haciendo constantes referencias al mundo griego clásico. Desde el inicio, el cineasta reflexiona acerca de esos momentos afortunados de la vida y nos enseña un discurso que nada tendrá que ver con el carácter cómico de muchos de sus films. Como se mostrará durante el trabajo, el director se aleja tanto de su peculiar estilo cómico como de su país natal que le había visto rodar más de una treintena de películas. El lugar elegido es Londres y esta película iniciará una trilogía rodada en la capital del Reino Unido, compuesta por “Match Point1”, “Scoop”2 y “El sueño de Cassandra”3. Tres películas de género dramático que tienen algunos rasgos en común que al final del trabajo explicaremos brevemente. Sin más dilación, se va a proceder a analizar los rasgos fundamentales de Match Point, deteniéndonos en algunos elementos clave para la comprensión del significado final, tales como el primer plano de la película, el primer encuentro entre los protagonistas de la historia o la música. También se realizará un breve recorrido por la intertextualidad del film, es decir, atenderemos a las referencias textuales sobre las que se basa esta película. Una vez realizado todo este desglose de elementos narrativos fundamentales, se extraerán las conclusiones propias de la película.

MATCH POINT. Woody Allen, 2005 SCOOP. Woddy Allen, 2006 3 CASSANDRA’S DREAM. Woody Allen, 2007 2

ELEMENTOS DE ESCRITURA FÍLMICA Antes de iniciar con el análisis en profundidad de la película, querría describir y reproducir tanto la primera imagen de la película como las palabras que podemos escuchar mientras que la observamos. Cabe aclarar que la versión escogida para llevar a cabo el análisis es la doblada al castellano, pareciendo que la voz que pronuncia estas primeras palabras sea la de el propio protagonista. La película se inicia con una red de tenis y una pelota pasando de un lado a otro del campo, mientras escuchamos una ópera. Una voz en off introduce unas frases que tendrán gran repercusión durante el resto del film: “Aquel que dijo más vale tener suerte que talento, conocía la esencia de la vida La gente tiene miedo a reconocer que gran parte de la vida depende de la suerte. Asusta pensar cuántas cosas se escapan a nuestro control. En un partido hay momentos en los que una pelota golpea la red, y durante una fracción de segundo puede ir hacia delante o hacia detrás”. Con un poco de suerte se va hacia delante y ganas o no lo hace y pierdes”. La pelota golpea a la red coincidiendo con las palabras de la voz en off y se congela en el aire mientras se finaliza esa frase. Después, el plano acaba en un fundido en negro y finaliza la música. Woody Allen realiza una gran comparación entre un momento en el lance de un deporte con la propia vida. Además, en un plano muy simple y una oración (la primera) realiza toda una apabullante declaración de intenciones que será el tema principal de todo el film. Este simple plano fijo en el que espectador sólo tiene que observar como pasa una pelota de lado a lado es, sin duda, el plano que va a resumir metafóricamente todo el contenido del film. Tal es la importancia, que en la recta final del largometraje, el significado del plano será el mismo, cuando Chris tire al río el anillo que le ha robado a la vecina de Nola. Aunque en este segundo la cámara sigue el objeto hasta que golpea contra la barandilla. Esta joya caerá al suelo en lugar de al agua. Esto producirá que un yonqui recoja el anillo y que sea el acusado de matar a la chica americana. Si el anillo hubiera caído al río, nadie lo hubiera conseguido y las investigaciones habrían apuntado al protagonista, pero el azar se alía con él durante todo el film. Esta es la gran metáfora

que nos regala el director en la película, en la que el anillo simbolizará la pelota, que a su vez representa el azar. Pero también podemos decir que esa joya representa la metonimia y sustituye a toda la riqueza en la que se ve envuelto el protagonista. Podría haber tirado al río una pulsera o un collar, pero la forma redonda del anillo es más comparable al esférico y además se puede observar con mayor nitidez el oro, que simboliza la riqueza.

