Proyecto de cómic ilustrado by Marian Del Pozo

Proyecto de c贸mic ilustrado

Marian del Pozo Herrero Grado Superior de Ilustraci贸n 18/12/15

Índice Índice: Introducción ........................................................................................................ Página 4

........................................................................................................ Página 5 Briefing • Productos y Clientes • Mercado y competencia • Público objetivo • Conclusiones • Cronograma . ........................................................................ Página 11 Características comunicativas Documentación general .... ................................................................................. Página 13 • ¿Cómo se empieza a hacer un cómic? • ¿Cómo se hace un guión de cómic? • Storiboard Estudio histórico artístico ................................................................................... Página 17 • Historia del comic, antecedentes del comic y referentes historico-artistico • Tipografía del comic • ¿Qué diferencia tiene el cómic con el manga? Estudio de relaciones ....................................................................................... Página 37 • Inspiración • Referentes • El color en el manga • Otras referencias

............................................................................................ Página 55 Testimonio grafico • Ideas • Bocetos • Pruebas de color • Técnicas • Diseño de personjes • Storyboard • Proceso creativo • Variaciones • Materiales ............................................................................................ Página 77 Aspectos estéticos • Análisis de las ilustraciones • Pruebas de imprenta • Artefinal ...................................................................................... Página 87 Aspectos económicos • Presupuesto de costes • Total de costes variables • Total de costes fijos • Precio por unidad .................................................................................................. Página 89 Conclusiones Bibliografía .................................................................................................. Página 90 • Libros • Paginas web

Introducción Una de las muchas ramas de la ilustración es la imagen secuencial y los comics, en los cuales las ilustraciones pueden superar en número al de los libros ilustrados pero no superan la cantidad de ilustraciones que se tienen que realizar en la animación. También podemos decir que se pueden realizar las ilustraciones de cada viñeta del comic con un nivel parecido al de las ilustraciones de un libro ilustrado. También el comic puede tener un valor estético muy parecido al de la animación por que se pueden utilizar planos cinematográficos para darle más calidad al comic. En resumen, los comic son libros ilustrados de imagen secuencial, por lo que puede ser la unión de todas las artes en las que trabaja la ilustración.

Briefing

Productos y Clientes

Este proyecto tiene la finalidad de comunicar una historia la cual está acompañada de unas ilustraciones y un texto que nos meten en su mundo por lo cual está al nivel de cualquier otro comic actual.

Las tiendas de comics se preocupan mucho pos sus crientes recojieno los mejores artículos para sus tiendas de entre la enorme oferta existente y buscar lo que los clientes exigen en cada momento.

Ese es uno de los objetivos que se quiere conseguir con este proyecto, el nivel de cualquier comic que se llega a vender en la actualidad con una historia que guste a un amplio número de lectores y un dibujo acorde con el estilo de comic con un toque personal para darle más calidad. El significado de este proyecto en general es hacerle ver a los lectores una forma distinta de ver el mundo con una historia atractiva para un amplio público y a la vez que haga pensar.

Los clientes de la tienda de comics son jóvenes de entre 14 y 35 años, tanto hombres cómo mujeres, que están al día de las novedades del cine y la televisión, fans de superhéroes y personajes de la literatura de fantasía y ciencia ficción, del cómic y del manga, que les gusta jugar y compartir sus hobbies con sus amigos.

Está pensada para que según que publico lo lea se pueda leer otro significado. Para un público más infantil se puede ver una historia de superación y la idea de que es bueno compartir y ayudar los demás junto con otras ideas. Para un público más juvenil o adulto se puede ver el tema del abandono del hogar y de aprender a ser autosuficiente en un mundo que no suele ser muy agradable entre otros temas.

La gama de sus productos es amplia, diversa y cada departamento tiene sus peculiaridades. En estas tiendas se pueden encontrar a demás de Cómics y Mangas, Libros de fantasía, ciencia ficción y terror; juegos de miniaturas, cartas y de tablero. Y complementando a todo esto merchandising relacionado con el mundo del cómic, manga, cine y televisión; esto engloba productos como figuras articuladas, estatuas y bustos, camisetas, posters, tazas, chapas y adornos.

Mercado y competencia El mercado del comic en españa.

Todo esto hace que estas tiendas sean visitadas por un público cada vez más amplio. Licencias y marcas tan conocidas cómo Naruto, Dragon Ball, Harry Potter, Spiderman, Hulk, Superman, Batman, Los Vengadores, Marvel, DC, Hellboy, El Señor de los Anillos, Conan, Predator, Alien, Los Muertos Vivientes, Dexter, YuGiOh!, Magic El Encuentro, Warhammer y muchas otras son las que se pueden encontrar en este tipo de tiendas.

Jose Luis Cordoba Director de publicaciones de Panini comics España redacto un articulo sobre el mercado del comic en España donde intenta explicarnos los comos y porque de una industria compleja centrado en la empresa que le conoce, Panini Comics, aunque con una interesante comparativa entre su modo de trabajar y como lo hacen otras grandes como Planeta, Norma o Glenat. Fue publicado inicialmente en la web Marvel Mania. El mercado del comic en España La ley de la oferta y la demanda es la que regula el mercado. Los editores de cómics, lo que hacen es ajustar sus catálogos catálogo a lo que compran los lectores. Sin embargo, cuando nos metemos en internet y en los foros se descubre que cada blogero tiene su teoría y que la objetividad desaparece. Por este motivo Jose Lus Cordoba decidio escribir unas líneas sobre el mercado editorial español y sobre Panini, ya que el 90% de lo que podemos encontrar en internet llega a ser falso.

La prevalencia de los comics Una característica muy importante del cómic en relación al libro y a cualquier otra oferta cultural, es la de la permanencia en el mercado. La mayoría de las editoriales de cómic de España facturan más del 50%. Es decir, gracias a la presencia de las librerías especializadas se mantienen vivos los fondos editoriales .

Consecuencias de la crisis española. Por tratarse de un producto híbrido con imagen y texto, los editores de cómics no estarán tan en contra de la irrupción de los libros digitales. En general los lectores son cultos que aprecian un libro bien editado, y desean conservarlo e incorporarlo a su biblioteca, algo que no suele suceder con los best seller literarios. Se dice que en el 2007, fue el mejor año de la historia del cómic en España aunque 2015 tampoco es más año. Las ventas de novedades son las que dan un 80% de la facturación total. En la reposición de números atrasados se puede percibir una caída del 10%. El único peligro es que este sector editorial es endogámico. Las nuevas librerías se crean por mitosis, ya que detrás de cada nuevo empresario hay un antiguo dependiente de una librería de éxito, y algo parecido ocurre con las editoriales y los nombres propios de la profesión..

Tiradas

Conclusiones

De ningún cómic se hacen tiradas iniciales de más de 30.000 ejemplares aunque el éxito de un producto como el mencionado puede hacer que se supere esa cifra de venta en los primeros números de la colección. La tirada media de un cómic, excluyendo las grapas y los coleccionables, no suele ser superior a los 4.000 ejemplares. En nuestro caso concreto, la media de 2008 fue de 5.300 ejemplares, pero hay que tener en cuenta que hubo cómics que tuvieron 30.000 ejemplares, y que los productos Marvel, son los de mayor venta en el mercado español.

La realización de ese proyecto es como un sueño, es el primer paso para otros proyectos que pueda realizar en un futuro. Sé que mis ilustraciones pueden no gustarle a todo los públicos pero he disfrutado mucho dibujando y aprendiendo con cada dibujo.

El gran éxito del manga De la mayoría de los mangas se tiran 3.000 ejemplares y a duras penas se superan los 1.000 de venta, con lo que no se llegaría al punto de equilibrio. Los superhéroes siguen siendo el lo que sostiene la industria del cómic en España, y sus ventas son mucho mayores que las de los mangas. La editorial de Glènat hizo un buen trabajo y tuvo un gran cantidad de títulos que superan los más importantes títulos de manga de venta. El manga se le considera una moda en este país.

Con este proyecto he conseguido una de mis metas, la de usar una historia que estaba en mi cabeza y hacerla real. He conseguido escribirla, terminarla y a demás hacer reales a los personajes y a los escenarios de mis sueños.

Cronograma La documentaci贸n para la memoria al igual que el proceso creativo ser谩 recopilado durante toda la realizaci贸n del proyecto.

Maquetaci贸n y pruebas de imprenta

eri d de de impre ist s

Características comunicativas En cuanto a la difusión de mi producto, he pensado en la auto publicación de el mismo y con el tiempo y mejorándolo puede que lo envíe a una editorial especializada en este tipo de productos para una difusión más amplia. Algunas personas piensan en la autopublicacion como el oficio del ilustrador: “Elijo autopublicar algunos de mis libros porque quiero vivir de mi oficio, igual que lo hace cualquier profesional” -Tuitéalo La edición tradicional tiene tres ventajas fundamentales: El prestigio Supone el reconocimiento oficial de que la obra de un autor es “publicable”, es decir: tiene una calidad suficiente como para ser editado. Pero cada vez es más difícil reconocer cuándo un libro es autopublicado o cuando hay una editorial detrás, ya que los autores independientes están cuidando muchísimo la calidad de sus obras y utilizando los servicios de corrección y maquetación que numerosas empresas les ofrecen.

La distribución en papel De momento, la única forma de que un libro en papel llegue a la mayoría de las tiendas y grandes almacenes es a través de una editorial tradicional, ya que es difícil que las distribuidoras trabajen con autores indies, aunque no me extrañaría que en breve haya distribuidoras especializadas en distribuir las obras que se estén vendiendo bien online. Pero la vida de los libros en este canal es muy corta: si no se vende mucho (lo que sucede con la mayoría de libros), en dos meses c’est fini, las librerías los devuelven y a por el siguiente. En España en 2013 se publicaron unas 50.000 novedades, lo que significan casi 140 al día. El marketing Las editoriales disponen de los medios necesarios para hacer buenas campañas de algunos de sus libros. Pero resulta imposible hacerlo para un número tan elevado de novedades, por lo que apuestan, en general, por los escritores muy consolidados o los muy mediáticos de hecho, durante la mayor parte de la crisis, las editoriales se han cerrado casi completamente a publicar perfiles diferentes a estos.

Natalia Gómez del Pozuelo comenta sus opiniones al tema de la auto publicación: ¿Vende más un libro publicado con una editorial tradicional o un libro autopublicado? La media de ventas de un libro en España es de 1.400 unidades por lo que vender esa cifra está realmente bien. En mi caso, tengo 4 libros publicados en editorial tradicional y 5 autopublicados. Veamos los datos del libro más vendido en cada uno de los

casos: Si analizamos las cifras, vemos que con dos años menos de vida, el de Hablar en público con éxito que estaba autopublicado me ha producido, frente a Buen padre mejor jefe Publicado por una empresa Activa – Urano, los mismos beneficios a un precio casi cinco veces menor para el lector. Y la diferencia más importante es que de Buen padre, mejor jefe el año pasado se vendieron 149 unidades y de Hablar en público con éxito vendo 5 diarios y creciendo, lo que significan casi 2.000 unidades al año.

Al final, lo que yo noto en mi bolsillo es que los libros autoeditados me producen algo más de 300 euros al mes, y los editados de forma tradicional ciento y pico. Yo actualmente para los libros autopublicados he elegido Bubok para el papel y Amazon para el formato electrónico; el alcance de los libros en papel autopublicados es todavía limitado, pero estoy segura de que en breve esto cambiará, de hecho Bubok empieza a cerrar acuerdos con editoriales pequeñas para cubrir ese nicho: distribuir en papel los libros de escritores indies que se venden bien online. Como todos los sectores, el editorial está en pleno proceso de cambio y será apasionante ver los movimientos que se producen en los próximos años.

Documentación general ¿Cómo se empieza a hacer un comic?

Lo primero antes de empezar a realizar un comic es tener una idea clara de lo que vas a realizar. En mi opinión, cualquier historia puede adaptarse para poder ser realizada en formato cómic, lo importante es tener una historia que trasmita. Después de tener una historia, o una idea de lo que queremos realizar caracterizamos a los personajes que van a intervenir, los principales y los secundarios, los lugares y ambientes donde transcurre la historia así como la época en la que se va a desarrollar la acción. Una vez que hemos definido estos elementos, hay que establecer la forma como va a contarse esa historia, teniendo en cuenta los recursos narrativos que se disponen podemos elegir un de estas opciones 1.- Acción lineal, es decir aquella que sigue un orden cronológico de los hechos. 2.- Acción paralela, es aquella que permite alternar dos o más acciones que ocurren simultáneamente en dos espacios. 3.- Acción cortada, es aquella en que la acción se puede cortar para evocar el pasado o anticipar el futuro (flash back o forward). También se pueden llegar a combinar varias de estas opciones y así conseguir historias mas creativas.

