Junio 2012 - N 16 Bariloche / Patagonia
Sumario Al sur del sur
4 Alejandro Bonín, Río Gallegos
Ojo x Ojo, Art Kane
10 x Vero Mostafá (Bariloche)
I live in a red planet
13 Antonio Guerrero, (Cuba)
Retratos
19 José Kalinski, (Bs. As.)
Photography
29 Luján Marangos, (Bs. As.)
Rodrigo Weill
35 por Picnic Fotográfico (La Pampa)
Crónica de un abandono
39 Fernando Mendoza (Bs. As.)
Tatuadores: artistas clase trabajadora
44 Luciana Motta, (Bariloche)
La mirada de los otros,
Daido Moriyama por Jaquelina
54 Bouquín,(Bs. As.)
Gabino Tapia,
Entrevista por Javier Castillo
60 (Bs. As.)
Fotografías Mínimas,
65 Leandro Piñeiro (Bs. As.)
Naturaleza de las cosas
70 Norberto Lauría, (Bs. As.)
Arboles
73 Zelmira Julianes, (Bs. As.)
Espacio y nostalgia en las Pitiusas
77 Lourdes Grivé, (España)
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Número 16 Junio 2012
Patagonia desde mi punto de vista
82 Horacio Lara, Río Gallegos
Pupila Sensible,
85 Alba Piazza (Bs. As.)
Fotografía Manipulada
88 Rosana López Cubas, Perú
Palimsestos,
93 por Milena Amaya (Colombia)
Pasajeros
102 Ruth Rodríguez, México
Una revista de
.com.ar Tapa: José Kalinski (Bs. As.) Diseño & Desarrollo: http://www.jorgepiccini.com.ar/ Colabora desde Bs. As.: Jaquelina Bourquín
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Al Sur del Sur
A la sombra del Chaltén
Alejandro Bonin, Río Gallegos
El sur fue un quiebre... Este ensayo fotográfico surge de mis viajes por el sur. Desde chico me sentí atraído por esos parajes, y desde mi primer viaje en el 2008, fue un verdadero flash. Por cuestiones familiares, el lugar de “operaciones” fue Río Gallegos y desde allí desandar los caminos de al sur del sur. El nombre del título refiere a que los q somos nativos del norte, Córdoba en este caso, muchos creen que el sur termina en El Bolsón (ja) Pero no sabemos que nos quedan como 2000km mas al sur para andar. Y bueno, este es el resultado de todo este peregrinaje, trato de que el espectador sienta la sensación de estar allá. Y No todo es paisaje. La muestra retrata a los hombres , mujeres y lugares de aquellos parajes, por lo que además de lo natural, le apunto al costado humano y social. La Patagonia es bella, trágica, desgarradora, inmensa, cada foto habla por si sola y los invito a disfrutarlas. Cabe destacar que geográficamente las fotos fueron tomadas al sur de la provincia de Santa Cruz y el sur de Chile.ALEJANDRO BONIN. Fotógrafo El encuentro con su profesión fue a los 30 años y se puede decir que es un misterio develar como fue... comentan que por azahar. Sus intenciones innatas eran la de ser un arquitecto sin embargo las vueltas de la vida harían que se meta de lleno en este fascinante mundo de la fotografía. (Egresado de La escuela de Artes aplicadas Lino E. Spilimbergo.
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A reparo del viento
Cordero
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Descanso del guerrero
El mundo sigue girando
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La Angelina
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ALEJANDRO BONIN. Fotógrafo El encuentro con su profesión fue a los 30 años y se puede decir que es un misterio develar como fue... comentan que por azahar. Sus intenciones innatas eran la de ser un arquitecto sin embargo las vueltas de la vida harían que se meta de lleno en este fascinante mundo de la fotografía. (Egresado de La escuela de Artes aplicadas Lino E. Spilimbergo.
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Silencios
http://www.alejandrobonin.com/
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OJO X OJO Vero Mostafá
Arte y cultura popular: Art Kane =
“ Parte de ser fotógrafo implica ser detective, las imágenes nacen de la investigación”. Con una carrera de mas de cuarenta años en los medios estadounidenses Kane fotografío grandes personalidades de la música y es dueño de una de las fotos mas famosas en la historia del Jazz. A great day in Harlem, tomada en 1958 reúne a la gran familia del Jazz frente a un edificio de piedra en el barrio de Harlem ,Nueva York. En ese momento Kane todavía era un novato que trabajaba para la revista Esquire y la imagen en la que aparecen personalidades del jazz como Count Basie, Art Blakey, Dizzy Gillespie, Coleman Hawkins, Charles Mingus, Thelonius Monk, Gerry Mulligan, Sonny Rollins y Lester Young entre muchos otros, sería parte del especial sobre jazz que se publicó en enero de 1959. “Las tomas durante el show son una pérdida de tiempo, se ven como cualquier otra foto.” Bajo esta premisa trabajaba sobre sus retratos, haciendo que la persona en cuestión participara de lo que él como fotógrafo quería decir... cuando le encargaron un retrato de Louis Armstrong contrató un aeroplano privado para llevarlo al desierto de Mojave y así tener otra visión del trompetista, hubiera sido mas fácil retratarlo en los shows de las Vegas donde todas las noches tocaba pero Kane buscaba reflejar una faceta de Armstrong que sabia que nadie había visto. En 1968 gastó tres mil dólares en construir unos boxes de plexiglas para retratar a los miembros de Jefferson Airplane. Ejemplos de la innovación de Kane abundan, el retrato de Sonny and Cher bajo el agua fue tomado en los Angeles en 1966, 25 años antes de la tapa del disco de Nirvana. Pero la vertiente mas innovadora en su trabajo nace de una técnica de su invención a principios de los 60´. Art Kane disparó casi por completo en 35 mm, la mayoría de las veces transparencias Kodachrome diapositivas; uniendo dos capas de estas transparencias, treinta años antes del retoque digital, obtenía sobreimpresiones con efectos provocativos, entre esas imágenes están el hundimiento de Venecia, Cristo en una silla eléctrica, el rostro de la joven detrás de la puerta del gueto para una historia de los derechos civiles .... y muchos otros. Se suicidó en 1995 a los 69 años.
