Nature Art 2

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Art Tema del Mes Bardenas Reales

Portfolios

Javier Lafuente Jesús Cervantes

PHOTO

Juan Tapia La Creatividad Carlos Carneiro Río Tinto

TÉCNICA Polarizadores

Citas

“Las Cuatro Estaciones”

Perfiles 1

Número 2

DISEÑO, DIRECCIÓN Y MAQUETACIÓN

David Santiago EQUIPO DE REDACCIÓN David Jerez Juan Tapia HAN COLABORADO Pablo López, Juan Zas, Jesús Aguilar, Alberto Torrejón, Anna Foix, Carlos Carneiro, Javier Lafuente, Jesús Sánchez Cervantes.

PLATAFORMA

ISSUU

Fotografía de portada Alfonsa Lalastra

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EDITORIAL La pandemia del coronavirus avoca al sector editorial a pasar por difíciles momentos, ya que muchas librerías están cerradas, novedades pospuestas o canceladas y ferias y presentaciones aplazadas.

A pesar de ello, nosotros vamos a seguir hacia delante con un nuevo número de Nature Art, donde el lector y amante de la fotografía de naturaleza de “autor”, podrá encontrar interesantes trabajos de muy diferentes fotógrafos.

David Santiago

Para este número, habría que destacar los portfolios de Jesús Sánchez Cervantes y Javier Lafuente, cuyos trabajos demuestran que la “mirada” es una parte muy importante en la fotografía. Contamos con un “tema del mes” que se centra en las Bardenas Reales, un ecosistema que visitamos este año en uno de nuestros talleres, y en el que nuestros alumnos nos han enviado sus mejores fotografías.

No tienen desperdicios las fotografías comentadas por Alberto Torrejón, Pablo López, Jesús Aguilar y Juan Zas, o el reportaje que nos trae este mes Carlos Carneiro sobre “Río Tinto”, o Anna Foix acerca de “Las Cuatro Estaciones”. Juan Tapia nos habla sobre “La Creatividad”, David Jerez sobre “Perfiles” y un servidor sobre “Los Polarizadores”.

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Juan Tapia

David Santiago

David Santiago

• ÍNDICE • Portfolio - Jesús Sánchez Cervantes

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- Javier Lafuente

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• La Creatividad. Juan Tapia

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• Perfiles. David Jerez

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• Polarizadores. David Santiago

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• Bardenas Reales

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• La Mirada del Fotógrafo. Carlos Carneiro

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• Las Cuatro Estaciones. Anna Foix

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• La Mirada

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• Citas

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POR AMOR AL ARTE “Por amor al arte”, me gusta esa expresión. Y me gusta sentir que hago fotos por el sentido literal de esa expresión. Soy fotógrafo aficionado; no vendo fotos, no tengo encargos, no tengo publicaciones, apenas tengo presencia en redes. Esto se podría convertir en un trauma, pero en mi caso no es así, creo que de esta manera puedo jugar con ventaja, hacer fotos por amor al arte. Y hacer algo por amor es maravilloso. No hay presiones, solo la manera de aprender, conocer y disfrutar de una afición. Sin ser pretencioso, es mi fantasía sentirme artista.

Después de una vida entera dedicada al arte, el grabador japonés Hokusai dijo sobre sus grabados “… a la edad de 80 habré hecho un cierto progreso”. Leer esto de un maestro puede ser desalentador, pero yo me lo tomo como una ventaja, me muestra que estoy en un proceso de aprendizaje de toda una vida. Tener la paciencia, humildad y alegría de saberse un eterno aprendiz.

No me aburriré. Un proceso de formación en el que desarrollo la mirada, la creatividad y conocimientos técnicos. Pero también desarrollo aspectos personales como el compromiso, perseverancia y la introspección. Y aprendo a relacionarme con el arte en todos sus ámbitos; literatura, pintura, música, cine…

Texto y fotos Jesús Sánchez Cervantes

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Jesús Sánchez Cervantes

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El arte es esencial, me enseña a mirar las cosas en particular y la vida en general. La fotografía me permite conocer el mundo y a conocerme a mí mismo. Generar un proyecto vital y emocionarme con la creación.

Disfruto y me divierto con el proceso de aprendizaje, la preparación, y el acto de hacer una foto. Se convierte en un acto casi hedonista cuando decido qué fotografiar, todo fluye, todo está en su sitio, todo encaja. Soy completamente feliz.

Ver la fotografía como algo vital, algo a lo que puedo dedicar toda la vida, me hace sentir dichoso. Todas mis vivencias las puedo utilizar como aprendizaje, y de esta manera evolucionar. Hasta los fracasos los puedo ver como nuevas oportunidades, como parte de este aprendizaje, cada fallo me puede conducir a un acierto.

Utilizando la pintura como inspiración el pintor romántico Caspar David Friederich dijo: “El artista debe pintar no sólo lo que ve delante de él sino también lo que ve dentro de él”.

Suena muy bonito ¿verdad?, y pintar eso suena más difícil aún, casi imposible.

Tranquilo, tengo una vida entera para intentarlo. Paciencia y a disfrutar.

LAS IDEAS

En mi camino de aprendizaje hubo un momento en el que me di cuenta que dejé de fotografiar cosas y pude empezar a fotografiar ideas, o intentarlo. Con creatividad, formación y técnica puedo crear una serie fotográfica que exprese una idea, concepto o sentimiento.

Asistí a mi primer taller con David y Juan, aprendí técnicas nuevas y la cabeza me daba mil vueltas con ganas de hacer fotos. Me embarqué en un viaje a Los Barruecos, quería fotografiar cigüeñas con un nuevo teleobjetivo recién comprado. Con el ansia del nuevo equipo tenía unas expectativas que no se cumplieron, estaba desilusionado y frustrado. Dejé de hacer fotos, me dediqué a pasear y pensar. Pensé en las cigüeñas, me las imaginé en la leyenda de traer a los bebés. Pensé en esos bebes, en cómo verían a esas cigüeñas. Miradas tempranas sin terminar de madurar, borrosas y acromáticas. Tuve la idea de intentar recrear las primeras miradas de esos bebés utilizando las nuevas técnicas aprendidas. Me di cuenta que ya no iba a fotografiar cigüeñas, iba a fotografiar una idea.

Este viaje cambió mi manera de afrontar la fotografía. Para hacer fotos, ya no busco paisajes lejanos con espectaculares luces, ahora busco ideas. Busco en mi cabeza, en un lugar mucho más cercano al que no hace falta ir en avión o tener vacaciones.

