Manual de laboratorio Técnicas Fotográficas (Multimedia y Comunicaciones) by Humanidades Universidad Don Bosco

Técnicas Fotográficas

CONTENIDO •

Guía 1: Introducción a la cámara digital

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Guía 2: Técnicas básicas de fotografía

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Actividad evaluada de unidad I

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Guía 3: Sensibilidades ISO

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Guía 4: Iluminación para retrato en exterior

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Guía 5: Iluminación fotográfica en estudio

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Actividad evaluada de unidad II

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Guía 6: Fotografía publicitaria con productos

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Guía 7: Pintar y escribir con luz

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Guía 8: Portafolio / Montaje fotográfico

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Actividad evaluada de unidad III

Guía 1. Tema: Introducción a la cámara digital Contenido Para la realización de la guía I, se realizará una introducción a la fotografía, se tomara como antecedentes, las características de la cámara análoga, luego se profundiza en la cámara digital para encontrar las diferencias y similitudes que existen entre ambas.

Objetivo específico Conocer las partes principales del cuerpo de una cámara fotográfica, y sus funciones básicas. Así como las diferencias y similitudes entre cámaras análogas y digitales.

Materiales

Es responsabilidad de cada alumno leer previamente cada una de las guías antes de asistir a las prácticas de laboratorio, así como traer los materiales y equipo que se le solicite.  Cámara fotográfica digital.  Correa de colgar.  Tarjeta de memoria.  Batería cargada.  Trípode.  Traer a la práctica de laboratorio el respectivo manual del modelo de la cámara que ha comprado y leerlo previamente.  Manual de laboratorio previamente leído. No olvide su hoja de evaluación de unidad. (Si no la presenta no tendrá derecho a su nota) Si no entregan el trabajo completo y en la fecha límite no se le recibirá.

Introducción teórica La fotografía es un lenguaje, una técnica y un arte. Es un modo de captar y exponer gráficamente la realidad visual. Cada foto es un fragmento, un recorte de realidad interpretada con nuestra mirada a través de la cámara. La fotografía permite desvelar eso que siempre estuvo ahí, explorar y congelar momentos únicos, expresiones y detalles que nos rodean y que están cargados de belleza, llenos de misterio, y repletos de significado. Es la simple apreciación estética de un escenario y la luz de un momento irrepetible.

Cámara fotográfica Todas las cámaras fotográficas desde la más sencilla a la más completa y sofisticada, tienen un diseño básicamente igual: una caja cuidadosamente construida para evitar la entrada incontrolada de la luz a través del lente u objetivo hasta la película sensibilizada. Los lentes incorporan un diafragma, iris ajustable, obturador, y mecanismos para ajustar la película. La abertura de diafragma se mide por STOPS, simbolizados por la letra “F” y puede ir desde f/1, muy abierto, hasta un f/22, en la que el orificio es muy pequeño. Las aberturas o f/stop trabajan al igual que la pupila del ojo humano es decir, con mayor cantidad de luz se cierra y cuando las condiciones de luz son pobres se abre para captar la mayor cantidad posible de luz.

Cámara digital La fotografía digital existe desde hace varias décadas. De hecho, durante los primeros vuelos de naves rusas y norteamericanas a la luna en los años sesenta, la transmisión de imágenes se hacía utilizando esta tecnología. No obstante la auténtica aparición de la fotografía digital aconteció ya iniciada la década de los noventa. Su aceptación está siendo tan vertiginosa que, en poco tiempo, esta será la única tecnología utilizada en la totalidad de las aplicaciones fotográficas, tanto para los profesionales como para los aficionados. Quizás quede un sector de artistas que por motivos personales sigan elaborando imágenes fotográficas a partir de la captura en película.

Las partes básica de una cámara fotográfica digital son: 1. Fotocélula: es un sensor que calcula el promedio de la luz ambiente para la correcta exposición de la fotografía.

2. Flash: puede ser incorporado o externo, dependiendo del modelo de cámara. Tiene diferentes usos o funciones 3. Visor: Ventana por la que se mira para poder encuadrar el motivo elegido. Las cámaras que no tienen visor lo substituyen por el display o por la pantalla TFT programadas para las diferentes situaciones en las que se precise un aporte de luz extra artificial. 4. Objetivo: Es la lente mediante la cual la cámara hace llegar la luz hasta el sensor o CCD. 5. Conector USB: entrada de la cámara donde se conecta el cable para la transferencia de datos de la cámara al ordenador o impresora. 6. Tapa compartimiento de la batería: En ella se colocan las baterías, que pueden ser de varios tipos y tamaños. 7. Conector de entrada de CC: Este conector permite la alimentación de la cámara directamente desde la corriente y eliminar el uso de las baterías. Algunas cámaras digitales tienen la posibilidad de realizar la recarga de las baterías internas en el caso de que éstas no sean extraíbles. 8. Ranura de entrada de la tarjeta: en ella se coloca la tarjeta de memoria, que puede ser de varios tipos y tamaños, según el fabricante. 9. Pantalla TFT: en su parte trasera, de diferentes tamaños, que se miden en pulgadas y resoluciones, que se miden en millones de píxeles. 10. Obturador: Y es el botón que se aprieta para tomar una fotografía. También se utiliza para enfocar la imagen presionándolo hasta la mitad 11. Panel de control: pequeña pantalla en los que se pueden ver los menús de la cámara sin tener que encender el display o pantalla tft para ahorrar baterías o pilas. No todas las cámaras tienen estos paneles.

Ventajas e inconvenientes de la fotografía digital Las principales ventajas de la fotografía digital son las siguientes: 1.

El formato digital se basa en el almacenamiento de la imagen mediante dígitos (números) que se mantendrán inmutables a lo largo del tiempo, con lo que la calidad de

la imagen no disminuirá nunca. Las películas convencionales tienen una vida limitada, más aún en color y, pierden calidad. Y aunque se almacene el material fotográfico en situaciones controladas de iluminación y humedad (situación compleja y costosa), solo retardamos este envejecimiento. 2.

La reproducción de una imagen almacenada en un soporte digital puede ser repetida tantas veces como se desee, produciéndose siempre un duplicado de la misma calidad que la imagen original. Esta característica tampoco está presente en la fotografía convencional. En ésta en cada reproducción intervienen factores ópticos y químicos que producen un deterioro de la imagen.

Enorme cantidad de procesos de retoque informáticos que facilitan la labor de producción de copias con mejor calidad que los propios originales. En algunos casos, además de la mejora de la calidad, se pueden conseguir efectos de muy diversos tipos: Enfoque/desenfoque, aplicación de filtros, modificación de la gama de colores, de contrastes, de brillos, etc. Y si bien estos retoques se hacían anteriormente sobre los soportes convencionales, lo que hoy se resuelve en unas horas, por métodos analógicos llevaba días. Además, el procesamiento digital es más controlable en todos sus pasos. Con la posibilidad de volver atrás en forma simple y continua.

Al hacer una toma, la posibilidad de testear el resultado, no solo nos permite optimizar tiempos, (no esperar el proceso químico), sino también efectuar correcciones y rehacer una toma (si es posible), cuantas veces sea necesaria.

El ahorro de tiempo, que en el orden profesional es sumamente importante, todo lo que se imprime en offset en algún momento es digitalizado, haciendo la toma directamente en formato digital, nos ahorramos:

 El tiempo en comprar la película  El proceso químico  La incertidumbre del resultado  El tiempo y la degradación del escaneado. Todo esto se traduce en que (por ejemplo en una toma de estudio para una publicidad) después de hacer una toma con un pequeño ajuste de unos 2 minutos en máquina, podemos entregar la toma contra muchos más minutos que nos consume todo el proceso químico, (siempre y cuando no haya que repetir la toma). Los inconvenientes de la fotografía digital que podemos destacar son los siguientes: 1. Se trata de una tecnología relativamente inmadura por lo que los equipos que se compran en la actualidad quedan rápidamente obsoletos.

2. La inmadurez de la tecnología digital implica otra serie de inconvenientes propios de toda tecnología emergente, entre los que se puede destacar los elevados precios, y una muy rápida depreciación del equipo. 3. Existe todavía quienes sostienen que si bien la calidad aportada por la fotografía digital es suficiente para la mayoría de los trabajos realizables por un auténtico profesional. Todavía se puede conseguir una mejor calidad con materiales químicos. ¿Cómo se forma una imagen digital? Primero debemos tener en cuenta que la imagen se forma, al igual que en los equipos convencionales, utilizando el principio de la cámara oscura. La diferencia entre una cámara digital y una analógica es que la captura de luz reflejada que forma la imagen fotográfica, se hace en vez de en una película, en un chip. Las nueve principales características de la cámara digital 1) Pixeles: el valor que determina la resolución máxima a la que podemos hacer fotos es el Número de Píxeles Efectivos, es decir la cantidad de sensores individuales de luz que tiene la cámara. Por ejemplo: una cámara de 6 mega píxeles, pero tiene 3 megapíxeles efectivos, está utilizando Interpolación, o lo que es lo mismo, se “inventa” la mitad de los píxeles como cuando aumentamos el tamaño de una imagen. ¿Qué resolución elegir? En la práctica, la importancia de los píxeles depende del tamaño en que quiera obtener sus fotos. Por ejemplo, para fotos de tamaños como 10 x 15”o 13 x 18,2”con 2 Mega píxeles es suficiente, y podría servir incluso para un tamaño A4. Si lo que quiere es conseguir imágenes más grandes, necesitará una resolución mayor. Tenga en cuenta que cuanto mayor sea el número de píxeles, más memoria necesitará la cámara, por lo que tendrá que disponer de una tarjeta de más capacidad. Aquí por ejemplo tenemos unas imágenes que nos brindan una idea más acertada sobre la aplicación de los píxeles en una imagen mientras más píxeles tenga una imagen, mayor calidad y detalle tendrá pero, así también incrementará su tamaño o peso.

En la imagen anterior se muestra la forma en como los píxeles influyen en la calidad de una imagen, y vemos como son distribuidos por pulgadas cuadradas y de ahí viene el término “dpi” o “ppp” que simplemente significa “pixeles por pulgada cuadrada”. 2) Tamaño: las cámaras “estándar” siguen los parámetros de diseño impuestos por sus homónimas analógicas, optando por un formato rectangular apaisado. A medida que subimos en la escala de precios, vamos encontrando diseños más elaborados y tamaños cada vez más reducidos, hasta llegar a la gama profesional, donde la necesidad de una buena óptica infla de nuevo los tamaños para equipararse a las de las cámaras réflex tradicionales. Según el tamaño de la cámara digital debemos tener en cuenta que a dimensiones más reducidas, más funcionalidades sacrificamos, dado que un zoom óptico requiere un cierto espacio para “esconder” las lentes cuando no las utilizamos. De igual manera, menos espacio tendremos para baterías, para el flash o para botones de control. 3) Zoom: Para profundizar en esta característica debemos diferenciar entre zoom óptico y zoom digital. El primero es el clásico, y se basa en una combinación de lentes que realizan una función de acercamiento mediante la propia óptica de la cámara. El segundo es simplemente coger un trozo de la imagen y descartar el resto. Así, si aumentamos el zoom digital, estamos reduciendo la resolución total disponible y, por lo tanto, bajando la calidad de la imagen. Aunque el zoom óptico es preferible, éste conlleva un aumento del tamaño global de la cámara.

4) Pantalla: la mayoría de cámaras digitales de gama media baja ya cuentan con una pantalla TFT a través de la cual se puede realizar encuadres, acceder a las fotografías realizadas o modificar las diversas opciones de la cámara, sin embargo, las más baratas carecen de ella (de ahí su bajo precio). Es importante comprobar que el modelo dispone de pantalla, y que es lo suficientemente grande para poder ver las fotografías hechas y comprobar si han quedado bien. En las últimas cámaras que están saliendo al mercado en gama media/alta, podemos encontrarnos con la sorpresa de que no carecen de pantalla, sino de visor óptico para realizar el encuadre. Esto nos puede presentar problemas a la hora de realizar fotografías con mucha luz, dado que las pantallas TFT son prácticamente “invisibles” a cielo abierto. 5) Almacenamiento: la principal ventaja de las cámaras digitales sobre las analógicas es la posibilidad de trabajar con los archivos de las fotografías realizadas, pudiéndolas rotar, borrar, enviarlas directamente a impresoras o llevar las fotos a revelar. Para poder realizar tantas fotos como queramos, es imprescindible que la cámara almacene sus imágenes en un soporte intercambiable: las tarjetas de memoria. En algunas cámaras de gama baja sólo podemos almacenar las imágenes en una memoria interna fija. Si queremos llevarlas a revelar, deberemos conectar la cámara a un ordenador y descargarlas. Por el contrario, con tarjetas de memoria podemos aumentar la capacidad de la cámara cuanto queramos, con la ventaja añadida que podemos llevar únicamente la tarjeta para imprimir. 6) Conectores: si las tarjetas de memoria son importantes para sacarle el máximo provecho a una cámara digital, no podemos decir menos de sus conectores. La salida USB se hace imprescindible para descargar las fotos a un ordenador o convertir nuestra cámara en una

webcam, y la no siempre presente salida de Audio/Vídeo analógica nos permitirá poder ver las fotografías en una pantalla de televisión. Otros conectores que podemos encontrar son la de alimentación externa, ya sea para operar conectado a la red eléctrica, para recargar las baterías, o exclusivos de algunas marcas para conectar las impresoras fotográficas. Si las tarjetas de memoria son importantes para sacarle el máximo provecho a una cámara digital, no podemos decir menos de sus conectores. Si las tarjetas de memoria son importantes para sacarle el máximo provecho a una cámara digital, no podemos decir menos de sus conectores. La salida USB se hace imprescindible para descargar las fotos a un ordenador o convertir nuestra cámara en una webcam, y la no siempre presente salida de Audio/Vídeo analógica nos permitirá poder ver las fotografías en una pantalla de televisión. Otros conectores que podemos encontrar son la de alimentación externa, ya sea para operar conectado a la red eléctrica, para recargar las baterías, o exclusivos de algunas marcas para conectarlos a impresoras fotográficas. 7) Óptica CCD/CMOS: respecto a la óptica, poco podemos hacer para garantizarnos su calidad si la cámara pertenece a las gamas baja o media, dado que suelen ser de plástico o vidrio de calidad estándar. Sin embargo, a medida que se elevan los precios, vamos encontrando ópticas como el caso de la Carl Zeiss de Sony, toda una garantía. Los CCDs son sensores que por lo general funcionan bien con bastante luz, pero pierden varios enteros cuando las condiciones lumínicas no son buenas. La tecnología de los sensores CMOS ofrece varias ventajas sobre los sensores CCD tradicionales. Los amplificadores en cada entorno de píxel aceleran en gran medida el proceso para que la señal llegue al procesador de imagen. Se evitan las transferencias de cargas innecesarias, reduciendo el consumo de energía y, por tanto, prolongando la vida de la batería. El bajo ruido implica que incluso con sensibilidades altas, la resolución y la calidad no resulten afectadas. La circuitería en el chip reduce las configuraciones fijas y el ruido aleatorio para permitir sensibilidades de hasta 6.400 ISO (equivalente). Un filtro de paso bajo colocado delante del sensor suprime el color falso y el muaré que puede afectar a las imágenes de alta resolución. Los píxeles grandes que conforman cada sensor Canon CMOS permite conseguir una gama

tonal amplia. Esto quiere decir que las imágenes mantienen un contraste más alto y detalle en las sombras y en las altas luces. Los detalles sutiles de color y luz son reproducidos con precisión. Los grandes píxeles también recogen la luz con mayor eficiencia, respondiendo con una mayor sensibilidad a las condiciones de luz bajas. Es conveniente probar varias cámaras en condiciones de poca luz para ver si los colores y la definición de la imagen es como nos prometen. 8) Baterías: de Ión-litio, por su parte, tienen un costo mucho más elevado, pero proporcionan más energía y la retienen por mucho más tiempo que cualquier otro tipo de pilas. Son igualmente recargables y no poseen efecto memoria, por lo que se pueden recargar en cualquier momento, aunque no se haya consumido por completo toda la energía almacenada. No obstante este tipo de batería presenta el inconveniente que con el transcurso del tiempo pierden capacidad de carga, llegando incluso a restar un 20% por cada año de uso. Una cámara NO DURA MÁS sin recargar porque tenga batería de Litio o NiMh, sino que depende de SU COMSUMO DE CORRIENTE. Efectivamente nos tenemos que fijar en la capacidad de POTENCIA de la batería que lleva una cámara ( en W/h = Voltaje x A/h ) para saber lo que puede durar. 9) Opciones Manuales /programadas: en las cámaras pequeñas o de gama baja, la inmensa mayoría de opciones son automáticas, pero en las de tamaño estándar, y sobre todo en las gamas media o alta, el número de opciones programables suele ser un factor a tener en cuenta. La posibilidad de seleccionar parámetros como el balance de blancos, velocidad, apertura del objetivo, sensibilidad de la película, o el enfoque automático por zonas/manual, es algo que por lo general se encuentra en una cámara de gama media/alta, sobre todo si queremos hacer fotografías creativas o artísticas. En el software de la cámara podemos encontrarnos una gran cantidad de opciones adicionales que, dependiendo del usuario tipo, pueden resultar interesantes o no.

Verifica que la cámara que busques tenga al menos estas opciones: mandos manuales, zapata del flash, pixelaje igual o mayor a 18MP, un buen sensor, zoom aceptable, entre otras. Los accesorios como memoria SD, baterías y conectores son muy importantes.

