DISSONANCE INDÉ•PSYCHÉ•NOISE
TURZI
n°3 • novembre 2016
DEAD MANTRA•CAMERA•THEE OH SEES•RUTH•THE WYTCHES•GØGGS
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DISSONANCE
Editorial EDITORIAL
SOMMAIRE
Contraint par le décès de son hôte terrestre, Alan Vega, le Diable a dû trouver précipitamment un nouveau refuge. Il a jeté son dévolu sur l’angélique Ty Segall, lui insufflant dès lors une inspiration démoniaque pour la composition de son premier album de l’année Emotionnal Mugger. Il ne fait aucun doute que la violence soudaine de ce disque, après le serain Manipulator, est l’œuvre du démon, d’autant que le Californien a récemment récidivé avec l’encore plus véhément Gøggs. Satan semble vouloir répandre la terreur musicale sur le monde entier en recrutant comme disciples King Gizzard and the Lizard Wizard en Australie, Yak en Angleterre et Boredoms au Japon. Pour mener à bien son objectif et déchaîner les foules contre l’ordre divin, il n’a pas non plus hésité à endormir l’esprit d’autres musiciens, voués à produire une pop psychédélique mollassonne. Ainsi, de nombreux groupes comme Toy ou Eagulls ont sorti des albums de cet acabit, tous similaires, au cours de cette année 2016 alors qu’ils ont auparavant proposé des sonorités bien plus originales. Ce phénomène de polarisation musicale sera suivi attentivement au cours de l’année à venir, la rédaction craignant une aggravation de ces tendances.
gøggs >>>>
wand >>>> thee oh sees >>>>> turzi >>>>>> dead mantra >>>>>>>>>> ruth <<<<<<<<< skeuds du mois <<<<<<< bruits qui courent <<<<< à voir à faire <<<< scabrosités <<<
F.R. et P.A.
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GØGGS Le 3 octobre dernier, le chef de file des Muggers a joué un concert mémorable à Los Angeles avec sa nouvelle formation, Gøggs (prononcez « geuggz »). La salle du Echoplex était pleine à ras bord pour ce concert, le premier depuis le mois de juillet, du groupe qui n’en finit pas d’enthousiasmer le Far West. Avec cet énième side-project, allant encore plus loin qu’Emotional Mugger, Ty Segall fait comprendre à ses auditeurs que l’époque dorée de Manipulator est définitivement révolue et qu’il veut les plonger dans un univers noir, violent et bruitiste. Le groupe se compose de son fidèle Charles Moothart, ainsi que de Chris Shaw de Cult, produit un moment par Ty lui-même. Ses potes Cory Hanson, meneur de Wand, et Mikal Cronin jouent aussi sur le disque.
Le concert a suivi à peu de choses près la succession des pistes de l’album, de « Falling In » à « Glendale Junkyard », mais en omettant trois chansons de la face B du disque. A la troisième chanson, Segall refile sa guitare à Moothart et se glisse derrière la batterie, en se défoulant sur « Assasinate The Doctor » comme s’il avait été enfermé une semaine. Puis les deux comparses échangent de nouveau leurs instruments, et Ty se met à beugler sans raison apparente, avant de commencer leur titre éponyme avec une série de larsens. Enfin, ils échangent une dernière fois leurs armes pour la dernière chanson d’un concert éprouvant duquel l’auditoire ressort hébété, sourd et avec le sentiment de s’être pris une armoire sur la tête. R.F., Los Angeles, envoyé spécial.
WA N D La rédaction s’est rendue à la Maroquinerie le 7 novembre dernier pour assister au concert de Wand. Le groupe californien n’était pas venu à Paris depuis longtemps et son dernier album, 1000 Days en 2015, avait laissé une impression durable dans notre esprit car il se détachait des deux précédents en intégrant une chaleur et une rondeur bien dosées. Malheureusement la performance fut plus que contrastée, la plupart des chansons étant noyées dans une dream-pop et une ambiance lumineuse rose violacée où Cory Hanson s’évertuait à prendre une voix de crécelle pas toujours parfaitement maîtrisée. Le groupe, accompagné d’une claviériste pour l’occasion, a sans doute voulu tenter quelque chose mais s’est perdu dans les méandres d’une
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pop psychédélique dans l’air du temps. Fort heureusement, les musiciens n’ont pas modifié les titres de leur deuxième album Golem et ces derniers envoyaient la dose de bruit sur laquelle la rédaction escomptait en se rendant dans le vingtième arrondissement. Mais l’alternance régulière d’un morceau excitant et de deux morceaux mous et contemplatifs lassant vite, c’est avec un souvenir ennuyeux que nous avons quitté la salle. Ce nouvel aspect de Wand choque d’autant plus que leur chef de bande fait partie intégrante du dévastateur nouveau projet de Ty Segall, Gøggs, dont vous trouverez la chronique d’un concert bien plus palpitant ci-dessus. F.R.
