Bex #41

#41 TucumĂĄn

Abriendo espacios a la fotografĂ­a latinoamericana

TUCUMÁN Sumario Juan Pablo Sánchez Noli Encuentro 3 Bruno Ternavasio La vida inmóvil 27 Diego Aráoz Famaillá 49 Inés Quinteros Orio Maleza 78 Evi Tartari Tiempo hasta morir 98 Pablo Soria Nocturnal 105 Julio Pantoja Las madres del monte 123 Ramón Teves Retratos 145 Nicolás Núñez Zailex Under Rap 156 Gabriel Varsanyi Pater 166 Jorge Augusto Cruz Ni muertos, Ni vivos 180 Carlos Darío Albornoz Dibujos fotogénicos 188 Solana Peña Acerca de la suerte de vivir en un mundo cautivante 204

Jorge Piccini Director, Diseño, Edición, Contenidos.

Fotografía de Tapa: Gabriel Varsanyi Bex es una publicación editada por Jorge Piccini - San Carlos de Bariloche, Patagonia Argentina.

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Abriendo espacios a la fotografía latinoamericana.

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Juan Pablo Sรกnchez Noli

Encuentro

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Para construirte están las fotos. Las miré cientos de veces, cuando era niño. Las teníamos guardadas en una bolsa de plástico. La bolsa era verde y yo la abría cada vez que quería verte. Todavía sigo haciéndolo.

Te veo en las fotos joven, mucho más joven de lo que soy yo ahora. Contento, jugando al fútbol, saludando después de un gol. En el río con mamá.

De traje en el día del casamiento. Tocándole el pelo a ella, con tu mano derecha. Trato de pensar qué sentías en cada una de esas imágenes que para mí siempre estuvieron congeladas. Intento imaginarme cómo eran tus movimientos, darle vida a esas fotos.

Naciste en Villa Alberdi. Te decían “Villita” por eso.

También porque jugabas bien a la pelota y te comparaban con Villa, un jugador de esa época. Fuiste un buen alumno en la escuela y luego en la facultad de Bioquímica. Dice mamá que encontrabas en la bioquímica una magia que ella no entendía. Eras científico pero también te gustaba el Che Guevara.

Tenías un póster con su foto, en tu habitación. Y te gustaba Neruda y te sabías de memoria las obras de Les Luthiers.

Nadie me dice si todo esto, si la bioquímica, la literatura o el humor tienen algún sentido cuando estás en un centro de detención.

Dice mamá que ustedes solo imaginaban un mundo en el que hoy a mí me gustaría vivir. Cuando censuraban la libertad de expresión, ustedes querían saber más. Cuando se censuraba el derecho a pensar, ustedes se volvían más creativos. Y si censuraban el derecho a reunirse, allí estaban ustedes.

Ella cuenta que estabas leyendo a Neruda en una edición de papel de arroz.

Lo que sé de la última vez que estuvimos juntos no está en ninguna foto. Lo sé por mamá.

Estábamos los tres. Ustedes festejaban mi primer mes de vida. Entonces tocaron la puerta y saliste a atender. Ella escuchó que te decían algo y dice que vos preguntabas “pero por qué, por qué”. Eran tres

hombres armados. Dice mamá que ella se dio cuenta de lo que estaba pasando. Tal vez vos también lo sabías. Preguntaste si podías despedirte de mí.

Así que nos despedimos. Dice mamá que antes de que salieras te recordó que llevaras los documentos. Después los hombres te secuestraron y ella se quedó en la puerta conmigo. Dice que cuando vio al auto irse te gritó que iba a seguirte. Pero ella no tenía auto. No te siguió de esa manera. Es probable que te hayan llevado al Arsenal esa misma noche.

No lo sé.

Tengo tus fotos. También están los relatos que me permiten imaginar tu tortura. Veo la oscuridad y puedo pensar que eso fue lo último que viste.

