Manual de laboratorio Fotografía Digital (Diseño Industrial) by Humanidades Universidad Don Bosco

Manual

de laboratorio UNIVERSIDAD DON BOSCO

FotografÃa Digital

CONTENIDO

Introducción ......................................................................................................... 4 Guía 1 Introducción a la cámara digital ................................................................................... 5 Guía 2 Técnicas básicas de fotografía .................................................................................... 16 Guía 3 Sensibilidades ISO ...................................................................................................... 27 Guía 4 Diseño y composición fotográfica .............................................................................. 38 Guía 5 El color en la fotografía digital / White Balance ......................................................... 47 Guía 6 Iluminación para retratos en exterior ........................................................................ 57 Guía 7 Iluminación fotográfica .............................................................................................. 66 Guía 8 Trucos fotográficos ..................................................................................................... 82 Guía 9 Fotografía de retrato y antiretrato ............................................................................. 94

INTRODUCCIÓN

Este manual ha sido elaborado para orientar al Las guías prácticas que se estarán realizando son las siguientes: estudiante de Fotografía Digital en el desarrollo de sus prácticas de laboratorios, haciendo uso de este antes, • Guía 1: Introducción a la cámara digital durante y después de la práctica, de tal forma que ofrece un método facilitador en su proceso de • Guía 2: Técnicas básicas de fotografía enseñanza/aprendizaje durante esta asignatura. • Guía 3: Sensibilidades ISO En el desarrollo de esta asignatura se ha designado realizar las prácticas en 16 sesiones semanales de laboratorios, los que incluyen 9 prácticas y un proyecto final en el cual, el estudiante aplicará los conceptos y las técnicas necesarios para realizar un portafolio fotográfico.

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Guía 4: Diseño y composición fotográfica

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Guía 5: Balance de blancos (WB)

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Guía 6: Iluminación para retrato en exterior

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Guía 7: Iluminación fotográfica

• Todas las guías de laboratorio están estructuradas de la • siguiente forma: - Objetivos

- Materiales y equipos - Introducción teórica - Procedimiento - Bibliografía - Ficha de asignaciones La asignatura de Fotografía Digital está dividida en tres unidades durante el ciclo.

Guía 8: Trucos fotográficos Guía 9: Fotografias de retrato y antiretrato

GUÍA 1 Introducción a la cámara digital

CONTENIDOS

Para la realización de la guía I, se realizará una introducción a la fotografía, se tomara como antecedentes, las características de la cámara análoga, luego se profundiza en la cámara digital y para encontrar las diferencias y similitudes que existen entre ambas.

OBJETIVO ESPECÍFICO • Conocer las partes principales del cuerpo de una cámara fotográfica, y sus funciones básicas. Así como las diferencias y similitudes entre cámaras análogas y digitales

MATERIALES Es responsabilidad de cada alumno leer previamente cada una de las guías antes de asistir a las prácticas de laboratorio, así como traer los materiales y equipo que se le solicite. 1- Cámara Digital. 2- Correa de colgar. 3-Tarjeta de memoria 4-Batería cargada 5- Trípode 6- Traer a la práctica el respectivo manual del modelo de la cámara que haya comprado y leerlo previamente.

Introducción teórica

La fotografía es un lenguaje, una técnica y un arte. Es un modo de captar y exponer gráficamente la realidad visual. Cada foto es un fragmento, un recorte de realidad interpretada con nuestra mirada a través de la cámara. La fotografía permite desvelar eso que siempre estuvo ahí, explorar y congelar momentos únicos, expresiones y detalles que nos rodean y que están cargados de belleza, llenos de misterio, y repletos de significado. Es la simple apreciación estética de un escenario y la luz de un momento irrepetible.

Cámara fotográfica Todas las cámaras fotográficas desde la más sencilla a la más completa y sofisticada, tienen un diseño básicamente igual: Una caja cuidadosamente construida para evitar la entrada incontrolada de la luz a través del lente u objetivo hasta la película sensibilizada. Los lentes incorporan un diafragma, iris ajustable, obturador, y mecanismos para ajustar la película. La abertura de diafragma se mide por STOPS, simbolizados por la letra “F” y puede ir desde f/1, muy abierto, hasta un f/22, en la que el orificio es muy pequeño. Las aberturas o f/stop trabajan al igual que la pupila del ojo humano es decir, con mayor cantidad de luz se cierra y cuando las condiciones de luz son pobres se abre para captar la mayor cantidad posible de luz. Cámara digital La Fotografía Digital existe desde hace varias décadas. De hecho durante los primeros vuelos de naves rusas y norteamericanas a la luna en los años sesenta, la transmisión de imágenes se hacía utilizando esta tecnología. No obstante la auténtica aparición de la Fotografía Digital aconteció ya iniciada la década de los noventa.

Su aceptación está siendo tan vertiginosa que, en poco tiempo, esta será la única tecnología utilizada en la totalidad de las aplicaciones fotográficas, tanto para los profesionales como para los aficionados. Quizás quede un sector de artistas que por motivos personales sigan elaborando imágenes fotográficas a partir de la captura en película.

LAS PARTES BÁSICAS DE UNA CÁMARA DIGITAL SON: 1. Fotocélula: es un sensor que calcula el promedio de la luz ambiente para la correcta exposición de la fotografía. 2. Flash: puede ser incorporado o externo, dependiendo del modelo de cámara. Tiene diferentes usos o funciones. 3. Visor: Ventana por la que se mira para poder encuadrar el motivo elegido. Las cámaras que no tienen visor lo substituyen por el display o por la pantalla TFT programadas para las diferentes situaciones en las que se precise un aporte de luz extra artificial. 4. Objetivo: Es la lente mediante la cual la cámara hace llegar la luz hasta el sensor o CCD. 5. Conector USB: entrada de la cámara donde se conecta el cable para la transferencia de datos de la cámara al ordenador o impresora. 6. Tapa compartimiento de la batería: En ella se colocan las baterías, que pueden ser de varios tipos y tamaños. 7. Conector de entrada de CC: Este conector permite la alimentación de la cámara directamente desde la corriente y eliminar el uso de las baterías. Algunas cámaras digitales tienen la posibilidad de realizar la recarga de las baterías internas en el caso de que éstas no sean extraíbles. 8. Ranura de entrada de la tarjeta: en ella se coloca la tarjeta de memoria, que puede ser de varios tipos y tamaños, según el fabricante. 9. Pantalla TFT: en su parte trasera, de diferentes tamaños, que se miden en pulgadas y resoluciones, que se miden en millones de píxeles. 10. Obturador: Y es el botón que se aprieta para tomar una fotografía. También se utiliza para enfocar la imagen presionándolo hasta la mitad. 11. Panel de control: pequeña pantalla en loa que se pueden ver los menús de la cámara sin tener que encender el display o pantalla tft para ahorrar baterías o pilas. No todas las cámaras tienen estos paneles. 12. Conexión para la salida de audio/vídeo(A/V): para conectar los cables de salida de audio y vídeo de la cámara a un televisor.

VENTAJAS E INCONVENIENTES

Las principales ventajas de la Fotografía Digital son las siguientes: 1. El formato digital se basa en el almacenamiento de la imagen mediante dígitos (números) que se mantendrán inmutables a lo largo del tiempo, con lo que la calidad de la imagen no disminuirá nunca. Las películas convencionales tienen una vida limitada, más aún en color y, pierden calidad. Y aunque se almacene el material fotográfico en situaciones controladas de iluminación y humedad (situación compleja y costosa), solo retardamos este envejecimiento. 2. La reproducción de una imagen almacenada en un soporte digital puede ser repetida tantas veces como se desee, produciéndose siempre un duplicado de la misma calidad que la imagen original. Esta característica tampoco está presente en la fotografía convencional. En ésta en cada reproducción intervienen factores ópticos y químicos que producen un deterioro de la imagen. 3. Enorme cantidad de procesos de retoque informáticos que facilitan la labor de producción de copias con mejor calidad que los propios originales. En algunos casos, además de la mejora de la calidad, se pueden conseguir efectos de muy diversos tipos: Enfoque/desenfoque, aplicación de filtros, modificación de la gama de colores, de contrastes, de brillos, etc. Y si bien estos retoques se hacían anteriormente sobre los soportes convencionales, lo que hoy se resuelve en unas horas, por métodos analógicos llevaba días. Además, el procesamiento digital es más controlable en todos sus pasos. Con la posibilidad de volver atrás en forma simple y continua. 4. Al hacer una toma, la posibilidad de testear el resultado, no solo nos permite optimizar tiempos, (no esperar el proceso químico), sino también efectuar correcciones y rehacer una toma (si es posible), cuantas veces sea necesaria. 5. El ahorro de tiempo, que en el orden profesional es sumamente importante, todo lo que se imprime en offset en algún momento es digitalizado, haciendo la toma directamente en formato digital, nos ahorramos: a) El tiempo en comprar la película b) El proceso químico c) La incertidumbre del resultado d) El tiempo y la degradación del escaneado. Todo esto se traduce en que (por ejemplo en una toma de estudio para una publicidad) después de hacer una toma con un pequeño ajuste de unos 2 minutos en máquina, podemos entregar la toma contra muchos más minutos que nos consume todo el proceso químico, (siempre y cuando no haya que repetir la toma).

Los inconvenientes de la fotografía digital que podemos destacar son los siguientes: 1. Se trata de una tecnología relativamente inmadura por lo que los equipos que se compran en la actualidad quedan rápidamente obsoletos. 2. La inmadurez de la tecnología digital implica otra serie de inconvenientes propios de toda tecnología emergente, entre los que se puede destacar los elevados precios, y una muy rápida depreciación del equipo. 3. Existe todavía quienes sostienen que si bien la calidad aportada por la fotografía digital es suficiente para la mayoría de los trabajos realizables por un auténtico profesional. Todavía se puede conseguir una mejor calidad con materiales químicos. ¿CÓMO SE FORMA LA IMAGEN? Primero debemos tener en cuenta que la imagen se forma, al igual que en los equipos convencionales, utilizando el principio de la cámara oscura. La diferencia entre una cámara digital y una analógica es que la captura de luz reflejada que forma la imagen fotográfica, se hace en vez de en una película, en un chip. Las diez principales características de la cámara digital 1.- PÍXELES: El valor que determina la resolución máxima a la que podemos hacer fotos es el Número de Píxeles Efectivos, es decir la cantidad de sensores individuales de luz que tiene la cámara. Por ejemplo: una cámara de 6 mega píxeles, pero tiene 3 megapíxeles efectivos, está utilizando Interpolación, o lo que es lo mismo, se “inventa” la mitad de los píxeles como cuando aumentamos el tamaño de una imagen. ¿Qué resolución elegir? En la práctica, la importancia de los píxeles depende del tamaño en que quiera obtener sus fotos. Por ejemplo, para fotos de tamaños como 10 x 15”o 13 x 18,2”con 2 Mega píxeles es suficiente, y podría servir incluso para un tamaño A4. Si lo que quiere es conseguir imágenes más grandes, necesitará una resolución mayor. Tenga en cuenta que cuanto mayor sea el número de píxeles, más memoria necesitará la cámara, por lo que tendrá que disponer de una tarjeta de más capacidad. Aquí por ejemplo tenemos unas imágenes que nos brindan una idea más acertada sobre la aplicación de los píxeles en una imagen mientras más píxeles tenga una imagen, mayor calidad y detalle tendrá pero, así también incrementará su tamaño o peso.

En la imagen anterior se muestra la forma en como los píxeles influyen en la calidad de una imagen, y vemos como son distribuidos por pulgadas cuadradas y de ahí viene el término “dpi” o “ppp” que simplemente significa “pixeles por pulgada cuadrada”.

2.- TAMAÑO Las cámaras “estándar” siguen los parámetros de diseño impuestos por sus homónimas analógicas, optando por un formato rectangular apaisado. A medida que subimos en la escala de precios, vamos encontrando diseños más elaborados y tamaños cada vez más reducidos, hasta llegar a la gama profesional, donde la necesidad de una buena óptica infla de nuevo los tamaños para equipararse a las de las cámaras réflex tradicionales. Según el tamaño de la cámara digital debemos tener en cuenta que a dimensiones más reducidas, más funcionalidades sacrificamos, dado que un zoom óptico requiere un cierto espacio para “esconder” las lentes cuando no las utilizamos. De igual manera, menos espacio tendremos para baterías, para el flash o para botones de control. 3.-ZOOM Para profundizar en esta característica debemos diferenciar entre zoom óptico y zoom digital. El primero es el clásico, y se basa en una combinación de lentes que realizan una función de acercamiento mediante la propia óptica de la cámara. El segundo es simplemente coger un trozo de la imagen y descartar el resto.

Así, si aumentamos el zoom digital, estamos reduciendo la resolución total disponible y, por lo tanto, bajando la calidad de la imagen. Aunque el zoom óptico es preferible, éste conlleva un aumento del tamaño global de la cámara.

4.- VISOR/PANTALLA La mayoría de cámaras digitales de gama media baja ya cuentan con una pantalla TFT a través de la cual se puede realizar encuadres, acceder a las fotografías realizadas o modificar las diversas opciones de la cámara, sin embargo, las más baratas carecen de ella (de ahí su bajo precio). Es importante comprobar que el modelo dispone de pantalla, y que es lo suficientemente grande para poder ver las fotografías hechas y comprobar si han quedado bien.

En las últimas cámaras que están saliendo al mercado en gama media/alta, podemos encontrarnos con la sorpresa de que no carecen de pantalla, sino de visor óptico para realizar el encuadre. Esto nos puede presentar problemas a la hora de realizar fotografías con mucha luz, dado que las pantallas TFT son prácticamente “invisibles” a cielo abierto. 5.-ALMACENAMIENTO La principal ventaja de las cámaras digitales sobre las analógicas es la posibilidad de trabajar con los archivos de las fotografías realizadas, pudiéndolas rotar, borrar, enviarlas directamente a impresoras o llevar las fotos a revelar. Para poder realizar tantas fotos como queramos, es imprescindible que la cámara almacene sus imágenes en un soporte intercambiable: las tarjetas de memoria. En algunas cámaras de gama baja sólo podemos almacenar las imágenes en una memoria interna fija. Si queremos llevarlas a revelar, deberemos conectar la cámara a un ordenador y descargarlas. Por el contrario, con tarjetas de memoria podemos aumentar la capacidad de la cámara cuanto queramos, con la ventaja añadida que podemos llevar únicamente la tarjeta para imprimir. 6.-CONECTORES Si las tarjetas de memoria son importantes para sacarle el máximo provecho a una cámara digital, no podemos decir menos de sus conectores. La salida USB se hace imprescindible para descargar las fotos a un ordenador o convertir nuestra cámara en una webcam, y la no siempre presente salida de Audio/Vídeo analógica nos permitirá poder ver las fotografías en una pantalla de televisión. Otros conectores que podemos encontrar son la de alimentación externa, ya sea para operar conectado a la red eléctrica, para recargar las baterías, o exclusivos de algunasmarcasparaconectarlosaimpresorasfotográficas. Si las tarjetas de memoria son importantes para sacarle el máximo provecho a una cámara digital, no podemos decir menos de sus conectores.

Si las tarjetas de memoria son importantes para sacarle el máximo provecho a una cámara digital, no podemos decir menos de sus conectores. La salida USB se hace imprescindible para descargar las fotos a un ordenador o convertir nuestra cámara en una webcam, y la no siempre presente salida de Audio/Vídeo analógica nos permitirá poder ver las fotografías en una pantalla de televisión. Otros conectores que podemos encontrar son la de alimentación externa, ya sea para operar conectado a la red eléctrica, para recargar las baterías, o exclusivos de algunas marcas para conectarlos a impresoras fotográficas.

7.-ÓPTICA/CCD - CMOS Respecto a la óptica, poco podemos hacer para garantizarnos su calidad si la cámara pertenece a las gamas baja o media, dado que suelen ser de plástico o vidrio de calidad estándar. Sin embargo, a medida que se elevan los precios, vamos encontrando ópticas como el caso de la Carl Zeiss de Sony, toda una garantía. Los CCDs son sensores que por lo general funcionan bien con bastante luz, pero pierden varios enteros cuando las condiciones lumínicas no son buenas.

La tecnología de los sensores CMOS ofrece varias ventajas sobre los sensores CCD tradicionales. Los amplificadores en cada entorno de píxel aceleran en gran medida el proceso para que la señal llegue al procesador de imagen. Se evitan las transferencias de cargas innecesarias, reduciendo el consumo de energía y, por tanto, prolongando la vida de la batería. El bajo ruido implica que incluso con sensibilidades altas, la resolución y la calidad no resulten afectadas. La circuitería en el chip reduce las configuraciones fijas y el ruido aleatorio para permitir sensibilidades de hasta 6.400 ISO (equivalente). Un filtro de paso bajo colocado delante del sensor suprime el color falso y el muaré que puede afectar a las imágenes de alta resolución. Los píxeles grandes que conforman cada sensor Canon CMOS permite conseguir una gama tonal amplia. Esto quiere decir que las imágenes mantienen un contraste más alto y detalle en las sombras y en las altas luces. Los detalles sutiles de color y luz son reproducidos con precisión. Los grandes píxeles también recogen la luz con mayor eficiencia, respondiendo con una mayor sensibilidad a las condiciones de luz bajas. Es conveniente probar varias cámaras en condiciones de poca luz para ver si los colores y la definición de la imagen es como nos prometen.

Verifica que la cámara que busques tenga al menos estas opciones: mandos manuales, zapata del flash, pixelaje igual o mayor a 18MP, un buen sensor, zoom aceptable, entre otras. Los accesorios como memoria SD, baterías y conectores son muy importantes.

Los píxeles grandes que conforman cada sensor Canon CMOS permite conseguir una gama tonal amplia. Esto quiere decir que las imágenes mantienen un contraste más alto y detalle en las sombras y en las altas luces. Los detalles sutiles de color y luz son reproducidos con precisión. Los grandes píxeles también recogen la luz con mayor eficiencia, respondiendo con una mayor sensibilidad a las condiciones de luz bajas. Es conveniente probar varias cámaras en condiciones de poca luz para ver si los colores y la definición de la imagen es como nos prometen. 8.-BATERÍAS Las baterías de Ión-litio, por su parte, tienen un costo mucho más elevado, pero proporcionan más energía y la retienen por mucho más tiempo que cualquier otro tipo de pilas. Son igualmente recargables y no poseen efecto memoria, por lo que se pueden recargar en cualquier momento, aunque no se haya consumido por completo toda la energía almacenada. No obstante este tipo de batería presenta el inconveniente que con el transcurso del tiempo pierden capacidad de carga, llegando incluso a restar un 20% por cada año de uso. Una camara NO DURA MÁS sin recargar porque tenga bateria de Litio o NiMh, sino que depende de SU COMSUMO DE CORRIENTE. Efectivamentenostenemosquefijarenlacapacidadde POTENCIA de la bateria que lleva una camara ( en W/h = Voltaje x A/h ) para saber lo que puede durar. 9.-OPCIONES PROGRAMADAS/MANUALES En las cámaras pequeñas o de gama baja, la inmensa mayoría de opciones son automáticas, pero en las de tamaño estándar, y sobre todo en las gamas media o alta, el número de opciones programables suele ser un factor a tener en cuenta. La posibilidad de seleccionar parámetros como el balance de blancos, velocidad, apertura del objetivo, sensibilidad de la película, o el enfoque automático por zonas/manual, es algo que por lo general se encuentra en una cámara de gama media/alta, sobretodosiqueremoshacerfotografías creativas o artísticas. En el software de la cámara podemos encontrarnos una gran cantidad de opciones adicionales que, dependiendo del usuario tipo, pueden resultar interesantes o no.

Procedimiento 1. PREPARAR LA CÁMARA. a) Coloque la correa de la cámara. b) Introduzca la batería totalmente cargada. Recuerde que la cámara debe estar apagada para realizar este paso. c) Introduzca la tarjeta de memoria. Abra la tapa de la ranura para la tarjeta de memoria e introduzca la tarjeta tal como se indica en la etiqueta del interior de la tapa de la ranura y una vez introducida completamente, cierre la tapa (según el modelo de cámara la forma de colocar la tarjeta de memoria varía. 2. ANTES DE HACER FOTOGRAFÍAS. a) Retire la tapa del objetivo y coloque el dial de modo de la parte superior de la cámara en función manual. b) Si su cámara posee pantalla LCD retráctil despliéguelo del cuerpo de la cámara con cualquier ángulo. c) Encienda la cámara y verifique el nivel de batería y el número de exposiciones restantes. Nota: Si no se realizan operaciones durante un minuto, la cámara entrará en el modo de reposo y la pantalla se apagará automáticamente para ahorrar energía. Pulse el botón del disparador a mitad de recorrido para reactivar la cámara.

3. CONOCER LA CÁMARA. a) Identificar las partes de la cámara. b) Experimentar con las funciones de la cámara explicadas en clase. c) Realizar pruebas de las otras funciones de la cámara (algunas funciones son propias de cada cámara, marca y modelo) con el fin de conocer el equipo fotográfico de cada alumno. d) Tomar tres fotografías, según el equipo guárdelas, y luego elimínelas para conocer eso procesos en cada cámara.

Investigación complementaria Diálogo con la Fotografía. / Paul Gil Barcelona, España: Gustavo Gili, 2001. El Bodegón: Guía rápida de fotografía Barcelona, España: Agata, 1999. El Libro de la Fotografía Digital: Captar, manipular y almacenar las imágenes. / Chris George Barcelona, España: Blume, 2007. Fotografía Digital: avanzada. /Jay Kinghorn y Jay Dickman Madrid, España: ANAYA, 2006.

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS • • • •

Manual completo de fotografía, editorial Blume Barcelona 2005. Como hacer buenas fotografías, Editorial Libsa, Barcelona, España, 2001. El placer de fotografiar, Eastman Kodak Company, Editorial Folio, Barcelona, España, 1980. Cómo leer la fotografía: Entender y disfrutar los grandes fotógrafos, de Stieglitz a Doisneau. / Ian Jeffrey Barcelona, España Electa 2008.

TÉCNICAS BÁSICAS DE FOTOGRAFÍA GUÍA 2

GUÍA 2

Técnicas básicas de fotografía

CONTENIDOS

En esta guía se podrá conocer la aplicación de las funciones manuales básicas de una cámara digital (aberturas y velocidades) y su aplicación al momento de tomar fotografías. En este apartado, podrá aplicar las técnicas que se pueden lograr con la utilización de dichas herramientas.

OBJETIVO ESPECÍFICO • Que el estudiante conozca los principales controles de la cámara y las diferentes posiciones para tomar una fotografía.

MATERIALES Es responsabilidad de cada alumno leer previamente cada una de las guías antes de asistir a las prácticas de laboratorio, así como traer los materiales y equipo que se le solicite. 1- Cámara Digital 2- Correa de colgar 3- Tarjeta de memoria 4 Batería cargada 5- Trípode 6- Manual de procedimiento del equipo fotográfico que posee 7-Libreta de apuntes 8- Guía de laboratorio impresa. No olvide su hoja de evaluación de unidad. (Si no la presenta no tendrá derecho a su nota) Si no entregan el trabajo completo y en la fecha límite no se le recibirá.