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Cuando tengo una idea no la abandono, intento plasmarla, con bocetos o escritos. Le pongo un título, así se acota y puedo entenderla mejor. De esta manera deja de ser una nebulosa en mi mente y empieza a ser algo material. Me enfrento a ella cara a cara. Algo que parece magnífico en mi mente, puede no parecerlo tanto cuando lo hago material, y viceversa. Una idea no sirve para nada si no se materializa, no merece desaparecer, aunque sea mala. Una idea desechada puede servir como pilar de otra, que termine convirtiéndose en un buen proyecto fotográfico. Formará parte del proceso.

Para este proceso escribo en cartulinas, en ellas tengo sitio de sobra para hacer anotaciones y bocetos. Escribo todo lo que se me ocurra sobre esa idea, lo que me transmite, las conexiones que pueda tener con el arte, hasta escribo la música a la que la asocio. Todo aporta. La cartulina me permite trabajar la idea de un vistazo y seguir haciendo más anotaciones.

Pienso que cuando una idea me embarca en un proyecto, debo de tratarlo con entusiasmo. Convertirlo en algo fascinante que exprese esa idea de la manera más radical. Comenzar sin dudar, sin sutilezas y sin ser comedido. Debo apostar por esa idea con pasión, me dará inercia para desarrollar el proyecto, me divertiré. Si no soy un fotógrafo aburrido no haré fotos aburridas.

LOS LUGARES Todos soñamos con ese viaje a un parque natural con sus hitos y grandes paisajes. Será un sitio espectacular, probablemente nos volveremos locos y traeremos miles de fotos, disfrutaremos como niños. Aprenderemos y tendremos mil experiencias que meter en la mochila. Ese gran paisaje está lejos de casa, nos ha costado llegar, y quizás no podemos estar demasiados días. Además, tenemos muchas expectativas que quizás no se cumplan. Conocemos el lugar por guías de viajes y fotos. No lo conocemos personalmente, “en nuestras carnes”, las verdaderas emociones que nos despierta y cómo nos sentimos allí. Lo ideal sería ir con tiempo, vivir ese lugar unos días sin hacer fotos, conectar con él, e intentar crear algo personal, sin presiones. Eso sería lo ideal claro, lo más probable es que estemos pocos días y esto se convierta en una presión añadida.

Creo que en estos lugares la posibilidad de crear un trabajo personal disminuye, es más probable obtener una foto de postal.

Hago de la fotografía un modo de vida, tengo una furgoneta con cama y he viajado a esos lugares, me permite dormir en ellos, vivir en ellos. Los llamo viajes fotográficos, una manera de conocer lugares, perseguir esas fotos soñadas, y una manera de tener mi propio viaje interior con el que aprendo y disfruto. Intento traer trabajos personales de esos lugares, aunque pocas veces lo consigo.

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Para aprender a hacer trabajos más personales soy partidario de fotografiar en localizaciones cercanas a casa. Lugares que formen parte de mi vida. Puedo ir muchas veces y puedo experimentar sin presión, en distintas estaciones, épocas y momentos de luz. Dejo la cámara en casa, voy a pasear a buscar ideas, sin la presión de fotografiar. Es un lugar que me permite estar conmigo mismo, es mi espacio para reflexionar que consigue extraer mi creatividad. Y, sobre todo, puedo tener una vinculación emocional. Vivir y disfrutar ese lugar me hará entenderlo y amarlo, forma parte de mí, me siento cómodo y feliz en él. Es mi lugar.

La posibilidad de hacer algo personal aumentan al hacerlo sobre algo que amas, tengo un vínculo emocional que puedo reflejar en una fotografía o proyecto. La típica foto de postal, sin emoción, queda lejos de mi lugar.

Con la paciencia de años de aprendizaje, de aciertos y fracasos, podré ir haciendo mi lugar más amplio. Llegar a traer proyectos personales y emocionantes de paisajes lejanos. Ese es el camino que quiero recorrer.

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EL EQUIPO Como la mayoría de fotógrafos de naturaleza, tengo una pesada mochila con objetivos, trípode, filtros, y mil cacharros más.

Mientras que mi cuerpo aguante, así será. Llego a algún lugar y despliego el trípode, coloco la cámara, uso filtros, espejos, vaselina, etc. me gusta crearme la fantasía romántica de que soy un pintor. Saco mi caballete, mi lienzo, mis pinturas y pinceles. El peso de la mochila podría ser un inconveniente, pero la fantasía de sentirme pintor me ayuda a inspirarme, y lo convierto en una ventaja.

En una exposición vi un cuadro de la catedral de Burgos nevada, a su lado estaba la fotografía de Sorolla pintando ese cuadro frente a la catedral, bajo una gran nevada, con un gran lienzo, luchando contra las inclemencias. Al día siguiente cargué mi mochila y me fui a hacer fotos, no importa el frío, el peso de la mochila o el madrugón, las ganas de sentirme artista son mucho más fuertes.

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EN CLAVE BITONAL

En la fotografía de naturaleza el color lo inunda todo, nos pasamos media vida buscando las mejores luces del amanecer o atardecer para conseguir unos paisajes impactantes, buscando flores y mariposas para crear composiciones llenas de color, buscando esas aves con plumajes muy llamativos (qué poco caso le hacemos, por ejemplo, a esos pajaritos marrones de nuestros campos o estepas) o buscando contrastes de color para nuestras imágenes abstractas. La influencia de la pintura en nuestras obras fotográficas también coloca al color en lugar destacado: el impresionismo o el expresionismo abstracto son dos claros de ejemplos de ello.

Texto y fotos Javier Lafuente

Cuando abandonamos el color y realizamos imágenes de naturaleza en blanco y negro, estamos haciendo un ejercicio de búsqueda de formas y siluetas, de dar más importancia a los espacios, a las sombras (en línea con las tradiciones orientales), en definitiva, de alejarnos del realismo más puro, de ir más allá de lo evidente y de lo que inicialmente nos atrae y enamora.

Afortunadamente, siempre ha habido en esta disciplina fotográfica nuestra, grandes ejemplos de autores en blanco y negro que nos han servido a todos de inspiración.

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Javier Lafuente

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La fotografía en color conlleva implícitamente una presunción de mayor fidelidad a la realidad y eso podría darnos una pista, entre otros muchos condicionantes, de cuando pensar en color o en blanco y negro.

Un paso más allá de la fotografía en blanco y negro es lo que se denomina fotografía de alto contraste, es decir con gran diferencia de tonos entre las distintas zonas de la imagen. Empleando una denominación más moderna y a mi modo de ver más ajustada a la realidad (ver documento “Las claves tonales en fotografía” de Carlos Larios y José B. Ruiz, con la colaboración de Ana Hernández, 2017.), podemos denominar como clave bitonal extrema aquellas imágenes que presentan esquemas tonales con valores muy extremos, con poca o nula presencia de tonos intermedios.

Imágenes donde el predominio de blancos y negros es casi total.

