Enero 2017
A4
Todo Color
Spanglish
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Tres días y renacer en lúz Furor y Miseterio Entre la verdad y el espejismo Oásis interior que no ofrece nada distinto la tribulación desespera pero espera no pierdas la esperanza te queda renacer tras la luna que vela
Detrás del Arcoiris
El mundialmente aclamado artista y diseñador japonés, Tokujin Yoshioka es conocido como uno de los creadores más influyentes dentro del arte combinado con tecnología experimental y el libre pensamiento en una amplia gama de disciplinas, incluyendo el diseño y la arquitectura. Exhibido en la Galería Shiseido, en Ginza, Tokyo, ‘TOKUJIN YOSHIOKA – SPECTRUM’ es una exposición individual que sigue las exploraciones en profundidad del artista sobre la compleja relación entre el hombre y el mundo natural. La idea de los efectos y la sensación de luz, es el tema que se ha materializado en esta instalación.
En esta exposición individual, Yoshioka, presenta su última instalación llamada SPECTRUM, que ofrece un viaje casi místico a través de la luz con colores del arcoíris aparentemente infinitos sacados de la naturaleza, la ciencia y la tecnología que inundan todo el espacio. En la instalación, el artista separa la luz en sus colores consistentes mediante el uso de un prisma poliédrico, llevando la experiencia de varios montones más allá por tener fragmentos de luz proyectando todo un espectro en los ojos de los visitantes.
Adorable Animal Textile artist Cat Rabbit sews fabulously dressed animals from felt, crafting characters as diverse as kindergarten-bound lambs and a star mathlete rabbit. Each of her designs is completely made by hand, creating each work without a preconceived pattern. In addition to designing one-of-a-kind characters for her Etsy, the Melbourne-based artist also illustrates children’s storybooks with her sculptures, collaborating with her friend Isobel Knowles under the name Soft Stories.
Aerial Salterns
Photographer David Burdeny, whose photo of a towering iceberg we featured last month, has been working on another large-scale photography project. Burdeny began the series SALT: Fields, Plottings and Extracts in 2015, using aerial photography to explore some of the world’s most vibrant salterns in Utah, Mexico, and Australia. Gazing upon the images it’s difficult to determine whether the expressive boxes of color are produced with a camera or paintbrush, or if the gestures were made by hand or nature.
“In their use of amorphous shapes, elongated fields of color and vertical, jagged and sinuous lines, Burdeny’s images suggest the painterly expressiveness of Rothko, Still, Newman, Diebenkorn and late career Willem de Kooning,” explains an essay written about the project. “The effect is less intentional than it is available—Modernism’s abstracted reordering of the visual landscape…permits a non-objective reading of these compositions.”
The Six & Five Studio Andy Reisinger y Ezequiel Pini son los fundadores del estudio creativo Six & Five, el cual se encuentra en Argentina. Los dos son diseñadores gráficos y directores de arte por tanto su trabajo vive entre la delgada línea que divide el arte del diseño. Ayudados de una buena cantidad de disciplinas, sus creaciones siempre juegan y hacen que uno se cuestione si lo que se está viendo es una fotografía, pintura, 3D, escultura o alguna otra forma de arte.
Tessellated Origami
Origami artist Goran Konjevod brings an extensive background in mathematics and theoretical computer science into the folds of his elegant paper sculptures, textured abstract forms that twist, spiral, and cascade. Konjevod practiced origami as a hobby for many years, usually folding the designs of others until 2005 when he began producing some of his original designs. Most of his pieces involve tessellations where repetative geometric designs are carefully folded to create patterns within the paper. (via Strictly Paper) Recently Konjevod’s work has been collected and displayed in exhibitions like the recent 8th Annual Sanchez Art Center 50|50 Show and with the Ohio Craft Museum. You can find more work on his Instagram.
Blanco y Negro Las Mujeres Abstractas No todos los días me sorprendo como lo hice con el trabajo de Erik Jones, no puedo decidir si fueron los colores, trazos, siluetas o incluso la viveza de su trabajo la que me atrajo. En su trabajo podemos ver el uso de colores por doquier, una paleta que aunque es distinta siempre va de la mano, jugando con contrastes y saturaciones místicas y espléndidas. Todo esto acompañado de retratos de mujeres con expresiones que a más de uno cautivaran, también en algunas ocasiones podemos observar uno que otro cráneo apareciendo y disolviendo entre esas plastas de colores vivos.