Una vez que tenemos el argumento con los personajes y ambientes, procedemos a la división del argumento en pequeñas unidades que contengan los momentos más representativos para su comprensión. Los episodios accesorios pueden eliminarse porque entre una y otra viñeta el lector complementa ese proceso. Cada una de esas unidades en las que dividimos el argumento constituye el número de viñetas a dibujar. Después de elije el tipo de plano y al ángulo de cada viñeta. Creación de personajes Los personajes son los encargados de desarrollar una historia. Para inventar un personaje se pueden recurrir a diversas técnicas: La creación de personajes a partir de figuras geométricas. La creación de figuras a partir de formas isomorfas, sobre todo, a la hora de concretar conceptos abstractos que quieran visualizarse. La creación de personajes a partir de la figura humana o de animales. La creación de figuras a partir de la utilización de técnicas mixtas.

Creación de expresiones faciales de los personajes. A partir de ciertos elementos pueden determinarse los sentimientos de los personajes. Por ejemplo el cabello erizado da sensación de miedo, terror, cólera. Las cejas atas dan sensación de sorpresa; la boca sonriente, alegría, etc.

El tamaño. Se dibuja a un tamaño mayor del que se va a reproducir porque resulta más fácil y porque al reducir los dibujos ganan en calidad. Si se dispusieran todas las viñetas simétricamente y del mismo tamaño, un cómic tendría problemas de ritmo y sería sumamente aburrido. Es aconsejable variar el tamaño y la disposición de los cuadros conservando la armonía de cada página. El cómic puede representar las siguientes variantes: la tira, la página, los libros y álbumes. La Tira.- Es una situación o una historia desarrollada en tres, cuatro o cinco viñetas. Si el episodio es de humor acabará con un chiste. La Página.- Está formada por una serie de viñetas cuyo número es variable. La extensión del argumento es de una, dos, tres o más páginas. Los Libros y Álbumes.- Son historias completas que se desarrollan en un volumen o son una recopilación de historietas cortas.

¿Cómo se hace un guion de cómic? Como ya hemos comentado, después de tener una historia bien definida se llega a la la creación del guion del comic como ayuda para la realización de la viñetas y la colocación del texto.

Una vez realizado el guion se realizan los siguientes pasos: Una vez realizado el guion se realizan los siguientes pasos: Se distribuye la página con el formato más apropiado para cada viñeta. Se dibujar con lápiz las viñetas teniendo presente que la expresión anímica del rostro de los personajes va a condicionar el significado de la historia. Se piensa y se dibuja el espacio que va a ocupar el bocadillo se deja en blanco calculando de antemano su lugar. Se rotulan los dibujos, se trazan las onomatopeyas y las figuras cinéticas. Se procede a pintar, es conveniente usar rotuladores para los personajes y lápices de colores para los fondos, de esta forma se logra que las figuras se destaquen. Se rotulan los textos de los globos, las cartelas y los cartuchos. Anteriormente se escriben a mano la letra ahora el procedimiento es digital. A demás de este procedimiento loo artistas de comic más novedosos utilizan distintas formas de proceder pero esta es, en un inicio, la más general.

Storyboard Un storyboard es una secuencia de viñetas o imágenes que representan una historia. Es una técnica utilizada en películas y comics para poder apreciar cómo quedará la historia. El escribir un storyboard teniendo un guion escrito es sencillo y ayuda para la colocación de las viñetas y el texto sobre la propia página. Hacer un story es como hacer l boceto de la propia página del comic ya que en el mides la colocación y el cómo quedaran lo dibujos y el texto.

Cuando el dibujante trabaja con un guionista es este el que le proporciona el story al dibujante junto con anotaciones para que sepa dónde colocarlo en la página y así ayudar al dibujante. Cuando el guionista y el escritor son la misma persona el story es un método de ayuda para el dibujo definitivo.

Al final se suelen cambiar cosas del story cuando se hace el artefinal.

Estudio historico-artistico La imprenta es el punto de partida de la historia del cómic para especialistas como David Kunzle o Pedro Porcel, que se introdujeron en Occidente gracias a Gutenberg en 1446.

Para hablar del inicio de comic tenemos que nombrar primero a los antecesores de la imagen secuencial o de la historieta que se podría decir que es el arte rupestre y mas adelante lo antiguos jeroglíficos realizados por los egipcios hacia el 3300 antes de nuestra era que se emplearon durante más de 3600 años para representar mitos y leyendas mediante murales y también sobre una hojas de papiro. Solían incluir imagen y texto en sus representaciones y es por eso por lo que se le considera el origen del comic actual. En la historia se han visto otras maneras en las que se juntaban la imagen y el texto como las cristaleras, el tapiz de Bayeux, las bandas que rodean las columnas romanas conmemorativas los retablos medievales los dibujos de las civilizaciones precolombinas como los códices, pintados por los mayas y los aztecas…

A estos ejemplos se pueden agregar algunas obras pictóricas de Hyeronnimus Bosh, Brueghel o Goya, las cuales se dice que tienen un carácter narrativo.

Entonces los antecedentes más cercanos a historietas sean las Aucas y Aleluyas que estaban destinadas a satisfacer las necesidades de instrucción de niños y adolescentes. Estas publicaciones comenzaron a editarse en Francia a partir de 1820. Estas se caracterizaban por narrar pequeños cuentos y aventuras mediante ilustraciones y los textos no se integraban orgánicamente dentro de los dibujos y se adicionaban a modo de explicación complementaria al pie de los grabados. Sin embargo, la historia del cómic se relaciona más correctamente con la de la imprenta y la caricatura.

Los humoristas gráficos ingleses del XVIII desarrollaron el globo de diálogo en sus caricaturas para satirizar a sus gobernantes, uno de estos autores más importantes fue Isaac Cruikshank, pero probablemente el primer libro de historietas sea “Lenardo und Blandine” de Josef Franz von Goez.

En el siglo XX el principal centro de producción e innovación en el campo del comic fue EE.UU, ya que los principales editores del país, la usaron para atraer a todo tipo de público, niños y adultos, incluyendo a los inmigrantes que no sabían inglés. Las series germinales fueron Hogan’s Alley en 1895 de Outcault, protagonizada por The Yellow Kid, The Katzenjammer Kids(1897) de Rudolph Dirks, y Happy Hooligan (1899) de Frederick Burr Opper, que se sirven progresivamente de los globos de diálogo.

Los pioneros de la primera mitad del siglo XIX son Nordquist, Bilderdijk, Thomas Rowlandson , William Chacón y George Cruikshank, aunque el que popularizo el cómic moderno es el franco-suizo Rodolphe Töpffer, quien publica en 1833 su Histoire de M. Jabot, Su Ensayo sobre fisionomía de 1845 es considerado como el primer texto teórico del medio.

Surgieron también series que exploran las posibilidades cromáticas y rítmicas de la página, con algo de surrealismo avant la lettre, como Little Nemo in Slumberland (1905) de McCay y Krazy Kat (1911) de Herriman.

Poco a poco el comic fue desarrollando su particular lenguaje icónico, y las primitivas viñetas, todas del mismo tamaño y con los textos al pie o incluidos de forma extraña en el dibujo, se sustituyeron por viñetas de diferentes tamaños y situación etc. Se comenzaron a usar onomatopeyas, escritas con grandes letras, ciertos símbolos ya universalmente aceptados que tienen un alcance comunicativo que difícilmente puede lograr otro medio de expresión. Y como estas historias tenían un carácter comic se las llamaba tiras cómicas.

Evolución del comic en distintas partes del mundo. En España, en 1904 se publica el Patufet que fue un tebeo en lengua catalana que alcanzó gran difusión. No obstante, el primer auténtico tebeo fue Dominguín, editado en Barcelona en 1915. En 1915 apareció la primera colección de cómics que se publica como una revista de aparición regular y continuada: “Dominguín”. Pero es a partir de 1917 cuando el comic cobra más importancia, gracias a los dibujos de gran calidad de la revista infantil “TBO” que es por esta revista, que se hizo tan famosa, por lo que se le llama tebeo para los comics españoles.

Hoy en día llamamos también al tebeo como “cómic”, vocablo inglés que ha pasado al castellano y que, en un principio, se aplicó a las historietas cómicas, ampliándose después también a las de aventuras, ciencia-ficción y policíacas.

El comic en Europa Para conocer todos los tipos de dibujos de comic hay que hacer una búsqueda en muchos tipos de países distintos.

En Alemania Los ejemplos de comic de este país incluyen los grabados en madera de fines del siglo XV sobre temas religiosos, políticos y morales. Mucho después, resultó que Alemania tendría a uno de los pioneros del cómic, Wilhem Busch. El estilo de los comics alemanes es audaz y animado, y sus metáforas visuales, que reflejaban el movimiento y los estados psicológicos, fueron muy imitadas. La más importante de las creaciones de uno de los mas importantes autores de Alemania fue Busch que realizo la pareja de niños "Max und Moritz".Estos "niños terribles" del humor alemán fueron creados en el año 1865.

En 1934, se hicieron muy populares las tiras cómicas de "Vater und Sohn" del autor E. O. Plauen, que desarrollaba historias cómicas sin texto protagonizadas por un señor y su hijo que era muy travieso. Es importante señalar que, en la época de Hitler, se prohibió cualquier tipo de historietas, por lo que se estancó el desarrollo de esta historia.

En Bélgica Una de las tiras más famosas es "Tintín", creada por Georges Rémi. El primer número de las aventuras de Tintín apareció en de enero de 1929, como "Tintín en el país de los Soviets". Los personajes principales de la tira son Tintín y su perrito Milú, el capitán Haddock, Bianca Castafiore, los detectives Hernández y Fernández, el profesor Tornasol y el mayordomo Néstor. Fue creada en Belgica pero tuvo mucho éxito en muchos países sobretodo en Fancia.

En 1938 nació una de las más importantes publicaciones de cómic "Spirou", que dio confianza y espacio para que muchos autores desarrollaran su estilo en sus páginas, como por ejemplo Jijé, Fournier, etc. Allí se destacaron personajes como el mismo, Lucky Luke de Morris, en 1947, Gastón Lagaffe de André Franquin, en 1957, los Schtroumpfs, más conocidos como Los Pitufos de Pierre Culliford, "Peyo", en 1958, …

En Francia El comic francés se denominaba "bande dessinée". Hacia el año 1889 Georges Colomb público lo que se considera como la primera historieta francesa: "La Familia Fenoullaird". Más adelante se hizo importante Amadée de Noe con su obra "Historie de M. Lajaunisse". Recién es en el siglo XX que las historietas propiamente dichas comienzan a publicarse en las revistas. En el año 1934 apareció la primera tira cómica diaria: "Las aventuras del profesor Nimbus", una creación de André Daix.

Moebius era uno de los tres seudónimos de Jean Giraud el dibujante de comic francés que se le considera uno de los mas importantes de la historia del comic, y quien impondría su estilo en la ciencia ficción. En los años 70 y principios de los 80 triunfo con el seudónimo de Moebius y con obras como El garaje hermético (1976-1979) o El Incal (1980).

El comic francés estuvo muy influenciado por el Belga y por eso se publicó mucho a personajes de autores belgas, como Tintín. En 1959 aparecio la revista Pilote, publicación semanal que daría a conocer a dibujantes como Uderzo y Goscinny que son los creadores de Astérix y Obélix, Gotlib, Moebius famoso creador del sargento Blueberry, en 1963, Cabu, Charlier, etc. Desde 1973 se desarrolla el Festival d'Angoulême, que es el festival francés del cómic, y que se ha convertido en una institución anual y en la cita europea obligada para todos los amantes del comic.

En Italia El comic italiano nació en diciembre de 1908, en el "Corriere dei piccoli", con tiras dedicadas a los niños. Los pioneros fueron Antonio Rubino y su obra "Pippotto e Barbabucco" y Attilio Mussino con "El negrito Bilbolbul". Otros autores de los comienzos fueron: Gandolín, Vieni, Caramba, Yorick, Pitigrilli y Vamba. El comic italiano de aventuras surgio en los años treinta, y durante la segunda guerra mundial se lanzaría “Dick Fulmine” y “Romano el Legionario”.

Posteriormente llegaría Hugo Pratt con “L’Asso di Picche” y en 1967, con “Corto Maltesse”, donde, con un dibujo sobrio, exacto y muy expresivo, narraría aventuras dentro del más refinado estilo de los años treinta. Con la creación de “Valentina” en 1965 de Guido Crepax, florecería la industria del cómic erótico, especialidad donde se destacaría luego, entre otros, Milo Manara. A partir de los años setenta se desarrollaría de forma extraordinaria el cómic-social.

En Suiza En suiza nació Rudolphe Topffer, un profesor de Ginebra, alguien muy importante en la historia del comic. En 1837 Topffer expresó las reglas elementales del comic: "El comic se compone, de una serie de dibujos autobiografiados al trazo, cada uno de estos dibujos va acompañado de una o dos líneas de texto. Los dibujos sin estos textos sólo tendrían una oscura significación, el texto sin los dibujos no significa nada", sus obras se publicaban en álbumes horizontales con una tira de viñeta, en sus cómics "Les amours de M. Vieux Bois", de 1827, y "Le docteur Festus". En 1837 se publica su primera historieta en láminas.

