fotografia
Dira Valeria Zavala Loredo
temperatura del color un blanco puro, sino que tenderá a ser rojizo o azulado. El color de la luz, o la temperatura de color, se mide en Kelvin, donde el color blanco o neutro se sitúa en los 5.500 K, que equivaldría a la luz del mediodía. La luz con temperatura menor de 5.500K se irá haciendo más amarillenta gradualmente, hasta alcanzar tonos anaranjados y finalmente rojizos. Por otra parte, la luz con temperatura mayor de 5.500K se irá haciendo más azulada gradualmente, desde un tono cian hasta un tono azul marino.
Es la dominancia de alguno de los colores del espectro lumínico sobre los demás, de modo que altera el color blanco hacia el rojo o hacia el azul en dicho espectro. la luz, ya sea natural o artificial, tiene una dominante de color que tiende hacia el rojo (pasando por el amarillo y el naranja), o hacia el azul (pasando por el blanco). Esto hará que los tonos de nuestra fotografía se alteren, y que el blanco no aparezca como
Modo automático: El modo automático es el menos preciso de todos, ya que la cámara interpreta mediante su sensor qué tipo de luz hay. Normalmente funciona bien con luces neutras, pero si nos encontramos en un atardecer, o una habitación con luz artificial, es posible que no nos de un buen resultado. Modos semiautomáticos: La mayoría de cámaras tienen unos presets de balance de blancos en los que le podemos indicar a la cámara situaciones específicas, como luz artificial, día soleado, día nublado, atardecer, etc. Estos modos suelen funcionar bastante bien en situaciones estandard, ya que podremos indicarle a la cámara en qué situación nos encontramos. Sin embargo, no nos
servirán si nos encontramos en un ambiente diferente, o si queremos conseguir un balance de blancos que no sea neutro. Personalizado: Aunque no todas, muchas cámaras te darán la opción de personalizar el balance de blancos haciéndole una fotografía a una superficie blanca o con un gris neutro, para que la cámara determine cuál es el blanco en ese ambiente y adecúe los demás tonos a ese que le hemos indicado. Pese a que existen unas tarjetas llamadas “carta de grises” que te permiten llevar siempre encima blanco, gris y negro neutros, también puedes usar un folio, o incluso una pared blanca que haya en el lugar.
Manuel Alvarez Bravo sus estudios de pintura en la Academia de San Carlos. Explora luego las estéticas modernas, con el descubrimiento del cubismo y las posibilidades de la abstracción. En 1930 se inicia en la fotografía documental: Tina Modotti, al ser deportada de México, le deja su trabajo en la revista Mexican Folkways. Así trabaja para los pintores muralistas: Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros.
Manuel Álvarez Bravo, uno de los fundadores de la fotografía moderna, es considerado el mayor representante de la fotografía latinoamericana del siglo XX. Su obra se extiende de finales de la década de 1920 a la de los noventas. Nace en el centro de la capital mexicana el 4 de febrero de 1902. Interrumpe sus estudios a los doce años al fallecer su padre y comienza a trabajar para ayudar en la economía familiar, en una fábrica textil y posteríormente en la Tesorería General de la Nación. Su abuelo, pintor, y su padre, maestro, eran aficionados a la fotografía. El descubrimiento temprano de las posibilidades de la cámara le hará explorar en autodidacta todos los procedimientos fotográficos, así como las técnicas de la gráfica. En un inicio aborda el pictorialismo, influido por
Álvarez Bravo es una figura emblemática del periodo posterior a la Revolución mexicana conocido como renacimiento mexicano. Fue aquel un periodo cuya riqueza se debe a la feliz, aunque no siempre serena, coexistencia de un afán de modernización y de la búsqueda de una identidad con raíces propias en que la arqueología, la historia y la etnología desempeñaron un papel relevante, de modo paralelo a las artes. Álvarez Bravo encarna ambas tendencias en el terreno de las artes plásticas. De 1943 a 1959 trabaja en el cine realizando fotografías fijas, lo que lo lleva a producir algunos experimentos personales. En vida, presentó más de 150 exposiciones individuales y participó en más de 200 exposiciones colectivas. Según numerosos críticos, la obra de este “poeta de la lente” expresa la esencia de México, pero la mirada humanista que refleja su obra, las referencias estéticas, literarias y musicales que contiene, lo confieren también una dimensión universal. Falleció el 19 de octubre de 2002, a los cien años.