Procedimiento

1) Preparar la cámara.  Coloque la correa de la cámara.  Introduzca la batería totalmente cargada. Recuerde que la cámara debe estar apagada para realizar este paso.  Introduzca la tarjeta de memoria. Abra la tapa de la ranura para la tarjeta de memoria e introduzca la tarjeta tal como se indica en la etiqueta del interior de la tapa de la ranura y una vez introducida completamente, cierre la tapa (según el modelo de cámara la forma de colocar la tarjeta de memoria varía. 2) Antes de hacer fotografías.  Retire la tapa del objetivo y coloque el dial de modo de la parte superior de la cámara en función manual.  Si su cámara posee pantalla LCD retráctil despliéguelo del cuerpo de la cámara con cualquier ángulo.  Encienda la cámara y verifique el nivel de batería y el número de exposiciones restantes. Nota: Si no se realizan operaciones durante un minuto, la cámara entrará en el modo de reposo y la pantalla se apagará automáticamente para ahorrar energía. Pulse el botón del disparador a mitad de recorrido para reactivar la cámara. 3) Conocer la cámara.  Identificar las partes de la cámara.  Experimentar con las funciones de la cámara explicadas en clase.  Realizar pruebas de las otras funciones de la cámara (algunas funciones son propias de cada cámara, marca y modelo) con el fin de conocer el equipo fotográfico de cada alumno.  Tomar tres fotografías, según el equipo guárdelas, y luego elimínelas para conocer eso procesos en cada cámara.

Investigación complementaria -Diálogo con la Fotografía. / Paul Gil Barcelona, España: Gustavo Gili, 2001. -El Bodegón : Guía rápida de fotografía Barcelona, España : Agata, 1999. -El Libro de la Fotografía Digital: Captar, manipular y almacenar las imágenes. / Chris George. Barcelona, España : Blume, 2007. -Fotografía Digital: avanzada./Jay Kinghorn y Jay Dickman Madrid, España: ANAYA, 2006.

1. Manual completo de fotografía, editorial Blume Barcelona 2005. 2. El placer de fotografiar, Eastman Kodak Company, Editorial Folio, Barcelona, España, 1980. 3. Cómo hacer buenas fotografías, Editorial Lisboa, España, 2001.

Guía 2. Tema: Técnicas básicas de fotografía Contenido En esta guía se podrá conocer la aplicación de las funciones manuales básicas de una cámara digital (aberturas y velocidades) y su aplicación al momento de tomar fotografías. En este apartado, podrá aplicar las técnicas que se pueden lograr con la utilización de dichas herramientas.

Objetivo específico Conocer los principales controles de la cámara y las diferentes posiciones para tomar una fotografía.

Introducción teórica Cada fotografía es una nueva experiencia, no existen fórmulas ni recetas para obtener fotografías buenas; ni siquiera podría decirse a ciencia cierta si existen fotos buenas y fotos malas. Todo dependerá del mensaje que se desee transmitir.

Los consejos básicos para tomar fotografías son:    

Programar la cámara en función manual, tomar en cuenta el exposímetro. Seleccionar el ISO adecuado. Se debe cuidar el enfoque y encuadre de lo que se desee fotografiar, recuerde que no todo es importante en la fotografía. La velocidad influye en el congelamiento de la imagen y las aberturas en la profundidad de campo.

Los cuatro principales controles de una cámara son: 1. El obturador 2. El Diafragma 3. El Enfoque 4. El Balance de Blancos WB. 1.El obturador: dispositivo que regula el tiempo de entrada de luz. El tiempo de apertura se denomina: velocidad de obturación. Velocidad de obturación: es la velocidad con la cual se abre y cierra el obturador. Las velocidades también influyen en el congelamiento de la imagen. Las velocidades se expresa por una fracción cuyo numerador es el segundo: 1/1 - 1/2 - 1/4 - 1/8 - 1/15 - 1/30 (más tiempo) 1/1000, 1/1500, 1/2000 (menos tiempo) No conviene una velocidad menor a 1/30 sin trípode. Las velocidades lentas que van de 1/1 hasta 1/15 no congelan, por lo cual se debe emplear un trípode para garantizar la captura de la imagen sin mayores distorsiones. Al aplicar este principio obtenemos fotografías sin congelamiento. Si deseamos congelar la acción de una persona u objeto en movimiento debemos utilizar velocidades altas como: 1/500, 1/1000, 1/2000, 1/4000, etc. Es decir que lograremos fotografías con congelamiento. Fotografía con congelamiento

fotografía sin congelamiento

2. El diafragma Mecanismo que nos permite regular la cantidad de luz que va a pasar a través del objetivo. Se regulan a través de un mecanismo de aberturas o aperturas, como también se le conoce. La abertura del diafragma

Las aberturas se expresan en “f“ o stop, que van desde: f/2, f/2.8, f/3.1, f/3.5, f/4, f/4.5, f/5, f/5.6, f/6.3, f/7.1, f/7.9, f/8, f/9, f/10, f/11, f/13, f/14, f/16, f/18, f/20, f/22, etc. Las aberturas bajas como F2.8 indican que el diafragma está muy abierto y se usa para condiciones bajas de luz. Por lo contrario, los stop o “F” altos como F16 indican que el diafragma está muy cerrado y se usa cuando las condiciones de luz son muy buenas. Mayor abertura: F1.4 (para luz escasa), menor abertura: F22 (para luz excesiva) La profundidad de campo La profundidad de campo es el área o distancia dentro de la cual los motivos permanecen enfocados. La profundidad de campo varía en función de la abertura del diafragma, de modo que cuánto más se abre el diafragma, menor es la profundidad de campo. Mientras que a medida que se cierra el diafragma, va aumentando la profundidad de campo. Esto produce que cuando fotografiamos espacios con mucha luminosidad, aumente la profundidad de campo y, por lo tanto, los objetos que aparecen en la imagen quedan enfocados. En cambio, cuando trabajamos en condiciones de escasa luminosidad, es más fácil que aparezcan objetos desenfocados. Fotografía con prof. de campo

Fotografía sin prof. de campo

3. El enfoque Es el anillo más próximo al lente, sirve para enfocar correctamente la imagen y además permite dejar fuera de foco elementos que no revisten mayor importancia. En las cámaras digitales se tiene la opción de aplicar el enfoque automático o usar el enfoque manual. Ambos casos son válidos, sin embargo, todo depende del ejercicio a realizar y del tipo de cámara que poseemos. Es importante recordar que existen cámaras compactas con lente fijo y cámaras profesionales con lente removible. Las cámaras compactas por lo general, no tienen un anillo de enfoque. Las cámaras digitales profesionales tienen un lente de enfoque manual y automático.

La posición para la toma de fotografías dependerá del motivo a fotografiar, del mensaje que se desee transmitir y de las condiciones mismas del momento y del fotógrafo. Recuerde que todos tenemos un ángulo de visión similar por lo cual se debería de experimentar con ángulos innovadores y diferentes. Algunas de las posiciones más comunes para tomar fotos digitales con cámaras compactas son las siguientes: Si su cámara posee pantalla LCD removible, se sugiere sacarla. De igual forma se recomienda agarrar la cámara con las dos manos para tener mayor estabilidad, ya que mientras la mano izquierda sostiene el peso de la cámara, con la mano derecha podrá manipular el zoom óptico y el zoom digital, a la vez podrá presionar el disparador. Si su cámara no posee pantalla LCD removible tiene esta opción para manipulara la cámara, sin embargo, se sugiere usar la correa de colgar de la cámara cómo medida de seguridad, para que esta no se vaya a caer por algún descuido.

Calidad en la imagen Para explicar este punto, tomaremos como base la calidad de imagen que se obtiene al trabajar con la cámara digital donde las imágenes se guardan en los siguientes formatos: TIFF (calidad HI) o JPEG (calidad FINE, NORMAL o BASIC). Las imágenes JPEG se comprimen para reducir la cantidad de memoria que ocupa cada fotografía. Las imágenes se analizan en bloques de ocho píxeles por lado, cuyos detalles se reducen de forma selectiva para que ocupen menos espacio. Cuanto más se comprime la imagen, los archivos resultantes son menores y ocupan menos espacio en la tarjeta de memoria. Sin embargo, si se comprimen las imágenes para lograr archivos muy pequeños, el patrón del bloque podría hacerse visible y también

podría producirse una pérdida significativa de detalles. El efecto real dependerá del tipo de sujeto y del tamaño de la imagen cuando se imprima o se muestre en pantalla. Tamaño de la imagen El término “tamaño de la imagen” se refiere a las dimensiones físicas de la fotografía, medidas en píxeles. Las imágenes con tamaños menores ocupan menos espacio en memoria y son por lo tanto, ideales para la distribución por correo electrónico o para colgar en páginas web. Por el contrario, cuanto más grande es la imagen, más grande será el tamaño en el que puede imprimirse sin que presente un aspecto “granulado”. Se debe elegir un tamaño de imagen en virtud del espacio disponible en la tarjeta de memoria y del uso que se quiera hacer de la fotografía.

Valores de exposición El valor de exposición se verá alterada por el nivel de iluminación a través de la apertura, y el tiempo de exposición en base a las ISO elegidas. Ahora bien en este momento es donde debemos tener en claro que significa la exposición y cómo podemos modificar su valor. En las cámaras tenemos un exposímetro que automáticamente mide la luz en la toma que estamos realizando. Los valores de exposición varían desde -3 a +3 (esto puede variar dependiendo la cámara) en la mayoría de las cámaras. Para la cámara un valor de exposición correcto será 0. Recordemos que con valores negativos, estamos ante una toma que está sub expuesta. Es decir que tendremos pérdida de texturas y claridad en la fotografía.

Triángulo de exposición Cada fotografía concebida en el mundo se basa en un pilar de tres bases. Toda imagen, sea de manera automática o manual, se posiciona sobre estas tres patas para exponer la imagen y dar como resultado la fotografía que se buscaba. Entender el triangulo de la exposición ayudará a entender el funcionamiento y lógica de la exposición y, por ende, a tomar mejores fotografías.

Este triangulo se compone de la velocidad de obturación, la apertura de diafragma y el valor ISO. Cada pilar afecta a la exposición de la imagen o, básicamente, que tan clara o que tan oscura será. A la vez, cada pilar puede ser modificado y conservar aun así la misma exposición si es compensado este cambio en otro de sus pilares. Esto es conocido como la regla de reciprocidad. Si elevas el valor de velocidad ISO y a la vez reduces la velocidad de obturación, la imagen será exactamente la misma, al menos en cuestiones de luminosidad. Lo mismo aplica a sus otras bases. -El valor ISO controla que tan sensible es la película o el sensor a la luz. Con películas tradicionales, este valor es fijo; puedes comprar películas ISO 100 o ISO 1600, siendo el número más alto, el más sensible a la luz. En las cámaras digitales este valor es dinámico y puede ser modificado en cada disparo. Esto da mas versatilidad debido a que dependiendo la cantidad de luz disponible en el lugar, se puede hacer más o menos sensible al sensor. -La apertura de diafragma controla que tanta cantidad de luz se deja pasar a través del lente. Esta lente, mediante la acción de las palas del diafragma, cierra o abre su apertura controlando que tanta luz alcanza el sensor. Cuanto mas bajo sea el valor, medido en números f, mayor será

la cantidad de luz ingresada. -La velocidad de diafragma controla el tiempo que el sensor es expuesto a la luz. Al disparar, las cortinas del disparador se accionan, permitiendo el paso de la luz por un determinado tiempo, medido en segundos o fracciones de segundos. Cuanto mas alto el numero, menor será el tiempo que la luz impactará en el sensor. Cada pilar trae aparejado un efecto secundario. Modificar un pilar, además de cambiar ese valor, tendrá un determinado efecto en su propio efecto secundario. La velocidad ISO, cuanto mas elevada sea, mayor ruido producirá. Esto puede tener fines artísticos o ser algo molesto, dependiendo de la “calidad” de este ruido. La apertura de diafragma, cuanto mas baja sea, menor profundidad de campo tendrá la imagen. Esto es especialmente útil en la fotografía de retratos, ya que aísla al sujeto del fondo. Por ultimo, la velocidad de diafragma, cuanto mas lenta sea, mas movimiento tendrá la imagen. Por movimiento se puede tratar del movimiento de los sujetos frente a la cámara, o el propio movimiento que introduce la mano del fotógrafo. Esto, nuevamente, puede tener fines artísticos o ser un problema. Ley de reciprocidad La fotografía, por mucho que sea estudiada, siempre tiene nuevos conceptos por descubrir. Algunos son agregados nuevos que desarrollan las compañías productoras. En otros casos, conceptos bien básicos que una vez aprendidos, se convierten en técnicas de uso diario, como nuestra querida profundidad de campo y sus variantes. En este caso revelaremos la regla de reciprocidad, concepto también básico que tal vez ya usabas pero desconocías su existencia. La reciprocidad fotográfica “refiere a la relación inversa entre la intensidad y la duración de la luz que determina la reacción de un material sensible a la luz”. ¿Complejo? En realidad es bastante simple. Una vez aprendido, es de enorme utilidad cuando se quiere jugar con la profundidad de campo o la velocidad de obturación. Su definición técnica puede ser confusa, pero con un simple ejemplo todas las dudas se disipan: Imagínense fotografiando un sujeto determinado y la cámara al medir la exposición indica 1/60 de velocidad y f/16 de apertura. Suponiendo que estén haciendo fotografía de retrato, esa apertura no es la mas adecuada. Si quisiesen utilizar una apertura de f/2, pero manteniendo la exposición correcta que calculo la cámara, es aquí donde entra en juego la regla de reciprocidad. Esta regla, al ser inversamente proporcional, indica que obtendremos la misma exposición utilizando estos valores. Por cada stop de apertura que se baje, se aumenta un stop la velocidad de obturación. Es decir, por cada valor, ya sea apertura o velocidad, que aumentemos, el valor

contrario debe bajar. En nuestro caso, la velocidad 1/60 y apertura f/16 se convierte en 1/4000 y f/2, obteniendo la misma exposición, pero con una profundidad de campo mas pequeña. La mayoría de las cámaras reflex automáticas tienen esa función incorporada. En el caso de Canon, una vez obtenida la exposición (apretando el botón disparador por la mitad), con la rueda de ajuste para un lado y para el otro hará variar los valores de apertura y velocidad, pero siempre manteniendo la misma exposición. Atención, como toda regla, esta también tiene su excepción. Cuando se la utiliza con variaciones muy grandes, digamos de mas de 10 stops por ejemplo en exposiciones muy largas, esta regla empieza a fallar. Es el caso de exposiciones de 60 segundos de velocidad a f/2, la regla indica que es lo mismo que 1 hora a f/16. En este caso el calculo es errado. Con tan poco nivel del luz, la película es mucho menos sensible de lo que se esperaría. En el caso propuesto, la exposición correcta seria de 2 horas en vez de 1. Usualmente las películas vienen con una tabla de error, que indica por cuanto se debe corregir la exposición para que sea la correcta. Histograma ¿Qué es el histograma? Es una representación gráfica de una variable en forma de barras. En el eje vertical se representan las frecuencias, y en el eje horizontal los valores de las variables, de modo que será más alta, o tendrá más superficie, aquel valor que más se repite. En fotografía, el histograma de una imagen representa la frecuencia relativa de los niveles de gris o de los colores básicos (rojo, azul, verde) de la imagen. Una de las técnicas más básicas de retoque fotográfico es la modificación del histograma de una imagen para aumentar el contraste de fotos con rangos muy concentrados. Además, de la gran potencia que contiene una herramienta tan simple como es su modificación, el histograma se convierte en un mecanismo infalible a la hora de comprobar si nuestra imagen está correctamente expuesta en el momento de hacer la foto con aquellas cámaras que nos muestran información. La información que recibimos al ver la imagen en el LCD de nuestra máquina resulta en ocasiones engañosa al influir las condiciones de iluminación de la propia pantalla. Pero la posibilidad de error se disipa cuando hacemos uso del histograma a la hora de hacer la foto. Una correcta representación del histograma nos garantizará que la fotografía está o no correctamente expuesta, independientemente de lo que podamos apreciar al mirar la imagen en el display de la cámara. Histograma – Imagen Subexpuesta Este histograma se corta al lado izquierdo (el oscuro) lo que significa que la imagen en general está demasiado oscura De hecho, el rango de luz de este histograma demuestra que excede la capacidad del sensor de la cámara, lo que significa que los datos de las sombras se perdieron.

Histograma – Imagen expuesta “correctamente” Este histograma contiene casi la gama completa de tonalidades de luz que el sensor de la cámara puede capturar. La gama de luz está representada por un gráfico simulando un pico de montaña. Se trata de una exposición “correcta” ya que el histograma no se corta en ninguno de sus extremos Si usted logra que el histograma de sus fotos sea de esta forma, usted tendrá muy buenas imágenes. Histograma – Imagen Sobreexpuesta Este histograma se corta la lado derecho del grafico (área del Blanco) lo que significa que la imagen está demasiado blanca. De hecho, el rango de luz excede la capacidad del sensor por lo que los detalles de las zonas más blancas se habrán perdido. 4. El Balance de blancos Es un sistema de corrección del color para compensar las diferentes condiciones de luz. Normalmente nuestros ojos compensan las diferentes condiciones de iluminación, pero cuando se trata de una cámara digital, esta tiene que encontrar el “punto blanco”(asumir que un objeto blanco debe parecer blanco) para corregir otro color lanzado por la misma luz. La mayoría de las cámaras digitales ofrece el balance de blancos automático, esto significa que la cámara mira el color global de la imagen y calcula el mejor ajuste para el tema, sin embargo, estos sistemas se engañan a menudo (sobre todo si tomamos una fotografía dominada por un color, digamos el verde). La mayoría de las cámaras digitales permiten elegir diferentes opciones para cada tipo de situación (nublado, flash, sombra, sol, incandescente, fluorescente, etc.)