“Te puedo decir los porqués, te puedo decir las razones, pero tu vas a tener que encontrar tus propias razones.” Sirvió en la segunda guerra mundial y a pesar de esto jamás hizo fotografía de conflicto. http://www.artkane.com/
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http://mithodea.blogspot.com/
I live in a red planet
I Universe
Antonio Guerrero, (Cuba) 13
La orilla
La ruta de la hormiga
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In his paintings Guerrero sees the world as a cosmic stage for human activity. “I’m in the system like a computer programmer writing codes with my sketchbook and brushes, playing the critic, here to create and program the unconscious. Apart from all the trouble we cause ourselves, I believe we are immersed in a powerful and beautiful mystery. The fact of our existence is a great riddle to me.” He calls his latest art work The Red Planet. “At the time of creation I visioned this door and when I entered everything was transformed in red. That is the reason I called it The Red Planet. There, I fly without wings, I turn into energy and walk through infinite spaces, strange characters become alive with a surreal conscience. The black holes are windows and doors to other dimensions, in this vast universe frequencies are visible and secret codes deciphered.” It is a region of space from which nothing, including light can escape. I t is the result of the deformation of space and time caused by a very compact mass. There are points of no return. In this Red Planet everything is possible. Shadows fall according to nature’s intent, trees grow from earth, and triangles refract light in a realistic manner, but all of that realism is just Antonio’s way of holding the scene together so that he could go on to upset our normal expectations of reality. 17
Contacto: http://guerreroart.blogspot.com.ar
Escape Enigmรกtico
RETRATOS
Charly y el pibe
JosĂŠ Kalinski, Bs. As.
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JOSE KALINSKI: Honores: DFAF (Destacado Fotógrafo FAF) - MHFCQ (Miembro de Honor del F.C.Quilmes.) Nací en Buenos Aires / Argentina el 22 de Octubre de 1952. Empecé en la Fotografía en el año 1981. He realizado estudios con grandes Maestros, como Teofilo Dabah, Jorge Galloso Jorge Blanco, Reynaldo Padra, Juan Carlos Villarreal, Daniel Britos ,Fernando Gonzalez Casanueva,,Michel Marcu. Soy Fotógrafo Federado y pertenezco al Foto Club Quilmes de la Ciudad de Quilmes en la Provincia de Buenos Aires (Argentina). Me dedico a la enseñanza de Photoshop y soy asiduo participante de Salones Fotográficos en mi país y fuera de el, obteniendo numerosas Aceptaciones y Premios. En el 2008 fui parte del Grupo de Fotógrafos del Foto Club Quilmes que gano la 3ra Copa del Mundo de Fotografía Artística de la FIAP (Federacion Internacional del Arte Fotográfico). Y en el 2009 se ubico en tercer lugar obteniendo la Medalla de Plata del mismo evento y en el 2010 Medalla dorada ocupando el 2do lugar. • En el 2008 logro el 3er Puesto en el Ranking de La FAF en la Sección Monocromo. • En el 2010 logro el 2do Puesto en el Ranking de La FAF en la Sección Monocromo. • En ell2011 logro el 1 er Puesto en el Ranking de La FAF en la Sección Monocromo. • En el 2012 mi foto “Charly y el Pibe” fue CONDOR FAF 2012. El trofeo Cóndor FAF es el máximo galardón que la Federación Argentina de Fotografía (FAF) concede ininterrumpidamente desde el año 1960. Desde sus comienzos, la estatuilla se ha convertido en la aspiración que todo fotógrafo artístico desea conquistar. En la actualidad, el Salón Anual de Arte Fotográfico Cóndor FAF, entrega dicho trofeo en sus siete secciones (monocromo, color, periodística, naturaleza, Creativa y Ensayo). Las obras poseedoras de este premio, pasan a integrar el patrimonio de la Federación Argentina de Fotografía, las cuales quedan expuestas en la galería permanente de su sede.
Black
Charly
Charly
Alma de bandone贸n
Don Fernando
Pelo y barba
La peruanita 2
Sidewalk artist
Ternura por dos
La peruanita
Madre e hija
Padre e hijo
El fakir
El artesano
Contacto: jckalinski@yahoo.com.ar
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Lujรกn Marangos Bs. As.
PHOTOGRAPHY
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Contacto: http://www.facebook.com/lujan.marangos.fotografia
Paisajes, Rodrigo Weill
PICNIC FOTOGRAFICO SOBRE “PAISAJES” DE RODRIGO WEILL POR FRANCES BACCI Fotógrafa.