FOTOGRAFOS NACIONALES
guillermo kahlo Matilde convenció a su esposo a emprender una carrera en fotografía y en 1901 abre su propio estudio debajo de la joyería en donde él y su esposa en algún momento trabajaron. El interés de Kahlo era en retratos, aunque también tomó asignaciones para varias revistas de la Ciudad de México. En 1904, su talento nato con la cámara y su dedicación hacia la calidad, lo hizo ganarse una comisión de cuatro años, fotografiar y catalogar el período colonial de arquitectura mexicana. Este trabajo le proporcionó a Kahlo un título “primer fotógrafo oficial del patrimonio cultural mexicano” y más útil, un ingreso lo suficientemente generoso para construir una nueva casa para su familia (“La casa azul” que sigue existiendo y sirve como el Museo de Frida Kahlo, la que se encuentra en un suburbio de la Ciudad de México llamado Coyoacán). Guillermo Kahlo (Wilhelm Kahlo) nace en 1872. Hijo de padres judíos recién emigrados de Rumania. Su padre planeó que Guillermo estudiara en la Universidad de Nuremberg, pero un accidente lastimó su cerebro y lo dejó con secuelas epilépticas para el resto de su vida. A los 19 años, Guillermo toma un barco a México y nunca regresa a Alemania. Su primer trabajo es en una tienda de mercancía de vidrio en la Ciudad de México, además vendió libros por un tiempo y finalmente tomó un trabajo de joyería perteneciente a un alemán que había conocido cruzando el Atlántico. En 1984 se casa con una mujer mexicana, la cual muere trágicamente después de dar a luz a su segunda hija, Poco después, Guillermo Kahlo se casa con Matilde Calderón, hija de un fotógrafo de Morelia (México).
Las fotos ilustraban una serie de publicaciones caras, producidas por el gobierno de Porfirio Díaz, conmemorando el centenario de la independencia mexicana de España (1910). En su momento, las fotos de Kahlo representaron la más amplia y sistemática colección del sujeto convocado. Más adelante, su trabajo, junto con el de otros, apareció como parte del registro monumental de iglesias mexicanas, publicado en seis volúmenes en los años veinte. Su estilo fotográfico era austero y natural, al igual que la relación con su familia, sin complicaciones. Kahlo compartió su fascinación del mundo natural con su hija (Frida Kahlo). Además le enseñó cómo utilizar una cámara, y cómo revelar y retocar fotos. Guillermo Kahlo murió de un ataque al corazón en la Ciudad de México en 1941 a la edad de 69 años.
hector garcia públicas y privadas, entre las que destacan las siguientes: Museo Nacional de Antropología e Historia, México; Museo de la fotografía, México; Bibliothéque Nationale, Paris; The Library of Congress, Washington D.C.; y Museo del Vaticano. Ha ilustrado numerosos libros, entre los que destacan: Mexique, Editions du Seuil, Paris, 1964; Salvador Novo, Nueva grandeza mexicana, Ediciones Era, México, 1967; Fernando Benítez, Los Indios de México, Ediciones Era, México, 1970.
