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Desde Hollywood
EL CRITICISMO DEL CINE NEGRO DEL S. XXI / p.3
AL ESTILO TARANTINO / p.6 LA NOUVELLE VAGUE EN TARANTINO / p.7 GÉNERO: LA MUJER GUERRERA / p.7
FILMOGRAFIA / p.9 NARRATIVA: PEDAZOS EN DESORDEN / p.9 REFERENCIAS CULTURALES / p.10
RELATOS BIOGRAFICOS / p.11 RESERVOIR DOGS / p.12 TRUE ROMANCE / p.13 PULP FICTION / p.14
PARA CURIOSOS / p.15 Quentin Tarantino / Carisma y sangre
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Quentin Tarantino durante una sesión de fotos en el estudio del famoso fotógrafo americano Terry Richardson
Considerando a Quentin Tarantino como uno de los autores cinematográficos más relevantes e identificables de la actualidad. La elección temática fue inspirada por las dos últimas de estas marcas: las historias de criminales y los protagónicos femeninos, aunque luego de la investigación documental, queda claro que estas influencias son más variadas y profundas. Para comprenderlas en toda su complejidad, el presente ensayo se dividirá en dos partes, con el afán de identificar claramente los elementos en el cine de Tarantino que se ven influenciados por dichas corrientes. EL CRITICISMO DEL CINE NEGRO DEL S. XXI Como ya se mencionó previamente, los grupos de criminales son frecuentes protagonistas en el cine de Tarantino: Reservoir Dogs narra las consecuencias de un atraco fallido para los ladrones implicados; una de las subtramas de Pulp Fiction sigue de cerca a los matones de Marcellus Wallace, Vincent y Jules; y Kill Bill es la pelea de Beatrix Kiddo contra quienes fueran sus compañeras en un grupo de asesinas profesionales lideradas por Bill,
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la influencia del cine negro en estas historias, no obstante, tiene alcances más profundos que el mero protagonismo de los criminales. Conviene recordar cuáles son las características del cine negro, antes de señalar cómo influye en la obra de Tarantino. Carlos Heredero y Antonio Santamarina argumentan que este tipo de cine incorpora un reflejo de la realidad en un periodo y espacio geográfico concretos; los Estados Unidos en las décadas de 1940 y 1950, aproximadamente. Pero considerando que este tipo de cine surgió en una época de frustraciones producto del New Deal y la paranoia nuclear de la Guerra Fría, “resulta muy difícil extender la pertinencia genérica del cine negro más allá del período histórico citado y de
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los límites geográficos en los que nace”. Sin embargo, más allá de su limitante en el tiempo y espacio, es su característica más fundamental la que más puede verse reflejada en Tarantino: El núcleo duro y fundamental del cine negro desvela sus principales señas de identidad en el carácter problemático de sus personajes (de psicología siempre curva o nebulosa), en una visión pesimista del paisaje social, en un diagnóstico moral preñado de incertidumbres y ambivalencias. Más que la violencia, la presión psicológica o la crueldad por sí mismas, el rasgo diferencial del género en este campo atiende a la representación supuestamente realista y descarnada, pero en
Quentin Tarantino en el rodaje de Django Unchained hablando sobre la pelicula con los productores del film en 2013
distinguirse tres tipos de violencia en el cine: la ritual, entendida como “gratuita”, “banal, predecible y estereotípicamente masculina”; la simbólica, que emplea la espectacularización de la violencia para promover una reflexión sobre sí misma; y la hiperreal, propia del cine posmoderno para retratar la violencia “marcada por una sobreestimulación tecnológica, los diálogos chirriantes, una narrativa dramática, la parodia y cierta atracción por el realismo visceral”.