Procedimiento 

Debe realizar 4 fotografías utilizando adecuadamente velocidades y aberturas: identificar 1 fotografía con profundidad de campo y 1 sin profundidad de campo, 1 fotografía de congelamiento y 1 de sin congelamiento.

Entrega de trabajo 

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Cada estudiante debe subir sus fotografías a flickr en su portal, donde realizará sus entregas digitales durante todo el ciclo, para esto creará un nuevo álbum correspondiente a una guía o practica realizada. Cada fotografía presentada debe tener la información general siguiente, recuerde que es parte importante en su evaluación.

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Nombre o título de su fotografía Nombre del ejercicio y la guía a la que pertenece racional o breve justificación de su trabajo Para esta guía debe colocar las 4 fotografías realizadas, tomando en cuenta la creatividad en la selección de los motivos, los escenarios, así como también la técnica utilizada en cada una sea evidente en la imagen. Debe entregar sus fotos con puntualidad, es decir enviarlas antes de que inicie el siguiente laboratorio, de lo contrario no tendrá derecho a nota de esa guía.

1. Manual completo de fotografía, editorial Blume Barcelona 2005. 4. El placer de fotografiar, Eastman Kodak Company, Editorial Folio, Barcelona, España, 1980. 5. Cómo hacer buenas fotografías, Editorial Lisboa, España, 2001.

ACTIVIDAD EVALUADA DE UNIDAD I Tema: Evaluación práctica/ Taller de clase Contenido En este documento se encuentra la información general de la actividad evaluada de la primera unidad así como los lineamientos que debe seguir el estudiante para la presentación de su actividad.

Objetivo específico Demostrar por medio de una evaluación práctica el nivel de conocimiento que posee sobre la materia y, a través de una fotografía que incluya todos los contenidos vistos en clase, y así revelar lo aprendido en las clases de laboratorio en la primera unidad.

Guía 3. Tema: Sensibilidades ISO Contenido En esta guía el estudiante podrá conocer y comprender el uso verdadero de los ISOS que posee una cámara digital, la aplicación es esto tiene en cada disparo que se realice y por ende se explicará también el efecto que se crea, identificando las ventajas y desventajas que conlleva.

Objetivo específico Id e n tif icar las diferencias que existen entre cada sensibilidad, para seleccionar aquella que mejor se adecue a su trabajo.

Materiales Es responsabilidad de cada alumno leer previamente cada una de las guías antes de asistir a las prácticas de laboratorio, así como traer los materiales y equipo que se le solicite.  Cámara fotográfica digital.  Correa de colgar.  Tarjeta de memoria.  Batería cargada.  Trípode.  Cuaderno o libreta de apuntes.  Manual de laboratorio previamente leído.  Preparar un bodegón o naturaleza muerta (fruta, verduras, objetos antiguos, etc.)  Diseñar su propia escenografía para ambientar.

Introducción teórica

ISO significa International Society Organization ASA significa American Standard Asociation Los E.E.U.U. medían esa sensibilidad en ASA, la mayoría de los países Europeos en valores DIN pero, ISO es un valor internacional de medición de calidad “no solo es de medición de sensibilidad de película fotográfica” y en común acuerdo se estableció la unificación de ambos valores y desde entonces es ISO la medida La sensibilidad es la medida de la velocidad de reacción de la cámara a la luz. Cuanto mayor sea la sensibilidad, menos luz será necesaria para obtener una exposición, haciendo posible la utilización de velocidades de obturación mayores y aberturas menores. En las cámaras de película, la sensibilidad es una característica de la película y no de la cámara. El número ISO que se puede ver en el envoltorio de las películas es una medida de su sensibilidad; cuanto más elevado es el número ISO, más sensible es la película. Se puede obtener una sensibilidad mayor alterando la composición química de la película, lo que hace que aparezca un patrón aleatorio, llamado “grano”, en la fotografía final. En las cámaras digitales, se produce el mismo efecto al aumentar la sensibilidad: las sensibilidades mayores permiten utilizar velocidades de obturación más elevadas, a expensas del “ruido” (píxeles de colores brillantes que aparecen principalmente en las zonas de la imagen). Entonces, podemos decir que existen tres tipos de sensibilidades (ISO o ASA) que a su vez determina la velocidad.    

Sensibilidades lentas: de 25 a 100 Sensibilidades medias: de 100 a 400 Sensibilidades rápidas: de 400 a 800 Sensibilidades muy rápidas: de 800 en adelante.

Sensibilidades lentas. Pueden ir desde 25 hasta 100 ASA, producen fotografías de píxel muy fino y alta resolución. Necesitan disponer de mucha luz y los sujetos deberán permanecer estáticos. Por lo general, se emplean estas sensibilidades cuando se necesitan grandes ampliaciones y mucho detalle. Sensibilidades medias. Entre 100 a 400 ASA son las más usadas. Ofrecen un tamaño moderado de píxel. Es por ello que se pueden usar con condiciones moderadas de luz y con velocidades variadas Sensibilidades rápidas. De ASA 400 en adelante permiten fotografiar en condiciones de poca luz. Debido al mayor tamaño de su píxel, ofrecen un menor detalle. El ASA 400 permite un píxel aceptable en ampliaciones por lo que es junto al ASA 100 la más popular para las condiciones de trabajo impredecibles. Sensibilidades muy rápidas. Del ISO de 800 en adelante permiten hacer fotografías en condiciones de muy poca luz. En las cámaras de gama media afecta el ruido. En las cámaras full frame (de uso profesional) un ISO alto no afecta mayormente en cuanto a calidad de imagen y el ruido. Puede ser tan alto como 25000. Aspectos a tomar en cuenta al trabajar con la cámara: Si se selecciona automática en los modos de exposición automático con prioridad a la obturación o manual, la sensibilidad se ajustará al equivalente a 50 ISO y cambiará según las condiciones de iluminación. El ajuste 400 debe utilizarse cuando se fotografía con luz natural. Cuando utilice el flash, seleccione Automática, 50, 100 ó 200. Al trabajar con la opción AUTO (default) la cámara seleccionará el ISO de acuerdo a la condición de luz del lugar y variará entre 100- 200 ISO. Sin embargo, al seleccionar el ISO de forma manual se debe tomar en cuenta lo siguiente: ISO 100: se utilizará en días soleados y cuando se necesite detalle del sujeto u objeto a

fotografiar. Ideal para escenas naturales y retratos. ISO 200: ideal para días nublados y cuando se necesite utilizar velocidades rápidas sin necesidad de sacrificar la calidad de la imagen. ISO 400: conveniente para fotografías nocturnas y cuando sea prohibido utilizar el flash. Ideal para eventos deportivos y excelente para tomas en interiores con o sin flash. ¿Qué es la ISO de la Cámara? Para tener un poco más clara la idea de los ISOS en la fotografía, y otros temas afines a éste, se agrega en esta guía más información, tomada de: “El ajuste Velocidad ISO controla la sensibilidad de la cámara a la luz. Las velocidades ISO elevadas permiten velocidades de obturador superiores, por lo que pueden utilizarse cuando se tomen imágenes en zonas oscuras sin flash, o cuando se tomen imágenes de objetos que se muevan a gran velocidad y desee detener la acción. Con velocidades ISO mayores, el resultado son imágenes con más grano, y por tanto, de menor calidad.” “Los sensores de todas las cámaras digitales tienen en realidad una única sensibilidad (física, digamos) a la luz, conocida como “sensibilidad base“; suele ser la más baja de entre las que ofrece la cámara, típicamente, ISO 50, ISO 80 ó ISO 100.” “La cantidad de luz que llega al sensor se regula con el diafragma y con la velocidad de exposición (parámetros que puedes controlar por ti mismo), y en función de éstos, y con la sensibilidad base del sensor, la foto puede salir demasiado oscura, demasiado brillante, o bien expuesta”. En condiciones normales de luz (exteriores diurnos, por ejemplo), habrá suficiente luz como para que la cámara, ajustando por sí misma el diafragma y la obturación en modo automático (o uno de ellos, si estás en modo prioridad), se asegure de que llegue al sensor la suficiente luz como para que la foto salga bien expuesta.” “No obstante, si hay poca luz ambiental, es posible que la cámara no pueda abrir lo suficiente el diafragma (tiene un límite, f/2.8), y no quiera (al menos en modo automático) usar una velocidad de obturación lo bastante baja como para recoger suficiente luz para que la foto quede bien expuesta, puesto que dicha velocidad baja podría causar que la foto saliese movida, ya sea por el movimiento de la escena, o el tuyo propio (sí, pese al estabilizador, que también tiene sus límites). Entonces, si no puede abrir más el diafragma ni bajar más la velocidad, no llegará suficiente luz al sensor, y la foto saldrá demasiado oscura.”

Este ángulo de visión provoca una distorsión de la perspectiva, como cuando fotografiamos un monumento en un parque, la base y los pies se ven desproporcionadamente más grandes que su cabeza y nos da una sensación de superioridad. ¿Cómo solucionarlo? Mediante los ajustes de sensibilidad ISO Con esa sensibilidad base del sensor (digamos, ISO 100), la luz que llega al sensor en las condiciones descritas antes es insuficiente, por lo que producirá una señal eléctrica débil en las fotocélulas, y esa señal débil se traducirá en datos digitales representando una foto oscura. Sin embargo, lo que el sensor puede hacer es amplificar dicha señal antes de convertirla a datos digitales, de forma que se traduzca a datos digitales representando mayor luminosidad, y por tanto la foto saldrá más clara, más o menos como si hubiese recogido más luz (por ejemplo, como si hubieses podido abrir más el diafragma, o recogido más luz con una velocidad de obturación más lenta). Pues bien, esa amplificación, que el sensor puede realizar en diversos grados, son los ajustes siguientes de sensibilidad ISO que te ofrece tu cámara: ISO 200, ISO 400… hasta ISO 6400: todos ellos son amplificaciones de una captura de luz que, de otro modo, habría acabado representando una foto demasiado oscura.” “En cierto sentido, la cámara “no es consciente” de que esas sensibilidades ISO extraen amplificaciones, de modo que las considera como sensibilidades naturales y, si por ejemplo empleas ISO 400 en lugar de ISO 200, la cámara considerará que, como el sensor va a “captar más luz” (en realidad a amplificarla más). Se puede a cambio permitir por ejemplo usar una velocidad de obturación más rápida o bien un diafragma más cerrado, o un poco de ambas cosas.

“En resumen, los tres factores que intervienen en que una foto te salga más oscura o más brillante son el diafragma, la velocidad de obturación y el ajuste ISO, aunque este último no sea tanto para captar más o menos luz, como para amplificar más la obtenida.” “El problema de esta amplificación, y por tanto de los ajustes ISO, es que al amplificar la señal también se amplifica el ruido. Es posible que hayas oído hablar alguna vez de la “relación señal/ruido”); en realidad este ruido o “grano” siempre está presente, incluso en la sensibilidad ISO mínima o base, lo que pasa es que a dicha sensibilidad base es muy poco perceptible. Si se amplifica la señal, amplifica el ruido, y va haciéndose más visible en relación a la imagen, hasta el punto de empezar a ocultar detalles válidos de la escena y, por tanto, degradando la nitidez de imagen.” “Hay un factor adicional con el ruido ISO, y es éste: en realidad, tu cámara (como en realidad todas) produce mucho más ruido del que te parece viendo la foto; lo que pasa es que el procesador interno de imagen lo disimula, sometiendo la imagen ya captada digitalmente a un proceso llamado “anti- ruido“: una especie de “difuminado” más o menos selectivo. Pero nunca es perfectamente selectivo (ni siquiera los programas de ordenador más sofisticados permiten eliminar el ruido de una imagen digital con perfecta selectividad), de modo que en el proceso de difuminar el ruido, también difumina algunos detalles válidos de la imagen.” Exposímetro o fotómetro Exposímetro para flash y luz ambiente. El cabezal basculante es muy práctico y permite al fotógrafo ver las lecturas en la pantalla, incluso cuando la pelota de medición está posicionada en otra dirección. Los cinco botones operativos colocados convenientemente y la secuencia lógica de funciones ofrecen al fotógrafo todas las ventajas de las numerosas características:  Medición de luz incidente y reflejada de ambiente y flash.  Medición de flash- sin / con cable- con lectura adicional de la luz ambiente contenida en la iluminación total.  Cálculo de disparos múltiples de flash.  Conveniente y práctico cabezal basculante.  Pre-programación de correcciones de exposición.  Medición del Contraste con lecturas sobre escala analógica.  Repetitividad: ± 0,1 EV  Memoria para almacenar preselección de valores medidos.

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Función Cine – para filmación. Velocidades CINE incl. 25 ips y 30ips para TV. Desconexión automática, manteniendo todos los valores en memoria.

Procedimiento a) Coloque la correa de la cámara. b) Introduzca la batería totalmente cargada. Recuerde que la cámara debe estar apagada para realizar este paso. c) Introduzca la tarjeta de memoria. Abra la tapa de la ranura para la tarjeta de memoria e introduzca la tarjeta tal como se indica en la etiqueta del interior de la tapa de la ranura y una vez introducida completamente, cierre la tapa (según el modelo de cámara la forma de colocar la tarjeta de memoria varia). Antes de hacer fotografías  Retire la tapa del objetivo y situé el dial de modo de la parte superior de la cámara en función manual.  Si su cámara posee monitor sáquelo del cuerpo de la cámara con cualquier ángulo.  Encienda la cámara y verifique el nivel de batería (se representa con un icono en forma de batería) y el número de exposiciones restantes en el monitor.  Recuerde que las fotografías serán realizadas a la composición de su bodegón, puede variar el orden de los elementos de un ejercicio a otro. Nota: si no se realizan operaciones durante un minuto, la cámara entrará en el modo de reposo y el monitor se apagará automáticamente para ahorrar energía. Pulse el botón del disparador a mitad de recorrido para reactivar la cámara. Para el primer ejercicio realizará 3 fotografías a un bodegón que cada quien debe componer. Las 3 imágenes deben ejemplificar el uso correcto de las velocidades y aberturas utilizando para ello desde los ISOS más bajos hasta los más altos. Este ejercicio se realizará usando una abertura y velocidad inicial y, sin mover estas opciones entre foto solo modificara los ISOS de la siguiente manera:

1. Fotografía con ISO lento 200 sin problemas de ruido (misma abertura, misma velocidad) 2. Fotografía con ISO medio 800 con ruido moderado (misma abertura, misma velocidad) 3. Fotografía con ISO rápido 1600 en adelante con ruido considerable (misma abertura, misma velocidad) Elimine aquellas fotografías que no cumplan con los requisitos de la práctica que incluyen un buen enfoque, encuadre y utilización de planos. Su primer ejercicio lucirá más o menos como este ejemplo, a medida suba el ISO su escena se sobreexpondrá, el objetivo es que vea la capacidad de sensibilidad que posee su cámara.

Procedimiento. En este segundo ejercicio realizará otras 3 fotografías al mismo bodegón que utilicé en el ejercicio anterior o puede variarle el orden de los elementos. Las 3 imágenes deben ejemplificar el uso correcto de las velocidades y aberturas utilizando para ello desde los ISOS más bajos hasta los más altos. Este ejercicio se realizará usando una abertura y velocidad inicial y, en este caso trabajará siempre con los ISOS como en el ejercicio anterior pero al mismo tiempo irá subiendo la velocidad ( no la abertura porque no queremos variar la distancia de enfoque), de manera que la cantidad de luz que le haga ganar el ISO usted la compense con velocidad, así sus fotos siempre se verán bien equilibradas. La forma de realizar este ejercicio es la siguiente:  Fotografía con ISO lento 200 - velocidad inicial (por ejemplo 1/125)  Fotografía con ISO medio 800 - aumentará la luz, compense con velocidad (por ejemplo 1/250)  Fotografía con ISO rápido 1600 – 6400 - aumentará la cantidad de luz, (deberá compensar con más velocidad (por ejemplo 1/500 Su segundo ejercicio lucirá más o menos como este ejemplo, a medida suba el ISO y al mismo tiempo suba la velocidad sus fotografías deberán verse bien equilibradas, para lograr esto podemos guiarnos del exposímetro y siempre tratar de mantenerlo en cero. El objetivo de este ejercicio es, que el estudiante puede ver que independientemente de que su foto esté con una buena exposición, el ruido que le agrega el ISO a su fotografía siempre será evidente y le restará calidad a sus imágenes.

Recuerde que si su firma no aparece en la lista de asistencia, se anulará su nota inmediatamente.

Entrega de trabajo  Para la presentación del trabajo en digital debe enviar sus 6 fotos a la plataforma de flickr, indicando el número de guía y el ejercicio realizado y la dinámica que realizó.  Recuerde todas las fotos deben tener un título y una explicación del bodegón, lo que constituye el racional del trabajo o la justificación del mismo.  Debe entregar sus fotos con puntualidad, es decir enviarlas antes de que inicie el siguiente laboratorio, de lo contrario no tendrá derecho a nota de esta guía. La información general de cada foto es la siguiente: Título de la foto. Nombre de la guía y del ejercicio al que la foto corresponde racional de la imagen y/o justificación de su aplicación y diseño.