La Mujer Perdida
Erik Jones es un pintor que ha decidido ir un paso más allá en sus pinturas, y es que trasciende más allá de las dos dimensiones; un juego visual donde no sabes si se trata de un cuadro o del cuadro del cuadro, donde se desconoce si el cuadro está sobre la pared o es parte de la ilusión óptica que crea el artista.
Salvage como la vida
Harumi Hironaka es una ilustradora peruana/japonesa de 29 años, cuyos dibujos y pinturas están siendo compartidos cada vez más en diversos sitios de Internet. Traduce su forma de ser y actividades de forma muy peculiar a su obra, por un lado es traductora y por otro la artista que se expresa de dos formas; el pole dance y su trabajo visual, creando piezas cargadas de erotismo acompañado de ese lado dark pero en colorido que llama mucho la atención, logrando una expresividad muy característica.
Infinitos y Armas
Peter Gronquist es un artista originario de Portland, Oregón, pintor y escultor, cuyo principal característica es la de anteponer objetos y conceptos; se inició en la pintura pero poco a poco fue trabajando el lado 3D de la escultura, por un lado tenemos piezas que juegan con la percepción del espectador, creando composiciones hipnóticas. Hologramas caleidoscópicos que parecen replicarse indefinidamente en un abismo negro.
Por otro lado tenemos cabezas disecadas de diversos animales, pero los cuernos de éstos son reemplazandos con diferentes tipos de armas, conviertiéndose en piezas de arte surrealistas donde el autor trabajo con los conceptos como la destrucción y la muerte, ligándose a la relación de los humanos con el medio ambiente y lo artificial.
Spanish street artist Javier De Riba (previously here and here) paints floors instead of walls, mapping out interlocking patterns in the style of intricate tiles. All of his pieces are created with spray paint and stencils, yet the resulting works are almost indistinguishable from the floors of traditional Catalan homes where he was raised. Typically placed in abandoned buildings, De Riba’s geometric patterns stand in stark contrast to the derelict walls that surround them, each painting breathing new life into crumbling architecture.
New Spray Painted
New Cavernous Murals German street artist 1010 paints murals that seems to disappear within the walls on which they are painted, each work an optical illusion with brightly ringed shapes. The effect is a 3D cavern on a solid surface, produced by 1010 layering 6-10 warm or cool shades on top of a dark background or center. He has recently applied this technique across the globe, including a mural for the Backside Gallery in Marseille, France and a work on a large public building for this year’s POW WOW Hawaii Festival in Honolulu.
Photographer Charles Pétillon (previously) captures arranged configurations of balloons in a variety of environments—trapping the illuminated organic shapes momentarily in his photographs. The huddles of balloons are metaphors for Pétillon, a nod to the objects, buildings, and structures we often pass by in our busy lives without taking the time to really notice them. Last year he produced a 177-foot-long installation for London’s Covent Garden, a work that he titled Heartbeat. “Each balloon has its own dimensions and yet is part of a giant but fragile composition that creates a floating cloud above the energy of the market below,” explained Pétillon about his 2015 installation. “This fragility is represented by contrasting materials and also the whiteness of the balloons that move and pulse appearing as alive and vibrant as the area itself.” Pétillon’s words can also be applied to his current oeuvre, a selection of which is currently on display in a solo exhibition titled Invasions. The works are featured at Magda Danysz Gallery in Paris through January 14, 2017, and also includes a site-specific installation of balloons to mirror those within his photographs. You can see a behind-the-scenes shoot below, as well as more final images of his balloon series on his website and Instagram. His work is also seen in the book Public Art Now.
Clusters of White
Si bien es cierto que la sobreexplotación de los temas sobre sexualidad y fetichismo, es algo que pudiera llegar a cansar por lo repetitivo, también es cierto que algunas veces, contadas, se abordan desde posturas bastante peculiares, como el caso de Joanne Leah, fotógrafa alemana que fue adoptada al nacer y llevada a Virginia, donde vivió toda su vida hasta su divorcio, ahí se mudó a Brooklyn.