Rodrigo Weill es un joven caminante y fotógrafo, nacido en Rancul, La Pampa, Argentina en 1985, quien con todo ese mapamundi a cuestas decide radicarse en la capital de Córdoba para “hacer camino al andar”, estudiando la carrera de Fotografía Artística Profesional en el CEF (Centro de Estudios Fotográficos) y posteriormente adoptando (como tantos otros) a esta ciudad como escenario de vida y trabajo. Weill es un fotógrafo que a pesar de pertenecer a esta nueva generación digital, se incluye dentro del grupo de “los renegados” de las nuevas tecnologías, las cuales solo adopta por cuestiones laborales. Entonces ¿será por eso que en esta serie “Paisajes” hace reminiscencia a la pintura?, o tal vez solo sea por una cuestión estética de la cosa, pero si hay algo en claro es que en estas imágenes, nos muestra “paisajes de esta nueva era”, donde las huellas de las buenas y malas costumbres de los hombres se imprimen sobrecargando los tonos y sensaciones de un espacio naturalmente armónico. Los hombres y su necesidad constante por hacer extensiones tangibles de lo que crean. Siendo esta tal vez una manifestación de “no sentirse tan lejos de casa”. Quizás la propia naturaleza del hombre sea la de perpetuarse en el tiempo a través de inclusiones / intervenciones, porque a veces la naturaleza también nos oprime el pecho. “Situándome en la naturaleza captando como algo bello, donde la referencia es la pintura, haciendo búsqueda en lo místico, lo espectacular se torna desequilibrado en donde se ven las intervenciones humanas”. Rodrigo Weill Las fotografías que componen esta serie fueron tomadas en General pico y Dorila (La Pampa), Capilla del Monte y San Antonio de Arredondo (Córdoba). Copiadas en papel de algodón canson infinity ,arches aquarelle 240 gsm, print on the oher side. Medidas 30 x 40. Recientemente fueron expuestas como parte de una muestra colectiva en el CEF (Centro de Estudios Fotográficos) Córdoba, Argentina. Contacto: rodrigoweill.photo@gmail.com.
Crónica de un abandono Fernando Mendoza, Bs. As. A mediados del siglo XIX, en pleno auge industrial, nace el sistema ferroviario que sirvió para unir a pueblos que hasta entonces se hallaban totalmente desligados de los acontecimientos nacionales e internacionales. A partir de ese momento, el ferrocarril pasó a estar estrechamente relacionado con el desarrollo de la Argentina y con casi 100.000 kms de vías, se convertían en un ejemplo de la región. Pero sucesivos gobiernos virtualmente desguazaron todo el sistema y hoy, con menos de 7.000 km de vías, y la mayoría de las instalaciones abandonadas son un mudo testigo de tremendo abandono.
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Tatuadores: artistas clase trabajadora
Luciana Motta
Bariloche
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Jéssica Villafañe
Pablo Barada
Alejandro Fernรกndez
Tulio Navia
Cray Fish
Alejandro Fernรกndez
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Profesiones, trabajos o vocaciones hay muchas. Muchas veces escuchamos alguna anécdota que revela un oficio extraño, que nos llama la atención y nos provoca curiosidad. Recuerdo cuando 15 años atrás vi en una plaza a un hombre con un dibujo en su antebrazo. Era raro, como viejo y borroneado. Me llamó la atención que alguien tuviese un tatuaje, pero lo que recuerdo preguntarme fue: “Quién se anima a dibujarle en la piel a otro, sabiendo que le queda para siempre...”. La palabra inglesa “tattoo” proviene del maorí tatau, sonido que produce el martillo que acciona a la aguja con tinta, que se hunde en la piel para marcarla. En la gran mayoría de las culturas aborígenes donde hay tatuaje ornamental, éste cumple una función que va más allá de lo estético. La marca en la piel viene después de algún evento extraordinario que marca el cambio, el pasaje del ser de un estado a otro. Un punto de inflexión. El pasaje de la pubertad a la adultez, el guerrero que vuelve invicto de la guerra, o el que va por vez primera a la batalla. El tatuaje corporal o facial indica un estado espiritual nuevo, un status social, un cambio que debe ser visible para todos. Entre quienes aparecen trabajando en estas imágenes, los acontecimientos parecieron suceder de manera inversa. A partir del primer tatuaje (realizado o recibido) se produce un cambio. Un nuevo sentido, irreversible, es tomado. De lo profundo surge la necesidad de llevar el arte al límite, a marcarlo en la piel. Se pierde el miedo, se pierde el mito. Está escrito en la piel, no hay vuelta atrás. El tatuador es el puente que hace realidad el deseo de que todos vean la experiencia, el nombre, el dolor, el amor, el ser extremo en la piel. Dibuja, crea y trabaja a tinta y sangre, el artista que no usa lienzo ni pincel. Algunos hacen sus propias máquinas, todos estudian sus herramientas. Dibujan desde chicos o jóvenes, otros no, algunos estudiaron como realizar un tatuaje, otros no. En la práctica, en el esfuerzo está el secreto”. Más allá de las modas, más allá de la fama y sobre todo, de las apariencias. Las modas juegan como un arma de doble filo: te dan laburo por un lado, y desvirtúan un poco a la profesión por otro. La gente cree que esta vida es un rock and roll. Yo trabajo la misma cantidad de horas (o más) y le pongo el mismo esfuerzo a lo que hago que cualquiera que ama su trabajo”. En lugar de un lienzo o un papel, los detalles, los colores y las más delicadas líneas aparecen en la piel. Quiénes son estos plomeros glorificados? Esta clase obrera de sangre azul? Casi unánimemente, se definen: Artista? No sé, prefiero sólo tatuador. Artista si querés, pero de clase trabajadora”.
Luciana Motta nació en Rosario, Santa Fe. Se licenció en ciencias biológicas en la Universidad de Buenos Aires, especializándose en conservación de ambientes acuáticos. Trabajó en estos temas en el paìs y el exterior, siempre acompañando sus viajes y profesión con su pasión por el arte y la fotografía. Vive en Bariloche desde marzo de 2012. tasmacetus@gmail.com
Tulio Navia
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Contacto: tasmacetus@gmail.com
Sergio Sancast
La Mirada de los otros por jaquelina bourquin
| Bs. As.