Investigación complementaria - Diálogo con la Fotografía. / Paul Gil Barcelona, España : Gustavo Gili, 2001. - El Bodegón: Guía rápida de fotografía Barcelona, España : Agata, 1999. - El Libro de la Fotografía Digital: Captar, manipular y almacenar las imágenes. / Chris George Barcelona, España. Blume, 2007. - Fotografía Digital: avanzada/Jay Kinghorn y Jay Dickman. Madrid, España: ANAYA, 2006.

1. Manual completo de fotografía, editorial Blume Barcelona 2005. 2. Como hacer buenas fotografías, Editorial Liboa, Barcelona, España, 2001. 3. El placer de fotografiar, Eastman Kodak Company, Editorial Folio, Barcelona, España, 1980. 4. Cómo leer la fotografía: Entender y disfrutar los grandes fotógrafos, de Stieglitz a Doisneau. / Ian Jeffrey Barcelona, España Electa 2008.

Guía 4. Tema: Iluminación para retratos en exterior Contenido En la guía No 4 se descubrirá cómo realizar retratos en exterior utilizando accesorios como reflectores, pantallas y utensilios caseros para lograr la luz de rebote.

Objetivo específico Fomentar en los y las estudiantes la experimentación al trabajar con diferentes tipos de reflectores, creando retratos creativos a través de esta técnica de iluminación.

Introducción teórica

Los reflectores: son superficies que reflejan la luz. Esta superficie puede adaptar varios colores, puede ser un simple reflector blanco, quizás uno intenso plateado o uno dorado. Los reflectores tienen varios usos: se pueden utilizar para lograr luz de relleno, para rebotar la luz o incluso para lograr un contraluz. También se puede usar un reflector para darle un toque de color al sujeto u objeto fotografiado. Con frecuencia se utilizan en exteriores como único medio de manipulación de la luz, puesto que proporcionan excelente calidad de iluminación especialmente en los retratos exteriores. El reflector constituye una de las herramientas favoritas de los fotógrafos pues es muy práctico para llevar y tiene muchos usos distintos. Algunos están diseñados para reflejar toda la luz posible, mientras que otros están pensados para producir una luz suave y uniforme. Tipos de reflectores y sus usos Reflector blanco: es el más conocido por todos los fotógrafos, produce una luz suave, que lo hace ideal para rellenar algunas sombras en los retratos. Por ejemplo, si colocamos a nuestro modelo junto a una ventana la luz entrará de lado, seguramente produciendo sombras bajo la nariz, los ojos y la mandíbula sobre todo si la luz es muy fuerte. Colocando un reflector blanco en el lado opuesto a la ventana, estas pueden atenuarse. Este también es el más fácil de fabricar en casa, ya que una cartulina o sábana blanca pueden imitar sus efectos.

Puedes utilizarla para iluminar y que no resulte tan fuerte y que tampoco invada de una tonalidad tu fotografía. En este caso será adecuada si estás haciendo alguna fotografía de retrato en exterior, pues utilizando esta pantalla podrás iluminar el rostro del modelo. Es muy útil en las tomas donde tienes luz del sol intensa, para evitar que salgan esas molestas sombras debajo de los ojos. Además es conveniente para por ejemplo colocar al modelo en la sombra y con la pantalla reflejar la luz, de manera tal que te de un muy buen efecto porque destacará al elemento del fondo. Con estos colores de la pantalla los podrás utilizar para rellenar las sombras, es decir cuando hagas una toma, ya sea un retrato, o un bodegón, podrás eliminar la sombra utilizando luz rebotada. Reflector dorado: da un matiz de cálido a la luz que refracta. Suele utilizarse en tomas al aire libre durante la primavera, para acentuar los rasgos característicos de esta colorida estación. A la hora de hacer retratos o sesiones de estudios, a veces se emplea para dar a la piel del modelo un sutil brillo a fin de hacerla más atractiva. En este caso te conviene utilizarla para realizar retratos. Pues dará una tonalidad cálida al rostro de la persona y suavizará sus rasgos. Dado que hará de complemento al tono de la piel. Es aconsejable utilizarlo para reflejar una luz no demasiado intensa, verás que obtendrás un efecto natural en la imagen. Reflector plateado: se considera el más refractante y ayudará a compensar la falta de focos cuando se requiera iluminación profesional, pudiendo cubrir el lugar de uno de estos, ya que por lo general reflejan mucha luz. Esta pantalla no es aconsejable para realizar retratos, le da al rostro una dureza que tal vez no sea la conveniente. Recuerda que es una luz dura, razón por la cual puedes utilizarla en casos particulares y cuando necesites reflejar una luz que no es tan fuerte.

Reflectores de fuego solar: que poseen franjas doradas y plateadas: esta combinación refleja fuertemente la luz, pero dándole un toque cálido. Similar a este es el reflector con efecto de luz solar, cuyas franjas plateadas son más anchas. Por lo general estos son muy utilizados en las fotografías de bodas.

Reflector negro: con un efecto totalmente opuesto: elimina los reflejos “absorbiendo” la luz. Este resulta especialmente útil al fotografiar superficies de cristal o plástico. Si se toma una foto en una ventana, y se quiere eliminar los reflejos, se recomienda utilice un reflector negro. Reflector cucoloris: son unos paneles perforados para crear efectos especiales del tipo claro/oscuro. Se suelen entre la fuente de luz y el fondo de la escena, aunque también se puede crear el efecto sobre el/la modelo. Además de su gran utilidad, otra gran ventaja que ofrecen los reflectores de luz es que se pueden comprar diferentes combinaciones en un formato de 5 reflectores en uno (un reflector blanco, uno negro, una cubierta dorada de un lado y plateada del otro y un difusor) además el hecho de que están fabricados en tela, significa que no ocupan mucho espacio. Los reflectores vienen en diferentes tamaños (12”, 22”, 42”, 48”, etc.); por lo general son de forma circular, aunque existen otros que pueden ser sujetados a un trípode y que por lo general semejan un triangulo. Retratos en exterior Al realizar un retrato en el exterior buscamos destacar a la persona que estamos fotografiando, en un

contexto natural. Esto se puede conseguir haciendo que el modelo quede lo más natural posible, utilizando un escenario real y luz ambiente. Antes de nuestra sesión en exteriores se debe tomar en cuenta lo siguiente las condiciones climáticas por lo que se recomienda: - Verificar el viento y la lluvia: estos elementos nos pueden jugar malas pasadas, a no ser que, para la sesión quisiéramos esas adversidades. Por lo que, deberemos tener en cuenta el estado del tiempo verificando pronósticos fiables. - La luz del sol al igual que las nubes: son factores que utilizaremos dependiendo que lo que busquemos. Podemos hacer las fotos usando la puesta de sol, a pleno sol con el cielo despejado, o bien fotografías con el cielo nublado. Se debe programar la hora y todos los detalles para obtener los resultados deseados. -Hacer las fotos legalmente y con seguridad: con esto nos referimos a no utilizar las propiedades de otras personas sin su consentimiento, siempre se deben conseguir las autorizaciones necesarias para las locaciones. Además, se debe solicitar protección a la policía para prevenir robos de equipo u otros factores que afecten la seguridad. También se debe tener cuidado, tanto el fotógrafo como el modelo, de no caerse en la toma, pisar cristales, etc. Para ello, la locación simplemente debe ser un sitio seguro que cumpla con el concepto de la sesión. Consejos para hacer retratos en exteriores - Sacar provecho de las aberturas pequeñas: los objetivos suelen tener diafragmas muy abiertos (2.8, 1.8, 1.4), por lo cual ganamos en nitidez y podremos jugar con la sin profundidad de campo, haciendo un bonito desenfoque en el fondo de la imagen. - Iluminar la escena desde abajo: si estás haciendo un retrato pídele al modelo que sujete él mismo un reflector a modo de bandeja. De esta forma, se iluminará su barbilla y escote. Inclínalo ligeramente a uno de los lados. - Busca ayuda: es complicado dirigir al modelo, disparar y apantallar al mismo tiempo, es mejor contar con una persona que nos asista durante la sesión. -Mueve el reflector: mientras se mueve observa el rostro del retratado y cómo van cambiando sus facciones según la iluminación. Así podrás decidir qué efecto deseas obtener en tu foto. -Intenta que el modelo interactúe: con diferentes objetos, prendas o bien con el mismo paisaje, para que así la foto tenga un tono más realista y a la vez original. - Si utilizas el flash: de forma rebotada, intentar no pasarse con su potencia para que el sujeto no quede con sobreexposición o que la imagen sea demasiado artificial.

-Evitar que la luz del flash sea frontal: en la mayoría de casos, podemos dar una luz lateral para dar interés al rostro o bien una luz en 45 grados e intentado que este más arriba que el sujeto, de tal forma que las sombras queden naturales. -No abusar del flash, pues muchas veces la foto podría quedar más bonita y con mejor iluminación, sin ninguna otra luz artificial. ¿Cómo hacer reflectores artesanales? Para fabricar uno o varios reflectores artesanales no es necesario invertir fuertes cantidades de dinero y lograr una variedad. Existen materiales en casa que podemos utilizar para rebotar la luz. Algunos de estos insumos pueden ser:

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Protector parabrisas del carro: tiene mucha utilidad, produce excelentes resultados y son muy prácticos para transportar. Se pueden encontrar en tono dorado y plateado. Mantas o sábanas blancas: pegada en la pared con cinta adhesiva gruesa, sirve para rebotar la luz, luego se doblas y al cajón otra vez. Pliegos de durapax: hay de muchos grosores, son rígidas y no pesan nada, pero ofrecen una fantástica superficie donde rebotar la luz. Sombrilla o paraguas blanco: es un accesorio muy práctico, se utiliza para rebotar el flash en interiores y también puede usarse con luz natural, pues produce buenos resultados, ya sea como reflector (para llevar luz donde nos interese), o como difusor (para evitar una luz demasiado dura). Cuando se necesita, puede también utilizarse ante una lluvia sorpresa.

Flash integrado

Con el flash integrado (o popup) sucede algo muy interesante, cuando empezamos lo tenemos activado todo el tiempo, cuando aprendemos un poco nos aterra pensar en usarlo. El flash integrado puede variar en la posición y en la forma de interactuar según el modelo de la cámara, algunos lo tiene al frente y es visible en todo momento, otros pueden abrir un compartimiento para que se haga presente y algunos mas aparecen automáticamente cuando es necesario. Las cámaras DSLR pueden usar una conexión donde podemos añadir un flash externo o un control remoto para disparar un flash que no estará conectado físicamente a la cámara. ¿Porqué no suele usarse este flash integrado? Este flash suele ofrecernos muy poco control, lo que ocasiona que los resultados finales sean terribles y desmotiven a las personas a querer usarlos. El problema con este tipo de Flashes es que disparan una luz muy dura y directa, la cual es especialmente mala en personas y muy difícil de controlar en otras situaciones. Modos del flash integrado Dependiendo del modelo de la cámara, es probable que entre las funcionalidades de configuración del flash pudieran encontrar algunos modos para obtener cierto control; estos modos suelen ser: •

Flash de relleno: podemos usarlo cuando la imagen se ve clara en el fondo y oscura en primer plano. (de día o de noche) • Flash de sincronización lenta: Cuando hay poca luz el flash dispara un pre flash e inmediatamente dispara el flash adecuado, si usamos este modo de flash le estamos diciendo ala cámara que use una velocidad de disparador lenta, y que use un flash adecuado para poca luz. • Flash de sincronización anterior: Dispara un pre flash e inmediatamente después dispara el flash al principio de la exposición. • Flash de sincronización posterior: Este tipo de flash le dice a la cámara que dispare el flash al final de la exposición, pero también dispara un pre flash al principio. Este flash nos permite incluir la luz ambientan en la imagen. Otras formas de controlar el flash integrado.

Cuando se trabaja con luz, podemos emplear modificadores, estos son herramientas que el fotógrafo emplea para controlar la luz, cambiando su dirección, haciéndola mas difusa, su tonalidad, etc. En el flash integrado resulta bastante complicado emplear alguno de estos modificadores, esto es a causa de la ubicación del mismo y que por lo general es muy pequeño, sin embargo han surgido muchos accesorios para este tipo de flash. A pesar de esto es importante que sepan al menos dos trucos para modificar la luz tan intensa y dirigida que emite este flash y de esta manera controlar el resultado final.

Suavizar la luz: Cuando colocamos una superficie opaca que permita el paso de la luz, frente al flash integrado, estamos ocasionando que la luz se haga mas suave, pero también ocasionamos que sea menos potente. Podemos usar una servilleta de papel, un velo, o cualquier otro material que permita el paso de la luz. Rebotar la luz: El problema con la luz de esta flash es que llega muy directa a nuestros modelos, por este motivo podemos recurrir a usar una tarjeta blanca colocada frente al flash formando un ángulo de 45°, para rebotar la luz al techo y así crear un ambiente mas uniforme. Compensación del flash. La compensación del flash es un mecanismo que nos permite hacer la luz mas brillante o menos brillante, modificando la intensidad de la luz que se emite. Este es uno de los mas importantes recurso que nos ofrecen algunas cámaras para tomar el control de la exposición. Para obtener la intensidad apropiada tendrán que hacer algunas pruebas.

Deben recordar que así como el modo automático, no siempre es el apropiado, en el flash es lo mismo, a veces la intensidad de la luz emitida no es la correcta para iluminar su escena. Para usar esta funcionalidad no pueden estar en modo automático en la cámara. El símbolo suele ser un cuadrito con un signo de mas y uno de menos. Muchas personas posiblemente no saben que las cámaras nos ofrecen algunos mecanismos y que además es posible adquirir accesorios para modificar esta luz dan dura y directa. Entonces, ¿en qué momento es bueno usarlo? •

En exteriores y la fuente de luz se encuentre detrás de tu sujeto.

•

En interiores, cuando no se pueda alterar la iluminación.

•

Cuando se desea iluminar cierta parte del sujeto mientras el resto permanece en sombra como en el caso de un contraluz.

•

Cuando, de forma parecida a la anterior, te quieres asegurar de que el motivo del primer plano esté lo más iluminado posible.

•

También podemos jugar, en ocasiones, a disparar el flash fuera de la cámara mediante un cable o algún disparador y ajustar la posición de éste para ajustar el relleno de las sombras.

Recuerde que si su firma no aparece en la lista de asistencia, se anulará su nota inmediatamente. Procedimiento •

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Se realizará una práctica en el laboratorio donde los estudiantes se organizaran en dos grupo alternándose para ser modelo, fotógrafo y asistente de iluminación. No debe olvidar usar la cámara en modo manual “M” y ajustar aberturas, velocidades, WB, ISO, calidad y tamaño.

Cada estudiante debe realizar 6 fotografías: • • •

Retratos en exterior usando cada uno de los reflectores (dorado, plateado, blanco y difusor). Una fotografía con un esquema de iluminación en contraluz y una usando el flash integrado de su cámara como relleno a las sombras. Al finalizar el ejercicio visualice las diferencias de iluminación en cada retrato muestre y discuta los resultados con la docente.

Entrega de trabajos:  Cada estudiante debe presentar su trabajo en digital enviando sus 6 imágenes al docente. El modelo/a en un retrato en exterior usando cada reflector y flash de relleno.  No olvide indicar en las fotos digitales el número de guía y el ejercicio realizado. Las fotos deben tener nombre y una explicación que constituye el racional del trabajo (Título, ejercicio/pantalla utilizada o técnica y el racional).  Subir sus fotografías a la plataforma de flickr en un álbum para esta guía.  Debe entregar sus fotos con puntualidad, enviarlas a su docente antes que inicie el siguiente laboratorio, de lo contrario no tendrá derecho a nota. Investigación complementaria - Diálogo con la Fotografía. / Paul Gil Barcelona, España : Gustavo Gili, 2001. - El Bodegón: Guía rápida de fotografía Barcelona, España : Agata, 1999. - El Libro de la Fotografía Digital: Captar, manipular y almacenar las imágenes. / Chris George Barcelona, España. Blume, 2007. - Fotografía Digital: avanzada/Jay Kinghorn y Jay Dickman. Madrid, España: ANAYA, 2006.

1. Manual completo de fotografía, editorial Blume Barcelona 2005. 5. Como hacer buenas fotografías, Editorial Liboa, Barcelona, España, 2001. 6. El placer de fotografiar, Eastman Kodak Company, Editorial Folio, Barcelona, España, 1980. 7. Cómo leer la fotografía: Entender y disfrutar los grandes fotógrafos, de Stieglitz a Doisneau. / Ian Jeffrey Barcelona, España Electa 2008.

Guía 5. Tema: Iluminación fotográfica Contenido En esta ocasión los alumnos podrán conocer las técnicas de iluminación de estudio para fotografías, donde se podrán aplicar diferentes direcciones de luz para crear distintas percepciones y efectos en los modelos.

Objetivo específico Conocer los diferentes elementos que se pueden utilizar para la iluminación fotográfica y los diferentes resultados que se obtienen.

