Disey Magazine 07 by Diseño Low Cost, diseño para todos

EQUIPO DISEY nº7 Publicación bimestral gratuita DIRECCIÓN Nadia Montero Cristina Castellanos DIRECCIÓN DE ARTE Cristina Castellanos REDACCIÓN Nadia Montero MAQUETACIÓN Cristina Castellanos Irene Pérez CORRECCIÓN Arnau Benlloch PUBLICIDAD Rosario Muñoz Lluis Salvador IMPRESIÓN Mapubli S.L. COLABORADORES Carlos Aparicio Arnau Benlloch Pablo Bosch Gonzalo Cervelló Cristina Fernández Borja García José Antonio Giménez Tania Magro Vicente Montesinos Enrique de Rojas Paula Sánchez Mariche Soriano David Vijuescas Disey no se hace responsable de las opiniones de sus colaboradores, son incontrolables. Queda terminantemente prohibida la reproducción total o parcial de cualquier contenido escrito o gráfico aparecido en esta publicación y su edición electrónica sin la autorización expresa y por escrito de sus codirectores.

Pues ya está aquí otra vez. La estación más esperada e idealizada de todas regresa para envolver con su halo de expectativas a todo hijo de vecino. Nos pasamos el año esperando, casi ansiando el verano. Y la mayoría no lo aguardamos para saber cuál será la canción del verano –qué dolor-, ni para vernos reflejados en el fuego del asfalto –qué terror-, ni para levantarnos a las siete de la mañana para plantar el kit de supervivencia que asegura un espacio en una playa abarrotada –qué sinrazón-. Me refiero más bien a esa espera mitificada y edulcorada por las huellas que han ido dejando las sucesivas etapas estivales que ya vivimos pero que sin embargo, parece que nunca pasaron. Quién no tiene vívida la imagen de ese ve-

rano familiar en el camping, de las mañanas ante el “Vacaciones Santillana”, de aquel otro en ese campamento donde nos dejamos la inocencia, del de aquel festival que marcó una época o el de las eternas siestas mecidas con el ronroneo de la telenovela. Un beso salado, el olor a aftersun, amaneceres embriagados, maletas etiquetadas con el deseo de que ese viaje no acabe jamás, risueñas amistades que nos ayudaron a crecer... La fruta, los colores, el tiempo libre, el despilfarro de dinero, la suerte... ¡y una tragaperras! Sí, esa es la imagen que hemos escogido para aglutinar el torrente de experiencias que suceden en esta época y alimentan la magia del verano. Que seáis traviesos. Con los cinco sentidos. Nadia Montero

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ARQUITECTURA cementerio vespella de gaià external refernce .............. 10 INTERIORISMO bajo un techo ecléctico silvia bellot ......................................... 14 DISEÑO INDUSTRIAL cuestión de fe luís eslava ...................................................................... 20 ILUMINACIÓN las primeras luces ............................................................................................ 24 TIPOGRAFÍA aosh jorge torvisco ....................................................................................... 30 ILUSTRACIÓN ilustración a borbotones elfelix ..................................................... 34 FOTO dos formas de expresión para cada sentimiento maria vagna ........................................................................................................ 38 ESPECIALES valencia crea 07 ............................................................................................. 42 DOBLE TECHO lomografía .............................................................................................................. 54 nouvelle manga ................................................................................................ 58 observatori 07 ................................................................................................... 60 fib-art 07 ................................................................................................................... 62

-Explosión de Ideas 01-

Massimo Tepedino 31 años / Carmelo Zappulla 29 años / Esther Rovira 27 años / Nacho Toribio 31 años Arquitectos. Tarragona info@externalreference.com / www.externalreference.com

Cementerio Vespella de Gaià

¿Qué fue lo que os llamó la atención para decidir presentaros, el premio o el reto de un proyecto arquitectónico distinto? Esther Rovira: Ante todo nos planteamos los concursos como un tiempo de recreo, como un deleite arquitectónico en el que poner en práctica nuestras inquietudes de innovación. En este caso el reto estético de la muerte fue un impulso determinante. Massimo Tepedino: Por otra parte, un proyecto de cementerio supuso para nosotros un pretexto para generar un ‘espacio público para los vivos’ a través de la necesidad de crear un ‘espacio privado para los muertos’. Nacho Toribio: Efectivamente un cementerio es un proyecto de arquitectura ‘ultraresidencial’ o ‘postresidencial’ enriquecido en este

Fotografías de María Vagna

El objetivo del concurso era dotar al municipio de Vespella de Gaià (Tarragona) de un cementerio ubicado en un espacio natural de paisaje mediterráneo interior. Se indicaba la necesidad de que los arquitectos participantes fuesen titulados con menos de seis años de experiencia profesional por lo que se buscaba un perfil eminentemente joven, que se aventurase a plantear un proyecto como éste que, aunque no ganó, obtuvo un merecido reconocimiento por su original osadía. caso por el carácter especial de Vespella en el que se funden una naturaleza vigorosa con la sutiles intervenciones en el paisaje del artista italiano Bartoluci afincado en la localidad. Carmelo Zapulla: Personalmente viví este concurso como un exorcismo arquitectónico, como una catarsis creativa por medio de la cual aproximarme sin miedos ni traumas emotivos al hecho de la muerte. Al mismo tiempo experimenté un cierto tipo de ‘nacimiento’ dado que ha sido uno de mis primeros trabajos dentro del colectivo External Reference. ¿Cómo os documentasteis para empezar? MT: Una fuente documental inapelable es el propio bagaje de referencias previas que ocupan un espacio de inquietudes interiores

realizadas y por realizar, en el que habitan inevitablemente las obsesiones propias. CZ: Hay referencias con formato de recuerdo o de experiencia que pertenecen al subconsciente colectivo (y al personal) y se materializan en forma de ‘archivos emocionales’ e ‘iconos arquitectónicos’ que van desde el cementerio de Igualada de Enric Miralles a la Tomba Brion de Carlo Scarpa pasando por el cementerio de la cooperativa mexicano-americana Grape Growers de Emilio Ambazs. NT: Este mundo de referencias previas o posteriores se encuentra igualmente en la literatura, con relatos como El cementeri de Synera de Salvador Espriu, o en la filosofía, con ensayos contemporáneos a propósito de la muerte realizados por el deconstructivista Jaques Derrida, sin olvidar la hermenéutica bíblico-teológica propia de los países del sur de Europa. ER: Referencias psicológicas, arquitectónicas, literarias pero también cinematográficas, dado que es evidente que en todos subyace de algún modo la imaginería del cine contemporáneo de autores como Burton o Lucas por no citar la potente estética de títulos como Madmax donde se establece una territorialidad, en apariencia inconexa, pero que en el desarrollo de la cinta nos va dando idea de conectividades imperceptibles. Hacéis una reflexión sobre la teoría plástica del wabi-sabi, que persigue un ideal estético basado en valorar la experimentación del paso del tiempo como base del proceso de creación artística. ¿De qué manera se hace patente esta teoría en este cementerio? ER: Hemos intentado crear un paisaje sin referencias para orientar a los visitantes en una búsqueda del recogimiento abstracto. La teoría wabi-sabi y en general la cultura japonesa nos aportan el sentido positivo-trascendental de aceptación de la fatalidad a través de la meditación y el recogimiento. NT: Al margen de los preceptos filosófico-estéticos, el carácter matérico de esta teoría entra en conexión con la intención de in-

saliente y cortante da paso a lo cálido, lo uterino y lo convexo. Es un recorrido telúrico hacia un estado primigenio, amniótico y originario aceptando la muerte como un paso más dentro de la cíclica cósmica del eterno retorno Nietzcheano. NT: En una conversación con Le Corbusier, Dalí afirmó: “¡la arquitectura un día será blanda y peluda!”. En nuestro caso no se trata de erigir una máxima sino de un medio para asumir lo imperfecto y lo controladamente casual, para huir del monumentalismo de lo abstracto, lo cúbico y lo cartesiano. Mediante las formas blandas afirmamos que la muerte es un hecho vital más, que no está exclusivamente representado por la solemnidad metafísica de la abstracción, presente en el Movimiento Moderno. A pesar de no haber ganado el concurso, el jurado os felicitó por este proyecto. ¿Tuvisteis en cuenta de antemano que no ibais a ganar por ser demasiado arriesgado y conceptual? ER: ¡Para nosotros los concursos son un recreo mental! MT+ CZ: Un concurso es un campo de riesgo en el que ponemos en práctica ejercicios de experimentación y búsqueda del acierto. Según la ley del diseño industrial denominada ‘Umbral Maya’, el producto que tiene mayor éxito comercial es aquel que alcanza el nivel de innovación que el público es capaz de tolerar. Es probable que hayamos excedido este nivel... ¿Por qué habéis utilizado el hormigón? MT: Gracias a la manipulación del material más antiguo de los materiales modernos es posible acelerar el tiempo de degradación del mismo acoplando su temporalidad a la del paisaje que lo acoge. Se trata de aprovechar las propiedades del hormigón como material imperfecto y vivo. ¿Cuál es el sentido que quisisteis imprimir al trabajo paisajístico? MT: Imprimimos una ley de acción-reacción entre arquitectura y paisaje de modo que las acciones que lo construido ejerce sobre el paisaje son traducidas a lenguajes que le son propios como la

troducir en el proyecto la aceptación del fallo, de lo irregular, de la discontinuidad y con éstos, de la acción del paso del tiempo sobre la obra. ¿Qué pretendíais al sustituir las formas con ángulos y aristas por otras más orgánicas y moduladas? ER: La sustitución de las formas duras es entendida como un proceso de aproximación a lo maternal en el que la supresión de lo

degradación o la bioabsorción. Igualmente tratamos de potenciar con este tipo de intervención el carácter abstracto del paisaje árido mediterráneo, en el que se pierden las referencias. ¿Qué os ha aportado profesional y personalmente la realización de un proyecto tan especial? ER+MT+NT+CZ: ¡El deseo de construirlo!