Entre los personajes famosos del cómic Suizo de los primeros tiempos estuvieron "Globi" en el año 1932, cuyo autor fue Schiele y Lips)y "Papá Moll" de 1955, de Oppenheim-Jonas.

Y en la actualidad el personaje más famosos podría ser el niño “Titeuf”, quien fuera creado por “Zep” en el año 1991, y que se hiciera muy popular también en los demás países francoparlantes.

En Inglaterra Los orígenes del comic en Inglaterra se remontan al siglo XVIII con Francis Barlow, quien utilizó bocadillos parecidos a banderas o rúbricas en sus hojas de propaganda de "El espantoso asunto infernal de los papistas". Luego, los vicios y los disparates sociales de la época fueron satirizados en "La historia de una prostituta", de William Hogarth es una de las colecciones de grabados para ser leídos en secuencia como un relato. Con el tiempo se fueron perfeccionando los bocadillos con lenguaje hablado, en especial en los dibujos de James Gillray.

En 1809 llegó, por parte de T. Rowlandson, una serie de aventuras llamada"El viaje del Doctor Syntax". En 1867 llegaría lo que muchos consideran como el primer personaje del cómic inglés: "Ally Sloper", creado por Charles Ross. En 1890 fue el auge de las revistas de comics, con el primer número de "Comic cuts". A partir de 1904 W. Haseldem hizo evolucionar la tira diaria de carácter político. Sin embargo, las tiras cómicas llegaron tarde a los periódicos británicos, y, al principio, estaban dirigidos a los niños, con personajes como "Teddy Tail" en 1915 y "Rupert" en1920, todos con el texto impreso debajo. Luego llegó "Pop" de Watts, en 1921, con el texto en globos. En 1932 Norman Pett crea su famosísima "Jane".

El comic en estados unidos A Norteamérica se la considera la cuna del cómic, pues allí se inició su publicación en forma masiva en los periódicos, y también se empezaron a publicar los "comics books" que son las llamabas revistas de comic. El origen del comic en los Estados Unidos está ligado al desarrollo del periodismo moderno. La causa principal fue la lucha de poderes de Hearst y Pulitzer, dos magnates de la prensa norteamericana, en la conquista de nuevos lectores de los diarios de información. Hearst se hace a su propio equipo de dibujantes y se trae del "World" a Richard F. Outcault, quien es considerado el pionero de la literatura dibujada. La primera página de comic apareció el 9 de abril de 1893 en la cual se hicieron los primeros experimentos con el color, y Outcault crea a "Yellow Kid", personaje que refleja la vida de los bajos fondos y se convierte en la principal atracción del diario. El dibujo de comic de Rudolph Dirks "Katzenjammer Kids", conocido como "El capitán y los pilluelos", se considera el primer comic moderno, se dice que tuvo una gran aceptación del público de 1897, Dirk introdujo el uso del óvalo que encierra el diálogo, dándole más dinamismo al dibujo. En el año 1900 Fred Opper sistematizó la utilización de globos para su tira "Happy Hooligan". Por su parte, Winsor Mc Cay, quien trabajaría para el "Evening telegram", sería un innovador de traer el cuento al comic, por sus encuadres, la utilización de diferentes planos, los dibujos y argumentos en sus obras, sobre todo con "Little Nemo" en 1905.

"Mutt y Jeff" de Bud Fisher es otro ejemplo de comic que aparecería en 1907 en el "Chronicle", de San Francisco. Este cómic es considerado la primera tira diaria publicada en forma regular. Tuvo gran éxito y popularidad, tanto es así que estos personajes fueron comercializados en libros, juguetes, dibujos animados… Al morir Fisher, Al Smith, otro dibujante, continuó la serie.

Más adelante, George Herriman crearía una serie de historietas, pero la que le daría fama sería "Krazy Kat", la cual comenzó en 1910 en el "Evening Journal", de New York. Su formato era informal tenia una amalgama lírica y surrealista, con comedia, poesía y juegos de palabras. Esta historieta se publicó sin interrupciones hasta 1944.

En 1912 llegaría la tira "Pooly and Her Pals", de Cliff Sterret; en 1913 "Bringing Up Father", de George McManus, y, en 1917, "The Gumps", de Sidney Smith. Las series de aventuras llegaron por el año 1924, con tiras como "Wash Tubbs", de Roy Crane seguidas por "Buck Rogers", en 1928, de Nowlan y Calkins, y por "Tarzán", en 1929, de Hal Foster basado en la creación de Burroughs. Por otra parte, en 1929, como un personaje secundario de la tira "Thimble Thater", llegaría "Popeye el marino" creado por Elzie Segar, y en 1930 "Blondie", de Chic Young. Personajes que fueron famosos como dibujos animados, también tendrían su aparición en el comic, como ser "Felix the Cat" de P. Sullivan en 1923, "Betty Boop", de Fleisher y Counihan en 1925, "Mickey Mouse" de Walt Disney (en 1930), "Donald Duck" el pato Donald, también de Walt Disney en 1934.

Poco a poco comienzan a surgir historietas de personajes comunes y corrientes que se caracterizaban por ser héroes, historietas de soldados de guerra, magos u hombres perdidos en la selva, de niños y luego criados. En la época de los gánsteres era natural que el lector desease encontrar el policía astuto y duro que resuelve todas las situaciones; así nace en 1931 “Dick Tracy”, por Chester Gould.

A mediados de los años '30 surgen pequeñas compañías como All Star Comics, Action Comics, o Detective Comics. Y poco apoco las historias empiezan a tener más calidad. Los escritores y dibujantes adquieren un estilo característico del comic al que ahora se denomina actualmente como "americano". Surgen historias de detectives, científicos y personajes más atractivos, y con habilidades superiores a las humanas, que suelen acabar salvando al planeta o a su comunidad de una catástrofe mayor. En 1938 llega "Superman" de Siegel y Shuster, que inaugura la moda de los "superhéroes" disfrazados, poseedores de poderes extraordinarios y dotados de una doble personalidad. Así, aparecerían también "El Fantasma" de Falk y Moore, "Batman" en 1939, de Kane, "Flash" en 1940, de Gardner y Lampert, "La Mujer Maravilla" en 1941, de Marston y "Linterna Verde" en 1940, de Nodell y Finger.

En el comic americano los superhéroes suelen meterse en grandes líos , son los únicos capaces de salvar al planeta y en ocasiones al universo, están rodeados de enemigos, locos, maníacos o con grandes complejos, pero aun así nos impresionan y envuelven en sus historias de aventuras sin saber que nos depara el futuro. En 1934 se crearía la serie policial "Secret Agent X-9", escrita por Hammett y dibujada por Raymond. Por otro lado, en 1946 llegaría "Rip Kirby", de Raymond. En 1950 llegaría la serie "Charlie Brown", de Schulz, con sus personajes "Peanuts", "Lucy", y, sobre todo, "Snoopy".

En la década del '60 la compañía "Marvel Comics" publicaría "Los Cuatro Fantásticos" en 1961, de Stan Lee y Jack Kirby, "El hombre araña" en 1963, de Lee y Ditko, "El increíble Hulk" en 1962, de Lee y Kirby y "X-Men" en 1963, también de Lee y Kirby. En el año 1973 llegaría “Hagar the Horrible”, conocido aquí como “Olaf El Vikingo” creado por Dik Browne. En 1978 aparecería “Garfield”, de Jim Davis, y en 1985 “Calvin and Hobbes”, de Watterson. Más cercana en el tiempo hay que mencionar a “Sin City”, una serie de historietas creadas por Frank Miller en 1991.

El comic en Japón En el año de 1814, el artista Katsushika Hokusai comenzó a realizar dibujos en los cuales narraba historias cortas protagonizadas por samuráis, que representaban las guerras y sucesos por los cuales había atravesado Japón durante aquel período. Este autor fue el que introdujo el término manga para nombrar el comic japonés. Lo que hizo fue los términos "man" que significa involuntario y "ga" que significa dibujo o pintura. En 1930 se creó un manga llamado Ogon Bat, de Suzuki y Nagamatsu cuyo protagonista era un semidios justiciero que combatía el crimen,fue un pequeño preferente al mundo de los superhéroes. El primer autor japonés que rompió las filas del material extranjero fue Rakuten Kitazawa, en el suplemento dominical Jiji Manga del diario Jiji Shimpou. Y de aquí surgio la génesis de la aplicación del nombre manga, que tendría su desarrollo y se convertiría en una verdadera industria en la posguerra.

En 1945 se crea un antes y un después en la historia del manga de la mano de Osamu Tezuka, al que se le considera el responsable por completo de toda la estética, la narrativa y la puesta en página de lo que conocemos actualmente como Manga. La obra de Tezuka que revolucionó el mundo del manga fue Shinkataragima “La nueva isla del Tesoro”. Quizá inspirado por los dibujos de Disney, en cada obra suya hay una gran cantidad de imágenes y dibujos minuciosos, con personajes de ojos grandes y redondeados, y con mirada intensa.

Tezuka volcó todo su amor por el cine y la animación en planchas de papel barato y expandió su forma de ver los mangas a través de otras obras como Janguru Taitei “Emperador de la Jungla”, Tetsuwan Atom “Astroboy”, Ribon no Kishi, etc. Otro autor que se destacó mucho fue Katsuhiro Otomo con el Manga de Akira. Fue así que ciencia ficción, fantasía, y aventura cotidiana infundieron a toda una generación. Personajes como Centella en 1968, Mazinger Z en 1980, Fantasmagórico en 1975 y Meteoro en 1982 triunfaron también en el resto del mundo. La humanidad de los personajes nipones, que tenían debilidades y se enamoraban, calaron perfectamente en América.

Las series se desarrollaron con longitudes extensas y numerosas sagas, como en el caso del popular manga "Dragon Ball" creada por Akira Toriyama abajo, inspirado en una vieja leyenda china, , en la que se narran las aventuras de Goku y de todos los personajes a los que va conociendo a lo largo de más de siete mil páginas. Hoy en día los mangas originales se publican por capítulos en revistas semanales, la más conocida es la llamada “Shonen Jump” después estos capítulos se recopilan y se imprimen como un pequeño libro para venderlo como comic.

En los diferentes países que han desarrollado una importante cultura de cómic se han designado un nombre, en sus idiomas autóctonos, para referirse a este. Por error general, la mayoría de la gente suele referirse a cada uno de estos nombres como si cada uno determinara un "estilo gráfico" y "narrativa particular" de cada país donde se acuña el término, lo cual es un gran error. Por ejemplo, es común escuchar gente decir que prefieren el manga al cómic refiriéndose al lugar de procedencia. En realidad esto no es así. El término más exacto en cualquier país hispano parlante sería historieta, pero lo cierto es que la palabra más general en cualquier parte del mundo es cómic. Estemos en Japón, en Francia o en Argentina, la palabra cómic será siempre entendida por aquellos que se muevan en este mundo.

¿Qué diferencia tiene el cómic con el manga? Es importante saber cuál es la diferencia entre el comic y el manga ya que quería realizar una mezcla entre comic americano, manga japonés y quizás mezclado con el comic europeo, y para eso se tiene que saber la diferencia.

Tiempos en las publicaciones Un cómic “Europeo” o sea, BandeDessiné se publica un número por año, unas 52 páginas. Un cómic “Americano” o sea, ComicBook se publica un número por mes, unas 24 páginas. Un cómic “Japonés” o sea, Manga se publica un capítulo por semana, unas 20 páginas. Visto al año: El Bande-Dessiné publica 52 páginas por año. El Comic-Book publica 288 páginas por año. El Manga publica 1048 páginas por año.

Aquí ya se puede ver la “diferencia” básica entre los tres estilos más populares del cómic en el mundo. Equipos de trabajo - El cómic Europeo suele haber un guionista y un dibujante... Con lo que suele ser un equipo de 2 personas. - El cómic Americano suele haber un guionista, un dibujante, un entintador y dos coloristas... Con lo que suele ser un equipo de unas 5 o 6 personas. - El cómic Japonés suele haber un guionista-dibujante y 5 machacas... Con lo que suele ser un equipo de unas 5 o 6 personas.

Conclusiones La conclusión básica es que hay algo en el dibujo que hay que cambiar para producir más. Básicamente se trata de entrar en los cánones del estilo “Cartoon” o “Anime” tanto como se pueda para poder producir de forma sistemática sin preocuparse mucho por el realismo. Ahí es donde entra el famoso estilo “manga”. El creador de esta tendencia fue el famoso “Osamu Tezuka” Inspirado por su película favorita de Disney “Blancanieves y los siete enanitos”. A partir de entonces todos los “mangakas” que vinieron a continuación le imitaron en gran medida hasta el día de hoy.