verdad sumamente estilizada, de éstas conforme a patrones icónicos mucho más codificados de lo que parece a simple vista. El cine negro, mediante sus representaciones de crueldad y violencia, actúa como espejo de una sociedad aquejada por males escondidos “bajo las apariencias de la respetabilidad oficial más honorable”. Dicho esto, puede afirmarse que, aunque el cine negro queda reservado para su contexto histórico específico, Tarantino adapta la crítica social de este cine a los contextos del siglo XXI, mediante sus protagonistas criminales y sus actos violentos. Entonces se vuelve pertinente conocer cómo emplea Tarantino esta violencia y hacia dónde apunta con ella. Según Henry Giroux, pueden
La violencia en las cintas de Quentin Tarantino, tachada de banal del mismo modo que muchas películas posmodernas, en realidad se complementa con todos los elementos de cámara, narrativa y puesta en escena para alcanzar significados más profundos, propios de la violencia simbólica antes citada. Tómese como ejemplo la forma en que se representa la rutina de Vincent y Jules, los matones de Pulp Fiction, a través de la banalidad del diálogo. En una escena se encuentran discutiendo sobre los diferentes nombres de las hamburguesas en Europa y Estados Unidos, en otra le vuelan la cabeza a Marvin por accidente. A nivel narrativo, la violenta y súbita muerte de un hombre tiene el mismo alcance que una simple charla sobre hamburguesas. En la cinta previa de Tarantino, Reservoir Dogs, la famosa secuencia de tortura muestra una dialéctica similar entre los dos espacios en que se lleva a cabo, separación lograda por la cámara y la banda sonora. En esta secuencia, Mr. Blonde tortura a un policía en una bodega, mientras en la radio suena una canción que acompaña la frivolidad con que la brutal tortura es llevada a cabo, mientras Mr. Blonde baila alegremente durante el proceso. Al salir el torturador a buscar gasolina para prenderle fuego a su víctima, el plano secuencia une dos espacios: el interior donde la violencia gratuita se vuelve metáfora del mundo posmoderno que se define por
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AL ESTILO TARANTINO Tarantino nunca ha querido encargar una banda sonora de autor, como hacen directores como Steven Spielberg o Tim Burton. Dice que siempre ha tenido el temor de que no le gustara el trabajo del músico de turno y tener que rechazarlo. Ha demostrado un gran trabajo a la hora de buscar las canciones perfectas. En su primer película Tarantino sorprendía con una serie de canciones irónicas en el pop de los 70, que en contraste con la violencia de los hombres de negro, resultaban encantadoras. La mejor muestra la tortura que Mr Blonde hace a un oficial de policía a ritmo de “Stuck In The Middle With You” de los Stealers Wheel. Dando un paso más adelante, en 1994 el director estrena Pulp Fiction y con ella se recogen infinidad de canciones de música surf, rock and roll y pop retro. Ya los créditos de inicio avisan del torrente musical con “Misirlou”, popularizada por Dick Dale en 1962. Allí también destaca “Girl, You’ll Be A Woman Soon” versionada por Urge Overkill o la intensa “You Never Can Tell” de Chuck Berry, con la que Mia Wallace y Vincent Vega se baten en la pista de baile.
las canciones y películas que consume; y el exterior, donde el silencio abrumador representa la indiferencia del mundo moderno ante la banalidad y brutalidad. Esta disonancia entre la brutal violencia y la banda sonora también ocurre en Pulp Fiction, cuando Marcellus Wallace es abusado sexualmente por Zed, mientras suena la canción Comanche de The Revels. Incluso en Inglorious Basterds de 2007, aunque más cercana al cine bélico, Tarantino es selectivo con quiénes son los ejecutores de sus escenas violentas, como una crítica a las políticas de los Estados Unidos en su prisión de Guantánamo, difuminando la línea entre el bien y el mal: los nazis, grandes villanos del siglo XX, son presentados por Tarantino como pensantes, cultos, educados, e incluso valientes y honorables a pesar de ser los villanos que son, dando explicaciones racionales para sus motivaciones. En un claro contraste, los héroes americanos aparecen como bárbaros, sádicos e ignorantes: el “Oso Judío” literalmente sale de una cueva a golpear la cabeza de un soldado nazi con un bate de béisbol; el teniente Aldo “El Apache” Raine es tan torpe para imitar el acento italiano, que no logra mantener su fachada ante el coro-
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Distintas caratulas de las diferentes bandas sonoras de las peliculas de Quentin Tarantino a todo color
Pulp Fiction es la obra maestra del director y una de las grandes peliculas de la historia del cine
nel alemán Hans Landa, quien demuestra dominio de cuatro idiomas a lo largo de la película. Y al final, Raine declara como su obra maestra la esvástica que le deja brutalmente marcada, de por vida, al coronel Landa. Porque ningún grado de brutalidad es suficiente en la impartición de justicia al estilo americano. Como puede verse, Quentin Tarantino toma la violencia criminal del cine negro, considerada como limitada a su contexto espacio-temporal, y la traduce a la realidad del siglo XXI en una crítica al american way de la actualidad, para él frívolo, consumista y de dobles morales.