THE OH SEES 19h, boulevard de Rochechouart. La pluie tombe à grosses gouttes. Mais peu importe. Une centaine de personnes s’abreuvent de houblon et enchaînent les cigarettes devant La Cigale. En ce mercredi 14 septembre, ils attendent le début du concert de Thee Oh Sees. La bande à Dwyer fait son retour en France, plus d’un an après son fabuleux concert à la Villette Sonique, le 22 mai 2015. A l’intérieur, l’enfer. Comme une impression de pénétrer dans la forêt amazonienne en pleine saison des pluies : une chaleur insoutenable couplée à un air chargé d’humidité. Le tout dans une petite salle comme La Cigale. Le cocktail parfait pour transpirer comme un bœuf. Et encore! Personne n’a commencé à danser… Ponctuels, les quatre lascars débarquent sur scène comme prévu à 20h45. John reste fidèle à lui-même : cheveux mi-longs, marcel et pantacourt. Sound check rapide de la guitare et des deux batteries. Juste de quoi chauffer le public, si besoin il y avait, et c’est parti. Au sein de la rédaction, on espérait entendre les titres de leur dernier album, A Weird Exits, paru cette année. Au lieu de ça, le blondinet choisit d’honorer ses trois albums précédents : Mutilator Defeated At Last, Drop et Floating Coffin. Avec sa guitare dopée à la fuzz (qui doit rivaliser avec les décibels des deux batteries, doit-on le rappeler), il a donc repris les désormais classiques « I Comme From the Mountain », « Toe Cutter », « Web » ou encore « Turned Out Light ». Dwyer a misé sur du classique, et c’est efficace.
La foule, surexcitée, se relaie pour squatter la scène. Les t-shirts, chemises et autre débardeurs sont trempés. La transpiration goutte en continu le long des visages et des cheveux. Entre chaque morceaux, une bouteille de flotte déversée sur la tête, c’est la solution radicale pour laquelle ont opté les musiciens. Au bout d’une heure et quelques minutes, la guitare de John Dwyer ne sonne plus. L’ampli a tout bonnement sauté a cause de la température. Sourire en coin de bouche, il a l’air désolé de la situation. Il se grille alors une clope, se désaltère le gosier avec sa Leffe et admire l’improvisation (rondement menée) des trois autres musiciens. Un geste de la main et guise d’au revoir, suivie d’une ovation, Thee Oh Sees se retire. Sûrement pour régler cette histoire d’ampli ? Une pause de quelques minutes dont profite une partie des spectateurs pour faire un tour à la buvette. Mais au fur et à mesure des minutes, c’est tout le public qui déserte La Cigale. Et pour cause : Thee Oh Sees ne reviendra pas. Pour les quatre clampins, épuisés par la chaleur, la mort en direct de l’ampli de Dwyer a peut-être été la goutte de trop. Pour le public, qui a payé sa place près de trente euros, c’est l’incompréhension. Pas de final digne de ce nom, pas de rappel, et un concert bien trop court. Chez Dissonance, c’est un grand sentiment de frustration qui domine, mais qui n’enlève rien à l’énergie et la passion délivrée pendant ces soixante minutes. A.L.
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TURZI Alors que notre publication vous a habitués à des dossiers sur des artistes notoires, nous avons décidé de nous pencher sur le cas d’un groupe français parmi les plus intéressants du moment, bien que méconnu : Turzi, du nom de son principal instigateur, Romain Turzi. La rédaction l’a rencontré dans son studio parisien où s’entassent claviers, tables de mixage, poste à souder, harpes, guitares exhumées de vides-greniers, cymbales accrochées au plafond, entre autres curiosités. Turzi a sorti son premier album en 2005, Made Under Authority, qui pose les bases de la musique du groupe, truffée de claviers et de sons inquiétants, qui lui donnent un air contemplatif et glauque à la fois. Les cinq premières chansons sont relativement courtes, tandis que la dernière, « Horus In A », qui dure plus d’un quart d’heure, est composée de plusieurs variations instrumentales faisant vaciller l’auditeur jusqu’à la mort clinique finale. Suivant une logique implacable, les trois albums suivants se nomment A, B et C et les chansons de chaque disque commencent par la lettre en question. A, sorti en 2007, est tout aussi expérimental que le précédent tout en poussant plus loin l’aspect progressif. Il commence avec des chansons planantes où une voix susurrante enveloppe des montées électroniques. Puis viennent des morceaux plus expérimentaux avec « Afghanistan » et son chant lancinanl un poil sinistre. Un interlude digne de Kraftwerk la sépare de la magistrale « A notre père » qui clôt le premier disque de ce double long play. Le second disque nous remet dans le bain avec « Aigle » avant de nous faire replonger dans