Aquí podremos observar que la cantidad de gente para hacer un Comic-Book y un Manga no cambia mucho... La diferencia entonces tampoco está en la cantidad de tiempo invertida en el trabajo para realizar el cómic pues aunque los japoneses tengan fama de trabajadores duros siguen siendo “humanos” .

Estudio de relaciones Inspiración Habiendo estudiado lo anteriormente mencionado sobre la historia del comic y los referentes históricos damos paso a los referentes que nos ha servido como fuente de inspiración y nuestro propio diseño de la ilustración.

Después de tener definida la historia vinieron los referentes para la realización de los primeros bocetos y las técnicas a utilizar en el comic. La idea inicial para la realización de mi proyecto se basa en los comics japoneses también llamados “mangas” y el las técnicas de la tinta china y la utilización de la trama para añadir diferentes tonos de gris. Entre los mangas en los que quería basarme por su trabajo se encontraba uno de los trabajos más importantes de Norihiro yagi, Claymore, que desde que conocí el manga y el ánima japonés ha sido un referente importante para mí en cuanto a la narrativa y el dibujo. Su serie más conocida “Claymore” es uno de mis mangas favoritos y un referente en mis trabajos.

Me gusto en un principio por que no era un manga como los demás, los personajes no tenían los rasgos del manga característico, como los ojos grandes, era un manga de estilo más realista. En las ilustraciones que yo realizo se puede ver la similitud en cuanto a la realización de la nariz y puede que la forma de la cara y los ojos en algunos casos.

Undeadman fue publicada en la prestigiosa revista revista Gekkan Shōnen Jump de la editorial Shūeisha y tuvo dos secuelas. Poco tiempo más tarde, Yagi consiguió que publicaran su primera serie de manga, la comedia Angel Densetsu, que fue difundida en la misma revista que su trabajo anterior desde 1992 hasta su culminación en 2000 con quince volúmenes, Angel Densetsu fue posteriormente adaptado a una animación original de dos episodios por el estudio Toei Animation.

Norihiro Yagi es un autor y dibujante de manga japonés nacido en 1968 enla prefectura de Okinawa en Japón. Es autor de tres obras de manga de las cueles yo le conoci por su última obra llamada Claymore, de 27 volúmenes realizada entre 2001 y 2014. Este autor recibió un premio por su primer trabajo de un solo volumen, un tomo único, en 1990 llamada Undeadman, el cual ganó la trigésima segunda edición del premio Akatsuka.

Su manga más reciente, Claymore, también fue adaptado a una serie de anime por Madhouse que culminó con veintiséis episodios y contó con un final improvisado, pues la historia original continuaba publicándose en ese entonces. Como curiosidad, comento en su primera publicación de Claymore que en su tiempo libre le gusta escuchar música hard rock, jugar videojuegos, conducir y practicar artes marciales.

Otro de mis autores favoritos de comic japonés y que ha sido un enorme referente en cuanto a la realización de mi historia y también de las ilustraciones es un autor que se hace llamar Tite Kubo, ha sido un referente desde que me empezó a gustar la cultura japonesa y también es un referente de mis ilustraciones en cuanto a las pones dinámicas y las caras cómicas de personajes serios. También me basado en las expresiones de sus personajes para crear las expresiones de los míos. Una de las características de sus ilustraciones en sus mangas es una ausencia extraña de la utilización de las tramas típicas que poseen los mangas, utiliza una trama más artística realizada con líneas de tinta china.

Esta última ilustración sería un boceto de mi personaje con parte de la técnica de este autor.

Tite Kubo al cual también le llaman Kubotite , nació el 26 de Junio de 1977 en la prefectura de Hiroshima. Es un popular mangaka, conocido por su famosa obra llamada Bleach. Su nombre real es Noriaki Kubo. Comenzó dibujando su primer manga en la secundaria, dando creación a Zombie Powder, la cual Tite presentó a la revista Shōnen Jump. En un principio no se la aceptaron pero a base de insistir la logr publicar en 1999 pero fue cancelada por la misma revista debido a la poca popularidad y exagerado contenido violento.

Más adelante, Tite crearía un nuevo manga, al que titularía Bleach. Este manga fue inspirado en su mayor parte por Saint Seiya, una serie de manga y posterior anaimacion muy conocida, en España se la tradujo como Caballeros de Zodiaco. De nuevo fue rechazada por Shōnen Jump debido a sus semejanzas con la serie Yū Yū Hakusho del mangaka Yoshihiro Togashi. Aunque la serie tuvo una acogida aceptable entre los lectores, las posibilidades de que esta siguiese publicándose se hacían cada vez más estrechas y trajo como consecuencia principal a un Kubo Tite desalentado por el rechazo de sus mangas. Entonces , Akira Toriyama, creador de la universalmente exitosa serie de manga y anime Dragon Ball, le envió una carta de aliento. Esto inspiró a Tite y, finalmente, Bleach fue oficialmente publicado en el 2002 y rápidamente alcanzó el éxito. Hoy en dia es una de las series más exitosas en Japón, en el resto del mundo y la historia sigue en curso en la revista semanal de Shōnen Jump. 39

Kiriko Nananan nació el 14 de diciembre 1972 es es una famosa mangaka de de Tsubame, Niigata, conocida por su tipo de mangas de estilo “josei” realista, trabajos que incluyen un uso del arte minimalista con un sentido de separación. Sus trabajos giran en torno a un movimiento llamado "La nouvelle manga". Su primer trabajo fue publicado en Garo en 1993. Dos de sus obras han sido llevadas al cine, las cuales son las llamadas Blue y Strawberry shortcakes. En el Festival Internacional de Cómics de Angoulême 2008, ganó el Premio de la imagen de l'école Supérieure de l'.

Kiriko Nanana dice que ella está obsesionada con ver todo con líneas. Utiliza los espacios blancos en los fondos, al igual que en los personajes, para sugerir sentimientos como la esperanza o vacío. Es por esta razón que, a diferencia de la mayoría de los artistas de manga, ella no tiene a gente en su estudio que la ayuden a hacer los detalles que en otros mangas se pueden ver, ya que los pequeños detalles, que ella dibuja, juegan un papel importante en sus historias. Ella dibuja cada página para que pueda ser aislada, como una foto en un cartel o una camiseta, pensando en su manga como una serie de cuadros.

Nananan dice que sus historias y personajes son parcialmente ficticios ya que ella dice y cree que son ciertas, como la vida misma. Basa la forma en que los personajes piensan en cómo piensa ella, entonces vincula todo junto con los acontecimientos ficticios. Ella siente que no puede tener las asistentes que la ayuden a hacer el guion de sus historias ya que ella es la única persona que puede escribir sus historias. Me enamore del trabajo de esta autora sobre todo por la limpieza de sus ilustraciones, me encanta ver la manera en la que contrasta el color dela tinta china con el blanco del papel y el realismo que tienen sus personajes y la cantidad de emociones que expresan con pocas líneas. Siempre me ha gustado este tipo de dibujo de línea fina de tinta china.

Para la idealización de los personajes encontré unas imágenes de referencia las cuales concuerdan con mi imagen mental de algunos de los personajes que había imaginado antes de crear la historia y después de hacerla. En un principio pensé en hacer unos protagonistas distintos a los habituales en el manga y en al comic. Pensé que fueran albinos pero que la piel fuese oscura, y para darle un toque mágico y que contrastasen que su piel fuese gris. Encontré el concep art de algunos personajes inventados que se asemejaban a lo que yo quería realizar con los míos independientemente de la técnica que después usaría para la realización de estos. Después de hacer la historia me comente sobre qué tipo de vestimenta podía llevar la gente que vive en el desierto, aunque luego la adaptaría mi manera. También me documente obre desiertos y algunas ilustraciones de ciencia ficción que tuviesen que ver con estas ideas.

Referentes Habiendo estudiado lo anteriormente mencionado sobre la historia del comic y los referentes históricos damos paso a los referentes que nos ha servido como fuente de inspiración y nuestro propio diseño de la ilustración. Después de la explicación de la creación de los personajes hay también otros referentes de los que sería apropiado hablar. Uno de los mayores referente en cuanto al tamaño y el tipo de encuadernación del comic sería la de Zaya. Esta novedad en el comic viene definido por el estilo del chino Huang Jia wei que el lo llama manhua, un tipo de comic pareido al manga pero realizado por artistas chinos no japoneses. "Zaya" es un cómic que bebe directamente del subgénero de la ciencia-ficción acuñado allá por los ochenta como cyberpunk.

Los autores: J. D. Morvan, el escritor Nacido en Reims, Francia, en 1969, a J.D. Morvan le anamoraron los comic franceses de su época. Se graduó en el Instituto Saint-Luc, en Bruselas, donde por primera vez aspiraba a ser un ilustrador, aunque estaba convencido de que en realidad iba a terminar siendo un escritor. Después de encerrar varios títulos importantes, incluyendo NOMAD y HK por Glénat, creó la SILLAGE popular serie de Delcourt, estableciéndose como uno de los más buscados después de los escritores en BD francesa. Extremadamente prolífico, ha creado varias series de Dargaud, incluyendo ANNEE MON con Jiro Taniguchi, AL'TOGO, LE PETIT MONDE, REALITY SHOW y NAJA. También fue autor de una serie de volúmenes de SPIROU y FANTASIO, con el ilustrador José-Luis Munuera, así como la serie de MERLIN, co-creado con Joann Sfar y Munuera. En 2011, creó ESCUELA DEL CRIMEN, un manga con sabor para los niños, que fue nominada a un premio en el festival anual de BD en Angouleme. Recientemente ha lanzado una nueva serie con el artista coreano Kim Jung Gi llamados JUEGOS SPY.

Huang-Jia Wei, Illustrator Huang Jia Wei nació en China en el año 1983. Desde su infancia, él alimentaba un sueño de convertirse en un ilustrador y diseñador. "Ya San", fue su primera obra de más de cien páginas. Este novedoso proyecto gráfico se presenta como un proyecto de estudio durante las clases de arte. Aunque en su gran humildad, Huang Jia Wei describe su propio estilo como "infantil", que espera que sus diseños sean bien recibidos y continuarán su impulso para ofrecernos otras obras cada vez más cautivantes.

Me enamore de este trabajo de igual manera del ilustrador que del escritor ya que me parecen brillantes y además de influirme en mis dibujos también influye en la colocación de las viñetas y el texto en sus páginas. “ No me asustó el niño solo que no recordaba haber visto ninguno y me temí su reacción porque me asustaba lo que pudiera pasar después. El me vio y sabía que estaba escondida entre los escombros. ”

Hola

... No hace falta que te escondas, te he visto.

¿Cómo has aparecido en mi mundo?

“Le miré un momento y pensé que no tenía nada que ver conmigo y no deseaba saber nada de él.”

no lo recuerdo muy bien Solo recuerdo haberme dormido y he despertado aquí contigo, señorita.

“Le miraba con una sonrisa, supongo que el niño se había asustado al verme con la máscara. Este antifaz lo había llevado desde que recordaba, ocultaba mi cara y también las expresiones de mi rostro.”

“Mi mascara impedía que él viese la mueca que había puesto.”

En un principio decidí realizar el comic en tamaño a A4 y por eso el comic de Zaya fue uno de mis mayores referentes. Y este tamaño tenía una explicación. Últimamente se llegan a ver muchísimos comic y novelas gráficas de una tamaño muy grande y es que cada vez más se pide un trabajo más minucioso y de mucho tiempo. El comic de Zaya es uno de los ejemplos más adecuados en ese sentido ya todas sus viñetas tiene mucho trabajo de dibujo. 44

En cuanto a la portada del comic, pensé desde un principio en que esta no estaría en blanco y negro como la tripa del comic. Esta portada tenía que tener un color especial y para eso ya había estado investigando portadas que no fuesen impresas a todo color, sino algo más sencillo, a dos tintas o a tonos sepias, que siempre me han atraído mucho. Entre muchos comics con estas características encontré uno que me había llegado al corazón hace un año, esta es el comic europeo “Lydie” de los autores Jordi Lafebre, Zidrou. “¿Quién dice que no existen los milagros? Cada día ocurren centenares de ellos, tan pequeños que ni los vemos. Incluso algunos son tan cotidianos, que hemos olvidado que son milagros. La pequeña Lydie murió al nacer, pero aun así, su madre dice que está allí. ¿Quiénes somos nosotros para quitarle la ilusión? ¿Por qué no puede ser uno de estos milagros?”

Este comic además de ser maravilloso tiene un proceso creativo parecido al de mi cómic, primero el dibujo a lápiz y entintado a tinta. Después coloreado digitalmente. Mi comic no tiene color pero también hay que decir que “Lydie” tiene muchas más horas de trabajo invertido. 45

Otras portadas con un estilo que me gustaba y no solo de cómics.