GÉNERO: LA MUJER GUERRERA
LA NOUVELLE VAGUE EN TARANTINO
Los autores de la Nouvelle Vague propusieron nuevos temas para ser tratados en el cine, entre ellos nuevos modelos de mujer que rompían con los moldes propuestos por los cines tradicionales. En lugar de mujeres que sólo se acomodaban a los fines románticos de un protagonista masculino, las actrices de la nueva ola francesa aparecían como mujeres independientes, contrapesos para los protagonistas masculinos, representando personajes que podían ser monjas, prostitutas, periodistas, bailarinas, con objetivos y valores propios, muy acorde al espíritu de libertad de la década de los sesenta.
La Nouvelle Vague, también un movimiento limitado por su cºontexto espacio-temporal, tuvo una fuerte influencia en los cines que le sucedieron en cuanto qué temas abordar, y cómo abordarlos. Varios elementos formales y de contenido de este movimiento pueden verse reflejados en la obra cinematográfica de Quentin Tarantino, y pueden agruparse en dos categorías: en la representación del género femenino en sus películas, y los recursos narrativos que emplea.
La figura de lo que Bennion-Nixon llama “mujer guerrera” puede entenderse como una continuación de esta mujer emancipada del cine de la Nouvelle Vague. Este arquetipo de mujer guerrera se distingue por cierta propensión a la violencia y por demostraciones de fuerza física y mental ante la adversidad, desafiando las categorías tradicionales de género al combinar sus rasgos femeninos con características típicamente consideradas masculinas: estos personajes pueden ser claramente
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Tarantino provando planos de cĂĄmara durante el rodaje del Ăşltimo film Django Unchained en el verano de 2012
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FILMOGRAFIA 1992 - Reservoir Dogs (Director, Guionista, Actor) 1993 - True Romance (Guionista) 1994 - Pulp Fiction (Director, Guionista, Actor) 1994 - Duerme conmigo (Actor) 1994 - Asesinos Natos (Guionista)º 1995 - Four Rooms (Director, Guionista, Actor) 1995 - Desperado (Actor)
1995 - ER (Guionista) 1996 - From Dusk Till (Guionista, Actor) 1996 - Curdled (Productor, Actor) 1997 - Jackie Brown (Director, Guionista, Actor) 2000 - Little Nicky (Actor) 2003 - Kill Bill Vol. I (Director, Guionista, Actor) 2004 - Kill Bill Vol. II (Director, Guionista, Actor)
femeninos física y psicológicamente, pero “sus cualidades femeninas no inhiben su habilidad para pelear de ninguna manera, al tiempo que sus rasgos masculinos no inhiben su humanidad”. Bennion-Nixon cita precisamente a Beatrix Kiddo en Kill Bill dentro de este arquetipo, aunque puede aplicarse también a Shosanna en Inglorious Basterds, y Zoë Bell y sus amigas en Death Proof: todas ellas tienen un papel opuesto a los antagonistas masculinos, y tienen el mismo peso y objetivos propios respecto a sus coprotagonistas del género opuesto, cuando los hay. No obstante, Tarantino se toma el tiempo de resaltar su feminidad: Beatrix Kiddo sobrevive a todos los retos en el camino a su venganza contra Bill, pero al inicio de la cinta, tras sobrevivir milagrosamente a un disparo en la cabeza, Beatrix despierta de un largo coma y queda devastada al darse cuenta de que ya no está embarazada. Una secuencia entera se enfoca en la figura femenina en Death Proof, y justo cuando el hombre antagonista es humillado y liquidado por las chicas, comienzan a rodar los créditos acompañados de la canción de chicas con corazones rotos Chick Habit. Y a Shosanna, lista para poner en marcha por sí sola su plan para destruir a los nazis, se le dedica también una secuencia en la que se viste, se maquilla y carga una pistola para iniciar su venganza.
