OVERMONO

"Disfrutar de lo que hacíamos juntos eclipsó todo lo demás"

Autora: Helena Bricio Fotos: Rollo Jackson

Ed y Tom Russell están abriendo paso a una corriente de innovación sonora de corte minimalista desde su estudio de Londres. Tras más de 10 años de experiencia musical en solitario en la escena electrónica underground de Reino Unido bajo los alias Truss, MPIA3 y la mitad de Blacknecks en el caso de Tom Russell y como Tessela en el caso de Ed Russell, los hermanos llevan trabajando más de un lustro como Overmono sentando las bases de un sonido propio que les ha catapultado a ser uno de los dúos más demandados en la actualidad.

Hace apenas un mes publicaban su nuevo álbum ‘Cash Romantic’ en el prestigioso sello XL Recordings y con una gran gira bajo el brazo en el horizonte, Overmono nos ofrece la oportunidad de disfrutarles con un par de paradas durante el mes de junio en nuestro país.

OVERMONO

Su primer destino ha sido Ibiza, donde llevaron su DJ Set a DC10 en la fiesta Circoloco, pero también han traído su nuevo show en directo al Sonar de Barcelona el pasado fin de semana y podremos disfrutarles de nuevo en el Centro Cultural Conde Duque en Madrid el jueves 23 de junio. A finales de 2021 fueron galardonados con el premio 'Best Live Act' de DJ Mag Best of British Awards, así que no dejes escapar la oportunidad de presenciar su directo este verano.

Con motivo de su visita a España y para darles ánimos frente a la ola de calor que lleva azotándonos unas semanas, nos sentamos un rato con ellos para hablar de su nuevo espectáculo en directo, su nuevo álbum y el proceso creativo que les posiciona en el punto de mira de la escena electrónica actual.

"[estamos] muy contentos. Siento que el show audiovisual en directo está en un punto completamente distinto al que estaba entonces"

Antes de sentarme a hablar con los hermanos Ed y Tom Russell se me pasa por la cabeza la diferencia de temperatura que hay entre Londres y Madrid ahora mismo, y me pregunto si quizá hubiesen cancelado sus actuaciones si hubiesen sabido que íbamos a estar a casi 40º grados en España. A pesar del caluroso verano, Overmono ha llevado su nuevo espectáculo en directo el sábado 18 de junio a Sónar y al Centro Cultural Conde Duque, su primera visita en Madrid de la mano de Delicalisten, donde actuaron junto a aya para celebrar el Día Internacional de la Música.

Sin embargo, aunque no es la primera vez que visitan Sónar, admiten estar muy emocionados de volver al festival: “[estamos] muy, muy contentos. Siento que el show audiovisual en directo está en un punto completamente distinto al que estaba entonces”, comenta Ed Russell, explicando que no es una presentación de su nuevo álbum. “No vamos a presentar nada en particular” continúa, “es nuestro live show, que, aunque obviamente se centra en nuestra música, hemos preparado algo que expande el elemento visual de todo lo que hacemos durante una hora. Así que sí, ¡muchas ganas de ello!”

El trabajo visual se ha convertido en un sello de identidad de sus directos y algo que añade un matiz extra a sus actuaciones, y por ello Overmono aprovechan para explicar que ellos no diseñan la parte visual, sino que es el artista Rollo Jackson, con el que llevan colaborando varios años, quien lee sus necesidades y las transcribe en elementos visuales. “Después le enviamos esa primera parte visual [trabajada con Rollo Jackson] a Innerstrings, que procesa todos esos elementos visuales utilizando modulares y mucho procesamiento de todo el metraje original. Le contamos también a dónde queríamos llegar y cuáles eran nuestras ideas” explica Tom antes de que Ed intervenga – “en realidad es una colaboración entre nosotros cuatro, cada uno de nosotros haciendo cosas distintas para obtener un resultado final.” No sé si quizá es porque son hermanos y pasan muchas horas juntos en el estudio, pero enseguida se percibe que ambos se terminan las frases, y por ello, vuelve a tomar la palabra Tom para seguir explicando el proceso: “Sí, un resultado final que bebe de todo aquello que queríamos experimentar y que muestra dónde queríamos llegar. Y bueno, luego también trabajamos con Timecodes durante la actuación en directo, enviando la señal a un ordenador para crear el video, básicamente.”