Introducción teórica

Cada fotografía es una nueva experiencia, no existen fórmulas ni recetas para obtener fotografías buenas; ni siquiera podría decirse a ciencia cierta si existen fotos buenas y fotos malas. Todo dependerá del mensaje que se desee transmitir. LOS CONSEJOS MÁS BÁSICOS PARA TOMAR FOTOGRAFÍAS SON: • Programar la cámara en función manual, tomar en cuenta el exposímetro. • Seleccionar el ISO adecuado. • Se debe cuidar el enfoque y encuadre de lo que se desee fotografiar, recuerde que no todo es importante en la fotografía. • La velocidad influye en el congelamiento de la imagen y las aberturas en la profundidad de campo. Los cuatro principales controles de una cámara son: 1. El obturador 2. El Diafragma 3. El Enfoque 4. El Balance de Blancos WB. 1. EL OBTURADOR Dispositivo que regula el tiempo de entrada de luz. El tiempo de apertura se denomina: velocidad de obturación. Velocidad de obturación. Es la velocidad con la cual se abre y cierra el obturador. Las velocidades también influyen en el congelamiento de la imagen. Las velocidades se expresa por una fracción cuyo numerador es el segundo: 1/1 - 1/2 - 1/4 - 1/8 - 1/15 - 1/30 (más tiempo) 1/1000, 1/1500, 1/2000 (menos tiempo) No conviene una velocidad menor a 1/30 sin trípode. Las velocidades lentas que van de 1/1 hasta 1/15 no congelan, por lo cual se debe emplear un trípode para garantizar la captura de la imagen sin mayores distorsiones. Al aplicar este principio obtenemos fotografías sin congelamiento. Si deseamos congelar la acción de una persona u objeto en movimiento debemos utilizar velocidades altas como: 1/500, 1/1000, 1/2000, 1/4000, etc. Es decir que lograremos fotografías con congelamiento. fotografía con congelamiento

fotografía sin congelamiento

2. EL DIAFRAGMA Mecanismo que nos permite regular la cantidad de luz que va a pasar a través del objetivo. La abertura del diafragma. Las aberturas se expresan en “f“ o stop, que van desde: f/2, f/2.8, f/3.1, f/3.5, f/4, f/4.5, f/5, f/5.6, f/6.3, f/7.1, f/7.9, f/8, f/9, f/10, f/11, f/13, f/14, f/16, f/18, f/20, f/22, etc. Las aberturas bajas como F2.8 indican que el diafragma está muy abierto y se usa para condiciones bajas de luz. Por lo contrario, los stop o “F” altos como F16 indican que el diafragma está muy cerrado y se usa cuando las condiciones de luz son muy buenas. Mayor abertura: F1.4 (para luz escasa), menor abertura: F22 (para luz excesiva) La profundidad de campo

La profundidad de campo es el área o distancia dentro de la cual los motivos permanecen enfocados. La profundidad de campo varía en función de la abertura del diafragma, de modo que cuánto más se abre el diafragma, menor es la profundidad de campo. Mientras que a medida que se cierra el diafragma, va aumentando la profundidad de campo. Esto produce que cuando fotografiamos espacios con mucha luminosidad, aumente la profundidad de campo y, por lo tanto, los objetos que aparecen en la imagen quedan enfocados. En cambio, cuando trabajamos en condiciones de escasa luminosidad, es más fácil que aparezcan objetos desenfocados. fotografía con prof. de campo

fotografía sin prof. de campo

3. EL ENFOQUE. Es el anillo más próximo al lente, sirve para enfocar correctamente la imagen y además permite dejar fuera de foco elementos que no revisten mayor importancia. En las cámaras digitales se tiene la opción de aplicar el enfoque automático o usar el enfoque manual. Ambos casos son válidos, sin embargo, todo depende del ejercicio a realizar y del tipo de cámara que poseemos. Es de recordar que existen cámaras compactas con lente fijo y cámaras profesionales con lente removible. Las cámaras compactas por lo general, no tienen un anillo de enfoque. Las cámaras digitales profesionales tienen un lente de enfoque manual y automático. La posición para la toma de fotografías dependerá del motivo a fotografiar, del mensaje que se desee transmitir y de las condiciones mismas del momento y del fotógrafo. Recuerde que todos tenemos un ángulo de visión similar por lo cual se debería de experimentar con ángulos innovadores y diferentes.

Algunas de las posiciones más comunes para tomar fotos digitales con cámaras compactas son las siguientes: Si su cámara posee pantalla LCD removible, se sugiere sacarla. De igual forma se recomienda agarrar la cámara con las dos manos para tener mayor estabilidad, ya que mientras la mano izquierda sostiene el peso de la cámara, con la mano derecha podrá manipular el zoom óptico y el zoom digital, a la vez podrá presionar el disparador. Si su cámara no posee pantalla LCD removible tiene esta opción para manipulara la cámara, sin embargo, se sugiere usar la correa de colgar de la cámara cómo medida de seguridad, para que esta no se vaya a caer por algún descuido.

4. CALIDAD DE LA IMAGEN Para explicar este punto, tomaremos como base la calidad de imagen que se obtiene al trabajar con la cámara digital donde las imágenes se guardan en los siguientes formatos: TIFF (calidad HI) o JPEG (calidad FINE, NORMAL o BASIC). Las imágenes JPEG se comprimen para reducir la cantidad de memoria que ocupa cada fotografía. Las imágenes se analizan en bloques de ocho píxeles por lado, cuyos detalles se reducen de forma selectiva para que ocupen menos espacio. Cuanto más se comprime la imagen, los archivos resultantes son menores y ocupan menos espacio en la tarjeta de memoria. Sin embargo, si se comprimen las imágenes para lograr archivos muy pequeños, el patrón del bloque podría hacerse visible y también podría producirse una pérdida significativa de detalles. El efecto real dependerá del tipo de sujeto y del tamaño de la imagen cuando se imprima o se muestre en pantalla. El efecto real dependerá del tipo de sujeto y del tamaño de la imagen cuando se imprima o se muestre en pantalla. Tamaño de la imagen El término “tamaño de la imagen” se refiere a las dimensiones físicas de la fotografía, medidas en píxeles. Las imágenes con tamaños menores ocupan menos espacio en memoria y son por lo tanto, ideales para la distribución por correo electrónico o para colgar en páginas web. Por el contrario, cuanto más grande es la imagen, más grande será el tamaño en el que puede imprimirse sin que presente un aspecto “granulado”. Se debe elegir un tamaño de imagen en virtud del espacio disponible en la tarjeta de memoria y del uso que se quiera hacer de la fotografía.

5. VALORES DE EXPOSICIÓN El valor de exposición se verá alterada por el nivel de iluminación a través de la apertura, y el tiempo de exposición en base a las ISO elegidas. Ahora bien en este momento es donde debemos tener en claro que significa la exposición y cómo podemos modificar su valor. En las cámaras tenemos un exposímetro que automáticamente mide la luz en la toma que estamos realizando. Los valores de exposición varían desde -3 a +3 (esto puede variar dependiendo la cámara) en la mayoría de las cámaras. Para la cámara un valor de exposición correcto será 0.

Recordemos que con valores negativos, estamos ante una toma que está sub expuesta. Es decir que tendremos pérdida de texturas y claridad en la fotografía. En el caso de que se incline ante valores positivos quedará sobre expuesta, con lo cual se verá demasiado blanca o con un exceso de luz que también podrá hacer que la fotografía no luzca como queremos. El valor 0 (cero) indicará que para la cámara tiene un valor correcto de exposición. Procedimiento 1. Coloque la tarjeta de memoria en la cámara y asegúrese que las baterías estén cargadas. 2. Retire la tapa del objetivo y sitúe el dial de modo en M (Manual) y ajuste la opción de tamaño y calidad de imagen. 3. Si su cámara posee monitor retráctil, sáquelo del cuerpo de la cámara con cualquier ángulo.

4. Encienda la cámara y siga los pasos que se explicaron anteriormente en la guía para seleccionar un tamaño y calidad de imagen adecuada. Haga los ajustes pertinentes. 5. Al trabajar en elmododeexposiciónmanual, elalumnocontrolalavelocidaddeobturaciónylaabertura. Por lo tanto, se deberá tomar en cuenta el indicador de exposición de la pantalla que muestra la cantidad de subexposición o sobrexposición de la fotografía con los valores de velocidad de obturación y abertura seleccionados en ese momento. La cantidad en que la exposición difiere del valor sugerido por la cámara aparece en EV (de -2 a +2 EV en incrementos de 1/3 de EV). 6. Al trabajar con cámaras digitales se nos facilita controlar la exposición, debido a que si no queremos complicarnos usando el modo manual tenemos otras opciones por ejemplo, existen los siguientes modos: 7. Coloque el dial de modo de su cámara en función TV o S y seleccione una velocidad baja y verifique la abertura que sugiera el indicador de exposición. 8. Coloque el dial de modo de su cámara en función AV o A y seleccione una abertura mayor y verifique la velocidad que sugiera el indicador de exposición. 9. Tome fotografías haciendo uso de diferentes aberturas y diferentes velocidades. Además debe utilizar el indicador de exposición de la pantalla que muestra la cantidad de subexposición o sobrexposición de la fotografía. Recuerde: sujetar la cámara firmemente con ambas manos y asegúrese de que no obstruye el objetivo ni el flash con los dedos o con otros objetos. 10. Encuadre el sujeto en el centro de la pantalla o del visor y presione el disparador hasta la mitad para enfocar. 6. TRIÁNGULO DE EXPOSICIÓN Cada fotografía concebida en el mundo se basa en un pilar de tres bases. Toda imagen, sea de manera automática o manual, se posiciona sobre estas tres patas para exponer la imagen y dar como resultado la fotografía que se buscaba. Entender el triangulo de la exposición ayudará a entender el funcionamiento y lógica de la exposición y, por ende, a tomar mejores fotografías.

Este triangulo se compone de la velocidad de obturación, la apertura de diafragma y el valor ISO. Cada pilar afecta a la exposición de la imagen o, básicamente, que tan clara o que tan oscura será. A la vez, cada pilar puede ser modificado y conservar aun así la misma exposición si es compensado este cambio en otro de sus pilares. Esto es conocido como la regla de reciprocidad. Si elevas el valor de velocidad ISO y a la vez reduces la velocidad de obturación, la imagen será exactamente la misma, al menos en cuestiones de luminosidad. Lo mismo aplica a sus otras bases. - El valor ISO controla que tan sensible es la película o el sensor a la luz. Con películas tradicionales, este valor es fijo; puedes comprar películas ISO 100 o ISO 1600, siendo el número más alto, el más sensible a la luz. En las cámaras digitales este valor es dinámico y puede ser modificado en cada disparo. Esto da mas versatilidad debido a que dependiendo la cantidad de luz disponible en el lugar, se puede hacer más o menos sensible al sensor. - La apertura de diafragma controla que tanta cantidaddeluzsedejapasaratravésdelalente. Esta lente, mediante la acción de las palas del diafragma, cierra o abre su apertura controlando que tanta luz alcanza el sensor. Cuanto mas bajo sea el valor, medido en números f, mayor será la cantidad de luz ingresada. - La velocidad de diafragma controla el tiempo que el sensor es expuesto a la luz. Al disparar, las cortinas del disparador se accionan, permitiendo el paso de la luz por un determinado tiempo, medido en segundos o fracciones de segundos. Cuanto más alto el numero, menor será el tiempo que la luz impactará en el sensor. Cada pilar trae aparejado un efecto secundario. Modificar un pilar, además de cambiar ese valor, tendrá un determinado efecto en su propio efecto secundario. La velocidad ISO, cuanto mas elevada sea, mayor ruido producirá. Esto puede tener fines artísticos o ser algo molesto, dependiendo de la “calidad” de este ruido. La apertura de diafragma, cuanto mas baja sea, menor profundidad de campo tendrá la imagen. Esto es especialmente útil en la fotografía de retratos, ya que aísla al sujeto del fondo. Por ultimo, la velocidad de diafragma, cuanto mas lenta sea, mas movimiento tendrá la imagen. Por movimiento se puede tratar del movimiento de los sujetos frente a la cámara, o el propio movimiento que introduce la mano del fotógrafo. Esto, nuevamente, puede tener fines artísticos o ser un problema.

7. LEY DE RECIPROCIDAD La fotografía, por mucho que sea estudiada, siempre tiene nuevos conceptos por descubrir. Algunos son agregados nuevos que desarrollan las compañías productoras. En otros casos, conceptos bien básicos que una vez aprendidos, se convierten en técnicas de uso diario, como nuestra querida profundidad de campo y sus variantes. En este caso revelaremos la regla de reciprocidad, concepto también básico que tal vez ya usabas pero desconocías su existencia. La reciprocidad fotográfica “refiere a la relación inversa entre la intensidad y la duración de la luz que determina la reacción de un material sensible a la luz”. ¿Complejo? En realidad es bastante simple. Una vez aprendido, es de enorme utilidad cuando se quiere jugar con la profundidad de campo o la velocidad de obturación. Su definición técnica puede ser confusa, pero con un simple ejemplo todas las dudas se disipan: Imagínense fotografiando un sujeto determinado y la cámara al medir la exposición indica 1/60 de velocidad y f/16 de apertura. Suponiendo que estén haciendo fotografía de retrato, esa apertura no es la mas adecuada. Si quisiesen utilizar una apertura de f/2, pero manteniendo la exposición correcta que calculo la cámara, es aquí donde entra en juego la regla de reciprocidad. Esta regla, al ser inversamente proporcional, indica que obtendremos la misma exposición utilizando estos valores

Por cada stop de apertura que se baje, se aumenta un stop la velocidad de obturación. Es decir, por cada valor, ya sea apertura o velocidad, que aumentemos, el valor contrario debe bajar. En nuestro caso, la velocidad 1/60 y apertura f/16 se convierte en 1/4000 y f/2, obteniendo la misma exposición, pero con una profundidad de campo mas pequeña. La mayoría de las cámaras reflex automáticas tienen esa función incorporada. En el caso de Canon, una vez obtenida la exposición (apretando el botón disparador por la mitad), con la rueda de ajuste para un lado y para el otro hará variar los valores de apertura y velocidad, pero siempre manteniendo la misma exposición. Atención, como toda regla, esta también tiene su excepción. Cuando se la utiliza con variaciones muy grandes, digamos de mas de 10 stops por ejemplo en exposiciones muy largas, esta regla empieza a fallar. Es el caso de exposiciones de 60 segundos de velocidad a f/2, la regla indica que es lo mismo que 1 hora a f/16. En este caso el calculo es errado. Con tan poco nivel del luz, la película es mucho menos sensible de lo que se esperaría. En el caso propuesto, la exposición correcta seria de 2 horas en vez de 1. Usualmente las películas vienen con una tabla de error, que indica por cuanto se debe corregir la exposición para que sea la correcta.

8. HISTOGRAMA ¿Qué es el histograma? Es una representación gráfica de una variable en forma de barras. En el eje vertical se representan las frecuencias, y en el eje horizontal los valores de las variables, de modo que será más alta, o tendrá más superficie, aquel valor que más se repite. En fotografía, el histograma de una imagen representa la frecuencia relativa de los niveles de gris o de los colores básicos (rojo, azul, verde) de la imagen. Una de las técnicas más básicas de retoque fotográfico es la modificación del histograma de una imagen para aumentar el contraste de fotos con rangos muy concentrados. Además, de la gran potencia que contiene una herramienta tan simple como es su modificación, el histograma se convierte en un mecanismo infalible a la hora de comprobar si nuestra imagen está correctamente expuesta en el momento de hacer la foto con aquellas cámaras que nos muestran información. La información que recibimos al ver la imagen en el LCD de nuestra máquina resulta en ocasiones engañosa al influir las condiciones de iluminación de la propia pantalla. Pero la posibilidad de error se disipa cuando hacemos uso del histograma a la hora de hacer la foto. Una correcta representación del histograma nos garantizará que la fotografía está o no correctamente expuesta, independientemente de lo que podamos apreciar al mirar la imagen en el display de la cámara. Histograma – Imagen Subexpuesta Este histograma se corta al lado izquierdo (el oscuro) lo que significa que la imagen en general está demasiado oscura De hecho, el rango de luz de este histograma demuestra que excede la capacidad del sensor de la cámara, lo que significa que los datos de las sombras se perdieron.

Histograma – Imagen expuesta “correctamente” Este histograma contiene casi la gama completa de tonalidades de luz que el sensor de la cámara puede capturar. La gama de luz está representada por un gráfico simulando un pico de montaña. Se trata de una exposición “correcta” ya que el histograma no se corta en ninguno de sus extremos Si usted logra que el histograma de sus fotos sea de esta forma, usted tendrá muy buenas imágenes. Histograma – Imagen Sobreexpuesta Este histograma se corta la lado derecho del grafico (área del Blanco) lo que significa que la imagen está demasiado blanca. De hecho, el rango de luz excede la capacidad del sensor por lo que los detalles de las zonas más blancas se habrán perdido.

Procedimiento • Debe realizar 2 fotografías utilizando adecuadamente velocidades y aberturas: identificar 1 fotografía con profundidad de campo y 1 sin profundidad de campo, 1 fotografía de congelamiento y 1 de sin congelamiento.

Entrega de trabajos - Cada estudiante debesubir sus fotografías a flickr en su portal, donde realizará sus entregas digitales durante todo el ciclo, para esto creará un nuevo álbum para cada guía o practica realizada. - Cada fotografía presentada debe tener la información general siguiente, recuerde que es parate importante en su evaluación. Nombre o título de su fotografía Nombre del ejercicio y la guía a la que pertenece Racional o breve justificación de su trabajo

- Para esta guía debe colocar las 4 fotografías tomadas de manera creativa, tomando en cuenta la creatividad en la selección de los motivos y escenarios asi como también, que la técnica utilizada en cada una sea evidente en la imagen. - Debe entregar sus fotos con puntualidad, es decir enviarlas antes de que inicie el siguiente laboratorio, de lo contrario no tendrá derecho a nota de esa guía.

Investigación complementaria Diálogo con la Fotografía. / Paul Gil Barcelona, España : Gustavo Gili, 2001. El Bodegón : Guía rápida de fotografía Barcelona, España : Agata, 1999. El Libro de la Fotografía Digital: Captar, manipular y almacenar las imágenes. / Chris George Barcelona, España : Blume, 2007. Fotografía Digital : avanzada./Jay Kinghorn y Jay Dickman Madrid, España: ANAYA, 2006.

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS • • • •

SENSIBILIDADES DE ISO GUÍA 3

GUÍA 3 Sensibilidades de ISO

CONTENIDOS

En esta guía el estudiante podrá conocer y comprender el uso verdadero de los ISOS que posee una cámara digital, la aplicación es esto tiene en cada disparo que se realice y por ende se explicará tambien el efecto que se crea, identificando las ventajas y desventajas que conlleva.

OBJETIVO ESPECÍFICO • Que el estudiante identifique las diferencias que existen entre cada sensibilidad, para seleccionar aquella que mejor se adecue a su trabajo.

MATERIALES Es responsabilidad de cada alumno leer previamente cada una de las guías antes de asistir a las prácticas de laboratorio, así como traer los materiales y equipo que se le solicite. 1- Cámara Digital. 2- Correa de colgar. 3- Tarjeta de memoria 4- Batería cargadas 5- Trípode. 6- Traer la guía de esta práctica impresa y leída 7- Preparar un bodegón o naturaleza muerta. (Frutas, verduras, objetos antiguos, etc.) 8- Diseñar su propio pedestal o escenografía para ambientar.

Introducción teórica

ISO significa International Society Organization ASA significa American Standard Asociation Los E.E.U.U. medían esa sensibilidad en ASA, la mayoría de los países Europeos en valores DIN pero, ISO es un valor internacional de medición de calidad “no solo es de medición de sensibilidad de película fotográfica” y en común acuerdo se estableció la unificación de ambos valores y desde entonces es ISO la medida La sensibilidad es la medida de la velocidad de reacción de la cámara a la luz. Cuanto mayor sea la sensibilidad, menos luz será necesaria para obtener una exposición, haciendo posible la utilización de velocidades de obturación mayores y aberturas menores. En las cámaras de película, la sensibilidad es una característica de la película y no de la cámara. El número ISO que se puede ver en el envoltorio de las películas es una medida de su sensibilidad; cuanto más elevado es el número ISO, más sensible es la película.

Se puede obtener una sensibilidad mayor alterando la composición química de la película, lo que hace que aparezca un patrón aleatorio, llamado “grano”, en la fotografía final. En las cámaras digitales, se produce el mismo efecto al aumentar la sensibilidad: las sensibilidades mayores permiten utilizar velocidades de obturación más elevadas, a expensas del “ruido” (píxeles de colores brillantes que aparecen principalmente en las zonas de la imagen). Entonces, podemos decir que existen tres tipos de sensibilidades (ISO o ASA) que a su vez determina la velocidad.

1. Sensibilidades lentas 2. Sensibilidades medias 3. Sensibilidades rápidas

Sensibilidades lentas Pueden ir desde 25 hasta 100 ASA, producen fotografías de pixel muy fino y alta resolución. Necesitan disponer de mucha luz y los sujetos deberán permanecer estáticos. Por lo general, se emplean estas sensibilidades cuando se necesitan grandes ampliaciones y mucho detalle.

Sensibilidades medias Entre 100 a 400 ASA son las más usadas. Ofrecen un tamaño moderado de píxel. Es por ello que se pueden usar con condiciones moderadas de luz y con velocidades variadas.

Sensibilidades rápidas De ASA 400 en adelante permiten fotografiar en condiciones de poca luz. Debido al mayor tamaño de su píxel, ofrecen un menor detalle. El ASA 400 permite un píxel aceptable en ampliaciones por lo que es junto al ASA 100 la más popular para las condiciones de trabajo impredecibles. Aspectos a tomar en cuenta al trabajar con la cámara: Si se selecciona Automática en los modos de exposición automático con prioridad a la obturación o manual, la sensibilidad se ajustará al equivalente a 50 ISO y cambiará según las condiciones de iluminación. El ajuste 400 debe utilizarse cuando se fotografía con luz natural. Cuando utilice el flash, seleccione Automática, 50, 100 ó 200. Al trabajar con la opción AUTO (deault) la cámara seleccionará el ISO de acuerdo a la condición de luz del lugar y variará entre 100- 200 ISO. Sin embargo, al seleccionar el ISO de forma manual se debe tomar en cuenta lo siguiente:

• ISO 100: Se utilizará en días soleados y cuando se necesite detalle del sujeto u objeto a fotografiar. Ideal para escenas naturales y retratos. • ISO 200: Ideal para días nublados y cuando se necesite utilizar velocidades rápidas sin necesidad de sacrificar la calidad de la imagen. • ISO 400: Conveniente para fotografías nocturnas y cuando sea prohibido utilizar el flash. Ideal para eventos deportivos y excelente para tomas en interiores con o sin flash.