La historia de Match Point transcurre en lugares emblemáticos de Londres, como la Galeria Saatchi o el palacio de Buckhingham. Es curioso que durante su la larga y exitosa carrera cinematográfica, Woody Allen siempre había rodado en su país natal. Es esta la razón por la que muchos de sus admiradores no entienden que después de más de 30 películas cambie de ubicación. Pero si por algo se caracteriza Londres es por sus nublados cielos, sus tormentas y por ser un país con una notable coyuntura económica. Esto lo utiliza para presentarnos una familia de la alta nobleza británica y las grises relaciones de los hijos de ésta con Chris y con Nola. El primero protagonizará una relación turbia por sus constantes encuentros sexuales con la chica americana y su desenlace final, aunque Cloe no se dará cuenta de todo lo que ha pasado y su única obsesión será la de casarse y posteriormente, tener un hijo. La relación extramatrimonial de los dos protagonistas también la podríamos resumir en la escena de la primera consumación del amor entre ambos en el campo del trigo. La pasión que desprenden ambos y la fuerte tormenta nos ayuda a imaginarnos que sus encuentros de aquí en adelante serán muy pasionales, pero a la vez violentos y al final negros como las nubes.

Por otro lado, Tom se enamorará de Nola, aunque ésta nunca será del agrado de su madre, ya que es una fracasada actriz y es americana. Su relación no llegará a buen puerto y él la dejará al enamorase de otra mujer. Hay que destacar que además de algunos lugares emblemáticos de Londres, las acciones transcurrirán entre el contraste de los estudios de Chris y Nola y las lujosas posesiones (casas y empresa) de la familia Hewett. Woody Allen realiza una película de género dramático que al final durante la investigación va derivando hacia un thriller. El director es muy conocido por maravillosas comedias, entre las que destaca “Manhattan”4, pero durante su larga e incesante carrera también ha rodado películas de género dramático. No hace falta recordar películas como “Septiembre”5 o como la coodirigida con Scorsese y Coppola “Historias de Nueva York”6. Pero bien es cierto que de toda su filmografía hay que resaltar que hay una película que guarda muchas similitudes con “Match Point”, que es “Delitos y faltas7”. En ésta, un famoso oftalmólogo decide finiquitar sus relaciones sexuales con una amante pagando a un matón para que termine con ella, ante la amenaza de que ella le cuente sus encuentros a su mujer. Aunque bien es cierto que son dos películas que guardan ciertas similitudes, tienen algunas diferencias entre ellas. La que llama más poderosamente la atención es que en una aparece físicamente la figura del director y en la otra no. De sobra es conocido, como ya se ha mencionado, el carácter cómico del cineasta, por lo que en “Delitos y faltas” su presencia ya le da una 4

MANHATTAN. Woody Allen, 1979 SEPTIEMBRE. Woody Allen, 1987 6 NEW YORK STORIES. Scorsese M., Coppola F.F., Allen W., 1989 7 CRIMES AND MISDEMEANORS. Woody Allen, 1989 5

cierta tonalidad humorística al relato. No quiero decir que nos encontremos ante una comedia, sino que en ésta película se esboza alguna sonrisa, como cuando se proyecta el documental que ha grabado Clifford (personaje que interpreta Woody Allen), acto que no sucede en “Match Point”. De las palabras de Woody Allen recogidas de la página web www.elmulticine.com, hemos de destacar el concepto de culpabilidad individual que se deriva del final de ambos films: “Y nosotros vivimos en un mundo en el que no hay nadie que te castigue si tú no te castigas a ti mismo. Judah [protagonista de “Delitos y faltas”] es alguien que hace lo que es conveniente para él cuando tiene que hacerlo. ¡Y sale bien librado! Y después, presumiblemente, lleva una vida estupenda. Si elige no castigarse a sí mismo entonces ha salido bien librado”.

En cuanto a la figura femenina de Scarlett Johansson, recuerda mucho a la de Rita Hayworth, en el film de Orson Welles, “La dama de Shanghai”8. Es muy comparable la presentación de las dos bellezas rubias con un vestido blanco que las distingue de cuántos elementos les rodean. Por ejemplo, en el momento en el que Chris y ella se ven por primera vez, lo único que el espectador observa es una red y una bola pasando de lado a lado. Aquí nos encontramos con un plano similar al del inicio. Se oye una voz femenina, aunque aún no la identificamos: -

¿Quién va a ser mi próxima víctima?

Hace mucho tiempo que no juego al ping pong – contesta Chris

¿Quieres jugar a 1000 libras el partido?

En dónde me he metido

La conversación se va a desarrollar con un plano/contraplano en plano medio, que nos permite observar la belleza de la chica con ese vestido blanco. Chris coge la pala y golpea muy fuerte la pelota. Si atendemos a las palabras pronunciadas por ambos, nos damos cuenta de cómo en el primer encuentro entre ellos aparecen palabras como víctima, agresividad, sensual, o temas como le dinero, que a la postre tendrán una gran importancia. Después de este punto, Chris se dirige hacia la chica, que pronuncia la misma frase que él: “En donde me he metido yo”. La coge y le enseña como hay que golpear la bola. Sólo con la mirada de ella hacia él y la forma en la que el protagonista la coge, uno se puede dar cuenta del deseo que hay entre ambos. La conversación va subiendo de temperatura: 8

¿Te han dicho alguna vez que tienes un juego muy agresivo? – chica.