Materiales Es responsabilidad de cada alumno leer previamente cada una de las guías antes de asistir a las prácticas de laboratorio, así como traer los materiales y equipo que se le solicite.  Cámara fotográfica digital.  Correa de colgar.  Tarjeta de memoria.  Batería cargada.  Trípode.  Cuaderno o libreta de apuntes.  Manual de laboratorio previamente leído.  Imágenes de referencia impresas.  Cada alumno deberá traer un(a) modelo para la práctica y disfrazarlo según un concepto asignado. El o la modelo debe reflejar su personalidad, apoyarse en el maquillaje y vestuario para reforzar el concepto, ya que esto constituye parte de la evaluación. Recuerde diseñar su propia ambientación

Introducción teórica

La iluminación es el elemento base de todas las técnicas visuales en fotografía, la iluminación es indispensable para sugerir la sensación de tridimensionalidad. Con la técnica de iluminación se persigue un acercamiento a la representación en tres dimensiones. Desde el punto de vista artístico, la iluminación influye en la creación de efectos ambientales. Sugiere atmósferas variadas, afecta de forma selectiva a los elementos de la escena realzando unos y ocultando o reduciendo otros. El uso de la iluminación otorga una poderosa influencia en la consecución de imágenes con belleza pictórica. La dirección de la luz y la altura desde la que incide tiene una importancia decisiva en el aspecto general de la fotografía, variando la posición de la fuente de luz pueden resaltarse los detalles principales y ocultarse los que no interesen.

De la dirección de la luz también depende la sensación de volumen, textura y en el caso del color también afecta la intensidad del color, además de modificar enormemente el sentido del mensaje, el cual debe ser planificado y dosificado, para que cause el impacto deseado en el público receptor, quien avalará o reprobará el contenido de la fotografía. Tipos de iluminación Luz dura La luz dura procede de fuentes pequeñas y alejadas como el sol y las bombillas o flashes directos. La distancia y el tamaño determinan el grado de dureza, es idónea para destacar la textura, la forma y el color y proporciona el mayor grado de contraste al igual que de sombras. No existe ningún elemento entre la fuente de luz y el modelo, también se le conoce como luz directa. Luz suave Es tan difusa que no proyecta apenas sombras. La fuente luminosa ha se ser muy extensa

como un cielo cubierto, o rebotarse sobre una superficie muy grande y próxima. Esta iluminación es la menos espectacular de todas, pero es también la más amigable y fácil de controlar ya que sus sombras son más suaves es más fácil trabajar la gama de aberturas. Se le conoce como luz suave porque existe un intermediario entre la fuente de luz y el modelo, como por ejemplo una tela, papel, durapax, rebote, etc. 1. Luz frontal En este tipo de iluminación la fuente de luz se coloca detrás, y sobre el fotógrafo, y enfocada directamente al objeto/sujeto. Debido a la cercanía entre la fuente de luz y el objeto, obtenemos fotografías planas con poca textura, escasas zonas sombreadas y sectores demasiado iluminados. Aunque conseguimos aumentar la cantidad de detalles que podemos observar del objeto. Es recomendable rebotar la luz principal contra el techo para atenuar el efecto de luz plana, y evitar fondos muy reflectantes, ya que éstos producirían reflejos indeseados. Para colocarla correctamente: Ponemos el foco frontalmente al rostro. En estas condiciones el modelado es escaso y la fotografía resulta plana. En los ojos aparece el reflejo de la fuente de luz. -Subimos el foco hasta el punto en el que desaparece el punto de luz en los ojos. -Bajamos el foco hasta que vuelva a aparecer el punto. 2. Luz lateral Esta iluminación destaca el volumen y la profundidad de los objetos tridimensionales y resalta la textura aunque da menor información sobre los detalles que la luz frontal y además aumenta el contraste de la imagen. La luz lateral cuando ilumina un tiro en escorzo puede modificar el tamaño del rostro. El lado sobre el que cae la luz siempre se verá más grande de lo que es. Especialmente se verá más grande que el lado sobre el que no cae la luz. La nariz marca el eje del retrato. Cuando la cámara está a un lado del eje (retratos de tres cuartos y de perfil) el foco puede estar del mismo lado que la

cámara o al contrario. La mejilla que cae del lado de la cámara es el lado ancho, la otra el estrecho. Cuando el foco está del lado de la cámara ilumina el lado ancho de la cara. Es una iluminación ancha. Cuando el foco está del otro lado, ilumina el lado estrecho de la cara. Es una iluminación estrecha. La iluminación ancha hace la cara más redonda. La estrecha más alargada. El foco está situado del mismo lado que la cámara e ilumina el lateral cercano de la figura, el lado ancho. La luz Rembrandt cae desde un lado y algo frontal al rostro. El lado que más ilumina aparece más grande que el menos iluminado. Es una luz que ofrece un buen modelado de las facciones pero que al destacar la textura puede poner en evidencia las imperfecciones de la piel. En algunas escuelas de iluminación se llama Rembrandt a la luz de tres cuartos que arroja la sombra de la nariz sobre el labio sin superarlo y marca un triángulo de luz bajo el ojo del lado lejano al foco. 3. Luz cenital a iluminación vertical o cenital, aísla los objetos de su fondo y genera un elevado contraste, confiriendo a la imagen un aire dramático. Especialmente en retratos, puede llegar a ser un semblante tenebroso. Es la dirección de luz que se encuentra justo por encima del objetivo a fotografiar, si se trazara una línea imaginaria desde la fuente de luz hasta el punto en el piso donde se encuentra el objeto, la línea debe ser perpendicular y será cenital a la vez. Sirve a su vez, para aumentar la luminosidad general y rara vez como luz de efecto. En el campo de la fotografía técnica de estudio, la luz cenital produce un dibujo contrastado de luces y sombras, confiriendo así un carácter plástico a la reproducción. En cambio en retratos se utiliza como luz de efecto leve y siempre subordinada a otra luz básica. La iluminación desde arriba es una situación ligeramente más inusual, aunque es común en la luz de un día nublado. Se puede encontrar también en la luz del sol al mediodía, en algunos interiores y en otras situaciones como la iluminación de escena. Con luz suave es un modo muy efectivo de mostrar la forma. Bajo una luz dura, puede darle un aire de misterio por las sombras dramáticas que proyecta, que

ocultan las formas bajo ella. Por ejemplo: la gente que permanece directamente bajo la luz dura tendrán agujeros negros en lugar de ojos, ya que la cuenca del ojo estará en sombra total. 4.Contraluz El contraluz simplifica los motivos convirtiéndolos en simples siluetas, lo cual puede resultar conveniente para simplificar un tema o para dejarlo a libre imaginación. Este tipo de iluminación ocurre cuando el observador está mirando hacia la fuente de luz, y los objetos tendrán su parte iluminada hacia el lado opuesto a nosotros, para aparecer o bien como siluetas o bien oscuramente iluminados por la luz de relleno. Es normalmente una situación de alto contraste y puede a menudo parecer muy atmosférico y dramático. Si el origen de la luz esta en un pequeño ángulo relativo a nuestro punto de vista, tendrá un filo de luz definiendo uno o más de sus bordes. Cuanto más dura sea la luz, más pronunciado será este filo. El contraluz es la circunstancia en la que el sujeto está iluminado por detrás y por tanto el fondo queda sobrexpuesto y el protagonista de la imagen totalmente subexpuesto, de forma que sólo se podrá ver su silueta. Las escenas iluminadas desde atrás normalmente contendrán un montón de sombras a no ser que el origen de la luz sea muy suave. La mayoría de las veces la imagen será predominantemente oscura con zonas definidas dramáticamente iluminadas. El filo iluminado que conseguimos en esta situación puede ser muy útil para definir las formas entre las sombras. Otra característica de este tipo de luz es que revela la transparencia, y cualquier fino detalle o textura a lo largo de este borde iluminado. Este tipo de luz es muy efectiva para prestarle drama a una imagen. Unas veces de forma sutil, casi imperceptible, otras de una forma evidente y dramática para conseguir composiciones impactantes, la fotografía a contraluz permite obtener imágenes más creativas y frescas; nos obliga a mejorar como creativos, ya que es una técnica donde el control de la luz es difícil, así que nos planteará complicados problemas fotográficos para resolver. Al crear una imagen de siluetas obtenemos una imagen en alto contraste donde el color se pierde, así

es que podemos decidirnos por el blanco y negro. Este tipo de imágenes necesitan una composición mas elaborada, hemos de priorizar el foco, el encuadre y la elección del punto de vista. 5.Luz baja Si la iluminación directamente desde arriba es rara, entonces hacerlo con la luz directamente desde abajo es todavía más inusual. En un contexto natural esto puede ocurrir si alguien está de pié junto a una fogata, o sosteniendo una linterna. La luz reflejada puede también venir desde abajo, desde el agua, por ejemplo. Le daría una apariencia completamente extraña a los objetos más familiares, incluso, ya que lo que usualmente se ve con luces y sombras serán revertidas (piensa en una persona iluminándose la cara con una linterna desde abajo: Las sombras parecen estar al revés). De nuevo, la rareza de este tipo de iluminación puede usarse para un efecto creativo. Instintivamente reconocemos que las cosas no parecen estar bien, y esto puede usarse para crear ambientes específicos, manipulando la iluminación para provocar emociones y respuestas. Las fotografías tomadas con esta técnica produce sombras e iluminaciones antinaturales, sobre todo en retratos de la cara, ya que resalta e ilumina zonas que normalmente se aprecian sombreadas. Este tipo de iluminación se utiliza mucho en fotografías que pretenden ser inquietantes y misteriosas 6.La luz de relleno Consiste en dos focos más o menos enfrentados que iluminan a la figura desde ambos lados simétricamente. Ambos focos forman un pasillo de luz por el que pasa la figura. Dependiendo de lo profunda que esté dentro de este pasillo así será el modelado conseguido. Además, mediante la posición de la figura dentro del pasillo, controlamos el modelado modificando la potencia de los focos. Este tipo de luz produce uno de los modelados más fuertes que existen pero dibuja líneas oscuras allí donde las luces se cruzan sobre una superficie alabeada. Por lo tanto, no es muy recomendable para retratos cuando colocamos los focos a ambos lados de la figura. Error muy común en los estudios de fotografía.

La principal variación, consiste en hacer la luz diagonal inclinando el pasillo de manera que no vaya de lado a lado de la figura sino de una esquina a otra. Su capacidad para dibujar líneas oscuras hace que busquemos esta disposición cuando queremos trazar el dibujo de las formas. Es una luz más adecuada para bodegón que para retrato.

ILUMINACIÓN EN ESTUDIO . Luz Principal: también llamada luz guía. Es la fuente de luz más importante en la toma. A ella se subordinan todas las demás fuentes. La luz principal es la responsable de la claridad básica y de la modulación del objeto. Esto significa que es la luz que se encarga de la distribución de las luces y las sombras en el motivo. Por lo tanto, el tamaño y la forma de la fuente debe ajustarse al tamaño y la forma del objeto por lo que la selección de esta luz principal debe corresponder al efecto de imagen pretendido. Este efecto dependerá también de la posición de esta luz. Por ejemplo, si la luz principal cae lateralmente e inclinada levemente desde arriba se siente como luz natural. . Luz de Relleno: también conocida como luz de aclarado o luz de base. Es una luz secundaria dentro del esquema de iluminación del estudio y sirve para aclarar sombras y reducir el contraste. Normalmente se busca sólo un leve aclarado para conseguir detalle en las zonas oscuras por lo que su potencia será siempre menor que la luz principal. La luz de base no debe alterar nunca el carácter de la luz principal ni el efecto de la imagen que ya hemos conseguido. Para esta luz pueden emplearse fuentes que generen luz suave y dispersa como son las ventanas, los paraguas o los reflectores. . Luz de Efecto: También conocida como luz puntual o luz de pelo. Son luces con el haz muy recogido que destaca determinadas partes del objeto y aligera el efecto principal de la imagen cuando se proyecta debidamente. Si colocamos esta luz en la parte trasera del objeto, desde una posición de contraluz, la luz de efecto produce un halo alrededor del sujeto. En función de su posición la luz de efecto puede pronunciar contornos o destacar detalles y estructuras. Debe aplicarse con cuidado y no desequilibrar la iluminación general. La luz de Pelo (del inglés “Hair Light”): Contraluz pleno, con el foco detrás del sujeto y dirigido hacia él. En este caso el modelo se interpone entre la cámara y el foco de luz, mostrando el contorno de la figura o la cabeza a

ambos lados (la distancia entre modelo y foco resultará esencial para que la amplitud del haz llegue a ambos lados). Como alternativas, el foco puede estar ligeramente ladeado o elevado, siempre dirigido hacia el sujeto.

. Luz de fondo: La luz de fondo puede tener varias funciones. Se utiliza o bien para iluminar uniformemente o para provocar una degradación entre la figura y el fondo. Esto provoca que separemos al sujeto del fondo y da tridimensionalidad a la foto. La luz de fondo es aquella que está colocada de modo tal que ilumina solamente el fondo, sin tocar al personaje u objeto principal. Si apagamos todas las luces y dejamos solamente la luz de fondo, nuestro motivo principal se visualizará como una silueta negra. Quizás siempre considerada como una fuente subalterna, destinada a resolver un problema menor, no se le damos la importancia que realmente merece. En un principio estaba destinada a hacer visible aquellas zonas que, al permanecer en penumbra, hubieran quedado oscuras. Influía también en esto el tipo de película y la cámara usada. RECURSOS DE ILUMINACIÓN Strip light: Cuando se utiliza como una luz de fondo, estas cajas largas y estrechas, crean una luz larga y consistente que es una reminiscencia similar al de un horizonte justo después de la puesta del sol. En esta foto de un cantante, la luz de tira crea una luz de fondo que salpica y cabalga hasta los pliegues de la cortina igual que la luz rebote de un centro de atención podría hacer. Utilizar dos tiras de luz, uno de cada lado, para iluminar el sujeto y el fondo. Cuando están uniformemente espaciadas en relación con el sujeto y el fondo, y la potencia de la misma fuerza, la luz es incluso más allá de ambos. El aspecto es excelente y

muy fáciles de crear, sin embargo, es importante recordar que el modelo no puede ser demasiado hacia delante de las fuentes de luz. A medida que el modelo se mueve más lejos del fondo, que se volverá más oscura, porque la luz va a perder fuerza. Snoot: En la fotografía, es un objeto de tubo o similar que se coloca sobre una fuente de luz o el flash portátil y permite al fotógrafo controlar la dirección y el radio del haz de luz. Estos pueden ser cónica, cilíndrica o de forma rectangular. Snoots pueden aislar a un sujeto cuando se utiliza un flash. Ayudan al detener la “dispersión de la luz”, o cuando la luz cae en un tamaño más grande que pretenden. Un snoot es el equivalente a un embudo en iluminación, permite focalizar la luz en un punto muy concreto. El tamaño de ese punto dependerá de lo largo de nuestro snoot. Como efecto paralelo, un snoot tradicional empequeñece el tamaño de nuestra fuente de luz y con ello conseguimos una luz muy dura, de bordes muy pronunciados, es decir que la transición de luz a sombra será abrupta, creando casi un círculo perfecto. Si queremos suavizar esos bordes, podemos usar un Grid en el final de nuestro Snoot. Sombrilla: Es la luz fotográfica por excelencia, debido a su versatilidad y facilidad de transporte y montaje. Aunque se necesita de un ojo entrenado para diferenciar la luz producida por un softbox de aquella proveniente de una sombrilla, el principio de funcionamiento es distinto. Mientras el softbox es un difusor, la sombrilla es un reflector, ya que la lámpara se apunta hacia adentro del accesorio y este proyecta la luz hacia la abertura de su estructura. La sombrilla clásica ofrece una luz algo dura que genera contraste, debido a su interior metalizado interior metalizado plateado, o dorado para proporcionar una luz más cálida. Sin embargo, desde hace un tiempo se ha hecho popular el uso de sombrillas blancas o traslúcidas que producen una luz más suave de manera difusa. RECURSOS DE ILUMINACIÓN Beauty dish: Es un modificador de luz que convierte tu flash en una fuente de luz dura en el centro pero que se suaviza en los bordes, que suele utilizarse preferentemente en fotografía de retrato. Esta especial característica se consigue por su diseño en forma de bol. Los beauty dishes son mucho más anchos que profundos, consiguiendo así que tu flash tenga una mayor cobertura. La característica más significativa de su diseño, es el pequeño plato en el centro del reflector que evita que luz llegue de modo directo, rebotándola y creando ese efecto especial de dureza en el centro pero suavidad en los bordes.

Los beauty dishes se usan principalmente para retratos, y es que su luz dura en el centro aporta un contraste especial a la piel que la hace muy atractiva, de ahí su nombre. El beauty dish no nos aporta gran cosa en otras situaciones, donde su especial característica puede ser más un problema que un beneficio, por lo que su uso se limita a los retratos en la mayoría de casos. Uno de los factores más importante es entender que la posición del beauty dish es clave. Como he comentado un beauty dish tiene una zona de luz dura en el centro y suave en los bordes, por lo que tienes que ponerlo a una distancia en la que la luz dura ilumine la parte de tu sujeto que quieres resaltar y la transición suave de esa luz vaya dejando de dar importancia al resto de la escena. Una regla general que suele usarse consiste en poner el beauty dish a 1,5 veces su diámetro del motivo a fotografiar. Por ejemplo: si trabajas con un beauty dish de 56cm, lo debes poner a no más de 84cm ( 56cm * 1,5 = 84cm ) de tu modelo y conviene que lo orientes para que la parte dura de la luz llegue al centro de atención ( normalmente será el rostro ). Si pones el beauty dish muy cerca, la luz dura será la única que llegará a tu modelo y perderás el efecto especial de sus bordes suaves. Si pones el beauty dish muy lejos, la luz dura cubrirá una zona muy pequeña y será demasiado evidente. Octabox: Es un tipo de softbox que tiene forma de octágono. Eso significa que tiene 8 lados en lugar de 4 que tiene un softbox tradicional. El octabox se utiliza muy frecuentemente en fotografía de retratos fundamentalmente por el hecho de que genera un reflejo circular en los ojos. Sus 8 lados asemejan un Octabox a un círculo. Eso crea una luz mas envolvente y tiene un efecto directo en el reflejo que este produce en cualquier superficie brillante como los ojos de nuestro modelo. Su construcción es la misma que la de un softbox pero consta de 8 varillas para poder mantener su forma octagonal. Hasta hace poco, eso hacía de los octaboxes una pesadilla de montar y desmontar, pero hoy en día los podemos encontrar fácilmente plegables y mucho más resistentes. La gracia de usar un octabox en retratos es que nos aporta un catch light más natural, al asemejarse a una circulo como el reflejo producido por el sol y no a un rectángulo que no tiene presencia en la naturaleza.