Estas imágenes se alejan en mayor o menor medida de la realidad que todos vemos y conocemos y nos permiten crear imágenes distintas, más limpias, donde es más fácil distinguir líneas, formas y siluetas. Esto ya de por si es un aliciente para trabajar este tipo de fotografía, pero si queremos seguir avanzando podemos incluso trabajar el simbolismo, usando esos elementos existentes en nuestra fotografía como metáforas o símiles. Evidentemente, este es un tema muy complejo y difícil y del que yo solamente os puedo mostrar algunos ejemplos, quizás no muy buenos, pero que me motivan a seguir trabajando.

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Javier Lafuente

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Encontrar estas imágenes en la naturaleza no es difícil, pero implica tener claro lo que buscamos y lo que necesitamos: tenemos que cambiar esas luces suaves y tamizadas que tanto nos gustan por luces muy duras y contraluces, incluso ayudándonos con iluminación artificial cuando sea posible, buscar sujetos que contrasten con el fondo, etc. Por supuesto, esto es necesario para obtener la imagen lo más terminada posible en cámara, aplicando un procesado sencillo y moderado, sin retoques excesivos.

Sin ánimo de ser exhaustivo y sin entrar en detalles técnicos, la única imagen en la que me he ayudado de iluminación artificial es la de la mariquita en la zarza, todas las demás que muestro aquí han sido realizadas únicamente con luz natural, buscando normalmente una luz solar frontal o una luz cenital ligeramente tamizada como la del cuervo en vuelo.

Respecto al contenido, podemos clasificar las fotografías de este artículo en dos grupos, aquellas que únicamente juegan con líneas y siluetas y otras en las que podemos encontrar algún símil, metáfora o alegoría.

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Finalmente, me gustaría compartir con vosotros el proceso que me llevó a la realización de la imagen de la mariquita y la zarza. En una jornada de macro en un parque cercano a casa, vi a una mariquita que aterrizó accidentalmente en unas zarzas y me entretuve un rato con ella, con el resultado que podéis ver en la única foto en color de este artículo, una foto normal, sin más historia. Viendo la evolución del insecto y cómo sorteaba las espinas, me vino a la cabeza una similitud con la manera en la que nosotros afrontamos nuestro día a día, avanzando y sorteando las dificultades que nos vamos encontrando. Para poder transmitir esta idea lo mejor era eliminar distracciones y centrarnos únicamente en la acción del insecto, para ello nada mejor que una clave bitonal extrema. Una conocida canción de The Beatles vino a finalizar el proceso y poner título a esta imagen: “The long and winding road”.

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LA CREATIVIDAD TRES DESTINOS PARA NUESTRA CREATIVIDAD Existen lugares maravillosos lejos de casa, paisajes paradisiacos que anhelamos captar en algún momento de nuestra vida con nuestra cámara. Normalmente, esa fuerte atracción e impulso por visitarlos surge tras ver una imagen de ellos. Durante nuestra andadura por el mundo de la fotografía, tarde o temprano, nos surgirá esa necesidad por buscar nuevas experiencias. Todo ello, puede convertirse en un plus de motivación para algunos autores, aunque para otros, puede tornarse en una forzada lucha por intentar conseguir una mayor “calidad” en su obra.

Texto y fotos Juan Tapia

En cambio, otros autores prefieren fotografiar desde la proximidad, es decir, cerca de casa. Puede parecer un destino bastante limitado e incluso aburrido, aunque nuestro aprendizaje y evolución personal puede convertirlo en un lugar tan bello como inagotable. Existen aún demasiadas imágenes que permanecen ocultas a nuestros ojos, paisajes desconocidos y que aún se encuentran por explorar. Muchos de ellos se encuentran inaccesibles a los demás, porque requieren de nuestra creatividad para hacerlos visibles.

Sean cual sean nuestras motivaciones, si fotografiar lejos o cerca de casa, nuestra creatividad siempre se convertirá en ese vehículo de tránsito entre lo conocido y lo desconocido, lo trillado y lo original. Solo nosotros podemos capitanear el rumbo de nuestra obra, y para ello, nuestra implicación durante el proceso creativo es determinante.

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Existen diferentes destinos para fortalecer nuestra creatividad. Algunos de ellos, no nos supondrán ningún desembolso económico importante, eso sí, todos y cada uno de ellos nos exigirán de un esfuerzo extra para crear imágenes más personales. No me refiero a enclaves físicos, sino a nuevas percepciones que nos puedan llevar a descubrir “nuevos lugares”.

Lugares con interés Son aquellos destinos que normalmente visitamos por su gran potencial fotográfico. A primera vista, parece que todo el mundo pueda captar imágenes maravillosas, aunque la realidad sea otra. Son lugares que nos cautivan por su gran espectacularidad, y que en ocasiones, nos convierte en fotógrafos mucho menos activos porque creemos que el entorno es tan sublime que no necesitaremos nada más para conseguir una fotografía medianamente interesante. Es muy habitual, que realicemos todas aquellas imágenes que vimos del lugar, coartando así toda nuestra capacidad creativa. Una buena actitud que podemos adoptar a la hora de visitar todos estos típicos escenarios, es intentar no hacer ninguna de aquellas imágenes que vimos. De esta manera, forzaremos a nuestra creatividad para conseguir nuevas imágenes con aquellos recursos que disponemos en ese momento.

“Siempre que viajo a lugares conocidos, intento alejarme de todas aquellas imágenes que vi de él, es mi ritual particular para conectar con mi creatividad. Intento seleccionar aquellos motivos que me importan, y trato de dejar mi interpretación hacia ellos. En todo ello, mi evolución personal es importante a la hora de mirar y capturar el paisaje de esa manera. Como se puede apreciar en estas dos fotografías realizadas en escenarios tan conocidos como, la playa de Vik y Stokksnes en Islandia, queda patente mi admiración en ese momento por el mundo de la abstracción”.

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Volver a los lugares Con los años, todos hemos llegado a repetir en más de una ocasión un destino fotográfico. Normalmente, nuestro retorno deriva por nuestra gran admiración hacia ese lugar; otras en cambio, nuestro regreso estará vinculado a nuestro crecimiento artístico. Todos tenemos ese lugar cerca de casa que nos apasiona visitar una y otra ver con nuestro equipo. En ocasiones, tendremos la sensación de estar frente a otro lugar distinto al que realmente conocemos, aunque verdaderamente eso solo será una impresión, porque verdaderamente quien ha cambiado es nuestra manera de mirar y capturar el paisaje. Para ello, nos convertiremos en fotógrafos más activos, donde la experimentación es determinante. El punto de vista, el cambio de focales o los niveles de expresividad, entre otros, nos podrán llevar a descubrir otro escenario distinto al que conocemos.

