Cultura Visual

Educação Comunicação e Multimédia Cultura Visual

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Curso: Educação e Comunicação Multimédia Disciplina: Cultura Visual Docente: Doutor José Pedro Fernandes Discentes: Dora Estevão, nº 10917

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Junho, 2011

Curriculun Vitae Aluna: Dora Cristina Banza Estevão Nº de Aluna: 10917 Residência: Beja Nacionalidade: Portuguesa e-mail: prof.dora@gmail.com 1ºProfissão: Mãe 2ªProfissão: Professora 3ºProfissão: Estudante Cor Preferida: Azul Índigo Hobbies: Sonhar e Mudar fraldas Outros Interesses: Pintura, Escultura e Fotografia Desporto: Radical e Natação Fascínio: Arte Egípcia Musica: Clássica, Tribal e Pop/Rock Sonho: Escavação arqueológica no Egipto Signo: Sagitário Curso Educação e Comunicação Multimédia 1º Ano Disciplina: Cultura2 Visual 2010/2011

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Aula nº1 - 04/03/2011

Cultura Visual

Arte

e

Comunicação

representam

dois

conceitos

inseparáveis.

Bruno Munari

Cada um vê aquilo que sabe.

Conhecer as imagens que nos rodeiam significa também alargar as possibilidades de contacto com a realidade; significa ver mais e perceber mais.

Não devemos confiar demasiado naquilo que o nosso olho vê; ele não é um instrumento perfeito e, por isso, dá-nos informações bastante limitadas sobre o conhecimento da natureza.

As ilusões ópticas As primeiras pinturas abstractas (Kandinsk), representavam naturezas mortas de objectos irreconhecíveis pairando numa vaga atmosfera que fazia de fundo.

A cor tinha só um efeito de carácter estático: havia cores atrás e à frente, inamovíveis. No efeito figura fundo, pelo contrário, a cor (ou o branco e negro) move-se continuamente no espaço óptico entre o objecto e o observador, adquirindo assim um novo efeito.

Explora-se as zonas negativas de uma imagem.

Algumas imagens confundem-nos a visão, criando uma verdadeira ilusão óptica quer através da pintura, surrealismo e fantasia.

O surrealismo sempre foi uma tendência controversa na história da pintura.

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O que vê?

Quantas pessoas consegue ver?

Água ou pessoas?

Velhos ou novos?

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Espiral?

Linhas paralelas?

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Cavalos ou rochas?

Pura ilusão?

Quantas patas tem o elefante?

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Como assim?

Pinturas de rua com ilusão óptica a 3D

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Será que é uma pintura ou será de verdade?

Ilusões de óptica com fantasia

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Reconhecemos que é muito difícil para um crítico de arte estar hoje a par de tudo o que se faz e distinguir as coisas válidas das que são somente demonstração de fenómenos, quer porque deixou de existir a possibilidade de relacionar as velhas formas de arte com as técnicas antigas, quer porque seria necessário ter uma cultura tecnológica para poder saber se a comunicação visual ultrapassa o simples fenómeno físico. E é por esta razão que muitas vezes a crítica de arte prefere ficar muda.

A comunicação visual é um meio insubstituível que permite a um emissor passar as informações a um receptor, sendo condições fundamentais do seu funcionamento a exactidão das informações, a objectividade dos sinais, a codificação unitária e a ausência de falsas interpretações. Só se podem atingir estas condições se ambas as partes, entre as quais tem lugar a comunicação, conhecerem estruturalmente o fenómeno.

Conhecer a comunicação visual é como aprender uma língua, uma língua composta só por imagens, mas imagens que têm o mesmo significado para as pessoas de todas as nações e, por isso, de todas as línguas. A linguagem visual é uma linguagem mais limitada do que a falada, porém, é mais directa.

A comunicação visual acontece por meio de mensagens visuais, as quais fazem parte da grande família das mensagens que atingem os nossos sentidos, sonoros, térmicas, dinâmicas, etc.

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Professor: José Pedro Fernandes

Avaliação: Exame (60%) + Trabalho Individual/Apresentação (20%) + Portfólio (20%)

Mas afinal, o que é isto do Portfólio?