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la suite des expérimentations avec l’instrumental « Amadeus » puis les entraînantes « Atilla Blues » et « Allah Delon ». Là aussi, une longue chanson clôt ce concept-album avec un riff gras et des percussions frénétiques parsemés de claviers aériens et de voix angéliques. Le premier opus de cette trilogie éclectique est donc un album parfaitement homogène mais tout à fait original et de très bon augure pour la suite, matérialisée par B, sorti en 2009. Les trois ans nécessaires pour réaliser ce disque sensationnel ont permis à Turzi de créer un tout autre univers sans trahir la moindre de ses influences. Basé sur le thème du voyage, chaque chanson est un nom de ville en « b » qui a inspiré les musiciens pour la composition. L’esprit méthodique de Turzi est une nouvelle fois à l’œuvre, lançant une sous-série dans la série des concept-albums alphabétiques, celle des concept-albums alphabétiques à thème, qui se poursuivra avec C et sa thématique aviaire. La guitare est plus présente et devient plus grasse, plus lourde (« Buenos Aires », « Bombay »), mais les amateurs de chansons tout à fait électroniques ne sont pas en reste, par exemple avec « Brasilia ». L’album fait figurer d’autre musiciens : sur la géniale « Baltimore » scandée par Bobby Gillespie, chanteur de Primal Scream et sur « Bamako » où se pose la voix fantomatique de Brigitte Fontaine. Le début de la seconde face présente des chansons plus expérimentales alliant montées de synthétiseurs et rythmique saccadée (« Baden Baden ») tandis que la fin du disque laisse place à des mélodies aériennes. Il a fallu attendre 2015 avant que le troisième opus du groupe ne calme les
auditeurs en manque. Là encore la musique nous emporte dans un monde très particulier, rempli d’oiseaux chatoyants. La principale nouveauté réside dans les chœurs haut perchés qui donnent toute leur puissance aux chansons et renouvelle complètement le groupe. Ce type d’expérience avait déjà été menées dans la dernière chanson de A mais elle prend ici une place nouvelle car cette voix est le fil conducteur de l’album dont les morceaux sont assez contrastées. Si les chansons les plus remarquées de l’album, « Colombe » et « Condor », résument assez bien les deux aspects de ce disque, à savoir des sonorités ouvertes, aériennes et un rythme lent pour la première et des sons plus gras et envoûtants plus proches de A pour la seconde, il ne faut surtout pas le réduire à ces deux titres. Tout d’abord ces deux aspects se rejoignent dans certaines chansons, créant une montée en puissance remarquable dans « Chouette » ; ensuite d’autres morceaux échappent totalement à cette dichotomie, notamment « Cardinal » et « Coq », gras et frénétiques, qui se rap-
prochent plus de l’esthétique de B. Pour être tout à fait exhaustif, il est nécessaire d’évoquer Éducation, l’album produit en 2011 par Romain Turzi seul, sous le nom de Turzi Électronique Expérience. Ce disque est différent de ceux sortis avec son groupe et révèle sa façon de travailler, telle que nous l’avons entrevue lors de notre rencontre : avec les innombrables synthétiseurs qui peuplent son studio, reliés en une seule machine, Turzi crée des boucles, puis les assemble en pistes cohérentes. Les morceaux pourraient durer des heures car la machine, une fois lancée, ne s’arrête plus et les combinaisons de variations qu’on peut lui imposer sont infinies. Romain Turzi se situe en droite ligne des compositeurs français de musique électronique intelligente et de bon goût, comme Jacno ou Thierry Muller, qui savent se faire connaître d’un public averti mais relativement confidentiel, conservant ainsi toute liberté d’action. F.R.
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ENTRETIEN Dissonance : On a lu qu’A, B et C formaient une trilogie. Qu’est ce qui lie les univers assez différents de ces trois albums ? Romain Turzi : Ces trois albums sont des concepts albums, où la disposition des morceaux est une réflexion et non un assemblage incohérent. Certains titres se répondent, d’autres forcent le contraste. Des nuances d’une même énergie sont obtenues par l’utilisation d’instruments très divers. On adopte le principe de la musique au kilomètre : tu fais une boucle, tu en ajoute d’autres, tu rallonge, tu rallonge jusqu’à avoir ce que tu veux. Par ce procédé de création, on peut obtenir un « concept album » L’album A est cantonné à l’étiquette de « psychédélique » en France. Les critiques nous trouvaient des similitudes avec des groupes à l’anglaise, un peu pop, alors qu’aux Etats-Unis, où on avait été remarqués à l’époque par le label