“Un bosque de eucaliptos que se encuentra cerca de casa, se convierte en uno de mis paraísos particulares. Mi retorno a este lugar, siempre me obliga a exprimir al máximo mis recursos para intentar sacar algo nuevo. Estas fotografías denotan mi pasión por la historia del arte, donde estilos como simbolismo, surrealismo e impresionismo, me inspiran y ofrecen nuevas posibilidades creativas en este escenario”.

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Lugares sin interés Estaríamos hablando de todos aquellos rincones desconocidos por su poco atractivo fotográfico, al menos, esa es la primera impresión que nos genera. En todos ellos, se pondrá a prueba nuestra capacidad creativa para intenta sacar de lo feo algo bello. Creo sin duda que son escenarios perfectos para entrenar nuestra creatividad, donde tendremos que convertirnos en fotógrafos mucho más activos. Aquí la experimentación juaga un papel fundamental en la búsqueda de descubrimientos, y que en ocasiones, nos servirán a modo de recursos para otros lugares distintos.

“Me encontraba aquel día en uno de mis campos de cultivo, experimentando la abstracción sobre una flor de avena mediante el desenfoque. En ese momento, un hallazgo casual me inspiraría más tarde para una fotografía mucho más ambiciosa como Las bailarinas (doble página). Todo nace en el momento en que esa flor me evoca, por el desenfoque, un cuerpo humano. Pronto comencé a jugar con otras flores que pudiesen aportarle una cabeza a esa figura. El viento comenzó a ser un problema para alinear los planos; aunque por ejemplo en una ocasión, me benefició para poder capturar a este personaje ahorcado. Todo se convirtió en un excelente ejercicio interpretativo mediante los niveles de expresividad, donde una flor realista y otra abstracta trascienden finalmente a un plano simbólico. Aquel día más que nunca, me di cuenta de que existen demasiados motivos invisibles a nuestros ojos, y que solo nosotros podremos hacerlos visibles por medio de nuestra imaginación ”.

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PERFILES Recuerdo hace unos años, cuando me sorprendió una tormenta mientras andaba recorriendo la gran vía una tarde de sábado . Como andaba muy cerca de la casa del libro decidí, mientras pasaba el chaparrón, dar una vuelta por la zona de libros de fotografía, es una sana y muy inspiradora costumbre ver los increíbles trabajos de otros fotógrafos , siempre hay algo que aprender o desaprender. vi un libro de fotografía en blanco y negro, mire su portada y quede rápidamente fascinado por ella. Me atrapaba, no podía dejar de mirarla una y otra vez, mi vista la recorría incansable como si mi cerebro tratara de encajar las piezas en un cubo de Rubik. Las sensaciones que me trasmitía aquella fotografía eran fantásticas. Era opresión o libertad, tristeza o nostalgia, dramatismo o esperanza. Sensaciones, desde luego, encontradas.

Texto y fotos David Jerez

¡Que efectos tan maravillosos los de esta nueva droga! Abrí el libro y por supuesto el síndrome de Stendhal se apoderó de mí. Todo se mostraba como una lenta respiración pausada y sin prisas, como si el tiempo se hubiese detenido. Me llamo la atención algunas de aquellas obras donde los protagonistas estaban rodeados por una misteriosa atmósfera de niebla, donde esta ocultaba o revelaba lo importante. La observación de estas fotos me transportaba al mundo de los sueños, donde era posible escuchar el silencio y sentir la tremenda soledad que emanaba de cada centímetro de tinta. Sin duda esta nueva droga había que disfrutarla de una manera pausada y sin prisas, teniendo mucho cuidado de no morir de sobredosis.

En la mayor parte de esas fotografías que pude ver en aquel libro, o por lo menos las que más me gustaron, aparecían simplemente árboles o bien un solo y colosal ejemplar, y sin embargo conseguía trasmitir la grandeza de la naturaleza en cada foto. Pronto descubrí que eso es uno de los pilares del minimalismo: trasmitir lo máximo con lo mínimo.

Se que os estáis preguntando de qué libro se trataba, y no puedo ser tal cruel y dejaros con la intriga. Hablo de “images of the seventh Day” del gran fotógrafo inglés Michael Kenna. Sería el primero de muchos otros como los de Chema Madoz, Hengki koentjoro, Masao Yamamoto , David Frutos, George Digalakis o Rosa Isabel Vázquez.

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Minimalismo.

El minimalismo surge con el termino “minimalismo art”, en el año 1960, una corriente contraria al expresionismo abstracto, al arte objetual y al art pop. Los paisajes se muestran como un espacio basto y desnudo, ante la grandiosidad de la naturaleza, oníricos y misteriosos, para que cada espectador tenga su propia experiencia visual.

Esta nueva forma de ver el mundo a través de la fotografía se caracteriza por mostrar imágenes austeras y dotadas de una gran simplicidad. Sin embargo, esta simplicidad no es sinónimo de que las imágenes estén vacías, sino todo lo contrario, ya que hay que conseguir contar lo máximo con lo mínimo, y para ello tendremos que despojar a la fotografía de todo lo superfluo siguiendo la máxima “todo lo que no sume al mensaje se lo resta”. Solo lo esencial tendrá cabida en nuestra fotografía. En esta reducción de elementos básicos, a veces consistirá en eliminar el uso del color o si se usan, que sean pocos y muy bien combinados.

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Estas y otras muchas herramientas estarán al servicio del artista, donde el estado de ánimo y su espiritualidad invita al espectador a realizar un viaje a ese lugar que soñamos, pero no serán lugares físicos no , sino más bien a ese lugar interior que tiene más que ver con la espiritualidad de la condición humana, que con una descripción objetiva del lugar donde se toma la fotografía.

Blanco y negro De todas las herramientas de las que se dispone el artista, esta es sin duda la más potente de todas. Como el mismo Michael Kenna decía, nosotros ya vemos en color, por lo que el uso del blanco y negro es mucho más misterioso para nosotros.

El blanco y negro se caracteriza por la ausencia de color. Pero, sin embargo, para que las fotografías en bw tengan impacto visual existe una herramienta que se debe respetar. Es el sistema de zonas ,donde es necesario tener la mayor variedad de grises posibles, y por supuesto el blanco puro y negro profundo. Este sistema de zonas fue creado por el fotógrafo americano Ansel Adams. No voy a incluirlo en este Reportaje ya que en el anterior número de Nature Art ya lo explico David Santiago.

Yo personalmente, siempre fotografío con el modo monocromo directamente en la cámara y así puedo comprobar el histograma y ver in situ como va quedando la fotografía. Me gusta buscar un histograma en forma de herradura ,donde los bordes estén altos y prácticamente tocando los límites del blanco el negro, y la zona intermedia con información y gran variedad de grises.