O sea, que todo está pasando en tiempo real, en vivo y en directo” les comento cuando entiendo que este elemento visual de su actuación implica también un riesgo, a lo que entre risas me confirman asintiendo. Aprovechamos también para recordar que también llevaron su espectáculo visual al L.E.V. de 2019 en Asturias. “Bueno, esa fue una primera versión del directo” explica Tom rápidamente entre risas “en aquel momento lo hacíamos todos nosotros mismos, tomando prestado un modular enorme durante unos cuantos días y procesando de todo con él. También colaboramos con Heikki Lotvonen de Finlandia, que ya había diseñado algunas cosas para nuestro sello Poly Kicks, pero prácticamente lo hicimos todo nosotros. A ver, por un lado, estuvo guay porque el resultado molaba, pero por otro es que no había manera… El formato, el tamaño… (risas) Una vez que lo ves en una pantalla pequeña parece que está genial… Pero cuando lo proyectas en una pantalla enorme con una resolución buenísima te quedas diciendo… Vaya, ¡parece que se ha pixelado un poco!”

"Cuando estás con un público más pequeño y un escenario más pequeño, tienes una conexión mucho más íntima con el público"

Ed continúa hablando de sus primeros pinitos en el lado visual entre risas “llegábamos a espectáculos en los que, la persona que actuaba antes que nosotros había proyectado unas imágenes impresionantes, super realistas, con unos gráficos en 3D que se veían increíbles. Y bueno, cuando nos tocaba a nosotros, nuestro material era demasiado Low-Fi… Pero ¡aún así funcionaba! Aprendimos un montón, la verdad, y ahora que tenemos a profesionales involucrados en la parte visual, todo ese tiempo que empleamos en entender lo que estábamos haciendo por nuestra cuenta nos ha servido para comprender qué es lo que queremos transmitir ahora, lo que funciona en pantallas grandes y lo que no. ¡Aprendimos muchísimo!”

Hablando acerca del espacio donde se desarrolló el festival L.E.V. Festival de 2019, que tuvo lugar en los diferentes espacios de Laboral Ciudad de la Cultura (Gijón), me preguntaba cómo sería para ellos el hecho de llevar sus actuaciones por espacios como éste o como Conde Duque. Estos espacios tienen un tamaño y unos públicos totalmente diferentes a los que te puedes encontrar en otros festivales más grandes como Glastonbury (donde han actuado también durante el mes de junio) y cómo se sienten tocando en espacios tan distintos.

Tom explica que “es todo cuestión de variación, creo que, si haces lo mismo una y otra vez, y otra vez y otra vez, si solamente tocas en espacios gigantescos, es como que te acostumbras a ello y no quiero decir que sea aburrido, pero… Está bien tener un contraste para apreciar las cosas positivas de ambas situaciones. Cuando estás con un público más pequeño y un escenario más pequeño, tienes una conexión mucho más íntima con el público. En los grandes festivales estás bastante lejos del público, a veces es un poco difícil conseguir esa conexión… Pero claro, a la vez, en un macrofestival tienes una producción enorme, espectáculo de luces… La verdad que nos sentimos muy afortunados de tener la oportunidad de poder actuar en espacios tan diversos.”

A lo que Ed añade: “lo bueno del espectáculo en directo es que tenemos una idea muy clara de lo que queremos probar, de cómo lo vamos a hacer y de cómo nos vamos a comunicar, y eso se queda igual independientemente de estar en un festival grande de 5000 personas o en un espacio con capacidad para 300 personas. Es muy bonito tener ese compromiso con la actuación en directo, porque cuando estás pinchando lees el espacio, juegas con el entorno y eso cambia por completo cuando lo haces en espacios grandes o pequeños, pero con la actuación en directo siempre intentamos conseguir el mismo objetivo. Es genial tener ese compromiso con el espectáculo y ver cómo se traduce de forma distinta dependiendo del lugar.”

Overmono llevan desde el 2016 lanzando álbumes, EPs, temas y actuando en directo, independientemente de los proyectos que ambos hermanos tuvieran en solitario. Tomando esta última intervención de Ed y centrándonos en la situación actual en la que se encuentra el dúo, les pregunto sobre cómo se sienten pinchando otra vez como Truss o como Tessela cuando se quitan la gorra de Overmono y cómo se sienten cuando retoman sus proyectos en solitario, a lo que ambos niegan con la cabeza rápidamente.