Mamá pasó muchos años sin tener auto, pero sí que te buscó. Te buscó por todas partes. En todos los lugares a donde se suponía que se buscaba a alguien que ha desaparecido. Desde el principio entendió qué era lo que había pasado. Aunque dice que con el tiempo empezó a mentirse. A decirse a ella misma que ibas a volver. Entonces te escribió cartas. Te escribió muchas cartas mintiéndose a sí misma, convenciéndose de que volverías y podrían leerlas juntos.

Es normal.

Yo también te he buscado.

He visto estas fotos cientos de veces.

Tres días después de tu cumpleaños 61 te encontramos. No apareciste en ese lugar llamado Arsenal, donde siempre creímos que estabas. Fue en un pozo. Nos avisaron que estabas ahí y nosotros necesitábamos verte. Así que fuimos. En el pozo había un pozo. Un arqueólogo nos contó algunas cosas, cómo trataron de taparte, de ocultarte. Y durante mucho tiempo eso fue así, estuviste sepultado. Pero al final apareciste. Querían ocultarte pero no pudieron.

Nosotros te encontramos. Vos apareciste. Bajo treinta metros de tierra. Te encontramos a pesar de que habían pasado treinta y siete años.

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El llamado Pozo de Vargas es una antigua estructura que funcionó como fosa común en Tucumán durante la época de la última dictadura militar en Argentina. Como estaba ubicado en una propiedad particular, los represores encontraron allí un lugar para enterrar ilegalmente a algunos de los desaparecidos.

Los primeros restos de personas desaparecidas fueron encontrados en 2006, a los 24 metros de excavación. En 2014, esta vez a 30 metros, aparecieron los restos de mi papá. Su identificación es la número 24.

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Te llega una carta y te dicen que tu papá está muerto.

Cuando una persona muere y te avisan que está muerta hay que hacer trámites. Pero cuando todo eso pasa, podés abrazar a tu muerto. Ahora sé qué es lo que pasa cuando una persona desaparecida durante treinta y siete años se muere.

Cuando una persona desaparecida se muere, podés ir al EAAF. El EAAF no es una morgue. Tampoco es un cementerio. El EAAF es un edificio antiguo. Tiene varios pisos y por cómo está arreglado se parece bastante a una casa. Salas con escritorios, pasillos, habitaciones a lo largo de esos pasillos. Las habitaciones tienen cortinas.

Hay una biblioteca. Y muchas puertas. La persona que te recibe te pregunta cómo estás. Tal vez intuye que en algún momento vas a darte cuenta de que no estás en una oficina ni en una casa familiar. Tal vez sabe que en algún momento vas a encontrarte con tu muerto.

Y que tu muerto no está en un cajón. Tu muerto está en una habitación cuya antesala es otra habitación. Allí hay una ventana y en las paredes hay afiches: explicaciones científicas sobre fosas comunes, resúmenes de investigaciones sobre identificación de restos humanos. La persona que te guía se detiene en esa habitación.

Después te pregunta si estás listo. Uno no está listo, pero dice que sí. Y entonces entrás en la habitación a donde está tu muerto. Tu muerto es tu padre. Está sobre una camilla.

Tu padre son tres huesos. Junto a la camilla hay dos sillitas. Una ventana que mira a una avenida de Buenos Aires. Alguien te ofrece un vaso con agua. Entonces te das cuenta de que estás llorando. Estás pensando que a los muertos podemos abrazarlos.

Y estás pensando que por más esfuerzo que hagas, por más que lo desees con todos tus treinta y siete años, eso es imposible. Te das cuenta de que tu padre está allí y no podés abrazarlo.

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Era alguna hora temprana pero estaba oscuro, como en ese momento del dĂ­a en que la luz empieza a perderse y parece que va a desaparecer por completo.

La luz, sin embargo, vuelve cada maĂąana; vuelve siempre.