"A principios del siglo XX, durante la Semana Trágica de Barcelona, un hombre pierde a su hija en extrañas circunstancias. Durante los difíciles tiempos en los que defender tus derechos significaba jugarse la vida en las calles, el protagonista descubre un sórdido negocio en el que las personalidades más influyentes de la época están involucradas. Este negocio lo regenta la asesina más famosa de la crónica negra española. Para desmantelar toda la red de corrupción y asesinatos que llega hasta las más altas esferas de la sociedad, él se verá obligado a pactar con el cuerpo más corrupto de todos: la policía. Pero, ¿los disturbios contra el reclutamiento impedirán que se llegue a hacer justicia? 46

En cuanto a la referencia del tamaño de comic, “Zaya” era el mayor referente en un principio ya que la primera idea era la realización del comic a un tamaño de A4, lo que quería decir que mediría 210 x 297 mm. En u principio me parecía una buena idea pero la falta de tiempo me impidió realizar los dibujos para un tamaño tan grande por lo que reduje el tamaño. Los tamaños más atractivos me parecían los de los comics y mangas que había ido comprando a lo largo de mi vida y eran los muchos tamaños que había pensado para mi comic en un principio, pero tenía que ir descartándolos. La forma más adecuada de descartarlos era la del precio que me costaría imprimirlo. El tamaño final lo tenía uno de mis comics más queridos, una reciente edición de los mangas de “Dragon ball” en un tamaño más grande del manga original.

Al final me decante por el tamaño A5 de 148 x 210, que no es ni tan grande y caro como el tamaño A4 ni tan pequeño como el tamaño de manga pero de un precio parecido. El problema del tamaño con el dinero es que a más hojas se usen para imprimir más caro será, por lo que cuanto más grande sea el tamaño del comic más hojas necesitara para realizarse y más caro saldrá.

Referentes que utilicen en sus trabajos la trama de puntos La trama de puntos es muy típica en los cómics de origen japonés pero poco a poco se han ido estableciendo por todo el mundo por el carácter estético que le da al dibujo. Es una de las herramientas más importantes a la hora de realizar un manga. Pero no se les suele prestar mucha atención y no hay demasiada información sobre ellas. ¿Qué son las tramas? Es un comic podemos decir que cada viñeta está formada por tres elementos, la línea, la mancha, y en según qué tipo de comics, se rellena con color y en otros con tramas. Estas tramas dan sensación de volumen a las ilustraciones que componen la página. Existen muchos tipos de tramas pero todas se usan como relleno, ya sea de fondos, de sombras, para distinguir tonos distintos de gris, para dar volumen, para producir tensión, etc.

Yo he llevado más a mi terreno la utilización de las tramas, en mi caso digitales, dándoles añadiéndolas para dar volumen y sombre pero además un toque más artístico que no se ve muy a menudo en un manga.

¿De verdad no recuerdas nada?

“Salimos de las ruinas los tres juntos en silencio.”

Mi nombre y poco más…

Kaze, a mí no me da miedo

Vacua ...

No tienes por qué temerle.

Me da miedo

Bueno, eras algo introvertida, no hablabas con nadie, aunque tampoco lo necesitabas. Recuerdo que ya estabas aquí cuando llegué a este mundo y tampoco me resolviste demasiadas dudas, aunque tampoco parecía que supieras demasiado. Yo intentaba acercarme a ti pero tú nunca fuiste demasiado habladora. Por eso me parece algo raro que seas tan sociable ahora. Será porque perdiste la memoria…

¿Desde cuando eres tan amable?

“Nos quedamos un poco en silencio mientras recorríamos el desierto. Aunque caminásemos mucho parecía que no nos cansábamos. “

¿Cómo era antes?

Supongo que protectores.

¿Qué es lo que somos?

“La verdad era que no quería saberlo realmente, por una parte era curiosidad y por la otra quería responder a la pregunta que me hizo Kaze.”

Podría decir que uno de los referentes de manga actuales en cuento a la utilización de trama en sus viñetas seria “Gurren Laggan”, y también uno de mis referentes que me ayudaron a encontrar mi estilo. El manga se hizo famosos gracias a su serie de animación que se hizo famosa a la vez por haber sido creada en el mismo estudio creador de “Neon génesis Evangelion”.

Si, protegemos

las entradas y salidas que tiene este mundo de los seres como ese crío.

¿Supones?

¿Proteger de qué? Si todos son como Kaze, no hay que tenerles miedo …

El manga de Tengen Toppa GurrrenLagann fue ilustrado por Mori Kotaro que comenzó su publicación en la revista de shonen japonés Dengeki Comic Gao! el 27 de abril del 2007 y finalizó su impresión en la revista el 27 de febrero del 2008 porque la revista fue cancelada y siguió en la revista Dengeki Daioh también de MediaWorks. El primer volumen salió a la venta el 27 de septiembre del 2007 con los cinco primeros capítulos y el segundo el 27 de marzo del 2008.

Capítulo 1

Llegada

En muchos de las historietas los ilustradores añaden un dibujo que pueda hacer pensar al lector de lo que ocurrirá en ese episodio del comic. Por eso del mismo ilustrador, Mori Kotaro, una de las portadas del manga “Gurren Lagan” me sirvió de inspiración a la hora de realizar mis portadas. Aun asi este punto estará más desarrollado en el proceso creativo, cuando hable de la creación de las portadas y sus variaciones.

El color en el manga Elegí el blanco y negro en la tripa de mi comic por ser mucho más barato a la hora de imprimir y también a la hora de realizar el propio comic. Como referencia me base en los mangas japoneses que están en blanco y negro. Actualmente, algunos artistas sí que utiliza en el color en los mangas algunos para darle estilo y otros como labor comercial, para que se vendan de forma más rápida y así ganar más dinero. Yo me he basado en los mangas que utilizan la primera página en color de modo artístico que no es comercial. La reedición de los antiguos mangas de “dragon ball” del que ya hemos ablando anteriormente, trae algunas viñetas coloreadas en comparación con las viñetas en blanco y negro que Akira Toriyama dibujo entre 1984 y 1995.

“Recuerdo que un día miré al cielo”

¿Por qué es azul?

Solía mirar al cielo constantemente pero no alcanzaba a preguntarme el porque, hasta ese día. Entonces pensé además, que se encontraría detrás de ese color turquesa.

...

Otras referencias

Una de las referencias de la narración en mi comic es el que encontramos es en un trabajo de uno de mis ilustradores de comic americano favorito, Michael Turner. El comic se llama “Fanthom”, y se estrenó en 1998, publicado por “Top Cow”. “Las voces que trae el viento me llaman Vacua. Dicen que soy el monstruo del desierto norte. Perdí mi memoria hace tiempo mas no recuerdo cuando y he estado deambulando por este desierto de arenas blancas y cielo claro. Cuando este se nubla es cuando viento trae más voces.”

...

“No necesito comer ni beber. Cuando miro esa enorme masa de agua pienso, porque está ahí si nadie se la va a beber… “

Yo ya seguía al dibujo de este autor de comics y cunado encontré los 7 primeros comics de esta historia me enamoraron y me base en su tipo de narración para escribir la mía. Lo que me llamo la atención de este comic es que narra partes de la historia desde tres puntos distintos de vista pero en primera persona los tres, y así sabes cuál es el pensamiento de cada personaje en esos momentos clave de la historia.

“Hay días que me siento en la orilla y me quedo en silencio ya que el sonido que produce apacigua las voces. Enfrente del océano hay una duna tan alta como una montaña y detrás unas ruinas que suelo visitar a menudo. “

Mi historieta se basa en las vivencias de las protagonista contadas por ella misma y en algunas partes existe más narración que dialogo, por lo que en parte mi comic es algo extraño en el mundo del comic pero sí que hay referentes que hacen acciones parecidas, como narrar en primera persona estando en la viñeta el propio personaje que narra.

Encontré un ilustrador del que no encontré demasiada información pero que me ayudo a darme cuenta de la forma en la que quería realizar mi comic. Se hace llamar J. Rath y tiene 20 años y yo creo que aún es ilustrador estudiante ya que en las publicaciones de su blog se pueden ver estudios tonales y otros bocetos. Este ilustrador me hizo darme cuenta de que si realizaba las ilustraciones a lápiz como un boceto, no tenía por qué borrarlo para entintar a tinta sino que podía calcarlo con papel de cebolla y así me ahorraba el limpiarlo a ordenador.

Testimonio gráfico Ideas Para comenzar el proceso creativo comencé con la idea de adecuar un personaje que me había inventado a una historia que aún no tenía. El personaje era una fémina de piel gris y pelo blanco. Me vino a la mente por que la imagine en un sueño. La llame Vacua, el monstruo del desierto norte. En un principio realice bocetos de ella pero sin basarme realmente en lo que había visto, solo por diversión, por hacer pruebas en el cuaderno de bocetos. La primera fue un mujer realizada a tinta china con la piel a tiras blancas y negras y la otra un mujer con cuernos y piel blanca de pelo blanco también. La idea de realizar un comic me ilusionaba ya que desde que me gusta dibujar me han gustado los comics y los mangas y siempre he querido contar historias con dibujos secuenciales como los de los comics que yo leía.

Pensé en hacer una historia en la que concordar un personaje tan extraño como ese y me imagine un mundo desolado y abatido para ponerla a ella. Pensé en un desierto de arenas claras y cielo azul despejado. En el desierto ella vivía y para darla más misterio decidí que hubiese perdido la memoria y esta es una estrategia para no tener que contar toda su historia y dejarla en un ala de misterio. También pensé que la historia la contase la misma protagonista y así poder incluir a los demás personajes sin tener que contarlo todo sobre ellos, para darles más misterio.

Bocetos

Los primeros bocetos de Vacua los realice antes de crear la historia, ya que quería tenerle a ella bien definida antes de tenerla escrita. Pensé en hacer una historia para un personaje femenino desnudo, con la piel gris y pelo blanco.

Después de estos bocetos realice una prueba con tinta china diluida para realizar un boceto de Vacua. Le puse un fondo de tinta china sin diluir para resaltar más su figura y el color de su pelo.

También invente una extraña mascara para ella y pensé en la manera de colocación de su pelo sin mascara en forma de boceto, sin tener nada definido.

Mas adelante me puse seria con como quería hacer y realice un estudio del personaje de Vacua afondo, realizando muchos bocetos y pruebas de como quería que fuese ella.

Tal caso es que a Kaze lo tenía pensado desde que escribí la historia, sería un típico niño oriental, más concorde con el niño modelo japonés, con el pelo casco y la nuca rapada.

Pero no solo realice bocetos de ella, también realice bocetos de los otros dos personajes principales y algunos bocetos de otros personajes que solo se mencionan y se ven en una pequeña parte de la historia, pero que eran importantes.

Umbra me costó más imaginármelo, pero lo que tenía claro es que tenía que ser como Vacua, con la piel oscura y el pelo blanco. Después de tener a los tres personajes importantes me faltaba un personaje importante pero que solo se le veía la cara en una viñeta, o eso estaba pensando hacer en un principio. Salían otros personajes poco importantes pero a ninguno de ellos se les veía bien el rostro para dar sensación de que están ahí pero que no son importantes. Un ejemplo son los padres de Kaze que aparecen también en una viñeta pero no son tan importantes como Elisa. 56

Puebas de color Después de tener definidos los personajes en el cuaderno de bocetos pensé en realizarlas pruebas de color en algún boceto, sobretodo quería darme cuenta si quedaba mejor el entintado digital o el manual. Definitivamente me decidí por l entintado manual y si me confundía lo podría arreglar digitalmente. Después realice pruebas de color referentes a la piel de Vacua y Umbra, de los cuales tendría que colorear la piel ya que no la tienen blanca como Kaze. Me documente en cuanto a cómo solucionaban el problema de colorear la piel en los mangas sin utilizar la trama que se realiza con la tinta china y encontré algunos ilustradores de comic japoneses, también llamados “Mangakas”, que utilizaban una trama de puntos para darle a la piel una oscuridad grisácea. Algunos como en el manga de “Herem” de Noiri, una autora de mangas española, utilizaba una trama de puntos casi invisible excepto si se ve con el cuentagotas. Cuando se lee es como si fuera una gran masa de color gris.

Otro como el el autor de “Gantz” Oku Hiroya. Utiliza un modo más tradicional que el de la autora española que es el de introducir un papel de trama directamente sobre el dibujo de tinta de modo tradicional.

El modo tradicional de introducir trama se realiza cortando con el cúter la cantidad de trama que se quiera utilizar en el dibujo y después se pega en el propio dibujo.

Siguiendo con las pruebas de color, pensé en realizar un manga pero con un estilo de ilustración más marcado, aun así quería realizar, en cuanto al color, la portada en color y la tripa en blanco y negro. Pensé en realizar la portada a color digitalmente. Para ello realice algunas pruebas para ver como colocar el color digitalmente y con pinceles con tramas de ilustración. Pensé también una portada en blanco y negro como prueba. Aun no tenía pensada la ilustración que podría en la portada aun así había pensado en algunas ilustraciones en las que saliera la protagonista, Vacua. También realice algunas pruebas de modo tradicional en mi cuaderno de bocetos.