-Explosión de Ideas 02Silvia Bellot. Interiorista 32 años. Denia, Alicante silviabellot@yahoo.es

Bajo un techo ecléctico El interiorismo es una actividad profesional de diseño orientada a hacer idóneo el entorno habitable del hombre. Quienes se dedican a esta profesión, a veces un tanto desconocida, tienen la clave para crear un hogar o un local que mejorará considerablemente la calidad de vida de sus usuarios. Todo apuntaba a que su carrera iba a girar en torno a las leyes y no alrededor de muebles, telas y tabiques. Sin embargo, Silvia Bellot se resistió a ejercer la abogacía cuando su latente vocación de interiorista, hasta entonces dormida, despertó. Por aquella época Silvia ni siquiera sabía que su insistencia por cambiar los muebles de casa de su madre y el placer que encontraba ojeando revistas de decoración podía convertirse en una profesión, algo que le desveló un encuentro

casual con una conocida. “Yo no sabía ni que se podían cursar esos estudios, pero esa conversación me abrió los ojos de tal manera que en cuestión de días les comuniqué a mis padres que iba a aprobar la asignatura de Derecho Romano -por puro amor propio- y me iba a meter de cabeza a estudiar Interiorismo”. Su primer proyecto de interiores, ejecutado con el respeto propio de alguien que empieza, fue un restaurante en Denia y, a partir de ahí, Silvia no concibe su vida

desligada de esta profesión que le entusiasma. Han pasado ocho años y no ha parado ni un instante para hacer que interiores de viviendas y comercios tengan esa huella que deja un buen interiorista en cualquier espacio. “Disfruto muchísimo con mi trabajo, sobre todo haciendo el interior de comercios, aunque me salen más proyectos de vivienda. Parece que todavía hay un poco de machismo en esta profesión y se sigue pensando que las mujeres hacemos mejor las casas”.

“EL INTERIORISMO ES UN OFICIO EN EL QUE NO SÓLO HAY QUE TENER BUEN GUSTO, SINO MUCHA PSICOLOGÍA, PODER DE DECISIÓN Y CAPACIDAD PARA COORDINAR A UN EQUIPO”. 15

La información visual de revistas especializadas y programas de televisión ha propiciado que el interiorista sea una figura en auge, cada vez más demandada. Un amplio espectro social requiere que su vivienda o su negocio sea un lugar apacible y personal. “Sobre todo la gente joven acepta muy bien a un interiorista porque están mentalizados de que cada uno tiene sus competencias e igual que hacen con otras cosas prefieren dejar esto en manos de un profesional. Eso quiere decir que cada vez hay más personas que entienden el trabajo que hacemos”. Porque los interioristas no siempre se topan con la total comprensión de su labor, que a menudo se confunde con la de un decorador. “El decorador aparece cuando ya está todo hecho para, por decirlo de algún modo, maquillar la casa. Yo entro cuando se está haciendo, cuando hay que redistribuir espacios, elegir pavimentos, escoger carpintería, iluminación, textiles...”. Para la consecución de tan diversas y minuciosas tareas se requiere trabajar con un buen equipo de profesionales de diferentes oficios, algo indispensable para apoyar y ejecutar las solitarias decisiones de un interiorista. “Es muy complicado estar en medio del cliente y de un montón de personas de quienes depende que se cumplan los plazos. Por eso, aunque trabajo sola,

“ME GUSTAN LAS CASAS CON CONTRASTES PORQUE CREO QUE TRANSMITEN MÁS. POR ESO NO SOY PARTIDARIA DE EMPLEAR UN MISMO ESTILO”.

con el tiempo he conseguido rodearme de gente que trabaja como a mí me gusta”. Los clientes quieren que en sus casas se vean las últimas tendencias, pero sin que se quede obsoleta en dos años. En esta tenue línea que separa la moda de lo perecedero Silvia sabe manejarse bien; cuando

* 16

“ME CONSIDERO ARTISTA, PARA NADA EMPRESARIA. LE DEDICO MUCHAS HORAS A CADA PROYECTO PORQUE ME NACE Y JAMÁS CREO TENIENDO EN CUENTA EL DINERO”.

finaliza su trabajo todos coinciden en tildar de atemporal su creación. Las ferias son el referente que sin cesar persiguen los interioristas, donde el abanico de posibilidades entre las que decidir se torna casi infinito. “No soy nada indecisa, enseguida sé lo que quiero. A veces los clientes me hacen serlo, pero hay que saber convencerles de que lo que has decidido es por algo que responde a muchas otras decisiones que se han tomado sobre la marcha, porque si te vas dejando manipular y convencer, tu proyecto se va desvirtuando”. La visión global del espacio comienza en su propia estructuración y continua por las paredes, los suelos y los techos, hasta llegar a los cientos de detalles. “¡Trabajamos mucho! Hay cosas que no se saben, para escoger un textil puedo estar más de una semana porque para hacer esa elección ya tengo que tener una absoluta coordinación con otros elementos como el pavimento, el modo en que entra la luz en la vivienda, la pintura, el textil que va al lado... Cuando estoy concibiendo todo el proyecto voy encajando piezas y pensando en todo lo que quiero para llenar ese espacio. Y si pienso en una mesa determinada, no paro hasta que la encuentro, antes la diseño yo que me resigno a poner otra distinta”. Después de pasar por las manos de Silvia Bellot, lo que había bajo un techo se convertirá en un interior con un estilo ecléctico que, sobre todo, transmitirá sensaciones. Y es que como ella mismo dice, si un espacio no te dice nada es que el interiorista no ha hecho bien su trabajo

-Explosión de Ideas 03-

Oh María keep my data safe

CON EL TIEMPO ME HE DADO CUENTA DE QUE EL DISEÑO ES UN PROCESO QUE SE PUEDE APLICAR A VARIAS DISCIPLINAS. EN ESTA PROFESIÓN NO HAY QUE ACOTAR.

Luís Eslava Diseñador Multidisciplinar 30 años. Valencia www.luiseslava.com

Cuestión de Fe Cuando coinciden la profesionalidad, el ingenio y las ganas de moverse, el trabajo de un diseñador se llega a palpar en los cinco continentes. Luís Eslava es uno de esos diseñadores que puede con todo, amante del concepto y atrevido en la experimentación con materiales humildes. Su memoria USB Oh María keep my data safe es un gadget con el que ha logrado enganchar al público a golpe de guiño o de fe, según se mire. Luís Eslava cursó sus estudios en diseño gráfico e industrial en la ESDI Ceu San Pablo de Valencia y pronto demostró su carácter multidisciplinar. Al acabar desempeñó creaciones multimedia en el Instituto Europeo di Design de Madrid y, estando allí se le planteó la oportunidad de instalarse en Mallorca para trabajar en la factoría Camper en un sector que, aunque desconocía absolutamente, no dudó en probar. “Buscaban diseñadores que no tuviesen conocimiento alguno sobre

calzado y yo desde luego entraba en ese perfil. Trabajando allí aprendí muchas cosas que me están siendo muy útiles como diseñador y me di cuenta que diseñar un zapato es comparable a diseñar un coche, hay que tener en cuenta muchísimos factores, ser extremadamente minucioso y lograr que destaque sobre los demás”. Luís quedó seducido por la pincelada irónica que Camper impregna a sus zapatos. Tanto le atrajo este concepto aplicado al diseño que su tesis doctoral se titu-

la Ironía Saludable. “En cualquier objeto puedes esconder un guiño para que el usuario, al descubrirlo, lo haga suyo y lo convierta en un objeto fetiche. Es una ironía sin malicia que cuando es interpretada transforma cualquier cosa en algo deseable. Para mí esta es la clave de un buen producto, eso sí, sin perder de vista la funcionalidad”. Su trabajo con el calzado ayudó a despertar en Luís un renovado interés por lo tridimensional que había perdido al

considerar en sus inicios que su trabajo era demasiado conceptual para que sus proyectos llegasen a convertirse en un producto real. “Me di cuenta de que mi trabajo no estaba por debajo de cualquier otra persona; creo que no lo valoraba suficientemente”. La necesidad de seguir formándose en la disciplina industrial le llevó a realizar sus estudios de postgrado como diseñador de producto en el Royal College of Art de Londres. Su paso por la capital británica

ha marcado la profesión de Luís Eslava y le ha brindado la posibilidad de hacer buenos contactos, de enriquecerse con los proyectos de compañeros y tutores y de empaparse de una cultura del diseño en estado puro. “La gran diferencia que encontré en Londres en cuanto a la docencia es que allí no te dicen lo que tienes que hacer, sino que te preguntan qué quieres hacer. Al no imponerte unas pautas, estás obligado a marcarte las tuyas propias. Además, la tecnología de la

que se dispone, unos horarios flexibles, esenciales para un diseñador, y los magníficos tutores hacen que esta experiencia sea totalmente recomendable profesional y personalmente”. Luís ha ido fraguando una personalidad centrándose en desarrollar una manera propia de pensar y de hacer teniendo en cuenta poco más que sus ideas. “Con el tiempo me he dado cuenta que es imposible que tu trabajo le guste a todo el mundo. Hay que buscar lo que realmente

My Mess

te interesa personalmente para trabajar. Es entonces, al encontrar tu motivación, cuando aciertas”. Basado en el equilibrio entre forma, función y significado desarrolló el proyectó Oh María keep my data safe, la memoria USB que ha producido la editora catalana ABR. Su packaging recuerda a la cúpula de adoración a la Virgen y la idea proviene de su reflexión sobre la adoración a la tecnología como nueva religión. Y no le falta razón cuando afirma que “sentarse

delante del ordenador es como un acto de fe: aunque no sepas cómo funciona, crees en ello”. El virginal USB es buen ejemplo de la manera de pensar de Luís Eslava, una constante mezcla entre la intuición, lo cotidiano y lo visual. Su pasado gráfico deja una impronta en la composición de sus productos a los que aplica ese juego en que lo bidimensional pasa a tener tres dimensiones. Sus productos son una reinterpretación del día a día, donde reside

el flujo de su inspiración. “Aplico a mi manera de trabajar mi constante alimentación visual. Necesito viajar, ver, tocar... Y todas las experiencias que se salgan de tu rutina son enriquecedoras y seguro que consciente o inconscientemente acaban reflejándose en tus creaciones. Observo la vida diaria de la gente, cómo adecuamos los objetos, cómo los hacemos nuestros”. De esta observación de la cotidianeidad llama especialmente su atención los ma-

Face to Face 22

DECIDÍ TENER MI PROPIO ESTUDIO PORQUE NO ENCAJABA EN NUNGÚN PUESTO DE TRABAJO. ADEMÁS, UN TRABAJO ESPECÍFICO EN MI CASO NO PUEDE SATISFACER MIS INQUIETUDES.