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Este trabajo aborda la temática de la aparición e identificación de los detenidos desaparecidos en la provincia de Tucumán. La enorme tarea de equipos de arqueólogos y antropólogos ha permitido avanzar en la identificación de las víctimas de la última dictadura militar; en este ensayo se plantea una mirada íntima a este acontecimiento trascendente de la historia argentina.

De alguna manera, las imágenes narran tres historias y una sola al mismo tiempo. Enrique Sánchez, secuestrado el 14 de septiembre de 1976, fue buscado por su esposa Alicia durante los primeros años posteriores a la dictadura. Alicia fue la mujer de un desaparecido, una mujer en la búsqueda infinita. La historia de esa desaparición es narrada por Juan Pablo, el hijo de ambos. El relato se compone de retazos de esas historias interrumpidas. Textos e imágenes se convierten en el testimonio personal de una búsqueda que duró treinta y siete años. Una búsqueda que culmina con el encuentro de tres historias partidas.

jpsnoli@lagaceta.com.ar

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Bruno Ternavasio La vida inmรณvil

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De trasnoche, en las madrugadas de los días laborales, cuando casi todos duermen; las calles, los objetos, los rincones se cubren paradójicamente de un silencio y una vitalidad que con el bullicio del día es casi imperceptible. Es una cara oculta que solo es posible sentir cuando reina el vacío. Caminando por esos sitios en esas horas, uno no sabe si es mejor permanecer solo o que alguien aparezca. Si se está atento, a veces, tal vez se pueda ver y oír que aparte del sonido del obturador también se sienten los pasos de alguien que se aleja en el eco sobrenatural de una ciudad adormecida.

DATOS TÉCNICOS: Tomas directas, negativos color escaneados, proceso digital.

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brunoternavasio@yahoo.com.ar

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Edici nes

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Diego Aráoz

FAMAILLÁ Pasiones encontradas: la obra pública y lo religioso popular.

Es mi intención interpelar el espacio de Famaillá en el aquí y el ahora, tanto desde la pasión como del espanto; la atracción ineludible me convoca. La hibridez de lo público, lo religioso popular, lo estatal y una estética del kitsch entendida en términos sociológicos como la desmesura, la copia, la pretensión de arte, su función decorativa pero también como la expresión de un nuevo sensorium que apela a lo emotivo, la afectividad de lo sagrado y lo profano. Lo popular religioso, tan arraigado en las culturas del Noa por ejemplo, funda una pasión estética e híbrida (Barale 2004: 192) que (ab)usa de la “superabundancia de lo ornamental” que “no tolera el espacio vacío” (Ibid).

En este sentido, creo que dos pasiones se fundan (y se confunden) en el espacio de Famaillá: una, la pasión de carácter religioso que mezcla figuras sagradas canonizadas y otros santos y milagreros que reviven una religiosidad popular, más emocional que conceptualizada; y dos, la pasión por la obra pública, el presupuesto destinado a plantar figuras de la fe, pero también, estatuas y pinturas de artistas y más aún, personalidades de la historia política nacional, entronizados como “santos”, que apelan al sentimiento de lo común y la identidad, siempre desde la afectividad.

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diegoaraoz78@gmail.com

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Inés Quinteros Orio MALEZA

Hace 202 años se declaró la independencia de Argentina a unos metros de mi casa, dos cuadras más arriba se encuentra la Libertad esculpida por Lola Mora. Tucumán también es conocido como el “Jardín de la República”, conceptos positivos y paradójicos a lo que siento por la provincia.

Reuniendo mis fotos de archivo y actuales narro mi desencuentro.

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3bluebirds@gmail.com Tucumรกn / 97

Evi Tartari

tiempo hasta morir Durante cuatro años, entre 2012 y 2015, realicé un trabajo que se compone de cinco fotografías de medidas variables.

Esta serie reflexiona sobre la muerte de algunas formas posibles. Trabajo partiendo de la fotografía como técnica de ficcionalización, y lo inefable como tema de trabajo.