Técnicas

Lo primero que pensé fue en realice la técnica que se utilizaba en los mangas, la tinta china, pero también me di cuenta de que algunos comics americanos utilizaban para sus comics una ilustración muy elaborada y detallada a lápiz que después coloreaban con el ordenador como es el caso de “inhuman” de Charles Soule. En mi caso primero realice alguna ilustración, como se ha visto anteriormente, a lápiz que después de ha coloreado digitalmente. También pensé en la realización de una ilustración con línea fina de tinta china y que después dala forma y textura digitalmente con unos pinceles del Photoshop. Hice pruebas de técnica utilizado un entramado de puntos y otras pruebas con un color gris directamente para darle el tono oscuro de la piel que me estaba costando tanto buscar. También probé con la realización de las ilustraciones con la línea a tinta china y el color a tinta china pero descarte esa idea a darme cuenta de que tenía problemas con como quedaba después de escanear y limpiar digitalmente y prepararlo para imprimir. Por lo que al final me decidí por un realizar una mezcla, entre ilustración con trama para darle las sombras y los tonos medios y un color gris para el tono gris de la piel, al igual que algún otro color de los trajes de los personajes. 59

Otra técnica que pensé en utilizar fue la de utilizar una línea más fluida en cuanto al delineamiento de los dibujos. En vez de utilizar una línea fina para el delineado del dibujo utilice una línea que cambiaba de grosor basándome en las zonas de luz y sombra del propio dibujo. Para darle más riqueza y calidad de ilustración el dibujo lo que realice fue el mezclar el dibujo a tinta tradicional con un entintado digital basándome en pinceles de estampación para darle el tono de la piel a algunos personajes y la trama de puntos para darle diferentes tonos de sombra. Antes de aceptar esta técnica como la que me parecía correcta para la realización del comic, hice una prueba como uno de mis ilustradores de referencia, Norihiro Yagi, que utilizaba una trama de línea para darle más sombra incluyendo la trama de puntos.

Hice también algunas pruebas de coloreo de los trajes de la protagonista, Vacua, probando diferentes tramas digitales. Primero coloree su piel de la misma manera explicada anteriormente, con estampaciones de color para dar un entramado grisáceo y darle tonos a la piel y después añadirle una trama de puntos a las distintas sombras.

Por ultimo utilice un pincel “pentel” para realizar una trama de fondo con mucha riqueza visual que pensé en añadir a alguna parte oscura del comic, también para resaltar la figura del fondo, para ello realice otra ilustración de prueba donde integrar este recurso. Esta trama está hecha aprovechando la rugosidad del papel con el pentel cargado con poca tinta china que da este tipo de dibujos y tramas.

Después de tener una idea aproximada de cómo iba realizar los personajes me dispuse a realizar la idea final de los mismos. Eso significaba la realización no solo de los personajes de cuerpo entero sino que también las expresiones y una descripción de los mismos. Así ayudaría a la realización del cómic en cuanto a cómo reaccionarían los personajes ante las escenas.

Diseño de personajes En la historia aparecen unos nueve personajes pero solo tres de ellos son significativos en la misma por lo que decidí realizar el “concep art” de solo estos tres personajes que son Vacua, la protagonista y los secundarios Kaze y Umbra. “Se denomina arte conceptual o “concep art” a las ilustraciones cuyo objetivo principal es dar una representación visual de un diseño, idea y/o estado de ánimo para su uso en películas, videojuegos, animación o cómic antes de que se realice en el producto final. El diseño de concepto también se conoce como desarrollo visual, que puede ser aplicado al diseño al por menor de escenografía, diseño de moda o diseño arquitectónico.” Cuando realice los bocetos tenía una idea aproximada de como quería realizarlos y entonces me documente. Los ilustradores de comic realizan sus personajes siguiendo unas pautas ya descritas para la creación de la personalidad de los mismos. 62

Encontré un ilustrador de comic español que tenía una página en la que ayudaba a los ilustradores de comic novatos o a los que querían aprender. Se hace llamar Jesulink, es el creador de “Los cinco elementos” y el comic parodia “Raruto”.

El comenta que suele utilizar esta ficha para la creación de sus personajes: FICHA ¿Quién es?: Nombre y apellidos. Raza: Edad: Sexo: Personalidad: Un defecto: Habilidad/especialidad: Relaciones: ¿De dónde viene? ¿A dónde va? El pone un ejemplo de trabajo. ¿Quién es? Kaji Llamaviva Raza: Elemental Edad: 13 años Sexo: Macho Personalidad: Inteligente, justo, curioso, rebelde Un defecto: Se altera con facilidad. Tiene una habilidad especial para caer mal Habilidad/especialidad: Controla el fuego Relaciones: No se lleva bien con sus padres. Zap es su amigo. Se lleva muy bien con su hermano pequeño Chisp. Dino, Lluvia, Nizo y Matarratas le odian. ¿De dónde viene? Hijo de un soldado, de familia rica. Kaji ha vivido siempre en la gran capital y ha estudiado en una escuela de elementales de fuego. ¿A dónde va? Su meta es investigar la historia y demostrar que los 5 elementos realmente fueron héroes. Siguiendo este modelo de creación me invente una historia para cada personaje.

Después me decidir por la creación de las 25 expresiones esenciales de los tres personajes y estas expresiones me ayudarían después en la propia historia a la hora de decidir que expresión tomaran con lo que fuese a ocurrir en cada momento de la historia. Por ultimo realice las podes de cuerpo entero para ver en su totalidad al personaje y así tenía ya terminadas las fichas de personaje que me ayudarían en la historia.

Artefinal Diseño de personajes

Kaze

¿Quién es? Kaze es un niño de origen Japonés. Viene de una familia de clase media cuyo apellido es Takashi, Por lo que su nombre con su apellido significa “Viento de puente alto”. ¿De dónde viene? Kaze tuvo un accidente de coche y su alma fue trasportada al limbo. Allí conoció a Vacua.

FEliz

Triste

Contento

sorprendido

irritado

con miedo

intimidado

Vacio

Bebido

confuso

Cómo qué?

triunfal

conqueto

serio

ridiculo

incrédulo

confiado

furioso

abatido

enbravecido

sarcástico

disgustado

enfermo

Cansado

enfadado

Raza y especie Es un niño humano con aproximadamente ocho años aunque a veces se comporta como si tuviese menos o más edad. Personalidad Es un niño muy astuto, divertido y extrovertido. Siempre quiere saberlo todo. Y si puede ayudar lo hace todo para echar una mano.

Defectos Su punto débil es que le tiene miedo a muchas cosas. Tiene miedo a la oscuridad pero no a los monstruos. Habilidades Tiene la habilidad de caerle bien a todo el mundo y para dirigir a las masas, es un jefe nato. Relaciones No conoce a Vacua pero siente como si fuera su hermana mayor. Tiene la misma edad que Nerea cuando esta murió. Objetivos Su objetivo es volver con su familia. Su meta es ser el mejor astronauta del mundo. Curiosidades Está enamorado de su bici, le gusta tanto que bromea con casarse con ella.

Diseño de personajes

Umbra

¿Quién es? Su nombre es Umbra que en latín significa “sombra”. Su nombre explica parte de su existencia en el limbo como moarador de las sombras. ¿De dónde viene? El pasado de Umbra se centra en la soledad y también murió de forma muy dolorosa. Raza y especie Es un hombre joven adulto, es más joven que Vacua. Su raza es de ser humano convertido en “protector” de las almas que entran en el limbo.

FEliz

Triste

Contento

enfadado

confuso

Personalidad Su naturaleza es ser tacaño y arisco. No tiene por costumbre confiar en la gente. Fue así hasta que conoció a Vacua, lo daría todo por ella. No le gustan los niños pesados ni que Vacua haya perdido la memoria. Defectos Su punto débil son las mujeres, no sabe hablar con ellas. Solo se siente a gusto hablando con Vacua.

con miedo

sorprendido

intimidado

irritado

conqueto

Cómo qué?

Cansado

serio

triunfal

ridiculo

Habilidades Su habilidad especial es que es realmente fuerte, puede levantar grandes pesos. Relaciones No se relaciona con otros protectores. Solo con Vacua porque está enamorado de ella. El amor que sentía hacia Vacua no era correspondido hasta que ella perdió la memoria. Objetivos: Su objetivo es proteger a las almas y a Vacua. Quiere estar a su lado y ayudarla en todo lo que pueda.

Vacio

incrédulo

confiado

furioso

abatido

Bebido

enbravecido

sarcástico

disgustado

enfermo

Curiosidades: Las cejas de Umbra no eran negras cuando era humano pero se le tiñeron de negro cuando se hizo protector. Cuando era humano era rubio.

Diseño de personajes

Vacua

¿Quién es? Se hace llamar Vacua pero su nombre real es Marie. Su nombre viene de vacuo o vacío que explica su existencia. ¿De dónde viene? Cuando perdió la memoria deambuló mucho tiempo sola por el desierto hasta que encontró a Kaze Vacua no recuperó su memoria mientras ayudaba al niño pero no le importó porque para ella era un nuevo comienzo. Raza y especie Es una mujer adulta de raza humana transformada en “protectora” de las almas que entran en el limbo.

Cansado

Triste

sorprendido

Contento

irritado

enfadado

Cómo qué?

FEliz

confuso

triunfal

Personalidad Su naturaleza es ser triste, apagada, introvertida y seca pero al perder la memoria y encontrar a Kaze se transforma en una persona distinta, más alegre y divertida. No tiene miedo a nada. Es lo suficientemente valiente como para adentrarse en la oscuridad y salir sin que se le cambie la expresión de su rostro. Defectos Su defecto es que a veces es algo desconfiada. Tiene una extraña obsesión con cada cosa que hace. Piensa que está sola en el mundo. Habilidades Su especialidad es conseguir soluciones para todo lo que se propone. Es el ser más poderosos del limbo.

con miedo

intimidado

conqueto

serio

ridiculo

Vacio

incrédulo

confiado

furioso

abatido

Bebido

enbravecido

sarcástico

disgustado

enfermo

Relaciones Es la hermana de Elisa y la tía de Nerea. Sin querer, se comporta como si fuese la tía de Kaze, rememorando el tiempo que paso con su sobrina. Es la mejor amiga de Umbra, pero antes de perder la memoria no confiaba tanto en él, como lo hace ahora que la ha perdido. Vacua fue Marie antes de morir. Marie y Elisa tenían una extraña relación de hermanas, pero quería a su sobrina como si fuese su propia hija. Cuando ocurrió el accidente Maria se sentía tan culpable que se suicidó quemándose viva en su propia casa. Como era una bruja su alma se fue al limbo. Curiosidades Vacua tiene las cejas negras porque cuando era humana su pelo era negro y cuando se hizo protectora lo único que no cambió, fue el color de sus cejas.

Estos serían las fichas completas de los personajes con las 25 expresiones esenciales, la personalidad de cada uno y alunas poses de cuerpo entero para ver las vestimentas y su comportamiento.

Storyboard

Para los demás personajes como era invención mía no me documente demasiado y para los fondos tampoco. Me documente sobre el desierto y sobre sus texturas. Después de tener una idea general realice el guion del comic a partir de la historia ya escrita.

Al igual que el anterior autor me ayudo con la creación de personajes me ayudo en la adecuada realización del comic. No la he seguido al pie de la letra pero me ha ayudado a la hora de ordenar mis ideas y así conseguir realizar el comic a tiempo. Primero realice la historia del comic, la fui escribiendo cuando me venía la inspiración. Por supuesto todo vino de la idea inicial de crear un mundo para Vacua. Después de crear un mundo donde situarla invente una historia que ella hubiese vivido para así conocerla mejor. Para ello me documente sobre todo para realizar a Kaze, me documente sobre la cultura japonesa y los niños de su edad. El corte de pelo es uno típico de los niños japoneses y el nombre también es un apellido real japonés. 66

Me ayude de uno de los maestros de comic americano que explica la creación de un guion de forma rápida y sencilla. Como explica en la imagen de arriba primero puse el número de la viñeta y después una descripción de la misma y el nombre del personaje con su texto junto a los cuadros de texto.

Proceso creativo Una vez tenía todo el storyboard realizado, con todos los bocetillos de cada viñeta colocados con su bocadillo y sus cuadros de texto en cada página me dispuse a realizarlos en un tamaño más adecuado para su colocación en el comic final.

Después de realizar el guion de toda la historia me dispuse a realizar el storyboard como ayuda para la realización del comic. Un storyboard o guión gráfico es un conjunto de ilustraciones mostradas en secuencia con el objetivo de servir de guía para entender una historia, pre-visualizar una animación o seguir la estructura de una película antes de realizarse o filmarse. El storyboard es el modo de pre-visualización que constituye el modo habitual de preproducción en la industria fílmica. El storyboard me ayudo para la colocación de las ilustraciones y el texto de forma adecuada alrededor de las páginas. Y lo realice aunque si es el mismo autor el del guion que el del dibujo no importa pero aun así me ayudaba a ordenarme cuando se me olvidaba lo que tenía que dibujar.