Héctor García nació en la Ciudad de México en 1923. Estudió en el Instituto de Artes y Ciencas Cinematográficas, donde fue discípulo de Manuel Álvarez Bravo y Gabriel Figueroa. Desde 1945 trabajó como periodista gráfico para diversas publicaciones de México y del extranjero. Obtuvo el premio Nacional de Periodismo en 1958, 1969 y 1979. Desempeño tareas docentes en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC) de la Universidad Nacional Autónoma de México y participó como jurado en varios certámenes de fotografía y periodismo. Héctor García realizó, desde 1960, más de sesenta y cinco exposiciones individualesen México y en el extranjero y participó en otras tantas exposiciones colectivas. Su obra se encuentra en importantes colecciones
rogelio cuellar
Rogelio Cuéllar nació en la Ciudad de México en 1950. Se inició como fotógrafo en 1967. Los últimos 30 años su interés ha abarcado básicamente el retrato de creadores contemporáneos de México y algunos países en las disciplinas de literatura, artes plásticas, teatro y música. Actualmente ha integrado un acervo de negativos correspondientes a más de mil personajes nacidos entre 1900 y 1980. Trabaja la fotografía de autor en la que destaca la atención en el paisaje humano, ya sea en atmósferas urbanas o rurales en los diferentes estados de la República Mexicana. Para esta temática se nutre de los
constantes viajes que realiza a los estados. Otro de sus temas es el desnudo fotográfico, tanto masculino como femenino, trabajo que desarrolla en estudio y en exteriores con luz natural. De esta vertiente de su quehacer se han expuesto cerca de 300 fotografías en diferentes exposiciones individuales y colectivas en México y en diversas ciudades del mundo. Realiza sobre todo la fotografía en blanco y negro controlando todas las fases del proceso en forma personal. Estos ámbitos de su interés los desarrolla en forma cotidiana, haciendo tomas fotográficas, trabajo de revelado, clasificación, edición, amplificado e impresión en técnicas de laboratorio en cuarto oscuro. Esto lo caracteriza como un fotógrafo tradicional, sello que vuelve singular su ejercicio profesional. A partir de las becas del Sistema Nacional de Creadores de Arte ha podido clasificar aproximadamente el 60 por ciento del material que ha realizado durante 30 años. Este porcentaje equivale aproximadamente a 20 mil negativos. Asimismo, ha participado en homenajes a creadores contemporáneos vivos como Sergio Pitol, Vicente Rojo, Gilberto Aceves Navarro, Sebastián, José Luis Cuevas y Francisco Toledo. Rogelio Cuéllar ha trabajado en varias ocasiones con la gran mayoría de los creadores, haciendo el seguimiento histórico de su proceso creador. De hecho, su trabajo es un referente obligado para reconstruir una época de la vida cultural de México, a través de los rostros de sus más destacados creadores.
hermanos casasola
miguel y agustin victor por los hermanos Casasola y algunos otros fotógrafos entre 1895 y 1972. La colección presenta una visión amplia de la sociedad, que abarca una diversidad de aspectos como la industria, el transporte, la urbanización, la criminalidad, la publicidad, el deporte, las artes, las diversiones y los retratos de los habitantes de la capital en su devenir cotidiano. Constituye una fuente casi inagotable sobre la vida en el país desde la óptica de la capital y se ha convertido en una referencia obligada de cualquier investigación. Estas antiguas imágenes de los Casasola dan testimonio de un largo periodo en la historia de México que va desde 1895 a 1972, siendo las de la época revolucionaria las más conocidas. Agustín Víctor Casasola, el más conocido de los dos hermanos, nació en la Ciudad de México, el 28 de julio de 1874; huérfano de padre a los seis años, desde muy joven comenzó a trabajar en talleres tipográficos, y a los veinte años de edad comenzó a desempeñarse como reportero en distintos periódicos. Inició su carrera como tipógrafo en el diario El Imparcial. El legado fotográfico que dejó el clan Casasola y el resto de “los esclavos del momento”, como solía llamar a los fotógrafos Agustín Víctor, es invaluable; nos permite hoy en día, navegar en las aguas del pasado y recrear, con gran riqueza y precisión, los ayeres que conforman el día de hoy. La adquisición, en 1976, del archivo Casasola por parte del gobierno mexicano a través del Instituto Nacional de Antropología e Historia, dio origen a la Fototeca Nacional del INAH, a la que el gobierno encomendó el resguardo de los materiales tomados
graciela iturbide
Graciela Iturbide nació en la Ciudad de México en 1942. En 1969 inicia sus estudios en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la Universidad Nacional Autónoma de México. Ahí conoce al maestro Manuel Álvarez Bravo, de quien fue alumna y asistente y quien le dio una nueva perspectiva del mundo y de cómo mirarlo. En 1947 viaja a Panamá, en donde realiza un ensayo fotofráfico sobre ese páis, su gente y su líder, el General Omar Torrijos. Al año siguiente participa por primera vez en una exposición, “Tres fotógrafas mexicanas”, en la Galería José Clemente Orozco de la Ciudad de México. En 1979 viaja a Juchitán, invitada por Francisco Toledo para trabajar en una exposición sobre la cultura zapoteca.