Experimento un método personal, configuro una forma de operar que se repite en todas las imágenes que produzco: selecciono objetos para realizar ejercicios de prueba y error, me detengo al lograr una imagen que considero eficaz.

Expongo mi cuerpo y origen, como un proceso de reflexión que me excede. Represento.

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La piel es tu historia Eso que llamamos “vida”, una serie de repeticiones y transformaciones superpuestas. El agua que hierve, el limón que se pudre en el suelo, el árbol que crece, una canilla que se rompe, aquello que se quiebra; una cara que muta, pero sobrevive inmutable en una fotografía que finalmente se pierde.

El cuerpo de cada persona va evidenciando un tiempo de vida, y un modo de vida.

Sostenemos una forma -variable- de edición y uso de la imagen propia, esa que hacemos posar para los recurrentes autorretratos que inundan esta segunda década del siglo veintiuno. Se repite un rostro que mira a un dispositivo que dispara. Un rostro que mira a una máquina como quien mira a otra persona a los ojos. Un rostro que mira la ausencia de un otro ¿es la búsqueda de un otro en el propio reflejo? ¿es anhelo de encontrar a un otro en el propio reflejo? ¿es entender al otro como enemigo?

Elegimos un corte de pelo, prendas, a veces maquillaje; pero nuestros rasgos cuentan de dónde venimos, historias de orígenes, convergencias, migraciones, batallas ganadas y perdidas. Nuestra piel es discurso, sobre un territorio que desborda los cuerpos. Ser la “mujer blanca” o la “mujer negra” se define -construyeen la mirada del otro, en tensión o comunión.

Hay cosas que realmente no podemos decidir, a pesar del esfuerzo por la manipular lo que comunicamos y proyectamos.

en la que se cuela un paisaje interior o exterior configurando un relato con un gesto corporal; no es una composición en torno a asociaciones barrocas entre lo buscado y lo “filtrado”. Ella comprende que el cuerpo es un signo, que significa desde su forma y color “natural”, y así, desde esa conciencia, lo relaciona a un objeto que lo modifica y resignifica. Alteración que contiene y sostiene la mirada ante la alteridad.

Viveiros de Castro, al explicar el perspectivismo advierte “El Yo es una posición completamente permutable y que todo el mundo, todos los seres, se ven en esa posición”.

Hay cosas que solo se aprenden -y aprehenden- en el ejercicio de la repetición. Un ejercicio puede ser el de disparar a nuestra imagen.

Sostener la mirada en un mismo lugar hace que comiencen a emerger nuevas formas, y se modifique la comprensión de lo posible.

Cualquier repetición nos hace tomar conciencia de las formas, limitaciones y posibilidades de nuestro cuerpo. Lo que cansa, lo que lastima, lo que fortalece. La repetición de un ejercicio también nos enfrenta a algo que gobierna nuestro tránsito por la vida: el latido de nuestro corazón, nuestro pulso.

Evi trabaja exponiendo su piel, y haciéndose cargo que su piel es la de una historia colectiva.

Ejercita la comprensión de su imagen como quien se toma el pulso para revisar el ritmo de eso que llamamos “vida”. Nos mira y nos hace mirarnos, ahí está el reflejo.

Ella se maquilla, se peina, se desnuda. Se Andrei Fernández enfrenta a sí misma, sosteniendo una historia Septiembre 2017 que podría ser suya, pero también podría ser ajena. Dispara. Su retrato no cuenta en realidad nada de su intimidad subjetiva, no es la selfie

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eviconstanza2@gmail.com

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Pablo Soria

NOCTURNAL

Así creeré que la noche me protege y que vos no te fuiste.

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La serie de autorretratos que vengo realizando desde el año 97’, es un hilo conductor en mi obra, la cual me ha permitido investigar o explorar otros rumbos o aspectos de la misma.

Hay un trabajo inconsciente a veces del porque se hacen las cosas en ese proceso creativo y como uno lo siente al hacerlo. Hay una memoria sin fin, que serpentea en ese entorno con las resonancias constantes que significa estar en la presencia de esos paisajes ligados a mi historia. Norte argentino.