“No hemos vuelto a tocar en solitario desde hace unos cuantos años” explica Ed, “es que no hay tiempo, nunca decidimos parar nuestras carreras en solitario, simplemente empezamos a disfrutar lo que hacíamos juntos y, literalmente, es como que eclipsó todo lo demás. Incluso en el estudio, cuando componemos, ninguno de nosotros piensa en escribir algo por su cuenta. Y eso no quiere decir que hayamos dicho que no vayamos a hacer más música en solitario, pero todo lo que producimos ya lo hacemos juntos. Pinchar sí que lo hacemos de vez en cuando, solemos tocar más en directo, pero de vez en cuando pinchamos juntos, y es muy divertido, yo lo disfruto mucho” afirma Ed mientras Tom asiente con la cabeza.

El proceso de composición musical de Overmono tiene mucho que ver con pinchar los temas en directo y ver cómo funcionan. Por tanto, el hecho de mezclar y pinchar en sí mismo se convierte en una parte fundamental del proceso creativo. Cuando componen actualmente, apenas piensan en componer para sí mismos, sino que el paraguas de Overmono se abre y bajo él empieza un proceso de creación en el que comparten mutuamente sus progresos e inquietudes musicales. El mundo de ambos hermanos ha estado chocando constantemente desde que ambos empezaron en la música cuando eran tan solo unos niños, hasta dar como resultado uno de los dúos musicales más punteros del panorama actual. “Todo lo que hacemos es Overmono ahora” sentencia Tom.

Los hermanos Russell llevan la música como legado familiar desde la infancia y, a pesar de haber crecido en una zona rural de Gales, han vivido después en ciudades como Leeds o Londres, que les ha permitido ver cómo la escena electrónica ha ido cambiando a lo largo de los años en el país. El año pasado se estrenaba el documental Better days: The Story Of UK Rave, un proyecto audiovisual que repasa la historia de las raves en Reino Unido y al que Overmono puso banda sonora, pero ¿cómo han vivido ellos las raves?

“Tom montaba sus propias fiestas un poco en el medio de la nada” comenta Ed antes de que Tom tome la palabra enseguida para explicarse. “Crecimos en una zona muy rural de Gales donde realmente no había muchos clubs a los que pudiésemos ir, así que básicamente teníamos que divertirnos a nuestra manera. Tuve un montón de “sound systems” y de platos para montar nuestras propias fiestas y durante los veranos nos uníamos a estas free parties que eran bastante grandes y eso me ha servido un poco como introducción a lo que serían las raves. Pero en realidad no sé cómo ha cambiado con el paso del tiempo, obviamente la comercialización de todo ello cambia las cosas un poco. Es un negocio muy grande, no digo que sea malo, pero es distinto, está más organizado, sistematizado… Aun así, sigue habiendo una escena underground que obviamente no está legalizada, personalmente no estoy muy conectado a ella, pero sé que hay una escena.” Ed aprovecha para añadir que esa escena underground está actualmente más ligada al bassline y que ellos no están muy conectados con ella ahora mismo. Centrándonos en la música que Overmono ha ido lanzando desde 2017, con un par de escuchas a ‘Arla II’ de 2017, en seguida sentimos la variedad de elementos musicales que componen los temas ‘Concorde’ o ‘Power Dry’. Sin embargo, el resto de los lanzamientos que han ido publicando se perciben cada vez más minimalistas, con una producción más limpia y refinada, algo que ellos mismos explican que ha surgido naturalmente y no ha sido premeditado, “es una progresión natural” afirma Tom:

“No es que hayamos pensado en qué dirección queremos ir, sino que ha surgido solo. Siempre estamos componiendo música y, por ejemplo, ‘Cash Romantic’, tiene temas que habíamos escrito cuatro años antes. Así que, no es que acabemos uno y estemos ya pensando en producir el siguiente. Siempre estamos componiendo y pensando qué temas funcionan bien juntos, cuáles se complementan mejor… Y desde ahí vamos trabajando. En el caso de ‘Arla’, por ejemplo, había muchos elementos sampleados cogidos de vinilos, lo que hacía que hubiese mucho ruido, que fuese un sonido muy denso… Y lo que suena genial por los altavoces, a veces no se traduce de la misma forma en sistemas de sonido más grandes... Pero como te digo, siempre estamos componiendo y es una progresión muy natural.”