¿Qué es la ISO de la Cámara? Para tener un poco más clara la idea de los ISOS en la fotografía, y otros temas afines a éste, se agrega en esta guía más información, tomada de: “El ajuste Velocidad ISO controla la sensibilidad de la cámara a la luz. Las velocidades ISO elevadas permiten velocidades de obturador superiores, por lo que pueden utilizarse cuando se tomen imágenes en zonas oscuras sin flash, o cuando se tomen imágenes de objetos que se muevan a gran velocidad y desee detener la acción. Con velocidades ISO mayores, el resultado son imágenes con más grano, y por tanto, de menor calidad.” “Los sensores de todas las cámaras digitales tienen en realidad una única sensibilidad (física, digamos) a la luz, conocida como“sensibilidad base“; suele ser la más baja de entre las que ofrece la cámara, típicamente, ISO 50, ISO 80 ó ISO 100.” “La cantidad de luz que llega al sensor se regula con el diafragma y con la velocidad de exposición (parámetros que puedes controlar por ti mismo), y en función de éstos, y con la sensibilidad base del sensor, la foto puede salir demasiado oscura, demasiado brillante, o bien expuesta”. En condiciones normales de luz (exteriores diurnos, por ejemplo), habrá suficiente luz como para que la cámara, ajustando por sí misma el diafragma y la obturación en modo automático (o uno de ellos, si estás en modo prioridad), se asegure de que llegue al sensor la suficiente luz como para que la foto salga bien expuesta.” “No obstante, si hay poca luz ambiental, es posible que la cámara no pueda abrir lo suficiente el diafragma (tiene un límite, f/2.8), y no quiera (al menos en modo automático) usar una velocidad de obturación lo bastante baja como para recoger suficiente luz para que la foto quede bien expuesta, puesto que dicha velocidad baja podría causar que la foto saliese movida, ya sea por el movimiento de la escena, o el tuyo propio (sí, pese al estabilizador, que también tiene sus límites). Entonces, si no puede abrir más el diafragma ni bajar más la velocidad, no llegará suficiente luz al sensor, y la foto saldrá demasiado oscura.”

Este ángulo de visión provoca una distorsión de la perspectiva, como cuando fotografiamos un monumento en un parque, la base y los pies se ven desproporcionadamente más grandes que su cabeza y nos da una sensación de superioridad. ¿Cómo solucionarlo? Mediante los ajustes de sensibilidad ISO. Con esa sensibilidad base del sensor (digamos, ISO 100), la luz que llega al sensor en las condiciones descritas antes es insuficiente, por lo que producirá una señal eléctrica débil en las fotocélulas, y esa señal débil se traducirá en datos digitales representando una foto oscura. Sin embargo, lo que el sensor puede hacer es amplificar dicha señal antes de convertirla a datos digitales, de forma que se traduzca a datos digitales representando mayor luminosidad, y por tanto la foto saldrá más clara, más o menos como si hubiese recogido más luz (por ejemplo, como si hubieses podido abrir más el diafragma, o recogido más luz con una velocidad de obturación más lenta). Pues bien, esa amplificación, que el sensor puede realizar en diversos grados, son los ajustes siguientes de sensibilidad ISO que te ofrece tu cámara: ISO 200, ISO 400… hasta ISO 6400: todos ellos son amplificaciones de una captura de luz que, de otro modo, habría acabado representando una foto demasiado oscura.” “Enciertosentido, lacámara“noesconsciente”dequeesassensibilidades ISOextraseanamplificaciones, de modo que las considera como sensibilidades naturales y, si por ejemplo empleas ISO 400 en lugar de ISO 200, la cámara considerará que, como el sensor va a “captar más luz” (en realidad a amplificarla más). Se puede a cambio permitir por ejemplo usar una velocidad de obturación más rápida o bien un diafragma más cerrado, o un poco de ambas cosas. “En resumen, los tres factores que intervienen en que una foto te salga más oscura o más brillante son el diafragma, la velocidad de obturación y el ajuste ISO, aunque este último no sea tanto para captar más o menos luz, como para amplificar más la obtenida.” “El problema de esta amplificación, y por tanto de los ajustes ISO, es que al amplificar la señal también se amplifica el ruido. (Es posible que hayas oído hablar alguna vez de la “relación señal/ruido”); en realidad este ruido o “grano” siempre está presente, incluso en la sensibilidad ISO mínima o base, lo que pasa es que a dicha sensibilidad base es muy poco perceptible.

Si se amplifica la señal, amplifica el ruido, y va haciéndose más visible en relación a la imagen, hasta el punto de empezar a ocultar detalles válidos de la escena y, por tanto, degradando la nitidez de imagen.” “Hay un factor adicional con el ruido ISO, y es éste: en realidad, tu cámara (como en realidad todas) produce mucho más ruido del que te parece viendo la foto; lo que pasa es que el procesador interno de imagen lo disimula, sometiendo la imagen ya captada digitalmente a un proceso llamado “anti- ruido “: una especie de “difuminado” más o menos selectivo. Pero nunca es perfectamente selectivo (ni siquiera los programas de ordenador más sofisticados permiten eliminar el ruido de una imagen digital con perfecta selectividad), de modo que en el proceso de difuminar el ruido, también difumina algunos detalles válidos de la imagen.” Exposímetro o fotómetro Exposímetro para flash y luz ambiente. El cabezal basculante es muy práctico y permite al fotógrafo ver las lecturas en la pantalla, incluso cuando la pelota de medición está posicionada en otra dirección. Los cinco botones operativos colocados convenientemente y la secuencia lógica de funciones ofrecen al fotógrafo todas las ventajas de las numerosas características: • Medición de luz incidente y reflejada de ambiente y flash. • Medicióndeflash- sin / concable- con lectura adicional de la luz ambiente contenida en la iluminación total. • Cálculo de disparos múltiples de flash. • Conveniente y práctico cabezal basculante. • Pre-programación de correcciones de exposición. • Medición del Contraste con lecturas sobre escala analógica. • Repetitividad: ± 0,1 EV Memoria para almacenar preselección de valores medidos. • Función Cine – para filmación. • Velocidades CINE incl. 25 ips y 30ips para TV. • Desconexión automática, manteniendo todos los valores en memoria.

1. PREPARAR LA CÁMARA. a) Coloque la correa de la cámara. b) Introduzca la batería totalmente cargada. Recuerde que la cámara debe estar apagada para realizar este paso. c) Introduzca la tarjeta de memoria. Abra la tapa de la ranura para la tarjeta de memoria e introduzca la tarjeta tal como se indica en la etiqueta del interior de la tapa de la ranura y una vez introducida completamente, cierre la tapa (según el modelo de cámara la forma de colocar la tarjeta de memoria varia). 2. ANTES DE HACER FOTOGRAFÍAS. a) Retire la tapa del objetivo y situé el dial de modo de la parte superior de la cámara en función manual. b) Si su cámara posee monitor sáquelo del cuerpo de la cámara con cualquier ángulo. c) Encienda la cámara y verifique el nivel de batería (se representa con un icono en forma de batería) y el número de exposiciones restantes en el monitor. d) Recuerde que las fotografías serán realizadas a la composición de su bodegón, puede variar el orden de los elementos de un ejercicio a otro. Nota: Si no se realizan operaciones durante un minuto, la cámara entrará en el modo de reposo y el monitor se apagará automáticamente para ahorrar energía. Pulse el botón del disparador a mitad de recorrido para reactivar la cámara 3. HACER FOTOGRAFÍAS. Para el primer ejercicio realizará 3 fotografías a un bodegón que cada quien debe componer. Las 3 imágenes deben ejemplificar el uso correcto de las velocidades y aberturas utilizando para ello desde los ISOS más bajos hasta los más altos. Este ejercicio se realizará usando una abertura y velocidad inicial y, sin mover estas opciones entre foto solo modificara los ISOS de la siguiente manera: 1. Fotografía con ISO lento100 sin problemas de ruido (misma abertura, misma velocidad) 2. Fotografía con ISO medio 800 con ruido moderado (misma abertura, misma velocidad) 3. Fotografía con ISO rápido 3200 – 6400 con ruido considerable (misma abertura, misma velocidad) Elimine aquellas fotografías que no cumplan con los requisitos de la práctica que incluyen un buen enfoque, encuadre y utilización de planos. Su primer ejercicio lucirá más o menos como este ejemplo, a medida suba el ISO su escena se sobreexpondrá, el objetivo es que vea la capacidad de sensibilidad que posee su cámara.

Procedimiento 4. HACER FOTOGRAFÍAS. En este segundo ejercicio realizará otras 3 fotografías al mismo bodegón que utilizé en el ejercicio anterior o puede variarle el orden de los elementos. Las 3 imágenes deben ejemplificar el uso correcto de las velocidades y aberturas utilizando para ello desde los ISOS más bajos hasta los más altos. Este ejercicio se realizará usando una abertura y velocidad inicial y, en este caso trabajará siempre con los ISOS como en el ejercicio anterior pero al mismo tiempo irá subiendo la velocidad ( no la abertura porque no queremos variar la distancia de enfoque), de manera que la cantidad de luz que le haga ganar el ISO usted la compense con velociodad, asi sus fotos siempre se verán bien equilibradas.

La forma de realizar este ejercicio es la siguiente: 1. Fotografía con ISO lento100 - velocidad inicial (por ejemplo 1/125) 2. Fotografía con ISO medio 800 - aumentará la luz, compense con velocidad (por ejemplo 1/250) 3. Fotografía con ISO rápido 3200 – 6400 - aumentará la cantidad de luz, (deberá compensar con más velocidad (por ejemplo 1/500 Su segundo ejercicio lucirá más o menos como este ejemplo, a medida suba el ISO y al mismo tiempo suba la velocidad sus fotografías deberán verse bien equilibradas, para lograr esto podemos guiarnos del exposímetro y siempre tratar de mantenerlo en cero.

El objetivo de este ejercicio es, que el estudiante puede ver que independientemente de que su foto esté con una buena exposición, el ruido que le agrega el ISO a su fotografía siempre será evidente y le restará calidad a sus imagenes.

Entrega de trabajos • Para la presentación del trabajo en digital debe enviar sus 6 fotos a la plataforma de flickr, indicando el número de guía y el ejercicio realizado y la dinámica que realizó. • Recuerde todas las fotos deben tener un título y una explicación del bodegón, lo que constituye el racional del trabajo o la justificación del mismo. • Debe entregar sus fotos con puntualidad, es decir enviarlas antes de que inicie el siguiente laboratorio, de lo contrario no tendrá derecho a nota de esta guía. La información general de cada foto es la siguiente: Título de la foto Nombre de la guía y del ejercicio al que la foto corresponde Racional de la imagen y/o justificación de su aplicación y diseño

Investigación complementario - Diálogo con la Fotografía. / Paul Gil Barcelona, España: Gustavo Gili, 2001. - El Bodegón: Guía rápida de fotografía Barcelona, España: Agata, 1999. - El Libro de la Fotografía Digital: Captar, manipular y almacenar las imágenes. / Chris George Barcelona, España: Blume, 2007. - Fotografía Digital: avanzada./Jay Kinghorn y Jay Dickman Madrid, España: ANAYA, 2006.

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS • • • •

ACTIVIDAD

CONTENIDOS En este documento se encuentra la información general de la actividad evaluada de la primera unidad así como los lineamientos que debe seguir el estudiante para la presentación de su actividad.

OBJETIVO ESPECÍFICO •

El estudiante demostrará por medio de un diagnótico rápido el nivel de conocimiento que posee sobre la materia y, a través de una prueba oral lo aprendido en las clases prácticas de la primera unidad en el área de los laboratorios de fotografía digital.

MATERIALES Es responsabilidad de cada alumno leer previamente cada una de las guías antes de asistir a las prácticas de laboratorio, así como traer los materiales y equipo que se le solicite.

1- Cámara Digital 2- Correa de colgar 3- Tarjeta de memoria vacía 4- Baterías cargadas 5- Trípode No olvide su hoja de evaluación. (Si no la presenta no tendrá derecho a su nota). Si no entregan el trabajo completo y en la fecha límite no se le recibirá.

INDICACIONES

El estudiante deberá presentarse a una evaluación de unidad de forma oral, en donde el docente asignado realizará de forma individual para poder medir el nivel de conocimiento, entendimiento y aplicación de los conceptos básicos de fotografía vistos en la primera unidad tanto en teoría como en la parte práctica. Las guías a evaluar son las siguientes: Guía 1: Introducción a la fotografía digital En la cual se retomarán los temas básicos sobre el reconocimiento del equipo fotográfico, partes principales, opciones manuales y accesorios. Guía 2: Técnicas básicas de fotografía En esta guía el estudiante deberá demostrar su conocimiento acerca de las opciones principales de la cámara digital, (A/Av, S/Tv, M, P), así como la aplicación de las técnicas básicas fotográficas como la prof. y sin de campo, el congelamiento y sin congelamiento en la imagen, los valores de exposición, el triangulo de exposición y el histograma y cómo lograr una buena exposición. Guía 3: Sensibilidades ISO En esta ocasión el alumno deberá demostrar su conocimiento acerca de la luz y su sensibilidad y cómo aplicarlo en la cámara fotográfica para la mejor captación de una imagen, y no menos importante demostrar en la configuración de la cámara el uso de esta herramienta.

Aspectos a evaluar Dicha actividad tiene el valor del 4% de la nota global de la materia En esta ocasión los ítems a evaluar pueden variar dependiendo del docente o de los resultados del diagnóstico del alumno.

1. ¿Distingue adecuadamente las técnicas básicas de fotografía? Ejemplos

2. ¿Aplica correctamente las opciones manuales de la cámara digital? Ejemplos 3. Autoevaluación.

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS • • • •

DISEÑO Y COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA GUÍA 4

GUÍA 4 Diseño y composición fotográfica

CONTENIDOS

En esta ocasión el estudiante podrá conocer y comprender algunos de los muchos criterios de composición fotográfica, haciendo uso de los planos, ángulos y distribución del espacio. Además, esta guía servirá de experimentación para los alumnos con fotografías en exterior.

OBJETIVO ESPECÍFICO •

Conocer el lenguaje y composición de la fotografía para aplicarlo en las imágenes por realizarse.

MATERIALES

Es responsabilidad de cada alumno leer previamente cada una de las guías antes de asistir a las prácticas de laboratorio, así como traer los materiales y equipo que se le solicite. 1- Cámara Digital. 2- Correa de colgar. 3-Tarjeta de memoria con suficiente espacio de almacenamiento 4 Batería cargada 5- Trípode. La práctica se realizará fuera de la UDB, por lo tanto se procederá a buscar los lugares idóneos para hacer una visita de campo, lo cual permitirá desarrollar la guía No 3, según el orden de los temas a fotografiar.

Introducción teórica

En ocasiones las fotografías tomadas al azar resultan con una composición impecable, sin embargo, no podemos confiar únicamente en la suerte. Es más, un fotógrafo que busque mejorar sus resultados pasará buen tiempo pensando en la disposición de los elementos, para transmitir mejor los mensajes que desea dar. Cada disciplina artística tiene una simbología y una semántica diferente, los significados cambian según la utilización de esos símbolos. La gramática visual, es decir, las reglas con las que se manejan, disponen y combinan los elementos compositivos y sus relaciones, también se modifican según la técnica. El lenguaje fotográfico tiene algunas variantes respecto a otras artes visuales y para entenderlo tenemos que partir de cuatro puntos importantes: 1- Encuadre. 2- Puntos de interés. 3- Puntos de vista. 4- Reglas de composición. 1. ENCUADRE Mientras que en otras artes visuales podemos disponer de formatos diferentes, en fotografía generalmente trabajamos con un tipo de cámara que nos limita en el formato. De acuerdo al modo como sujetamos la cámara, horizontal o verticalmente; podremos distinguir a través del visor tres tipos de formatos fotográficos.

1.1 Encuadre Horizontal / apaisado

1.2 Encuadre aberrante

2. PUNTOS DE INTERÉS

1.3 Encuadre vertical

Antes de hacer una toma fotográfica debemos definir concretamente cuál es nuestro punto de interés, es decir, qué es lo que realmente queremos captar en esa imagen. Este ejercicio hace que el mensaje sea más claro porque estamos considerando qué vamos a decir antes de decirlo.

Además, es recomendable darnos el tiempo para considerar si el resto de los elementos diferentes a nuestro punto de interés son necesarios en el encuadre o podemos desecharlos. Por ejemplo, cuando hacemos un retrato en exteriores nuestro punto de interés es la persona a retratar; los elementos que la rodean deben reforzar la intención de la fotografía, es decir, acentuar o apoyar la personalidad del sujeto. Cualquier elemento dentro del encuadre que no cumpla esta función es un estorbo, sobra, debe quedar fuera. Todos los elementos inútiles o inertes sólo son distractores que dificultan la claridad del mensaje; los llamaremos: elementos no deseados. Como principiante es importante hacer el ejercicio de observar detenidamente todo el encuadre para aprender a distinguir los elementos compositivos de los no deseados, especialmente en el fondo (todo lo que se encuentra por atrás del punto de interés) que comúnmente descuidamos inconscientemente por centrar nuestra atención en el sujeto principal.

3. PUNTO DE VISTA

Una vez que se ha decidido cuál es el punto de interés tenemos que decidir desde qué punto de vista vamos a observarlo. Una simple variante de ángulo de visión o de distancia puede producir un mensaje completamente diferente. La altura desde la que tomemos una foto cambiará, no sólo cómo vemos los objetos, sino también la sensación que éstos nos producen.

La angulación en fotografía es el modo en el que organizamos la visión a la hora de sacar una foto. En función de esta angulación el punto de vista de la escena podrá cambiar por completo haciendo que veamos la realidad de un modo que no es habitual para el ojo humano. Un paso hacia delante, hacia atrás o subirnos en una silla para considerar otros puntos de vista sobre la misma escena, puede transformar el mensaje. Vamos a analizar tres posibilidades de ángulos de visión como ejemplo:

3.1. Ángulo paralelo. Cuando colocamos la cámara en posición paralela al sujeto, es decir, ubicándola aproximadamente a la mitad de la distancia entre la cabeza y los pies, entonces la distorsión de la perspectiva se anula y las proporciones del sujeto aparecen muy similares a la realidad.

3.2. Picada. Cuando el sujeto se encuentra por debajo de nuestro ángulo visual y tenemos que inclinar la cámara para incluirlo en el encuadre, estamos haciendo una toma en picada. Este ángulo de visión provoca una distorsión de la perspectiva, como cuando fotografiamos un niño pequeño, su cabeza se ve desproporcionadamente más grande que sus pies y nos da una sensación de inferioridad.

3.3. Contrapicada.

Cuando el sujeto se encuentra por encima de nuestro ángulo visual y tenemos que inclinar la cámara hacia arriba para incluirlo en el encuadre, estamos haciendo una toma en contrapicada.

Este ángulo de visión provoca una distorsión de la perspectiva, como cuando fotografiamos un monumento en un parque, la base y los pies se ven desproporcionadamente más grandes que su cabeza y nos da una sensación de superioridad. 4. LA COMPOSICIÓN Aunque las reglas que conoceremos no son principios matemáticos ni recetas, si se usan con propiedad notaremoscomolaimagenobtenidaprovoca, cuandolaobservamos, sensacionesdemayorintensidad. 4.1. Composición Simétrica 4.2. Composición Asimétrica 4.3. Composición con Líneas 4.4. Composición por Disposición 4.5. Composición por Selección 4.6. Composición usando la Regla del Espiral.

4.1. Composición Simétrica La composición simétrica resulta agradable si los motivos que se fotografían están a ambos lados del eje de simetría y tienen un mismo peso visual, sin embrago la simetría no sólo puede conseguirse de esa manera, sino un elemento colocado de manera centrada es un recurso válido también para volver una composición simétrica. Aquí un solo elemento fijado en el centro otorga a la fotografía un sentido bastante simétrico.

4.2. Composición Asimétrica La asimetría consiste en romper el eje con la colocación a propósito de elementos, esto se hace por diferentes razones, para que la composición adopte una forma como la composición en triángulo, en L, etc. Para sugerir movimiento o cierto grado de expectación o para otorgarle a la composición un mayor dinamismo. Aquí lo asimétrico viene dado por la dirección del elemento, al igual que en la composición simétrica no es necesario colocar más elementos.

4.3. Composición con Líneas

Este tipo de composición esta conformado por líneas que sugieren movimientos o conducen nuestra visión en la fotografía, guiando nuestra mirada por la imagen hasta el centro de interés, o haciendo salir nuestra mirada de la foto lo más suavemente posible. Estas líneas pueden estar presentes en la imagen o existir implícitamente uniendo sus elementos constituyentes. 4.4. Composición por Disposición

La composición por disposición consiste en ubicar y manipular los elementos de la escena, creando las formas o líneas que deseemos. Este tipo de composición la encontramos en los bodegones y más adelante aprenderemos en qué consiste este tipo de fotografías. Es obvio que este tipo de composición siempre será una foto manipulada, es decir, cuando salimos a la calle y hacemos una foto de algo que ya está ahí puesto, realmente no estamos disponiendo nosotros de la composición a nuestro gusto. A partir del encuadre se tiene la posibilidad de disponer los elementos libremente, tomando en cuenta nuestro criterio personal. 4.5. Composición por Selección En el caso especifico de la arquitectura, paisajes, la realidad escénica, etc. No se puede disponer o variar la ubicación de los elementos sólo se puede seleccionar el área de interés.

4.6. Composición usando la Regla del Espiral Este tipo de composición consiste en dibujar espiral que permita ubicar los elementos en cualquier contribuye a explotar nuestra creatividad.

imaginariamente una área del encuadre, esto

5. PROPORCIÓN AUREA Historia de la divina proporción en composición A lo largo de la historia de las artes visuales han surgido diferentes teorías sobre la composición. Platón decía: “Es imposible combinar bien dos cosas sin una tercera, hace falta una relación entre ellas que los ensamble, la mejor ligazón para esta relación es el todo. La suma de las partes como todo es la más perfecta relación de proporción”. Vitruvio, importante arquitecto romano inventó una fórmula matemática para la división del espacio dentro de un dibujo conocida como la sección áurea. Se basaba en una proporción dada entre los lados más largos y los más cortos de un rectángulo. Dicha simetría está regida por un modulo común, que es el número. Definido de otra forma, bisecando un cuadro y usando la diagonal de una de sus mitades como radio para ampliar las dimensiones del cuadrado hasta convertirlo en “rectángulo áureo”. Dichoesto, ysegúnVitruvio, seanalizaquealcrearuna composición, si colocamos los elementos principales del diseño en una de las líneas que dividen la sección áurea, se consigue el equilibrio entre estos elementos y el resto del diseño. Este razonamiento de Vitruvio sigue vigente hoy en día a la hora de componer, ya sea un edificio, una fotografía o un diseño sobre papel ya que se cree que seguir esta regla da como resultado trabajos más equilibrados y armoniosos. Es cierto que muchas veces, componemos según la espiral de oro sin ser conscientes de ello, simplemente porque la composición que hemos creado nos ha parecido atractiva visualmente. En realidad existe un sistema, un “truco”, para crear una sensación de movimiento y naturalidad en nuestras fotografías o composiciones, que nos permite hacerlas mucho más atractivas “la razón aurea”.

Procedimiento Para realizar el ejercicio de esta guía deberá hacer uso de las diferentes composiciones fotográficas, recuerde que para este tipo de fotografías debe utilizar los diferentes encuadres según el objetivo a fotografiar y el uso de los ángulos también debe tener mucha importancia en la composición ya que de éstos puede depender la percepción que el espectador se forma de la imagen. Se recomienda trabajar en equipo por medidas de seguridad y para llevar un registro detallado de cada ejercicio como parte de la ficha técnica. Se aclara que cada alumno es responsable de realizar su propia sesión fotográfica.

Es responsabilidad de cada alumno obtener las siguientes fotografías: *Una fotografía con composición Simétrica. *Una fotografía con composición Asimétrica. *Una fotografía con composición de Líneas. *Una fotografía con composición por Disposición. *Una fotografía con composición por Selección. *Una fotografía con composición usando la Regla del Espiral. *Una fotografía con composición usando la Razón aurea

Nombre o título de su fotografía Nombre del ejercicio o tipo de composición y la guía a la que pertenece Racional o breve justificación de su trabajo

- Para esta guía debe colocar las 7 fotografías tomadas de manera creativa, tomando en cuenta la creatividad en la selección de los motivos y escenarios asi como también, que la técnica utilizada en cada una sea evidente en la imagen.