A la hora de fotografiar, me considero un fotógrafo muy purista e intento que la imagen esté acabada o prácticamente acabada al llegar al sensor. No pretendo que mi postura sea la más o la menos correcta, es un flujo de trabajo autoimpuesto. Personalmente me siento más cómodo, y prefiero sentirme “más fotógrafo” resolviendo los problemas surgidos con el conocimiento de la luz y procedimientos fotográficos, que sentirme diseñador gráfico, intentando arreglar en el ordenador algún defecto o algo que no he sabido resolver en el lugar, bien por desconocimientos técnicos o por un trabajo impreciso. De esta manera te obligas a mejorar y ser más minucioso en nuestros trabajos y algo super importante, que es no dejar de aprender y de experimentar.

Conseguiremos fotos más originales, ya que surgen de nuestra propia reflexión, y a veces procedimientos únicos que solo nosotros sabremos utilizar. Por eso en estas fotografías suelo recurrir a la utilización del baho, espejos, filtros de niebla y sobre todo filtros de colores, de los que hablaremos ahora, ya que estos te proporcionan un plus del cual no podemos prescindir en nuestras fotografías.

La variedad de grises que aparecen en nuestro histograma dependen directamente de los colores del escenario, por lo que influir en ellos mediante filtros de color variara dramáticamente nuestra fotografía.

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Amarillo: es un filtro muy sutil, solo funcionar si hay verdes en la fotografía y aumenta el contraste de estos.

Anaranjado: incrementa la luminosidad en la neblina o calima. Principalmente oscurece el azul del cielo y resalta las nubes.

Rojo: este filtro sí que aumenta muchísimo el contraste, por lo que tenemos que vigilarlo para que el efecto no sea excesivo, aunque puede que sea eso exactamente lo que queramos. También convierte los cielos azules a casi negros resaltando de esta manera las nubes muchísimo. También, al igual que en el anaranjado, producirá una gran luminosidad en ambientes de niebla. Además produce una mayor definición entre las flores y la vegetación.

Verde: este filtro separa visualmente la vegetación verde de las flores con colores brillantes. A diferencia del rojo y el anaranjado reduce la intensidad del azul del cielo, o sea que lo aclara.

Azul: este filtro no se nota prácticamente nada y yo no lo uso.

Consejos.

▪ Lo más importante a la hora de hacer este tipo de fotografías es tener una vista relajada y reflexiva, no hay prisas. Piensa que la foto que buscas la tienes en el interior. Será fácil de identificar, la reconocerás nada más verla, y piensa que no es lo mismo una foto sencilla que una foto vacía.

▪ Busca las primeras horas del amanecer o las últimas del atardecer. Así podrás buscar contraluces y conseguir un histograma correcto. También la noche es buen momento, ya que la oscuridad ocultara lo que no deseemos ver y podremos iluminar lo que consideremos importante.

▪ Busca la blancura absoluta de la nieve o esa niebla que oculta o descubre lo importante. Estos momentos mágicos y dramáticos se verán en tus fotos y potenciarán tu mensaje.

▪ Utiliza claves altas o bajas, o bien utiliza la profundidad de campo reducida, para difuminar los primeros planos y para crear atmósferas.

▪ Generar grano para mejorar la textura de las fotografías. Yo lo consigo sobrepasando el límite de mi sensor en cuanto al ISO. Lo que puede parecer un defecto será un aliado, de cara a conseguir texturas y atmósferas oníricas.

▪ Utiliza figuras geométricas mediante líneas ,curvas, cambios tonales, etc.

▪ No es obligatorio hacer fotos siempre en blanco y negro. Puedes realizarlas en color intentando minimizar el número de colores, utilizando solo los esenciales y necesarios. Tendrás que combinarlos sabiamente. Por ejemplo, puedes combinar primarios con secundarios, siempre funciona. Amarillo con violeta, azul con naranja o rojo con verde…

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▪ Utiliza teles medios o lentes estándar. Yo suelo usar mucho un 50mm manual de Zeiss (con ella me iría al fin del mundo). Te ayudará a eliminar y simplificar elementos, o bien podrás componer mediante la abstracción.

▪ La composición juega un papel fundamental. La ausencia de elementos hace que sea tremendamente difícil componer. Por lo que la elección de los espacios negativos, diferencias tonales, talla de los elementos y su expresividad es fundamental para que la foto funcione.

Perfiles.

Las fotografías que acompañan este reportaje, pertenecen a un proyecto que ando desarrollando a lo largo de los últimos dos años. Se trata de un libro “Yebes, esencia de la alcarria”, que se materializara este mismo año . Uno de los capítulos versará precisamente sobre el minimalismo ,esta forma tan especial de ver y de interpretar la belleza de nuestro entorno.

Yebes es un municipio en el corazón de la alcarria, situado a 900 metros de altitud, donde predomina una gran planicie mesetaria, con grandes y interminables espacios abiertos, donde poco se puede escapar a nuestra mirada. Vastos espacios salpicados por bosques islas y centenarias encinas y quejidos, restos intactos de antiguos bosques que poblaban la península ibérica. Un escenario que se suele vestir con abundantes nieblas invernales, y alguna que otra nevada, lo convierten en un escenario ideal para la práctica de la fotografía minimalista.

SECCIÓN TÉCNICA Polarizadores Existen lugares donde la utilización del filtro polarizador es casi obligatorio. Para verlo nos vamos a desplazar a uno de los ecosistemas más fascinantes de Brasil, los Lençóis Maranhenses.

Los Lençois Maranhenses, posiblemente sean una de las maravillas naturales no solo de Brasil, sino del mundo. Se encuentra en el Estado de Maranhão, y lo que se ve desde el aire es un mar de dunas que ocupa 70 km de la costa y avanza 50 km en dirección al interior. Esta formación revela paisajes impresionantes, formados de innumerables lagunas de aguas azules y verdes, que durante el período de las lluvias contrastan con las dunas de arena blanca, que pueden alcanzar 40m de altura, toda forma parte del Parque Nacional de los Lençóis Maranhenses,

Texto y fotos David Santiago

Para poder visitarlos, es necesario hacerlo en 4x4 mediante tours organizados. Esto nos obliga a trabajar rápido, con condiciones de luz en muchos casos complicadas y teniendo que llevar siempre todo el material encima.

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Otra de las cosas que debes tener en cuenta, es que para buscar diferentes puntos de vista tendrás subir y bajar dunas, que en ocasiones pueden convertir la tarea de hacer fotografías en una penitencia. Además hace falta llevar agua debido al calor, haciéndose aún más pesado nuestro equipo fotográfico.

Dentro de nuestra mochila, pienso que lo más importante para fotografiar los Lencois es llevar un buen polarizador, ya que el agua, según la estación del año, varía de color del verde al azul. Recuerda que los polarizadores nos van a quitar los brillos y reflejos, vamos a conseguir imágenes más coloridas y con mayor contraste, además de que nos van a proteger la lente de la arena, algo fundamental en los ecosistemas desérticos.