Como si un Mies Van der Rohe se hubiese colado en el estudio de los hermanos Russell, el “menos es más” se convierte en su mantra a la hora de producir y componer. “Cuando componemos siempre intentamos hacer lo máximo con el menor número de elementos. Los dos siempre hemos pensado y nos hemos preguntado cuál es la idea principal de un tema y si necesita algo más para que se sostenga. El resultado ha sido que los mejores temas siempre han sido aquellos que tienen cuatro elementos principales. Es muy fácil cuando estás produciendo música caer en el hecho de “rellenar”, de ir aumentando y añadiendo capas y capas e ideas e ideas, y nosotros intentamos tener el enfoque contrario. Quizá lo hacemos en el proceso de composición, pero después vamos limpiando para hacer lo máximo con lo mínimo posible” explica Ed. “Creo que también es una filosofía que ambos compartimos incluso antes de empezar a trabajar juntos”, continúa Tom, “nuestros enfoques hacia la música siempre fueron “menos es más”. Además, no sé, tampoco es que nos haya gustado nunca la música difusa o sobrecargada… Supongo que nos ha interesado más la parte efectiva de la música.”

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Mientras que Ed afirma y asiente las palabras de su hermano, interviene para completar y explicar que “siempre hemos pasado mucho tiempo trabajando en la calidad sónica de la música, en cómo hacer algo que quizá no tenga demasiados elementos pero que a la vez no parezca simple, o escaso, o algo así. Pasamos mucho tiempo pensando cómo un elemento suena con otro y cómo van cambiando gradualmente con el tiempo, o cuáles son los elementos que tienen mucha carga textural, cómo van a crear un entorno en la música para quedarse ahí. Es importante que la música tenga matices tanto cuando la escuchas en tus auriculares como en un gran sistema de sonido.” Enseguida Tom le roba la palabra a su hermano para añadir “siempre nos ha interesado el tipo de música que suena espontánea, sin esfuerzo. Nuestros productores favoritos siguen esta línea de sonido que quizá no encuentra categorías en los géneros tradicionales y que, simplemente, fluye.”

Entre sus producciones favoritas se encuentran, por ejemplo, las de Blawan, del que ambos afirman que “está a otro nivel, los elementos sonoros están ahí y son tan perfectos como podrían serlo, y sónicamente es que simplemente, funciona.” Por otro lado, sus influencias también se enraízan enormemente en la escena rap estadounidense, algo que ellos mismos son conscientes que puede sorprender a quienes escuchen su música, pero afirman rotundamente que una gran parte de su inspiración llega desde el otro lado del charco. Sienten que allí existe una especie de liberación a la hora de escribir y componer que sienta las bases de su admiración por la escena del rap, con artistas como Kendrick Lamar, cuya mezcla instrumental y sonora la encuentran profundamente inspiradora. Para mi sorpresa, tras referirse a Lamar, mencionan a Rosalía como inspiración y artista novedosa: “es una de las mejores artistas pop que existe ahora mismo en el panorama y cuyo sonido jamás se ha diluido o rebajado” afirma Ed mientras ambos comentan que les ha encantado el nuevo álbum de Rosalía y su admiración por el trabajo de El Guincho. Respecto al flamenco más tradicional, afirman que todavía no han escuchado las raíces “¡no sabría por dónde empezar!” comenta Ed entre risas. Para quienes todavía no lo hayan escuchado, Overmono publicaron en abril de 2020 un remix para ‘A Palé’ de Rosalía, en el que explicaban que habían sido grandes fans de Rosalía desde que descubrieron su música.

Aprovechando la atmósfera de buen rollo que siento con ellos durante toda la entrevista, les comento que dos de mis temas favoritos que me han acompañado durante mucho tiempo son ‘To the Cosmos, Let’s Go’ de Blacknecks y ‘Hackney Parrot’ de Tessela, y les pregunto si eran conscientes de que estaban escribiendo dos auténticos temazos. “¡Ni de coña!” me dicen entre risas, de hecho, Tom comenta “yo cuando hice ese tema en realidad pensé ¿qué coño estoy haciendo?” y Ed, por su parte, explica que cuando produjo ‘Hackney Parrot’, lo primero que hizo fue enviársela a Tom. Me cuenta que ambos están acostumbrados a compartir sus temas en solitario entre ellos antes de enviarlos a ningún sitio y describe que estaba muy nervioso de la respuesta de su hermano: "estaba muy nervioso, pensaba que me iba a escribir algo así como "no, esta no es la buena". Pero en cuanto se la envié, Tom me llamó por teléfono al instante para decirme “ten cuidado y piensa muy bien a quién le envías este tema porque creo que cualquiera podría publicarlo.”