Kemado, on nous faisait jouer avec des groupes de hard rock. Il y avait clairement une lecture différente de notre musique entre l’Europe et les Etats-Unis. Là-bas, on assimilait notre musique à des groupes puissants, bien éloigné de la pop. Cette réaction outre-Atlantique a fait naitre B. Je ne choisi pas un instrument spécifique pour coller à la composition en cours, c’est davantage l’instrument et ses possibilités qui dictera la direction du morceau. C’est un peu ce qu’il s’est passé aux Etats-Unis, lorsque nous avons dû acheter un clavier sur place pour éviter les encombres de l’avion avec les instruments. Le son de B est dicté, en grande partie, par ce clavier qui a croisé notre chemin. J’ai un rapport assez libéré avec les instruments, je ne suis pas le genre de type
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à baver sur une Les Paul au prix exorbitant. Au contraire, je chine sur Leboncoin et les brocantes, des instruments que je m’amuse ensuite à bidouiller à coup de fer à souder. Tous les synthés qui sont ici, je leur ai ouvert la gueule ! Rare sont les instruments dans ce studio qui sont encore vierges ! Et comment es-tu arrivé à C ? C’est parti aussi des boites à rythmes et des synthés, ainsi que la bande originale d’un film que j’avais composé. Et puis il y eu au aussi l’arrivée de Caroline. A la base c’est la maison de disques qui me l’a mise dans les pattes et j’étais un peu dubitatif mais finalement ça nous a ouvert à tout autre chose. Les autres musiciens du groupe ont ils une réelle influence sur la composition ou est-ce vraiment ton projet ? Je compose toutes les musiques ici (ndlr : dans le studio), j’enregistre les synthés, les boites à rythme, je m’occupe de la stéréo, du montage... Après il y a des techniques de compression etc que je ne maîtrise pas donc je fais appel à un pro, un type qui bosse dans la pub. Vos concerts sont nettement plus dissonants que les albums, c’est pour donner une autre vision de votre musique ? Sur scène, on est installés de façon à ce qu’on puisse tous se voir, du coup ça fait une configuration étrange mais ça nous permet d’être tous sur la même longueur d’onde. On commence toujours par quelques minutes d’impro avant de commencer la
première chanson, pour voir si tout va bien. 5-6 disques qui t’ont influencés ? Il m’est impossible de pouvoir répondre à cette question, ou alors je peux vous citer les 5 premiers noms de groupes qui me viennent à l’esprit mais ce ne serait pas intéressant ! La majorité de ma collection de vinyles se trouve dans ce studio. Il y a de tout, mais c’est trié par pays et par genre. Pour ce qui est de la musique noire, je la trie de manière à distinguer d’une part, ceux qui ont reçu une éducation musicale et de l’autre ceux qui n’ en ont pas eux. Ce n’est pas péjoratif, attention ! Cette distinction me permet de me retrouver dans mes disques de jazz, de blues, de funk et de musique traditionnelle. Beaucoup de krautrock comme Tangerine Dream,
Neu !, Can évidemment, Kraftwerk aussi et celui qui m’a beaucoup influencé : Gong. Une autre influence, d’autant que j’ai eu la chance de rencontrer Simeon Coxe, c’est les Silver Apples. Je reste fasciné par ce musicien. Pour rester à New York, il y a logiquement les Sonic Youth, dont j’ai une bonne partie des skeuds. F.R. et P.A.
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un naranjina avec Dead Mantra Dissonance : La référence aux Dead Skeleton c’est juste comme ça où il y a un sens plus profond ? Paul : Pas du tout, c’est un pote qui voulait nous créer une boîte mail et du coup on avait besoin d’un nom ! Pierre : On écoutait le morceau à l’époque, on l’a trouvé mortel, et on a décidé de l’utiliser donc c’est pas du tout réfléchi. Paul : En y réfléchissant ça a quand même un sens, parce que ça renvoie à l’éternel recommencement etc. Dissonance : Vous avez des influences autres que la musique, des influences artistiques plus larges ? Pierre : Oui forcément, à une époque on avait même pensé sortir un genre d’EP concept sur Le Corbusier et ses projets d’aménagement pour Paris, mais finalement on ne l’a pas fait car on n’avait pas la maturité nécessaire. Mais de toute façon on est toujours influencé, de manière inconsciente par les films qu’on voit, des tableaux. Dissonance : Comment se passe la composition ? Pierre : Il n’y a pas vraiment de règles précises, parfois quelqu’un a bossé un truc dans son coin et on le joue, mais ça nous arrive aussi d’arriver en répète sans avoir rien et on commence à jouer, quelqu’un trouve une ligne ou une idée et ça peut devenir un morceau. En tout cas on prend toujours pas mal de temps pour composer.