Mi forma de trabajo varia de algunos ilustradores de comic y eso es así porque en esta fase decidí realizar un método que a mí me pareció el más rápido, aunque no fue el más económico. Decidí realizar cada viñeta a parte en el cuaderno de bocetos con su bocadillo para después calcarlos a tinta chica y con estilográficas en papel de cebolla. Así me ahorraba el tener que limpiar las marcas de lápiz en el ordenador ya que no era algo que me entusiasmase demasiado.

A demás tampoco tenía demasiada soltura con el programa y pensaba que asi será más rápido y cómodo y a la larga ha sido así. Después escaneaba los dibujos tradicionales a tinta china y los limpiaba a ordenador, por si acaso tenían algún fallo los retocaba. El problema de este método es el dinero que te gastas en el papel vegetal ya que son muchos dibujos que entintas y aunque decidas colocarlos en la página de modo que ahorres papel, ya que luego lo editas a ordenador, se sigue gastando mucho.

Gracias al programa de Adobe Photoshop el proceso creativo es el siguiente. Con los niveles variaba el color de la línea del dibujo a tinta hasta hacerlo negro.

Después de tener el dibujo a tinta china retocado lo que realizaba era seleccionar cada parte quería colorear, así no me salía de los limites. Este método me permitía tener líneas muy claras en cuanto al dibujo entonces para “colorear” digitalmente era más fácil.

Lo importante era guardar las selecciones para después retomarlas por si había algo mal coloreado.

Las selecciones las realizaba con la pluma abriendo una nueva capa en los trazados y trabajando sobre ella según qué era lo que tenía que seleccionar.

Otro tipo de selección que realizaba era la que realizaba con la herramienta lazo y al estar seleccionaba podía usar pinceles grandes con distintas opacidades para trabajar en las texturas.

Poco a poco, según lo que había descrito en el guion anteriormente y lo que tenía en el storyboard colocaba las tramas y los grises seleccionando y después pintando con los pinceles grandes con poca opacidad. Para conseguir las tramas realice algunos pinceles con algunas imágenes de texturas de pared y alguna otra cosa y para conseguir la textura de puntos para las sombras, muy típica en los comics y en los mangas, encontré un “pattern” para Photoshop, que sería como una textura para pincel.

Una vez hecha la página completa en Photoshop colocaba los cuadros de texto en el programa Adobe Illustrator y coloque el texto dentro de cada bocadillo de los cuadros de textos también.

¿De verdad no recuerdas nada?

Cuando la viñeta estaba terminada, no solo con las tramas y el color sino con también las líneas delimitadoras de la viñeta, las colocaba en la página según lo que estaba escrito en el storyboard y en el guion.

“Salimos de las ruinas los tres juntos en silencio.”

Mi nombre y poco más…

Kaze, a mí no me da miedo

Vacua ...

No tienes por qué temerle.

Me da miedo

¿Desde cuando eres tan amable?

“Nos quedamos un poco en silencio mientras recorríamos el desierto. Aunque caminásemos mucho parecía que no nos cansábamos. “

¿Cómo era antes?

Supongo que protectores.

¿Qué es lo que somos?

“La verdad era que no quería saberlo realmente, por una parte era curiosidad y por la otra quería responder a la pregunta que me hizo Kaze.”

Si, protegemos

las entradas y salidas que tiene este mundo de los seres como ese crío.

¿Supones?

¿Proteger de qué? Si todos son como Kaze, no hay que tenerles miedo …

Realice esta acción con todas las viñetas de todas las páginas del comic excepto por las portadas y alguna otra página.

Para la realización de la portada utilice una de las mejores viñetas del propio comic, mi favorita que la hice a parte para ser considerada una “viñeta fondo”. Y esta fue realizada en lápiz de color azul y calcada con la tinta china y con las estilográficas. Después fue coloreada y entramada. Para realizar la portada la coloque una trama para darle color.

Después la coloque el texto en Illustrator y para eso hice muchas pruebas, pero al final lo que buscaba era una tipografía de palo seco y con cuerpo.

Coloque el texto en el centro y de tal manera que se veía cuadrado y colocado y encontré una tipografía llamada “lato” que la coloque en la portada y en alguna otra página importante.

"Lato" significa "Verano" en polaco. Es una familia tipográfica sanserif diseñada en el verano de 2010 por el diseñador basado Varsovia-Łukasz Dziedzic.. En diciembre de 2010 la familia Lato se publicó bajo el código abierto Open Font License su con el apoyo de Google. En 2013 - 2014, la familia se amplió en muchos lenguajes. La familia Lato ahora es compatible con lenguajes basados 100+ latino-, lenguajes basados 50+ Cyrillic- así como la fonética griega y del IPA. En el proceso, las métricas y el ajuste entre caracteres de la familia se han revisado y están correctas. Esta tipografía junto a la tipografía “Anime ACE” y para algunas cositas la “century gothic” son las tipografías que use en la realizacion del comic. La primera por cómo era, perfecta para los títulos y algunos textos intermedios, la segunda para los textos de los bocadillos y de los cuadros de texto del propio comic. Esta tipografía junto a la tipografía “Anime ACE” y para algunas cositas la “Century gothic” son las tipografías que use en la realización del comic.

La primera por cómo era, perfecta para los títulos y algunos textos intermedios, la segunda para los textos de los bocadillos y de los cuadros de texto del propio comic.

No en todos los comics se utiliza una “portada” para la presentación de cada capítulo, pero me base en los mangas de “bleach” en los cuales hay una portadilla para la presentación de cada capítulo para hacer una portada en cada uno de mis capítulos, con el título de cada episodio en la ilustración basaba en lo que ocurriría después en la historia.

Capítulo 2

Mascara

El realizar estas ilustraciones para el comic me ayudaba a no aburrirme de ilustrar. El problema de la realización de un comic, y me he dado cuenta a medida que realizaba el comic, es que el realizarlo es muy sistemático, primero el dibujo, después entintas y después “colorear”. El realizar estas portadas me permitía salir un poco de la rutina para realizar una ilustración a mi manera para presentar algo. El proceso creativo de la realización de cada portada tenía que ver más con la labor de un ilustrador ya que tenía que realizar un dibujo basado en el título del capítulo y en lo que ocurriría en el mismo.

Son seis ilustraciones que fui realizando después de cada capítulo ya que me era una tarea más fácil al saber de qué iba cada capítulo después de trabajar en sus páginas y en su texto. 73

Variaciones En el proceso creativo de las ilustraciones del comic ha habido variaciones desde que fueron creadas hasta su artefinal, por su puesto han sido variaciones que han ayudado a la lectura correcta del comic. Algunas variaciones son de dibujos que vistos por la autora se veían correctos pero vistos por personas externas al proyecto no se entendían.

La segunda variación más importante la vemos en una representación de una planta en la página tres del capítulo tres. La representación de planta que yo había realizado se entendía muy poco y decidí cambiarla basándome en la vista de planta de una plaza de toros, de tal modo de que se veían las puertas en la pared redonda. Lo otro que cambie fue la piedra del centro de la sala redonda, la cambie por una piedra más realista que luego me gusto y la puse en la contraportada.

La primera fue una confusión ya que yo busque referencias para dibujar una puerta de un castillo pero a lo que más se me pareció al final fue a una puerta de una cárcel. Yo no me di cuenta hasta que algunas personas lo vieron y me dijeron los fallos que yo no veía. Realice otra labor de documentación y dibuje otro tipo de puerta más acorde con el tipo de dibujo y con lo que realmente era, una puerta de un castillo en ruinas.

Las páginas que más han sufrido variaciones han sido las portadas de los capítulos ya que las páginas que poseen viñetas tenían fallos de escritura y de algún tono de gris que no es importante.

Después las añadí textura en la portada que había utilizado en las páginas de su capítulo y así ayudaba al lector a imaginarse lo que podría ocurrir. Descarte la idea de colocar algo de color en las portadillas para que no fuese más caro de lo que quería pagar y si poder venderlo.

Materiales

Los materiales utilizados para la realización del proyecto del comic ilustrado son los siguientes; lo primero fue un bloc de dibujo A4 para la realización de los bocetos y para el dibujo viñeta a viñeta del comic junto con las portadas de cada capítulo. Al igual que algunos ilustradores yo utilice lápices de color para realizar las ilustraciones. Los ilustradores de comic utilizan lápices de colores porque así es más fácil entintar encima de un color que no se parece tanto al negro como el lápiz, para no confundirse tan fácilmente. Yo utilice en algunas ilustraciones el lápiz de color porque es más fácil de utilizar en el papel del cuaderno de bocetos que compre. Después para entintas mis ilustraciones utilice el papel cebolla y sobre el papel cebolla entinte calcando con plumilla y estilográficas a tinta china.

El papel que utilice en la imprenta es un estucado mate algo brillante y con un buen gramaje. Y para la portada y contraportada descarte el realizarlo con tapa dura por el coste que suponía el realizarlo de esa manera. Al final el encuadernarlo fue fresado.

Aspectos estéticos Análisis de las ilustraciones “Recuerdo que un día miré al cielo”

¿Por qué es azul?

Solía mirar al cielo constantemente pero no alcanzaba a preguntarme el porque, hasta ese día. Entonces pensé además, que se encontraría detrás de ese color turquesa.

...

Esta imagen es la página de presentación del comic, es la única página a color que tiene el comic excepto la portada. Es una ilustración compuesta de tres viñetas que son tres imágenes independientes. Las tres viñetas están realizadas con la misma técnica, digitalmente. En cuanto a las tres ilustraciones están componiendo la viñeta de forma asimétrica. La primera es una ilustración con un formato panorámico, en ella se puede ver un cuadro de texto narrativo. Esta realizada digitalmente con el programa adobe Photoshop. Es una imagen con un grado medio de parecido con la realidad ya que se sabe que es un cielo pero no tiene un parecido hiperrealista. Esta viñeta está realizada a color, con un degradado de azules y unas nubes realizadas con una trama de Photoshop y un pincel de textura de acuarela. En cuanto al movimiento se puede ver un ritmo en la ilustración en la trama que producen las nubes. La segunda viñeta tiene un formato cuadrado y tiene unas características muy parecidas a la de la primera ilustración, lo único que cambia es el distinto tono de azul y que el punto de atención se enfoca en un punto más claro de la viñeta, como si fuese una luz.

La tercera viñeta tiene un gran cambio en comparación con las otras dos, en ella sale el personaje principal colocada en un plano general. Esta viñeta tiene un grado medio de parecido con la realidad ya que se ve que es un desierto y se ven las dunas. Hay varios puntos de atención uno es el personaje, otro es el cielo, en contraste con las dunas y otras son las sombras que ofrecen las dunas. El encuadre es un plano general un poco picado. El ritmo que se puede ver en la sombra de las dunas y en la trama que se puede ver en ese mismo lugar. En cuanto a una interpretación más personal de la imagen, esta página es una de mis favoritas y una de las más importantes de cómic y por eso he decidido analizarla. Que esta página este en color no es algo realizado al azar, además de quererle dar un toque de comic japonés el color esta utilizado para demostrar lo hermosos que puede ser el desierto norte, que es el mundo que yo había imaginado y para que se viese que aunque el mundo sea muy colorido, la personaje vestía con tonos grises.

El texto y la imagen están conexionadas de modo que parte de la narración se puede ver en la imagen pero no es redundante, ya que no se está todo el tiempo con la misma idea. Como se puede ver la imagen tiene una función emotiva, la de emocionar a la gente que se disponga a leer el comic, está realizada para que la gente la vea y quiera apropiarse del cómic. Por ultimo puedo decir que esta viñeta está realizada para los amantes del comic japonés que al igual que yo han visto la primera página de sus comics en color y el resto de tripa en blanco y negro. Esta acción hará que se enamoren de las demás páginas que vendrán después de esta página, que la considero como la presentación del comic.

Esta ilustración es una de las portadas de los seis capítulos que componen el comic “el monstruo del desierto norte”. Esta realizada mitad a modo tradicional y mitad a modo digital ya que tienen muchas tramas digitales. Esta realizada primero a lápiz y después entintada con una lámina de papel cebolla, después escaneada y editada en el programa de edición de imagen Aobe Photoshop. Tiene un grado bajo en cuanto al parecido con algo real ya que es una ilustración bastante abstracta ya que aunque la pose de la personaje es algo realista el lugar donde se encuentra no. El punto de atención se centra en el personaje principal y en contraste, las letras por su tamaño y color. También son puntos de atención los puntos de la trama de fondo de la ilustración. El contraste entre la forma, o la figura y el fondo no es tan pronunciado ya que la textura colocada por encima ayuda a que la figura y el fondo estén más unidos y que la figura no parezca una pegatina sobre el fondo. En cuanto al uso del color, es una ilustración realizada en blanco y negro y es así para abaratar costes ya que al principio si le añadíamos color no salía más cara la realización de la tripa del comic que si se realizaba en blanco y negro.