Aunque cuando trabajaban en solitario no tenían en mente que aquellos temas que estaban produciendo iban a ser temazos, ha pasado bastante tiempo desde ambos lanzamientos y ambos son conscientes de su evolución como artistas. Siempre tuvieron en su top 10 de sellos a XL Recordings, -sí, sí, el de Thom Yorke, ‘In Rainbows’ de Radiohead, M.I.A, etc- y son conscientes de la suerte que es haber podido trabajar con ellos desde su primer álbum como Overmono:

“La realidad es que es uno de nuestros sellos favoritos, pero son tan relajados y flexibles que, aunque imagino que si trabajas con otros sellos, como Atlantics por ejemplo, probablemente puedas sentir como que formas parte de una gran máquina, XL son tan buenos evitando esa sensación que siempre sientes que puedes hacer lo que quieras. Es muy fácil trabajar con ellos, siempre te permiten que experimentes y si tienes ideas para hacer cosas más grandes o ir un poco más allá, ellos te dan el espacio para hacerlo. Operan bastante como un sello independiente y se centran extremadamente en el artista, en vez de avasallar con peticiones para tu próximo álbum o trabajo. Te dejan claro que confían en ti y que quieren que hagas lo tuyo. Así lo siento yo.” explica Ed.

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Cash Romantic

“No podríamos haber trabajado de otro modo, de todas formas”, continúa Tom, “no podríamos trabajar con un sello que nos presionase o que nos pidiese un hit o un temazo o algo así... Sería muy perjudicial para nuestra creatividad. Si pensamos en ‘Hackney Parrot’ o en Blacknecks, nuestro objetivo principal era pasárnoslo bien produciendo en el estudio, echarnos unas risas, y cambiar eso y convertirlo en algo que no lo es, no funcionaría.”

Lo que me dejan claro entre risas es que, de momento, XL Recordings no les obliga a grabar TikToks cuando se lo pregunto. Aprovechamos también para comentar relajadamente el estado actual de la industria en la que algunos artistas se están viendo obligados a hacerlo, y Tom afirma "creo que si empiezas a sentirte forzado a hacer algo, deberías evaluar un poco en el estado en el que te encuentras. En mi caso, no quiero sentirme forzado a tener que hacer algo con lo que no me siento a gusto. La realidad es que TikTok, Instagram o lo que sea son grandes partes del ecosistema en el que vivimos actualmente y no hay forma de escapar de ello. Puedes involucrarte hasta donde te sientas cómodo y creo que el problema reside en cuando te sientes obligado a hacer algo que no quieres hacer. Tendría que encontrar la forma en la que me gustase hacerlo, quizá llega un día en el que pienso y digo, bueno, podemos utilizar esta plataforma para conectar con la gente y comunicarnos con gente de todo el mundo y enseñarles cómo producimos o lo que queramos, algo así como una ventana hacia nuestra vida, pero encontrando la forma en la que eso nos hiciese sentir cómodos. Sin la presión de sentir que tienes hacer algo.”

"Creo que la mejor manera de tratarlo se relaciona un poco con lo que viví hace bastante cuando por ejemplo lancé 'Hackney Parrot'. En aquel momento había gente que ya tenía redes sociales y eso, pero no eran tan grandes como lo son ahora. En mi caso yo no tenía redes sociales ni nada en aquel entonces, y recuerdo que después de lanzar ese álbum me vi a mí mismo en este tipo de "escenas" [de música electrónica] en las que yo no sentía que formase parte de ellas en absoluto. La situación estaba yendo más lejos de lo que yo había esperado y el resultado fue que al final me estaban contratando para un montón de eventos. Recuerdo que cuando estaba en el pico máximo de todo aquello, me vi rechazando cuatro o cinco bolos por semana porque llegó un punto en el que me dije, yo no quiero tocar con esta gente, aquí no siento que encaje. La mejor parte de las redes sociales es justo eso, tú tienes que establecer cómo las percibes, depende de ti elegir lo que quieres hacer en ellas y aun así, si sientes que no formas parte de ellas, puedes elegir no unirte y seguir sacando música. Tú tienes que tener el control para ubicarte donde realmente sientas que encajes o incluso poder cambiar tu rumbo. Para mí eso es la mejor parte de todo esto."