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Dissonance : Nemure crée une ambiance à la fois, post-punk, noise et shoegaze, mais sans verser véritablement dans l’un des trois, d’où sort cette énergie ? Pierre : C’est vrai que c’est un peu schizophrène ! On voulait que les gens ressentent un peu ça, parce qu’on a des influences super variées et forcément quand on compose il y a pas mal de trucs qui ressortent. L’influence déterminante est quand même le shoegaze, My Bloody Valentine, les Cure ce genre de truc un peu froid et déstructuré qu’on écoutait beaucoup au moment de faire l’album. Pour ce qui est de la batterie, j’écoutais aussi pas mal de disco donc il y a des sons un peu dansants joués au charlet ouvert. Dissonance : Et le son en question c’est l’aboutissement de quelque chose ? Parce que si on compare Nemure à vos premiers EP, c’est un tout autre monde. Pierre : C’est beaucoup une histoire de maturité, on était beaucoup plus jeunes quand on a sorti les premiers trucs et on n’écoutait pas les mêmes choses. Donc forcément le son change. Pour autant on ne rejette pas du tout ces premiers disques. On était vachement influencés par BRMC, le BJM, on a même repris deux accords qui sont joués dans le film « Dig » pour en faire une chanson. Dissonance : On remarque une vraie progression au fil des morceaux, est-ce que c’était une volonté au moment de composer ? Paul : Ça s’est fait plus ou moins naturellement, on savait déjà quels seraient
les deux premier morceaux et quel serait le dernier. On a un peu plus improvisé ensuite, je pense qu’on a vraiment essayé de faire une réelle progression. On a surtout pensé l’album par face, en essayant de les faire le plus homogènes possible. Dissonance : Et pour finir sur l’album, Nemure ça signifie quoi exactement ? Paul : C’est du japonais, ça veut dire « dors » dans le sens du repos éternel. Au moment où on a enregistré l’album j’écoutais beaucoup la bande originale de l’animé « Hakira » où il y a un morceau, « Requiem », dans lequel les voix chuchotent « nemure Hakira, nemure Hakira... ». Dissonance : Un truc en préparation ? La suite se fait un petit peu attendre. Paul : On a enregistré deux morceaux qui sont en prolongement de Nemure, qui datent de la même période. Ils ne collaient pas sur l’album et ne colleront pas avec le suivant donc on va les sortir tout seuls, peut-être sur un 45-tours ou un split.
Pierre : On rentre en studio pour la fin octobre-début novembre avec une sortie pour le printemps 2017. On est sur un album depuis un moment, c’est assez éprouvant, les morceaux sont quasiment composés. Il y aura des éléments dans le prolongement de Nemure, mais ce sera vraiment différent. Il sera plus sombre en tout cas. Dissonance : Est ce qu’on va comprendre les paroles cette fois-ci ? Paul : Les textes comptent beaucoup pour moi et dans Nemure je ne me sentais pas assez en confiance, même si j’avais besoin de textes travaillés pour mettre de l’intensité dans le chant. Sur le prochain album j’aimerais que les textes soient imprimés pour donner plus de clefs d’interprétation. Contrairement à ceux de Nemure qui ont étés écrits sur le tard, ça fait longtemps que je suis dessus. J’ai besoin de réinventer ce que je fais avec ma voix et j’aimerais mettre les textes en avant car ils sont important pour comprendre la musique. F.R. et J.L.
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les disques du père Cavalan : RUTH C’est dans une France miterrandienne abrutie par les tubes de Jean-Jacques Goldman et Daniel Balavoine que sort, dans l’indifférence générale, Polaroïd/Roman/Photo, unique production d’un groupe éphémère mais brillant appelé Ruth. En 1985, les grandes heures de la pop synthétique (1978-1983) sont déjà révolues, la plupart des représentants de ce genre sombrant à cette période dans une new-wave radiophonique et commerciale éloignée de leur débuts sombres et industriels (Simple Minds, Human League, Gary Numan, Eurythmics...). Il faut néanmoins concéder à ces groupes corrompus que la deuxième moitié des années quatre-vingt est sans doute le pire moment, depuis l’apparition du rock and roll, en matière de production musicale. Presque tous, y compris les anciens (Bowie, Iggy, Dylan, Stones...) s’y sont cassé les dents et se sont compromis dans ces sonorités atroces (boîte à rythmes, basse funky, synthétiseur surmixé et de mauvais goût, excès de réverbération...). Il va sans dire que, utilisant néanmoins synthétiseur et boîte à rythme, Ruth échappe à ces travers. Leurs références sont tellement pointues et leur esthétique si affirmée et exigeante que leur album est impeccable tout au long des sept morceaux qui le composent. Pourtant, la légende veut que le disque ne se soit vendu qu’à une cinquantaine d’exemplaires lors de sa sortie, avant de tomber dans l’oubli pendant près de vingt ans. C’est grâce au travail de compilateurs/ exhumateurs tels qu’Ivan Smagghe et Marc Collin du groupe Nouvelle Vague compilation So Young and So Cold, 2004 - , ou Jean-Baptiste Guillot du label Born Bad