2004 - Jimmy Kimmel ! (Director, Productor) 2004 - CSI (Director, Guionista) 2005 - Sin City (Director) 2007 - Grindhouse (Director, Guionista, Actor) 2009 - Inglourious Bastards (Director, Guionista, Actor) 2013 - Django Unchained (Director, Guionista, Actor)
NARRATIVA: PEDAZOS EN DESORDEN El otro elemento de la Nouvelle Vague que influencia el cine de Tarantino es el narrativo, que se nutre de varios recursos como el uso del travelling y del plano secuencia, el rechazo a las tramas novelescas en favor de las cronológicamente desarticuladas, y un sistema de referencias culturales que en Godard se apoyaba en cine, literatura, música y pintura traducido a la época actual. Decía Jean-Luc Godard que un travelling no responde a un mero propósito estético, sino a uno moral: esto es claramente aplicado en el caso de Reservoir Dogs y su escena de tortura, donde los dos espacios y sus respectivos significados son unidos justamente por un travelling, formando un plano secuencia. Las tramas no tradicionales son típicas del cine de Tarantino: en casos como Pulp Fiction y Kill Bill, las historias se desenvuelven por capítulos cronológicamente desordenados; por ejemplo, en Kill Bill: Volume 1, la película comienza con el atentado de Bill contra Beatrix, salta en el tiempo al duelo con Vernita Green, el cual sucede luego del asesinato de O-Ren, que es la última secuencia de la película. En otros casos, como Reservoir Dogs o Deathproof, las historias van ordenadas cronológicamente, pero no siguen una estructura novelesca: la primera
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transcurre con la incógnita de quién fue el traidor del grupo, y al final todos los personajes aparentemente mueren; en la segunda, el antagonista es abruptamente liquidado por un segundo grupo de chicas que carece de relación con el primero, el cual desaparece a la mitad de la historia. REFERENCIAS CULTURALES Por último, el sistema de referencias culturales, muy característico de Godard, también aparece en la filmografía de Tarantino: en el apartado anterior se hizo referencia a la conversación de Jules y Vincent sobre hamburguesas en Pulp Fiction, y cómo ésta tiene igual o menor importancia que el asesinato de un hombre. Esta intertextualidad que popularizó Godard sirve un fin de crítica en las cintas de Tarantino, como ejemplifica su referencia al mundo del cómic en Kill Bill, con el discurso que dicta Bill a Beatrix sobre la debilidad humana: el alter-ego es Clark Kent, no Superman, pues el alienígena percibe al ser humano como débil y cobarde. El trabajo de Quentin Tarantino ha llegado a ser acusado de derivativo y poco original. Sin embargo, dice Humberto Eco que en la era posmoderna “ninguna película puede experimentarse con ojos virginales; todas se interpretan en relación con otras películas”. Las películas de culto están hecha de arquetipos, citas, alusiones y referencias a todo un catálogo de
Colección de posters más que exclusivos de las diferentes peliculas de Quentin Tarantino a todo color para coleccionistas
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RELATOS BIOGRAFICOS “Tanto delante como detrás de la cámara, nunca pienso como un experto en la materia, sino como un miembro más de la audiencia” Nació el 27 de marzo de 1963 en Knoxville, Tennessee. Hijo de Tony Tarantino, actor y músico aficionado, y de Connie McHugh, enfermera. Criado por una madre soltera que tuvo que abandonar sus estudios para poder mantenerle y sin apenas un recuerdo de su padre. Cuando tenía dos años, se trasladaron a Torrance, sur de Los Ángeles, y después a Harbor City, barrio en el que asistió a la escuela superior Fleming Junior en Lomita. Asiduo de diferentes cines de barrio para ver las películas más sangrientas y violentas que podía encontrar en la cartelera, daba igual en qué extremo de Los Angeles estaba el cine, ciudad de la que nunca salió hasta entrada la veintena. Estudió drama durante seis años. Con veintidós trabajaba en un video llamado “Video Archives”, en la playa de Manhattan, California. Aquí pasaba horas viendo, discutiendo y recomendando videos. Quentin escribió su primer libreto; “True Romance”, que vendió por $50,000. Después escribió “From dusk till dawn” el primer guión que hizo de encargo. Un buen negocio que le permitió la posibilidad de filmar “Reservoir