Su primera exposición individual la presenta en la Casa del Lago de la Ciudad de México en 1980 y posteriormente en la Casa de la Cultura de Juchitán. En 1982 exhibe en el Centre Georges Pompidou en París. Graciela Iturbide ha recibido varios reconocimientos por su labor fotográfica, entre los que destacan el Premio de adquisición en la Bienal de Fotografía de la Ciudad de México en 1980; Beca de producción del Consejo Mexicano de Fotografía (1983); Premio por la ONU-Organización Internacional del Trabajo, a su portafolio “El empleo o su carencia”, en Chile (1986); Premio Eugene Smith (1987), becaria de la Fundación Guggenheim por el proyecto “Fiesta y Muerte” (1988); Primer premio del Mes de la Fotografía en París (1988); Premio Hugo Erfurth en Leverküsen, Alemania (1989); Gran Premio Internacional, Hokkaido, Japón (1990); Premio en Rencontres Photographiques, Arles, Francia (1991). Sus fotografías han sido publicadas en libros como Los que Viven en la Arena, un ensayo fotográfico de los Indios Seri del desierto de Sonora, con un texto de Luis Barjau (1981); Sueños de papel, con un ensayo de Verónica Volkow (1985); Tabascom una cultura del agua, con texto de álvaro Ruiz Abreu (1985); Juchitán de las mujeres, con un texto de Osvaldo Sánchez (1993); Fiesta und Ritual, Graciela Iturbides Mexiko, con un texto de Erika Billeter (1994); Luz y luna, las lunitas de Elena Poniatowska (1994); Images of the Spirit (1996); A History of Women Photographers por Naomi Rosenblum (1997), que incluye algunas de sus fotografías, así como sus más recientes libros, Pájaros, editado por Twin Palm Publishers en 2002 y Naturata, editado por la Galería López Quiroga y Toluca Editions, París (2004).
juan rulfo
Reconocido mundialmente por su obra literaria, Juan Rulfo realizó además un importante trabajo fotográfico que en los últimos años ha generado gran interés. Mucho más que una afición incidental (el legado comprende un archivo de más de seis mil negativos), las fotografías de Rulfo fueron creadas durante los mismos años en que realizaba su obra escrita, aunque son por completo independientes de ésta. Sus primeras fotos y primeros textos datan de los últimos años de la década de 1930. Publica esos cuentos y primeras imágenes en la revista América, y el artículo de José Carlos González Boixo titulado “Esteticismo y clasicismo en la fotografía de Juan Rulfo”, en el libro Tríptico para Juan Rulfo: poesía, fotografía, crítica (datos del mismo en esta página oficial de Juan Rulfo) analiza los diversos géneros fotográficos cultivados por Juan Rulfo y hace un recuento cronológico muy completo —apoyado en la información consignada en el segundo número de Los Murmullos, boletín de la Fundación Juan
Rulfo— de las exposiciones que le han sido dedicadas. En el mismo Tríptico para Juan Rulfo aparece el texto de Lon Pearson “Una exposición fotográfica olvidada”, que describe las circunstancias que lo llevaron a conocer la primera exposición de Juan Rulfo, realizada en Guadalajara en 1960. Se reproducen en esta publicación, además, las 23 imágenes que la integraron, así como (de manera facsimilar) las 11 que había publicado en 1949 en América. Por último, hay en el Tríptico para Juan Rulfo un ensayo de Daniele De Luigi (“Más allá del silencio. Rulfo fotógrafo: problemas e interpretaciones”) que intenta una aproximación seria, desde el sólido conocimiento por su autor de la historia de la fotografía mundial, al análisis de la obra rulfiana. Este material cuenta con derechos de propiedad intelectual. De no existir previa autorización por escrito de EL UNIVERSAL, Compañía Periodística Nacional S. A. de C. V., queda expresamente prohibida la publicación, retransmisión, distribución, venta, edición y cualquier otro uso de los contenidos (Incluyendo, pero no limitado a, contenido, texto, fotografías, audios, videos y logotipos). Si desea hacer uso de este contenido por favor comuníquese a la Agencia de Noticias de El Universal, al 57091313 extensión 2425. Muchas gracias.