Reloj Dopo y silla Pussy Lawn

teriales que siempre han sido humildes a los que saca de su contexto habitual para conseguir hacerlos extraordinarios por sus propias características. Su silla Pussy lawn, fabricada en fibra de coco se encuentra ahora recorriendo las principales capitales del mundo desde que fue seleccionada por 300% Spanish Design, una muestra itinerante que recoge las cien mejores sillas del diseño español. Su lámpara de velcro está expuesta en el Design Museum de Londres y en estos

momentos trabaja con la lija, otro material que de su mano logrará colarse entre los más nobles. Luís Eslava pertenece al grupo de creativos que están generando una nueva tipología de objetos. Y ser pionero tiene una doble cara, la menos buena es que la gente necesita tomarse su tiempo para aceptar e interpretar objetos cuya definición todavía no aparece en el diccionario. No obstante, las trabas son para quien las acepta porque en su

caso, si no encuentra empresa que se arriesgue con alguno de sus productos lo fabrica él mismo y los vende por su cuenta. Esta confianza en sí mismo es una opción que le está dando muy buenos resultados y ya le ha hecho merecedor de prestigiosos premios como el del concurso Injuve de Jóvenes Diseñadores por su trayectoria profesional. La iniciativa es una virtud que acompaña a Luís Eslava en Londres, Tokio o en su estudio de Valencia

-Explosión de Ideas 04Proyecto de Iluminación Alumnos de 2o de I.T. en Diseño Industrial Universidad Cardenal Herrera CEU. Profesor: Borja García Materiales aplicados al Diseño

Las primeras luces Hoy sus nombres son uno más en la lista de su clase, pero qué duda cabe que en menos de un par de años sus firmas aparecerán en productos que podremos comprar. Éste es un proyecto de iluminación de alumnos de Diseño Industrial que, a pesar de su todavía escasa relación con el medio, ya son capaces de demostrar su potencial. Las aulas de las escuelas de Diseño Industrial se llenan con frecuencia de prototipos sorprendentes, frescos y realmente buenos. Sus creadores son alumnos que, guiados por el profesor de la asignatura en cuestión, exprimen sus ideas para llevar a término la que posiblemente será una de sus óperas primas. La inocencia, las ganas y la despreocupación por si su proyecto se transferirá del aula a la tienda son factores que influyen positivamente en el resultado de unos trabajos con una

fuerte carga conceptual y formal. Éste es el caso de las lámparas que han realizado los estudiantes de 2o de Diseño Industrial del CEU San Pablo de Valencia. Los prototipos son el proyecto final de la asignatura Materiales aplicados al Diseño, cuya finalidad es acercar a los alumnos a los materiales desde el punto de vista del diseñador de producto. Borja García, el diseñador industrial que imparte una parte de la asignatura les propuso un interesante juego experimentando con la luz “para

hacerles ver que los materiales de los que disponen no son sólo los que tocamos, sino también aquellos que se perciben mediante otros sentidos”. Los estudiantes debían pensar en cómo trabajar con la luz como materia moldeándola, transformándola, dándole color, volumen y forma. Algo que tomaría cuerpo a través de una lámpara en cuya realización sólo podían emplear un tipo de material. El resultado son lámparas que transmiten algo más que luz

1. Armonía AUTOR: JULIA OJEDA A pesar de ser un prototipo, éste es un producto ya resuelto que, por su profesional acabado podría entrar en el mercado tal y como está.

2. Candle

2 2

AUTOR: SILVIA ALCAINA Es una lámpara que juega a convertirse en una vela “digital”, un efecto que se ha conseguido mediante leds alimentados por baterías. Conceptualmente, lo más destacable es la metáfora tecnológica.

3. Nature AUTOR: AMPARO GASCÓ Esta lámpara supone un ejercicio formal muy acertado. Es un producto femenino y sensual tanto por sus curvas como por la luz que emite. 27

4. Kubic AUTOR: INMA BAILÉN

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Es un juego de construcción que se enciende al apretar. Tanto por su forma como por su material la hace especialmente apta para niños.

5. Mushroom AUTOR: LUCÍA ALEMÁN

La originalidad reside en la interacción que establece la lámpara con el usuario, ya que se enciende al entrar en contacto con el objeto que se deposite sobre ella. De este modo se sabe si hay alguien en casa nada más entrar.

6. Torcia AUTOR: CARLOS PÉREZ Sorprende la simplicidad de materiales, pues es una lámpara que se ha resuelto con una lámina de polipropileno y unas gomas del pelo.

-Explosión de Ideas 05Jorge Torvisco Diseñador Gráfico 32 años. Valencia jrg-mar.tor@terra.es

Aosh El tipo está en todas partes. Está en las paredes, en los suelos, en libros y revistas, en los nombres de las calles, en las señales de tráfico y en todo lo que compramos. El campo de la tipografía es exclusivo y son pocos los diseñadores que se atreven con una disciplina que exige, además de creatividad, paciencia, minuciosidad, experiencia y respeto. A pesar de su juventud Jorge Torvisco ya tiene su propia tipografía, se llama Aosh y su creación ha sido supervisada por Andreu Balius, considerado uno de los mejores tipógrafos de este país. ¿Cómo un estudiante de Diseño Gráfico decide embarcarse en un proyecto tan complejo como es crear una tipografía como proyecto final de carrera? Todo comenzó en Estrasburgo, una ciudad europea en la que se respira diseño tipográfico en cada rincón. Ante aquel entorno uno no puede quedarse indiferente y esa atmósfera tan particular terminó por calarme hondo. Mi primera aventura realmente importante con la tipografía tuvo lugar allí mismo, durante mi beca Erasmus, en un Workshop que impartió

Joachim Müller Lancé en la escuela donde estudiaba. Müller planteó un proyecto que consistía en buscar un pretexto para crear una tipografía durante los tres días que duraba el taller. No se trataba de crear una fuente completa, sino de unos cuantos caracteres primarios que sirviesen para definir un estilo futuro. A partir de aquí comienza la historia de Aosh, mi familia tipográfica. Y desde entonces he vivido el proceso de cómo los trazos que realicé aquellos días sirvieron para comenzar un proyecto ilusionante. 30

ME INTERESABA MUCHO CREAR UNA TIPOGRAFÍA CON LA QUE SE PUDIESE ESCRIBIR UN TEXTO PORQUE PARA MÍ SON ESAS LAS QUE PERDURAN EN EL TIEMPO Y LAS QUE SIRVEN PARA CASI CUALQUIER REQUERIMIENTO.

La creación de una tipografía es un trabajo tan extenso y minucioso que incluso empezar resulta complicado. ¿Cuál fue tu punto de partida? El inicio fue la búsqueda de un concepto que me sugiriese una forma de donde partir. Pensé en el detalle, en la anatomía que iba a proporcionarle a la tipo y que la haría genuina. La verdad es que yo no estaba en un momento de gran lucidez creativa porque me encontraba un tanto nostálgico en Estrasburgo, un estado bastante generalizado entre todos los Erasmus españoles, así

que nos dio por bromear entre nosotros diciendo que todos los días nos levantábamos con “la pata a la virulé” dándole un giro al dicho “levantarse con el pie torcido”. Y ya ves cómo son las cosas que esa frase me hizo reflexionar sobre una tipografía con la pata a la virulé. Ése fue mi pretexto. Los primeros bocetos a lápiz y rotulador fueron simplemente un intento inicial de conceptualizar este hecho, aunque no fue hasta la digitalización del caracter cuando ese remate de los tipos “a la virulé” tomaría cierta forma. 31

y cursivas, caja alta y baja, versalitas, números, signos de puntuación, diacríticos y signos pi, todo ello en una gama de quizás cuatro o cinco grosores diferentes. Y te aseguro que la tarea es muy entretenida, ya que no se pueden escalar las formas ya realizadas, sino que hay que volver a diseñarlas dentro de unas nuevas dimensiones de alturas y anchuras. Después de haber diseñado los estilos Sans Regular, Sans Bold, Sans Light, Sans Black y Display Light, Aosh ya se puede considerar una pequeña familia que ahora me gustaría completar con las versiones condensadas.

Habías encontrado un camino que seguir y el principio de un estilo, ¿quedaba mucho por hacer hasta que esos primeros bocetos llegasen a convertirse en una fuente? Y tanto que quedaba. Lo que me traje de Estrasburgo fue el resultado de los tres primeros días de vida de unos trazos de doce letras sueltas y a partir de ahí comenzaba el auténtico proyecto tipográfico. El primer paso fue ver de qué manera el estilo y la anatomía de las que había dotado a esas primeras letras se podía acoplar a los demás caracteres. Ahí empieza la fase de creación de la fuente, de diseño tipográfico puro y duro que pone a prueba tu capacidad de dar forma visual a algo intangible pero con un resultado final sujeto a estrictas reglas formales.

espectador y la tipografía para que cada uno reflexione sobre sus características y sus posibles aplicaciones. El tribunal valoró esta presentación con un 10 y es posible que se publique porque puede mostrar a otros diseñadores cómo es un proceso tipográfico. Dicen que la tipografía es uno de los elementos con mayor influencia sobre el carácter y la calidad emocional de un diseño, ¿crees que es tal su importancia? Sí, y en mis libros del proyecto lo dejo claro. En total son más de cien páginas sin una sola imagen, sin embargo, el libro es llamativo y gustoso de leer y de ver. Esto sería imposible hacerlo sólo con imágenes que nunca podrán transmitir lo que transmite un libro tipográfico

¿En qué consiste esa fase de creación de la fuente? Es un largo proceso que se resume en crear primero las letras en mayúscula, luego minúsculas y por último los números. Después llega el momento de dar el paso del boceto a la vectorización para comparar la anchura de los distintos tipos entre sí buscando que haya el menor desequilibrio posible. A partir de ahí todos los caracteres quedan expuestos a sucesivos y múltiples cambios por-

¿Se pueden contar las horas que has empleado en este proyecto? En el proyecto muchísimas, ni siquiera te podría decir los días que he estado delante de una “a”, por ejemplo. Cuando yo ya veía algo bien se lo enseñaba a Andreu Balius y él todavía le sacaba fallos, pero eso me ha enseñado a limar asperezas y a ser muy exigente. Su experta visión es la que ha hecho evolucionar los tipos de Aosh.

que lo que tenía en este momento era una especie de diamante en bruto, grafismos con un determinado orden y coherencia pero, a fin de cuentas, sólo formas sin conciencia de fuente sobre las que tenía que reflexionar. ¿Qué le faltaba a ese conjunto de letras y números para poder considerarse una fuente? Muchas cosas porque una buena fuente de texto incluye redondas