Na minha opinião a palavra “Portfólio”, é emprestada dos artistas, como fotógrafos, modelos, etc, estes tem por obrigação ter um book (livro) com todos os seus melhores trabalhos, por exemplo com diversas fotografias.

Nesta caso especifico, irei tentar organizar o meu portfólio, como um diário das aulas da disciplina, juntamente com todos os trabalhos propostos pelo professor e se possível complementar com mais informação.

Assim, o Portfolio é considerado uma ferramenta pedagógica que contém os trabalhos produzidos pelos alunos de forma organizada e bem planeada, ao longo de um determinado período de tempo, de forma a poder proporcionar uma visão alargada e detalhada da aprendizagem efectuada bem como das diferentes componentes do seu desenvolvimento cognitivo, metacognitivo e afectivo. Reflecte também a identidade de cada aluno, de cada professor, em cada contexto, enquanto construtores do seu desenvolvimento ao longo da vida.

O Portfólio proporciona uma avaliação contínua.

T.P.C: Recorte de Publicidade para realizar um inventário.

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Aula nº2 - 15/03/2011

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Inventário da Publicidade: “Combustível Repsol” Ao folhear a revista EXAME nº 320 de Dezembro de 2010, encontrei esta publicidade sobre o combustível Repsol, que me chamou um pouco a atenção.

A Repsol é uma das dez maiores companhias do mundo e a maior companhia privada energética na América Latina. Esta empresa tem actividades em mais de 30 países e é líder em Espanha e na Argentina.

Na parte superior, lado esquerdo da publicidade, surge uma frase: “Faça mais quilómetros, viva mais experiências”. É uma afirmação de incentivo ao consumo de combustível.

Logo abaixo, surge uma imagem de um veículo automóvel, que ocupa o espaço central da publicidade, em que este veículo pode ter vários formatos, ou seja, ser de marcas diferentes, ou mesmo ser um veículo motorizado e ter também várias cores. Não interessa o tipo, marca ou cor do veículo, o que de facto importa é que este consuma combustível da marca Repsol. Com base na imagem do veículo automóvel, pré-visualizase várias imagens à sua volta, algumas até sobrepostas, que nos levam a pensar em viajar de certa forma com liberdade (imagem da ave), para diversos locais, tais como: o campo, a praia, o bosque, a cidade, e para todos os locais que imaginamos ou desejamos. O consumo deste combustível proporciona-nos momentos de descanso e lazer em família, já que ao viajar mais, fazemos mais quilómetros, mas também vivemos mais experiências, vivendo e gozando a vida e o melhor que esta nos dá.

Surge também a imagem de um motor, como símbolo talvez de uma maior potência, quando usamos o combustível Repsol, o motor tem uma vida mais útil, ou seja, ao utilizarmos este combustível o motor terá uma maior durabilidade e rendimento e um menor consumo, o que nos proporcionará viajar mais e gastar menos.

No final, surgem algumas considerações ao combustível e à marca, assim como, o símbolo da Repsol, como não podia deixar de ser.

Esta publicidade, deixa transparecer alguns conceitos como o de liberdade, prazer, convívio, entre muitos outros. O que está em jogo é a venda de combustível da marca Repsol a todos os indivíduos/famílias independentemente do veículo que possuem.

Julgo que esta publicidade tem as ideias bem estruturadas e foi concebida de forma bastante inteligente.

Autora: Dora Estevão

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T.P.C: Procurar um Spot Publicitário para análise.

Aula nº3 - 22/03/2011 Visualização e análise de Spots Publicitários

É importante que na análise de um qualquer Spot Publicitário, se tenha em atenção os seguintes factores: 

Tipo de publicidade (comercial/institucional);



Slogan;



Público alvo;



Classe Social;



Duração do Spot;



Cenas e sua duração;



Cenas (Repetição/não repetição);



Ritmo;



Imagem (tipo,…);



Espaço (interior/exterior);



Percurso temporal (diurno/nocturno);



Ambiente (natural/artificial);



Musica (tipo, ritmo…);



Comportamento dos actores;



Início/Fim/Desfecho;



Etc. 14

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Spot Publicitário: Twix



Tipo de publicidade: comercial (chocolate Twix)