ansel adams sus raíces en artistas del siglo XIX como Timothy O’Sullivan. En 1933 viaja a Nueva York donde conoce a Alfred Stieglitz con quien entabla una gran amistad y quién le granjearía en el futuro trabajos en revistas como Fortune o Life. Stieglitz también le ayuda a hacer su primera exposición fotográfica. En 1939 Adams expone por primera vez en San Francisco. Crea el primer departamento de fotografía en la escuela de Bellas Artes Decorativas de California y publica la colección Libros esenciales sobre fotografía acerca de técnicas fotográficas. Trabajó por encargo para las empresas Kodak, IBM y AT&T, además de ser fotógrafo asesor en Hasselblad. Ansel Adams nació en 1902 en San Francisco. Su tema fotográfico principal fueron los paisajes. En un viaje a Yosemite, California, captó en blanco y negro la majestuosidad de la naturaleza de Estados Unidos. Sus fotografías reflejan un enorme contraste de sombras y luces, desiertos áridos, nubes gigantescas y monstruosos árboles. En sus fotografías no suelen aparecer personas. A Ansel Adams se le conoce como el padre del sistema de zonas. Esta es una técnica para exponer correctamente una fotografía, que determina las zonas de grises, a base de medir con el fotómetro el gris medio de una imagen. En 1932 Ansel Adams, junto con Imogen Cunningham y Edward Weston, crearon el f/64, todos ellos eran un grupo de fotógrafos que defendían el detalle y la estética naturalista, este estilo había sido impulsado en un principio por Paul Strand, donde tiene
En 1949 se encarga de poner a prueba los primeros prototipos de Polaroid, trabajo que desarrolló con entusiasmo para descubrir las nuevas posibilidades que ofrecía el sistema. Entre sus obras destacan Taos Pueblo (1930), Sierra Nevada (1948), This Is the American Earth (1960) y Yosemite and the Range of Light (1979). Entre sus numerosos libros sobre fotografía tiene especial importancia la trilogía de manuales técnicos sobre la cámara, el negativo y la copia.
FOTOGRAFOS INTERNACIONALES
robert capa Robert Capa es mundialmente conocido por sus fotografías de guerra. Una de sus imágenes más famosas la tomó en Córdoba durante la Guerra Civil Española y se llama “Muerte de un miliciano”. También acompañó al ejército aliado de EEUU en la II Guerra Mundial. Esto le dio oportunidad de sacar fotografías tan impactantes como las del Desembarco de Normandía en 1944.
Robert Capa es el seudónimo de Endré Frieddman. Nació en Budapest, Hungría, en 1913. Pronto emigró a Berlín por sus ideas de izquierdas. Allí comenzó a trabajar en la agencia de noticias Dephot. En 1933 emigra a París, huyendo de Hitler. Es allí donde conoce a sus futuros socios de la agencia Magnum, Henri Cartier-Bresson y David Saymour “Chim”. Con ellos comienza a fotografiar las revueltas provocadas por el Frente Popular. En París conoce también a la fotógrafa Gertha Pohorylle, que era una joven refugiada de la Alemania nazi. Pronto se convirtió en su pareja y lo acompañó a multitud de viajes. Adoptó el seudónimo de Gerda Taro y se cree que fue ella quien bautizó a Endré con el nombre de Robert Capa. Gerda murió en Brunete en 1937 atropellada por un tanque.