¿Y qué tal la valoración que hizo el tribunal de tu proyecto? Muy buena, la verdad. Presenté el proyecto en dos manuales utilizando en su maquetación únicamente la tipografía Aosh. En uno explico todo el proceso de creación y el otro es una exhibición de la tipografía que incluye desde maquetaciones muy arriesgadas hasta las más clásicas para demostrar que es una tipo útil. He querido que este libro sea un diálogo mudo entre el

-Explosión de Ideas 06elfelix Ilustrador. 29 años Entre Mainz (Alemania) y Valencia www.felixdiaz.blogspot.com www.arghcomic.com

Ilustración a borbotones Su afición empezó con una caja de los míticos rotuladores Carioca y miles de folios que llenó con sus primeros bocetos. Monstruos, muñecos y castillos de un niño que con el tiempo se convirtieron en ilustraciones y en personajes de cómic. Podrás encontrar la esencia de elfelix en ARGH!, su proyecto más emblemático. Cuéntame qué es y cómo surge ARGH! ARGH! es una nueva revista de cómic e ilustración que he ideado junto a mi amigo Jorge Parras (www.purebasure. com). Siempre me ha gustado la edición, la imprenta y tratar con dibujantes y, tras el cierre de “Fanzine Enfermo” me quedó clavada la astilla de la intentona profesional. Jorge estaba dispuesto a intentarlo y nos pusimos a ello. ARGH! es

un proyecto en crecimiento con el que esperamos poder desarrollar muchos de nuestros intereses en cómic, ilustración, diseño e incluso interactividad; hacer amistad con muchos autores interesantes y darlos a conocer, así como ofrecer un espacio de trabajo a los que ya conocemos y que nos encantan. Yo me encargo de las gestiones por correo y de recibir y revisar el material y Parras del

apartado web y toda la infraestructura comercial, ambos dibujamos y seleccionamos la obra para publicar. Por ahora se autogestiona, aunque estamos buscando publicidad y ayudas. ARGH! es un poco nuestro futuro ideal. Arrancando un proyecto como éste en Valencia, ¿qué has ido a buscar a Alemania? Mi novia es de aquí y las circunstancias

DE PEQUEÑO ME PASABA TARDES ENTERAS DIBUJANDO. RECUERDO QUE DIBUJABA MONSTRUOS, ROBOTS, FÁBRICAS... LOS PRODUCÍA EN SERIE, SIN AGOBIARME Y DISFRUTANDO AL MÁXIMO.

han desembocado en una mudanza. Se supone que es algo temporal, pero nunca se sabe. También era una buena oportunidad para viajar e iniciar una vida independiente. La verdad, a veces creo que ha sido una idea descabellada y más aún cuando parece que ARGH! empieza a funcionar y he dejado a Parras con una parte muy dura del trabajo de distribución y edición. Pero ya estoy rompiéndome la

cabeza para que esto sea productivo: he hecho muy buenos contactos con dibujantes alemanes y, bueno, no adelanto nada más, que crear algo de expectación también está bien. Además de tu trabajo en ARGH! eres de esos ilustradores que no dejan de dibujar ni un instante por puro placer. Tienes miles de muñecos que has ido recopilando durante años en tus libros de bocetos.

¿De qué te nutres para que siempre salga uno distinto? Yo creo que la televisión ha ayudado mucho. De pequeño dibujaba, sí, pero recuerdo que veía programas y dibujos sin parar. Además, formo parte de esa generación que pudo disfrutar de los buenos programas infantiles, algunos de ellos representaban la trasgresión en estado puro: “Planeta Imaginario”, “Televisión

Líquida”, “Fraguel Rock”, “Barrio Sésamo”, la recurridísima “Bola de Cristal”... Ahora me pirra la Cartoon Network y su lado más gamberro, pero también navego mucho por internet y tengo muchos libros, cuentos, catálogos de arte, visito museos, me empapo de colecciones... Consumo mucha imagen, hasta que mis ojos no pueden más. Así que parece ser que los muñecos no se acaban; salen a borbotones. Algunos se parecen entre sí o surgen clones fallidos de unos y de otros. Me lo paso muy bien haciéndolos y se me pasa el tiempo volando. Me retraigo un poco a ese sentimiento infantil, a esa sensación que produce estar pasándolo bien sin tener preocupaciones. ¿Los ilustradores sois artistas adultos o niños que nunca crecieron? Yo considero que estoy muy en contacto con mi lado infantil, a veces creo que hasta me paso. De la infancia, en el dibujo, hay que guardarse la ilusión y la diversión que se tenía al hacer las cosas. Yo es lo que más echo de menos y me sorprende cuántas horas me podía pasar pegado a los folios y encima disfrutando. Artistas, claro que lo somos, también. Otra de tus debilidades son los juguetes, ¿con cuál de todos los de tu infancia te quedarías? Me encantan los juguetes. Aún guardo

convertirse en tu propia colección de Toys? Ya me gustaría, ya. Me gustan los muñequitos de los que hablas, sobre todo los diseñados por Gary Baseman, Jim Woodring y Dave Cooper. Vale, también me chiflan los Pokemon, creo que son una idea genial. ¿Sabrías definir tu estilo o has oído a alguien que ya se haya atrevido a hacerlo? Buah! No, no sé definirlo. Además, me da la impresión que oscilo mucho en el registro, que no acabo de definirme. Enfermizo y obsesivo sí que soy un poco. Me gusta mucho el detalle, la masificación... Aunque a veces también hago cosas más dulces, dibujos más tiernos. He oído más de una comparación con Blanquet o Dave Cooper y me parecen acertadas porque les admiro mucho y siempre han sido un referente. Si pudieras intercambiar alguna de tus habilidades con la de otro dibujante ¿cuál sería? Envidio unas cuantas cosas, la verdad... La productividad de Alberto Vázquez, su manera de abordar la realización de una novela gráfica, su registro y su universo personal. También la profesionalidad de Mar Malota y la visión global que tiene su producción artística. Me molesta mucho mi dispersión algunas veces. También

libritos. A la gente le sorprende que estén tan limpios porque se supone que son libros de bocetos pero son prácticamente dibujos acabados. ¿La utilidad que esto puede tener? Tampoco mucha, y tiene algo de truco, pues ya son bastantes años dándole a los monstruitos. ¿Qué haces cuando no dibujas? Veo dibujos animados, leo cómics sobre todo cuando hay buena coyuntura económica, le doy a los videojuegos... Y tengo que volver a hacer algo de deporte, que tanto sedentarismo no es bueno. Y si no tuviese que preocuparme por pagar las facturas, seguiría dibujando, eso siempre, y me gustaría ponerme muy cachas, súper musculoso, con todos los abdominales bien definidos... Ah! También me gustaría aprender kung-fu y a bailar breakdance. ¿En qué estás ahora? De lo que suena bien: preparando mi web, recopilando todo el material de mis dibujos de bocetos y dándole mucha caña al ARGH! #3. De lo que no gusta tanto: leyendo anuncios de periódicos alemanes buscando un currele ¡pero ya! Intento que mi afición se convierta en mi trabajo y espero, si lo consigo algún día, no dejar de pasarlo bien trabajando. Dibujar es muy duro, a veces frustrante, pero es algo

mis ladrillos de LEGO y me he comprado alguna cosa, no hace mucho, de la colección “Star Wars”... No lo pude evitar. Echo mucho de menos a mi oso naranja de peluche, no sé cómo pude dejarlo en casa de mis padres. No tengo perdón. ¿Has pensado en que tus dibujos podrían

me gustaría ser la mitad de gracioso e ingenioso que Jorge Parras. Sólo la mitad sería más que suficiente. ¿Qué es lo que se te da mejor como ilustrador? Dibujar monstruos y personajes directamente con tinta, sin lápiz, como en mis

normal en los procesos creativos. No dejo de pensar en dibujos y personajes y muchas de las historietas se me han ocurrido sirviendo tapas y vinos. Sea como sea, el dibujo siempre está ahí presente

-Explosión de Ideas 07María Vagna Fotógrafa. Valencia mariabagna@auna.com

Dos formas de expresión para cada sentimiento En esta sociedad en la que actualmente vivimos, cada vez somos más materialistas, consumistas, ambiciosos y posesivos. Cuanto más tenemos, más queremos, pero sobre todo que se sepa “esto es mío”. Y mi reflexión es: ¿hasta dónde vamos a llegar? Estas fotografías forman parte de la colección “Dos formas de expresión para cada sentimiento”. ...Sentimientos y sensaciones trabajados con dos formas de expresión, la primera la de la propia sombra, como reflejo de nuestros propios movimientos, la segunda la que encontramos en los aspectos formales, juegos de luces y sombras de unos pequeños artificios que sin duda, el tiempo ha convertido en naturaleza... En definitiva dos formas de expresión que a su vez están unidas por un mismo sentimiento. 38

-Especiales-

Hotel en Benicàssim

Valencia Crea 07 El Premio más joven Hace ocho años que la Concejalía de Juventud del Ayuntamiento de Valencia presentó la primera edición del Valencia Crea, un certamen con intenciones de valorar la creatividad de los más jóvenes.

Empezaron presentándose 185 jóvenes y ocho años más tarde el Valencia Crea ha recibido un total de 900 obras que han pasado por los ojos analíticos de un extenso jurado que, como siempre,

La entrega de premios se convocó en el Greenspace y, aunque se echa en falta más imaginación y cuidado en el trato expositivo que se da a los proyectos ganadores, el lugar resulta

ha tenido la última palabra. Con el tiempo el concurso se va consolidando y ampliando, ya son quince las disciplinas artísticas en las que se puede participar. Una de las novedades del certamen de este año es la ampliación del límite de edad de los participantes hasta los 35 años. Además del premio en metálico, este año se ha incrementado el galardón con un interesante incentivo. Y es que entre los ganadores de la pasada edición y los de ésta, la organización seleccionará a siete jóvenes que tendrán la posibilidad de participar en la Bienal de Jóvenes Creadores de Europa y del Mediterráneo que se celebrará el próximo mes de octubre en Alejandría (Egipto).

atractivo para la celebración de este evento. Con motivo del Valencia Crea, desde la Concejalía de Juventud se ha anunciado que las naves del Greenspace se convertirán próximamente en “un centro de recursos para jóvenes relacionados con las disciplinas del diseño, para que sirva de puente entre el centro docente y el mundo laboral”. Para el mundo del diseño en esta ciudad sería una gran noticia que esa idea se hiciese realidad cuanto antes. Los mismos premiados del Valencia Crea son una muestra de que iniciativas de este tipo serían muy bien acogidas por artistas con gran potencial como los que presentamos a continuación

ARQUITECTURA Premio Valencia. Autor: Juan Vicente Poveda Se parte de la idea de construir una línea quebrada con un espesor y una anchura determinadas en el paisaje y elevada del plano del suelo. Una línea que dialogue con las líneas artificiales, como son el talud de las vías y el muro de la carretera, y las naturales. El espesor 4’80 m, de forma similar a las plataformas del plan Obús de Le Corbusier, se concibe como un espacio en el que se desarrollan dos filas de unidades d

Orangedecó DISEÑO DE PRODUCTO Mención Especial Autor: Colectivo “No le pidas peras al naranjo” Alberto del Castillo y Nuria Sendra Valencia pierde su huerta. El asfalto cubre la tierra. Orangedecó surge de la idea de crear el huerto de ciudad; es un invernadero individual para naranjos que tiene en cuenta tanto su función como su apariencia. Protege contra heladas e insectos y mantiene la humedad.