Al atardecer un polarizador nos puede ayudar para conseguir mayor contraste. Un consejo es que añadas color al cielo mediante filtros degradados de color.

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En mi caso probé con diferentes polarizadores, ya que según la marca, los hay cuyo efecto es más o menos intenso. Por ejemplo los de la marca LEE suelen ser suaves, mientras que los HAIDA o los B+W son más intensos.

En la época en la que yo estuve, septiembre, el agua estaba muy verdosa. Por ello, al final me decanté por utilizar el polarizador Gold-N-Blue, que lo que hace es convertir ese color verde esmeralda en un azul intenso. Por poner un pero a este filtro, decir que tiene una fuerte dominante magenta, que habrá que quitar con Photoshop.

Si te encuentras con la situación en el que la cámara no te enfoca correctamente, prueba en primer lugar con un punto de enfoque diferente. También puedes girar el polarizador al mínimo efecto o quitarlo. Posteriormente enfoca, y luego apaga el autofocus y dispara.

Otro de los polarizadores que utilicé fue el Color Combo Intensifier Polarizer, también de la marca de Sing Ray. Permite controlar el deslumbramiento y la reflexión, al tiempo que aumenta el detalle de las sombras, y el contraste de color local con una saturación de color del 8% de rojos, verdes y tonos cálidos. Tengo que decir que el resultado no fue como el conseguido con el Golden, por lo que no lo recomiendo para este ecosistema.

Finalmente existe otro polarizador también muy interesante. Se trata del LB Neutral Polarizer de Singh Ray que ofrece una gran resolución óptica y fidelidad de color. Resta 2/3 de luz, lo que nos permite componer con mayor facilidad y enfocar con precisión en condiciones límites de luz. Además ofrece un tono más frío que el resto de polarizadores, lo que le hace muy especial.

Al usar el polarizador, es posible que tengas que ajustar la polarización para evitar cielos irregulares con lentes gran angular.

BARDENAS REALES Se trata de un Parque Natural de belleza salvaje declarado Reserva de la Biosfera por la UNESCO. A finales de enero y primeros de febrero visitamos este enclave para llevar a cabo uno de nuestros talleres de fotografĂ­a . A pesar de ser un lugar de apariencia desnuda e inhĂłspita, esconde grandes valores naturales y sorprendentes rincones.

David Santiago

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Sonia Expรณsito

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Miguel Rubiano

Isabel Gurbindo

David Jerez

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Miguel Rubiano

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Carlos Carneiro

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Alfonso Lalastra

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Manuel Fernรกndez

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Ma Teresa Gimeno

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Pablo Lรณpez

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David Santiago

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Miguel Rubiano

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Alfonso Lalastra

Conchi Ramos

Alicia Mรกrquez

Ma Teresa Gimeno

Juan Tapia

Emilia Bernuz

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Pablo Lรณpez

Carlos Carneiro

Sonia Expรณsito Sonia Expรณsito

Alicia Mรกrquez

Manuel Fernรกndez

LA MIRADA DEL FOTÓGRAFO

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Tengo 67 años cumplidos y mi pasión por la fotografía empezó a los quince años de edad.

Un día de junio de 2018 tuve la inmensa fortuna de conocer a Juan Tapia y a David Santiago. Fue en Río Tinto, en un taller de Fotografía de Naturaleza de Autor de los que ellos imparten y del que os muestro algunas de las imágenes que allí capturé.

Meses más tarde, en Sanabria volví a ser alumno suyo. Allí Juan nos mostró su obra y nos habló de Isabel Díez, a la que consideraba una de sus referentes.

Fue en marzo de 2019 cuando tuve la inmensa dicha de conocer a Isabel Díez en un Taller de fin de semana titulado “La mirada personal”.

Texto y fotos Carlos Carneiro

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Descubrí en Isabel a una persona sencilla, sin dobleces, sincera, muy afable y familiar, que te cautiva. Isabel para mí representaba la calma y la tempestad al mismo tiempo. Poseía una fuerza interior que te penetraba, era muy creativa y con una exquisita sensibilidad. Su forma de ver y captar lo efímero de la realidad a través de su cámara hacía de ella una fotógrafa excepcional. Sus imágenes de la Naturaleza, bien fuesen de bosques o de costa, mostraban un mensaje interior transmitido por medio de su mirada y nos ofrecían al mismo tiempo pedacitos de su alma.

Fue entonces cuando vi la luz y se produjo un antes y un después en mi forma de entender la Fotografía.

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Ahí empezó mi búsqueda de mi propia mirada personal. ¿O debería decir visión personal?

Según me comentó unos meses después Isabel Díez, hablando de la mirada personal: “La fotografía es el arte de ver, es la visión lo que es personal”.

Lo que me lleva a plantearme si no es en realidad tu forma de mirar lo que te hace ver las cosas de esa manera personal.

Para diferenciar mirada y visión, Isabel me ofreció esta información que adjunto y cuya procedencia cito al pie. Espero que os sirva para entender mejor ambos conceptos.

Definición, Concepto, Significado, Qué es Mirada 1. Concepto de Mirada La mirada es la observación visual que se efectúa de algo. La mirada también implica una expresión de quien la emite, y así se habla de miradas frías y distantes, o de miradas que manifiestan enojo, tristeza, dolor; y de otras miradas de amor, de

protección o de consuelo. La mirada es la ventana de nuestro cuerpo que nos permite divisar nuestro interior. En ella se reflejan nuestros sentimientos y emociones, y junto con los gestos, le proporcionan a los demás el modo de descubrir lo que nos pasa, aunque no lo manifestemos verbalmente.

La mirada que recibimos del otro puede causarnos placer o dolor, según como la percibamos.

Mirarse a uno mismo significa efectuar un trabajo de introspección, para conocernos mejor, autoevaluarnos y saber cómo reaccionamos ante determinados estímulos.

Se habla de que alguien posee una mirada impenetrable, cuando en sus ojos es imposible descubrir cualquier tipo de emociones.

Depende de donde se focalice el centro de atención o de su intensidad, se habla de miradas profundas, que no solo abarcan aspectos materiales de los sujetos o acontecimientos observados, sino también sus implicancias, el entorno, la intención, etcétera. Así, por ejemplo, se dice que las noticias de un determinado medio de comunicación brindan una nueva mirada a la información, cuando dan datos poco conocidos o los relacionan con otros fenómenos o personajes.

La mirada sobre las cosas significa realizar sobre ellas una determinada valoración, y depende de la edad del observador, de su contexto histórico, social, político y económico, de su sexo, y de su educación. Por ejemplo, realizar una nueva mirada de los hechos del pasado para revalorarlos o criticarlos con nuevos datos, es función del revisionismo histórico.