dogs”. Como recuerda, fue la petición de un equipo de efectos especiales que querían hacer un filme de horror que les sirviera como ejemplo para demostrar sus habilidades en este campo. Tarantino aceptó el encargo, pero, además de los 1500 dólares que cobró por la historia obtuvo los servicios gratuitos de este equipo para el maquillaje de su primer largo. Sin recursos para dirigir el proyecto, vendió el guión de “Asesinos natos”, -que dirigiría Oliver Stone- lo que le permitió comenzar la producción de “Reservoir Dogs” (1992) de la cual fue director, guionista, y agente. El éxito de esta película le permitiría rodar “Pulp Fiction (1994) con la que ganó la Palma de Oro en Cannes y un Oscar para el mejor guión original. Desde entonces actuó en varias películas como “Desperado” (1995) dirigida por su amigo Robert Rodríguez, antes
de volver a la producción con “Four Rooms” (1995), “Abierto hasta el amanecer” (1996) y Jackie Brown (1997) que también dirigió. Realiza Kill Bill, película épica de dos partes en la que contó con Uma Thurman y David Carradine. Debido a su duración (cuatro horas) se decidió separarla en dos partes, llamadas Volumen 1 y Volumen 2, lanzadas en octubre de 2003 y febrero de 2004 respectivamente. Posteriormente rueda una película bélica, Inglourious Basterds, cooprotagonizada por Brad Pitt y que estrenó en agosto del 2009, coproducción estadounidense-alemana de la que también escribió el guión con un estilo semejante al cine spaghetti western, mezclado con una influencia del cine bélico italiano de la década de 1960. También dirigió Death Proof, segunda parte de Grindhouse, en la que co-dirigía con Robert Rodríguez. El 13 de enero de 2013 fue el ganador de un Globo de Oro en la categoría ‘Mejor guión de cine’ por su trabajo en Django Desencadenado, película que narra la historia de la situación al sur de Estados Unidos un par de años antes de la Guerra Civil. El 24 de febrero de 2013, Quentin Tarantino ganó el Oscar al mejor guión original por Django Desencadenado. Declarado admirador de Jean-Luc Godard, Jean-Pierre Melville, del italiano Sergio Leone y del maestro del cine de acción japonés John Woo, que sin duda influyeron en la definición de su propio estilo. Además del cine, Tarantino es una apasionado de la literatura, el cómic y la música, en este ultimo apartado demuestra ser todo un melómano, capaz de poner de moda cualquier canción con solo usarla en sus bandas sonoras. A modo de conclusión, se podría afirmar que Quentin Tarantino es uno de los directores mas inquietos , e inquietantes del cine actual. Lucha en cada film por preservar su independencia, para ser siempre original y brillante. Toma riesgos que otros ni siquiera se atreverian , lo que le hace estar continuamente en el ojo del huracán. Por eso y por cada frase que a logrado grabar en la mente de millones de espectadores de todo el mundo, Quentin Tarantino es parte ya de la historia del cine.
Colección de posters más que exclusivos de las diferentes peliculas de Quentin Tarantino a todo color para coleccionistas
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obras anteriores, efectivamente convirtiendo a la obra de Tarantino en obra de culto. Toma prestados elementos de otros cines, los mezcla con referencias a la cultura popular de su tiempo, y les impone una marca propia, que hace que su estilo pueda ser reconocible en cada una de sus películas. RESERVOIR DOGS “¿Y por qué tengo que ser yo el Señor Rosa?” Reservoir Dogs es una película estrenada en 1992 y dirigida por un poco conocido en aquellos años Quentin Tarantino. Estamos ante la que fue la opera prima de Tarantino. Reservoir Dogs trata sobre una banda de delincuentes que es contratada para robar unos diamantes, pero algo sale mal, ya que al llegar al lugar, la policía esta esperándolos y tienen que escapar como pueden, poco a poco van llegando al lugar de reunión y allí intentaran averiguar quién es el posible topo que les a traicionado. Como posteriores películas que dirigirá Tarantino como la oscarizada Pulp Fiction, Reservoir Dogs está repleta de diálogos brillantes, una banda sonora estupenda, una puesta en