Público alvo: todos os indivíduos



Classe Social: todas



Duração do Spot: 51 segundos



Cenas e sua duração: 17 cenas e uma média 3 segundos por cada cena



Cenas não repetidas



Ritmo: calmo



Imagem: calma



Espaço: exterior



Percurso temporal: diurno (por do sol)



Ambiente: natural (natureza)



Musica: calma

Spot Publicitário: Nokia 

Tipo de publicidade: comercial (telemóvel Nokia)



Público alvo: todos os indivíduos



Classe Social: média alta



Duração do Spot: 56 segundos



Cenas e sua duração: muitas cenas com pouca duração



Cenas não repetidas



Ritmo: rápido com algumas paragens prepositadas



Imagem: com muito movimento/adrenalina



Espaço: interior/exterior



Percurso temporal: diurno/nocturno



Ambiente: natural/artificial



Musica: acelerada/rítmica

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Spot Publicitário: Heineken 

Tipo de publicidade: comercial (cerveja Heineken)



Público alvo: indivíduos adultos



Classe Social: média alta



Duração do Spot: 31segundos



Cenas e sua duração: poucas cenas com alguma duração



Cenas não repetidas



Ritmo: calmo e histérico



Imagem: calma/histeria



Espaço: interior da casa



Percurso temporal: nocturno



Ambiente: artificial/fresco (luz artificial, verde, vidro,…)



Musica: calma



Comportamento dos actores: infantil e histérico

Spot Publicitário: Condom 

Tipo de publicidade: institucional (preservativo)



Público-alvo: indivíduos adultos



Classe Social: todas



Duração do Spot: 60 segundos



Cenas e sua duração: poucas cenas com alguma duração



Cenas repetidas



Ritmo: rápido



Imagem: repetitiva



Espaço: exterior (natureza)



Percurso temporal: diurno



Ambiente: natural



Musica: repetitiva



Comportamento dos actores: cómico

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Spot Publicitário: Toblerone (2008) 

Tipo de publicidade: comercial (chocolate Toblerone)



Solgan: “Lose yourself in the Toblerone Triangle”



Público-alvo: todos os indivíduos



Classe Social: média alta



Duração do Spot: 30 segundos



Cenas e sua duração: 12 cenas e uma média 2,5 segundos por cena



Cenas não repetidas



Imagem: calma



Espaço: exterior (natureza)



Percurso temporal: amanhecer/entardecer



Ambiente: artificial



Musica: calma e suave



Comportamento dos actores: calmo/divertido



Início: Actriz a comer o chocolate no barco



Fim: Actriz a comer o chocolate no barco



Desfecho: afasta-se para cima Autora: Dora Estevão

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Spot Publicitário: Renault Clio Sport 2010 

Tipo de publicidade: comercial (automóvel Renault Clio)



Slogan: “Life is too short to be boring”



Público-alvo: todos os indivíduos



Classe Social: média alta



Duração do Spot: 56 segundos



Cenas e sua duração: 18 cenas e uma média 3 segundos por cena



Cenas não repetidas



Imagem: calma



Espaço: exterior (cidade)



Percurso temporal: entardecer



Ambiente: diurno (luz natural)



Musica: barulhenta (Cramberrys. In your head



Comportamento dos actores: divertido



Início: Actriz a comer o chocolate no barco



Fim: Actriz a comer o chocolate no barco



Desfecho: afasta-se para cima Autora: Dora Estevão

Observação1: A lógica da imagem é surgir sempre da esquerda para a direita.

Observação2: Devemos abrir a mente no que diz respeito à cultura. Por exemplo, devemos ouvir outros tipos de música, como música clássica, opera, tribal, medieval, etc, como música de outras culturas (India, Tibet, Africa, China, Japão, etc), e ouvir também outros sons (mares, rios, florestas, baleias, etc).

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Artur Agostinho Quando cheguei a casa ouvi nas notícias, que o Artur Agostinho havia falecido, no Hospital de Santa Maria, em Lisboa, aos 90 anos.

Artur Agostinho ficará para a história da comunicação em Portugal, ele foi uma figura exemplar na cultura portuguesa, deixou marcas na rádio, nos jornais desportivos e na televisão, na segunda metade do século XX.