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- compilation Des Jeunes Gens Mödernes, 2008 - que toute une scène électro-pop française, élégante et intellectuelle, dont fait partie Ruth, est redécouverte et accède enfin à la reconnaissance qu’elle mérite. « Polaroïd/Roman/Photo » et « Mots » deviennent, pour un microcosme d’esthètes nostalgiques, de minis-classiques qu’on entend régulièrement dans les soirées branchées de la capitale ou sur les ondes de Radio Nova. Ce regain d’intérêt pour Ruth et ses condisciples électro-pop français du début des années octante, catalogués coldwave se répand rapidement à travers le monde et fait soudain de l’édition originale de Polaroïd/Roman/Photo une rareté qui atteint 400 euros sur le site de référence Discogs. Le concept de Ruth fût, dès le début, clairement établi par Thierry Muller, l’homme à l’origine du projet : créer une musique à la fois expérimentale et dansante. Ce dernier, qui officie depuis plus de dix ans dans des formations underground de musique électronique résolument avant-gardistes (Arcane, Ilitch, Crash), s’autorise en quelque sorte une récréation avec Ruth, dont le caractère léger et abordable le distrait de ses recherches sonores plus cérébrales. Thierry Muller : « Il y avait des groupes contemporains que j’aimais bien, mais j’avais l’impression d’entendre toujours les mêmes boîte à rythmes, les mêmes arrangements. A cette période, j’étais davantage impliqué dans la musique underground et alternative, comme celle de Cabaret Voltaire ou de This Heat (nda : pionniers anglais de la musique industrielle). Mais j’ai eu envie de faire quelque chose de différent, quelque chose de plus léger que ce que je faisais avec
Ilitch, qui pourrait passer en discothèque. » Sitôt la parenthèse Ruth refermée, Muller - toujours en activité sous le pseudonyme Ilitch - retournera d’ailleurs aussitôt à ses expérimentations soniques. « Polaroïd/Roman/Photo » fascine l’auditeur normalement constitué dès la première écoute. Les arpèges de synthétiseur n’ont pas pris une ride - un exploit pour l’époque! - et les paroles humoristico-sentimentales post-modernes davantage parlées que chantées, séduisent par leur fausse naïveté enfantine. Cependant, le coup de génie, l’élément qui rend l’ensemble magique, est l’utilisation des cuivres, notamment du saxophone, qui se mêle aux synthétiseurs et aux voix dans une symbiose idéale et originale. Cette particularité, qui rappelle le meilleur de Tuxedomoon, est clairement la signature sonore de Ruth, qui l’exploite de manière exceptionnelle sur la chanson qui donne son titre à l’album. Le morceau commence comme de la pop robotique sur laquelle des paroles regorgeant d’ingénieux calembours sont déclamées en alternance par un homme et une femme. Au bout de plus de deux minutes, la chanson bascule dans une autre dimension lorsqu’intervient le saxophone, qui transmet soudain une forte charge émotionnelle, qui contraste avec la froideur des couplets. Un autre temps fort du disque est le très accrocheur « Mots » et ses multiples couches de synthétiseur rebondissant d’une enceinte à l’autre et enrichies de cuivres. La pertinente reprise de Can, « She Brings the Rain » rend hommage à une influence importante - Thierry Muller est un amateur invétéré de krautrock - et positionne le groupe dans un registre assez peu en vogue en France en 1985. Chaque
morceau est une perle, de « Thriller », avec son rythme entraînant, sa voix trafiquée et sa conclusion cacophonique, qui ouvre l’album, à l’exercice de style disco - pourtant une discipline dangereuse - « Mabelle », parfaitement maîtrisé et réussi. Le disque se clôt sur la longue et comatante « Tu m’ennuies », dont les paroles sont tirées de la scène finale du film fleuve (3h40) « La Maman et la Putain » (1973) réalisé par Jean Eustache et interprété par Bernadette Lafont, Françoise Lebrun et l’ineffable Jean-Pierre Léaud. On peut mesurer aujourd’hui la modernité étonnante qui se dégage des sonorités de Ruth, qui n’ont rien à envier à celles de l’ « électro-clash » du début des années deux-mille (Fisherspooner, Adult, Miss Kittin...). Le groupe dans lequel on retrouve le plus l’influence de Ruth - à moins que la ressemblance ne soit le fruit du hasard, mais la proximité est troublante - est Clinic, un groupe anglais actif depuis le début des années quatre-vingt dix et dont la musique, qui mêle boucles électroniques, saxophone et chant susurré d’une voix léthargique, fait immanquablement penser à Ruth, particulièrement au titre « Mots ». Un dernier fait remarquable est à signaler, au sujet du nom du groupe et de l’identité de la mystérieuse Ruth M. Ellyeri. Ruth n’existe pas réellement, elle sort de l’imagination du facétieux Thierry Muller. Ruth M. Ellyeri, anagramme de Thierry Muller, est une entité abstraite, comblée par l’imagination de son créateur et symbolisant La Femme de manière universelle et idéalisée. Ce concept sera réutilisé par... La Femme des années plus tard. Cavalan
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SKEUDS DU MOIS THE WY TCHES
COSMONAUTS
Après l’EP Home Recordings, avec la reprise de « Caugt/Cool », premier single des Misfits en ‘77 (single dont la guitare faisait défaut à l’instar d’un clavier suralimenté) et la parution du single C-Side, voici All Your Happy Life, second album des Wytches. Le jeune trio issu de Brighton, qui s’était révélé en 2014 avec Annabel Dream Reader, dévoile un peu plus l’esprit noir et malsain qui les tourmente. Volontairement sombre, le style des Wytches est caractérisé par ce jeu de guitare très expressif, très coloré. S’étirant du surf énervé aux méandres fuzziens, les compositions glissent sur des rouleaux mélodiques tourbillonnaires incessants, qui finissent par s’éclater contre la terre ferme dans la plus grande violence qui soit. Le style des Wytches reste toujours dans cette bipolarité calme et irritante en offrant une nouvelle fois un espace où balades mélancoliques et titres puissants se croisent. Pourtant cet album sonne différemment, d’une part, car un clavier (joué par M. Young, guitariste/claviériste de Total Control) s’est immiscé dans certaines compositions et intensifie l’aspect inquiétant de l’opus. Le groupe s’émancipe également du son brouillon lo-fi pour une modernité sculptée au couteau qui leur va bien et cela est dû au producteur, Jim Sclavunos. Batteur de Nick Cave & The Bad Seeds, de Lydia Lunch au temps de Teenage Jesus and the Jerks et, plus anecdotique, en 1983 celui des Sonic Youth lors de l’enregistrement de Confusion is Sex .