Redefiniendo Los Fetiches
¿Pero dónde está lo peculiar?… que viene de una familia católica conservadora, donde el sexo era visto como tema tabú. Estudió escultura para después brincar a diseño de moda, y así buscar la creación de wearables. La fotografía llegó posteriormente para poder trabajar conceptos sumamente sexuales a través de elementos sugestivos, sin perder ese toque de sofisticación. Sus modelos no son profesionales, siempre trabaja con amigos, conocidos o completos extraños, siempre y cuando tengan interés en la idea que esté buscando plasmar. Y en su mayoría son mujeres, esto porque le da la razón al hecho de que la sexualidad femenina todavía está sumamente suprimida en nuestra sociedad.
ADAL es el nombre de tu colección debut, ¿Cómo eliges el nombre? No soy gran admiradora de la obra de Damien Hirst pero una vez leí una entrevista suya que me hizo morir de risa. Hablaba de su definición de la vida y usó las siguientes tres palabras “Arrive, Disturb, Leave”. Arrive es nacer, Disturb es nuestro primer grito, el primer paso en el césped, Arrange es porque siempre encontramos la forma de crear algo con ello y Leave es la muerte, no tenemos opción, debemos irnos tarde o temprano. El mundo está fascinado con las piezas que presentaste para ADAL pero, ¿Cuál es la historia detrás de Nora Renaud? Siento que este proyecto es mi primer grito, mi primer paso en el césped. Hay años de trabajo en casas de alta costura parisinas detrás, siempre para alguien. Pero estaba segura que lo haría de forma independiente algún día.
Nora Renaud Se habla mucho de tu inspiración. ¿Tienes una musa?
¿Cuál consideras la parte más difícil de tu trabajo?
Por ahora es pura emoción y experimentación, una forma completamente automática de trabajar con las manos, escultura…algún día llegará mi musa…
No lo considero un trabajo, creo que es la mejor parte. La única parte difícil del proceso es cuando destruyo piezas que acabo de hacer por no estar bien balanceadas o las emociones dieron un resultado incorrecto. Los objetos son similares a nosotros, llevan una selección natural, pueden o no existir pero eso lo decidimos nosotros.
¿Cuál es tu pieza favorita de la colección? Un collar en bronce mezclado con hilos de algodón encerado, es mi talismán cada día. Me gusta ver mis anillos grandes en las personas. ¿Cómo nace la colaboración con SOME/ THINGS? Nació por compartir un cierto punto de vista en lo estético, la relación con Monika, Some/Things y yo, llegamos a un punto en el que se dió el proyecto de forma orgánica. Me invitaron a trabajar en la galería como una residencia artística. Como encontrar la familia adecuada. Fue el contexto perfecto para la creación de las piezas. Los críticos siempre tienen un par de palabras para definir al artista, ¿Cuáles son tus tres palabras favoritas? Error, Fracaso, Tiempo.
¿Cuál es tu meta principal cuando se habla de crear joyería? Me gusta que cada pieza sea una edición limitada y el hecho de que todo comienza como una escultura, con una carga emocional en ella. Es una parte de mi usada por alguien que no conozco, la meta principal es obtener reacciones de los demás, es un buen motor para sentirse vivos y seguir adelante. ¿Qué sigue para ti? Nuevas creaciones, joyería por supuesto, nuevas colaboraciones con SOME/ THINGS y otras personas que me darán oportunidad de evolucionar de la misma forma en la que comenzó todo: en paz.
An Oversized Woven Chair
Although London-based designer Veega Tankun has only just graduated from the University of Brighton, she clearly possesses a strong sense of aesthetic and understanding of materials as evidenced in these comfy looking chairs woven from overstuffed knit tubes. Tankun says that she’s fascinated with rejuvenating old techniques in her design practice, bringing modern materials and color palettes to traditional production methods. “Traditional doesn’t always have to mean old and outdated, the trick is to make something that we know new and exciting again,” she shares.