"É uma grande perda. Artur Agostinho foi um homem que marcou muitas gerações e conseguiu trabalhar sempre com a energia que todos lhe conheceram, com a genialidade e as qualidades humanas que o tornaram uma das figuras impares da cultura portuguesa, que não apenas da televisão".

Passos Coelho

Artur Agostinho foi um homem admirável e uma fonte de inspiração para muitos.

Portugal

perdeu

hoje

um

dos

melhores

comunicadores de todo o sempre, com uma carreira de mais de 70 anos dedicados à arte de comunicar.

Esta perda muito me entristece!

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Aula nº4 - 05/04/2011 O que está em causa? o O próprio conceito do que é Arte. o Arte e Cultura. o A Problemática do belo. o Arte e Beleza: 

Podemos ter padrões para a beleza?



O que sentimos e o que percebemos.



Pode a beleza ser definida?

o A beleza e o gosto: 

O que vemos?



Condicionantes da percepção.



A visão e a beleza. Onde está? Em nós próprios? Na ordem?



O prazer de ver.



O “olho inteligente”.

o Chaves para entender a arte. o O gosto e a cultura do gosto.

Afinal, o que vemos?

Picasso, O Boi “Bull”, 1945.

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Análise estética dos elementos formais: 

A ideia do alfabeto visual



Saber ler: a linguagem plástica



Estrutura;



Formas;



Cores;



Volumes;



Linhas.

O centro e a sua importância Segundo as regras de composição de imagens artísticas, o centro é o ponto mais essencial numa composição, ou seja, o centro é o organizador, em função do qual todos os elementos estão expostos.

1ª Característica: O centro poderá não estar bem no centro geométrico. O centro funciona como “atractor”, exercendo uma função magnética.

2ªCaracterística: O centro poderá não coincidir com o centro principal da composição, o centro não está centrado, está descentrado mais para cima, para baixo, para a esquerda ou direita.

O centro varia em função de algumas regras, como, a distância que ocupa a figura em relação ao centro geométrico; não é a mesma coisa quando a figura está em cima/baixo ou esquerda/direita.

Nota: A leitura visual de uma obra, é conforme a nossa escrita, da esquerda para a direita.

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Tensão é a relação de atracção/repulsão entre dois objectos numa composição.

Na vivência corporal pode acontecer duas situações:

Relação Intensa

Relação mais intensa

(Menos tensão)

(Maior Tensão Energética)

A bandeira do Japão, também conhecida como "Disco Solar" (Hinomaru), é composta por um fundo branco e um círculo vermelho na área central.

O equilíbrio desta bandeira é total, é um símbolo centrado.

O centro é um elemento de organização visual, numa pintura, poster, cartaz, escultura, etc, seja a 2D ou 3D. O centro pode deslocar-se (migrar), para termos a certeza à que traçar os eixos para descobrir o centro geométrico, e assim realizar, uma análise mais formal.

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Para onde se dirige o nosso?

A composição é simples, o casal forma uma figura unida e centrada na composição. O ventre da mulher coincide com o ventre do homem. O ventre é assim considerado o ponto de contacto mais íntimo.

Neste quadro de Dali, a criança está ao centro da composição. O centro é organizador da imagem.

Existem eixos diagonais e verticais centrais. Existe também muita tensão porque a criança está mais perto do centro geométrico.

A Pintura é um processo de libertação do Homem.

T.P.C: Recorte de Publicidade para análise.

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A Alegria de viver

A alegria de viver - Le bonheur de vivre (The Joy of Life), 175 x 241 cm, 1905-1906.

A Alegria de viver (1905-1906) segundo o pintor francês Henri Matisse é uma mistura colorida de amor e beleza, tanto da arte como da natureza.

A alegria de viver é o óleo sobre tela que marcou verdadeiramente o início da obra do francês Henri Matisse. O quadro foi concebido entre 1905 e 1906 e está na The Barnes Collection, em Merion.

A alegria de viver consagrou Matisse como pintor, aquando da s ua primeira exibição, em Março de 1906, na cidade de Paris, embora tenha sido fortemente criticada.

Todavia, actualmente “A alegria de viver”, embora seja tão importante e marque definitivamente o início de uma nova Era na pintura europeia, é muitas vezes esquecida ou simplesmente ignorada.