2. Definición de Mirada La mirada es aquello que se observa en los ojos de una persona o animal. Es entendido como algo distinto a los ojos o a la visión ya que ambos tienen una relación física y corporal excluyente, es decir que cuando hablamos de los ojos o de la visión lo hacemos desde un punto de vista médico, físico o científico. En cambio, con la mirada hablamos de algo mucho más complejo y metafórico, algo que no es comprensible solamente en términos científicos si no que depende de varios factores.

Se podría decir que si bien los ojos definen los rasgos faciales de una persona (por ejemplo, si tiene ojos azules o negros, pequeños o grandes), la mirada se relaciona en mayor grado con la personalidad y no tanto con lo físico. Así, es común ver que una persona muy intensa tenga una mirada más intensa mientras que una persona más tranquila tenga una mirada más relajada. La mirada define a la personalidad, al carácter de una persona y es lo que la diferencia del resto. Así, hay millones de personas con ojos negros, pero no todas tienen la misma mirada.

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Para los poetas y los artistas la mirada es la ventana al alma de la persona ya que con ella demuestra de alguna manera u otra sus sentimientos, su estado de ánimo, su carácter. En este sentido, la mirada puede cambiar y volverse triste cuando el estado de ánimo de la persona es coincidente. Al mismo tiempo puede volverse alegre si la persona se alegra o está feliz. En cuadros y obras de arte de todo tipo siempre se considera que la mirada es una de las cosas más difíciles de representar, pudiendo una escultura ser perfecta desde el punto de vista anatómico, pero perder alma y emotividad si la mirada no está bien compuesta.

Pero a nivel científico la mirada también puede estudiarse y esto es así cuando por ejemplo se estudia la manera en la que una persona la utiliza. Suele creerse que aquellos que no mantienen la mirada mienten, del mismo modo que mantener la mirada en la mirada de la otra persona cuando se conversa es un acto que demuestra interés.

Carlos Carneiro Marzo de 2020 Referencia bibliográfica: Cuál es el Significado de Mirada - Concepto, Definición, Qué es Mirada.

[Internet]. 2013. Enciclopedia Culturalia. Disponible en: http://edukavital.blogspot.com/ https://edukavital.blogspot.com/2013/03/mirada.html

[Consultado el: 1 Mar 2020].

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LAS 4 ESTACIONES CON MACRO Anna Foix

Mi mirada se va sola a los pequeños grandes detalles que nos regala la naturaleza. Aunque estos sean diminutos, no dejan de ser perfectos y maravillosos.

Con estas fotografías lo que pretendo es que tengan también su espacio, que se les preste atención, que se cuide y se disfrute de ella.

Empecé ha realizar fotografías como muchos de nosotros con carrete, después me pasé a la cámara compacta y simultáneamente a réflex (Nikon). Ahora llevo dos años disfrutando con cámara sin espejo (Sony), la cual me permite realizar tomas con una nitidez excepcional y una gran precisión con el objetivo Macro.

Invierno El frío nos tienta a quedarnos calentitos en casa, pero la verdad es que salir con la cámara, aunque pueda dar pereza al principio, es muy satisfactorio por la magia de las fotografías que podemos conseguir con niebla, nieve, etc…

Por ejemplo estas fantásticas imágenes como las de la nieve, que si la miramos de cerca es espectacular, nos regala detalles cómo esta piña que empieza a sobresalir después de una nevada. También formas y relieves que destacan con el contraste blanco perfecto.

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En Lleida tenemos la niebla que cada mañana con su humedad, cubre de gotitas que parecen joyas todos los rincones como por ejemplo esta preciosa telaraña.

Primavera Y después del frío invierno, viene la colorida primavera, con sus contrastes, con flores a punto de nacer, con los insectos trabajando con todo el polen que se genera, que maravilla el momento de captar estas imágenes, que entras en sintonía incluso con los pequeños insectos que se posan a realizar su trabajo aunque tu estés a su lado, y los detalles de las motas de agua del rocío de la mañana.

Los campos empiezan a cambiar de color, los paisajes se van transformando y día tras día van cogiendo otro tono.

Verano Y llega el verano, la explosión total del color, que maravilla ver nuestros campos en flor, los que tenemos el privilegio de vivir en Lleida, envueltos de campos frutales de distintos colores, blancos, rosas, amarillos… es un gran espectáculo.

Contemplar una flor o una hoja con todos sus detalles es un ejercicio precioso para poder apreciar la perfecciรณn y el detalle que tienen cada una de ellas, incluso las que crecen en cualquier rincรณn como al lado de una carretera, que no dejan de ser igual de importantes y preciosas que las demรกs.

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Otoño Y después de tanto color, nos llega el otoño, con esos contrastes de colores, y esos paisajes con alfombras de hojas en el suelo…

Las hojas secas también tienen su encanto para la fotografía, realmente con la fotografía macro, al mostrar tantos detalles también nos permite realizar imágenes de naturaleza muerta que son preciosas, que también tienen su encanto, su simbolismo, caen y dejan unas semillas las cuales en unos meses empezarán a brotar.

Es el ciclo de la naturaleza, una naturaleza perfecta, que nos invita a salir en cualquier momento del año y disfrutar de ella.

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Océanos de color.

• Este proyecto surge ante la debilidad que siento por los colores y el movimiento del mar, siempre cambiante y nunca igual, lo que siempre ha echo que sintiera una gran seducción por este tema. Por eso me centre solo en el movimiento y el color.

Despojando cualquier accesorio que descentrara la atención de lo que para mí era lo más importante, que es el color, texturas y el movimiento incesante del océano.

• Para realizar esta colección de imágenes he utilizado las escapadas familiares de los últimos años por la costa. Están realizadas en lugares que poco tienen que ver con las grandes localizaciones de costa favoritas por todos nosotros. Están realizadas en Benidorm, cala de finestrat, playa de Sagunto, canet y playa de la malva rosa.

• Lo único que me ha exigido, es levantarme un poco temprano para capturar los colores del amanecer, ya que al ser realizadas en periodo estival no queda otra que levantarse tempranito, pero siempre he podido estar de vuelta antes de que se despertara mi familia, por lo que he podido realizarlas sin interferir en las vacaciones familiares y a la vez he podido disfrutar de la fotografía desarrollando este proyecto de autor.

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La Mirada Me encantan los contrastes. Siempre los busco y, si no los encuentro, en ocasiones los fuerzo. En el caso de esta foto, hay un poco de ambas cosas. El contraste cromático que me encontré era brutal: amarillos, naranjas, ocres, verdes, morados y azúles se entremezclan en distintas tonalidades a lo largo de todo el lienzo. Es lo primero que me llamó la atención esa mañana de primeros de Noviembre recién empezado el Otoño. Sin embargo, el color sangre de los mimbres de un lugar tan mágico como Cañamares me ofrecía otra posibilidad: buscar el contraste estacional ,los colores del otoño con el frío del invierno.