En cuanto al encuadre, se podría decir que tal y como es la ilustración es un plano medio con una angulación normal con algo de profundidad abstracta. En cuanto a los ritmos se pueden ver en el fondo de las ilustraciones con los puntos y en la trama que esta puesta por encima para unificar todas las portadas.

Esta ilustración está compuesta por asimetría y por repetición de trama, como ya hemos comentado anteriormente. Y ya que esta ilustración es bastante abstracta se pueden decir muchas cosas sobre ella, lo primero, es una ilustración que presenta el capítulo, un capitulo que se llama miedo, y por eso tiene esa atmosfera lúgubre y taciturna y por eso la posición de la personaje es la que es. La he mostrado asustada y totalmente encogida. La tipografía también es importante, es uno de los factores unificadores de las portadas del comic, Es una tipografía de palo seco, la misma que la de la portada principal ya que me parece una tipografía perfecta para este tipo de ilustración. Los receptores que lean el comic se tiene que dar cuenta de la expresividad de esta ilustración al igual que la expresividad que dan todas las ilustraciones que hay en las portadas. Estos mismos receptores tienen que sentir unas sensaciones al ver la portada y darse cuenta de cosas que pueden ocurre en esa capitulo mirando los símbolos escondido en las mismas ilustraciones. En el manga se utilizan este tipo de portadas para ayudar al lector a comprender el propio comic y esa es la función que quería der en este tipo de ilustraciones, una función emotiva y algo poética y estética.

Capítulo 3

Miedo

¿Qué es eso del accidente?

… Quizás era esto lo que quería ocultar debajo de mi máscara

Vacua Esa zona oscura de mí que me daba tanto miedo.

¿Mataste a una persona?

Niño, ya va siendo hora de que te hagas mayor …

el recuerdo doloroso de la muerte de un ser querido

Nada es lo que parece y no todo sale como pensamos …

Sí

Entonces sí mataste a una persona…

...

¿Te conté como fue mi muerte?

... Fue un accidente, no puedes culparte por ello.

“Caminamos juntos en la dirección que llevaba el niño con la esperanza de que no hubiese ido muy lejos.”

en este mundo la forma como mueres es lo único con lo que te pueden controlar.

Por eso es secreto.

No se habla de ello para que no te hagan sentir dolor.

No.

Me dijiste que solo venimos aquí unos pocos elegidos y lo que nos relaciona es que morimos en circunstancias extrañas y muy dolorosas.

¿Pasábamos mucho tiempo juntos?

Esta imagen es una página de la tripa del comic, más concretamente es la página dos del capítulo seis. Es una página del comic compuesta por catorce viñetas. Por lo general las páginas del comic tienen una disposición parecida y he elegido analizar esta por ser una de mis páginas favoritas. Con el análisis de esta página estarán resueltas la demás páginas del cómic de un modo general. Es una ilustración compuesta por catorce ilustraciones más pequeñas formando una narración en la página. Esta realizada de tal manera que junta ilustración tradicional mezclada con ilustración digital. Primero realice a modo tradicional los dibujos de cada viñeta de la página a lápiz a modo de boceto y después a modo tradicional también entinte utilizado el papel cebolla para calcar con tinta china. Después DE tener la imagen entintada en papel cebolla este es escaneado y editado digitalmente como esta explicado en el proceso creativo. Cada viñeta tiene un grado distinto de parecido con la realidad pero en general ya que el estilo es parecido al del manga, aunque con toques del tipo de ilustración que yo realizo. Los puntos de atención de estas ilustraciones se centran en el contraste entre los todos de la piel de los protagonistas y el blanco de fondo. También entre la misma piel y los demás tonos como el pelo muy oscuro de Kaze.

En cuanto a las líneas que existen además de las líneas de dibujo, son líneas divisorias de las viñetas, algunas las tienen y otras no. Cuando realizo un comic mi instinto me dice cuando tengo que dejar las líneas divisorias y cuando no. Esto ocurre por lo que yo he leído que siempre será una referencia a la hora de cuando yo realice mis comics. Como ya he comentado la relación entre las figuras oscuras y el fondo blanco hace de mi comic un trabajo con mucho contraste y a mí siempre me ha gustado este tipo de ilustración y este tipo de comic. Por eso pensé en realizar uno así. En cuanto al color se puede ver que está en blanco y negro porque a color necesitaba más tiempo para la realización de las viñetas y además era más barato este tipo de impresión. Se puede decir que es una monocromía ya que se ha utilizado distintos tonos de negro y el blanco que da el papel. Culturalmente hablando el que este en blanco y negro recuerda a los mangas, como ya he hablado anteriormente.

Cada viñeta tiene un encuadre distinto, la primera y la segunda son unos planos medios; la tercera es un plano americano, por encima del as rodillas. La cuarta viñeta es un plano medio también. La quinta viñeta es un plano detalle; la viñeta seis y siete son viñetas de plano medio. La octava viñeta es un plano general. La novena viñeta es un plano detalle de la mano agarrando el hombro. Las demás viñetas son planos medios con alguno más detallado. En cuanto a los ritmos, las tramas d la sombra dan algo de ritmo y movimiento a las ilustraciones de las viñetas. Y se puede decir que es una página ilustrada equilibrada asimétricamente según mi criterio para la creación de comics. Se puede decir que cada viñeta tiene su propia interpretación, ya que se pueden ver en los rostros personajes y en lo que hacen en la propia viñeta. El texto también esta estrictamente relacionado con las viñetas, no solo en los bocadillos, también en las narrativas que se encuentran en los cuadros de texto. Por último, se puede decir que esta imagen tiene una función apelativa y emotiva.

Puebas de imprenta

Las pruebas de imprenta realizadas en mi proyecto reúnen las pruebas de impresión que realice yo de manera casera, con la impresora digital que tenía en casa y otras pruebas realizadas en una imprenta con papel más adecuado a mis ilustraciones. Las primeras pruebas fueron en la impresora de mi casa para comprobar si mis ilustraciones tenían un buen tono ya que en mi ordenador se veían más claras que como eran realmente cuando estaban impresas. El problema de imprimirla en casa son las tintas de la impresora que al cambiarlas los colores que se imprimieron son distintos. Otro de los problemas es el tipo de papel, la impresora de casa imprime de forma distinta en el papel que me gustaría colocar en el proyecto. Después hice pruebas de impresión en una imprenta y con un papel más adecuado. Exactamente hice pruebas en papel estucado mate de unos 90 gramos.

Más adelante decidí maquetar las páginas en una hoja para ayudar al impresor en su trabajo y así que me saliese más barato imprimir las maquetas del proyecto. Y al imprimir en una imprenta con un papel especial el impresor me enseño como tenían que hacer pruebas de imprenta para colocar de la forma más correcta las marcas de corte. Para así cortar cada página por el sitio correcto.

Una de las pruebas de imprenta más importante fue la de la calibración del color en la imprenta. La impresora se tenía que calibrar porque por defecto los colores ocre los tornaba al magenta. Por eso la calibro para que saliese el color correcto.

Artefinal

Después de tener todas las ilustraciones ya terminadas con las variaciones y demás fui a la imprenta y me decante por una encuadernación fresada ya que una encuadernación grapada, aunque fuese más barata, me pareció más profesional una encuadernación fresada.

También existe un maquina para la encuadernación en rústica o tapa blanda se encola el lomo de la tripa directamente a la cubierta

¿Qué es el fresado? El fresado se utiliza cuando un producto impreso contiene demasiadas páginas para emplear el grapado metálico. En este tipo de encuadernación se reúnen las hojas, una vez plegadas y alzadas, en un solo paquete. Este, a su vez, se le hace unas hendiduras para que penetre el adhesivo, entre uno y tres milímetros en el lomo. Las imágenes que estén colocadas aquí deben ir a sangre. Luego se aplica una capa fina de cola para poder encolar el cuerpo a la cubierta.

Después de elegir el tipo de encuadernación y el papel que quería para mi cómic, decidí basarme en otro de mis comics favoritos Aeon flux, que aunque no tuviese el papel de la tripa igual que el que yo quería, estaba encuadernado de la manera que me gustaba y fui mi principal referente en cuanto a eso. Æon Flux es una serie animada vanguardista de ciencia ficción estadounidense creada por el coreano Peter Chung. En 1992 se produjeron cinco cortos independientes de escasa duración. Rápidamente alcanzó el carácter de animación de culto y en 1995, MTV emitió una temporada de diez episodios de media hora de Æon Flux como una serie autónoma. El comic de aeon fluz se creó a partir de la película creada a partir de la serie de animación en 2005. El comic muestra escenas diferentes a la película.

Aspectos Econ贸micos Presupuesto de costes

Presupuesto de costes

Total de costes

Precio por unidad El precio de cada ejemplar si realizo una tirada de quinientos ejemplares con el presupuesto realizado a partis de los costres exlicads con anteriosidad.

El precio de cada ejemplar si realizo una tirada de mil ejemplares con el presupuesto realizado a partis de los costres exlicads con anteriosidad.

Conclusiones Este no es el primer comic que realizo pero si es el primero que lo veo impreso como alguno de los comics que tengo en las estanterías de mi salón. Me hizo tanta ilusión tenerlo en mis manos que olvide que había sufrido mucho al realizarlo. El proceso creativo de mi cómic ilustrado ha sido muy costoso, pero uno de mis sueños era el de la realización de un cómic de verdad. Un comic que fuese mío, que lo hubiese dibujado yo y que tuviese una historia. Y el haber dibujado la historia de uno de mis personajes me hace creerme como una madre orgullosa frente a sus hijos. Durante la realización del proceso creativo he dejado de lado muchas cosas pero yo creo que ha valido la pena dar de lado algunas cosas para la realización de este proyecto y al final no me he gastado tanto dinero como tenía el miedo de gastarme. En conclusión el gastar horas de mi vida en realizar el proyecto ha sido costoso pero ha valido mucho la pena ya que el resultado final es algo increíble.

Biografía y fuentes documentales Libros HAYASAKI, Hikaru. Como dibujar manga. Aplicación y práctica. Barcelona, Norma editorial, 2001. HAYASAKI, Hikaru. Como dibujar manga. Personajes femeninos. Barcelona, Norma editorial, 2009. HAYASAKI, Hikaru. Como dibujar manga. Color. Barcelona, Norma editorial, 2002. HAYASAKI, Hikaru. Como dibujar manga. Chicas guapas. Barcelona, Norma editorial, 2007. ANTONIO, José. Dibujando el Paisaje. Barcelona, Ediciones CEAC, S. A., 1980. AFHA. La técnica de la pluma. Barcelona, Ediciones AFHA, 1979. TANIGUCHI, Jiro. Tierra de sueños. Japón, Ponent Moon, 1992. MORVAN, J.D., HUANG, Jiawei. Zaya 1. Madrid, Diábolo Ediciones, 2012. BIRCH, Helen. Dibujar, trucos, técnicas y recursos para la inspiración visual. Barcelona, Gustavo Gili, 2015. Aprende a dibujar cómic, Volumen 1

Páginas web El mercado del comic en España: www.zonanegativa.com/el-mercado-delcomic-en-espana-por-jose-luis-cordoba/ (20/08/15) Breve historia del comic: comicsenlasbibliotecas.wordpress.com/2012/03/28/ breve-historia-del-comic/ (28/08/15) Diseño de personajes: www.blogiswar.net/2013/11/01/los-disenos-de-personajesdel-anime-inari-konkon-koi-iroha/ (08/07/15) Tamaños del comic: www.normaeditorial.com/concursomanga/?p=5120 (07/09/15) creandocomics.blogspot.com.es/2012/02/hablemos-de-formatos.html (08/09/15) Referente de proceso creativo: www.instagram.com/krimxonrath/ (16/09/15) Página web del proyecto: north-desert-monster.tumblr.com (02/10/15) Autopublicación: www.nataliagomezdelpozuelo.com/2015/01/27/ autopublicacion-vs-editorial-tradicional/ (30/10/15) Creacion de guión y storyboard: www.jesulink.com/tallermanga/lecciones/ storyboard_manga.php (30/10/15) Diferencias de los distintos cómics: www.sutorimanga.com/2012/07/diferenciaentre-comic-y-manga.html (31/10/15) Información sobre Zaya: www.magnetic-press.com/zaya/ (30/10/15) Creación de personajes: www.jesulink.com/tallermanga/lecciones/creacion_de_ personajes.php (10/11/15) Fases de creación: www.jesulink.com/tallermanga/lecciones/fases_2.php (220/11/15) Trama de puntos: www.nishibu.blogspot.com.es/2007/07/las-tramasdesconocidas-e.html (07/12/15)