New Surreal Wildlife Self-taught artist Tiffany Bozic (previously) paints nature in a way that is both direct and obscure, producing animals with the precision of a tightly rendered nature illustration, while simultaneously escaping the form’s limitations. Her subject matter typically revolves around forest creatures and their environment, while occasionally including creatures and plants such as amoeba-like jellyfish, creepy insects, and exotic flowers. These diverse sects of the natural world combine in ways that are not natural at all—a deer’s soft hair appearing as moss in one work while a skunk gallantly balances on top of a hovering botanical bouquet in another.
Mirage Sculptor Katie Grinnan first unveiled the sculpture “Mirage” in 2011, offering an exploration of movement and space. Constructed from friendly plastic, sand, and enamel, the piece first debuted as part of an exhibition at Brennan & Griffin. The piece is actually a cast of Grinnan’s own body, set in various poses during a yoga routine. The work also calls back to Hindu art, in which gods display several limbs and omnipresence.
The 2011 exhibit was followed by a prolific string of sculptures and multi-site projects, all tackling the idea of space in varying ways. Her musically inclined “Astrology Orchestra” was explained as such: “The Astrology Orchestra is a system-based composition that uses astrology to map out my birth chart from the perspective of the planets in our solar system. Each chart is radically different from the next due to the planet’s position in space. The planetary transits from these charts translate into strings and notes, each set of sounds representing a planetary perspective.”
A more recent project, “Nocturnal Hologram,” combines sand, friendly plastic, and “inkjet prints on protoplast made from photograms of dream images.”Unlike the absorbing, yet disparate objects of the mixed-media work “Enter Face,” “Nocturnal Hologram” is a cohesive, seemingly organic blend of dreamlike forms. All, depending on the perspective and proximity between viewer and art, offer something different with each decision.
Israeli artist Zemer Peled uses slivers of porcelain to emulate shapes and forms of the natural world, from feathers to leaves and petals. The result is something otherworldly, blending hues and patterns for something both familiar and strange. The delicate and organic constructions defy their actual sharp, hardened nature. These works come in differing sizes, from the size of common houseplants to towering over viewers, all made from thousands of pieces of porcelain.
Fractal Sculptures In an exhibit last month at the Los Angeles gallery Mark Moore Fine Art, titled “Nomad,” The act of making for Peled is a feat of endurance, improvisation, and adaptation with the aim to embody a fleeting but fundamental feeling of mystery,” the gallery says. “The construction of her sculpture parallels negotiations any outsider makes in encountering a new world as they delicately construct a self that is both adaptable and resilient.”
The gallery adds that Peled’s process is full of “endurance, improvisation, and adaption.” She’s a recipient of the South Place Hotel Art Prize, Charlotte Fraser Award, and a Tokyo Design Week corporate award. Peled is a graduate of the Royal College of Art in London and the Bezalel Academy of Art and Design.
Observaciones Surreales
Yung Cheng Lin, mejor conocido como 3cm, es un artista taiwanés que se enfoca en observar y trasladar pequeños detalles de la sociedad a sus retratos de mujeres. Para él, la fotografía además de ser una manera de expresar emociones, también es un medio para exponer lo surrealista de la vida cotidiana. Se desarrolla a través de un sentido visual multidimensional, creando imágenes irracionales, extrañas, lo que produce curiosidad del espectador. Rara vez muestra las caras de las personas, porque considera que las expresiones faciales afectan la connotación de quien las ve, prefiriendo que trabaje en su mayoría la imaginación. En sus palabras: “La fotografía no es sólo una manera de expresar emociones, sino también un medio para descubrir lo surrealista en nuestra vida cotidiana, la combinación entre ésta y la imaginación, la ilusión, la poesía, es la manera de creación diversa. Desarrollar un sentido multidimensional del espacio y crear imágenes hace que la audiencia se conecte con los conceptos.”
El artista multidisciplinario Alex Heffesse también conocido como HEFF desarrolla obras de arte sobre la vida contemporánea, combinando arte, función y una estética que podría caer en lo curiosamente absurdo. Toma como inspiración la cultura del consumo estadounidense y algunos de los objetos cotidianos que solemos usar.
La Vida Contemporรกnea