- Debe entregar sus fotos con puntualidad, es decir enviarlas antes de que inicie el siguiente laboratorio, de lo contrario no tendrá derecho a nota de esa guía.

Investigación complementaria - Diálogo con la Fotografía. / Paul Gil Barcelona, España: Gustavo Gili, 2001. - El Bodegón: Guía rápida de fotografía Barcelona, España: Agata, 1999. - El Libro de la Fotografía Digital: Captar, manipular y almacenar las imágenes. / Chris George Barcelona, España: Blume, 2007. - Fotografía Digital: avanzada./Jay Kinghorn y Jay Dickman Madrid, España: ANAYA, 2006.

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS • • • •

GUÍA 5 El color en la fotografía digital / White Balance

CONTENIDOS Esta guía contiene información importante sobre el uso del color en la fotografía, lo que muchas veces es difícil de entender más aún, cuando el resultado de las imágenes con un mal empleo de color resulta un poco desagradable o incluso incómodo. La cámara fotográfica contiene funciones especialmente para la regulación de estos aspectos que serán explicados a continuación.

OBJETIVO ESPECÍFICO • Conocer el importante papel que juega el color dentro de la fotografía digital y las diferentes opciones que existen para modificarlo por medio de la temperatura, psicología del color y el balance de blancos.

Introducción teórica

LA TEMPERATURA DEL COLOR Las cámaras digitales incorporan múltiples opciones hoy más que antes, que en las viejas cámaras compactas de carrete, no veíamos ni por casualidad. La temperatura de color no aparecía tampoco en estas y sin embargo, ha sido y es un aspecto muy importante en el proceso fotográfico. Por fortuna, o por desgracia, casi nunca nos habíamos preocupado por este detalle en el pasado. La simplicidad llevada al extremo de nuestras viejas máquinas nos evitaba grandes complicaciones. El secreto: hacíamos las fotos en la calle con la luz del sol, y con la luz del flash en los interiores. Aunque pueda parecer mentira, no todas las fuentes luminosas producen la misma luz. Es obvio que una fuente luminosa con un filtro de color cambia las propiedades del haz de luz resultante, pero aunque no pongamos ese filtro, dos fuentes lumínicas de naturaleza diferente que, al parecer, emiten luz blanca, producirían colores diferentes al implacable ojo fotográfico de una cámara digital. En otras palabras, tienen diferente temperatura de color. La conclusión es que si queremos obtener una imagen con colores reales, algo tendremos que tocar en la cámara, y ese algo se llama: balance de blancos. El principal problema que planteaba la temperatura de color en los negativos era que la cámara no podía distinguir si la luz presente era blanca pura o no. Los carretes se calibraban, generalmente, para la luz del día –cuya temperatura de color es idéntica a la luz de flash- y para luz de lámparas de tungsteno –las que suelen existir en los estudios fotográficos.

La llegada de las cámaras digitales cambió el concepto de temperatura de color para el usuario. Ahora es mucho mas fácil tomar fotografías utilizando velocidades lentas y altas sensibilidades, ya que no necesitamos un rollo de alta sensibilidad para experimentar, y además las nuevas máquinas cuentan con la posibilidad de seleccionar velocidades de obturación lentas, es decir, parámetros que nos permiten obtener fotografías aceptables en interiores sin necesidad de emplear el flash. Esto, que en principio es una ventaja, trae consigo el problema de la temperatura de color. Para fortuna de los fotógrafos, el remedio ha evolucionado a la par que las cámaras, y si antes la corrección de temperatura requería un filtro específico, ahora lo hace la cámara, bien sea automáticamente, mediante un modo prefijado, y hasta el propio usuario puede calibrarlo de forma totalmente manual. Ajustes en la cámara El modo automático de balance de blancos de las cámaras digitales funciona de forma variable dependiendo de la cámara. Algunos nos sacaran de más de un apuro, mientras que otros sólo servirán para estropear una imagen. Por esto, se recomienda usar este sistema con mesura y sólo cuando se conozcan bien sus resultados. Aunque pueda parecer mentira, la cámara no sabe distinguir colores, sino que genera las diferentes tonalidades a partir de un “único color”, el blanco. Así, la cámara necesita saber qué es blanco para, a partir de los datos recogidos, identificar el resto de tonalidades. Por este motivo, el balance de blancos –indicarle a la cámara qué es blanco- se efectúa encuadrando una superficie blanca que ocupe toda la escena – generalmente un folio-, con la iluminación existente a la hora de tomar la foto. Bastaráentoncesconpulsarunbotónyelbalanceya habrá culminado. La cámara trabaja con el esuema de colores de la teoría del color para compensar la saturación de un color, de manera que utilizará su contrario en la escala para equilibrarlo.

Más allá del blanco Aunque lo que se busca normalmente a la hora de utilizar el balance de blancos es, obtener unos colores lo más reales posible, un buen ojo fotográfico aprenderá rápidamente a apreciar situaciones en que una tonalidad diferente de la real puede aportar a la escena un aura distinta, ya sea más fría o más calida. Un ajuste para tungsteno con luz diurna produce una fuerte dominante azul. Usado con acierto, podremos obtener una iluminación fría, típica de “luz de luna”, a pleno sol. Es cierto que todos estos ajustes pueden efectuarse con diversos programas de retoque fotográfico, pero lo que muchas veces necesitaremos es obtener resultados directamente con la cámara. Para lograrlos, nada más adecuado que experimentar con los diferentes modos de blancos que nos ofrece la cámara o con la misma opción manual, ya sea por cuestiones de tiempo o por escasos conocimientos de retoque. Cuando el sujeto se encuentra por encima de nuestro ángulo visual y tenemos que inclinar la cámara hacia arriba para incluirlo en el encuadre, estamos haciendo una toma en contrapicada. 1. Empleando un balance de blancos para luz diurna con iluminación de tungsteno obtenemos un ambiente cálido y sosegado que reforzará la composición. 2. Un balance blancos optimizado (que en este caso se ajustó para la luz del flash que se empleó en la toma) puede dar realismo a la imagen, pero la foto obtenida no pasará de ser una típica toma de catálogo. Las diferentes combinaciones que se generan entre una fuente de luz determinada y una temperatura de color que no se corresponde con ella origina distintas tonalidades que pueden variar desde el naranja hasta el verde, pasando por azules o rosas. La mayoría de los profesionales conocen la frustración que supone ver que una copia impresa no coincide exactamente con la imagen mostrada en el monitor. Establecer un régimen de trabajo que gestione correctamente el color y produzca los resultados esperados es una tarea importante y compleja.

2. BALANCE DE BLANCOS

Balance de blancos es un nombre dado a un sistema de corrección del color para compensar las diferentes condiciones de luz. Normalmente nuestros ojos compensan las diferentes condiciones de iluminación, pero cuando se trata de una cámara digital, esta tiene que encontrar el“punto blanco”(asumir que un objeto blanco debe parecer blanco) para corregir otro color lanzado por la misma luz. La mayoría de las cámaras digitales ofrece el balance de blancos automático, esto significa que la cámara mira el color global de la imagen y calcula el mejor ajuste para el tema, sin embargo, estos sistemas se engañan a menudo (sobre todo si tomamos una fotografía dominada por un color, digamos el verde). La mayoría de las cámaras digitales permiten elegir diferentes opciones para cada tipo de situación (nublado, flash, sombra, sol, incandescente, fluorescente, etc.).

Algunos proveedores modernos permiten también un “blanco prefijado” o “personalizado” qué simplemente es medir un punto blanco de una hoja de papel blanca o tarjeta (o la pared cercana), la cámara grabará esa temperatura de color y lo usará para corregir todas las imágenes hasta que usted lo restablezca. Cada tipo de luz también puede representarse por una temperatura del color numérica, aquí están las temperaturas del color de condiciones de la iluminación típicas:

El color de la luz reflejada por un objeto depende del color de la fuente de iluminación. El cerebro humano es capaz de detectar y compensar tales cambios de color, lo que hace que un objeto blanco parezca blanco para los humanos tanto si están en la sombra, a la luz del sol o en el interior con una luz incandescente. Estas opciones son mejores que el uso automático, pero todavía tendremos problemas con los términos medios, durante el amanecer o el atardecer, en que la luz del sol debe atravesar una mayor longitud en las capas de la atmósfera que envuelven la tierra. Esto modifica la coloración de la luz, la cual pocas veces notamos ya que nos es demasiado cotidiano. En estos casos es muy util disponer de un modo de ajuste manual del balance de blancos.

¿Cómo realizar el WB personalizado en mi cámara?

Para cámaras NIKON

Necesitará un punto de referencia de una tarjeta gris* o una tarjeta blanca lisa. Un 18% de tarjeta gris Una tarjeta blanca lisa. Mantenga pulsado el botón “WB” y gire del dial principal para cambiar el balance de blancos a PRE en el panel de control posterior. 1. Mantenga pulsado WB durante aproximadamente seis segundos. 2. PRE empezará a parpadear, lo que indica que está preparado para registrar un valor. 3. Antes de que PRE deje de parpadear, fije el punto de referencia (papel blanco o tarjeta gris) para que rellene todo el fotograma y suelte el obturador para registrar el valor. 4. El balance de blancos personalizado no se verá afectado si la tarjeta o el papel están enfocados o no. - Si la lectura es correcta, la cámara mostrará la indicación “Good” que parpadea en los paneles de control o Gd en el visor. - Si las condiciones de iluminación son demasiado brillantes o demasiado oscuras, es posible que la cámara no pueda registrar un valor y parpadeará la indicación “noGd”. Será necesario repetir el proceso. Si no se registra ningún valor mientras el símbolo PRE parpadea, tendrá que repetir el proceso. Si tiene intención de utilizar el nuevo balance de blancos inmediatamente, mantenga el balance de blancos fijado en el mismo canal en el que realizó la prueba. Normalmente se utiliza una tarjeta gris en fotografía y película para ubicar el tono medio central bajo condiciones de iluminación específicas. Una tarjeta gris refleja el 18% de la luz que la alcanza y actúa para calibrar el medio de una exposición en una escena. Las tarjetas grises se pueden adquirir en línea a través de varios medios, o puede utilizar una tarjeta blanca lisa o papel, pero es importante que la tarjeta o el papel sea neutro. Para cámaras Canon 1. Sitúe el interruptor de alimentación de la cámara en <ON>.

2. Ajuste el dial de modo en <P/Tv/Av/M/B>.

3. Fotografíe un objeto blanco. Mire por el visor y apunte todo el cuadro de línea de puntos (que se muestra en la ilustración) hacia un objeto de color blanco uniforme. Enfoque manualmente y dispare con la exposición estándar ajustada para el objeto blanco. Puede usar cualquier ajuste de balance de blancos.

4. Pulse el botón <MENU> para mostrar la pantalla de menú.

5. Pulse el botón < > y seleccione la ficha [

6. Gire el dial <

> y seleccione la ficha [

FOTOGRAFÍA DE RETRATO Y ANTIRETRATO GUÍA 5

7. Gire el dial <

> para seleccionar [WB personalizado] y, a continuación, presione <

8. Gire el dial <

> para seleccionar la imagen captada en el paso 3 y, a continuación, presione <

9. Gire el dial <

> para seleccionar [OK] y, a continuación, presione <

11. Observe el panel LCD y gire el dial < seleccionar < >.

> para

Presione el botón <MENU> para salir del menú.

10. Pulse el botón <WB

12. Dispare.

IMPORTANTE Si la exposición obtenida en el paso 3 es muy diferente de la exposición estándar, es posible que no se obtenga un balance de blancos correcto.

En el paso 8, no se pueden seleccionar las siguientes imágenes: imágenes captadas con el estilo de imagen ajustado en [Monocromo], imágenes de exposición múltiple e imágenes tomadas con otra cámara.

FOTOGRAFÍA DE RETRATO Y ANTIRETRATO GUÍA 5

Procedimiento 1. El alumno debe buscar una escena para tomar una fotografía con cada balance de blanco que posea su cámara. 2. Tenga en cuenta el ángulo y encuadre correcto asi como el corrrecto uso de las aberturas y velocidades. 3. Verifique el tipo de ISO que utilizará dependiendo de la iluminación. 4. Si necesita trípode úselo, o busque un objeto que le sirva de estabilizador. 5. Habiendo realizado los pasos anteriores realice las siguientes fotografías: • • • • • • • •

1 fotografías con white balance en fluorescente 1 Fotografías con White balance en tungsteno 1 Fotografías con White balance en sombra 1 Fotografías con white balance en nublado 1 Fotografías con white balance en luz de día 1 Fotografías con white balance en flash (si lo posee la cámara). 1 Fotografías en white balance automático. 1 Fotografías en white balance personalizado

Entrega de trabajos En total son 8 fotografías de la misma escena pero diferente coloración por el uso de los balances de blancos utilizados, el ejercicio quedará como este: Nombre o título de su fotografía Nombre del ejercicio o WB utilizado en cada una de las fotografías y la guía a la que pertenece Racional o breve justificación de su trabajo en donde indique su apreciación hacia el wb que utilizó y cual es la aplicación correcta del mismo. • Debeentregarsusfotosconpuntualidad, es decir enviarlas al docente antes de que inicie el siguiente laboratorio, de lo contrario no tendrá derecho a nota de esa guía. El resultado de su trabajo tendrá más o menos la siguiente secuencia:

EL COLOR EN LA FOTOGRAFÍA DIGITAL / WHITE BALANCE GUÍA 5

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS • • • •

GUÍA 6 Iluminación para retratos en exterior

CONTENIDOS En la guía No 6 se descubrirá cómo realizar retratos en exterior utilizando accesorios como reflectores, pantallas y utensilios caseros para lograr la luz de rebote.

OBJETIVO ESPECÍFICO • Fomentar en los y las estudiantes la experimentación al trabajar con diferentes tipos de reflectores, creando retratos creativos a través de esta técnica de iluminación.

Introducción teórica

Los reflectores: Son superficies que reflejan la luz. Esta superficie puede adaptar varios colores, puede ser un simple reflector blanco, quizás uno intenso plateado o uno dorado. Los reflectores tienen varios usos: se pueden utilizar para lograr luz de relleno, para rebotar la luz o incluso para lograr un contraluz.

También se puede usar un reflector para darle un toque de color al sujeto u objeto fotografiado. Con frecuencia se utilizan en exteriores como único medio de manipulación de la luz, puesto que proporcionan excelente calidad de iluminación especialmente en los retratos exteriores. El reflector constituye una de las herramientas favoritas de los fotógrafos pues es muy práctico para llevar y tiene muchos usos distintos. Algunos están diseñados para reflejar toda la luz posible, mientras que otros están pensados para producir una luz suave y uniforme.

Tipos de reflectores y sus usos Reflector blanco: es el más conocido por todos los fotógrafos, produce una luz suave, que lo hace ideal para rellenar algunas sombras en los retratos. Por ejemplo, si colocamos a nuestro modelo junto a una ventana la luz entrará de lado, seguramente produciendo sombras bajo la nariz, los ojos y la mandíbula sobre todo si la luz es muy fuerte. Colocando un reflector blanco en el lado opuesto a la ventana, estas pueden atenuarse. Este también es el más fácil de fabricar en casa, ya que una cartulina o sábana blanca pueden imitar sus efectos.

Puedes utilizarla para iluminar y que no resulte tan fuerte y que tampoco invada de una tonalidad tu fotografía. En este caso será adecuada si estás haciendo alguna fotografía de retrato en exterior, pues utilizando esta pantalla podrás iluminar el rostro del modelo. Es muy útil en las tomas donde tienes luz del sol intensa, para evitar que salgan esas molestas sombras debajo de los ojos. Además es conveniente para por ejemplo colocar al modelo en la sombra y con la pantalla reflejar la luz, de manera tal que te de un muy buen efecto porque destacará al elemento del fondo.

Con estos colores de la pantalla los podrás utilizar para rellenar las sombras, es decir cuando hagas una toma, ya sea un retrato, o un bodegón, podrás eliminar la sombra utilizando luz rebotada.

Reflector dorado: da un matiz de cálido a la luz que refracta. Suele utilizarse en tomas al aire libre durante la primavera, para acentuar los rasgos característicos de esta colorida estación. A la hora de hacer retratos o sesiones de estudios, a veces se emplea para dar a la piel del modelo un sutil brillo a fin de hacerla más atractiva. En este caso te conviene utilizarla para realizar retratos. Pues dará una tonalidad cálida al rostro de la persona y suavizará sus rasgos. Dado que hará de complemento al tono de la piel. Es aconsejable utilizarlo para reflejar una luz no demasiado intensa, verás que obtendrás un efecto natural en la imagen. Reflector plateado: se considera el más refractante y ayudará a compensar la falta de focos cuando se requiera iluminación profesional, pudiendo cubrir el lugar de uno de estos, ya que por lo general reflejan mucha luz. Esta pantalla no es aconsejable para realizar retratos, le da al rostro una dureza que tal vez no sea la conveniente. Recuerda que es una luz dura, razón por la cual puedes utilizarla en casos particulares y cuando necesites reflejar una luz que no es tan fuerte.

Reflectores de fuego solar: que pose en franjas dorados y plateadas: esta combinación refleja fuertemente la luz, pero dándole un toque cálido. Similar a este es el reflector con efecto de luz solar, cuyas franjas plateadas son más anchas. Por lo general estos son muy utilizados en las fotografías de bodas.

Reflector negro: con un efecto totalmente opuesto: elimina los reflejos “absorbiendo” la luz. Este resulta especialmente útil al fotografiar superficies de cristal o plástico. Si se toma una foto en una ventana, y se quiere eliminar los reflejos, se recomienda utilice un reflector negro. Reflector cucoloris: son unos paneles perforados para crear efectos especiales del tipo claro/oscuro. Se suelen entre la fuente de luz y el fondo de la escena, aunque también se puede crear el efecto sobre el/la modelo. Además de su gran utilidad, otra gran ventaja que ofrecen los reflectores de luz es que se pueden comprar diferentes combinaciones en un formato de 5 reflectores en uno (un reflector blanco, uno negro, una cubierta dorada de un lado y plateada del otro y un difusor) además el hecho de que están fabricados en tela, significa que no ocupan mucho espacio. Los reflectores vienen en diferentes tamaños (12”, 22”, 42”, 48”, etc.); por lo general son de forma circular, aunque existen otros que pueden ser sujetados a un trípode y que por lo general semejan un triangulo.

Retratos en exterior

Al realizar un retrato en el exterior buscamos destacar a la persona que estamos fotografiando, en un contexto natural. Esto se puede conseguir haciendo que el modelo quede lo más natural posible, utilizando un escenario real y luz ambiente. Antes de nuestra sesión en exteriores se debe tomar en cuenta lo siguiente las condiciones climáticas por lo que se recomienda: - Verificar el viento y la lluvia: estos elementos nos pueden jugar malas pasadas, a no ser que, para la sesión quisiéramos esas adversidades. Por lo que, deberemos tener en cuenta el estado del tiempo verificando pronósticos fiables. - La luz del sol al igual que las nubes: son factores que utilizaremos dependiendo que lo que busquemos. Podemos hacer las fotos usando la puesta de sol, a pleno sol con el cielo despejado, o bien fotografías con el cielo nublado. Se debe programar la hora y todos los detalles para obtener los resultados deseados. - Hacer las fotos legalmente y con seguridad: con esto nos referimos a no utilizar las propiedades de otras personas sin su consentimiento, siempre se deben conseguir las autorizaciones necesariasparalaslocaciones. Además, sedebesolicitarprotección a la policía para prevenir robos de equipo u otros factores que afecten la seguridad.

También se debe tener cuidado, tanto el fotógrafo como el modelo, de no caerse en la toma, pisar cristales, etc. Para ello, la locación simplemente debe ser un sitio seguro que cumpla con el concepto de la sesión. Consejos para hacer retratos en exteriores • Sacar provecho de las aberturas pequeñas: los objetivos suelen tener diafragmas muy abiertos (2.8, 1.8, 1.4), por lo cual ganamos en nitidez y podremos jugar con la sin profundidad de campo, haciendo un bonito desenfoque en el fondo de la imagen. • Iluminar la escena desde abajo: si estás haciendo un retrato pídele al modelo que sujete él mismo un reflector a modo de bandeja. De esta forma se iluminará su barbilla y escote. Inclínalo ligeramente hacia uno de los lados. • Busca ayuda: es complicado dirigir al modelo, disparar y apantallar al mismo tiempo, es mejor contar con una persona que nos asista durante la sesión. • Mueve el reflector: mientras se mueve observa el rostro del retratadoycómovancambiandosusfaccionessegúnlailuminación. Así podrás decidir qué efecto deseas obtener en tu foto. • Intenta que el modelo interactúe: con diferentes objetos, prendas o bien con el mismo paisaje, para que así la foto tenga un tono más realista y a la vez original. • Si utilizas el flash: de forma rebotada, intentar no pasarse con su potencia para que el sujeto no quede con sobreexposición o que la imagen sea demasiado artificial. • Evitar que la luz del flash sea frontal: en la mayoría de casos, podemos dar una luz lateral para dar interés al rostro o bien una luz en 45 grados e intentado que este más arriba que el sujeto, de tal forma que las sombras queden naturales. • No abusar del flash, pues muchas veces la foto podría quedar más bonita y con mejor iluminación, sin ninguna otra luz artificial.

¿Cómo hacer reflectores artesanales?

Para fabricar uno o varios reflectores artesanales no es necesario invertir fuertes cantidades de dinero y lograr una variedad. Existen materiales en casa que podemos utilizar para rebotar la luz. Algunos de estos insumos pueden ser:

1. Protector parabrisas del carro: tiene mucha utilidad, produce excelentes resultados y son muy prácticos para transportar. Se pueden encontrar en tono dorado y plateado. 2. Mantas o sábanas blancas: pegada en la pared con cinta adhesiva gruesa, sirve para rebotar la luz, luego se doblas y al cajón otra vez. 3. Pliegos de durapax: hay de muchos grosores, son rígidas y no pesan nada, pero ofrecen una fantástica superficie donde rebotar la luz. 4. Sombrilla o paraguas blanco: es un accesorio muy práctico, se utiliza para rebotar el flash en interiores y también puede usarse con luz natural, pues produce buenos resultados, ya sea como reflector (para llevar luz donde nos interese), o como difusor (para evitar una luz demasiado dura). Cuando se necesita, puede también utilizarse ante una lluvia sorpresa.

Flash integrado Con el flash integrado (o popup) sucede algo muy interesante, cuando empezamos lo tenemos activado todo el tiempo, cuando aprendemos un poco nos aterra pensar en usarlo. El flash integrado puede variar en la posición y en la forma de interactuar según el modelo de la cámara, algunos lo tiene al frente y es visible en todo momento, otros pueden abrir un compartimiento para que se haga presente y algunos mas aparecen automáticamente cuando es necesario. Las cámaras DSLR pueden usar una conexión donde podemos añadir un flash externo o un control remoto para disparar un flash que no estará conectado físicamente a la cámara.

¿Porqué no suele usarse este flash integrado? Este flash suele ofrecernos muy poco control, lo que ocasiona que los resultados finales sean terribles y desmotiven a las personas a querer usarlos. El problema con este tipo de Flashes es que disparan una luz muy dura y directa, la cual es especialmente mala en personas y muy difícil de controlar en otras situaciones.