THE LADY FROM SHANGHAI. Orson Welles, 1947

¿Y a ti que tienes una boca muy sensual? En la dama de Shanghai el protagonista muestra el arrepentimiento de haberse fijado en esa mujer, pero aquí es Chris el que sin saber lo que pasará en el futuro dice “En donde me he metido yo”. Además, en las dos películas los protagonistas sucumbirán a sus encantos, pero al final se convertirán en el prototipo de “mujer fatal”, que llevarán a los hombres a ser detenidos o casi detenidos, como en el caso de la película que está siendo objeto de análisis y a las mujeres a la muerte. Para resaltar esta idea, hay un momento del film en el que Cloe y Chris van al ballet a contemplar la obra “La dama de blanco”.

( Otra referencia fundamental sobre la que se basa “Match Point”, es la clara vinculación de la historia a la de la novela de Dostoievski, “Crimen y castigo”9. Esta referencia no es ocultado por Woody Allen, ya que al inicio de la película aparece Chris en su habitación leyendo tanto ésta como unos relatos del mismo autor. Además, en un momento dado de la película, el padre de Cloe dice haber tenido una conversación interesante con el protagonista acerca del autor ruso. Dicho libro versa acerca de la fortuna que tiene un joven cuando no es condenado, después de haber matado a una mujer. Siguiendo con las fuentes de inspiración del cineasta estadounidense, se ha de mencionar el mundo clásico griego. La película es una tragedia y como tal sigue las fases y las características de las tragedias griegas. Además, a lo largo del film aparecerán constantes referencias hacia el país heleno, como el viaje de la familia a las islas que componen el archipiélago heleno, citas de Sófocles, palabras como belleza clásica o directamente la palabra trágico o tragedia. 9

DOSTOYEVSKI, F. Crimen y castigo. Edimat Libros, 2003

Hay otra característica importantísima que difiere del cine habitual del director. Allen se olvida del jazz que aparece en casi toda su filmografía para presentarnos numerosas óperas. No voy a profundizar en este tema ahora, porque será desarrollado cuando se pase a analizar el aspecto técnico del sonido. No obstante, es oportuno resaltar aquí que el director rompe con su habitual estilo musical.

ELEMENTOS

FORMALES

IMPLICADOS

DESARROLLO DEL GESTO SEMÁNTICO El discurso de “Match Point” se caracteriza por seguir una estructura bastante clásica. Se inicia con una presentación, se desarrolla la historia y al final se le da un último giro que ata todos los cabos que faltan por ligar. Pero lo que hay que destacar en este aspecto es la linealidad y la continuidad del discurso. Si recordamos algunas películas de Woody Allen como “Desmontado a Harry”10 o “Maridos y Mujeres”11, el discurso se caracteriza por los constantes saltos en el tiempo, los fallos de raccord, los saltos de eje y, en la primera de éstas dos películas, incluso por las constantes intromisiones de un mundo ficticio. Pero el director se aleja de esta técnica y relata una historia con un estilo muy clásico. Cambiaría mucho el significado de la historia sino lo hiciera, ya que la ópera, las tragedias, el azar, el amor... son temas muy clásicos que perduran en el tiempo, por lo que este film necesita de una continuidad. Tan sólo se puede observar una imagen de ficción en el momento en el que estamos viendo el sueño del policía, cuando aparece Chris hablando con sus víctimas. Esta continuidad se complementa mediante la técnica de montaje de corte directo. Pero para hablar del montaje hay que destacar unos elementos que aparecen en los momentos fundamentales del film. Primero, observamos la técnica del fundido cuando desaparece el primer plano de la película que hemos comentado anteriormente, ya que éste es como una pequeña presentación y resumen de todo el discurso que se nos presentará después. Es como un inciso, una aclaración que será fundamental para entender el significado final del relato. Pero también en este plano podemos observar cómo se congela la pelota en el aire, haciendo referencia a esa fracción de segundo en el que la vida queda a expensas del azar, cómo va narrando la voz en off. Esta técnica de congelar un elemento se repetirá 10 11