escena muy buena y como no “salsa de tomate” a raudales. Además la películva cuenta con un montaje espacio-temporal muy bueno y sorprendente para la época, el cual muchas películas más actuales han copiado. Uno de los muchos detalles curiosos que ofrece Reservoir Dogs son los nombres de los miembros de la banda, ya que para mantener su anonimato entre ellos, utilizan nombres falsos y nos les está permitido dar ningún detalle sobre su vida personal o procedencia, lo más destacado de los principales integrantes de esta curiosa banda es: La escalofriante interpretación de un terrorífico Señor Rubio (Michael Madsen), con alguna frase para el recuerdo como “Me importa una mierda lo que sepas o no sepas, te voy a torturar de todos modos” La enorme personalidad metódica de un tipo escrupulosamente frío, y tercamente obstinado, el Señor Rosa(genial Steve Buscemi). El carisma de un delincuente con agallas y madera de líder, el Señor Blanco (Harvey Keitel). Y la genial interpretación agónica del Señor Naranja (Tim Roth). Además, como no el propio Tarantino hace su cameo en la
Grabación y escenografia de una de las escenas del ultimo film del director Tarantino Django Unchained
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Christoph Waltzs ha interpretado habilmente el papel de King Schultz en el último film de Tarantino Django Unchained
película, como Señor Marrón. Por tanto estamos ante una de las mejores películas de los noventa, que se ha convertido por méritos propios en un clásico. TRUE ROMANCE El guion de este film fue escrito y vendido por Quentin Tarantino, que en esos días buscaba recaudar fondos para su debut como director, con la película “Reservoir Dogs” años más tarde cuando la popularidad de Tarantino aumento, esta película fue rodada, pero no siguiendo la misma línea que Tarantino había dejado marcada. Para empezar, el guion original proponía que la narración de la película fuera desordenada cronológica mente… claramente esto no se respeto y Tony Scott, director de este film, opto por contar la historia en orden cronológico (lo cual no es nada malo o reprochable)… a pesar del cambio la película deja ver ese toque especial de
la magia de Tarantino, es así como vemos diálogos muy buenos durante la película, así como esta creatividad explosiva en la trama. La película nos cuenta la historia de un hombre y una mujer que se enamorar… lo que empezó como un encuentro arreglado en peculiares contextos y situaciones termina desencadenando un amor fuerte y juvenil entre los dos protagonistas de la película, que casi sin querer terminan metido en un atado con un grupo de mafiosos que los hace huir de la ciudad, dejando una estela de muerte a su paso. ¿Qué les puedo decir? la película me encanta, la trama es muy buena e interesante y es fácil comprometerse con los personajes y la situación, el bichito del “¿Qué pasara?” nos pica rápidamente y ya no podemos dejar de ver la película hasta que termina. Lo mejor y el alma de la película es esa mezcla de drama y comedia, (media serie - media chistosa), que dan muy buen sabor a todo el film, que desencadenan
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Samuel L. Jackson interpretando el famoso personaje Jules Winnfield en el clasico film Pulp Fiction el más famoso de la carrera de Quentin Tarantino
situación violentas y cargadas de pólvora (cargadas de acción) que ponen crudeza a la cinta, pero sin llegar a ser una cinta violenta precisamente. Lo mejor de todo el film, es ese momento casi final, cuando policías y mafiosos arman una balacera poniendo a nuestros protagonistas en medio del asunto… una situación que se va armando previamente en nuestras mentes como algo casi cómico pero que supera la prueba, logrando recalcar todo el drama que puede existir de una situación como esta, y sin caer en el ridículo o en algo netamente chistoso. En resumen, a pasar que la película no salió como Tarantino alguna vez lo imagino, la película conserva lo mejor de él (humor negro, citas al cine, diálogos, mucha creatividad) además de ser en sí, una película muy entretenida y envolvente, con diálogos y momentos inolvidables. PULP FICTION Ezequiel 25.17, desayunos de hamburguesas, cuadrados, los 80s, masajes de pies, un twist, el sagrado agujero, batidos de 5 dólares, un maletín, soliloquios en
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Christoph Waltzs como Hans Landa, Mélanie Laurent es Shosanna Dreyfus y August Diehl interpreta Hellstrom, juntos interpretan Inglourius Bastards.