Modos del flash integrado Dependiendo del modelo de la cámara, es probable que entre las funcionalidades de configuración del flash pudieran encontrar algunos modos para obtener cierto control; estos modos suelen ser: - Flash de relleno: podemos usarlo cuando la imagen se ve clara en el fondo y oscura en primer plano. (de día o de noche) - Flash de sincronización lenta: Cuando hay poca luz el flash dispara un pre flash e inmediatamente dispara el flash adecuado, si usamos este modo de flash le estamos diciendo ala cámara que use una velocidad de disparador lenta, y que use un flash adecuado para poca luz. - Flash de sincronización anterior: Dispara un pre flash e inmediatamente después dispara el flash al principio de la exposición. - Flash de sincronización posterior: Este tipo de flash le dice a la cámara que dispare el flash al final de la exposición, pero también dispara un pre flash al principio. Este flash nos permite incluir la luz ambientan en la imagen. Otras formas de controlar el flash integrado. Cuando se trabaja con luz, podemos emplear modificadores, estos son herramientas que el fotógrafo emplea para controlar la luz, cambiando su dirección, haciéndola mas difusa, su tonalidad, etc. En el flash integrado resulta bastante complicado emplear alguno de estos modificadores, esto es a causa de la ubicación del mismo y que por lo general es muy pequeño, sin embargo han surgido muchos accesorios para este tipo de flash. A pesar de esto es importante que sepan al menos dos trucos para modificar la luz tan intensa y dirigida que emite este flash y de esta manera controlar el resultado final. Algunos materiales que nos pueden ayudar a difuminar la luz del flash pueden ser muy fácil de conseguirse, incluso en nuestras casas.

Suavizar la luz: Cuando colocamos una superficie opaca que permita el paso de la luz, frente al flash integrado, estamos ocasionando que la luz se haga mas suave, pero también ocasionamos que sea menos potente. Podemos usar una servilleta de papel, un velo, o cualquier otro material que permita el paso de la luz. Rebotar la luz: El problema con la luz de esta flash es que llega muy directa a nuestros modelos, por este motivo podemos recurrir a usar una tarjeta blanca colocada frente al flash formando un ángulo de 45°, para rebotar la luz al techo y así crear un ambiente mas uniforme. Compensación del flash. La compensación del flash es un mecanismo que nos permite hacer la luz mas brillante o menos brillante, modificando la intensidad de la luz que se emite. Este es uno de los mas importantes recurso que nos ofrecen algunas cámaras para tomar el control de la exposición. Para obtener la intensidad apropiada tendrán que hacer algunas pruebas. Deben recordar que así como el modo automático, no siempre es el apropiado, en el flash es lo mismo, a veces la intensidad de la luz emitida no es la correcta para iluminar su escena. Para usar esta funcionalidad no pueden estar en modo automático en la cámara. El símbolo suele ser un cuadrito con un signo de más y uno de menos. Muchas personas posiblemente no saben que las cámaras nos ofrecen algunos mecanismos y que además es posible adquirir accesorios para modificar esta luz dan dura y directa.

Entonces, ¿en qué momento es bueno usarlo? 1. En exteriores y la fuente de luz se encuentre detrás de tu sujeto. 2. En interiores, cuando no se pueda alterar la iluminación. 3. Cuando se desea iluminar cierta parte del sujeto mientras el resto permanece en sombra como en el caso de un contraluz. 4. Cuando, de forma parecida a la anterior, te quieres asegurar de que el motivo del primer plano esté lo más iluminado posible. 5. También podemos jugar, en ocasiones, a disparar el flash fuera de la cámara mediante un cable o algún disparador y ajustar la posición de éste para ajustar el relleno de las sombras.

Procedimiento - Se realizará una práctica en el laboratorio donde los estudiantes se organizaran en dos grupo alternándose para ser modelo, fotógrafo y asistente de iluminación. - No debe olvidar usar la cámara en modo manual “M”y ajustar aberturas, velocidades, WB, ISO, calidad y tamaño. Cada estudiante debe realizar 6 fotografías: - Retratos en exterior usando cada uno de los reflectores (dorado, plateado, blanco y difusor). - Una fotografía con un esquema de iluminación en contraluz y una usando el flash integrado de su cámara como relleno a las sombras. - Al finalizar el ejercicio visualice las diferencias de iluminación en cada retrato muestre y discuta los resultados con la docente.

Entrega de trabajos 1. Cada estudiante debe presentar su trabajo en digital enviando sus 6 imágenes al docente. El modelo/a en un retrato en exterior usando cada reflector y flash de relleno. 2. No olvide indicar en las fotos digitales el número de guía y el ejercicio realizado. Las fotos deben tener nombre y una explicación que constituye el racional del trabajo (Título, ejercicio/pantalla utilizada o técnica y el racional). 3. Subir sus fotografías a la plataforma de flickr en un álbum para esta guía. 4. Debe entregar sus fotos con puntualidad, enviarlas a su docente antes que inicie el siguiente laboratorio, de lo contrario no tendrá derecho a nota.

Investigación complementaria

- Diálogo con la Fotografía. / Paul Gil Barcelona, España: Gustavo Gili, 2001. - El Bodegón: Guía rápida de fotografía Barcelona, España: Agata, 1999. - El Libro de la Fotografía Digital: Captar, manipular y almacenar las imágenes. / Chris George Barcelona, España: Blume, 2007. - Fotografía Digital: avanzada. /Jay Kinghorn y Jay Dickman Madrid, España: ANAYA, 2006.

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS • • • •

ILUMINACIÓN FOTOGRÁFICA GUÍA 7

GUÍA 7 Iluminación fotográfica

CONTENIDOS

En esta ocasión los alumnos podrán conocer las técnicas de ilumnación de estudio para fotografías, donde se podrán aplicar diferentes direcciones de luz para crear distintas percepciones y efectos en los modelos.

OBJETIVO ESPECÍFICO • Conocer los diferentes elementos que se pueden utilizar para la iluminación fotográfica y los diferentes resultados que se obtienen.

MATERIALES Es responsabilidad de cada alumno leer previamente cada una de las guías antes de asistir a las prácticas de laboratorio, así como traer los materiales y equipo que se le solicite. 1- Cámara Digital. 2- Correa de colgar. 3-Tarjeta de memoria con suficiente espacio de almacenamiento 4 Batería cargada 5- Trípode. 6- Imágenes de referencia 7- Cada alumno deberá traer un(a) modelo para la práctica y disfrazarlo según un concepto seleccionado. El modelo debe reflejar su personalidad, apoyarse en el maquillaje y vestuario para reforzar el concepto, ya que esto constituye parte de la evaluación. Recuerde diseñar su propia ambientación.

Introducción teórica

La iluminación es el elemento base de todas las técnicas visuales en fotografía, la iluminación es indispensable para sugerir la sensación de tridimensionalidad. Con la técnica de iluminación se persigue un acercamiento a la representación en tres dimensiones. Desde el punto de vista artístico, la iluminación influye en la creación de efectos ambientales. Sugiere atmósferas variadas, afecta de forma selectiva a los elementos de la escena realzando unos y ocultando o reduciendo otros. El uso de la iluminación otorga una poderosa influencia en la consecución de imágenes con belleza pictórica.

La dirección de la luz y la altura desde la que incide tiene una importancia decisiva en el aspecto general de la fotografía, variando la posición de la fuente de luz pueden resaltarse los detalles principales y ocultarse los que no interesen. De la dirección de la luz también depende la sensación de volumen, textura y en el caso del color también afecta la intensidad del color, además de modificar enormemente el sentido del mensaje, el cual debe ser planificado y dosificado, para que cause el impacto deseado en el público receptor, quien avalará o reprobará el contenido de la fotografía. Tipos de iluminación

Luz dura La luz dura procede de fuentes pequeñas y alejadas como el sol y las bombillas o flashes directos. La distancia y el tamaño determinan el grado de dureza, es idónea para destacar la textura, la forma y el color y proporciona el mayor grado de contraste al igual que de sombras. No existe ningún elemento entre la fuente de luz y el modelo, también se le conoce como luz directa. Luz suave Es tan difusa que no proyecta apenas sombras. La fuente luminosa ha se ser muy extensa como un cielo cubierto, o rebotarse sobre una superficie muy grande y próxima. Esta iluminación es la menos espectacular de todas, pero es también la más amigable y fácil de controlar ya que sus sombras son más suaves es más fácil trabajar la gama de aberturas. Se le conoce como luz suave porque existe un intermediario entre la fuente de luz y el modelo, como por ejemplo una tela, papel, durapax, rebote, etc.

FOTOGRAFÍADIGITAL FOD GUÍA7 1.Luzfrontal Enestetipodeiluminaciónlafuentedeluzsecolocadetrás,y sobreelfotógrafo,yenfocadadirectamentealobjeto/sujeto. Debidoalacercaníaentrelafuentedeluzyelobjeto,obtenemos fotografíasplanasconpocatextura,escasaszonasombreadasy sectoresdemasiadoiluminados.Aunqueconseguimosaumentar lacantidaddedetalesquepodemosobservardelobjeto.Es recomendablerebotarlaluzprincipalcontraeltechoparatenuar elefectodeluzplana,yevitarfondosmuyreflectantes,yaque éstosproduciríanreflejosindeseados. Paracolocarlacorectamente: 1.Ponemoselfocofrontalmentealrostro.Enestascondiciones elmodeladoesescasoylafotografíaresultaplana.Enlosojos apareceelreflejodelafuentedeluz. 2.Subimoselfocohastaelpuntoenelquedesapareceelpuntode luzenlosojos. 3.Bajamoselfocohastaquevuelvaaparecerelpunto. 2.Luzlateral Estailuminacióndestacaelvolumenylaprofundidaddelos objetostridimensionalesyresaltalatexturaunquedamenor informaciónsobrelosdetalesquelaluzfrontalyademásaumenta elcontrastedelaimagen.Laluzlateralcuandoiluminauntiroen escorzopuedemodifcareltamañodelrostro. Elladosobreel quecaelaluzsiempreseverámásgrandedeloquees. Especialmenteseverámásgrandequeelladosobreelquenocae laluz.Lanarizmarcaelejedelretrato.Cuandolacámaraestáaun ladodeleje(retratosdetrescuartosydeperfil)elfocopuedeestar delmismoladoquelacámaraoalcontrario.Lamejilaquecaedel ladodelacámaraeseladoancho,laotraelestrecho. Cuandoelfocoestádelladodelacámarailuminaeladoanchode lacara.Esunailuminaciónancha.Cuandoelfocoestádelotrolado, iluminaeladoestrechodelacara.Esunailuminaciónestrecha. Lailuminaciónanchahacelacaramásredonda.Laestrechamás alargada. 68

ILUMINACIÓN FOTOGRÁFICA GUÍA 7

1. Luz frontal En este tipo de iluminación la fuente de luz se coloca detrás, y sobre el fotógrafo, y enfocada directamente al objeto/sujeto. Debido a la cercanía entre la fuente de luz y el objeto, obtenemos fotografías planas con poca textura, escasas zonas sombreadas y sectores demasiado iluminados. Aunque conseguimos aumentar la cantidad de detalles que podemos observar del objeto. Es recomendable rebotar la luz principal contra el techo para atenuar el efecto de luz plana, y evitar fondos muy reflectantes, ya que éstos producirían reflejos indeseados. Para colocarla correctamente: 1. Ponemos el foco frontalmente al rostro. En estas condiciones el modelado es escaso y la fotografía resulta plana. En los ojos aparece el reflejo de la fuente de luz. 2. Subimos el foco hasta el punto en el que desaparece el punto de luz en los ojos. 3. Bajamos el foco hasta que vuelva a aparecer el punto. 2. Luz lateral Esta iluminación destaca el volumen y la profundidad de los objetos tridimensionales y resalta la textura aunque da menor información sobre los detalles que la luz frontal y además aumenta el contraste de la imagen. La luz lateral cuando ilumina un tiro en escorzo puede modificar el tamaño del rostro. El lado sobre el que cae la luz siempre se verá más grande de lo que es. Especialmente se verá más grande que el lado sobre el que no cae la luz. La nariz marca el eje del retrato. Cuando la cámara está a un lado del eje (retratos de tres cuartos y de perfil) el foco puede estar del mismo lado que la cámara o al contrario. La mejilla que cae del lado de la cámara es el lado ancho, la otra el estrecho. Cuando el foco está del lado de la cámara ilumina el lado ancho de la cara. Es una iluminación ancha. Cuando el foco está del otro lado, ilumina el lado estrecho de la cara. Es una iluminación estrecha. La iluminación ancha hace la cara más redonda. La estrecha más alargada.

El foco está situado del mismo lado que la cámara e ilumina el lateral cercano de la figura, el lado ancho. La luz Rembrandt cae desde un lado y algo frontal al rostro. El lado que más ilumina aparece más grande que el menos iluminado. Es una luz que ofrece un buen modelado de las facciones pero que al destacar la textura puede poner en evidencia las imperfecciones de la piel. En algunas escuelas de iluminación se llama Rembrandt a la luz de tres cuartos que arroja la sombra de la nariz sobre el labio sin superarlo y marca un triángulo de luz bajo el ojo del lado lejano al foco. 3. Luz cenital La iluminación vertical o cenital, aísla los objetos de su fondo y genera un elevado contraste, confiriendo a la imagen un aire dramático. Especialmente en retratos, puede llegar a ser un semblante tenebroso. Es la dirección de luz que se encuentra justo por encima del objetivo a fotografiar, si se trazara una línea imaginaria desde la fuente de luz hasta el punto en el piso donde se encuentra el objeto, la línea debe ser perpendicular y será cenital a la vez. Sirve a su vez, para aumentar la luminosidad general y rara vez como luz de efecto. En el campo de la fotografía técnica de estudio, la luz cenital produce un dibujo contrastado de luces y sombras, confiriendo así un carácter plástico a la reproducción. En cambio en retratos se utiliza como luz de efecto leve y siempre subordinada a otra luz básica. La iluminación desde arriba es una situación ligeramente más inusual, aunque es común en la luz de un día nublado. Se puede encontrar también en la luz del sol al mediodía, en algunos interiores y en otras situaciones como la iluminación de escena. Con luz suave es un modo muy efectivo de mostrar la forma. Bajo una luz dura, puede darle un aire de misterio por las sombras dramáticas que proyecta, que ocultan las formas bajoella. Porejemplo: lagentequepermanecedirectamente bajo la luz dura tendrán agujeros negros en lugar de ojos, ya que la cuenca del ojo estará en sombra total.

4. Contraluz El contraluz simplifica los motivos convirtiéndolos en simples siluetas, lo cual puede resultar conveniente para simplificar un tema o para dejarlo a libre imaginación. Este tipo de iluminación ocurre cuando el observador está mirando hacia la fuente de luz, y los objetos tendrán su parte iluminada hacia el lado opuesto a nosotros, para aparecer o bien como siluetas o bien oscuramente iluminados por la luz de relleno. Es normalmente una situación de alto contraste y puede a menudo parecer muy atmosférico y dramático. Si el origen de la luz esta en un pequeño ángulo relativo a nuestro punto de vista, tendrá un filo de luz definiendo uno o más de sus bordes. Cuanto más dura sea la luz, más pronunciado será este filo. El contraluz es la circunstancia en la que el sujeto está iluminado por detrás y por tanto el fondo queda sobrexpuesto y el protagonista de la imagen totalmente subexpuesto, de forma que sólo se podrá ver su silueta. Las escenas iluminadas desde atrás normalmente contendrán un montón de sombras a no ser que el origen de la luz sea muy suave. La mayoría de las veces la imagen será predominantemente oscura con zonas definidas dramáticamente iluminadas. El filo iluminado que conseguimos en esta situación puede ser muy útil para definir las formas entre las sombras. Otra característica de este tipo de luz es que revela la transparencia, translucencia y cualquier fino detalle o textura a lo largo de este borde iluminado. Este tipo de luz es muy efectiva para prestarle drama a una imagen. Unas veces de forma sutil, casi imperceptible, otras de una forma evidente y dramática para conseguir composiciones impactantes, la fotografía a contraluz permite obtener imágenes más creativas y frescas; nos obliga a mejorar como creativos, ya que es una técnica donde el control de la luz es difícil, así que nos planteará complicados problemas fotográficos para resolver. Al crear una imagen de siluetas obtenemos una imagen en alto contraste donde el color se pierde, así es que podemos decidirnos por el blanco y negro. Este tipo de imágenes necesitan una composición mas elaborada, hemos de priorizar el foco, el encuadre y la elección del punto de vista.

5. Luz baja Si la iluminación directamente desde arriba es rara, entonces hacerlo con la luz directamente desde abajo es todavía más inusual. En un contexto natural esto puede ocurrir si alguien está de pié junto a una fogata, o sosteniendo una linterna. La luz reflejada puede también venir desde abajo, desde el agua, por ejemplo. Le daría una apariencia complétamente extraña a los objetos más familiares, incluso, ya que lo que usualmente se ve con luces y sombras serán revertidas (piensa en una persona iluminandose la cara con una linterna desde abajo: Las sombras parecen estar al revés). De nuevo, la rareza de este tipo de iluminación puede usarse para un efecto creativo. Instintivamente reconocemos que las cosas no parecen estar bien, y esto puede usarse para crear ambientes específicos, manipulando la iluminación para provocar emociones y respuestas. Las fotografías tomadas con esta técnica produce sombras e iluminaciones antinaturales, sobre todo en retratos de la cara, ya que resalta e ilumina zonas que normalmente se aprecian sombreadas. Este tipo de iluminación se utiliza mucho en fotografías que pretenden ser inquietantes y misteriosas.

6. La luz de relleno Consiste en dos focos más o menos enfrentados que iluminan a la figura desde ambos lados simetricamente. Ambos focos forman un pasillo de luz por el que pasa la figura. Dependiendo de lo profunda que esté dentro de este pasllo así será el modelado conseguido. Además, mediante la posición de la figura dentro del pasillo, controlamos el modelado modificando la potencia de los focos. Este tipo de luz produce uno de los modelados más fuertes que existen pero dibuja líneas oscuras allí donde las luces se cruzan sobre una superficie alabeada. Por lo tanto no es muy recomendable para retratos cuando colocamos los focos a ambos lados de la figura. Error muy común en los estudios de fotografía. La principal variación, consiste en hacer la luz diagonal inclinando el pasillo de manera que no vaya de lado a lado de la figura sino de una esquina a otra. Su capacidad para dibujar líneas oscuras hace que busquemos esta disposición cuando queremos trazar el dibujo de las formas. Es una luz más adecuada para bodegón que para retrato.

ILUMINACIÓN EN ESTUDIO . Luz Principal: También llamada luz guía. Es la fuente de luz más importante en la toma. A ella se subordinan todas las demás fuentes. La luz principal es la responsable de la claridad básica y de la modulación del objeto. Esto significa que es la luz que se encarga de la distribución de las luces y las sombras en el motivo. Por lo tanto, el tamaño y la forma de la fuente debe ajustarse al tamaño y la forma del objeto por lo que la selección de esta luz principal debe corresponder al efecto de imagen pretendido. Este efecto dependerá también de la posición de esta luz. Por ejemplo, si la luz principal cae lateralmente e inclinada levemente desde arriba se siente como luz natural. . Luzde Relleno: También conocida como luz de aclarado o luz de base. Es una luz secundaria dentro del esquema de iluminación del estudio y sirve para aclarar sombras y reducir el contraste. Normalmente se busca sólo un leve aclarado para conseguir detalle en las zonas oscuras por lo que su potencia será siempre menor que la luz principal. La luz de base no debe alterar nunca el carácter de la luz principal ni el efecto de la imagen que ya hemos conseguido. Para esta luz pueden emplearse fuentes que generen luz suave y dispersa como son las ventanas, los paraguas o los reflectores.

. Luz de Efecto: También conocida como luz puntual o luz de pelo. Son luces con el haz muy recogido que destaca determinadas partes del objeto y aligera el efecto principal de la imagen cuando se proyecta debidamente. Si colocamos esta luz en la parte trasera del objeto, desde una posición de contraluz, la luz de efecto produce un halo alrededor del sujeto. En función de su posición la luz de efecto puede pronunciar contornosodestacardetallesyestructuras. Debeaplicarseconcuidadoynodesequilibrarlailuminación general. La luz de Pelo (del inglés“Hair Light”): Contraluz pleno, con el foco detrás del sujeto y dirigido hacia él. En este caso el modelo se interpone entre la cámara y el foco de luz, mostrando el contorno de la figura o la cabeza a ambos lados (la distancia entre modelo y foco resultará esencial para que la amplitud del haz llegue a ambos lados). Como alternativas, el foco puede estar ligeramente ladeado o elevado, siempre dirigido hacia el sujeto. . Luz de fondo: La luz de fondo puede tener varias funciones. Se utiliza o bien para iluminar uniformemente o para provocar una degradación entre la figura y el fondo. Esto provoca que separemos al sujeto del fondo y da tridimensionalidad a la foto. La luz de fondo es aquella que está colocada de modo tal que ilumina solamente el fondo, sin tocar al personaje u objeto principal. Si apagamos todas las luces y dejamos solamente la luz de fondo, nuestro motivo principal se visualizará como una silueta negra. Quizás siempre considerada como una fuente subalterna, destinada a resolver un problema menor, no se le damos la importancia que realmente merece. En un principio estaba destinada a hacer visible aquellas zonas que, al permanecer en penumbra, hubieran quedado oscuras. Influía también en esto el tipo de película y la cámara usada.

RECURSOS DE ILUMINACIÓN 1- Strip light: Cuando se utiliza como una luz de fondo, estas cajas largas y estrechas, crean una luz larga y consistente que es una reminiscencia similar al de un horizonte justo después de la puesta del sol. En esta foto de un cantante, la luz de tira crea una luz de fondo que salpica y cabalga hasta los pliegues de la cortina igual que la luz rebote de un centro de atención podría hacer. Utilizar dos tiras de luz, uno de cada lado, para iluminar el sujeto y el fondo. Cuando están uniformemente espaciadas en relación con el sujeto y el fondo, y la potencia de la misma fuerza, la luz es incluso más allá de ambos. El aspecto es excelente y muy fáciles de crear, sin embargo, es importante recordar que el modelo no puede ser demasiado hacia delante de las fuentes de luz. A medida que el modelo se mueve más lejos del fondo, que se volverá más oscura, porque la luz va a perder fuerza. 2- Snoot: En la fotografía, es un objeto de tubo o similar que se coloca sobre una fuente de luz o el flash portátil y permite al fotógrafo controlar la dirección y el radio del haz de luz. Estos pueden ser cónica, cilíndrica o de forma rectangular. Snoots pueden aislar a un sujeto cuando se utiliza un flash. Ayudan al detener la “dispersión de la luz”, o cuando la luz cae en un tamaño más grande que pretenden. Unsnooteselequivalenteaunembudoeniluminación, permite focalizar la luz en un punto muy concreto. El tamaño de ese punto dependerá de lo largo de nuestro snoot. Como efecto paralelo, un snoot tradicional empequeñece el tamaño de nuestra fuente de luz y con ello conseguimos una luz muy dura, de bordes muy pronunciados, es decir que la transición de luz a sombra será abrupta, creando casi un círculo perfecto. Si queremos suavizar esos bordes, podemos usar un Grid en el final de nuestro Snoot. 3- Sombrilla: Es la luz fotográfica por excelencia, debido a su versatilidad y facilidad de transporte y montaje. Aunque se necesita de un ojo entrenado para diferenciar la luz producida por un softbox de aquella proveniente de una sombrilla, el principio de funcionamiento es distinto. Mientras el softbox es un difusor, la sombrilla es un reflector, ya que la lámpara se apunta hacia adentro del accesorio y este proyecta la luz hacia la abertura de su estructura. La sombrilla clásica ofrece una luz algo dura que genera contraste, debido a su interior metalizado interior metalizado plateado, o dorado para proporcionar una luz más cálida. Sin embargo, desde hace un tiempo se ha hecho popular el uso de sombrillas blancas o traslúcidas que producen una luz más suave de manera difusa.