Daido Moriyama
Daido Moriyama, Nacido en Osaka, Japón en el año 1938. Pertenece a la generación de fotógrafos japoneses que vivieron los profundos cambios que experimentó Japón a partir de la Segunda Guerra Mundial. Comenzó estudiando diseño, para luego incursionar en la fotografía de la mano del fotógrafoTakeji Iwamiya, en 1961 se traslada a vivir a Tokio para trabajar como asistente y aprendiz del fotógrafo Eikoh Hosoe, del que recibirá una influencia fundamental. Ese mismo año se une a la cooperativa de fotógrafos VIVO, de corta vida, de la que formaban parte Shomei Tomatsu, junto a otros como Eikoh Hosoe, Kikuji Kawada, Ikko Narahara, Akira Sato y Akira Tanno, considerados como fotógrafos de vanguardia. Ya en 1964 iniciará su carrera particular como fotógrafo freelance que lo llevará a convertirse en uno de los grandes maestros de la fotografía japonesa. El artista Andy Warhol, el fotógrafo William Klein y el novelista japonés Yukio Mishima, han influido notablemente en la obra de Daido Moriyama. Los primeros trabajos fotográficos de Moriyama reflejan el colapso de los valores tradicionales en la sociedad japonesa de posguerra. Pocos fotógrafos han captado la angustia, el caos y la claustrofobia de la vida urbana. Sus imágenes violentas y desenfocadas son expresión de una cruda realidad. Amigo de recorrer, desde los años cincuenta, las calles de las ciudades japonesas, Moriyama plasma en sus fotografías, principalmente en blanco y negro, desde ángulos y perspectivas inauditas, ambientes y personajes urbanos, habitantes de zonas periféricas, atormentados por una urbanización e industrialización aceleradas, mostrando mediante imágenes crudas, ácidas y extremadamente contrastadas, el conflicto que tuvo lugar entre lo viejo y lo nuevo de su tierra natal. Daido Moriyama recorriendo las calles, es un observador empedernido de la sociedad a la que viene retratando desde hace más de cuatro décadas. Pero además, verlo fotografiar es una forma idónea para aprender. No sólo por su sistema, tan simple como caminar con la cámara en mano y capturar aquello que le llama la atención, sino también porque es buena demostración de la importancia de observar. Quizás sea esencial olvidarse de la faceta técnica (Moriyama ha trabajado y sigue haciéndolo con una cámara pequeña analógica), y dedicarse únicamente a buscar el momento, capturar la esencia de la vida que nos rodea, y especialmente, entrenar el ojo, ya que es solo un artista y su capacidad para atrapar la vida en un fotograma. Considerado uno de los mejores docu-
mentalistas contemporáneos del vértigo deshumanizado y la náusea emocional de las grandes urbes, también llamado el último vagabundo de la fotografía, dicen que desde sus inicios como freelance en 1964 ha positivado más de 10.000 copias “una parte de ellas están editadas en sus más de 40 libros”, poseído por un ansia que él considera “animal”, propia de un “perro que se deja llevar por el olor de las ciudades”. Este brutal cronista del vértigo y la falta de humanidad de las grandes urbes, de la náusea emocional que provocan, de la entrega de la tradición y la cultura al dictado brutal del consumismo, regresa a los museos, que reclaman su obra pese a que al fotógrafo no le gusten demasiado las reglas estrictas de las galerías contemporáneas. Prácticante de una suerte de “deriva”, una caminata sin fin ni objetivo específicos, siguiendo la llamada del momento, Moriyama irrumpió como un asaltante nocturno en el panorama de la fotografía de los años sesenta del siglo pasado, con sus series de fotos desprovistas de finura técnica y movidas por el azar del instante. Sus paseos nocturnos y sin rumbo por las calles laberínticas del distrito de Shinjuku eran una fresca exploración de los misterios urbanos y una forma pertinente de documentalismo. Nunca ha comprado una cámara, según sus declaraciones se las prestan o regalan los amigos. Siempre trabajando con grano, difusión y fuera de foco, realizadas huyendo de todo artificio. Según Moriyama si usas la perspectiva tradicional, caes en el agujero de la “idea”. Este incansable saboteador de cánones y explorador de la fiebre vital contemporánea opina que ningún acercamiento clásico tiene ya sentido. Si un fotógrafo intenta incorporarse felizmente al mundo usando la perspectiva tradicional con la cámara, terminará cayendo en el agujero de la idea que ha excavado por sí mismo. La fotografía es un medio que sólo existe fijando momentáneamente eldescubrimiento y la cognición que se encuentran en el imparable mundo exterior..., Por Jaquelina Bourquin
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http://www.jaquelinabourquin.com.ar