Hablo del tiempo que transcurre, dentro y fuera de mi.

El universo gira y yo me detengo en una prolongada exposición, contemplo, miro, dialogo, interactúo . Es un viaje en el que se van uniendo personas, lugares y sentimientos.

Hay una actitud nostálgica e intimista, es pretender recuperar algo de uno mismo, porque en algún punto se lo ha perdido. Es siempre volver a un lugar común, o querer seguir perteneciendo a el. Y la memoria guarda casi intactos estos lugares.

Es hacer una revisión, casi como en un diario de viajero y captar cada paisaje y situación para luego reinterpretarlo y hacer un nexo de conexión entre el presente y el pasado. O dicho de otra manera: que es lo que la memoria guarda de cada lugar? .Que es lo que queda?.

En la obra uno es todo lo que ha sido. Un reflejo.

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Aquí lo iniciamos todo.

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El recorrido mas corto, lo hiciste vos.

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Volver y volver a empezar.

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Volver al verdor.

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Una señal para que sepas que te estoy necesitando.

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Santuario.

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Todo, inclusive la luna que me baña, me pertenecen en este paraíso.

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Mi sombra está asociada al vacío de esta cabalgata.

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La futura casa que habitaré tendrá este cielo y quizás un árbol con un hornerito.

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Una cama y el entramado de posibles sueños.

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Refugio de oración, acompañado de una gallina dormida.

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Igual te espero aunque ya no vayas a volver.

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Todo dependerรก de tu estado de รกnimo, para cuando mires estas cosas.

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Me quedé varado en el camino equivocado.

pablosoria@aol.com

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DIRECTORES DE FOTOGRAFร A

Julio Pantoja

Las madres del monte Hasta hace muy poco tiempo, en Argentina se desmontaba una hectárea cada dos minutos, lo que equivale a cuarenta canchas de fútbol por hora. Miles de personas, animales y especies vegetales fueron desplazados o llevados a la muerte por los irracionales desmontes en las regiones boscosas del norte argentino, proceso acelerado por el boom comercial del cultivo de soja transgénica. El desastre ambiental y social está a la vista de un modo brutal.

Ante este desolador panorama, como en otras experiencias de resistencia (recordemos a las Madres de Plaza de Mayo), muchas mujeres dejan la pasividad de sus hogares para acompañar -o incluso liderar- el enfrentamiento con las distintas formas del poder que avasalla a sus familias: sea un gobierno, una empresa agropecuaria, una policía complaciente o un grupo parapolicial.

Así, mujeres indígenas y criollas, desde organizaciones campesinas, asambleas de autodefensa o incluso desde la soledad más adversa, como cumpliendo algún mandato atávico que les ordena poner el cuerpo, se ponen en pie de guerra y con diferentes modos de lucha defienden la fuente de vida: la tierra y el monte que las rodea.

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“Cada vez que entro al monte le hablo en guaraní a la Madre Tierra y le pido que nos proteja y que cuide a los animales.” Rogelia.

Evarista Pacheco, Berna Villagómez y Rogelia Marcial son dirigentes de la comunidad aviguaraní “Hermanos unidos”. Calilegua, provincia de Jujuy.

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“Se formaban remolinos de viento y fuego: las llamas nos encerraron a mis hijos y a mi. Llorábamos desesperados y nos abrazábamos; creí que nos moríamos.”

Gladys Escobar forma parte de un pequeño grupo que se dedica a denunciar los desmontes e incendios intencionales ante los medios y ONGs. Tres Isletas, Chaco.

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“Nos dejaron casi sin tierras ni selva. Somos 1200 guaraníes arrinconados en 250 hectáreas al borde del Parque Nacional Iguazú.”

Demetria Moreira -Cambiyú- forma parte de la comunidad guaraní Fortín Mbororé. Iguazú, Misiones.