Viajó por todo el mundo buscando las mejores instantáneas para su cámara. Esto le llevó a México, Italia, Francia, Japón, Indochina, Vietnam, Inglaterra o al norte de África. Cuando Capa no estaba fotografiando alguna guerra le gustaba codearse con la alta sociedad y los artistas del momento. Así conoció y retrató a personajes como Pablo Picasso, Ernest Hemingway, Ingrid Bergman, o Gary Cooper. Irwin Shaw afirmaba con ironía que el código de conducta de Capa era “ser jovial”, incluso en las circunstancias más difíciles. Robert Capa solía afirmar que siempre había que estar listo para ir o a una taberna o a una guerra. No importaba ni la hora, ni lo poco atractiva que pudiera parecer esa guerra. Capa murió en 1954 tras pisar una mina en Vietnam mientras acompañaba a un destacamento francés.
josef koudelka
Josef Koudelka es un fotógrafo checo, nacionalizado francés, (nacido en Biskovice, en Moravia, entonces Checoslovaquia, en 1938 y nacionalizado francés) considerado uno de los grandes en la fotografía en blanco y negro, socio de la agencia Magnum y conocido por sus fotografías documentando la vida de los gitanos. Sus primeras fotografías son de su entorno familiar y para realizarlas se vale de una cámara de baquelita 6 x 6. En 1956 se trasladó a Praga para comenzar la carrera de ingeniería aeronáutica. En 1961 realizó su primera exposición en cuya inauguración conoce a Anna Fárová, amiga y colaboradora a lo largo de toda su vida. Durante los años sesenta compagina su trabajo de ingeniero en Praga y Bratislava con la fotografía, que cada vez le ocupa más tiempo, siendo los gitanos su principal sujeto fotográfico.
En 1967 decide abandonar su trabajo como ingeniero para dedicarse exclusivamente a la fotografía. En ese momento se inscribe en la Unión de Artistas Checoslovacos y recibe el premio anual de la asociación por “la originalidad y calidad de sus fotografías de teatro”. A lo largo de los días de la invasión de Checoslovaquia por Rusia fotografía el enfrentamiento entre soviéticos y checoslovacos. Estas fotografías saldrán de Checoslovaquia en 1969 por mediación de Anna Fárová y serán distribuidas por la Agencia Magnum, sin que se mencione el nombre de su autor para protegerle de posibles represalias. Este relato visual “de un fotógrafo checo” le valdrá el Premio Robert Capa del Overseas Press Club. En 1970 abandona Checoslovaquia con un visado de tres meses para continuar fotografiando gitanos, en esta ocasión, en el oeste de Europa. Al caducar el visado decide no regresar a su país, convirtiéndose desde ese momento en apátrida. Hasta 1980, gracias al asilo político de Inglaterra, fija su residencia en Londres y se dedica a recorrer diversos países europeos fotografiando celebraciones populares, escenas cotidianas y gitanos. En 1971, se une a la cooperativa Magnum Photos y conoce a Henri Cartier-Bresson y al editor y fotógrafo Robert Delpire, con el que reconoce que aprendió de fotografía más que nunca en su vida. En 1975 el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York (MoMA) le rinde homenaje organizando una exposición individual con el título de Josef Koudelka. En 1980 abandona Inglaterra para instalarse en Francia, pero hasta el año 1987 no se naturaliza francés.
tina modotti
Assunta Adelaide Luigia Modotti fue una fotógrafa italiana (nacida en Udine, Italia, en 1896 y fallecida en Ciudad de México, en 1942) que vivió una vida intensa, profunda y comprometida con la época que le tocó vivir, además de dejarnos un importante número de magníficas fotografías. Con 17 años emigró a Estados Unidos con su familia para encontrarse con su padre en San Francisco. En San Francisco, Tina trabajó como modista y su agraciado físico la convirtió en una cotizada actriz de teatro italoamericano y de cine mudo en Hollywood.