DECONSTRUCTING HARRY. Woody Allen, 1997 HUSBANDS AND WIFES. Woody Allen, 1992

en el otro plano que se ha mostrado al inicio, en el que el anillo golpeará la barandilla y en unos segundos el azar decidirá la suerte del protagonista. Además, desde que se inicia el lanzamiento del objeto, la imagen estará muy relentizada, resaltando este momento clave de la película. El sonido tiene una importancia capital durante todo el discurso. Durante el breve recorrido que estamos haciendo por la película, ya se ha comentado que Woody Allen abandona su habitual jazz y el espacio musical del film es ocupado por la ópera. Ya en el primer plano de la película, sobradamente comentado, podemos escuchar un fragmento de “Una Furtiva Lagrima”, de “LÉlisir DÁmore “de Donizetti*12, junto a la voz en off extradiegética que nos anticipará el leitmotiv del film. A partir de este momento, escucharemos óperas cómo Guillermo Tell, Salvadora Rosa, Rigalletto… La característica que une a muchas de ellas es que versan sobre el tema del que está tratando en ese momento la historia. Así pues, cuando Nola siente celos escuchamos “O Figli, Figli miei”, que corresponde a un acto de “MacBeth”, compuesta también por Verdi. En los primeros encuentros extramatrimoniales de Nola y Chris, escuchamos “Un Di Felice” de “La Traviata”, que narra los encuentros pasionales entre Alfredo y Violetta. O en el impactante último plano en el que volvemos escuchar la ópera con la que se inicia la película, “Una Furtiva Lagrima”, de “LÉlisir DÁmore “de Donizetti*13, mientras Chris mira por la ventana con la mirada perdida. "Una furtiva lágrima / en sus ojos despuntó / a aquellas alegres jóvenes / envidiar pareció / ¿Qué más buscando voy? / ¿Qué más buscando voy?", dice la letra. En el rostro de Chris y, sobretodo, en su mirada vemos un sentimiento de culpa que le invade y esta canción lo define a la perfección con la última frase. Pero sin duda alguna, la ópera que está por encima de todas las que se oyen es la de “Desdemona”, de “Othelo” de Giusseppe Verdi*14. La letra de esta ópera alude a la culpabilidad que le otorga Otello a Desdemona Ésta es la empleada por el director en el momento más importante de la película, que es cuando se producen los dos asesinatos. La ópera dura la friolera de nueve minutos, in crescendo en los momentos en los que se efectúan los disparos.

www.forodvd.com www.miradas.net 14 www.elmulticine.com 13

Por último, vamos a comentar algunos aspectos respecto al encuadre, que también ayudarán a comprender el carácter clásico de Match point. El encuadre está sometido al relato y será Chris el que haga avanzar la historia. Así pues, después del primer plano de la película, observamos cómo el protagonista va en busca de trabajo o de piso, y durante otras secuencias lo veremos visitando de forma solitaria la casa de campo de la familia Hewett (este paseo servirá para caracterizar a la familia y para que casualmente encuentre a Nola), paseando por Londres, saliendo del trabajo para dirigirse a otros lugares... Este modo de ir avanzando la historia junto a Chris será la constante durante todo el film. Además, los encuadres se caracterizan por tener los elementos justos y suficientes para dotar de significado al relato. Dentro de la casa de campo habrá grandes estanterías, jardines o rústicos muebles, los estudios de Chris y Nola tendrán pocas cosas, la oficina será bastante lujosa... Resumiendo, no aparecen elementos encuadrados que no vayan a ser representativos de lo que se está narrando.