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“Ya no podemos sembrar ni criar nuestros animales en paz, además ahora los vientos arrasan nuestras casas y, cuando llueve, el agua se lleva todo por delante.”

Ernestina Jerez es criolla y fue una de las primeras en movilizarse en contra de los desmontes. General Pizarro, Salta.

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“Ya habíamos preparado agua caliente, como en las invasiones inglesas: si los policías volvían a pegarles a los hombres, nosotras estábamos decididas a achicharrarlos”.

Delma Aranda trabaja en su campo y vive de lo que produce. Algarrobal Viejo, Salta, 2007.

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Desmonte. Campo arrasado por el fuego. Pozo del TumĂŠ. Salta, 2005.

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Desmonte. Campo arrasado por el fuego. Gral. Pizarro. Salta, 2005.

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Topadora en acciรณn. La Tigra. Chaco, 2006.

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Plantación de soja transgénica. Tartagal. Salta, 2009.

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Alud arrasa. Tartagal. Salta, 2009.

www.juliopantoja.com.ar

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Ramรณn Teves

Retratos

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Estas fotografías forman parte de una serie de retratos que desarrollo desde el año 2001, donde pongo énfasis sobre mi identidad, retrato mi contexto, mi cotidiano, a familiares, amigos y personas allegadas en circunstancias y estados de ánimos diferentes, sin concesiones, mostrando indicios de su realidad, sin buscar un ideal donde todo aparece o aparenta ser perfecto, donde sólo se registra lo bueno y dejan de mostrarse las miserias humanas.

Es la reconstrucción sobre “mi identidad”, sobre mis orígenes, raíces e idiosincrasia. Indago y elaboro imágenes latentes en mi memoria, de mi niñez, con mi familia, lo lúdico y lo onírico. Elaboro escenas cotidianas que no abundan en los tópicos que tienen los álbumes familiares, enfatizando nuestra actualidad sudamericana globalizada dentro de un contexto social-político, como aporte a la construcción de nuestra identidad como sociedad, a través de la fotografía como acontecimiento visual y comunicativo.

La temática recurrente es la autobiográfica en todos los sentidos. El retrato, en particular, es donde me siento mas cómodo por que se puede indagar en la estructura del ser humano en toda su expresión. La selección de mis retratados tiene un proceso de aproximación fina al personaje, con mucha carga emotiva. Una característica a destacar del personaje es la escenografía de su hábitat o contexto cotidiano.

En mis retratos planteo la condición humana anteponiendo en ellas mi empatia, subjetividad, historia, mi bagaje cultural.

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ramonteves@gmail.com

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Nicolás Núñez Zailex Under Rap Los gallos se posicionan en la ronda. Estas bestias de combate no lucen plumas desgarradas; tampoco están armados con alas anchas; ni tienen afiladas las uñas de sus patas. Pero sí portan un pico, uno filoso. Uno que no corta pero sí lastima con un amplio vocabulario. Hoy no hay riña, hay batalla.

El turno de rimar llega a las manos de Zailex.

Con su metro sesenta, sus mandíbulas prominentes y una boina que cubre unos rulos desprolijos, quizás no intimidaría a nadie.

Pero, el enano, como le llaman, es dueño de una prosa prodigiosa.

Sus movimientos son más lentos. Su voz es más profunda, desaparece por completo ese acento tucumano. Por magia del rap, de su vocabulario desaparecen todas las muletillas.

— ¿Vos crees que el rap te va a dar de comer?

— No es creer. Es que el rap me va a dar de comer.

No es que creo de creer, sino que creo con fe.

(Extraido de la crónica “Zailex y la rima que lo salva, publicada en Tucumán Zeta).

A Zailex no le importa que en frente haya 50 o 1000 personas. Él canta con pasión.