RECURSOS DE ILUMINACIÓN 4- Beauty dish: Es un modificador de luz que convierte tu flash en una fuente de luz dura en el centro pero que se suaviza en los bordes, que suele utilizarse preferentemente en fotografía de retrato. Esta especial característica se consigue por su diseño en forma de bol. Los beauty dishes son mucho más anchos que profundos, consiguiendo así que tu flash tenga una mayor cobertura. La característica más significativa de su diseño, es el pequeño plato en el centro del reflector que evita que luz llegue de modo directo, rebotándola y creando ese efecto especial de dureza en el centro pero suavidad en los bordes. Los beauty dishes se usan principalmente para retratos, y es que su luz dura en el centro aporta un contraste especial a la piel que la hace muy atractiva, de ahí su nombre. El beauty dish no nos aporta gran cosa en otras situaciones, donde su especial característica puede ser más un problema que un beneficio, por lo que su uso se limita a los retratos en la mayoría de casos. Uno de los factores más importante es entender que la posición del beauty dish es clave. Como he comentado un beauty dish tiene una zona de luz dura en el centro y suave en los bordes, por lo que tienes que ponerlo a una distancia en la que la luz dura ilumine la parte de tu sujeto que quieres resaltar y la transición suave de esa luz vaya dejando de dar importancia al resto de la escena. Una regla general que suele usarse consiste en poner el beauty dish a 1,5 veces su diámetro del motivo a fotografiar. Por ejemplo: si trabajas con un beauty dish de 56cm, lo debes poner a no más de 84cm ( 56cm * 1,5 = 84cm ) de tu modelo y conviene que lo orientes para que la parte dura de la luz llegue al centro de atención ( normalmente será el rostro ). Si pones el beauty dish muy cerca, la luz dura será la única que llegará a tu modelo y perderás el efecto especial de sus bordes suaves. Si pones el beauty dish muy lejos, la luz dura cubrirá una zona muy pequeña y será demasiado evidente. 5- Octabox: Es un tipo de softbox que tiene forma de octágono. Eso significa que tiene 8 lados en lugar de 4 que tiene un softbox tradicional. El octabox se utiliza muy frecuentemente en fotografía de retratos fundamentalmente por el hecho de que genera un reflejo circular en los ojos. Sus 8 lados asemejan un Octabox a un círculo. Eso crea una luz mas envolvente y tiene un efecto directo en el reflejo que este produce en cualquier superficie brillante como los ojos de nuestro modelo.

Su construcción es la misma que la de un softbox pero consta de 8 varillas para poder mantener su forma octagonal. Hasta hace poco, éso hacía de los octaboxes una pesadilla de montar y desmontar, pero hoy en día los podemos encontrar fácilmente plegables y mucho más resistentes. La gracia de usar un octabox en retratos es que nos aporta un catch light más natural, al asemejarse a una circulo como el reflejo producido por el sol y no a un rectángulo que no tiene presencia en la naturaleza.

PREPARACIÓN ANTES DE UNA SESIÓN DE FOTOS (PRE-PRODUCCIÓN) ¿Estas a punto de tener una sesión fotográfica personal? Aquí unos cuantos consejos a seguir para hacer el trabajo más fácil. 1. Si es posible, estudiar a la persona, observar sus rasgos, personalidad, carácter, gestos etc. De esta manera puedes hacerte una idea de qué tipo de fotos van a funcionar. Fotos de belleza, de acción, muy preparadas y formales, relajadas y con más expresiones naturales… etc. 2. Intenta crear las fotos en la cabeza antes de llevarlas a cabo, es decir, tener ideas e intentar visualizarlas para luego poder ir al grano. Puede ser de gran ayuda ver fotos que te gusten de grandes fotógrafos, más si tienes poco tiempo para tu sesión. Internet es una fuente infinita. Lleva esquemas de poses y bastantes fotos que me aporten ideas y el modelo entienda lo que quieres más facilmente. 3. Si llevas amigos ayudantes mejor que mejor, te pueden echar una mano colocando el paraguas, reflector e incluso colaborar en las poses, maquillaje, ambientación y demás. 4. Una vez acabada la sesión, hay que mostrar la satisfacción por el trabajo realizado. Es agradable que te digan lo bien que lo has hecho así que halaga a tu modelo y a los que te han ayudado. Sobre el modelo La elección de la modelo. Es muy importante pues será la cara de tu trabajo. También puedes contar con alguien que no sea modelo pero, por la razón que sea, quieras que salga en las fotos (una amiga, un familiar...). Sea como sea, elige bien y concienzudamente. De estilismo. ¿Qué tipo de ropa y maquillaje va a usar tu modelo? Puedes buscar un estilista o un maquillador que quiera o pueda trabajar contigo. Pero también existe la opción de organizar esta parte de la sesión por ti mismo o con la modelo. En este caso, puedes empezar por preguntarle a tu modelo si tiene el tipo de ropa que necesitas para las fotos. En caso afirmativo, pídele que te mande fotografías de la ropa, para saber exactamente con qué material cuentas. El maquillaje debe ser muy apegado a tu tema o concepto e incluso coherente al vestuario, y recuerda que muchas veces la uliminación aplana muchos tonos naturales o neutros, por lo que será necesario que vayas midiendo la cantidad de maquillaje que tu modelo necesite de acuerdo con la intensidad de las luces con la que vas a trabajar.

De asistente. Para poder dedicarte a hacer las fotos con los cinco sentidos, quizás necesitas de alguien que te ayude en otras cosas como puede ser, por ejemplo, la iluminación. Un asistente también puede ayudarte a montar el escenario (en caso de que necesites un escenario concreto para hacer tus fotos) o cualquier otra cosa que se te pueda ocurrir y con la que puedas necesitar ayuda.

Aplicaciones para poses. Puedes buscar alguna aplicación para fotógrafos en la que se expliquen distintas poses para las modelos. Esto te puede servir de inspiración y, como en el caso anterior, de apoyo el día de la sesión. Mientras la modelo se viste, se maquilla o se prepara en general antes de tomar las fotos, puedes echarle un ojo a la aplicación o a las fotos de modelos que tengas en tu teléfono. - Lleva esquemas de iluminación en la mente de acuerdo a tu objetivo o temática, para que el trabajo sea más rápido y fluido y tengas suficiente tiempo para hacer las pruebas de iluminación. TRATO CON EL MODELO Es el último punto, pero no por ello el menos importante. La manera que tengas de tratar un modelo determinará en gran medida el resultado final de la sesión de fotos. Seguramente, cuando empieces a realizar retratos no tendrás mucha soltura en la dirección de modelos. Lo más importante que debes saber: • El modelo no se toca. Lo ideal es que mantengas un clima profesional, de confianza y de respeto. Así que evita tocar físicamente el/la modelo. Si quieres arreglar un mechón de pelo que se ha descolocado o quitar una arruga que se ha formado en alguna prenda de ropa, pídeselo al modelo o, si dispones de un asistente y/o estilista, a ellos. • Órdenes claras y sencillas. “Pon el brazo así”, “mira a ese punto”. Esas instrucciones son las mejores: ayudarán al modelo a saber lo que quieres y a realizarlo de manera rápida. Si usas tu propio cuerpo como ejemplo para enseñar lo que esperas de tu retratado, mejor aún. • Sé agradable. Como en todos los aspectos de la vida: muy importante. Te ayudará a crear el clima de confianza y respeto que mencionábamos anteriormente. Preocúpate de sus necesidades: si tiene sed o calor, si está cómodo... Y ayúdale en todo lo que puedas. • Habla con tu modelo. es importante romper el hielo y crear un ambiente de confianza, haz que hable, sonría, muchas veces es apropiado una música suave en el entorno para evitar ese molesto silencio. • Enseñaalgunasfotos. Notodas, sólolasmejores. Aquellasquevayanamotivarleaseguirtrabajando. Te ayudará a transmitir seguridad en tu trabajo y a enseñar que todo está saliendo correctamente.

DIAGNÓSTICO

Procedimiento - La práctica consistirá en tomar una serie de fotografías a un (a) modelo utilizando las diferentes direcciones de luz, el estudiante será encargado de buscar el modelo que más se acople a sus necesidades, haciendo uso de los encuadres y planos para mejorar la composición, utilizando la escala de aberturas y velocidades. - Explote su creatividad. -Su compañero asignado será su asistente durante la sesión fotográfica, por lo que es muy importante que le informe y explique cuál es el objetivo y expectativas a lograr con su sesión de fotos. - No debe olvidar usar la cámara en modo manual“M”y ajustar aberturas, velocidades, WB, ISO, calidad y tamaño. Debe realizar las siguientes fotografías: una con luz frontal, una luz lateral, una luz cenital, una luz baja, una contraluz y una de relleno en total son 6 fotografías.

Entrega de trabajos • Las 4 fotografías seleccionadas deberán ser enviadas a su plataforma de flickr, agregarle a cada imagen un título de acuerdo al ejercicio que se realizó (identificar cada tipo de luz), especificar la guía a la que pertenece y agregar un pequeño racional/descripción que explique el concepto representado. • Debe entregar sus fotos con puntualidad, es decir enviarlas al docente antes de que inicie el siguiente laboratorio, de lo contrario no tendrá derecho a nota de esta guía. • Subir sus fotografías a la plataforma de flickr en un álbum para esta guía. • Debe entregar sus fotos con puntualidad, enviarlas a su docente antes que inicie el siguiente laboratorio, de lo contrario no tendrá derecho a nota.

Investigación complementaria - Diálogo con la Fotografía. / Paul Gil Barcelona, España: Gustavo Gili, 2001. - El Bodegón: Guía rápida de fotografía Barcelona, España: Agata, 1999. - El Libro de la Fotografía Digital: Captar, manipular y almacenar las imágenes. / Chris George Barcelona, España: Blume, 2007. - Fotografía Digital : avanzada./Jay Kinghorn y Jay Dickman Madrid, España: ANAYA, 2006. http://www.el3vicia.com/post/78802344697/prepararse-para-una-sesion-foto

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS • • • •

ACTIVIDAD Yuxtaposición fotográfica / Combofoto

CONTENIDOS

En este documento se encuentra la información general de la actividad evaluada de la segunda unidad así como los lineamientos que debe seguir el estudiante para la presentación de su actividad.

OBJETIVO ESPECÍFICO •

El estudiante demostrará por medio de una yuxtaposición fotográfica el dominio del equipo y la configuración de las opciones básicas y creativas de la cámara digital, asi como también, pondrá a prueba el conocimiento y aplicación de los conceptos de composición fotográfica e iluminación.

MATERIALES Es responsabilidad de cada alumno leer previamente cada una de las guías antes de asistir a las prácticas de laboratorio, así como traer los materiales y equipo que se le solicite.

ACTIVIDAD

INTRODUCCIÓN TEÓRICA Definición En el campo de la gramática, la yuxtaposición es un procedimiento para combinar pro posiciones y establecer relaciones sintácticas entre ellas. Se trata de una operación semejante a la coordinación y la subordinación. En el caso de la fotografía es muy similar ya que se trata de colocar dos imagenes de objetos o sujetos diferentes y que entre ellas formen una imagen diferente. Más exactamente se emplea como técnica que consiste en presentar dos historias o dos personas en situaciones totalmente opuestas. De esta manera, el autor lo que consigue es contrastar aquellas y las emociones que despiertan. La noción de yuxtaposición tiene muchos usos. En el ámbito de la pintura, se trata de una técnica que consiste en pintar elementos contiguos con materiales como la acuarela que, gracias a su humedad, terminan desplazándose y generando efectos visuales sorprendentes. Precisamente en relación a este término, hay que subrayar que también en el campo del diseño se hace uso de esta misma palabra. Concretamente en él se emplea para referirse a la relación que se establece entre dos o más objetos cuando estos se tocan pero no interfieren para nada unos en los otros. Partiendo de este criterio también hay que decir que yuxtaposición es otro de los elementos que se estudian y se tienen muy en cuenta en el ámbito de la arquitectura. De esta manera, se determina que aquella es una interacción de lo que son estímulos visuales diferentes. La misma se sustenta en lo que es el establecimiento de tres o más claves, que aparecen juntas, que da lugar a que surja una relación inevitable. Precisamente en el campo arquitectónico, la yuxtaposición se establece claramente opuesta a lo que se conoce como singularidad. Esta, por su parte, es la acción que llevan los profesionales teniendo claro que la composición se debe centrar en un único tema. Este además debe ser absolutamente independiente, debe transmitir cierto énfasis y en absoluto debe contar con el respaldo de otro estímulo de tipo visual.

INDICACIONES

1. Cada estudiante deberá trabajar con un concepto, esto es muy importante antes de la producción de las fotografías pues de esta manera podrá tener más claro qué tipo de personas, objetos, colores o fondos debe utilizar. 2. Debe buscar los escenarios o fondos que le ayuden a reforzar su concepto y resaltar los elementos en la fotografías, cabe destacar que los fondos en las dos imágenes deben ser muy similares de ser mejor, el mismo. 3. Tome las fotografías con el elemento principal en el centro y el fondo monocromático. 4. Mantenga el mismo encuadre, plano y ángulo en las dos fotos para que no sea difícil el montaje en el procesamiento digital. 5. La iluminación es clave en esta técnica pues debe mantener el mismo esquema en ambas fotos, se recomienda que las dos fotografías se realicen el mismo día y bajo las mismas condiciones de luz para que al momento de yuxtaponerlas se acoplen perfectamente. 6. Muy importante la escala de los elementos que desea trabajar y el enfoque de la fotografías de eso puede depender la calidad de su trabajo. 7. En el proceso digital se recortarán las 2 fotografías (generalmente a la mitad) y al unirlas las dos mitades, se forma una nueva imagen que muchas veces es surrealista. El corte generalmente es horizontal a la mitad de ambas fotos, y un poco de ajustes en el resultado final.

Entregarán las 2 fotografías originales y la imagen con el resultado final. (3 en total) 1. Concepto y racional del trabajo 2. Aplicación de la técnica 3. Configuración de la cámara (Av, Vel, ISO y WB) e Iluminación 4. Selección y composición de la escena 5. Autoevaluación

GUÍA 8 Trucos fotográficos

CONTENIDOS Esta guía contiene información importante sobre algunas de las técnicas fotográficas creativas, como sonlahoraazul, queserealizaenexterioresysuobjetivoesdestacarloscoloresdelcieloenesemomento de transición entre la tarde y la noche, en contraste con las luces de la ciudad, las exposiciones múltiples que es una manera creativa de componer varias exposiciones en una sola fotografía, la perspectiva forzada que es una técnica muy usada en la publicidad y los trabajos creativos y finalmente, la técnica de pintar y escribir con luz.

OBJETIVO ESPECÍFICO •Conocer y experimentar con técnicas fotográficas creativas de iluminación, color y reflejo para lograr escenas más coloridas y abstractas.

MATERIALES Es responsabilidad de cada alumno leer previamente cada una de las guías antes de asistir a las prácticas de laboratorio, así como traer los materiales y equipo que se le solicite. 1- Cámara Digital. 2- Tarjeta de memoria con suficiente espacio de almacenamiento 3-Batería cargada 4- Trípode. 5- Fuentes de luz como: guías de luces navideñas, lámparas de mano, luces neón, luz negra, etc. (verifique que funcionen antes de traerlas al laboratorio). Para la segunda sesión No olvide su hoja de evaluación. (Si no la presenta no tendrá derecho a su nota). Si no entregan el trabajo completo y en la fecha límite no se le recibirá.

Introducción teórica Saber mirar, algo que resulta difícil en fotografía pero a la vez indispensable para obtener buenas fotografías. Para ello se requiere sobre todo aprender a mirar. ¿Para qué queremos hacer buenas fotos? Pues para que sean aceptadas por el público en general. Aunque las normas en fotografía estén para saltárselas, cuando uno lo crea oportuno, existen unas reglas que ayudan a dar expresividad a una fotografía. Componer es organizar las formas dentro del espacio visual disponible, con sentido de unidad, de forma que el resultado sea armonioso y estéticamente equilibrado, algunos trucos fotográficos que pueden ayudar para obtener fotografías más dinámicas y con impacto visual son las siguientes: 1. LA HORA AZUL, EL MEJOR MOMENTO DEL DÍA CON LA LUZ MÁS EXÓTICA

La hora azul, también conocida como la hora mágica o dorada, es la primera y la última hora de luz del día y es uno de los momentos preferidos por muchos fotógrafos. Si tenemos suerte y las condiciones climatológicas lo permiten, nos encontraremos con que durante la media hora previa al amanecer y el atardecer, y la media hora posterior a estos (siempre hablando de forma aproximada), la calidad de la luz será extraordinaria ofreciéndonos una iluminación muy difusa y cálida ideal para retratos y paisajes. Otra ventaja que aporta la hora azul es que, gracias a que la luz directa del sol es considerablemente menos intensa, la diferencia entre las luces y las sombras también es menor, reduciéndose la probabilidad de sobreexponer o subexponer una de las dos. El cielo por su parte, tomará un intenso color azul que contrastará con la mayoría de motivos que decidamos fotografiar, siendo especialmente idóneo para la fotografía urbana en la que se combina con la luz artificial procedente de farolas y edificios.

Aunque se denomine “la hora azul”, deberás tener en cuenta que la duración de la misma es bastante corta y difiere del momento antes del amanecer al de la puesta de sol. En amaneceres, la hora azul se sitúa en tan sólo unos 30 minutos antes de éste, y en anocheceres unos 15 minutos después de que el sol haya desaparecido tras la línea del horizonte. Siempre dependerá de la situación geográfica en la que nos encontremos y de la época del año. Algo de inspiración - Fotografía de larga exposición: Prueba a combinar un espléndido cielo azul con el camino que realizan objetos en movimiento como coches, motos o carreteras - Busca reflejos interesantes. Ríos, charcos, agua en un vaso… lo que se te ocurra, dale rienda suelta a tu inagotable imaginación. - Busca líneas interesantes en tus composiciones. Intenta que las líneas de tus edificios no“se caigan”si no es que lo pretendes por algún motivo artístico personal. - Prueba a encuadrar horizontalmente y verticalmente Retrata el movimiento, el fluir de las ciudades y el ambiente de la noche que despierta. - No olvides que tu imagen debe tener siempre un centro de interés claro. - Busca colores complementarios que contrasten entre sí. - Sé creativo. 2. LA HORA DORADA, CONOCIDA TAMBIÉN COMO LA

HORA CÁLIDA Esos instantes mágicos alrededor de la salida o la puesta del sol son conocidos como hora dorada (o cálida) y hora azul. No son lo mismo pero sí se suceden la una a la otra, y aunque ambas se llamen “hora”quizá lo deberíamos llamar “momento”, porque según la latitud a la que nos encontremos dentro del planeta y de la época del año, esta “hora” puede durar tres horas o 20 minutos… El gráfico puedes leerlo como un ocaso o como un amanecer; en ambos casos ambas “horas” se suceden de la misma manera. Es decir, en un amanecer, pasaríamos de la noche, a unos instantes de hora azul que se convertirían en dorada a medida que el sol se acerca al horizonte, y que se mantendría instantes después (generalmente unos 30-40’). Aunque ambas son horas mágicas y a menudo puedes encontrarlas definidas como una misma cosa, la realidad es que ambas tienen temperaturas de color muy diferentes.

La hora dorada se caracteriza por una temperatura de color cálida, y por lo tanto, este es el aspecto que dominará en tus imágenes. Cuando el sol está bajo, acercándose al horizonte, la luz que proyecta tiene unos matices cálidos que hacen de estos instantes uno de los más preciados en fotografía, sobretodo es muy utilizado en fotografía de retratos y de paisajes. Si vas a hacer una sesión de retratos, es importante pensar con anticipación dónde vas a realizarla. Así podrás prever con antelación el mejor lugar donde colocarte, donde colocar a tu modelo, prever por dónde saldrá o se pondrá el sol, etcétera. La luz que transmite la hora dorada es muy suave, por lo que es más fácil de“controlar”que otras luces más duras. Muchas veces no necesitarás más que esa preciosa luz, para obtener retratos impresionantes, pero no está de más llevarte algo de ayuda para tener más libertad a la hora de encuadrar o situar a tu modelo. Las sombras del final del día también son características de la hora dorada. Puesto que la posición del sol es muy horizontal, la luz crea alargadas y suaves sombras que puedes integrar en alguna de tus composiciones. Otra de las grandes aliadas de la hora dorada es la fotografía de paisaje. La luz lateral y su juego de luces y sombras realzan las texturas, el color cálido tiñe todo el paisaje, y el cielo se satura de miles de naranjas, rosas, azules, amarillos o violetas. Se debe tomar en cuenta que tanto la hora azul y la hora dorada por su intensidad baja de luz, nos obligan a utilizar en primera instancia un trípode, velocidades bajas, aberturas grandes y el ISO regulado de manera que no obtengamos mucho ruido en la imagen. Estamos hablando de una técncia experimental en donde no podemos controlar la iluminación pero podemos informarnos sobre el clima o estudiar con anterioridad la dirección de la luz y la hora en la que este tipo de ambiente se genera.

Algunas recomendaciones para tomar este tipo de técnica son los siguientes: 1. El uso del trípode es esencial. La calidad de la luz es excelente pero no ocurre lo mismo con su intensidad

por lo que olvidaros de disparar a pulso. 2. Si queremos reducir las vibraciones al mínimo, lo mejor es utilizar un disparador remoto o el temporizador de la cámara. Si esta es un réflex y dispone de la función de bloqueo de espejo no dudes en activarla para evitar la vibración producida por el movimiento del espejo. 3. Tendremos que poner especial atención a la exposición de la cámara para compensarla de ser necesario. Si el cielo está muy oscuro es posible que la cámara nos dé una medición errónea que sobreexponga las zonas más iluminadas. Algo de inspiración - Busca texturas - Dale protagonismo al cielo cuando éste lo valga - Busca ángulos y composiciones interesantes - Busca interesantes marcos naturales - No le des siempre la espalda al sol - Prueba a fotografiarlo e introducirlo en tus imágenes - Juega con diferentes planos en la imagen para aumentar la profundidad - Busca la magia de la luz cálida a través de una buena exposición y hazla protagonista de tu imagen - Practica con las reglas de composición - Sáltate alguna de ellas de vez en cuando - Incluye el efecto sedoso en alguna de tus imágenes. - Asegúrate de que tu imagen tiene un centro de interés. 3. EXPOSICIONES MÚLTIPLES Las posibilidades que nos permite esta técnica son muy variadas, por ejemplo puedes colocar a la misma persona en dos posiciones distintas en la misma fotografía, el resultado dependiendo de cómo se trabaje podría parecer un fotomontaje elaborado en un programa de retoque digital o, dar la sensación fantasmagórica que causa la transparencia de las exposiciones cuando no se ha dejado suficiente tiempo de exposición. los momentos en los que se quiere que la cámara capte la imagen (encender y apagar) siempre con 10 o 15 segundos de velocidad. Cuidado las exposiciones de forma que, entre todas ellas, sumasen el tiempo de exposición que daría una sola foto sin subexposición o sobreexposición.