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Hombre de principios. Dibujante y pintor. Sencillo y humilde. Bohemio y solitario, pero con una impronta de solidaridad y sensibilidad notable. De un buen tiempo a esta parte, Bariloche no es Bariloche sin Gabino Tapia, o “Gabino” como lo conocemos, caminando lentamente sus calles o sentado en una de las mesas de algún café, dibujando y pintando. Éste es un pequeño retrato de alguien que, justamente, retrata la ciudad y su gente desde hace 30 años. Nació en Baradero por el año 1944, comenzó a dibujar a los seis años cuando comenzaba la primaria. En ese entonces ya vivía en Olivos, Buenos Aires, y cuando su padre llegaba del campo le traía diarios y revistas. Es así que, tirado sobre un cuero de vaca Holando Argentina, Gabino - aún sin saber leer- copiaba historietas y personajes relativos al campo y sus gentes. Entre ellos “El Cabo Savino”, el cual era dibujado por un joven de 20 años llamado Chingolo Casalla, quien Gabino afirma que fue su “profesor a distancia”, un Chingolo con el que, tiempo después, la vida lo iba a cruzar. •Cómo fuiste aprendiendo? Tengo entendido que Chingolo Casalla fue una especie de tutor a distancia. Y finalmente lo conociste. Si, a Chingolo lo seguía por copiar sus historietas en las que siempre había caballos y horizontes lejanos de desiertos y pampas a los siete años. 35 años después lo conocí personalmente al venir a Bariloche y fue todo un alegrón!! •Qué es para vos el dibujo? vos lo elegiste o él te eligió? Como se llevan entre ustedes? El dibujo siempre me resultó un entretenimiento, tratando de reproducir de memoria lo que había observado o me imaginaba. •Quiénes fueron tus referentes en el dibujo a nivel Nacional e internacional además de Chingolo? De dónde conseguías el material para ver en ésa época? Las revistas de la época eran “el billiken” “ Patoruzu” “ Fantasia” “ Para ti” “ el Hogar “ y todas las clásicas de aventuras de súper héroes venidas de EE UU. •Estudiaste en alguna parte Bellas Artes o Dibujo? Al terminar la primaria me hubiese gustado estudiar el secundario en la “Fernando Fader” (plástica) pero a mi madre no le gustaba la idea de que me dedique “a semejante cosa” y fui a estudiar en talleres particulares de mi tío Juan Bautista Tapia su Hija Elena y Mané Bernardo. en Belgrano. y el secundario en el Nacional de san isidro. Es allí, en la secundaria, donde sale a relucir su desinterés total por las matemáticas. Ante esta situación el profesor le consulta si no le interesa recibirse y tener
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un título, a lo que Gabino responde que no le interesan los títulos. •Es verdad que siempre te llevabas las materias y que le dijiste al profesor de matemáticas que no te interesaba el título? Si es cierto, durante todo el secundario me llevé siempre muchas materias por dedicarme a dibujar mucho y estudiar poco...,lo cual no quiere decir que sea correcto, sino lo mío. Es así como Gabino se dedicó a dibujar todas las clases, como consecuencia, al final del año, regaló a sus compañeros las más de 270 caricaturas que hizo. Si esperaban un final feliz del tipo de las películas de disney, no lo hay; el profesor le puso un uno en matemáticas y un diez en porfía. Mas Gabino no es amante de la porfía: “Yo de los títulos desconfío bastante. Para tener un título, te alcanza con ser porfiado. Pero para llegar a ser artista no alcanza con ser porfiado, hace falta otra cosa”. •Entonces; qué se necesita para ser artista? Artista se nace o se hace? Yo creo que “Artista” es un adjetivo calificativo que dice si esa persona dedicada a cualquier arte, emociona a los demás o se queda en el intento..... con lo cual, digo, podes dedicarte y ser pintor, actor, o músico, Pero no un artista...(digo yo...anda a saber) -Hay un momento en la vida del artista en que tiene que decidir si algo lo hace por hobby o modo de expresión, o bien se dedica con total entrega a ello como forma de vida. •Cuando te decidiste que lo “tuyo” era el dibujo y por qué? Cual es la llamada del artista, si es que existe tal cosa? El dibujo y la pintura me atrajeron siempre como entretenimiento, lo mismo que la música y cualquier otro arte. ocurre que en un determinado momento económico del país, no había cabida para artistas y había que tener un trabajo en paralelo para comer “todos los dias”. •Hablando de Artistas; tengo entendido que a tu Madre no le gustó mucho la decisión de que te dediques al arte, ¿cómo fue el asunto?. Mi vieja era una señora Victoriana que opinaba que para ser “una persona de bien y decente”. ..Había que usar corbata. Gabino en los talleres de dibujo siempre nos comentaba que cada tanto él se levantaba a dar una vuelta a la manzana, para despejar y volver a cargar de imágenes para que luego pudieran salir del lápiz o la tinta y plasmarse en la hoja de papel. Jamás faltaban los juegos de encontrar caras, formas e imágenes en una pared, en una mancha, en el nudo de un árbol, en una baldosa... •En qué consiste para vos el proceso creativo? Tenés alguna técnica, ejercicio? Esperás solo la inspiración? La inspiración viene en cualquier momento o edad, luego hay que aprender la técnica que nos permite mostrarla como arte. a los demás. El también nos dice que el puntapié de toda obra artística, es la observación. En la percepción está la clave, que todo depende de cómo uno quiera ver las cosas. •Qué pensas de las estructuras académicas para el arte? Ayudan o limitan? Hablando con una amiga pintora me comentaba que muchos de los que estudian Bellas Artes terminan sólo enseñando y no pintando ni un cuadro, que les enseñan a ser maestros pero no artistas. •¿Qué reflexión tenes al respecto? Si, hay poco interés en fomentar el arte ....es como si no conviniera porque no deja plata salvo para enseñar. •Cuándo llegaste a Bariloche y por qué se te dio por el Sur? Llegamos en el 82 con mi esposa, pues nos habían dejado sin trabajo los milicos en Bs. As. trabajábamos en alfabetización de adultos para la organización de Estados Americanos OEA. yo como ilustrador ella como