Le quatuor psychédélique du très conservateur comté d’Orange, Californie, empruntait depuis ses début, une composante essentielle du son des Spacemen 3, tout en développant paradoxalement une identité très personnelle. Trois années se sont écoulées depuis l’excellent Persona Non Grata (album que la rédaction recommande fortement). Sans avoir été l’album du siècle, Persona Non Grata, qui suivait le bruyant New Psychic Denim ainsi que l’envoutant et excellent If You Wanna Die Then I Wanna Die, était la pièce maîtresse d’une discographie logique et maitrisée. Bruitiste, le groupe débitait un shoegaze moderne et habile sans se cacher derrière un mur de bruit blanc. Aujourd’hui c’est dans le mur que nous les retrouvons. Aussi plat qu’une jeune poitrine hésitante étouffée par une brassière adolescente, le dernier album des Cosmonauts manque cruellement de tact. Il débande. L’album le plus mou et le moins excitant. Nous reprochons à A-OK! des compositions pauvres mais aussi ce son, pauvre, sans aucune dynamique. Prenons par exemple le titre le plus long/ chiant de A-OK! « Heavenspeak », 5 : 48. Une demi-douzaine de minutes de perdue. Un câlin juvénile dont nous savons pertinemment, que l’agrafe du soutien-gorge ne sautera pas. Il ne se passe pas grand chose. Frustrant… Il est rare qu’un cataclysme se produise sans phénomènes avant-coureurs, en d’autres termes, nous aurions pu nous arrêter dès le premier titre de A-OK! pour en connaître la contenance proche de zéro.
All Your Happy Life, Heavenly Recordings, 2016. P.A.
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A-OK!, Burger Records, 2016 P.A.
THE MYSTERY LIGHTS
CAMERA
La mer, le soleil et les filles en bikini sur une plage californienne en juin 1966, voilà un cadre idéal pour écouter l’album des Mystery Lights. Si le groupe a bien été fondé par cinq jeunes Californiens, leur premier album, éponyme, n’est sorti que récemment chez Wick Records, la nouvelle section rock du label de soul Daptone. L’enregistrement est à cent pour cent analogique conformément aux bonnes habitudes du label ; seul le traitement de la voix et quelques effets trahissent une production moderne et donnent tout son intérêt à un disque qui puise largement dans le garage californien des années soixante tout en étant totalement original. Il ne serait toutefois pas étonnant que Mike Brandon et L.A. Solano, les deux protagonistes du groupe, aient écouté la compilation Nuggets trois fois par jour durant les dix dernières années tant certaines chansons pourraient y figurer (« Too Many Girls », « Candelight »). Il ne faut pas pour autant imaginer une ambiance exclusivement balnéaire car des titres comme « Flowers In My Hair, Demons In My Head » évoquent le côté sombre de l’époque du pouvoir des fleurs et son lot de sectes, gourous et suicides collectifs. De plus, la playlist que le groupe a mis en ligne comporte des références très éloignées du garage sixties, notamment Kitchen and The Plastic Spoons, groupe suédois des années quatre-vingt. Le groupe a donc réussi son premier disque et nous espérons que la suite sera tout aussi originale car le filon, ici adroitement exploité, pourrait se révéler mince.
Camera pousse encore un peu plus loin son krautrock et dépasse les limites qu’ils s’étaient eux-mêmes imposées. Sans être transfiguré par l’électronique, l’âme de Camera et son krautrock semble cependant être perverti par une modernité que l’on ne trouve pas à la base du genre. Ce nouvel aspect plus profond, que Camera introduit dans ses boucles, semblent venir des lointaines contrées que l’on appelle l’I.D.M. : Intelligent Dance Music. Et, sous cette absurde étiquette définissant une musique transgressant la grammaire musicale en réinterprétant ses codes par une philosophie/ manière de faire nouvelle, Camera semble coller d’une certaine façon à Boards of Canada, où osons le dire, à Aphex Twin. Derrière ses boucles répétitives se cache une réelle réflexion musicale. Contrairement à de l’expérimentation qui pourrait avoir le sens de test, de tentative, nous avons ici de la poésie. « Reindenken » (en allemand : Pure Pensée), « Nevernine » (all : Jamais Neuf) ou encore « Tribal Mango », des titres contemplatifs pour des instants musicaux renversants. De cet autre côté du miroir, une ombre musicale mélancolique se reflète onduleusement au rythme linéaire de la batterie et au mysticisme d’un clavier qui excelle. Des voix se font entendre contrairement à l’ablbum précédent. A des milliards de lieux des fatigants groupes actuels et passés du genre, Phantom Of Liberty s’aventure dans un futur que Neu! ne pouvaient visiter à son époque. Une nouvelle identité est née grâce à cet album. Le plus audacieux des trois.