En 1921 conoció a Edward Weston, que le enseñó a manejar una cámara y en 1922 llegaron a México, donde conoció e hizo íntima amistad con Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Blanca Luz Brum, Nahui Ollin y Frida Kahlo. Se hizo miembro del Partido Comunista Mexicano en 1927. Participó activamente en la campaña “Manos fuera de Nicaragua” en apoyo a la lucha de Augusto César Sandino y ayudó a fundar el primer comité antifascista italiano. En 1928 conoció a Julio Antonio Mella, dirigente estudiantil cubano, en una manifestación en protesta por la ejecución de Sacco y Vanzetti. Vivió tres meses con Antonio, quien murió asesinado cuando iban paseando agarrados de la mano, el 10 de enero de 1929. En 1930, es falsamente acusada de conspirar para asesinar a Pascual Ortiz Rubio, presidente de México en ese entonces, por lo que fue expulsada del país. Llega a Alemania a mediados de 1930, viaja a la Unión Soviética donde se reencuentra con Vittorio Vidali, a quien había conocido en México. Participó en el Socorro Rojo Internacional. En 1934 parte hacia España. Durante la Guerra Civil de 1936, se alista en el Quinto Regimiento y trabaja en las Brigadas Internacionales, con el nombre de María hasta el fin de la guerra. En 1939, regresa como asilada a México, donde continúa su actividad política, a través de la Alianza Antifascista Giuseppe Garibaldi. En 1940, el presidente Lázaro Cárdenas anula su expulsión. Muere de un ataque cardiaco el 5 de enero de 1942.
irvin penn
rving Penn (Plainfield, Nueva Jersey, 16 de junio de 1917 – Nueva York, 7 de octubre de 2009) estudió dibujo, pintura y diseño gráfico en la Escuela de Artes Industriales del Museo de Filadelfia –actual University of the Arts– donde se licenció en 1938. Su profesor fue Alexey Brodovitch, quien más tarde también sería su supervisor en la revista Harper’s Bazaar, donde Penn trabajó a sus órdenes en su etapa de estudiante. En este periodo, Harper’s Bazaar publicó varios dibujos suyos en la revista. Trabajó durante dos años como diseñador freelance y empezó a realizar sus primeras fotografías como amateur antes de que en 1940 Brodovitch fuera contratado como director de arte en los almacenes de lujo Saks en la Quinta Avenida. Una vez dentro, el maestro quiso contar nuevamente con el talento de Penn, que estuvo trabajando en Saks durante un año antes de partir rumbo a México, donde se dedicó a la pintura durante un año. Cuando Irving Penn volvió a Nueva York, Alexan-
der Liberman le ofreció entrar en el Departamento de Arte de la revista Vogue. Después de un tiempo trabajando como diseñador, Liberman le impulsó que probara con la fotografía. Pronto descubrió su pasión por esta disciplina. Tras largas horas de experimentación con la luz y en el cuarto oscuro, Penn logró el dominio técnico. Pero el secreto de su arte partía de una convicción: el ingrediente más importante en la fotografía está en la captura un alma –ya sea a través del vuelo de un vestido o un trozo de carne–, es parte de un mismo misterio que no puede ser conocido. La primera portada para Vogue de Penn fue publicada en octubre de 1943. El fotógrafo pidió una cámara prestada. Por aquel momento aún no figuraban modelos en la portada, y arregló un bodegón con un bolso de piel y tela marrón, un pañuelo gris, una lámina con cítricos y una nota colgada en una pared en que se anunciaban los contenidos del mes: ‘zapatos y accesorios’. Fue el lanzamiento de una larga carrera en la que continuó trabajando en la revista fotografiando cubiertas, retratos, naturalezas muertas, la moda, y ensayos fotográficos. La modelo Lisa Fonssagrives-Penn fue su esposa y su musa, a la que inmortalizó en la famosa Woman With Roses, tomada en 1950. Irving Penn marcó con su técnica un antes y un después en la fotografía de moda apoyado en un enfoque vanguardista, el uso agresivo del contraste en el blanco y negro, y el tratamiento de los retratados como objetos. A finales de los sesenta viajó a Latinoamérica y África, donde trasladó su estudio portátil, para fotografiar nativos pero descontextualizados de su hábitat, con su misma técnica de fondo. En 1983 conoce al diseñador de moda Issey Miyake con quien estableció una estrecha colaboración desde 1983 hasta 1999.