Preparación antes de una sesión de fotos (pre-producción) ¿Estas a punto de tener una sesión fotográfica personal? Aquí unos cuantos consejos a seguir para hacer el trabajo más fácil. Si es posible, estudiar a la persona, observar sus rasgos, personalidad, carácter, gestos etc. De esta manera puedes hacerte una idea de qué tipo de fotos van a funcionar. Fotos de belleza, de acción, muy preparadas y formales, relajadas y con más expresiones naturales. Intenta crear las fotos en la cabeza antes de llevarlas a cabo, es decir, tener ideas e intentar visualizarlas para luego poder ir al grano. Puede ser de gran ayuda ver fotos que te gusten de grandes fotógrafos, más si tienes poco tiempo para tu sesión. Internet es una fuente infinita. Lleva esquemas de poses y bastantes fotos que me aporten ideas y el modelo entienda lo que quieres más fácilmente. Si llevas amigos ayudantes mejor que mejor, te pueden echar una mano colocando el paraguas, reflector e incluso colaborar en las poses, maquillaje, ambientación y demás. Una vez acabada la sesión, hay que mostrar la satisfacción por el trabajo realizado. Es agradable que te digan lo bien que lo has hecho así que halaga a tu modelo y a los que te han ayudado. Sobre el modelo La elección de la modelo. Es muy importante pues será la cara de tu trabajo. También puedes contar con alguien que no sea modelo pero, por la razón que sea, quieras que salga en las fotos (una amiga, un familiar...). Sea como sea, elige bien y concienzudamente. De estilismo. ¿Qué tipo de ropa y maquillaje va a usar tu modelo? Puedes buscar un estilista o un maquillador que quiera o pueda trabajar contigo. Pero también existe la opción de organizar esta parte de la sesión por ti mismo o con la modelo. En este caso, puedes empezar por preguntarle a tu modelo si tiene el tipo de ropa que necesitas para las fotos. En caso afirmativo, pídele que te mande fotografías de la ropa, para saber exactamente con qué material cuentas. El maquillaje debe ser muy apegado a tu tema o concepto e incluso coherente al vestuario, y recuerda que muchas veces la iluminación aplana muchos tonos naturales o neutros, por lo que será necesario que vayas midiendo la cantidad de maquillaje que tu modelo necesite de acuerdo con la intensidad de las luces con la que vas a trabajar. De asistente. Para poder dedicarte a hacer las fotos con los cinco sentidos, quizás necesitas de alguien que te ayude en otras cosas como puede ser, por ejemplo, la iluminación. Un asistente también puede ayudarte a montar el escenario (en caso de que necesites un escenario concreto para hacer tus fotos) o cualquier otra cosa que se te pueda ocurrir y con la que puedas necesitar ayuda. Aplicaciones para poses. Puedes buscar alguna aplicación para fotógrafos en la que se expliquen distintas poses para las modelos. Esto te puede servir de inspiración y, como en

el caso anterior, de apoyo el día de la sesión. Mientras la modelo se viste, se maquilla o se prepara en general antes de tomar las fotos, puedes echarle un ojo a la aplicación o a las fotos de modelos que tengas en tu teléfono.

- Lleva esquemas de iluminación en la mente de acuerdo a tu objetivo o temática, para que el trabajo sea más rápido y fluido y tengas suficiente tiempo para hacer las pruebas de iluminación. Trato con el modelo Es el último punto, pero no por ello el menos importante. La manera que tengas de tratar un modelo determinará en gran medida el resultado final de la sesión de fotos. Seguramente, cuando empieces a realizar retratos no tendrás mucha soltura en la dirección de modelos. Lo más importante que debes saber: El modelo no se toca. Lo ideal es que mantengas un clima profesional, de confianza y de respeto. Así que evita tocar físicamente el/la modelo. Si quieres arreglar un mechón de pelo que se ha descolocado o quitar una arruga que se ha formado en alguna prenda de ropa, pídeselo al modelo o, si dispones de un asistente y/o estilista, a ellos. Órdenes claras y sencillas. “Pon el brazo así”, “mira a ese punto”. Esas instrucciones son las mejores: ayudarán al modelo a saber lo que quieres y a realizarlo de manera rápida. Si usas tu propio cuerpo como ejemplo para enseñar lo que esperas de tu retratado, mejor aún. Sé agradable. Como en todos los aspectos de la vida: muy importante. Te ayudará a crear el clima de confianza y respeto que mencionábamos anteriormente. Preocúpate de sus necesidades: si tiene sed o calor, si está cómodo... Y ayúdale en todo lo que puedas. Habla con tu modelo. es importante romper el hielo y crear un ambiente de confianza, haz que hable, sonría, muchas veces es apropiado una música suave en el entorno para evitar ese molesto silencio. Enseña algunas fotos. No todas, sólo las mejores. Aquellas que vayan a motivarle a seguir trabajando. Te ayudará a transmitir seguridad en tu trabajo y a enseñar que todo está saliendo correctamente.

Procedimiento  La práctica consistirá en tomar una serie de fotografías a un (a) modelo utilizando las diferentes direcciones de luz, el estudiante será encargado de buscar el modelo que más se acople a sus necesidades, haciendo uso de los encuadres y planos para mejorar la composición, utilizando la escala de aberturas y velocidades. Explote su creatividad.  Su compañero asignado será su asistente durante la sesión fotográfica, por lo que es muy importante que le informe y explique cuál es el objetivo y expectativas a lograr con su sesión de fotos.  No debe olvidar usar la cámara en modo manual “M” y ajustar aberturas, velocidades, WB, ISO, calidad y tamaño. Debe realizar las siguientes fotografías: una con luz frontal, una luz lateral, una luz cenital, una luz baja, una contraluz y una de relleno en total son 6 fotografías. Entrega de trabajos:  Las 4 fotografías seleccionadas deberán ser enviadas a su plataforma de flickr, agregarle a cada imagen un título de acuerdo al ejercicio que se realizó (identificar cada tipo de luz), especificar la guía a la que pertenece y agregar un pequeño racional/descripción que explique el concepto representado.  Debe entregar sus fotos con puntualidad, es decir enviarlas al docente antes de que inicie el siguiente laboratorio, de lo contrario no tendrá derecho a nota de esta guía.  Subir sus fotografías a la plataforma de flickr en un álbum para esta guía.  Debe entregar sus fotos con puntualidad, enviarlas a su docente antes que inicie el siguiente laboratorio, de lo contrario no tendrá derecho a nota. Investigación complementaria - Diálogo con la Fotografía. / Paul Gil Barcelona, España : Gustavo Gili, 2001. - El Bodegón: Guía rápida de fotografía Barcelona, España : Agata, 1999. - Fotografía Digital: avanzada/Jay Kinghorn y Jay Dickman. Madrid, España: ANAYA, 2006.

1. Manual completo de fotografía, editorial Blume Barcelona 2005. 2. Como hacer buenas fotografías, Editorial Liboa, Barcelona, España, 2001. 3. El placer de fotografiar, Eastman Kodak Company, Ed. Folio, España, 1980. 4. ¿Cómo leer la fotografía: Entender y disfrutar los grandes fotógrafos, de Stieglitz a Doisneau. / Ian Jeffrey Barcelona, España Electa 2008.

Actividad Evaluada de Unidad II Tema: Evaluación práctica / Taller de clase Contenido En este documento se encuentra la información general de la actividad evaluada de la segunda unidad así como los lineamientos que debe seguir el estudiante para la presentación de su actividad.

Objetivo específico Demostrar por medio de un diagnóstico rápido en una prueba escrita, el nivel de conocimiento que posee sobre la materia y a través de ella, lo aprendido en las clases prácticas de la segunda unidad en el área de los laboratorios de técnicas fotográficas.

Materiales

Es responsabilidad de cada alumno leer previamente cada una de las guías antes de asistir a las prácticas de laboratorio, así como traer los materiales y equipo que se le solicite.  Cámara fotográfica digital.  Correa de colgar.  Tarjeta de memoria.  Batería cargada.  Trípode.  Cuaderno o libreta de apuntes.  Manual de laboratorio previamente leído. No olvide su hoja de evaluación de unidad. (Si no la presenta no tendrá derecho a su nota) Si no entregan el trabajo completo y en la fecha límite no será recibido.

Indicaciones El estudiante deberá presentarse a una evaluación de unidad de forma escrita, en donde el docente asignado realizará de forma individual para poder medir el nivel de conocimiento, entendimiento y aplicación de los conceptos básicos de fotografía vistos en la segunda unidad tanto en teoría como en la parte práctica. Las guías a evaluar son las siguientes: Guía 3: Sensibilidades ISO En esta guía el estudiante tendrá que identificar la opción básica de sensibilidad en la cámara, así como el correcto uso de la misma, teniendo en cuenta las condiciones para su aplicación y los resultados obtenidos al utilizar una sensibilidad lenta, media o rápida. Guía 4: Iluminación para retrato en exterior En esta guía el estudiante deberá demostrar su conocimiento acerca del manejo de la iluminación natural para la fotografía de retrato en exterior, tomando en cuenta el adecuado uso de las pantallas reflectoras, difusoras y el flash integrado como relleno. Guía 5: Iluminación fotográfica El estudiante demostrará en esta oportunidad, su conocimiento sobre las diferentes direcciones de luz con una o dos fuentes de iluminación y el efecto que éstas generan en el modelo y la percepción de la imagen. Aspectos a evaluar Dicha actividad tiene el valor determinado de la nota de la materia para la segunda unidad. En esta ocasión los ítems a evaluar pueden variar dependiendo del docente o de los resultados del diagnóstico del alumno. 1. Sensibilidades ISO 2. Iluminación para retratos en exterior 3. Iluminación fotográfica 4. Autoevaluación

Contenido En esta ocasión los alumnos podrán conocer las técnicas de iluminación de estudio para fotografías, donde se podrán aplicar diferentes direcciones de luz para crear distintas percepciones y efectos en los modelos. Recuerde que si su firma no aparece en la lista de asistencia, se anulará su nota inmediatamente.

Guía 6. Tema: Fotografía publicitaria con productos Contenido En esta guía, el estudiante obtendrá los conocimientos necesarios para realizar fotografías publicitarias, aplicando las técnicas adecuadas para resaltar las bondades y beneficios del producto. Como asignación final se elaborará un anuncio publicitario completo para la marca.

Objetivo específico Utilizar técnicas especiales para lograr imágenes publicitarias de productos, como una herramienta para el espectador.

Materiales Es responsabilidad de cada alumno leer previamente cada una de las guías antes de asistir a las prácticas de laboratorio, así como traer los materiales y equipo que se le solicite.  Cámara fotográfica digital.  Correa de colgar.  Tarjeta de memoria.  Batería cargada.  Trípode.  Presentar el boceto de la fotografía publicitaria.  Manual de laboratorio previamente leído.  Traer el producto publicitario elegido (se recomiendan productos de uso personal como: jabones, cremas, desodorantes, perfumes, etc.)  Hacer ambientación o montaje apropiado para el producto a fotografiar.  Decidir previamente el esquema de iluminación a utilizar en su sesión.

Introducción teórica

Ninguna foto publicitaria debería realizarse desligada a una campaña, pues no tendría sentido hacer un anuncio estéticamente bien diseñado si no provocará acciones, también podríamos olvidar al público objetivo al que nos dirigimos, incluso podríamos olvidar la naturaleza misma del producto. La fotografía publicitaria de alimentos y bebidas requiere de una serie de elementos que permite cumplir con su objetivo fundamental que es el de crear un “antojo” por medio de la sola vista del espectador. Muchas veces vamos a un restaurante a tomar una bebida y terminamos por consumir más productos que en la carta se anunciaban apetitosamente por medio de una imagen bien lograda. En la mesa, únicamente resta crearles una necesidad para complacer su paladar. Determinar qué tipo de bebida que desea fotografiar, ya que hay diferentes precauciones a tomar en función del tipo que usted elija. Bebidas claras, por ejemplo, requieren más técnica para conseguir una foto adecuada. Bebidas con color ven el más intenso y atractivo a la vista a contraluz, o iluminado por detrás con un reflector. Averiguar qué tan grueso que el líquido que busca fotografiar es, si es pesado y denso, entonces tiene el potencial para aparecer demasiado oscuros en las fotografías, si este es el caso, se diluye mediante la adición de agua para obtener al instante deshacerse del problema. Obtener el movimiento líquido que se sumará al instante la vida a su bebida y hacer que la fotografía mucho más atractivo. Usted podría mezclar, verter o agitar suavemente la bebida para dar la apariencia de movimiento. Determine si desea que la condensación en el cristal. Puede ser un efecto ordenado, pero si no es la mirada que usted está esperando, asegúrese de mantener su bebida a temperatura ambiente sin hielo. Algo que debemos tener muy en cuenta cuando trabajamos con fotografías publicitarias es, que trabajaremos para responder a una necesidad real, el concepto que regirá la fotografía nos será dado, por lo tanto mientras más rápido nos acostumbremos a trabajar bajo conceptos claramente definidos. La fotografía publicitaria está llena de múltiples trucos, aquí sí el fin justifica los medios, no importa cómo se haga mientras se llegue al resultado que se buscaba, por ejemplo: algunos fotógrafos cuando trabajan con fruta, se ven obligados a pintar la fruta para que dé los tonos deseados. Experimente En la foto publicitaria es donde más se puede aventurar a explorar, recuerde que un comercial debe ser atractivo visualmente, debe tener un poder de evocación y además debe transmitir un mensaje claro y directo. La única forma de tener imágenes atractivas e innovadoras es explorando.

Está de más decirlo que la práctica es la mejor maestra, sin embargo como reza el dicho “la necesidad es la madre de la inventiva” cada encargo publicitario es una nueva exploración en muchas ocasiones lo que se desee no podrá ser alcanzado fácilmente por lo que habrá que inventar creativamente una solución. En este tipo de trabajo lastimosamente nuestro gusto tiene que estar en función del cliente, lo primordial es alcanzar el objetivo publicitario. Una vez más se tendrán que conjugar dos conceptos y de la armonía que se consiga con ellos dependerá el éxito que se tendrá en el público, esos dos términos son los objetivos publicitarios y el toque artístico. Los objetivos publicitarios son fijos rígidos y simples: vender, cambiar opinión, educar, etc. En cambio la rama artística es más suelta, libre y dinámica, por lo tanto ambos aspectos empalman y de su correcta combinación puede resultar una pieza publicitaria efectiva y atractiva. Recuerde una vez más que así como el diseño gráfico se separa de las artes plásticas, así la fotografía publicitaria se separa de la foto artística, pues trabajamos con base a una necesidad comunicativa y no tanto expresiva, el mensaje debe ser entendible claro y preciso. Una fotografía debe mostrar donde se conjuga perfectamente el fin publicitario, con el ambiente artístico y el resultado final, es una fotografía estéticamente bien cuidada, pero con una fuerte carga comunicativa publicitaria, de inmediato se puede capta la intención de la fotografía, se puede entender que producto promociona, los ingredientes que la componen, etc. Vaya más allá Lo importante no es tanto lo que se diga sino como se diga“. En el ambiente publicitario esta afirmación es la máxima expresión, sobre todo cuando se trabaja una pieza que se debe distinguir del resto de las otras piezas. El grado de creatividad, por lo tanto, vaya más allá de lo obvio explore nuevas combinaciones, nuevas tendencias, en fin trate de proponer nuevas ideas no se quede con lo común no debe ser cajonero. Partes de un anuncio publicitario Slogan Frase publicitaria corta y contundente, que resume el beneficio del producto. Suele acompañar la marca, y puede en muchas ocasiones utilizarse para otros productos de la misma empresa. Puede contener el eje central de la campaña, repitiéndose en cada uno de los vehículos de difusión de la misma.

En conjunto, puede decirse que se trata de un grito de guerra, de una invitación al movimiento y la participación activa de un suceso. El eslogan no es el titular de un anuncio, aunque pueda llegar a serlo. Se recomienda que tenga entre cuatro y seis palabras como máximo; debe ser breve, fácil de recordar e identificable con el producto y la marca. Logotipo Por logotipo se entiende el tipo, la forma, los colores, las medidas y la disposición de las letras que se utilizan para escribir el nombre. Por símbolo visual entendemos el icono o imagen que acompaña siempre a algunas marcas, como el cocodrilo de Lacoste, rombo de Renault…

Imagen La publicidad utiliza tanto las imágenes gráficas como las fotográficas. Actualmente se recurre más a estas últimas dado que los estudios realizados al respecto aseguran que la fotografía aumenta el recuerdo un 26% sobre el dibujo, y también hace crecer la credibilidad del producto. La imagen fotográfica siempre reproduce la realidad, y quien la contempla se traslada fácilmente al mundo que ella refleja. La que generalmente el consumidor desconoce es que la fotografía es susceptible a todo tipo de manipulaciones que falsean la realidad. Marca La marca contribuye a la finalidad específica de la publicidad que es proponer y promover productos cualificados, proporciona identidad e individualidad a las cosas y aumenta su valor respecto a los que no tienen marca. Y para eso se debe comprender que es la marca. Es un sistema de súper –signos o mega signos que gira alrededor de él y lo impregna, pero que se independiza y lo transciende. Al empezar a desmembrar el concepto se entiende que la marca es un signo estímulo: porque causa estímulo en el receptor, ingresa en un sistema psicológico de asociaciones de ideas. Icono Se entiende por ícono y más cuando hablamos de publicidad, a aquellas formas y figura de objetos a los cuales se le atribuye la capacidad de hacer que las personas asocien o relacionen a dicha imagen con una marca de producto específico, aún y cuando la marca o

logotipo del producto no esté presente.