The Mystery Lights, Wick Records, 2016. F.R.
Phantom of Liberty, Bureau B, 2016. P.A.
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Oiseaux-Tempête a annoncé la sortie d’un nouvel album sur lequel on retrouvera notamment le musicien Mondkopf. Duchess Says, le groupe de synth-punk québécois a sorti son dernier album le 14 octobre dernier, un concert est prévu au Petit Bain le 18 novembre. Sciences Nouvelles, Slovenly Recordings, 2016. Motorama, a sorti son nouvel album, Dialogues, le 20 octobre dernier et passera à Paris pour deux concerts à la Maroquinerie les 9 et 10 novembre. Dialogues, Talitres, 2016. Ringo Deathstarr, le groupe texan annonce la sortie d’un nouvel album, très attendu par la rédaction, pour « bientôt », sans plus de précisions. Noyades, le trio lyonnais a sorti son premier album, Go Fast, le 21 octobre avec un concert de sortie remarquée à La Station. Go Fast, S.K. Records, 2016. Dead Skeletons a sorti une nouvelle chanson « No Death No Fear (Ni Muerte Ni Miedo) » après plusieurs années d’inactivité (si l’on exclut l’album live sorti en janvier). On peut rêver à un nouveau disque du mythique groupe islandais. Scout Niblett semble être revenue à la vie. Après avoir affiché pendant plusieurs mois une photo de femme pendue à un arbre sur son site Internet, durant lesquels la rédaction s’est vivement préoccupée, la chanteuse de balades dépressives a annoncé une série de concerts en Allemagne. Peut-être pourrons-nous la voir débarquer un de ces jours dans notre bon pays ? Post Modern Chaser a présenté son premier EP, le 18 octobre, en libre écoute sur l’InterNet. Concert de sortie gratuit le 8 novembre à l’International. Post Modern Chaser, autoproduit, 2016. Kitchens Floor, le groupe post-punk de Brisbane a sorti une K7 sur le label parisien Buddy Records. Thee Oh Sees annonce déjà la sortie de son prochain album, An Odd Entrance, le pendant de A Weird Exits, pour le 18 novembre. Deux extraits, « The Poem » et « You Will Find It Here », sont en libre écoute sur la toile. An Odd Entrance, Castle Face Records, 2016. King Gizzard and the Lizard Wizard a annoncé la sortie de son neuvième album studio pour le 24 février 2017. Les Australiens ne sortiront donc pas deux albums en 2016, exploit auquel nous étions habitués depuis trois ans. Flying Microtonal Banana, Heavenly Recordings, 2017. Toy a sorti un troisième album, franchement psych-pop, alors qu’ils nous avaient habitués à un son bien plus original avec Join the Dots en 2013. Trois ans pour ça... Clear Shot, Heavenly Recordings, 2016. One Unique Signal est en pleine session d’enregistrement à Sheffield, charmante bourgade du Yorkshire et promettent trois nouveaux morceaux imminement, peut-être pour un EP? Mon Duo a annoncé la sortie de son huitième album, Occult Architecture Vol. 1 pour le 3 février. Un premier titre, « Cold Fear », est déjà en ligne sur l’InterNet. Occult Architecture Vol. 1, Sacred Bones Records, 2017.
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A V O I R A FA I R E Swans 9 novembre Le Trabendo – 26,80€ Oiseaux-Tempête 9 novembre Église Saint-Merri – 12€ Motorama 9 et 10 novembre La Maroquinerie – 20€
Psychic Ills + Wymond Miles 25 novembre Batofar – 18€
Kevin Morby 11 novembre Trabendo – 24,50€
Soirée Dissonante 30 novembre Pigalle Country Club – gratuit
Lee Ranaldo 12 novembre Point Ephémère – 22€
Post Modern Chaser 30 novembre Supersonic – gratuit
Duchess Says + Housewives 18 novembre Petit Bain – 15€
40 ans du disquaire Rough Trade Temples + d’autres groupes à annoncer 3 décembre Point Ephémère – 18€
Soirée New Noise Preoccupations + Girl Band 19 novembre Le Trabendo – 20€
Tuxedomoon 6 décembre Divan du Monde – 27€
Festival Marathon! 24 novembre Gaîté Lyrique
Toy 8 décembre Nouveau Casino – 22€
The Telescopes + Blurry Mountain 28 novembre Supersonic – gratuit
Lydia Lunch 9 décembre Petit Bain – 18€
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Illustrations : E.N.