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psicóloga educacional. •Cómo ves las posibilidades del arte en la ciudad? Hay recursos? Espacios? Conciencia del arte? O siguen pensando que el artista pinta, dibuja pero vive del aire? Es decir, no compran sus obras. Esperemos que cambie, pues hay muchísimos artistas de todo tipo que se merecen mas respeto y aliento. •No te gusta exponer, ¿por qué razón? Exponer no me disgusta, no me gusta la sanata social que se produce en su entorno. - Hace un tiempo mirando en Canal Encuentro te encontré en un programa, y fue una grata sorpresa verte, era un documental sobre Bariloche y los barrios denominados “del alto”, los más pobres y marginados de la ciudad. •Cómo te contactaron y qué tal fue la experiencia para el programa? Vinieron a verme a casa y me gusto eso de mostrar el contraste ciudadano. que tanto se esconde en la ciudad. •Hablando de contrastes y de lo que se esconde en la ciudad; luego de 30 años en Bariloche, cómo ves la ciudad, la gente que retrataste durante tanto tiempo? Cambió para bien, para mal? “Cambió para mal, claramente. La población creció mucho y eso solo aumentó la brecha entre clases sociales” •Das talleres de dibujo hace años, de hecho yo fui alumno tuyo, con quiénes te gusta mas trabajar? Jóvenes, niños, adultos? O te es indistinto? Adultos mayores Hablando de Adultos Mayores, hoy, ya que sos mayor de edad, mirando hacia el Gabino de chico y todo el sendero recorrido: Si pudieses cambiar algo de tus elecciones, cambiarías algo? Te hubiese gustado tener mas reconocimiento? Trabajar en algún lado en particular? Con qué soñabas cuando eras chico? No cambiaria nada, solo el hecho de terminar el secundario. •Por qué Dibujas? Dibujo porque es mi entretenimiento, es mi forma de volar... qué se yo! ésa es la parte poética. A la vez, por la edad que tenía cuando empecé y la oposición de mi vieja, es muy probable que lo haya mantenido como una forma de rebeldía. Pero más que nada es la forma que tenemos de expresar la inspiración un escritor se inspira y escribe..y así le comunica al resto de la gente eso que le llegó: lo mismo el músico, el actor...y el dibujante. “Hacer los retratos es toda una aventura, las expresiones de Gabino no hacen más que tentarte de la risa y hacer más divertido el trabajo. Hacía rato quería homenajear humildemente a mi maestro de la adolescencia. Son esas personas que te marcan y que cuando uno mira con perspectiva el camino recorrido, sabe que mucho de lo que hicieron ha tenido y tiene gran valor.” Nos despedimos con un abrazo, él siempre deseando lo mejor alentando para seguir adelante, el pulgar arriba y la sonrisa como siempre, se acomoda la boina y emprende su caminata; rengueando un poco, el paso implacable de los años está ahí, lo mismo que su sensibilidad y experiencia. Me quedo rumiando una pregunta mas, me doy vuelta y le pregunto: - Y hoy, en qué etapa de tu vida estas? Seguís enseñando? Dibujás mas o menos? Cambió tu búsqueda? Sigo pintando mas, dibujando menos. GABINO TAPIA Texto y fotos: Javier Castillo. Dibujos: Gabino Tapia.
GABINO TAPIA Texto y fotos: Javier Castillo javiercastillofotografo.com
Fotografías Mínimas, Leandro Piñeiro (Bs. As.)
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¿qué vale más para ver bien una foto? ¿dejar actuar el deseo indolente, el interés vago, el gusto inconsecuente? ¿tratar de comprender las intenciones del fotógrafo? como espectadores, ¿es éste el contrato que vale la pena reafirmar? ¿qué vale más? ¿ser educado y creer a medias que es posible reconciliar a la fotografía con la sociedad? ¿vale más hacer el intento de separar todo saber, toda cultura, y atreverse a jugar el juego en el campo del placer y del dolor? en el fondo, lo que nos emociona, ¿no es un detalle que nos pincha y que no podemos nombrar?
60 páginas 20x25 cm. (interior 170 gr / tapa 350 gr) ISBN 978-987-05-4329-9 Impreso en Argentina Edición del autor Publicado en noviembre de 2008
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leandromartin05@yahoo.com.ar 69
Norberto Lauría
Bs. As.
NATURALEZA DE LAS COSAS LA CONVIVENCIA ENTRE LAS COSAS CREADAS POR EL HOMBRE Y LA NATURALEZA
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norbertolauria@gmail.com
Arboles
Zelmira Julianes Bs. As.
mientras desciende mi canto acariciando el polvo.
me elevo en venas c贸smicas latiendo mi sangre hasta el mismo centro.
de mis pies nacen llanuras y monta帽as la tierra se expande, se nutre y se sujeta
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soy el cuerpo que une los cielos con la tierra.
Lourdes Grivé, España Espacio y nostalgia en las Pitiusas.