Existen dos tipos de técnicas para crear el efecto de las exposiciones múltiples, las cuales se detallan a continuación: 1- Aquellas en que la composición permanece estática, es decir, no vamos a mover ni la cámara ni sus ajustes. En este tipo de fotografías se hace imprescindible con un trípode. En ella, hay algún objeto que se mueve y marca la diferencia entre los dos disparos este tipo de técnica también puede ser elaborado de la misma manera en una cámara digital. 2- Aquellas en las que la composición varía, es decir, se mueve la cámara o sus ajustes. En esta imagen no es imprescindible utilizar trípode, pero es más recomendable. ¿Y en Fotografía Digital? Pues aunque a nivel interno el sistema es completamente diferente, lo que nos interesa a nosotros es que de cara al fotógrafo el resultado es el mismo. Se mantiene la cámara en una exposición lenta es decir, 10 o 15 segundos o más dependiendo de la escena, utilizar luz ambiente y tapar el lente de la cámara cuando el objeto está cambiando de posición, o también utilizar un ambiente oscuro e iluminar únicamente en el momento en que el modelo se encuentre estático. Otra manera muy conveniente de desarrollar esta técnica cuando se puede tener control de la luz de la escena es simplemente apagar y encenderla cuantas veces sea necesario, esto implica más coordinación de parte del fotógrafo, la luz y los elementos de la composición. Esto permite tener más control del resultado. Usando el flash Utilizando una larga exposición logre dejar tres imágenes de la misma persona en diferente posición pero con el mismo encuadre, la teoría me dice: “Utilizamos la velocidad Bulb, y el fondo debe ser negro. Para que imprima solo lo que deseamos. Disparamos y mantenemos el obturador abierto, luego disparamos el flash, la persona cambia de posición y volvemos a hacer lo mismo (puede hacer muchas posiciones distintas), por cada posición nueva, volvemos a disparar el flash. Ya que el sensor solo imprime el reflejo del objeto cuando es iluminado por el flash. No podemos mover la cámara sino la fotografía resultara movida. 4. PERSPECTIVA FORZADA La Perspectiva Forzada es una técnica usada básicamente en fotografía, en rodajes de películas y en arquitectura. Se trata de crear ilusiones ópticas haciendo que un objeto parezca más grande, más pequeño, más lejos o más cerca de lo que realmente es o está.

Pues sí, básicamente se trata de engañar a nuestra vista creando una ilusión para conseguir algo que parece lógicamente imposible, pero que gracias a la creatividad y a la imaginación se puede conseguir.

¿Cómo se logra? Como ya hemos dicho anteriormente, la clave es la creatividad e imaginación. Se consigue mezclando el fondo de la foto con el primer plano, haciendo que parezca que los dos objetos tienen la misma importancia. Por supuesto, estos dos objetos tendrán tamaños distintos y es precisamente esto lo que engañará a nuestros ojos, creando una ilusión óptica.

Para conseguir los efectos más buenos e impactantes, hay que considerar los siguientes factores: la composición, el zoom y el punto de vista. Algo que es muy útil en este tipo de fotografías es trabajar con las aberturas cerradas para lograr una profundidad de campo y así todos los elementos de la escena aparecerán igualmente enfocados, se deberá entonces compensar la exposición con las velocidades.

Composición Antes de tirar la foto, se debe haber pensado en la composición que se desea conseguir. Se debe tener clara la idea de foto que se busca conseguir y a partir de ahí colocar los objetos y/o personas en el sitio adecuado y mover la cámara lentamente para conseguir que los dos objetos conecten. Es mejor no usar trípode ya que se tiene más margen de maniobra moviendo tú mismo la cámara.

Zoom Es mejor trabajar con un zoom alto, ya que se tiene más libertad y espacio para conectar los elementos de la foto y lograr un mejor resultado. Punto de vista Dependiendo de cómo se tome la foto, se consigue ampliar o reducir el tamaño de los elementos. Si baja el punto de vista y se enfoca hacia arriba se consigue que los elementos parezcan más grandes. También puedes utilizar objetos para conseguir este efecto y jugar con la ubicación y los elementos de fondo, de manera que resulte difícil averiguar si es algo real o simplemente una visión óptica. 4. PINTAR Y ESCRIBIR CON LUZ Siempre se ha dicho que la fotografía es luz. Un adecuado manejo y conocimiento de la misma es imprescindible, para conseguir buenas impresiones. Ahora con la fotografía digital y sus tremendas posibilidades, esto es un poco menos cierto. Pero es una técnica que hay que trabajar y dominar, nada sencillo. Utilizando la luz coloreada, al igual que el pintor utiliza el pigmento, y trabajando de noche, se construye la fotografía por medio de capas de color. A menudo, esto se combina con una exposición normal, efectuada bajo la luz del día en la misma película o cuadro. Durante este proceso, la cámara y la película han de permanecer fijas, y el tiempo de exposición total en la mayoría de los casos depende del objetivo a capturar. Este método, aunque requiere mucha dedicación y mucho tiempo, retiene lo que constituye la belleza inherente de la fotografía “convencional”: su ilusión de veracidad. De hecho el nombres es bastante gráfico, esta técnica lo que busca es alterar la luminosidad natural de una fotografía, aplicando fuentes de luz artificiales y usando tiempos de exposición largos. Una fotografía, es la captura de la luz que reflejan ciertos objetos, en un paisaje, la luz del sol sobre los elementos: árboles, montañas, en un retrato, en un interior, la luz de la bombilla rebotando en la cara del protagonista. ¿Qué ocurre si dejamos el obturador abierto durante 30 segundos, el sujeto inmóvil, y hacemos que las fuentes de luz cambien de lugar, orientación e incluso de color?

Colorear algunas partes de la imagen con diferentes fuentes luminosas dota a la imagen de un cierto aire irreal. Podemos crear un conjunto de objetos, que parezcan ser iluminados desde muchos e indefinidos puntos, sin acabar de definir unas sombras concretas. Donde ningún objeto parezca proyectar la misma sombra. ¡Eso es lo que intentaremos conseguir en nuestro experimento! Vamos a aprender a “pintar con luz”. De hecho el nombres es bastante gráfico, esta técnica lo que busca es alterar la luminosidad natural de una fotografía, aplicando fuentes de luz artificiales y usando tiempos de exposición largos. Una fotografía, es la captura de la luz que reflejan ciertos objetos, en un paisaje, la luz del sol sobre los elementos: árboles, montañas, en un retrato, en un interior, la luz de la bombilla rebotando en la cara del protagonista. Técnica: Para aplicar esta técnica usaremos un foco de luz (una linternaosimilar), enunentornototalmenteoscuro. Enesta situación se recomienda el uso de un trípode. El obturador lo abriremos de 15 a 30 segundos y el diafragma, lo ideal es ponerlo entre un f8 y un f10. Es aconsejable hacer varias pruebas con valores de exposición diferentes, sobre todo cuando se utilicen filtros y se haga foto en color. Efectos: Esta técnica se debe practicar en un lugar completamente oscuro, sin ningún objeto, con lo que lo único que se ve son los haces de luz reflejando la dirección del movimiento que le hayamos dado a los mismos (de ahí la expresión “pintar con luz”. Para lograr este objetivo necesitaremos: • Para empezar deberemos disponer de una cámara que permita especificar el tiempo de exposición, es decir, cuántos segundos permanece abierto el obturador. Con un mínimo de 5 seg. de exposición tendremos suficiente. • Pensar que con esos tiempos de exposición, entre 5 segundos y algunos minutos, las fotografías aparecerían sobreexpuestas si no trabajamos en un ambiente oscuro. Haremos las fotos en una habitación totalmente a oscuras y usaremos una fuente de luz tipo linterna, focos, etc.

• La cámara deberá permanecer totalmente inmóvil durante el tiempo en que el obturador esté abierto, ó simplemente usar un trípode que nos ayude en esta tarea. Algunas veces, al momento de mantener abierto el obturador, se genera un leve movimiento que a la larga se ve reflejado en la fotografía, si es posible se puede utilizar un disparador automático o mejor conocido como “auto disparador”, para evitar dicho inconveniente. • Finalmente, necesitaremos tener muy claro el objeto, o movimiento que queremos capturar, y la manera de cómo lograrlo. Después de preparar la composición o elementos que utilizaremos, hay que apagar las luces del cuarto que se utilice, no pasa nada si se filtra algo de luz entre las persianas, con el diafragma tan cerrado no se va a notar salvo que incida directamente sobre la composición. El resto no tiene mucho misterio, pulsar el disparador con la linterna o el tipo de luz que tengamos encendida y enfocando a cualquier zona de la composición que queramos iluminar. Después vamos moviendo la linterna por distintas zonas, deteniéndonos más tiempo en las zonas que queremos que salgan más iluminadas y variando el ángulo si queremos hacer sombras sobre el fondo.

Procedimiento

Procedimiento para la primera semana La Dinámica a desarrollar para la guía 8 en la primera semana será la siguiente: Se trabajará individualmente, y se realizará en exterior las fotografías utilizando los trucos fotográficos de hora azul, hora dorada, exposiciones múltiples y perspectiva forzada, buscando las mejores escenas para esta técnica fotográfica. Se aclara que se trabajará con velocidades lentas en algunas técnicas, por lo que es necesario traer su respectivo trípode. Se entregará 1 fotografía de cada técnica fotográfica, aplicando diferentes tipos de ángulos y encuadres, en total serán 4 fotografías de esta primera sesión.

Procedimiento para la segunda semana La Dinámica a desarrollar para la guía 8 esta semana será la siguiente: Cada alumno tomará sus fotografías pero esta sesión se desarrollará en grupo con todos los materiales que cada uno trajo al laboratorio que se indicaron en la primera página de esta guía y se realizará la práctica en el salón de clase. Se entregaran 4 fotografías de esta segunda semana demostrando las técnicas realizadas en el salón de clases. Se aclara que se trabajará con velocidades lentas en algunas técnicas, por lo que es necesario traer su respectivo trípode. Recuerde: • Verificar la carga de la batería de la cámara fotográfica y la capacidad de la tarjeta de memoria. • Seleccionar el tamaño y la calidad de imagen. • Usar trípode por las velocidades lentas • Realizar el respectivo WB, según la condición de la luz. • Seleccionar el ASA o ISO adecuado para mejorar la sensibilidad de la luz. • Variar los ángulos, encuadres y utilizar la escala de aberturas y velocidades que estime convenientes. • Explote su creatividad.

Entrega de trabajos Para las dos semanas (total de fotos : 8) 1. Evalúe el tipo de iluminación que utilizará para la toma de fotografías. 2. Se tomarán diferentes ángulos, encuadres y planos de las técnicas creativas. 3. Recuerde ser creativo. 4. Las aberturas, velocidades, ISO, iluminación se trabajarán de acuerdo con la idea de cada alumno, según éste estime conveniente, para lograr su objetivo. 5. Las 8 fotografías, deberán subirse a un portal de fotos en internet, se sugiere flickr o correo, donde tiene que crear su usuario y armar ahí su álbum fotográfico, este portal permite que automáticamente se pueda visualizar la ficha técnica de cada una de las imágenes. 6. Agregarle a cada fotografía un título de acuerdo al ejercicio que se realizó, especificando la guía a la que pertenece y un pequeño racional/descripción por cada una. 7. Recuerde que si su firma no aparece en la lista de asistencia, se anulará su nota inmediatamente.

Investigación complementaria - Diálogo con la Fotografía. / Paul Gil Barcelona, España: Gustavo Gili, 2001. - El Bodegón: Guía rápida de fotografía Barcelona, España: Agata, 1999. - El Libro de la Fotografía Digital: Captar, manipular y almacenar las imágenes. / Chris George Barcelona, España : Blume, 2007. - Fotografía Digital: avanzada. /Jay Kinghorn y Jay Dickman Madrid, España: ANAYA, 2006.

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS • • • •

GUÍA 9 Fotografía de retrato y antiretrato

CONTENIDOS Esta guía contiene principalmente, los lineamientos que se requieren para la realización de fotografías de retrato, específicamente fotografías de retrato en donde se busca mostrar la personalidad del modelo tal como es y la técnica del antirretrato que busca mostrar un lado contrario de la persona como si se tratara de su alter ego, al mismo tiempo se muestran algunas técnicas que pueden ser aplicables para este tipo de retratos como son la clave alta y clave baja.

OBJETIVO ESPECÍFICO • Elaborar un autorretrato y un antirretrato con las técnicas de retrato vistas en clase como parte de su proyecto final de la materia.

MATERIALES Es responsabilidad de cada alumno leer previamente cada una de las guías antes de asistir a las prácticas de laboratorio, así como traer los materiales y equipo que se le solicite. 1- Cámara Digital 2- Correa de colgar 3- Tarjeta de memoria vacía 4- Baterías cargadas 5- Trípode 6- Concepto previo a trabajar 7- Iluminación adecuada para la sesión 8- Programa de edición de imágenes No olvide su hoja de evaluación. (Si no la presenta no tendrá derecho a su nota). Si no entregan el trabajo completo y en la fecha límite no se le recibirá.

FOTOGRAFÍA DE RETRATO Y ANTIRETRATO GUÍA 9

Introducción teórica

CONSEJOS PARA CONSEGUIR MEJORES RETRATOS Y ANTIRRETRATOS 1. Ármate de paciencia. No es una tarea sencilla. Debemos dedicarle tiempo y paciencia. Probar una y otra vez, disparar muchas veces hasta que encuentres el resultado esperado y esta vez no es desde la comodidad que te aporta estar detrás del visor, en esta ocasión tendrás que ir a mirar el resultado desde tu posición una y otra vez… 2. Planifica. Puede resultar extraño, pero un autorretrato no es una fotografía cualquiera, un retrato tiene que transmitir tu personalidad o una emoción. Busca el lugar adecuado y piensa en el vestuario o atrezo que vas a utilizar. También se puede ensayar delante de un espejo los gestos y las posturas. Con los modelos lo solemos tener fácil, muévete así o aquí pero como nosotros no nos vemos… luego nos podemos llevar sorpresas. 3. Cuida la iluminación. Cómo conseguir fotografías impresionantes con luz natural, aunque también puedes usar el flash de relleno si es necesario. La luz determinará una gran parte de lo que quieres transmitir con tu autorretrato, luz suave, luz dura, natural o artificial. Dale la importancia que se merece. 4. Utiliza un trípode. Es la mejor opción para sujetar la cámara, aunque en su defecto puedes colocarla sobre una superficie firme, como una mesa o un muro. La idea es que el ángulo, encuadre y palno que has elegido no se mueva para que la foto salga como se ha planificado y saber dónde y a qué distancia se debe colocar el modelo, en este caso tú. 5. Usaundisparadorremotooeltemporizador. El disparador remoto no es imprescindible, sin embargo es de gran ayuda, sobre todo si estás a una distancia considerable y por mucho que corras como Usain Bolt no te datiempo de darle al botón y volver a tu puesto. Los de cable son aún más económicos, pero también te limitará la distancia. 6. Encuadra bien. Es muy fácil decirlo pero hacerlo es otro cantar. Será muy probable que dispares y cuando vayas a comprobar el resultado te encuentres con que ¡tú no sales en la foto!, o bien sólo aparece tu brazo o una imagen borrosa de alguien que intenta colocarse… No te preocupes, esto es muy normal que ocurra. Para evitarlo puedes utilizar varios trucos:

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Si tienes la suerte de tener una pantalla giratoria… puedes saltarte estos trucos porque lo tendrás fácil fácil al girar la pantalla hacia ti, si no, sigue leyendo. Pon marcas en la pared o en el suelo para saber dónde te tienes que colocar. Utiliza un encuadre muy amplio y más tarde recorta con un programa informático. Un gran angular te ayudará en este caso. Encuadrar primeros planos es algo más complicado, pues cualquier mínimo error te hará desaparecer dejando un escenario tristemente vacío. Si tu cámara tiene pantalla LCD puedes colocar un espejo detrás y ver reflejado el resultado. Si eres como yo y no tienes esa suerte, agénciate un muñeco o cualquier otro objeto y ponlo en el lugar en el que tú tendrás que situarte después (ojo… no olvides quitarlo luego!

7. Enfoca bien. Qué fácil es decir esto y qué complicado es hacerlo, ¿verdad? Si ya lo has intentado sabrás de qué te hablo, si no, tienes la suerte de contar con algunos trucos: •

Lo más fácil es utilizar una apertura pequeña, o lo que es lo mismo, una profundidad de campo grande (un número f alto). Así te aseguras de que haya más elementos de la foto enfocados.

• • Otra opción es activar todos los puntos de enfoque en automático y esperar que alguno nos enfoque. Aunque es un poco arriesgado y te costará más de un viaje para comprobar. Para afinar un poco más y sobre todo para conseguir retratos impresionantes, y en los que por ejemplo desenfocas el fondo o sólo enfocas los ojos, también existen otros trucos que funcionan muy bien: • • •

Enfoca de forma manual sobre un muñeco o similar, el mismo que te ha servido para el encuadre te puede valer. Enfoca al revés. La distancia entre dos puntos es la misma desde el punto en que la midas, ¿no? pues deja el trípode en su sitio, colócate donde está tu marca, enfoca y vuelve a poner la cámara en su lugar. Si dispones de una pared detrás, coloca una marca en el lugar donde te vas a poner. Coloca un hilo en el objetivo que llegue justo con la punta hasta la marca. Ahora haz un enfoque manual a esa marca, colócate delante de ella y tensa el hilo poniendo la punta justo delante de tu ojo. Si está algo flojo retira el trípode, hasta que el hilo se tense. Toma en cuenta que en los primeros planos los ojos han de estar bien enfocados.

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FOTOGRAFÍA DE RETRATO Y ANTIRETRATO GUÍA 9

8. Dispara en ráfaga. Si tu cámara te lo permite dispara en modo ráfaga, así será más fácil que alguna salga decente. La mía por ejemplo no me permite el disparo en ráfaga si utilizo el mando remoto, aunque sí con el temporizador. 9. Deja volar tu imaginación. Diviértete, disfrázate, haz muecas, ¡experimenta! La sesión te será más grata y aguantarás más tiempo, lo que significa más práctica, más aprendizaje.

10. Cuida la composición y otros aspectos. Por último y no por eso menos importante, también debes tener en cuenta aspectos como la composición, el fondo o la armonía de los colores.

1. AUTO RETRATO Hacer autorretratos no es nada fácil… El encuadre y sobre todo, el enfoque, son dos parámetros clave para conseguir un buen autorretrato. A continuación se presentan una serie de consejos para que la próxima vez que lo intentas tengas menos problemas y mejores resultados. Cuando ya se manejan a la perfección los controles manuales, ya se tiene noción de la iluminación, y se empieza a interesar por algunas temáticas fotográficas y puede que el retrato es una de ellas. Y a falta de algún amigo que se ofrezca, no hay mejor modelo que tú mismo! ¿Qué mejor modelo que tú?. Vamos a olvidarnos de la belleza y la expresividad delante de la cámara, lo que seguro que tienes es paciencia, con paciencia puedes montar tu propio estudio fotográfico en casa y depurar la técnica todo lo que sea necesario. El encuadre es la parte más fácil, partimos de la base de que tienes la cámara montada en el trípode y estás de pie o sentado frente a la cámara. Puedes disparar con el temporizador o usar un disparador remoto. A la hora de realizar el encuadre no tendrás demasiados problemas siempre y cuando se trate de un retrato en plano entero a plano medio, para primeros planos o detalles el encuadre te costará un poco más, ya que cualquier mínimo movimiento te sacará de la foto.

El encuadre es la parte más fácil, partimos de la base de que tienes la cámara montada en el trípode y estás de pie o sentado frente a la cámara. Puedes disparar con el temporizador o usar un disparador remoto. A la hora de realizar el encuadre no tendrás demasiados problemas siempre y cuando se trate de un retrato en plano entero a plano medio, para primeros planos o detalles el encuadre te costará un poco más, ya que cualquier mínimo movimiento te sacará de la foto. Por eso, independientemente del tipo de plano que utilices, recuerda el siguiente consejo: pon un espejo detrás de la cámara, de modo que puedas ver reflejado el resultado de la foto que aparece en el LCD durante el disparo o después de disparar, según el tipo de cámara que tengas. Estas son algunas de las opciones que puedes utilizar: Iluminación: ¿Por qué no tomar una fotografía en casa en lugar de ir a un estudio fotográfico? Tendrás la oportunidad de darle un toque personal a la fotografía y ahorrarte algo de dinero. Con una cámara, una ventana y unos cuantos materiales que pueden encontrarse en casa, cualquiera puede crear una fotografía de apariencia profesional en el hogar. . Escoge la locación de tu “estudio”. Encuentra una pared blanca, de preferencia en una habitación que tenga mucha luz natural. Si no tienes una pared blanca, o si está cubierta con fotografías, cuelga una sábana blanca del techo y coloca el extremo final sobre el piso. Esto creará un lienzo en blanco tipo estudio para tu fotografía. Abre las persianas y deja que la luz del sol inunde la habitación. La iluminación es el elemento más importante cuando planeas tomar una fotografía de apariencia profesional y la luz natural ayuda a crear el mejor efecto. Planea iniciar la sesión fotográfica cuando sepas que tendrás la suficiente luz solar entrando a través de las ventanas durante varias horas. De esta manera, no necesitarás apresurarte para tomar las fotos. Si tu habitación tiene luz solar brillante, difumínala con una cortina blanca o una sábana blanca delgada. Esto creará un efecto más suave y eliminará las sombras fuertes. Incluso en los días nublados, el sol deberá proporcionar suficiente luz para tu fotografía.

Busca lámparas con pantallas cerradas o encapuchadas. Por ejemplo, las lámparas de escritorio suelen tener tonos que están cerrados en un extremo para que puedas dirigir la luz hacia un lugar particular. También puedes considerar la posibilidad de comprar lámparas profesionales tipo sombrilla, las cuales utilizan los artistas y fotógrafos para este fin. Son baratas y se pueden encontrar en las tiendas de artículos de fotografía. Crea un ambiente profesional. Utiliza las lámparas para llenar la habitación con una luz suave carente de sombras. Una lámpara debe apuntar hacia el techo, creando un cálido resplandor en contra de la pintura blanca. Esto debería brillar suavemente sobre tu objetivo desde arriba. Utiliza otra lámpara como una “luz de relleno”. Colócala en la parte posterior de la sala, lo suficientemente lejos del objetivo para que no cree sombras. Ambos tipos de iluminación se pueden utilizar en combinación con la luz natural difusa. Las diversas fuentes de luz crearán el ambiente óptimo para una sesión de fotos de aspecto profesional. No utilices lámparas de techo, pues arrojarán sombras duras sobre la persona. Puedes usar un paraguas, un trozo de tela u otro material para difuminar o filtrar las luces. Fuera distracciones. En un retrato en primer plano el protagonista es el modelo, por lo que intenta que el fondo no distraiga más de la cuenta. A mi me gusta apostar por fondos neutros, aunque si estamos usando un buen objetivo luminoso, con un bonito bokeh, puede introducirse algún fondo que aporte algo de interés, pero nunca que quite protagonismo al retrato. Por tanto busca fondos neutros, blancos, negros o grises, o busca fondos de color uniforme si tienes un buen objetivo luminoso que cree un buen desenfoque. Reúne utilería significativa. Un simple banquillo de madera para que la persona pose puede ser todo lo que necesitarás. Tal vez quieras que tu fotografía tenga un tema divertido. Reúne los materiales que necesites y acomódalos con buen gusto en frente del fondo blanco. Practica frente al espejo. Este método te dará la oportunidad de verificar el resultado que esperas obtener, conocerás cuál es el ángulo más favorecedor para ti y tu rostro, la pose más adecuada y la actitud que deseas mostrar. Debes tener bien claro cuales son tus puntos fuertes y esos destacarlos es más fácil hacer un autorretrato cuando sabes lo que quieres y esperas lograr.