Con tantos años de experiencia en la industria, no puedo despedirme de ellos sin antes pedirles consejo para alguien que esté empezando o que se plantee empezar en esta industria… “¡Métete en TikTok sin dudarlo!” me dice Ed rápidamente entre risas. Después toma la palabra Tom, aunque la confianza entre ellos hace que se interrumpan y se pisen las frases de manera natural y espontánea:

“En realidad es un poco lo de siempre, concéntrate en la música, haz toda la música que puedas e intenta no quedarte solamente en lo que los demás piensan” –“totalmente”, interrumpe Ed– “al final encontrarás tu voz y tu estilo y todo lleva bastante tiempo, no es un camino rápido, no se trata comprarte un par de cacharros y que de cero salga algo. Bueno, hay a gente que le funciona, pero para la mayoría de nosotros, toma bastante tiempo. Tienes que aprender. YouTube es una gran herramienta ahora mismo, puedes encontrar prácticamente toda la información que quieras, es una fuente enorme de material para aprender a producir.”

“¡Pero ten cuidado porque hay un montón de desinformación también en YouTube!” interviene Ed en tono jocoso, “es un buen consejo en realidad” (Tom asiente), “solamente confía en ti, básicamente haz lo que te suene bien a ti y solamente sigue el consejo de personas que te guste lo que hagan.”

“Sobre todo me refiero a la parte técnica, un oscilador es un oscilador y no hay forma correcta o incorrecta de usarlo, de la forma en la que quieras expresarte mediante él estará bien, y en eso deberías concentrarte”, vuelve a tomar la palabra Tom.

“Otra cosa que creo que es importante, como consejo, sería el no ser demasiado especial o preciosista con lo que hagas. A veces cuando la gente está empezando y tiene cuatro o cinco temas no quieren enviárselo a nadie o mandárselo directamente a un sello discográfico, prefieren subirlo a SoundCloud y esperar que los sellos se interesen por arte de magia. Creo que es un enfoque erróneo porque hay música por todas partes y siento que esa idea de “soy un diamante sin descubrir” y que, de repente, un sello se fije en ti y explotes el sector… No suele pasar.” Comenta Ed antes de que Tom le interrumpa entre risas.

“…Pero a la vez, ¡hay otra cara de la moneda! Usa lo que quieras para promover tu música, SoundCloud, Instagram, YouTube, lo que sea, pero no lo mandes nunca a un montón de sellos aleatorios sin pensar…” –“¡no, no, no!” concuerda Ed– “cuando quieras lanzar tu música oficialmente, concéntrate bien en encontrar un buen sello que vaya contigo o si no, hazlo por tu cuenta”.

Así que, resumiendo y siguiendo los consejos de los hermanos Russell, la investigación antes, durante y después del proceso de producción será lo que te ayude a encaminar tu carrera musical en la dirección correcta.

Para terminar la entrevista, me centro en las portadas de los tres últimos trabajos que Overmono ha sacado desde 2020: 'Everything U Need', 'Diamond Cut / Bby' y 'Cash Romantic'. Estas están diseñadas por el artista mencionado anteriormente, Rollo Jackson, y protagonizadas por varios dóberman, siguiendo una línea similar, algo que llama la atención y cuya explicación es algo ambigua. "Hay muchas capas respecto a ese tema", empieza comentando Ed y Tom continúa, "hay algo que tiene que ver con la pureza en la música que hacemos que lo relacionamos con ello. Parece que a los dóberman siempre se les presenta como perros super masculinos, feroces, salvajes... Pero la realidad es que, por ejemplo, sus orejas están cortadas artificialmente, las suyas son de otra forma. Son perros cariñosos, juguetones, divertidos, a los cuales se les plantea de una forma que realmente no son. Eso sería algo así como la primera capa, aunque podríamos ir más al fondo de ello... Pero la verdad es que los perros están guapísimos" sentencian ambos entre risas.

BONUS TRACK: El pasado 23 de junio pudimos asistir a la actuación de Overmono en el Centro Cultural Conde Duque en Madrid que realizaron junto a Aya, una de las artistas más innovadoras de la escena electrónica actual. Primero disfrutamos de la actuación de la performer, un directo rebelde y futurista donde recitó, cantó, exploró sonidos singulares y cautivó a un público que mantuvo su mente abierta. A continuación, Overmono tomaron el patio del centro cultural en un esperadísimo concierto que se acompañó de una enorme carga visual a sus espaldas. Desde temas como ‘So U Kno’ a ‘Bby’ pasando por ‘A Palé’ de Rosalía o ‘Gunk’ de su último álbum ‘Cash Romantic’, el dúo hizo gala de su abanico sonoro durante un atardecer en el que el público pudo disfrutar por primera vez de su música en Madrid.

Muchísimas gracias a Ed y a Tom por la divertida entrevista y la libertad que ofrecieron para preguntarles cualquier cosa, desde DJ Mag ES solo podemos agradecer su tiempo y su amabilidad.

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NIZ