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La serie que aparece a continuación habla sobre la mirada nostálgica de la memoria, de nuestro pasado reciente, más concretamente de uno de los elementos que la componen: la ruina ; Sus espacios vacíos, solitarios describen el fin de un estilo de vida que desaparece sea simplemente por evolución o por un desinterés general en guardar las raíces de nuestra cultura a pesar de que estos espacios fueron estudiadas , difundidas e inspiradas por la nueva vanguardia de artistas e arquitectos extranjeros de principios de siglo XX. Con mi mirada particular en estos ultimos vestigios materiales: casas payesas, torres de defensa, feixes, etc. en la que llevo recopilando desde 2002, quiero crear una reflexión profunda de lo que fué,asi como una mirada critica sobre el devenir y sus consecuencias, evocar la posición de quien se recrea en lo trascendente entendido como realidad y por otra parte, introducir la idea del inexorable paso del tiempo y su evolución por encima de lo que es puramente matérico. Con el recurso de fotografiar en blanco y negro quiero añadir el pálpito de lo nostálgico, el de una tensión apasionada que busca el encuentro dramático de los contrarios, recreándome en la belleza como realidad trascendente aun a pesar del arrasamiento que supone el paso del tiempo. La idea de belleza no sólo se construye sobre el reconocimiento del pasado, sino sobre el valor del presente, dejando pendiente como una incógnita lo que queda tanto por venir como por ocurrir; entendiendo que el tiempo no es algo que pasa sino que nos pasa. Créditos imágenes: 1. Sa Torre. Eivissa. 2004. 2. Bodega Cap de Barberia. Formentera. 2004. 3.Portal de Feixa d´ es Prat de ses Monges. Eivissa 2004. 4. Cana Marietes. Formentera 2004. 5. Portal de Feixa e infravivenda d´ es Prat de ses Monges. Eivissa 2004 6.Ruina de Can Montserrat de Sant carles. Eivissa 2004. 7. Cana Marietes. Formentera 2004. 8. Can Jaume Refila. Sant Joan de Labritja. Eivissa 2008. 9. Can Purtxet - Santa Gertrudis. Eivissa 2008. 10.Can Purtxet - Santa Gertrudis. Eivissa 2008. 11. Can Punta - Sant joan de Labritja. Eivissa 2009. 12.Trull d´en Parella. Eivissa 2008. 13.Torre de Ses Portes . Eivissa 2009. Lourdes Grivé www.lourdesgrive.com Santa Eulalia del Rio | Ibiza / Baleares 07800. Lourdes Grivé nace en Barcelona en 1977. Recibe su formación en la Escuela Gris Art - Barcelona, pero desarrolla parte de su trabajo en Ibiza, donde reside con su familia. Comienza a trabajar en el mundo de la moda pero en la actualidad se interesa por la fotografía de Arquitectura. Colabora con diferentes publicaciones como el Magazine de la Vanguardia, On diseño o editorials como Monsa , Teneues o Gribaudo. Ganadora de diversos premios como el LUX de fotografia (Junior 00- Bronce 03 - Plata 07), o de la primera edición del premio Photoarquitectura 08, 3º Premio del concurso Internacional de Fotografia sobre humanización asistencial en el Hospital San Juan de Dios de León 11; Seleccionada en la 20 edición de la Bienal de Ibiza expuesta en la Sala Capitular del Museo de Arte Contemporáneo de Ibiza 08. Seleccionada en la muestra de Arte Emergente de las Islas Baleares que itinera por las Baleares durante el 201011- 12 . Su Obra personal se ha expuesto en diferentes espacios como L´obrim Espai- Gandia 2003; AAVIB- Eivissa 2004; Sala cultural de Sa Nostra - Ibiza 2004; Sala de cultura de Sa Nostra - Formentera 2005; Espai Mallorca- Barcelona 2006; Sala Picasso coordinada por el COAC (Colegio oficial de arquitectos de Cataluña)- Barcelona 2006; Museo Puget - Eivissa 2007; y la Galeria es Molí - Ibiza 2008.
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Patagonia desde mi punto de vista Horacio Lara, RĂo Gallegos
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Horacio Manuel Lara tengo 53 años soy nacido en la ciudad de Rió Gallegos. Tengo 5 hijos. Sebastian, Gabriela, Pablo, Carina y Franco. Mi familia son pioneros en Río Gallegos desde el año 1898. Ellos se dedicaron por completo a la venta de carne y chacinados. Yo no seguí con la tradición, dado que desde muy chico sentía una gran curiosidad por la fotografía y es así que teniendo 12 o 14 años realicé mi primer foto desde el techo de mi casa con una máquina agafa 120mm. Rollo obviamente... pasaron los años y comencé a trabajar en un canal de televisión donde me perfeccioné como camarógrafo tomando esa profesión como herramienta de vida, en el año 1992-93 abrí mi productora de imagen empresa que aun hoy continúa trabajando. Una vez que mis hijos fueron tomando las riendas y pudieron seguir con la productora hoy a cargo de mi hijo mas chico Franco, volví a mi gran amor... la fotografía, y sobre todo lo paisajístico. En el año 2011 fuí invitado por OSDE a realizar mi primera exposición PATAGONIA DESDE MI PUNTO DE VISTA con un resultado realmente maravilloso, esta muestra continuó para el norte del país y fue exhibida en Miramar, Pinamar, Necochea y termina ahora en junio en mar del plata. Para el mes de septiembre vuelvo a exponer ahora con un invitado especial el señor Claudio Riganti con el estamos preparando una muestra diferente en muchos aspectos, sobre todo en la forma de presentar las obras.
PUPILA SENSIBLE
Por Alba Piazza (Bs. As.)
http://www.albapiazza.com.ar
Huellas de tiempo y luz, Emmanuel Borao, por Alba Piazza La caja negra es la q descubre en su interior el haz de luz que luego será quien “dibuje” la imagen, momento en que empieza a figurar lo que después será una fotografía. Si nos remontamos en el principio, podríamos viajar por invenciones que de una manera u otra, perseguían la idea de “capturar una parte del tiempo”. Podemos situarnos en el siglo XVII y ya encontrar los primeros avances; la cámara oscura, y la aparición del pequeño orificio o “estenopo”. Posterior a este tiempo, ya pasados un par de siglos, en los cuales, Niepce y Daguerre se destacan, hace su aparición la cámara reflex analógica, y le siguen los tiempos de la cámara reflex digital, invención a a lo q hoy estamos acostumbrados. Esta actualidad, la misma q nos expone ante la desmedida tecnología, nos lleva a buscar un descanso, una fisura a dicho exceso, tanto sea por la necesidad de recurrir a lo “artesanal” como tambien, por una necesidad de respirar entre tanto JPG, RAW, placas de video, photoshop....etc etc....algunos hemos recurrido al laboratorio y a los químicos. Así es como la vuelta a la analógica se ha transformado en un hobby, como también la práctica de la “estenopeica”. Esta última es fundamentalmente una “vuelta al principio”, es “vivenciar el proceso que da origen a la técnica de la fotografía”, segun Emmanuel Borao. De hecho, la fotografía estenopeica, recurre a los inicios, a la fotografía en su estado mas “simple”, que no requiere la participación de un sistema de lentes.