annie leibovitz
Anna-Lou “Annie” Leibovitz es una fotógrafa estadounidense (nacida en Waterbury, Connecticut, el 2 de octubre de 1949), que fue la primera mujer en exponer su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D. C., y la última en retratar al músico John Lennon, horas antes de que éste fuera asesinado en 1980. Es la tercera hija del matrimonio judío compuesto por el militar Samuel Leibovitz y Marilyn Heit Leibovitz, una instructora de danza contemporánea. Las labores militares de su padre obligaron a Annie y a sus cinco hermanos a mudarse frecuentemente. En la secundaria, Annie se interesó en diversas ramas artísticas. Comenzó a escribir y a tocar música e ingresó en el Instituto de Arte de San Francisco en 1967 porque deseaba ser profesora de arte, pero empezó a interesarse por la fotografía en una base aérea de Filipinas y continuó desarrollando sus habilidades fotográficas mientras trabajaba en diferentes lugares, incluyendo una temporada en un kibutz israelí en 1969, lugar en el que participó en una excavación arqueológica en el templo del rey Salomón. De vuelta a Estados Unidos en 1971, Leibovitz obtu-
vo una licenciatura en Bellas Artes en el Instituto de Arte de San Francisco. Posteriormente, trabajó junto al fotógrafo Ralph Gibson. El editor Jann Wenner, de la entonces emergente revista Rolling Stone, quedó impresionado con su portafolio y le aceptó en la revista, en la que dos años después llegó a fotógrafa jefe, cargo que mantuvo 10 años y en el que realizó 142 portadas. En 1975 documentó la gira musical Rolling Stones Tour of the Americas ‘75 que el grupo realizó en Estados Unidos y Canadá. Como dos años más tarde la revista se trasladó a Nueva York, Leibovitz también lo hizo, con diversos problemas, entre ellos, su adicción a las drogas, especialmente a la cocaína. El 8 de diciembre de 1980, Annie acudió al departamento del músico John Lennon para fotografiarlo para Rolling Stone. Desde 1983, ha trabajado como retratista de la revista estadounidense Vanity Fair, llegando a recibir hasta 2 millones de dólares anuales por ello. Dos años más tarde fundó el Estudio Annie Leibovitz en Nueva York. En 1993 comenzó a trabajar para la revista de modas Vogue y recibió un doctorado honorario por parte del Instituto de Arte de San Francisco, donde ella había estudiado en su juventud. Desde el año 1995, tiene la misión de retratar a los actores y actrices que aparecen en The Hollywood issue, una edición que Vanity Fair publica en marzo de cada año con retratos de los actores más destacados de Hollywood. En 1996, fue la fotógrafa oficial de los Juegos Olímpicos de Verano en Atlanta, Georgia. En los retratos femeninos de esta colección aparecían juezas, mineras y granjeras, entre otras. Aunque es conocida principalmente por sus retratos de celebridades, Leibovitz ha practicado la fotografía documental y de paisajes, contratada por la editorial Condé Nast Publications desde 1993.v
comentario Los artistas aqui mencionados son un pequeĂąo fragmento de los fotografos que marcaron historia en este arte, en cuanto a los nacionales he de confesar que no conocia a la mayoria en cuanto vi sus obras el interes crecio en busca de artistas mexicanos. siendo irving penn el personaje que mas llamo mi atencion, ya que tiene una diversidad de fotografias con distintos conceptos, sus obras me parecieron muy interesantes. annie leibovitz fotografa de interes aqui mencionada, por el color y la ambientacion que utiliza en sus retratos.
Universidad Autónoma de Ciudad Juárez Instituto de Arquitectura, Diseño y Arte Fotografia l Prof. Gabriel Cardona Investigacion l Dira Valeria Zavala Loredo 163022 Diseño digital de medios interactivos
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