Todo inicia desde su preparación, utilizando químicos y sustitutos que visualmente atraerán la vista del comensal, haciéndolo creer que miran un alimento totalmente comestible, algo así como lo que usualmente las personas decimos: “es más antojable el de la foto que el platillo real.” Los dueños de negocios de comida saben que la producción de la imagen de un platillo fresco, limpio y apetitoso es el mejor gancho para aumentar sus ventas, porque por más apetitoso que suene un alimento de una carta, poder mirarlo es dar más que una buena idea. Por ello el la elaboración de éstas fotografías se recurre a las herramientas de maquillaje, iluminación (calidad de luz y sombras) producción detrás del alimento, edición de cada imagen, hasta el estudio del elemento y su presentación más favorable. Todos los recursos que pueden destacar la imagen. Al fotografiar se corre el riesgo de que los elementos cambien su apariencia fresca mientras se ajustan los equipos y las luces así que se suele cambiar ingredientes de la receta original para que la consistencia y apariencia se conserve por más tiempo. El maquillaje es indispensable para lograr imitar la forma y aspecto que tiene cuando esta recién hecho, pues con el paso del tiempo durante la sesión, pierde la temperatura y factores como el oxígeno lo hacen ver “no fresco y deseable”. La glicerina en spray nos puede servir para parezcan gotitas de agua en la fotografía. El fondo El fondo y decoración del set es importante. Botellas y copas de vino, canastas de pan, pasta cruda, vegetales, frutas, frascos de aceite de olivo, trigo, flores, en fin la combinación de estos alimentos permiten una composición más atractiva y que el elemento luzca más. Hay muchos estilos de fotografía de alimentos y bebidas. Encuadres abiertos con poca o mucha profundidad de campo y encuadres mas cerrados con la parte principal del platillo muy acercada, incluso cortada para ver solamente un detalle. Normalmente se trabaja con fondos neutros o planos, generalmente de color blanco o gris para poder resaltar el color y la textura de algunas bebidas para evitar demasiada saturación en la escena, es ahí donde nos permite jugar con más elementos en el bodegón

que formemos.

El fotógrafo debe tomar en cuenta las siguientes consideraciones: El tiempo lo es todo Recuerde que los alimentos tienen tendencia a derretirse, transpirar, enfriarse, calentarse, quedar mustios, secarse, contraerse, decolorarse o perder textura, de modo que el tiempo es esencial. Asegúrese de tener puesta la mesa con servilletas, vasos, cubiertos, fondo, flores, etc. antes de presentar el elemento “estrella”. Finalmente, dé los últimos toques de iluminación y realice ajustes a la disposición. Disposición de la mesa Cree una disposición sencilla que tenga un aspecto profesional y realista, pero que no distraiga la atención del elemento principal. Pruebe diferentes tipos de vasos, copas, cubiertos, salvamanteles, e incluso palillos mezcladores como accesorios para crear el ambiente para cada plato. Utilice maderas o superficies reflejantes para lograr efectos interesantes en la escena, más en aquellas composiciones en las que se trabajará con un poco de splash, será más fácil limpiar y empezar de nuevo que trabajar con telas o superficies absorbentes. Iluminación Intente hacer las fotografías de alimentos con luz natural, usando pantallas difusoras o reflectoras. Tomar las fotografías junto a una ventana abierta difuminada por una cortina blanca ofrece resultados estupendos. De esta manera la fotografía de alimentos o bebidas es sumamente interesante, constituye muchos retos para sus creadores y la ventana abierta para las ventas exitosas de un negocio de este rubro. Decoración de bebidas Las decoraciones para cócteles son tan variadas y existen tantas formas de hacerlas como los mismos cócteles, es decir, todo depende de la creatividad y cuánto entusiasmo se tenga para hacerlo. Todos los tragos cuentan con distintos tipos de decoración, ya que esta tiene que combinar con los ingredientes, colores o sabores de la bebida, a continuación las decoraciones más fáciles y comunes de hacer. Escarchado: Rodear el borde la copa con granitos de azúcar o de sal. Para ello, lo único que hay que hacer es tener un platito con jugo de limón o de naranja, y otro con sal o azúcar, se introduce el borde de la copa en el jugo y después se pone en el que contiene la sal o el azúcar, para que los granitos se adhieran a la humedad.

Frutas: Se pueden hacer adornos para las bebidas con las cáscaras de los cítricos, las frutas pequeñas o los trozos de las frutas más grandes. Los adornos de frutas se pueden preparar

dándoles diversas formas: círculos, rombos, medias lunas, etc. Los colocaremos tanto en el interior del líquido como en el borde de la copa. Flores: La decoración con flores resulta un sistema muy sofisticado consiste en adornar el cóctel con alguna flor vistosa pero debemos tener cuidado a la hora de elegir que flores usar, no pueden ser muy grandes y no deben estar marchitas. No sólo se pueden emplear flores, sino también hojas de menta como variable. Hierbas y especias: En algunas bebidas, de textura más espesa, y generalmente en los que contienen elementos como leche, cremas, etc. Se pueden emplear ciertos ingredientes granulados como canela, chocolate rallado, etc. por encima del cóctel. Algunas hojitas aromáticas, como la menta y la hierbabuena, se usan con frecuencia para adornar ciertos cócteles, sobre todo combinadas con frutas. Las hojas de menta son indispensables para decorar los cócteles del tipo julepe, que se preparan precisamente a base de crema de menta, un licor dulce de color verde. Las cañas de canela se convierten en motivo decorativo para ponches y cócteles que llevan canela y tanto la canela en polvo, como la nuez moscada en polvo, se espolvorean sobre muchos cócteles espumosos que tienen especias entre sus ingredientes. Vegetales para bebidas: Los cócteles a base de tequila generalmente no requieren más adorno que el escarchado de la copa y una rodaja de limón o una cáscara de este cítrico cuidadosamente recortada. Para los Martini, el decorado clásico son las aceitunas rellenas. Sin embargo, en algunas versiones nuevas el Martini clásico se recomienda decorar la bebida con cebollitas de cambray de frasco o lata.

Hielo: En muchas bebidas el hielo es indispensable para darle textura, sabor y vistosidad, sin dejar de lado el principal objetivo que es la temperatura deseada, pero en la fotografía publicitaria de bebidas no funciona tan bien ya que a veces con el calor de las luces el hielo dura a penas unos minutos, es por eso que se recomienda la utilización de cubos de hielo falsos que pueden ser comprados en tiendas de conveniencia o incluso se pueden fabricar de manera artesanal. Agua mineral: En este caso el agua mineral podría ayudarnos a resaltar las frutas o hierbas dentro de la bebida, ya que los trozos se cubrirán de interesantes burbujas de oxígeno que

le darán textura a nuestra decoración, se recomienda utilizar en líquidos blancos como ron, vodka, etc. Elementos decorativos: Son los objetos no consumibles, utilizados como complemento de presentación y servicio de un cóctel o combinado. Ejemplo de ellos son: pajitas o cañas, paraguas de madera, frutas simuladas de papel, cucharillas removedoras de plástico, incluso pequeñas bengalas, etc. Algunos de ellos, por lo sofisticados o por el motivo significativo, son propios únicamente de establecimientos muy específicos, y es muy surtida la gama existente en el mercado, haciendo alusión en ocasiones a temas muy peculiares. ¿Cómo es el fondo y el decorado a la hora de fotografiar bebidas? Predominan los fondos unicolor, principalmente negro, blanco y gris. En otras ocasiones se usan fondos que contrasten con los colores de la botella, si ésta es transparente, el fondo hace contraste con el líquido. Al igual que en la fotografía de alimentos, las bebidas pierden su belleza al pasar demasiado tiempo bajo las luces, la recomendación es trabajar con rapidez. Tener toda la decoración dispuesta, la medición hecha antes de colocar el producto principal y luego realizar ajustes finales. Al usar elementos decorativos para equilibrar la composición, cuidar que los mismos no causen distracción. Se debe tener presente la regla “menos es más”. Muchas veces el minimalismo funciona mejor. Si la superficie donde se coloca la botella es reflectante puede aumentar la sensación de tridimensionalidad, por otro lado es mucho más fácil de limpiar cuando se quiere repetir la fotografía. ¿Cómo es la iluminación al fotografiar bebidas? Al fotografiar bebidas también se puede usar la técnica de iluminar con luz natural a través de una ventana que difumine la luz con una cortina blanca. Cuando el frasco lo permite, es útil la iluminación a contraluz. Esto realza el contorno de la de la botella y le da vistosidad a los líquidos. La linterna frontal también tiene un uso recurrente para lograr una iluminación puntual sobre el líquido. Cuando se trabaja con fondos negros sirve para “levantar” elementos que queden oscuros. Otra técnica importante es usar una luz únicamente para el fondo (sin que toque los productos), se pueden marcar los halos, a veces usando colores a través del de un filtraje específico. Procedimiento Antes de hacer la práctica, lea cuidadosamente las explicaciones y sugerencias de la

bibliografía parte teórica. Es responsabilidad que cada alumno traer el material apropiado para desarrollar la guía. La dinámica para desarrollar esta guía será la siguiente:  Se seleccionará un producto publicitario, específicamente bebidas.  La práctica consistirá en tomar una serie de fotografías de la bebida asignada para hacerle un comercial haciendo uso de encuadres y ángulos, así como  también utilizando la escala de aberturas y velocidades.  Se deberá realizar una sesión de 4 fotografías como mínimo con diferentes propuestas de composición.  Recuerde trabajar con base a los bocetos presentados.  Seleccione las mejores fotografías.  Al finalizar la sesión, tendrá el material necesario para hacer un comercial básico, sobre el producto seleccionado.  En el resultado final debe colocar marca y slogan para constituir un comercial. Cada alumno es responsable de crear su ambientación con elementos que refuerce su concepto. Entrega de trabajos:  Cada estudiante debe presentar su trabajo en digital en su cuenta on-line, donde muestre las 4 imágenes de pruebas de ángulo, encuadres y planos para el anuncio, el anuncio publicitario completo y el boceto, en total serán 6 fotos las que subirá a su álbum de flickr, el anuncio final que admite pequeños retoques como brillo, contraste o curvas. También se permite agregar: marca y texto para que su foto se visualice como un anuncio terminado.  No olvide indicar en las fotos digitales su número de guía y el ejercicio realizado en cada imagen. Las fotos deben tener nombre y una explicación que constituye el racional del trabajo. Se recomienda indagar datos de la marca y el estilo publicitario que le dan al producto.  Recuerde que debe traer fotos de referencia o bocetos, que servirán para guiar a su sesión y las composiciones al momento de tomar sus fotografías.

1. Manual completo de fotografía, editorial Blume Barcelona 2005. 2.Cómo hacer buenas fotografías, Editorial Liboa, Barcelona, España, 2001. 3. El placer de fotografiar, Eastman Kodak Company, Editorial Folio, 1980. 4. Cómo leer la fotografía: Entender y disfrutar los grandes fotógrafos, de Stieglitz a Doisneau. / Ian Jeffrey Barcelona, España Electa 2008.

Guía 7. Tema: Pintar y escribir con luz Contenido En esta guía se desarrollara la práctica orientada a “Pintar y escribir con luz”, donde los estudiantes realizaran de manera grupal, tomas creativas y diferentes por medio de instrumentos tales como lámparas de mano, guías de luces navideñas, neones, etc. Logrando de esta manera texturas y formas visuales a través de luz.

Objetivo específico Fomentar en los y las estudiantes la creatividad e improvisación, al realizar sesiones fotográficas manipulando diversidad de fuentes de iluminación en movimiento

Materiales Es responsabilidad de cada alumno leer previamente cada una de las guías antes de asistir a las prácticas de laboratorio, así como traer los materiales y equipo que se le solicite.  Cámara fotográfica digital.  Correa de colgar.  Tarjeta de memoria.  Batería cargada.  Trípode.  Presentar el boceto de la fotografía publicitaria.  Manual de laboratorio previamente leído.  Fuentes de luz como: guías de luces navideñas, lámparas de mano, luces neón, luz negra, etc. (verifique que funcionen antes de traerlas al laboratorio).  Es requisito indispensable vestir completamente de negro para este laboratorio.

Introducción teórica ¿Qué es la fotografía “Lightpainting” o pintar con luz”? Es uno de los tipos de fotografía más curiosos y llamativos en la actualidad, a pesar de ser una técnica que se utiliza desde hace ya bastante tiempo. La misma consiste en dibujar con

luz directamente en la fotografía, líneas, formas o lo que sea que se te pueda llegar a ocurrir, utilizando el aire como bastidor y disparando a velocidades de obturación exageradamente lentas. Los trazos de luz, son captados por el sensor de la cámara y quedan “dibujados” directamente en la fotografía final. Para que te hagas una idea de las posibilidades que te brinda esta técnica, también conocida como graffiti con luz, en la que el fotógrafo hace la fotografía con el disparador de la cámara abierto por un periodo prolongado; mientras que con una fuente de luz va creando formas que se captan en la imagen. Además de una fotografía experimental, los fisiogramas se emplean en la industria para examinar el funcionamiento de las diferentes piezas de las máquinas y para hacer estudios de tiempos y movimientos. Efectos: Esta técnica se debe practicar en un lugar completamente oscuro, sin ningún objeto, con lo que lo único que se ve son los haces de luz reflejando la dirección del movimiento que le hayamos dado a los mismos (de ahí la expresión “pintar con luz”. Para perfeccionar el montaje descrito, se puede utilizar a menudo una serie de pequeñas mesas, cada una de ellas con un orificio de diámetro distinto, dependiendo del objeto a fotografiar o improvisar con pequeñas cajas de luz pintadas de negro y con la capacidad para sostener una superficie de vidrio. Un par de lámparas de forma circular situadas bajo la mesa en puntos opuestos constituyen una fuente luminosa continua que ayuda a enfocar. ¿Cómo consigo una fotografía Lightpainting? Pintar con luz es relativamente sencillo y no requiere de un equipo muy costoso ni mucho menos. Sólo necesitas mucha práctica. Una vez que logres dominar esta técnica, las posibilidades se vuelven infinitas. La idea general de este tipo de fotografías es nada más y nada menos que, como su nombre lo indica, pintar con luz directamente sobre la escena. Se puede utilizar luces, linternas, flashes o cualquier otro elemento, con el fin de trazar las líneas o iluminar los objetos que se quieras mostrar en la fotografía final. Y como es un tipo de fotografía que integra varias técnicas, haremos referencia a ellas: Largas exposiciones: al ser un tipo de fotografía en donde se utilizan largas exposiciones, si no estás muy familiarizado con ellas, te recomiendo que leas el siguiente artículo: Fotografía de larga exposición. Iluminación: si lo que quieres además de conseguir unas líneas, formas o dibujos es trabajar en toda la escena completa, probablemente también necesites de un flash, por lo que se recomienda experimentar con el uso del flash. Movimiento: como esta técnica le otorga mucho dinamismo a las fotografías, también se

recomienda que uses luces navideñas y se hagan secuencias regulares e incluso hacer formas antojadizas para capturar y trasmitir el movimiento, ya que será de utilidad como complemento a esta técnica. El equipo No se requiere de una cámara muy avanzada. Con cualquier cámara que tenga controles manuales y que permita bajar el tiempo de exposición a por lo menos 10 segundos podrás hacerlo. Es un efecto que puedes realizar perfectamente utilizando elementos caseros. Para poder llevar a cabo esta técnica necesitarás al menos: -Una cámara con controles manuales. -Un trípode. -Un ambiente relativamente oscuro, aunque esto puede variar a medida que consigas dominar más la técnica. -Linternas, luces, bengalas, fuegos artificiales o cualquier otro elemento que sirva como fuente de luz. -Creatividad es una buena aliada e Internet también, hay miles de ideas y alternativas dando vueltas por ahí. Con estos elementos se puede conseguir la técnica, pero… si quieres llevar este efecto un paso más allá también necesitarás de: -Uno o más colaboradores, un disparador remoto o configurar la cámara en modo de retardo de disparo para tener tiempo de “dibujar” la escena. -Uno o varios flashes. -Cámara con modo bulbo, es decir, que pueda exponer la escena por más de 30 segundos. -Un buen sitio o paisaje que permita darle un marco espectacular a tu fotografía. Tipos de efectos 1. Lazos o serpentinas: este efecto consiste en, mediante una luz o lámpara de tubo o de cátodo frío, dibujar lazos frente a la cámara. Es importante que, para que las cintas no se corten o se afinen, mantengas la luz siempre alumbrando hacia la cámara. 2. Siluetas: este efecto consiste en dibujar siluetas en el aire con luz mientras la cámara capta toda la secuencia. Para poder hacerlo necesitaras de una linterna o cualquier fuente de luz más bien puntual, es decir, que no emita demasiada luz y deje trazos finos. Puedes dibujar siluetas, contornear objetos, personas o lo que fuera que se te pueda ocurrir. 3. Esferas u Orbs: para realizar este espectacular efecto deberás hacerte con un par de elementos extra como pueden ser: una soga o el mango de un rodillo para pintura sin el rodillo. Este efecto consta en atar la linterna a la soga o al rodillo para pintura, para así poder hacerla girar siempre en una misma órbita. Para ello puedes pegar tu mano a tu obligo y sólo girar la muñeca, de modo que la