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“Sacamos fotos para detener el tiempo” Emmanuel Borao Hacerse amigo de la luz, saber apreciar su compañia. Emmanuel es quien espera a la luz, el tiempo que ella requiera, para que - al atravesar el estenopo- (u orificio en la caja oscura), y el mismo deje la huella en el material fotosensible, permita (luego de realizar el proceso de fijación de imagen) obtener como resultado, la fotografía. Hacer fotografía estenopeica, “es una forma de alejarse de la alienación de la industria fotográfica, permitirnos vencer los formatos ya definidos e impuestos culturalmente en la fotografía, desde hace tiempo, para generar nuevas formas expresivas”, comenta Emmanuel.
La huella en el tiempo Realizar fotografía estenopeica implica un cierto afecto por viajar, de alguna manera, en el tiempo. La fotografía es un arte que pudo ser testimonio y registro de infinitas situaciones que el hombre ha vivido. Los avances y las “mejoras” tecnológicas de esta actividad, aun siguen en curso, con el único fin de superar las invenciones pasadas. Concepto que solo puede aplicarse en la cámara, elemento que permite capturar la imagen. Sin embargo, no hay posibilidad de superar la percepción humana, la misma que logra “volver al patio de casa, de encontrarnos nuevamente en ese espacio, en otro tiempo”, comenta Emmanuel. Y continúa; “en la fotografía se puede ir y volver, pero siempre se vuelve al comienzo”. Emmanuel comparte obras de su serie “Karcomido”, trabajo exquisito en la realización estenopeica, que puede dar muestra de la utilización del tiempo y la exposición de luz en su estado preciso. Emmanuel Borao Es de Gral Pinto (BA) y vive en Junin, BA. Estudió cine en La Plata, BA. Estudió fotografía en esc de Arte Xul Solar de Junín BA. Se desempeña como camarógrafo y editor para un programa de tv de interés general, en canal 10 de Junín BA. Actualmente es profesor de la Catedra de Laboratorio Monocromo de la Tecnicatura de Fotografía de la Escuela de Arte Xul Solar, Junin BA. En la misma institución dicta el Taller de fotografía Inicial (abierto a la comunidad).
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FOTOGRAFÍA MANIPULADA ROSANA LÓPEZ CUBAS PERU 88
Chupuneo
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“El universo temático de la periodista y fotógrafa peruana Rosana López-Cubas gira en torno a sus actividades periodísticas cotidianas muchas de las cuales están circunscritas en el quehacer cultural (teatro, música, danza, cine) que se desarrolla en Lima – Perú. En esta entrega, López decide transitar por la modalidad de la fotografía manipulada y/o intervenida provocando cambios liberadores en sus protagonistas -artista escénicos en su mayoría - que dejan la formalidad para tomar un cariz más abstracto y colorido”.
El coronel no tiene quien le escriba
El hombre y la máquina
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Cyrano
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Payasos Rosana Lopez-Cubas Directora Lima en Escena Magazine Online del Lima/PerĂş http://www.limaenescena.com/ Lima en Escena en La Mula http://limaenescena.lamula.pe/
Directora Miami en Escena Magazine Online del Sur de Florida http://miamienescena.blogspot.com/
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Palimsestos
Milena Amaya, Colombia. CIUDAD SUTIL
“Es inútil decidir si ha de clasificarse a Zenobia entre las ciudades felices o entre las infelices. No tiene sentido dividir las ciudades en estas dos especies, sino en otras dos: las que a través de los años y las mutaciones siguen dando su forma a los deseos y aquellas en las que los deseos o bien logran borrar la ciudad o son borrados por ella” Ítalo Calvino Ciudades Invisibles
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Las ciudades de Calvino son espacios ficcionales e indefinibles; son artificios para pensar en un lugar fragmentario pero autocontenido que por momentos se devora así mismo, y se entrega como pasaje y tránsito de los que llegan y se van, de los que empiezan a construir su memoria o de los que pretenden olvidar. La ciudad es ese animal móvil y viviente, es esa construcción mental, cultural y poética que se aprehende o se rechaza. La ciudad es la ciudad y eso basta en sí mismo como planteamiento, como pretexto para llenarse de sentido, para adjetivar la experiencia y buscar entre fantasmas las líneas, círculos y matices que articulen el mundo interior, la vivencia del presente, el deseo siempre de partir y permanecer. Esta es la ciudad que yo conozco…
Milena Amaya, Fot贸grafa y Docente. deboraarango_milena@yahoo.com
Pasajeros ez u g í r d o R h Rut México
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Ruth RodrĂguez Org. Somos/Soy www.somosysoyfotografia.com http://sintitulonifecha.blogspot.com/
http://www.bexmagazine.com.ar
Agradece tu participación y te invita para el próximo número, Agosto 2012. Consultas y envío de trabajos: info@barilochexpone.com.ar | info@jorgepiccini.com.ar | jorgedisenio@gmail.com Diseño, Edición & Desarrollo: http://www.jorgepiccini.com.ar/
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