Tampoco tenía que forzar demasiado. Era el típico día de Noviembre, frío, nublado, con algún tímido rayo de sol asomando entre las pobladas nubes. Bajé un poco, no mucho, la temperatura de color y asomaron los colores fríos sobre los mimbres en lugar de su característico color rojo intenso manteniéndose los colores otoñales. Ya lo tenía, el invierno se abría paso dejando atrás el otoño.

La verticalidad tanto de los mimbres como de los árboles del fondo, me animaron a hacer la foto mediante la técnica del puntillismo. Ésta técnica consiste básicamente en, mediante una larga exposición de, en este caso, 4 segundos, ejecutar movimientos milimétricos de la cámara sobre el eje vertical del trípode. 4 o 5 movimientos de cámara son suficientes para crear ese efecto tan asociado al impresionismo abstracto y que a mi, particularmente, me vuelve loco.

Pablo López 128

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La Mirada

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Hace ya unos cuantos años, descubrí de la mano de mis Maestros lo que se denomina fotografía de autor. Para mí fue un reto despojarme de convencionalismos y abrir una puerta a otro tipo de técnicas y puntos de vista fotográficos.

Conocidas las nuevas herramientas se me presentaba un reto aun mayor: aproximarme a la fotografía de la Naturaleza y del paisaje.

De la unión de estos elementos surge la inquietud de expresar emociones, sensaciones y momentos que hasta ese momento a través de la fotografía “convencional” no había sabido plasmar.

Esta foto pertenece a una serie que he venido realizando en la Playa de las Canteras, (Las Palmas de Gran Canaria). No bastaba con hacer una foto al mar, quería realzar la textura del agua, la silueta del movimiento del mar, los colores y degradados, el movimiento y la inmensidad.

La búsqueda de un efecto pictórico forma parte de la intencionalidad de realizar esta fotografía, como ocurría en los pintores impresionistas, mi intención es plasmar lo efímero y el movimiento. Espero haberlo conseguido o al menos haberme acercado.

Alberto Torrejón

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La Mirada

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Guadalajara 23-3-2020. El sujeto principal de esta fotografía son unas pequeñas florecillas secas que forman parte del que fue el ramo de novia de mi mujer hace ya muchos años y que aun conservamos en casa en una cesta como objeto decorativo y obviamente por el significado que tiene para nosotros. Está realizada con la luz natural de la ventana usando un objetivo mágico para mí que conocí hace unos meses, un viejo Helios 44 modelo Zebra con la lente frontal invertida, junto con anillos de extensión para reducir la distancia de enfoque y poder realizar fotografía macro. Este objetivo con esta modificación da a las fotografías una atmósfera pictórica increíble y hace que las fotos parezcan auténticos cuadros; también es muy característico el bokeh que genera. En el caso de esta fotografía, usé como fondo un papel de esos que al exponerlos a la luz generan muchos brillos (los encontré fortuitamente por casa hace poco y pensé que podían dar mucho juego junto con este objetivo). La fotografía está tomada a pulso cogiendo la cámara con una mano y sujetando el papel de fondo con la otra; de esa manera inclinando el papel ligeramente obtenemos según la luz incide en el mismo, diferentes tonalidades de color.

Jesús Aguilar

La Mirada ALZHEIMER La fotografía de autor dentro del paisaje no es una disciplina fácil. Obtener una foto que tenga impacto visual requiere normalmente un trabajo continuado sobre el campo, repitiendo y perfeccionando tomas (que llega a veces a la pura obsesión) hasta conseguir la foto deseada. Pero este camino para llegar a esa foto, tampoco ha sido fruto de la suerte o de un momento, ha sido fruto de un período mas o menos largo de aprendizaje: aprender a deconstruir una imagen, siguiendo diferentes técnicas, para que sea el observador quien construya la suya propia; y aprender un lenguaje nuevo dónde objetos del paisaje puedan sugerirnos imágenes, emociones o mensajes.

Siguiendo esta última línea de trabajo, cuando me encontraba en los famosos Vermillion Lakes, a las afueras de Banff en Canadá, llegamos para hacer unas fotos de paisaje al atardecer. Era final de octubre y el lago se encontraba totalmente helado. Accedimos a él desde un pequeño embarcadero y me dí cuenta de que en la zona cercana al borde había partes que se deshelaban por el día y volvían a congelarse a la noche siguiente, dejando zonas translúcidas con aristas quebradas, mientras quedaban partes conteniendo hojas caídas así como hierbas congeladas.

A través de una visión entrenada para reconocer patrones, decidí trabajar fotográficamente esa zona, llegando a estas dos formas principales: una hoja congelada semisumergida con una forma de corazón bien clara y otra figura radial con brazos formados por el congelamiento de nuevo de un agua deshelada (posiblemente por alguna piedra o tronco tirado). Esta figura radial y quebrada me sugería muy claramente la forma de una neurona. Esperé a que un rayo de sol poniente se filtrase entre los postes del embarcadero para iluminar y resaltar más esta imagen.

Así de repente, se me vino a la mente casi inmediatamente una alegoría a través de estos dos símbolos: la enfermedad de Alzheimer. Como las neuronas rotas (esa madera del medio) transforman la vida de las personas al congelar sus vidas (representada por su corazón).

Por último, desde el punto de vista técnico, decir que la foto fue tomada simplemente con una cámara Canon 5D MkIV con un objetivo EF 24-70 f/4 L IS, disparando tumbado sobre el pequeño embarcadero de madera mientras asomaba los brazos y disparaba cenitalmente sobre el agua congelada con la técnica de Live View para encuadrar.

Juan Zas Espinosa

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CITAS

Juan Tapia y David Santiago

<<La memoria no guarda películas, guarda fotografías>> Milán Fundera 140

<<La naturaleza no es solamente todo lo que es visible a los ojos… también incluye imágenes internas del alma>> Edvard Munch 141

<<Si veía algo a través de mi visor que me resultaba familiar, hacía algo para cambiarlo>> Garry Winogrand

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<<No hay autorretrato de mĂ­ mismo>> Gustav Klimt

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<< través de mis fotografía puedo hablar de manera más intrincada y profunda que a través de las palabra>> Richard Avedon

â&#x20AC;&#x153;El objetivo del arte es representar no la apariencia externa de las cosas, sino su significado interior.â&#x20AC;?

AristĂłteles

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<<Pinto los objetos como los pienso, no como los veo>> Pablo Picasso

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<<Los colores me persiguen como una preocupaciĂłn constante. Incluso me preocupan en mi sueĂąo>> Claude Monet 147

<<Estoy siempre persiguiendo la luz. La luz convierte en mรกgico lo ordinario>> Trent Parke 148

<<La fotografía es más que un medio para la comunicación efectiva de ideas. Es un arte creativo>> Ansel Adams

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