La ideas es que tú mismo cuentes quién eres o como te ves tu mismo o quieres que te vean los demás, sin palabras solo a través de la fotografía. El concepto Tú No eres sólo una Cara! Sí, hacerte autorretratos significa hacerte fotografías pero tu cuerpo es mucho más extenso que sólo tu cara. Así que, ¿por qué nos empeñamos en que nuestras facciones aparezcan en nuestros autorretratos?. Por norma general, cuando nos vemos en una fotografía, nosotros, que estamos acostumbrados a vernos a todas horas, nos fijamos en detalles que para el resto de gente pasan desapercibidos. Y esta es la principal razón por la que muchos autorretratos caen en el olvido: porque no nos gustamos en ellos. La solución es muy sencilla: para que sea un autorretrato, no hace falta que aparezca tu cara en la imagen. Y para conseguir esto, tienes varias opciones: Busca en tu cuerpo. Como decíamos al principio, tú no eres sólo tu cara, y seguro que tu cuerpo está llenísimo de detalles para fotografiar: la manos, los pies, la piel, alguna peca... Puedes incluso centrarte en la cara, si es lo que quieres, pero fijándote en alguna parte concreta de ella. Por ejemplo, los ojos, la boca, etc. A contraluz. Así saldrás en la imagen pero, a la vez, no se te verá. Y no deja de ser un autorretrato. Así que si dispones de la luz adecuada (con un flash externo o en frente de una ventana de tu casa, por ejemplo) móntate el escenario que necesites y crea siluetas con tu cuerpo! Moviéndote. ¿El tema de buscar en tu cuerpo no te convence y por lo que sea, no puedes hacer un contraluz? Esta es otra opción para salir en el autorretrato sin que se te vea: programa la velocidad de obturación de tu cámara por debajo de 1/30 y, mientras estés realizando la foto, muévete frente la cámara. La foto saldrá movida, sí; pero tu estarás en ella!. Lacreatividadestodo. Sí, la creatividad lo es todo siempre, no sólo en los autorretratos. Pues sí, pero nunca está de más recordarlo, por si a alguien se le olvida. Y no me refiero sólo a la creatividad en la temática de tu autorretrato, también en su formato. En qué será un autorretrato, cómo te mostrarás en la imagen, mediante qué vas a representarte, etc.

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2. ANTIRRETRATO Este tipo de retrato se concentra en demostrar lo que el fotógrafo en definitiva no es, y al igual que el anterior , éste es un autorretrato pero destaca el lado que no es real, o como no les gustaría verse o que lo vean .

¿Cómo hacer un buen antirretrato? Definitivamente necesitas conocerte a ti mismo. Hacer una introspección de quién eres cómo eres, cuál es tu personalidad, con qué cosas te identificas cómo te ves y como te ven los demás. Partiendo de esa información es que puedes empezar a generar el personaje que se volvería en tu antagónico, en tu lado contrario, en tu no- yo.

Es muy válido hacer pequeñas encuestas o entrevistas a nuestros amigos o familiares para tener una idea más clara de lo que somos y proyectamos. Esta técnica es muy útil pues en muchas ocasiones no tenemos la misma percepción de nosotros con la gente tiene. Eso sí, los antirretratos tienen el añadido de que no estamos detrás de la cámara al disparar, por lo que se hace necesario tomar algunas consideraciones para conseguir un buen antirretrato. Al menos que consigamos encuadrar bien, enfocar apropiadamente y, lo más importante, ser originales. Debemos tomar en cuenta estos aspectos básicos para mejorar nuestros antirretratos: 1. Planificación. Es obvio, pero cuanto mejor pensemos,

estudiemos el lugar, la luz, las condiciones incluso nuestro aspecto mejor podremos trabajar. 2. ¿Qué queremos transmitir? Personalidad, estilo, estado de ánimo... primero pensemos qué queremos reflejar con el antirretrato antes de sumergirnos en la técnica. 3. Piensa en qué eres tu, para que te sea más fácil saber reflejar entonces lo que no eres. 4. Cuidar el fondo. Antes de colocarnos delante de la cámara hay que buscar un fondo apropiado a lo referido en el punto anterior. Influye mucho un fondo oscuro, iluminado, neutro o que forme parte del escenario que acompaña a nuestro rostro o cuerpo. Prepararlo a conciencia nos ayudará mucho a transmitir nuestra intención.

5. La composición y el encuadre. La composición es fundamental. Es necesario que busquemos nuestra ubicación, más próxima o lejana, sólo el rostro llenando el encuadre o parcialmente,... no hay nada como hacer pruebas. Tenemos a un modelo esforzado. 6. Estudiar la iluminación. Conforme a la idea que hemos elegido, el fondo y la composición debemos dotar de la iluminación adecuada. Aprovechemos ventanas, reflejos, fondos claros si estamos en interiores o buen momento y espacio en el exterior con una luz apropiada. Usar reflectores caseros tipo cartulina blanca o láminas de aluminio, nos pueden ayudar a dar con una luz adecuada o eliminar sombras molestas. 7. Uso de trípode o soporte seguro. Lo más adecuado es colocar la cámara sobre un trípode o un lugar seguro es necesario porque tendremos que hacer pruebas, movernos, re encuadrar y si tenemos la cámara bien fijada nos resultará cómodo. Además, también nos puede permitir disparar a una exposición más larga si fuese necesaria. 8. Dispara en ráfaga. Si somos buenos modelos seremos capaces de mantener el gesto adecuado, pero no quita que parpadeemos accidentalmente en el momento del disparo. Lo ideal es disparar en ráfaga, varias tomas que nos aseguren alguna buena. 9. Usa el temporizador o disparador remoto. Esencial para que podamos estar en nuestro sitio en el momento del disparo. CONSEJOS ÚTILES Debes tener en cuenta antes de hacer tus fotos: a) ¿Dónde vas a realizar la fotografía? No todas las ubicaciones son iguales ni brindan el mismo efecto o beneficio. b) ¿Cómo quieres que posen las personas? ¿Serios, sonrientes, bromeando, haciendo muecas ? Dícelo! c) ¿Salen todos en la fotografía? A nadie le va a gustar que la cabeza del que tiene delante le tape a él o que se quede fuera del encuadre. d) ¿Has avisado? Parece una tontería, pero te evitarás estrés si avisas 5 minutos antes. e) ¿Tienes la cámara preparada? La cámara, las baterías las tarjetas de memoria, trípode…

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3. ALGUNAS TÉCNICAS QUE PUEDEN FUNCIONAR MUY BIEN PARA RETRATOS Y ANTI-RETRATOS Para provocar algo en el espectador tienes que hacer uso de ciertas herramientas. Una de esas herramientas que suelen funcionar muy bien a la hora de“generar”un sentimiento en quien ve la foto es la técnica conocida como Clave Alta/Clave Baja. Este tipo de fotografías suelen llevar una enorme carga emocional. No puedes ver una foto en Clave Alta y no sentirte invadido por sentimientos positivos, de paz, de felicidad y de ternura. Tampoco te escapas de los sentimientos de intriga y misterio que suele generar una foto en Clave Baja.

• Clave alta Una de las cuestiones importantes para lograr esa correcta iluminación es sacar a nuestro sujeto de la zona de influencia de las fuentes de iluminación que están iluminando el fondo. De no hacerlo así tendríamos iluminación residual perfilando el rostro y los hombros de nuestro sujeto que estaría, con toda seguridad, sobreexpuesta igual que el fondo. Pero el fondo lo queremos blanco, claro está. Esta es la razón por la que separamos el sujeto del fondo iluminado. Otra posibilidad, interesante en alguna ocasión, es fondo blanco una ventana muy grande tipo Octabox de nuestro sujeto dirija la luz hacia su espalda. estos caso deberemos ser muy perfeccionistas con la residual y no quemar a nuestro sujeto. Para ello es de la influencia de esta ventana trasera y realizar utilizando un objetivo más largo.

utilizar a modo de que colocada detrás Cuidado, porque en posible iluminación recomendable salirse el retrato alejados

Iluminando para clave alta: el sujeto

Pasemos ahora a la iluminación de nuestro sujeto. Para ello la iluminación que recibe el sujeto ha de ser muy suave y difusa y en ningún caso interferir en la iluminación del fondo que queremos blanco. Dado que en este tipo de de iluminación buscamos un ambiente suave, étereo, que refleje calma, tranquilidad, lo que se traduce en: imagen de bajo contraste. Por ello, es conveniente tener una luz suave y difusa a través de algún tipo de ventana como las indicadas. Se deben tomar en cuenta factores como la potencia de los focos de luz o flash que vas a utilizar, la distancia entre la fuente de luz y el sujeto, es una técnica experimental se debe ir disparando, viendo el resultado y volviendo a disparar, y así hasta dar con la configuración más adecuada para la situación.

Pasos para fotografiar en Clave Alta 1. Vas a necesitar luz, mucha luz. Lo ideal sería apoyarse en uno o dos focos de iluminación (luz continua) que inunden el encuadre de luz. Si vas a jugar muchas veces con la Clave Alta te interesa pillarte unos focos de luz continua o softbox (aquí tienes uno muy bueno y baratito de precio). 2. Prepara un fondo blanco. Imprescindible. 3. Ajusta la cámara, en modo manual como de costumbre, a una apertura relativamente grande (f/5.6 sería suficiente, aunque si quieres bajar a f/3.5 pues no iría mal tampoco). Asegúrate de tener ISO mínimo (100), una velocidad de obturación entre 1/5 y 1/10 segundos. Sube la exposición a +2 EV. Ya que vas a utilizar una velocidad de obturación no excesivamente rápida, vas a necesitar un trípode, un disparador remoto (para eliminar toda posible vibración a la hora de disparar) y pedirle al sujeto que no se mueva. Ahora dispara la foto. 4. Sincronización de luces, si tienes la posibilidad de experimentar con luces de estudio y disparo sincronizado sería una buena opción.

• Clave baja Esas imágenes que denotan fuerza, muy oscuras, con apenas algunas formas iluminadas y que suelen ser muy llamativas. En ocasiones se desechan algunas posibilidades de escenas por escasez de luz y hay que intentar mirar con detenimiento y encontrar las posibilidades. Si el motivo es interesante podemos intentar trabajar un poco la toma y conseguir una fotografía en clave baja. Solo, por recordar, en un retrato en clave baja la mancha de imagen principal corresponde al negro, normalmente negro puro. Bien, teniendo esto en cuenta dividamos nuestro retrato en dos elementos modelo y fondo. Sobre el fondo, si estamos en estudio, elegiremos un fondo negro para nuestra fotografía. Es lo más fácil y sencillo. Si nos encontramos en exterior, podemos utilizar la técnica de “inventarnos” un fondo negro, oscurecerlo y trabajarlo un poquito más en post-producción.

Detalles a tener en cuenta Ya, en las consideraciones previas os he dado unas pistas. Necesitamos que el fondo negro, sea negro. Para ello, hemos de tener en cuenta lo siguiente: debe recibir la menor luz posible. Por eso, hemos de evitar en cuenta que nuestra iluminación, al contrario de lo que hacíamos el otro día al respecto de la clave alta, se dirija hacia el fondo.

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En los retratos de clave baja es muy importante la mancha negra, por eso, podemos optar por: - Concentrar la luz: utilizando un snoot, un paraguas plateado a medio abrir o cualquier otro medio que nos permita concentrar la luz procedente de nuestra fuente de iluminación. - Una luz más dura, suele funcionar mejor en este tipo de retratos. - No hacen falta muchas fuentes de iluminación pero sí que estén bien dirigidas y concentradas. - Debemos hacer que la luz ambiente no entre en nuestra escena y que solamente entre aquella procedente de nuestras fuentes de iluminación, por lo que una velocidad de obturación alta y un diafragama cerrado serán nuestros mejores aliados - Es muy importante la postura del sujeto: Hemos de prestar atención especial a los detalles de la cara, las manos y otros elementos pues vamos a dejar en sombra partes del cuerpo. Por eso, seguramente, habrás de realizar varias pruebas para ver si el resultado es correcto.

Lo que se pretende es crear cierto aura de intriga, de misterio, en la imagen, cosa que nos proporciona y nos evoca el uso de la mancha negra a modo de espacio negativo. Algunos consejos que nos pueden ayudar a lograr buenas imágenes en clave baja: 1. Es importante cuidar bien la composición y el encuadre para seleccionar los elementos suavemente iluminados, buscando un claroscuro interesante. Mejor elegir los objetos o sujetos oscuros y descartar los brillantes. 2. Una sóla fuente de luz, aunque escasa puede ser suficiente, cuidando que ilumine nuestro sujeto principal de forma lateral para destacar texturas y formas. Pero también podemos usar varias luces que consigan destacar los bordes y formas de nuestro objeto principal. 3. Lamediciónesesencialparalograrunacorrectaexposición, hayqueintentarquelaszonasiluminadas no queden quemadas, es decir, sobreexpuestas. Por ello, se puede usar una medición puntual o bien ponderada al centro midiendo en las zonas iluminadas, aunque siempre depende de la escena y la luz que contemos. Con una medición matricial es más probable que no logremos un resultado óptimo, ya que nuestra cámara tenderá a encontrar un equilibrio entre las zonas oscuras y claras y se perdería el constraste que caracteriza a clave baja. 4. Es preferible que se utilice luz puntual de manera lateral, cenital, baja, evite usar luz frontal porque ilumina demasada proporción del modelo y aplana los volúmenes. 5. Las fotografías en clave baja pueden transmitir sensación de tensión, tranquilidad, tristeza, intimidad, intriga incluso abstracción, por ello hay que decidir qué queremos lograr y acentuarlo.

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6. Para lograr potenciar la clave baja de una escena debemos cerrar el diafragma, lo que nos obligará a mantener firme la cámara o bien ayudarnos de un apoyo o trípode para evitar movimientos. 7. Cuida que siempre haya zonas suficientemente oscuras para que destaque el detalle más luminoso y enfatizar el dramatismo que generan los contrastes, especialmente en los retratos. Pasos para fotografiar en Clave Baja - Fondo negro como te podrás imaginar, tiene que ser plano, sin relieves ni brillos. La idea es que no refleje ninguna luz. - Luz: Clave Baja no significa ausencia de luz, sino escasez de la misma. En la Clave Baja el fotógrafo utiliza una cantidad mínima de luz distribuida de forma estratégica, dirigiéndola sólo a las partes que interesan del sujeto u objeto retratado. En este caso con un Flash remoto bastaría. Si el flash te permite controlar su potencia, ajústalo en una potencia baja. - Ajustes de la cámara: Aquí no hay valores de los que puedas partir por defecto. La única regla a tener en cuenta es que tienes que jugar con los ajustes para que entre cuanta menos luz a la cámara mejor. No digo que salga toda la foto oscura y ni siquiera se pueda distinguir al sujeto. Tampoco hay que irse a ese extremo pero sí conservar una luz sutil que desvele sólo parte del cuerpo o cara de nuestro personaje. - Ahora dispara la foto. De nuevo, ve disparando y revisando los resultados.

Procedimiento

1- Deberá realizar una sesión fotográfica y seleccionar una serie de fotografías y sus fichas técnicas con el objetivo que el instructor le ayude a elegir la mejor fotografía para trabajar en ella esto se realizará individualmente. 2- Una vez elegida la fotografía, debe darle retoque digital correctivo, aplicar efectos y crear un su auto y antirretrato, de la manera en la que usted ha decidido trabajar. 3- El auto o antirretrato puede trabajarlo en casa o si lo prefiere en el laboratorio de fotografía, debe traer bocetos y concepto ya establecido y los materiales necesarios, o bien utilizar todos los recursos que el estudio de iluminación le brinda y tener mejores resultados. 4- El programa a utilizar para la elaboración de la portada queda a consideración de cada alumno.

Entrega de trabajos

• Las fotografías originales más las fotografías retocadas deberán ser subidas a un portal de fotos en internet, se sugiere flickr, donde tiene que crear su usuario y armar ahí su álbum fotográfico, este portal permite que automáticamente se pueda visualizar la ficha técnica de cada una de las imágenes. En total serán 4 fotografías las que entregarán (1 auto retrato original y 1 retocada), (1 anti retrato original y 1 retocada.)

FOTOGRAFÍADIGITAL FOD GUÍA10

Recuerdequesisufirmanoapareceenlalistadeasistencia,seanularásunota inmediatamente. REFERENCIASBIBLIOGRÁFICAS Manualcompletodefotografía,editorialBlumeBarcelona2005. 2.Comohacerbuenasfotografías,EditorialLibsa,Barcelona,España,2001. 3.Elplacerdefotografiar,EastmanKodakCompany,EditorialFolio,Barcelona, España,1980. 4.Cómoleerlafotografía:Entenderydisfrutarlosgrandesfotógrafos,de StieglitzaDoisneau./IanJefreyBarcelona,EspañaElecta2008. 110

FOTOGRAFÍA DE RETRATO Y ANTIRRETRATO 106 GUÍA 9

• Agregarle a cada fotografía un título de acuerdo al ejercicio que se realizó, especificando la guía a la que pertenece y un pequeño racional/descripción por cada una.

Investigación complementaria Manual de prácticas de Fotografía UDB www.fotonostra.com, www.dzoom.com, www.flickr.com

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS • • • •

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GUÍA 10 Proyecto final

CONTENIDOS El proyecto final del laboratorio constituye la guía N.10, donde los y las estudiantes presentaran su portafolio fotográfico on-line, el cual contendrá la recopilación de sus trabajos del ciclo.

OBJETIVO ESPECÍFICO • Que los y las estudiantes muestren los trabajos realizados en el ciclo, mediante un portafolio profesional on-line y realicen la presentación del mismo, para que sea evaluado su discurso de la imagen.

INDICACIONES Es responsabilidad del estudiante leer previamente la guía y tener listo su enlace para mostrar su portafolio versión on-line. El proyecto final de las prácticas de fotografía profesional consistirá en un portafolio impreso y versión online. Para la entrega digital utilizar WIX, Prezi u otra plataforma que muestre el trabajo realizado por todos los estudiantes, a lo largo del ciclo, en las diferentes guías.

No olvide su hoja de evaluación. (Si no la presenta no tendrá derecho a su nota). Si no entregan el trabajo completo y en la fecha límite no se le recibirá.

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PROYECTO FINAL GUÍA 10

Introducción te órica

Los parámetros que debe tomar en cuenta son: 1. Brindar a su docente la dirección exacta de su sitio web, donde estará el portafolio digital. 2. Recuerde que el portafolio digital online debe contener una muestra del trabajo realizado en cada guía, es decir la mejor fotografía de cada una de las 9 prácticas realizadas y su aplicación con la información siguiente: nombre de la guía, nombre de la foto, racional o descripción de la imagen y la ficha técnica, esta información será por cada una de las guías, haciendo un total de 18 fotos. 3. Es necesario aclarar también, que el portafolio no es la acumulación de las 9 presentaciones sino, la integración de las 8 guías en un solo álbum, donde se muestra la foto más representativa. 4. El portafolio también contempla elementos como: / Portada / Introducción o descripción de su concepto / Autoretrato / Perfil del fotógrafo (a) - Biografía / Identificación por guía (Título, nombre del ejercicio y nombre de la guía correspondiente a cada foto) / Racionales breves / Fotografías / Conclusiones

Entrega de trabajos

Para la presentación 1. Cada estudiante debe presenter su portafolio digital online en el grupo de laboratorio correspondiente, mostrando ante sus compañeros y docente el avance alcanzado en el ciclo.

2. No olvide utilizar el lenguaje técnico, ya que el discurso de la imagen será parte de su evaluación. 3. Recuerde indicar en las fotos digitales su número de guía y el ejercicio realizado en cada imagen. Las fotos deben tener nombre y una explicación que constituye el racional del trabajo, es decir la justificación del mismo. Se recomienda ser muy creativo. 4. No olvide que es la nota de su parcial de laboratorio por lo que, la presentación personal, puntualidad y expresión verbal es parte de su evaluación. 5. También será parte importante en la evaluación la calidad del diseño y el contenido complete de su portafolio. No menos importante es la utilización de la herramienta en linea.

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Investigación complementaria

- Diálogo con la Fotografía. / Paul Gil Barcelona, España: Gustavo Gili, 2001. - El Bodegón: Guía rápida de fotografía Barcelona, España: Agata, 1999. - El Libro de la Fotografía Digital: Captar, manipular y almacenar las imágenes. / Chris George Barcelona, España: Blume, 2007. - Fotografía Digital: avanzada./Jay Kinghorn y Jay Dickman Madrid, España: ANAYA, 2006.

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PROYECTO FINAL GUÍA 10

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS • • • •

PORTAFOLIO FOTOGRÁFICO 111

Portafolio fotográfico

CONTENIDOS En este documento se encuentra la información general de la actividad evaluada de la segunda unidad así como los lineamientos que debe seguir el estudiante para la presentación de su actividad.

OBJETIVO ESPECÍFICO •

El estudiante demostrará por medio de un portafolio digital los conocimientos adquiridos en todo el ciclo en la materia de fotografía digital tanto en la teoría como en laboratorio, este portafolio debe ser su carta de presentación como fotógrafo profesional integrando las diversas ramas de la fotografía en las que ha incursionado.

MATERIALES Es responsabilidad de cada alumno leer previamente cada una de las guías antes de asistir a las prácticas de laboratorio, así como traer los materiales y equipo que se le solicite. 1. En esta ocasión si el docente se lo solicita deberá llevar al salón de clase el portafolio impreso o digital, si es necesario debe llevar su computadora personal para la presentación. No olvide su hoja de evaluación. (Si no la presenta no tendrá derecho a su nota). Si no entregan el trabajo completo y en la fecha límite no se le recibirá.

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PORTAFOLIO FOTOGRÁFICO

INDICACIONES

1. Cadaestudiantedeberá presentardeformaprofesionalyordenadasuportafolioquedebecontener la siguiente información: • Portada • Introducción o descripción de su concepto (Home) • Autoretrato • Perfil del fotógrafo (a) - Biografía (About) • Identificación por guía (Título, nombre del ejercicio y nombre de la guía correspondiente a cada foto) • Identificación por asignación de teoría (Título, nombre del ejercicio y nombre de la asignación correspondiente a cada foto) • Racionales breves si es necesario • Fotografías • Conclusiones • 2. La exposición deberá contener los siguientes puntos: • Concepto • Racional general y explicación de su concepto • Exposición de su biografía y habilidades • Exposición sobre sus materiales y experiencias en las asignaciones de la clase teórica • Exposición sobre sus materiales y experiencias en las asignaciones de la clase de laboratorio • Contactos y enlaces a redes sociales y portales de importancia • Entrega de los materiales si el docente le solicitó material impreso como portafolio y tarjetas 3. Comentarios o sugerencias de parte de sus compañeros y docente a cargo. Dicha actividad tiene el valor del 4% de la nota global de la materia En esta ocasión los ítems a evaluar pueden variar dependiendo del docente o de los resultados del diagnóstico del alumno.

Aspectos a evaluar Tome en cuenta que la evaluación del portafolio será en el salón de clase durante la exposición, por lo que su docente tomará en cuenta los siguientes aspectos: 1. El estudiante viste adecuadamente para la presentación de su proyecto 2. Lenguaje técnico y expresión verbal adecuada en la justificación del trabajo 3. Calidad, técnica y composición en las fotografías 4. Diseño, diagramación y contenido completo de la información 5. Autoevaluación