Camping House DISEÑO DE INTERIORES Mención Especial Autor: Colectivo External Reference Camping House apuesta por la estandarización democrática del diseño por medio del ready-made. No se trata de retomar el arte povera, ni de eco-diseño, ni de empleo de materiales reciclados, sino de reanimar los objetos por medio de perversiones de diseño; así las instalaciones salen de su austeridad funcional y saltan al mundo de lo formal, casual y por qué no, de lo plástico. No se habla de desnudez constructiva sino de intencionalidad de montaje. Podemos construir un sofá de rollos de espuma de polietileno y bridas de nailon, dando un nuevo uso, un nuevo contexto y una nueva lógica a elementos industriales existentes de bajo coste. Se trata de operar con eco-lógica.

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En Somni

Moraleja

DISEÑO DE PRODUCTO Mención Especial

COMUNICACIÓN CORPORATIVA Premio Valencia

Autor: Colectivo Tolosa. Sven Baumann, Alberto del Castillo y Amelia María Peinado

Autor: Colectivo BOMO. Beatriz Montañana y Patricia Bolinches

En Somni es un proyecto que trata de explorar cómo un diseño puede manipular el significado y la percepción que tenemos de un objeto al fusionarlo con otro a través del gesto (el gesto de leer con las manos abiertas y las palmas hacia arriba en forma de libro y el gesto de dormir con las palmas unidas y próximas a la oreja). En Somni tiene una gran carga emocional y humana en contraste con el frío pragmatismo de una funda para libros y un cojín.

Moraleja es un proyecto de identidad corporativa para una editorial de cuentos infantiles. Como hilo conductor para el desarrollo de esta imagen se ha elegido un cuento clásico y popular como es el de “Caperucita Roja”. La identidad es puramente tipográfica y su concepto es acorde con los propósitos que pretende todo cuento que es la enseñanza y el aprendizaje de los valores básicos de la vida en la infancia. Se ha intentado llevar hasta el final la filosofía de la moraleja. Es decir, como esta siempre aparece al final de los cuentos, el logotipo aparece también en esta disposición.

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Come y Bebe

Bla, Bla, Bla

COMUNICACIÓN CORPORATIVA Mención Especial

DISEÑO GRÁFICO Premio Nacional

Autor: Carlos Andreu

Autor: Colectivo BOMO. Beatriz Montañana y Patricia Bolinches

Come y Bebe es un restaurante con un espíritu moderno en el que se transmite el placer de la buena gastronomía y el buen vino. Para encontrar una imagen que represente esta filosofía se opta por un juego visual a partir de una metáfora: el apetitoso sabor de la buena comida y el buen vino, representados en un bocado a una botella; un mordisco lleno de sabor.

Es un proyecto que pretende acabar con el anonimato de las bolsas de basura y convertir un producto que hasta ahora era imperceptible y principalmente práctico en un protagonista divertido y notable. No está pensado para el uso doméstico, sino para espacios públicos: oficinas, tiendas de moda, museos o cafeterías. Acercarnos a tirar el ticket de la Visa o la entrada del cine nos ofrecerá algo a cambio, como mínimo ya no nos dejará indiferentes.

Vacíos Publicitarios FOTOGRAFÍA Premio Nacional Autor: Ignasi Prat Vacíos Publicitarios es un proyecto fotográfico sobre el culto al medio publicitario y, a su vez, una crítica a los valores –engaño, imposición, etc.- del medio y las consecuencias –vanidad, frustración, etc.- que éste genera en la sociedad.

Estados de la mente DISEÑO GRÁFICO Mención Especial Autor: Rosa María Torres El proyecto pretende transmitir al espectador una serie de sensaciones que le hagan sentir o le muestren los distintos estados de la mente: ansiedad, frenesí, equilibrio, calma, reposo, miedo, paranoia, risa y demás. Es un catálogo que hace un estudio de la representación gráfica de los distintos estados de la mente humana plasmados en un formato bidimensional. El catálogo contiene un total de 54 páginas, en formato de 20 cm. x 18,5 cm. Está dividido en cinco partes, correspondiendo con cinco estados de la mente, a los que se les ha asignado un color que predomina en ese capítulo.

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LÁGRIMAS DE COCODRILO

Tres Mujeres CÓMIC Premio Nacional

Up & Down

Autor: Daniel Parra

DISEÑO GRÁFICO Mención Especial

En Tres mujeres, tres generaciones de mujeres se dan la mano en este relato sobre la incomunicación y la incomprensión en el seno de la familia. A nivel gráfico-narrativo, los encuadres y angulares sólo recogen la situación del choque generacional, como si de una obra teatral se tratase. No veremos en ningún momento elementos del decorado, ni a dónde va o de dónde viene tanto la hija como la madre. El fondo no es importante, así que se suprimió cualquier detalle que distrajese la atención de la conversación. Los planos son en su mayoría medios o primeros planos, que nos ayudan a hacer más íntima la conversación y a generar más tensión.

Autor: Soraya Gascón En este proyecto se propone una doble funcionalidad que prima sobre las tendencias. Una propuesta de colección adaptada a gustos y necesidades actuales que permite cambiar de ropa sin cambiar de prenda cuidando el aspecto confort y los tejidos ligeros, haciendo uso audaz del color y de los estampados.

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-Doble TechoLAS DIEZ REGLAS DE LA LOMOGRAFÍA

Lomografía

01 Lleva tu cámara siempre encima; la Lomografía esta detrás de cada esquina y debes estar preparado.

02 Utilízala siempre, en grandes y pequeños momentos. 03 La Lomografía no interrumpe tu rutina diaria, la pone

Por David Vijuescas. Realizador.

en escena.

04 Dispara desde la cadera: la cámara en la cara molesta

San Petersburgo, 1982. El general Igor Petrowitsch le enseña una mini cámara japonesa, la Cosina CX-1, a Michael Panfilowitsch, director de una fábrica soviética de armamento y óptica lomo. Éste queda maravillado con la luminosidad de la lente y el cuerpo robusto de la cámara fotográfica y ordena copiar y mejorar el diseño para el disfrute de la población soviética. Estaba decidido: cada familia tendría su propia lomo Kompakt Automat, una pequeña cámara con capacidad de adaptarse a cualquier situación y que retrataría toda la información sobre sus vidas y amores en la URSS.

porque tapa tu relación con el mundo que te rodea, con el retratado y con sus expresiones.

05 Acércate lo máximo posible a tus objetivos. 06 No pienses; la foto no debe pensarse, debe sentirse. La Lomografía te libera de los convencionalismos.

07 Se rápido, no pierdas el tiempo ni el instante componiendo. Busca el ángulo, haz clic a cada cosa que te interese.

08 No necesitas saber lo que tienes en la película, la Lo-

mografía es más que un cúmulo de imágenes, es una filosofía, una nueva forma de mirar las cosas y de tomarse la vida.

09 Las lentes Minitar 1 de gran angular y rápido foco te permite disparar desde cualquier perspectiva. El disparo con la mano no conoce fronteras. Sitúa tu lomo y haz clic.

Así nació la cámara Lomo LC-A de la que se vendieron millones de ejemplares tanto en la URSS como en Vietnam, Cuba y Alemania Oriental. La increíble lente de esta cámara, diseñada por el profesor Radionov, captura imágenes excepcionalmente contrastadas con su gran angular, satura los colores y viñetea los bordes de las fotografías. En 1991 un grupo de estudiantes vieneses viaja a Checoslovaquia en un momento en que los buenos tiempos de la LC-A estaban llegando a su término debido a la importación de cámaras baratas asiáticas. Compraron un par de cámaras Lomo LC-A y tiraron los primeros rollos de película en Praga desde

10 No te preocupes por ninguna de las reglas; descubre tu

arriba, entre sus piernas, desde la cadera y desde cualquier ángulo que se les ocurrió, incluso a veces sin mirar por el objetivo. Cuando revelaron el material quedaron impresionados por las asombrosas imágenes que resultaron: luminosas, saturadas, divertidas, desenfocadas y frescas. Muchos amigos, parientes y desconocidos querían tener una LOMO y se empezaron a importar del antiguo bloque soviético de forma clandestina. La explosión del fenómeno propició que naciese en Viena la Sociedad Lomográfica con el objetivo de extender la Lomografía por todo el mundo. Tan sólo dos años más tarde se

propia Lomografía y haz lo que quieras.

produjo el primer paso dentro del circuito artístico internacional con la exposición “Moscú-Nueva York”, donde simultáneamente se mostraron 10.000 lomografías de Moscú en Nueva York y 10.000 lomografías de Nueva York en Moscú. A raíz de estos eventos nació en Berlín la primera embajada lomográfica y hoy en día hay 60 repartidas por todo el mundo. Posteriormente la Lomografía se instauró en internet a través del portal www.lomo.com y con la apertura de una tienda on-line. Las Lomo no tardaron en hacer su triunfal aparición en este país y Madrid acogió en 1997 el Congreso Mundial Lomográfico con un lomomural hecho con más de

35.000 fotografías. El número de adeptos a estas cámaras no dejó de crecer y la demanda de más modelos provocó el lanzamiento al mercado de la ActionSampler, una cámara de plástico de cuatro lentes que congela en un segundo cuatro imágenes dentro del mismo fotograma. Poco después salió la SuperSampler, la Pop 9, con nueve lentes y muchas más cámaras cada una de ellas con sus propias características. El fenómeno no tiene fin. Lo que al principio fue un pasatiempos creativo creció hasta convertirse en lo que es hoy, un movimiento que grita “cualquiera es artista”