PARA CURIOSOS el baño, sangre, pilotos de series, más sangre, Amsterdam, cuarto de libra con queso o Royale con queso, relojes heredados, inyecciones de adrenalina, boxeo, mafiosos y sus secuaces, sodomía, Los Ángeles, redenciones y, por supuesto, el Señor Lobo. Me encanta el Señor Lobo. Jules Winnfield (Samuel L. Jackson) y Vincent Vega (John Travolta) son dos asesinos a sueldo un tanto peculiares que trabajan para Marsellus Wallace (Ving Rhames). Su misión es recuperar un misterioso maletín en manos de unos jóvenes Brett (Frank Whaley), Roger (Burr Steers), Marvin (Phil LaMarr) y el cuarto hombre (Alexis Arquette) y cuidar de Mia (Uma Thurman), la mujer de su jefe. Mientras, una serie de acontecimientos se desencadenan. La sobredosis de Mia, la estafa de Butch Coolidge (Bruce Willis) a Marsellus Wallace y su complicada huida de la ciudad, la historia del reloj de oro de Butch que olvida su novia Fabienne (María de Medeiros), la situación surrealista desarrollada en la parte trasera de una tienda de antigüedades en la que acaban Butch y Marsellus en compañía de un tipo llamado Zed (Peter Greene) y un esclavo sexual vestido con un traje sadomaso-
Una de sus características principales son las tomas de larga duración que suele incluir. Sus ángulos de cámara son otra seña característica de su estilo. En sus películas es frecuente ver planos de gente abriendo y cerrando puertas, primeros planos muy cercanos de la cara de actores mientras esta hablando otra persona fuera de cámara (Butch mientras habla Marcellus en Pulp Fiction o La Novia mientras habla Bill), tomas desde detrás de los actores o tomas muy cercanas de las manos de los personajes realizando cualquier acción ( por ejemplo, Jules cogiendo una hamburguesa en Pulp Fiction. También incluye en casi todas sus películas tomas desde el interior de un maletero. Tarantino tiene obsesión por los pies femeninos. Es su personal fetiche sexual y siempre lo incluye en todas sus películas. Por supuesto su nuevo film no es una excepción, mas bien al contrario, ya que en Death Proof nos podemos cansar de ver una y otra vez pies de mujeres. De hecho los créditos al inicio del film son toda una declaración de intenciones. Es frecuente que en sus películas haya un escena de “enfrentamiento mexicano”, en la que 3 o mas personajes se apuntan mutuamente con pistolas al mismo tiempo.En todas las películas dirigidas por él en las que también actúa termina siendo asesinado (excepto en Pulp Fiction) como por ejemplo, Reservoir Dogs, Abierto Hasta El Amanecer, etc. Respecto a su físico y su éxito con las mujeres, pese a que muchos desconfían ,a simple vista, de su atractivo con las mujeres, basta decir que ha tenido sonoros romances con Mira Sorvino, Allison Anders, July Dreyfus, Chad Jackson e incluso Sofía Coppola. Pero su verdadera musa es Uma Thurman, actriz con la que rodó Pulp Fiction y para la que escribió Kill Bill. En una entrevista en la revista Playboy habló sobre el consumo de cannabis y éxtasis durante el rodaje de Kill Bill. En todas sus peliculas, los personajes fuman tabaco Red Apple, y comen hamburguesas Big kajuna, marcas creadas por el propio Tarantino.
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Una famosa escena de la película Inglourius Bastards en la que soldados nazis, juegan a que tengo en el coco
quista que responde al nombre de “Tarado” y el accidente mortal de Marvin que se “solucionará” con la ayuda de Winston, el Señor Lobo (Harvey Keitel) y de un amigo de Jules, Jimmie (Quentin Tarantino) con la amenaza de que aparezca su mujer Bonnie (Venessia Valentino). Una historia compuesta de pequeñas historias cruzadas que comienza y acaba en una cafetería en la que desayunan por un lado, “Pumpkin” o “Ringo” (Tim Roth) y Yolanda o “Honey Bunny” (Amanda Plummer) y por otro, Jules y Vincent antes de que los primeros decidan asaltarla. Pulp fiction es un clásico del cine moderno que mezcla escenas de violencia y gran crudeza propias del género de acción y del thriller con diálogos cómicos, delirantes y surrealistas. Pero, sin duda, lo más llamativo y posteriormente imitado, es su estructura narrativa. En la secuencia final se retoma la apertura que, es bruscamente interrumpida antes de los créditos,
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con el espectacular e inolvidable tema de Dick Dale, “Misirlou”. Bizarro. A ello, se le debe añadir el interesante protagonismo que se otorga a temas fútiles, triviales en ciertas escenas, a veces, muy poco amables, la idea del cine por el cine, el gusto por la iconografía americana y la cultura pop, el uso del flash back, el flash foward y el macguffin y el uso de la violencia como elemento de la cotidianeidad. Hace algún tiempo me preguntaron por qué me gustaba el cine de Tarantino. La respuesta fue inmediata. Por su honestidad. No es un director pretencioso. Nunca engaña ni manipula al espectador. Es un mago que muestra las manos en cada uno de sus trucos, además de ser un genio delirante.