circunferencia resulte perfecta y constante. A medida que la haces girar, debes ir rotando, pero con el debido cuidado de mantener el eje de rotación en el centro, es decir, que debes rotar tú, pero tratando de que tu mano quede siempre en el mismo lugar o a la misma altura, para poder conseguir una circunferencia perfecta. Hay muchos vídeos en Youtube de cómo hacerlo, por si te ha parecido confusa la explicación. 4. Lluvia de luces: la forma de realizar este efecto es muy similar a la de realizar las esferas que acabo de comentarte, con la diferencia de que en vez de atar una linterna a la soga o rodillo, debes atar lana de acero. Si, leíste bien, esas esponjas de lana de acero que tienes en la cocina. La magia comienza cuando las prendes fuego, ya que son muy inflamables y si las haces girar muy rápido, comienzan a lanzar una lluvia de chispas que producen un efecto espectacular. (No lo hagas en casa, no lo hagas si no eres adulto o no tienes personas adultas cerca de ti, y no lo hagas cerca de elementos inflamables. Por favor). Fotografía Lightpainting… Paso a paso 1) Lo primero que se debe hacer es definir en qué sitio vas a realizar tus fotos. Recuerdar que cuanto más oscuro esté el paisaje o lugar, más impresionante resultará el efecto. 2) Colocar la cámara en el trípode. 3) Configura la sensibilidad ISO al menor valor que tu cámara te permita. ISO 100 es una opción recomendable. 4) Configura la apertura del diafragma en f/8 y se debe abrir o cerrar según salga demasiado oscura o demasiado clara la foto y se pierda la espectacularidad del efecto. Se recomienda partir del valor f/8 e ir experimentando y modificándolo en función del resultado que vayas obteniendo. 5) El enfoque debe estar en manual, ya que si está en automático, la cámara puede, en el momento de disparar, enfocar en otro lugar que no sea el que uno quería inicialmente. En condiciones de baja luz a los equipos les cuesta más enfocar. 6) Se puede configurar el balance de blancos de acuerdo al tono que se quiera que la fotografía tenga, aunque esto puede hacer luego desde la computadora mediante algún programa de edición de fotos como Photoshop, Lightroom o el provisto por el fabricante que viene en el CD de tu cámara. 7) Recuerde que para poder modificar los tiempos de exposición, se debe utilizar el modo manual, o bien el modo prioridad de velocidad o “S” o “Tv” (aunque con prioridad de velocidad para poder controlar el diafragma, así que el modo manual “M” es lo ideal).

8) Debes asegurate de utilizar velocidades bien lentas, entre 10 a 30 segundos o más según lo creas necesario. Para determinar el tiempo de exposición necesario medir la luz de los elementos que se utilizará en la escena, o medirlo a prueba y error. Recuerde que a menor apertura del diafragma y menor sensibilidad ISO, mayor deberá ser el tiempo de exposición para compensar la reducción de la luz. 9) Enfocar hacia donde se vaya a pintar con la luz. Puedes colocar un objeto fijo, o un sujeto (un amigo colaborador) para utilizarlo sólo a modo de medición, y una vez se tenga el enfoque ya fijado y bloqueado, se aparta. La luz la tendrá que colocar ahí mismo. 10) Para tomar la foto evita se tocar la cámara para que ésta esté lo más estable posible, utilizar los modos de retardo o un disparador a distancia si es que dispones de uno. 11) Preparar para dibujar con luz mientras la cámara exponga la fotografía. Asegúrate de que los elementos lumínicos apunten hacia la cámara para así obtener los mejores resultados. Pintar y escribir con luz Durante este proceso, la cámara y la película han de permanecer fijas, y el tiempo de exposición total en la mayoría de los casos depende del objetivo a capturar. Este método, aunque requiere mucha dedicación y mucho tiempo, retiene lo que constituye la belleza inherente de la fotografía “convencional”: su ilusión de veracidad. A menudo, esto se combina con una exposición normal, efectuada bajo la luz del día en la misma película o cuadro. ¿Qué ocurre si dejamos el obturador abierto durante 30 segundos, el sujeto inmóvil, y hacemos que las fuentes de luz cambien de lugar, orientación e incluso de color? Colorear algunas partes de la imagen con diferentes fuentes luminosas dota a la imagen de un cierto aire irreal. Podemos crear un conjunto de objetos, que parezcan ser iluminados desde muchos e indefinidos puntos, sin acabar de definir unas sombras concretas. Donde ningún objeto parezca proyectar la misma sombra. ¡Eso es lo que intentaremos conseguir en nuestro experimento! Vamos a aprender a “pintar con luz”. Una fotografía, es la captura de la luz que reflejan ciertos objetos, en un paisaje, la luz del sol sobre los elementos: árboles, montañas, en un retrato, en un interior, la luz de la bombilla rebotando en la cara del protagonista. Técnica: Para aplicar esta técnica usaremos un foco de luz (una linterna o similar), en un entorno totalmente oscuro. En esta situación se recomienda el uso de un trípode. El obturador lo

abriremos de 15 a 30 segundos y el diafragma, lo ideal es ponerlo entre un f8 y un f10. Es aconsejable hacer varias pruebas con valores de exposición diferentes, sobre todo cuando se utilicen filtros y se haga foto en color. Efectos: Esta técnica se debe practicar en un lugar completamente oscuro, sin ningún objeto, con lo que lo único que se ve son los haces de luz reflejando la dirección del movimiento que le hayamos dado a los mismos (de ahí la expresión “pintar con luz”. Para lograr este objetivo necesitaremos: Para empezar deberemos disponer de una cámara que permita especificar el tiempo de exposición, es decir, cuántos segundos permanece abierto el obturador. Con un mínimo de 5 segundos de exposición tendremos suficiente. Pensar que con esos tiempos de exposición, entre 5 segundos y algunos minutos, las fotografías aparecerían sobreexpuestas si no trabajamos en un ambiente oscuro. Haremos las fotos en una habitación totalmente a oscuras y usaremos una fuente de luz tipo linterna, focos, etc. La cámara deberá permanecer totalmente inmóvil durante el tiempo en que el obturador esté abierto, ó simplemente usar un trípode que nos ayude en esta tarea. Algunas veces, al momento de mantener abierto el obturador, se genera un leve movimiento que a la larga se ve reflejado en la fotografía, si es posible se puede utilizar un disparador automático o mejor conocido como “auto disparador”, para evitar dicho inconveniente. Finalmente, necesitaremos tener muy claro el objeto, o movimiento que queremos capturar, y la manera de cómo lograrlo. Después de preparar la composición o elementos que utilizaremos, hay que apagar las luces del cuarto que se utilice, no pasa nada si se filtra algo de luz entre las persianas, con el diafragma tan cerrado no se va a notar salvo que incida directamente sobre la composición. El resto no tiene mucho misterio, pulsar el disparador con la linterna o el tipo de luz que tengamos encendida y enfocando a cualquier zona de la composición que queramos iluminar. Después vamos moviendo la linterna por distintas zonas, deteniéndonos más tiempo en las zonas que queremos que salgan más iluminadas y variando el ángulo si queremos hacer sombras sobre el fondo.

Procedimiento La dinámica a desarrollar para la guía 9 esta semana será la siguiente: 1) Se trabajará de forma individual y se realizará la práctica en el cuarto oscuro. Para ello se requiere un fondo completamente negro en el cual colocaremos o daremos movimiento a las fuentes de luz (lámparas, luces de navidad, neones, etc.) 2) Los estudiantes deben venir vestidos completamente de oscuro, de preferencia color negro. 3) Se captara la trayectoria de la luz utilizando velocidades bajas, por lo que se recomienda usar trípode. 4) Se solicita traer al laboratorio: luces de neón, guías de luces navideñas (de colores o un solo tono), lámparas, o cualquier otro objeto que emita luz. 5) Además debe traer papel celofán de diferentes colores, para dar efectos diversos. 6) En total serán 6 fotografías combinando las técnicas: 2 fotos de pintar con luz, 2 fotos de escribir con luz y 2 fotos de dibujar con luz (contornos y siluetas), así mismo se debe aplicar diferentes tipos de ángulos y encuadres.

Entrega de trabajo  

 

Cada estudiante debe presentar su trabajo digital en su cuenta on-line, donde muestre las 2 imágenes de pintar, 2 de dibujar y 2 de escribir con luz, para hacer un total de 6 fotografías. No olvide indicar en las fotos digitales su número de guía y el ejercicio realizado en cada imagen. Las fotos deben tener nombre y una explicación que constituye el racional del trabajo. Se recomienda ser muy creativo. Recuerde que debe traer todos los materiales necesarios para el mejor resultado de esta guía. No olvide crear un álbum en flickr para cada guía y completar la información general de cada actividad, de esa manera su trabajo estará más ordenado y la evaluación de sus trabajos será más fácil.

1. Manual completo de fotografía, editorial Blume Barcelona 2005. 2.Cómo hacer buenas fotografías, Editorial Liboa, Barcelona, España, 2001. 3. El placer de fotografiar, Eastman Kodak Company, Editorial Folio, 1980. 5. Cómo leer la fotografía: Entender y disfrutar los grandes fotógrafos, de Stieglitz a Doisneau. / Ian Jeffrey Barcelona, España Electa 2008.

Guía 8. Tema: Portafolio fotográfico /Montaje Contenido El proyecto final del laboratorio constituye la última guía, donde los y las estudiantes presentaran su portafolio fotográfico on-line, el cual contendrá la recopilación de sus trabajos del ciclo. Además, deberá realizar un montaje fotográfico del reto: “Fotografía final” para exhibirla en una exposición fotográfica.

Objetivo específico Mostrar los trabajos realizados en el ciclo, mediante un portafolio profesional on-line y una exposición fotográfica de imágenes de un tema específico.

Indicaciones Es responsabilidad del estudiante leer previamente la guía y tener listo su enlace para mostrar su portafolio versión on-line. El proyecto final de las prácticas de fotografía profesional consistirá en un portafolio versión online para computadoras y móviles. Para la entrega digital se sugiere utilizar WIX, Prezi u otra plataforma que muestre el trabajo realizado por todos los estudiantes, a lo largo del ciclo, en las diferentes guías.

Introducción teórica El montaje de las fotografías del proyecto final, se utilizarán en una exposición organizada por la Escuela de Comunicación, por lo que es nuestra carta de presentación en dicho evento, para lo cual debemos mantenerla calidad en los cortes, pegues y viñetado. En dicha exposición se presentará 1 fotografía por cada alumno. El o la instructor (a) del laboratorio será quien le indique al estudiante la fotografía que será expuesta. La

presentación de esta imagen debe cumplir con los siguientes requisitos: 1. Impresión de la fotografía en tamaño tabloide (11X17”) en papel de buena calidad. 2. La fotografía debe tener los márgenes blancos de impresión, por lo tanto los alumnos no debe de recortarlos. 3. La imagen debe estar montada en cartón de ilustración color negro con los márgenes siguientes: Si la fotografía es horizontal, los márgenes serán de 2 pulgadas en el lado superior, izquierdo y derecho, y en el lado inferior por cuestiones de identificación de cada alumnos deberá contener 4 pulgadas. Como lo muestra el ejemplo:

En cambio, si la fotografía es de encuadre horizontal, el cartón de ilustración en el cual sea montada la fotografía deberá también tener la misma orientación de la fotografía y los márgenes serán los siguientes: lado superior, izquierdo y derecho con 2 pulgadas de ancho y en el lado inferior 4 pulgadas.    

Es importante aclarar que el formato de las viñetas serán proporcionada por las instructores y catedráticos. De igual manera, se presentará con su respectiva camisa de papel sketch de protección, sujetado con tirro y tomando en cuenta que el corte de éste se vea estético. Debe brindar a su docente la dirección exacta de su sitio Web, donde estará el portafolio digital en un álbum o carpeta específica para ello. Recuerde que el portafolio digital online debe contener una muestra del trabajo realizado en cada guía, es decir la mejor fotografía de cada una de las 10 prácticas realizadas con la información siguiente: nombre de la guía, nombre de la foto, racional o comentario de la imagen y la ficha técnica, esta información será por cada una de las guías, haciendo un total de 10 fotos, pues se incluye la imagen de exposición.

En la parte de atrás del montaje, colocar una viñeta provisional con los siguientes datos: título de la foto, lugar donde fue tomada, técnica y autor. El montaje debe quedar terminado al finalizar su horario de laboratorio y debe ser entregado a su docente para su respectiva exposición.

Los parámetros que debe tomar en cuenta al momento de la presentación del portafolio son: Brindar a su docente la dirección exacta de su sitio web, donde estará el portafolio digital. Recuerde que el portafolio digital online debe contener una muestra del trabajo realizado en cada guía, es decir la mejor fotografía de cada una de las 10 prácticas realizadas y su aplicación con la información siguiente: título de la foto, nombre del ejercicio y guía que está presentando, breve racional. Es necesario aclarar también, que el portafolio no es la acumulación de las 10 guías sino, la integración de las 10 guías en un solo documento, elija 1 0 2 fotos más representativas de cada una de las actividades. El portafolio también contempla elementos como:  Portada (Home)  Introducción o descripción de su concepto  Autoretrato y Perfil del fotógrafo (a) - (Biografía)  Galería de fotos Laboratorio, identificación por guía (Título, nombre del ejercicio y nombre de la guía correspondiente a cada foto)  Galería de fotos Teoría, identificación por actividad (Título, nombre del ejercicio y nombre de la actividad correspondiente a cada foto)  Anexos  Contactos (links a flickr, facebook), teléfonos, entre otros.

Entrega de trabajos 1. Para la presentación cada estudiante debe presentar su portafolio digital online en el grupo de laboratorio correspondiente, mostrando ante sus compañeros y docente el avance alcanzado en el ciclo. 2. No olvide utilizar el lenguaje técnico, ya que el discurso de la imagen será parte de su evaluación. 3. Recuerde indicar en las fotos digitales su número de guía y el ejercicio realizado en cada imagen. Las fotos deben tener nombre y una explicación que constituye el racional del trabajo, es decir la justificación del mismo. Se recomienda ser muy creativo. 4. No olvide que es la nota de su parcial de laboratorio por lo que, la presentación personal, puntualidad y expresión verbal es parte de su evaluación. 5. También será parte importante en la evaluación la calidad del diseño y el contenido complete de su portafolio. No menos importante es la utilización de la herramienta en línea.

Actividad Evaluada de Unidad III Tema: Presentación de proyecto final / Portafolio Contenido En este documento se encuentra la información general de la actividad evaluada de la segunda unidad así como los lineamientos que debe seguir el estudiante para la presentación de su actividad.

Objetivo específico Mostrar por medio de un portafolio digital los conocimientos adquiridos en todo el ciclo en la materia de fotografía digital tanto en la teoría como en laboratorio, este portafolio debe ser su carta de presentación como fotógrafo profesional integrando las diversas ramas de la fotografía en las que ha incursionado.

Materiales

Es responsabilidad de cada alumno leer previamente cada una de las guías antes de asistir a las prácticas de laboratorio, así como traer los materiales y equipo que se le solicite. 

En esta ocasión si el docente se lo solicita deberá llevar al salón de clase el portafolio digital, si es necesario debe llevar su computadora personal para la presentación.

Indicaciones

Cada estudiante deberá presentar de forma profesional y ordenada su portafolio que debe contener la siguiente información: • Portada • Introducción o descripción de su concepto (Home) • Auto etrato • Perfil del fotógrafo (a) - Biografía (About) • Identificación por guía (Título, nombre del ejercicio y nombre de la guía correspondiente a cada foto) • Identificación por asignación de teoría (Título, nombre del ejercicio y nombre de la asignación correspondiente a cada foto) • Contactos • Fotografías anexas La exposición deberá contener los siguientes puntos: • Concepto • Racional general y explicación de su concepto • Exposición de su biografía, autorretrato y habilidades • Exposición sobre sus materiales y experiencias en las asignaciones de la clase teórica • Exposición sobre sus materiales y experiencias en las asignaciones de la clase de laboratorio • Contactos y enlaces a redes sociales y portales de importancia • Entrega de los materiales si el docente le solicitó material impreso como portafolio y tarjetas Comentarios o sugerencias de parte de sus compañeros y docente a cargo. Dicha actividad tiene el valor determinado de la nota global de la materia en la tercera unidad. En esta ocasión los ítems a evaluar pueden variar dependiendo del docente o de los resultados del diagnóstico del alumno. Aspectos a evaluar Tome en cuenta que la evaluación del portafolio será en el salón de clase durante la exposición, por lo que su docente tomará en cuenta los siguientes aspectos: 1. El estudiante viste adecuadamente para la presentación de su proyecto 2. Lenguaje técnico y expresión verbal adecuada en la justificación del trabajo 3. Calidad, técnica y composición en las fotografías 4. Diseño, diagramación y contenido completo de la información 5. Autoevaluación Recuerde que su asistencia es importante para la defensa de su portafolio, se anulará su nota inmediatamente si no se encuentra presente.