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Dora Estevão, “A alegria de viver”, 2011.

Análise Resumida da Obra Nesta composição de Matisse, existe uma pequena descentração para o primeiro quadrante. O centro é bastante significativo. O centro está em tensão, pois sofreu uma ligeira rotação para a esquerda e para cima. Existem outros pólos de atracção.

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Tela do Renascimento (Circular). No centro geométrico está Maria a rezar.

Nada é por acaso.

Nada é por acaso. Deus não joga dados com o mundo. Deus é sutil, mas não é maldoso.

Albert Einstein

Esta composição está centrada, tem dupla centração. Albrecht Durer, sublinha a importância do centro “mãos”. Este pintor dá sempre mais evidência ao centro que Matisse.

Dürer – Cristo entre os doutores, 1506

O centro é o lugar mais poderoso de uma composição. Esta composição retrata um nu reclinado na diagonal.

Delacroix, Nu feminino reclinado num divã, 1825-26

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Kandinsky, Pintura II, Gnomus, 1928

Esta composição é rectangular centrada, construída sobre eixos diagonais, as medidas são parecidas. O centro está descentrado para cima e para a direita.

A relação dos centros é forte, o que significa que existe tensão entre eles.

Existe nesta obra ilusão de óptica. É essencialmente uma composição musical, pois Kandinsky é também compositor.

Dora Estevão, Pintura II, Gnomus, 2011

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Aula nº5 - 12/04/2011

Análise da Publicidade: Mucganheira – Vinhos espumante

A imagem (garrafa) não está no centro da composição, ou seja, a imagem não está centrada. A imagem está em desequilíbrio, isto é, desviada para a esquerda, ocupando o 1º e 4º quadrantes. A imagem está perto do centro geométrico.

O desequilíbrio é compensado através de arabescos com diamantes e através da expressão: “Bom Ano Novo”.

Este cartaz é uma composição que goza de verticalidade.

A publicidade é dinâmica devido às curvilinhas dos arabescos, em que o ritmo é marcado por ritmos regulares e descontínuos.

A cor dourada predominante nos arabescos, significa riqueza (ouro) e ao mesmo tempo requinte, a cor do diamante significa jóias, brilho, pureza e excentricidade, a cor azul esverdeada significa em parte fortuna, dinamismo e um destino a seguir.

A garrafa é uma representação verdadeira da realidade.

Esta publicidade pretende transmitir “Glamour”, elegância, excentricidade, riqueza e sofisticação de uma passagem de ano em que se consome vinhos e espumantes Mucganheira.

Observação: Arabescos é uma elaborada combinação de formas geométricas frequentemente semelhantes às formas de animais e plantas. Os arabescos são elementos da arte Islâmica, normalmente usados para enfeitar as paredes das mesquitas. Para os Muçulmanos, essas formas em conjunto, constituem um padrão infinito que se estende para além do mundo visível e material.

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Equilíbrio Dinâmico ou desequilíbrio compensado O equilíbrio tem de ser compensado, o peso visual dos componentes da imagem ajuda e equilibrar. Por vezes o desequilíbrio controlado ou desequilíbrio dá dinamismo à composição.

Volumes

Pablo Picasso - Marie Therese Walter - 1937

Picasso é conhecido como o pai do cubismo. Nesta obra a figura encontra-se descentrada e ligeiramente para a direita (2º e 3º quadrante). Picasso sobre o eixo central posicionou a figura para a direita, sem sair do seu volume e eixo. A figura encontra-se em tensão por estar perto do eixo. A figura é compensada com o chão escuro destorcido e o canto da sala também distorcido.

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Marie tem a cara virada, o que ocupa também espaço. A composição apresenta-se na parte inferior mais carregada, ou seja, mais preenchida, o que representa a terra. A parte superior geralmente representa o céu. A imagem é dinâmica devido ao “serpentiar” do corpo, chapéu, colocação das mãos, roupa com muitas linhas e cores. O cubismo sintético cria muitas dinâmicas na figura.