-Doble Techo-

Nouvelle Manga Sin efectos especiales por Kristocata. Musicóloga

No hay nada como el cruce de culturas y si además se adereza con arte y un poco de morbo no hay quien se resista a echarle un vistazo a este género franco-nipón que no sólo te sumerge en historias cotidianamente deliciosas, sino que muestra un cómic con influencias de la fotografía y el cine. Eso sí, sin efectos especiales. Todo empezó en un viaje que el autor francés Fréderic Boilet hizo a Japón, donde vivió una historia de amor que se convertiría en el argumento de La espinaca de Yukiko (2001), una obra que se publicó simultáneamente en Francia y Japón y que sería el punto de partida del movimiento Nouvelle

un intimista que dibuja la ternura, el vínculo y la relación amorosa en cámara subjetiva; un método con el que el autor consigue sutilmente situar al lector en su propia piel mediante un estilo de dibujo simple pero detallista, creando escenarios y personajes con un curioso realismo, tanto que en oca-

lándose en situaciones cotidianas. Esos instantes fugitivos en los que uno cree no ser observado van contándose con la ayuda de su diario garabateado, el único “atrezzo” utilizado para narrar el breve idilio que sostuvo con la señorita Yukiko Hashimoto. Historias en el metro, una

Manga. Aunque ya había publicado diversos relatos en el mercado francés, fue su encuentro con el guionista Benoit Peeters lo que orientó su estilo hacia este tipo de relatos semiautobiográficos. En La espinaca de Yukiko se funden las buenas historias con ilustraciones de un diario vividas a golpe de realidad, dibujos grabados en su retina como si de una cámara de vídeo se tratara. Fréderic Boilet es

siones parecen auténticas fotografías. En estos cómics lo que importa es la historia, ni los efectos, ni los poderes ilimitados de unos superhéroes, ni las grandes aventuras. La narración de Nouvelle Manga transcurre de forma tranquila pero condensa una gran energía para enfatizar sentimientos y sensaciones personales. Fréderic ilustra en La espinaca de Yukiko la temporalidad de un amor que va reve-

cena con mejillones al vino blanco, conversaciones en un fotomatón, unas cervezas, unas caricias, una cena con amigos, un lavado de dientes sugerente, miradas robadas, besos y algo más... Es muy probable que esta arrebatadora atracción por lo real te haga mirar a tu alrededor con la retina de Boilet en busca de esos momentos que bien podíamos ver como la vida misma

Muñecos de Trapo. Vanessa Pastor

-Doble Techo-

Observatori 07

Emoción Y Arte

Dibujos sobre papel. Laurie Lipton

por Mariche Soriano. Periodista / Fotos de Gonzalo Cervelló. Diseñador

Feelings. Sentimientos. Éste ha sido el evocador concepto temático (cartel incluido) de la octava edición de Observatori celebrada del 11 al 13 de mayo en el Museo de las Ciencias Príncipe Felipe de Valencia. Un festival internacional de investigación artística que, sin embargo, destaca más por su apartado musical con una programación sobresaliente y para todos los gustos: John Cale o Jay Jay Johanson para unos y Ladytron o Vive la Fete para otros. Observatori es un festival que pretende mostrar arte fuera de los circuitos comerciales y en su octava edición nos ha traído una muestra de lo más variada que, aunque escasa, ha tratado de indagar en lo más profundo del ser humano: sus emociones. ¿El mejor trabajo? el de la dibujante Laurie Lipton, que no ha defraudado a sus seguidores. Bajo el título “Dibujo sobre papel” sus cuadros monocromáticos en blanco y negro han sido quizás lo más llamativo del festival en cuanto a arte se refiere. Pero ha habido mucho más: Basurama con su oda

al reciclaje, las performances audiovisuales de Acción e Intervención o la muestra de Vanessa Pastor. Su conmovedor “Proyecto de muñecas de trapo” ahonda en uno de los miedos principales del ser humano: el miedo a la soledad en una serie de fotografías en las que vemos a un protagonista en situaciones cotidianas acompañado de un ser inanimado y que desprenden una tristeza infinita. Feelings en estado puro. Muy socorrida la temática del colectivo Derivart a través de dos instalaciones interactivas: la hipotecadora y el burbu60

jómetro. Pese a ello, muy divertido su enfoque con una instalación en la que el usuario tiene que disparar con una pistola digital unas burbujas con nombres de ciudades españolas que, tras explotar, descubren el precio del suelo en cuestión. Un videojuego para adultos en edad de adquirir vivienda. Sentimientos. Feelings ha sido todo un submundo interior reflejado en el arte. ¿Puede haber algo más complicado que intentar plasmar lo que le mueve a uno por dentro?

Muñecos de Trapo. Vanessa Pastor

Basurama 61

Géiser. Cristina Fontsaré

-Doble Techo-

FIB-ART 07

Un baño de conciencia

Eres lo que tiras. Basurama

Aunque el reclamo por excelencia sea los grupos, el Festival Internacional de Benicàssim es mucho más que música. Una de las actividades paralelas a los escenarios se encuentra en la playa del Voramar que, bajo el nombre de Fib-Art, agrupa un conjunto de obras de jóvenes artistas que hacen uso de su parte más creativa para denunciar ciertos aspectos sociales. Tras la resolución del concurso, ya sabemos lo que nos ofrecerá el Fib-Art en la XIII edición del Festival Internacional de Benicàssim. Se trata de cinco obras que seguro conseguirán algo más que atraer las miradas de curiosos bañistas durante los días en los que transcurre el afamado y multitudinario festival. Eva Miquel expondrá una obra con un contexto enmarcado en la denuncia de la violencia de género, haciendo hincapié en la tiranía de la belleza a la que están sometidas las mujeres en la sociedad de consumo.

La temática de la urbanización desmesurada en la costa mediterránea es la crítica de Abraham Martínez, cuya obra es una amenaza con construir una lujosa urbanización a cinco metros de la orilla del mar. El proyecto de IOCUS, con sus molinillos de viento supone toda una reflexión sobre las nuevas formas de energía ante la contaminación y la merma de recursos. BASURAMA quiere hacer patente el consumismo insensato y desmedido. Para ello pondrá a la vista de todos la cruda realidad de lo que tiramos a la basura. 62

Cristina Fontsaré, con un Géiser que estará en el mismo mar ha desplazado una fuente ornamental urbana al mediterráneo y sin consumo de agua. Es un llamamiento a la conservación de la naturaleza y a la concienciación sobre el problema del agua. Todos ellos proyectos artísticos con un claro mensaje reivindicativo o de concienciación social que vale la pena visitar entre concierto y concierto del 18 al 24 de julio. Nada como visitar la exposición del Fib-Art al natural para adentrarnos en la música con algo más de conciencia

Suelo Libre. Abraham Martínez

Este verano adelgazo. Eva Miquel

Parque eólico. Iocus 63

-Doble Techo-

Melopasopipa www.melopasopipa.com

Ninjas, sados, vacas, marcianos, superhéroes y monstruos. Dicho así parece el cartel imposible del circo de los horrores, pero son algunos de los peculiares personajes del universo de toys de diseño Melopasopipa. Con poco más de un año de vida, Melopasopipa está recibiendo una excelente acogida por parte de un público que cada vez consume más diseño en forma de muñecos. La diseñadora Laura Asensio ha cambiado el vinilo en que suelen estar fabricadas estas piezas de coleccionista por el forro polar y el fieltro. Así que la tarea de pensar en dar forma a los personajes no acaba ahí, sino que pasa por la manera más tradicional de hacer muñecos a aguja e hilo. Esta fabricación artesanal hace que las colecciones cambien de forma casi impredecible. Por el momento, Melopasopipa cuenta con puntos de venta repartidos por toda la península, aunque también se pueden adquirir en alguna de sus frecuentes exposiciones y próximamente en su web

-Doble Techo-

KERAON BY TAU Muebles de cerámica El Grupo TAU ha creado Keraon by TAU, el primer material de origen cerámico diseñado exclusivamente para su uso en el mobiliario de exteriores por sus elevadas prestaciones y posibilidades estéticas. La empresa Punt Mobles ha sido la primera en descubrir sus ventajas y apostar por este material en sus últimos diseños.

Keraon by TAU se caracteriza por su alta resistencia e inalterabilidad al paso del tiempo frente a los agentes atmosféricos más adversos, como temperaturas extremas, radiación solar intensa, atmósferas ácidas o ambientes salinos, de ahí que sea un material idóneo para integrarse en el mobiliario de exterior, resistiendo al rayado, a la abrasión, a los agentes químicos, a las quemaduras y a las manchas. Sus propiedades tienen otras ventajas como máxima higiene, bajo coste de mantenimiento y fácil limpieza, además de ser reciclable y no emitir componentes nocivos. Keraon by TAU puede presentarse en diversos formatos, colores y texturas, lo que le transfiere una gran polivalencia y capacidad de adaptación a las demandas específicas de cada usuario. Punt Mobles ha sido la primera empresa en descubrir las ventajas de este material y el diseñador Vicent Martínez lo ha incorporado en su nuevo sistema de mesas y bancos para exterior, dentro de la línea Sis. Esta línea ha ocupado un lugar destacado en el stand de Punt Mobles en el Salón Internacional del Mueble de Milán, en la que el Keraon by TAU ha acaparado buena parte de las miradas

- From Lost to the River -

Mi teléfono habla por Borja García. Diseñador Industrial

Cada cierto tiempo nos toca renovar el

teléfono por una u otra razón, a cual más curiosa: bien nos hemos fundido la batería del anterior; bien “necesitamos” un modelo superior con cámara, radio y todo lo demás; bien por el sencillo y estúpido placer de cambiar por cambiar. Es la primera vez que vemos un producto con una vida útil tan corta y tan caduca. Nunca antes hemos hecho algo así. Antes, si teníamos la suerte de tener un walkman o un discman, nos acompañaba a todas partes y sólo lo cambiábamos si se rompía o si pasaban muchos años. Lo mismo hacíamos y hacemos hoy con los televisores, las lavadoras o los microondas: viven hasta que dan su última imagen y su última pizza y los cambiamos cuando expiran. No ocurre lo mismo con los móviles. Los consideramos casi complementos, que pasan de moda, que tienen que tener un montón de prestaciones que no usaremos, y que se han convertido en un elemento más de los que definen un estilo y un status. En los tiempos de los primeros Nokia 5110 el móvil era un aparato que servía para hablar por teléfono con otras personas (sin verlas). Hoy lo de menos es que se pueda llamar por teléfono. Los móviles de hoy ya no son sólo aparatos, son complementos de altísima tecnología y de bajísima calidad. Pocos son los que duran más de dos años en uso sin morir en el intento. Les pedimos que tengan cámara de fotos, que se pueda escuchar música, que tengan wifi y si puede ser, que aprendan a cocinar. El resultado es que son más pesados, más grandes