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nicolastucman@gmail.com

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Gabriel Varsanyi PATER

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Pater intenta ser la reconstrucción de una historia no vivida pero siempre imaginada de una historia de familia; Pater es la constatación de que la fotografía es insuficiente como vehículo de rescate de la memoria; Pater es en definitiva una mirada sobre la mirada; Pater es la instancia última a la que me enfrento como fotógrafo para reencontrarme con mi padre ausente.

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gabriel_varsanyi@yahoo.com.ar

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Jorge Augusto Cruz

Ni muertos, Ni vivos

Algunas cosas del pasado desaparecieron pero otras abren una brecha al futuro y son las que quiero rescatar” Mariano Benedetti Fuimos parte de una incógnita, estén como estén, es una incógnita en nuestra memoria. Vivimos en un momento donde el olvido parece ser lo mejor, donde la gente pasa desapercibida, cuando en realidad alguien necesita ser visto, encontrado. Pero la memoria despierta para herir a los pueblos dormidos. Presentes en nuestras memorias y conciencia.

En ese mismo lugar, ese mismo hecho, donde quedaron huellas que hoy son cicatrices, grandes y fuertes marcas, que marcaron una vida, una historia.

Es una incógnita, es un desaparecido, no tiene entidad, no está, ni muerto ni vivo, está desaparecido.

San Miguel de Tucumán.

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Datos Tecnicos: → Fotografía S/T de la Serie Desaparecidos Acción Performática en lugares Públicos y Privados, Toma directa, Analógico Blanco y Negro, Revelado manual alto contraste.

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→ Proyecto “Ni muerto, Ni vivos” Fotomontaje Digital intervenida en MDF – Paginas de guiá telefónica con apellidos Desaparecidos.

Técnica “Transferencia” – Imagen transferida sobre Madera (MDF).

facebook.com/jorgeaugustocruz

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Carlos Darío Albornoz

DIBUJOS FOTOGÉNICOS Dibujos fotogénicos es el nombre con el que los fotógrafos Hippolythe Bayard y William Fox Talbot denominaron a las imágenes que produjeron a través de los procesos fotográficos que ellos mismos desarrollaron y utilizaron.

Pero es también Anna Atkins (Tonbridge, Kent, 1799-1871), primera fotógrafa de la historia, la que utiliza el procedimiento del cianotipo para realizar sus fotografías, las que constituyen el “Algarium Británico”, Fotografías de las algas británicas impresas en Cianotipos, publicadas en 1843.

El presente proyecto siguió el procedimiento utilizado por Anna Atkins y a modo de homenaje realicé una serie de cianotipos de diversas medidas, alrededor de 30, en los que quedaron impresos por contacto aparatos electrónicos del siglo XX y XXI, que forman parte de nuestra vida cotidiana, conformando un pequeño catálogo contemporáneo.

El idioma original de los nombres de las algas de aquel Algarium Británico, es el latín. En esta caso el idioma original de la tecnología es el inglés, el que se usó para nombrar las piezas fotografiadas, conformando así un Technological catalog.

Tucumán 2018.

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Solana Peña

Acerca de la suerte de vivir en un mundo cautivante

Solana Peña y el arte de la copia por contacto.

Por Aldo Ternavasio.

1. Agregar a la imagen la verdad que la fotografía le quita al mundo. A mi juicio, ese es uno de los desafíos centrales de la fotografía contemporánea y fundamentalmente, de la fotografía que practica Solana Peña.

Creo que esa práctica consiste en pensar la fotografía no como un acto de captura, sino como uno de reparación. Pero si hay algo que reparar en la imagen es porque algo ha sido dañado. Ese algo es la verdad. ¿Y por qué la fotografía podría quitarle al mundo la verdad y dañarla? Porque la verdad está en el mundo, sin dudas, pero no es parte de él.

El cuerpo reducido a lo abyecto siempre es el cuerpo de algo, porque la abyección borra cualquier rastro de lo que en ese cuerpo podríamos haber reconocido como alguien.