CONCLUSIONES Como hemos visto en la introducción del trabajo, “Match point” es la primera de las tres películas que rodó Woody Allen en Londres. Hablamos de trilogía por el número de películas que hizo el director, aunque el argumento de cada una de ellas es diferente y, a priori, tienen poca relación. No obstante, estas películas sí que tienen unos rasgos en común que vamos a explicar de forma muy breve. El primero es que las tres versan sobre los asuntos turbios de las clases altas londinenses. Tanto el protagonista de “Match Point”, como Peter, el rico de “Scoop”, como Howard, el tío de los hermanos de “El sueño de Cassandra”, pertenecen a la aristocracia británica y se ven envueltos en asesinatos. Precisamente, ésta es la segunda característica de estas películas. Da igual que uno mate como que pague por ello, todos se ven envueltos en este tipo de crímenes. El azar también es un tema que está presente en dichos films, aunque irá perdiendo importancia a medida que avanza la trilogía. Es el tema principal de la primera película, aparece representado por un juego de cartas constante y por un mago en la segunda y en la tercera sólo se observa porque es la causa del endeudamiento de uno de los dos hermanos. Por último, hay que destacar la figura de los personajes estadounidenses de las tres películas. En “Match Point”, la única que proviene de ese país es Nola, que acaba siendo asesinada. En la segunda película, el personaje americano es el propio Woody Allen, que acaba muriendo en un accidente de tráfico al no acostumbrarse a conducir por el carril de la izquierda. Y en la tercera, no hay personajes provenientes de ese lugar, pero sí que Ian, uno de los dos hermanos, tiene el objetivo y la ilusión de montarse un negocio y enriquecerse en Estados Unidos. Este personaje, también acabará muriendo a manos de su propio hermano. Aunque no hay una crítica explícita a su país natal, sí que se puede observar un discurso un poco antiamericano, ya que no es casualidad que siempre mueran los personajes estadounidenses o los que pretenden mudarse allí, como en el caso de “El sueño de Cassandra”. Realizado este breve recorrido por las últimas películas de Woody Allen, sólo queda repasar los aspectos más importantes que convierten a Match Point en una grandísima película, injustamente maltratada por los premios de la academia americana, al recibir tan sólo una nominación a los Oscar, aunque la competencia del año 2006 era muy dura y esto le perjudico.

Woody Allen realiza un planteamiento metafórico entre el deporte y la vida, pero pronunciando un discurso que rompe con la concepción burguesa de la ascensión social por méritos propios. Sólo en la primera frase del film ya podemos observar cómo le otorga una gran importancia a la suerte, pero parece centrar el discurso a tan sólo unos momentos de fortuna de la vida. Sin embargo, durante toda la película veremos cómo esos momentos son muchos, concretamente toda una etapa de la vida. Chris Wilton logra poder social y un estatus económico importante por ser el yerno de un importante empresario y no por los méritos académicos o profesionales realizados. Pero la otra gran fortuna del protagonista residirá en el ámbito personal, ya que cómo se ha mencionado en el análisis, serán constantes sus relaciones extramatimoniales con Nola, decidiendo finiquitarlas cometiendo un crimen que nunca tendrá un castigo penal. El clasicismo que envuelve toda la película es también un elemento muy reseñable. El clásico Londres nublado, las tragedias y las citas clásicistas de la antigua Grecia, Dostoievski, la continuidad en la narración… hay numerosos elementos que refuerzan esta idea de tradicionalismo. Hay que añadir las palabras de Chris en el momento del sueño onírico, en el que destaca la cita que hizo Sófocles, en la que dice: “el mejor favor puede ser no haber nacido”. Desde este momento empezamos a observar el sentimiento de culpabilidad que invade a Chris, que nunca será condenado por la justicia, pero al igual que le ocurre a Judah en “Delitos y faltas”, tendrá una gran carga moral. Esta carga moral que le corroe en su interior, Woody Allen la expresa a la perfección en el último plano, con la música y, sobre todo, con esa mirada perdida del protagonista a través de la ventana en un momento de supuesta felicidad por el alumbramiento de su mujer. Los actores del film están bastante bien. La atención principal la acapara la pareja formada por Jonathan Rhys Meyers y Scarlett Johansson. El primero está soberbio, creciéndose a medida que la historia lo requiere, es decir, a medida que avanza la historia. Scarlett Johansson está bastante bien, pero en ella se produce el efecto contrario. Empieza de una forma maravillosa, presentándose como un prototipo de mujer fatal, pero no mantiene esa línea en el resto del film. La pareja de secundarios formada por Emily Mortimer y Matthew Goode, destaca menos, aunque en este caso la chica está mucho mejor. Los otros dos personajes relevantes para el film son Brian Cox y Penelope Wilton, que cumplen. Un buen reparto inglés, exceptuando la única americana tanto en la película como en la vida real de Johansson, para una gran película.

Concluyendo, Woody Allen nos regala una de las mejores obras de su filmografía, en la que el azar juega el papel fundamentel. El director enfrenta el poder económico y social con la pasión y el amor, opone la cabeza del protagonista con su propio corazón, el pensamiento con el deseo, regalándonos una historia de delitos y faltas realmente maravillosa. Entre todos estos polos encontramos el azar, que será el factor fundamentel para que unos salgan siempre victoriosos (Chris) de los avatares que les plantea la vida y otros sean siempre unos fracasados (Nola).