Si nuestras vidas ya son suficientemente complicadas desde que tenemos móviles, lo que nos faltaba es que ahora éstos hablaran.

y consumen más batería que antes. Pueden constiparse, coger virus y desde luego se estropean antes. Sin embargo, nosotros seguimos haciendo lo mismo: llamar por teléfono. Alucinante. Hace poco un amigo dijo algo que me pareció muy gráfico: “cuatro millones de años de evolución humana y el hombre todavía sigue arreglando las cosas a garrotazos...” Y así lo hacemos. La tecnología evoluciona torpemente y nosotros estamos inmersos en una realidad de consumo que alienta aún más este proceso. El mercado, a través de la inteligente publicidad, se encarga de generarnos necesidades estúpidas que nosotros gustosamente asumimos. La última vez que me vi en una situación así fue hace unos meses, que me acerqué a una tienda de electrodomésticos para comprar un dvd para mi madre y el vendedor me avasalló con un océano de siglas desconocidas que no entendía. Por un momento creí que me hablaba en otro idioma. Casi salí convencido de que lo que mi madre necesitaba era un dvd con hdmi y tdt integrados, que leyera divx, mp4 y con salida de dvi. Mi madre, que la pobre ya se lía para encender la tele y cuidar de mi sobrina al mismo tiempo. Hay veces que perdemos el norte con tanta tontería. Eso me ha ocurrido con mi último teléfono. He perdido el norte y algo peor, el puesto de mando. Por supuesto el anterior teléfono murió porque la batería sufría amnesia o efecto memoria o no sé qué tipo de patología psicológica de-

presiva que le hacía no funcionar. Tras esta trágica noticia me armé de valor y me acerqué a un distribuidor a ver qué podían darme con los puntos que tengo. Los puntos y dinero, por descontado. El vendedor me aconsejó un “último modelo” de Nokia, especial para autónomos (será que no se pone enfermo nunca), con correo electrónico y todo (acojonante). Y así procedí. El teléfono está muy bien, como siempre. Es muy amable, se preocupa por ti: te pregunta siete veces si estás seguro de hacer cualquier cosa que quieras hacer -si te he dicho que la quiero hacer ¿cómo no voy a querer hacerla?- Es muy atento, si te dejas una llamada sin contestar se pasa la tarde recordándotelo con unos amables “ding!” que te hacen dar un salto de la silla. Pero sobre todo, es muy simpático, porque habla. Cada vez que llama alguien te dice su nombre con una terrible voz de robot que te deja helado, sin saber si te llaman desde casa o desde el otro mundo. Evidentemente, yo no le he enseñado a hablar, no le he dado permiso para que lo haga y por supuesto no le he contestado dándole pie a conversar. Ahora mismo no sé cómo hacerlo callar y empiezo a pensar que me escucha, porque cada vez que nombro a alguien en su presencia le llama sin mi permiso. Por lo menos me gustaría saber qué le cuenta. Como no se calle pronto voy a sacar mi viejo Nokia del cajón y a éste lo voy a enviar a clases de canto, a ver si se afina un poco la voz

- Divagando en Blanco -

Vivan los 80’s por Arnau Benlloch. Periodista

Mis abuelos tienen 85 años y ya no

entienden nada. La aparente realidad les supera; están enfermos, no pueden salir solos a la calle. Su ritmo vital se va apagando día a día, un ritmo que antaño les permitió tener 3 hijos con sus 10 nietos y trabajar y volver a trabajar y trabajar más. Ya no entienden nada, si es que hay algo que entender. Mis abuelos, como muchos de los vuestros, son yonkis de última generación, la industria médica y farmacéutica les tiene drogados para que se mantengan tranquilos, aunque eso sí, vivos. 85 años son tantos años que me cuesta imaginarlo, parece ser que los jóvenes tenemos algún mecanismo cerebral que nos impide pensar en la vejez. Nos asusta, no queremos verla de cerca, y ese miedo es uno de los factores que nos hace pasar de los viejos o dedicarles infinitamente menos tiempo que a los colegas y a las cañas. El problema es que se van, siempre se van, y nos queda una conversación o mil pendientes, un abrazo no dado que al final es el que duele. Ya no entienden nada, pero

sobre todo no entienden por qué los jóvenes huimos de ellos después de habernos dedicado tantas horas, tantos esfuerzos, tantas paellas, tantas estrenas, tanto amor, tantas plegarias y su sabiduría. Evitar su marcha no puedo, sólo puedo ofrecerles eso que digo no tener... horas. Para ellos cada hora puede ser la primera del fin o la última del principio. Sólo nos piden horas. Mañana se irán y me arrepentiré de que mi orgullo de joven autosuficiente no me haya permitido valorar la función vital tan importante que desempeñan mis ancianos. Si todo va bien pasaremos por lo mismo que ellos pasan ahora, sentiremos la angustia de la soledad, la incomprensión y la impotencia de no poder bajar un escalón sin un hombro cercano. Me miro en su espejo y busco las similitudes, me acerco a ellos y me doy cuenta de que no soy tan importante, si llego a los 85 será muy probable que ya no entienda nada y todo continuará girando. Sólo nos piden horas, las últimas quizá, las mejor saboreadas

COCINA CREATIVA COPAS Y MÚSICA Lunes a Viernes 12:30 - Cierre Sábados y Domingos 16:00 - Cierre

- Opinión -

¿A qué jugamos? Por José Antonio Giménez Comunicólogo

Que la profesión de diseñador todavía no ha sido tomada muy en serio por muchos ámbitos, especialmente el sector privado, es evidente. Cualquiera diseña. Cualquiera pinta. Pero pocos son los elegidos que estudiando Derecho, Filosofía, etc. son capaces de “diseñar” una web, una marca o maquetar una publicación con respeto por las normas básicas de cada disciplina. Hay gente que lo verá cool, trasgresor o refrescante. Aún así, es su dinero y ellos deciden. 72

Lo grave es que sea el sector público –la Administración- quien se sume a la moda y se olvide de respetar a los profesionales gráficos españoles. Grave –digo- porque son los poderes públicos los garantes del fiel cumplimiento de la Ley y el respeto de los derechos de los ciudadanos. Y un concurso público no es una tómbola. Si al ciudadano se le exige el conocimiento de la Ley, a los gestores públicos –especialmente a los técnicos de cada área- se les debería exigir conocimiento suficiente de la labor que realizan y del tema que les ocupe. De esa falta de formación, otros hablarían de respeto, nacen agravios comparativos como el que paso a relatarles. El Gobierno Español ha convocado –y cito textualmente- “un concurso de ideas con el fin de seleccionar un logotipo que pueda ser utilizado en todas las actividades en que deba identificarse al Gobierno de España”. Lo gracioso es que se nos pide un logotipo. Un término que etimológicamente tiene su origen en la unión de la palabra logos (discurso de base) y tupos, que alude al punzón tipográfico. O, si lo prefieren, tal y como indica el diccionario de la Real Academia Española (RAE) el distintivo formado por letras, abreviaturas, etc. peculiar de una empresa, conmemoración, marca o producto. Entonces, ¿qué nos pide el Gobierno Español? Antes de responder a esto, voy a hacer un par de precisiones más, para tratar de aclarar cuál es el despropósito. Cuando se plantea la aparición de la tipografía, se suele cometer el error de identificar los tipos de Gutenberg con las letras actuales, mientras que la realidad es que el artesano

alemán lo que desarrolló fue conjuntos de letras ligadas o enlazadas que intentaban representar las agrupaciones habituales de los trazos manuscritos. Son estas abreviaturas ligadas las que tomaron el nombre logo-tipos, ya que no se correspondían a letras sueltas, sino a diferentes unidades mínimas de letras que Gutenberg usaba para imitar la escritura manuscrita. Por ello, la tipografía es en su origen el arte de escribir con tipos. En este sentido, si la caligrafía es escritura dibujada, el logotipo es una palabra diseñada. Hay autores que definen al logotipo como la traducción visual del nombre, algo así como la firma de la entidad a la que representa. Luego concluyamos que el concepto de logotipo no puede desvincularse de lo que entendemos como texto. Pero, entonces ¿qué es lo que nos propone el Gobierno Español? ¿Que ideemos un “nombre” que sustituya al actual y le demos un tratamiento gráfico acorde? ¿Que intuyamos que quieren que ideemos un símbolo gráfico con similares intenciones? ¿O acaso nos está pidiendo que creemos una marca identificativa del Gobierno Español –con o sin símbolo- y que, ya puestos, no ofenda al resto de entes autonómicos que rechazan que el símbolo que representa a España sea una bandera? Y digo esto no por convicción política alguna, sino porque las bases dejan muy claro que “los diseños del logotipo deberán estar inspirados en los colores de la bandera de España y deberán ser versátiles, con capacidad para aplicarse en diferentes formatos o espacios”. El problema es que este error conceptual no se dirige a profesionales que se-

guro entenderán el despiste, sino que, ancha es Castilla, se dirige a cualquier ciudadano español que se sienta inspirado. “Podrán participar en este concurso cualquier persona física o jurídica. Quienes tengan interés en participar en el presente concurso podrán presentar distintas propuestas, sin estar limitado el número de ellas, debiendo ir acompañada cada una de ellas de su respectivo seudónimo”. Entiendo que, amparándose en el titulo preliminar de nuestra Constitución, ése en el que se dice que “la soberanía nacional reside en el pueblo español, del que emanan los poderes del Estado”, los redactores del documento consideran que no hace falta acreditar cualificación profesional para desarrollar un trabajo de esta magnitud. Que la selección natural la haga la carga de documentación solicitada para el concurso, bajo el eufemismo de “se valorarán positivamente”. Por cierto, ¿existe otra forma de valorar? En este apartado indican que las propuestas “muestren cómo se adapta el logotipo a los espacios y formatos en los que éste se incluirá en el futuro (web, cartelería, papelería, publicaciones, etc.). Las propuestas que muestren cómo sería un manual de imagen institucional inspirado en el logotipo presentado”. Y todo esto al generoso precio de 12.000 euros para el que gane. Que a los gráficos les va lo de trabajar sin cobrar. En España, los concursos se han puesto de moda. Tan de moda que hasta la Administración se apunta. Uds. trabajen. Nosotros -los que carecemos de formación hasta para escribir unas bases correctasdecidiremos

-Todo Oídos-

-Ver para Leer-

por FREAK OF NATURE

por MONTESINOS y DE ROJAS

Wilco Sky Blue Sky (Nonesuch Records) Surgidos de la escisión de Uncle Tupelo, santo y seña de lo que a principios de los noventa se denominó country alternativo, Wilco se fueron alejando de los sonidos más tradicionales para adentrarse en el terreno de la experimentación. Sus dos anteriores trabajos en estudio iban en esa dirección y nada mal encaminados, a tenor del éxito de ventas. El cambio de sonido de Yankee Hotel Foxtrot y A Ghost Is Born, sin embargo, fue recibido como un jarro de agua fría por los viejos seguidores del grupo, que ahora confiaban en que este Sky Blue Sky supusiera una vuelta a los orígenes. El viraje, en cualquier caso, no supone un retorno a la esencia del pasado, ya que si bien la banda de Jeff Tweedy prescinde de los artilugios electrónicos, lo hace apuntando hacia una espléndida madurez, más cercana a las melodías pop que a sus raíces.