Se podría decir que la abyección hace del cuerpo de alguien, algo. Algo, es decir, una pura presencia en el mundo sin ninguna otra propiedad que ese simple estar presente.

Ser parte del mundo y de nada más que del mundo. ¿Y las fotografías de esa abyección?

Y las fotografías de esa abyección capturan a los cuerpos en el mundo. Los hacen sus cautivos. Los capturan impasiblemente con la pureza simple y mecánica de lo que no puede ser algo más que parte de él. Doble abyección, los cuerpos arrojados al mundo, los cuerpos capturados en él. Se le suele llamar a esto, dar testimonio.

Pero la verdad fotográfica no reside en

su naturaleza documental. La fotografía cautivada por la abyección es la mentira del mundo. La imagen, su verdad. En la fotografía entendida como un arte, la imagen separa al mundo de su abyección. El arte fotográfico, al menos en la contemporaneidad, consiste en producir una imagen con una fotografía.

Pero una imagen que no quede cautiva del mundo. Una imagen que repara la distancia entre lo que es el cuerpo y lo que éste ya no es. De lo contrario, la fotografía reproduce el mundo sin separarse de él.

Esto es doblemente necesario porque el mundo también está repleto de imágenes. Y el mundo se llena de imágenes, se diría, de la misma manera que un campo de batalla se llena de cuerpos. Las imágenes son cuerpos arrojados al mundo por las batallas culturales. Batallas también del campo artístico. El arte hace que esas imágenes se separen del mundo. El arte, claro, que no queda cautivo de las imágenes. Porque las imágenes son a las artes visuales lo que los cuerpos del mundo al arte fotográfico. Esto no concierne sólo a un estado de las artes o de la fotografía, sino a un estado general de la mirada en la actualidad.

2. Las fotografías documentales son reales, las imágenes artísticas, verdaderas. El arte fotográfico tal como lo practica Solana Peña no revela la verdad, sino que le reserva un lugar. Y se trata de eso, de poner en reserva.

En las fotografías falta algo, en las imágenes falta alguien. La separación entre unas y otras, es obra de Solana Peña.

Poner en reserva podría ser una de las claves de la poética de Peña. Su obra no es un

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grupo de imágenes, sino una imagen, la imagen del trabajo de labranza de ese grupo y del trabajo de reparación implícito en esa labranza. Pero su operación poética es también una operación técnica y como tal, es una operación que demanda tiempo. Pero no cualquier tiempo, es el tiempo de un trabajo, es decir, el tiempo de su cuerpo sosteniendo un esfuerzo. La imagen resultante es el documento de ese esfuerzo. Del esfuerzo, sostenido a lo largo del tiempo, dedicado a tomar bajo su responsabilidad el laborioso cuidado de una reserva en la que lo verdadero quedaría a salvo de lo real.

La estrategia estética de Solana Peña consiste en presentarnos, en un universo de una fragilidad extrema, algo que podría pasar completamente inadvertido. Algo que podría ser una imagen pero que quizá aún no lo es. Sí, es eso. Imágenes de algo,

imágenes que buscan la mirada del espectador para convertirse en imágenes de alguien. No son imágenes cautivantes, es cierto. Pero a la vez ¬–y aquí está el gesto decisivo de la obra de Peña–, no sacrifica la promesa de que lo puedan llegar a ser.

Retiene lo cautivante, pero lo retiene incompleto: sólo resta querer verlo. Es la parte del trabajo de la belleza que el arte contemporáneo le reserva al espectador. Si la mirada nos ofrece una copia del algo del mundo, es por contacto con alguien que no quedamos cautivos de su imagen. Solana Peña, como una suerte de imperceptible Antígona digital, hizo de la fotografía el arte de engañar al Rey para honrar, mientras lo engaña, a aquellos extraños a quienes quiere reconocer como sus hermanos. A eso le llama Copia por contacto.

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#Florencia Blanco, #Daniel Bazán, #Mario R. Luna, #Javier Maggiotti

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