Lcd Soundsystem Sound of Silver (DFA Records) LCD Soundsystem o, lo que es lo mismo, el proyecto musical del neoyorquino James Murphy se enfrentaba a la difícil prueba de superar el aluvión de singles rompedores que contenía su primer álbum, el homónimo LCD Soundsystem, que llenó las pistas de baile, pero a la vez cautivó al público indie. En este Sound of Silver juega de nuevo las bazas que tanto le gustan; una mezcla de música de baile, electrónica y pop/rock cargada de letras mordaces y agudas. Murphy no se anda con tapujos al proclamar en la contundente North American Scum que “somos escoria norteamericana/amamos a Norteamérica”, para a continuación destaparse con un aire melancólico en Someone Great. Quizás se eche de menos la energía de algunos de los temas de su anterior trabajo, pero eso ya sería mucho pedir. Nos visita en breve y podremos apreciar cómo traslada su elaborada propuesta musical a los escenarios.

Jaime T Panic Prevention (Virgin Records) La escucha del álbum de presentación de Jaime T no deja indiferente. Con sólo veinte años, el londinense tiene la cabeza llena de ideas. Su juventud se traduce en frescura. La amalgama de influencias que plasma en Panic Prevention procede de músicas tan dispares como el folk, el Drum’n’bass, el Ska, el Hip-hop y el Pop, entre otras tantas. Sorprende que todo ese batiburrillo musical tenga un sonido algo desnudo, aunque temas como Sheila o Calm Down Dearest van sobrados de matices musicales, siempre marcados por la histriónica voz de Jaime T (con acentazo inglés incluido). Tiene actitud y descaro. Las letras tratan sin pretenciosidad las preocupaciones de los adolescentes británicos. Esto es sólo el principio y sin lugar a dudas habrá que seguirle la pista de ahora en adelante.

Maximo Park Our Earthly Pleasures (Warp Records) El Reino Unido siente devoción por un determinado perfil musical, esto es, bandas que combinan portadas en la prensa especializada, éxito masivo de público, tirón comercial, ensalzamiento inmediato por la crítica, varios singles redondos, presencia constante en las radio-fórmulas, calidad musical por encima del aprobado (gusten o no), letras que conecten con el público juvenil, un primer elepé que vaya directo al estrellato, conciertos multitudinarios en los festivales veraniegos y, ya puestos a pedir, un líder carismático. Maximo Park cumple todos estos requisitos, lo cual no resulta nada fácil. Pero lo realmente difícil es comprobar si estos grupos no se pegan el batacazo con sus siguientes elepés. Pues bien, los de Newcastle nos ofrecen más de lo mismo en su segunda entrega, Our Earthly Pleasures. Hay dos o tres temas que sobresalen sobre el tono más que aceptable del resto del álbum. Lo dicho, los fans del grupo no tendrán ningún problema en vitorear canciones como Our Velocity o Girls Who Play Guitars. Y de momento, todos tan felices. 74

1.Color

2.Atlas histórico de Arquitectura

Autor: Gavin Ambrose y Paul Harris. Edita: Parramón Formato: 23 x 16cms. 176 páginas. Color Descripción de los colores, combinaciones cromáticas, sistemas cromáticos, colores especiales, tipos de papel para cada color, sobreimpresión, degradados, simbolismo del color... todo esto y mucho más en Color, la quinta entrega de Bases del Diseño. Especialmente interesante para solventar todas esas dudas que tiene el diseñador gráfico ante el arte final de un trabajo.

Autor: Alejandro Bahamón. Edita: Parramón. Formato: 23 x 29 cms. 140 páginas. Color Londres ha sido la capital escogida para la primera entrega de Atlas Histórico de Arquitectura, mediante el cual podremos hacer una lectura global de la ciudad al ofrecer un mapa completo sobre la historia de su desarrollo urbano y su arquitectura. Tres secciones: Cronología, Distritos y Tipología nos sumergen en un viaje arquitectónico en el que podremos ubicar perfectamente en el tiempo, el espacio y el estilo las obras más relevantes de la arquitectura londinense.

- Eco-experimental 3.Diseno

4.De cerca y de lejos

Autor: Cara Brower, Rachel Mallory y Zachary Ohlman Edita: Gustavo Gili. Formato: 28 x 23 cms. 176 páginas. Color Cada vez está más claro que todos, en mayor o menor medida, estamos contribuyendo al agotamiento de los recursos del planeta y a la alteración del equilibrio medioambiental. En este sentido los diseñadores, responsables de la elección de los materiales y técnicas de fabricación de los bienes de consumo, están trabajando en la incorporación de la conciencia ecológica en el diseño. Diseño eco-experimental recoge proyectos sostenibles de arquitectura, moda y producto, quedando patente lo creativo, experimental, inteligente y novedoso que resulta el diseño ecológico.

Autor: Victionary Edita: Index Book. Formato: 22 x 27 cms. 299 páginas. Color Hoy en día el diseñador debe abordar los trabajos de una manera global. No sólo ha de preocuparse por la riqueza estética y formal de su obra, también tiene que pensar en qué intenta comunicar y a quién pretende llegar ese diseño. De Cerca y de lejos recoge diseños de artistas de todo el mundo organizados en tres apartados: formato, concepto e impacto visual. Y nos enseña cuan laborioso es el trabajo del creativo y la reflexión, dirección y dedicación que requiere. Ya lo dijo Warhol: “¿Por qué la gente cree que los artistas son especiales? No es más que otro trabajo”. 75

-Espacio Audiovisual -

por CARLOS APARICIO

Koyaanisqatsi Koyaanisqatsi - Life Out of Balance, 1982 (Estados Unidos) Dirección: Godfrey Reggio. Guión: Godfrey Reggio, Ron Fricke, Michael Hoenig. La conciencia ecologista vuelve a estar de moda y nosotros os recomendamos este documental de los 80’ que se convirtió en film predilecto de profesores de universidad y culturetas en general. Se basa en un torrente de imágenes -registradas durante seis años de rodaje- que contraponen el mundo natural al desarrollo humano en la sociedad moderna. Sin diálogos, sin personajes centrales, y con el inapreciable apoyo de la música de Philip Glass. Resulta hermosa y edificante, y explota al máximo la fotografía, los encuadres o el ritmo de montaje para acabar otorgando al mensaje un carácter trascendente y filosófico.

Perro ladrador, poco mordedor

-Concurso Disey -

Adiós veraneo, adiós

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Flandersui gae, 2000 (Corea del Sur). Dirección: Joon-ho Bong. Guión: Joon-ho Bong, Ji-ho Song, Derek Son Tae-woong.. Reparto: Sung-jae Lee, Du-na Bae, Hie-bong Byeon, Ho-jung Kim. El coreano es uno de esos lejanos cines que vive en la actualidad un periodo de consideración gracias al cual nos llegan películas de realizadores que comienzan a marcar estilo, como Joon-ho Bong. Esta es su ópera prima, una comedia muy particular, alejada de los tópicos del género y basada en un tipo de humor negro y cruel por momentos. A pesar de ello, mantiene una extraña cercanía hacia sus personajes, que se mueven y reaccionan ante la realidad social que les rodea de diferentes formas, en muchas ocasiones incluso de manera absurda o incomprensible -como en la vida real, vaya. Y posiblemente ahí radica la fuerza de esta película, y es que existe un componente humano muy reconocible en ese humor pese a la distancia geográfica, histórica y cultural. Muy recomendable.

Inseparables Dead Ringers, 1988 (Canadá). Dirección: David Cronenberg. Guión: David Cronenberg, Norman Snider.. Reparto: Jeremy Irons, Geneviève Bujold, Heidi von Palleske, Barbara Gordon. Cronenberg fue ganándose película tras película la aprobación de la crítica más sesuda, que comenzó a valorar el universo complejo, perturbador y simbólico que se escondía tras un estilo entroncado directamente con el gore. Aquí se confirmó como el director inteligente que es, con la historia retorcida y malsana de dos hermanos gemelos -ginecólogos ambos- que mantienen una relación de amor-odio enfermiza desde que se interpone entre ellos una mujer. Aunque mucho menos explícito que en otras ocasiones, consigue crear una atmósfera desasosegante para sumergirnos en un viaje de autodestrucción tan poco grato como sugerente.

Breve Encuentro Brief Encounter, 1945 (Reino Unido). Dirección: David Lean. Guión: Noël Coward, David Lean, Anthony Havelock Allan. Reparto: Celia Johnson, Trevor Howard, Stanley Holloway, Joyce Carey. Una de las historias de amor imposibles más sensibles y adultas que se pueda recordar. La película llega muy hondo, con interpretaciones de primer nivel, rodada y contada de manera impecable mediante el uso de flash-back y con un ritmo y duración precisos. Nos convertimos en cómplices de una historia adúltera que logra zarandearnos del asiento y en receptores indirectos de un torbellino de sentimientos furtivos. Un melodrama maduro que jamás incurre en el efectismo y que todavía hoy goza de una fuerza mágica. Redonda.

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