Dora Estevão, Marie Therese Walter, 2011

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Fernand Léger, Woman with a Cat, 1921

Dora Estevão, Woman with a Cat, 2011

A composição tem uma estrutura centrada e goza de verticalidade. A obra está um pouco descentrada para a esquerda (1º e 4º quadrante), mas é compensada pelos elementos do lado direito (almofada maior, cadeira, perna cruzada, parte de uma circunferência). A composição tem muitas formas e volumes e algumas linhas. A cor amarela e preta dão vida à obra e fazem sobressair as formas e volumes da mulher. A cor amarela significa calor de uma tarde de verão e o preto significa conforto, comodidade e luxo.

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Jasper Johns, Alvo com quatro faces, 1955)

Klee – Senécio, 1922

O centro está em grande tensão (olhos e pescoço).

Alfonse Maria Mucha foi um ilustrador e designer gráfico checo e um dos principais expoentes do movimento Art Nouveau.

Mucha – Poesia

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Dinâmica e Multiplicidade de centros

Kandinsky – Composição VIII

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Miró – Blue III, 1963

Miró foi um importante escultor e pintor surrealista. Esta composição parece um desenho de criança, mas na realidade tem muitos símbolos. As interpretações podem ser variadas conforme a sensibilidade de cada um. Julgo que esta obra, é uma reflexão profunda da vida, é um mergulho no lado mais espiritual da nossa vida. Qualquer pessoa tem sempre um lado obscuro (buraco negro) na sua vida. Existe uma linha que pode significar a linha da vida, cosmo, universo, uma viagem até a uma estrela, outra dimensão, outro lado da vida (morte).

Este quadro leva-nos a meditar, sonhar e reflectir sobre a vida.

Dualidade de centros

Botticelli - Anunciação

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O centro que cria dinâmica

Rafael, Galatea, 1511

Para estudar: Enquadramento: Ocupação do centro geométrico; Expansão das formas; Relação com os extremos; Dispersão de manchas; Eixos; Diagonal; Base; Posição; Direcção; Planos; Centralidade; Fundos; Continuidade; Ponto de fuga; Espaço Fechado/aberto; Espaço com ou sem profundidade/perspectiva; Plano terrestre ou celeste; Tela dividida em duas (exemplo: Dali); Organização de espaços (verticalidade/horizontalidade); Estrutura; Regras do renascimento; Maneirismo;

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Aula nº6 - 03/05/2011

Abel Manta, Rua de São Bernardo em Lisboa, 1928

Abel Manta foi um pintor português que gostava de representar retratos e autoretratos em diversas fases da sua vida e muitas paisagens de lugares que frequentava.

A composição está organizada em função da sua verticalidade, o eixo vertical coincide com a árvore e o poste. Existem sombras e manchas que fazem o equilíbrio da composição. Os prédios acompanham alguns eixos da obra.

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Dora Estêvão, Rua de São Bernardo em Lisboa, 2011

O fundo desta obra é muito importante.

Matisse trabalhou mais o fundo e menos a Odalisca. O fundo é composto por arabescos. Matisse baseia-se na arte islâmica, na tradição árabe em que não podem existir espaços brancos.

Matisse, Figura decorativa em fundo ornamental, 1925/26

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El Greco divide o quadro em dois, neste caso existem dois planos, o plano terrestre (3º e 4º quadrantes) e plano celeste (1º e 2º quadrantes).

Neste tipo de composição a parte inferior está sempre mais carregada e escura do que a parte superior. A obra equilibra-se com o céu (parte mais clara).

El Greco, O Enterro do Conde de Orgáz, 1586

Organização Espacial É necessário organizar o espaço.

Divisão da obra em quadrantes; Eixos Verticais e Eixos Horizontais; Diagonais e Diagonais perfeitas; Cruzamentos; Posição dos Planos (formas e linhas tradicionais):

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Equilíbrio: Equilibro estático; Equilíbrio visual; Simetria; Desvios e compensações.

Enquadramento típico do Renascimento (segundo F. Ostrower)

Enquadramento típico do Barroco (segundo F. Ostrower)

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Aula nº7 - 10/05/2011 Efeitos Expressivos Tipo de Linhas: Rectilíneas – transmitem mais velocidade, determinadas, duras, universo agressivo e objectivo, racional, masculino e mais cortantes.

Curvilíneas – transmitem suavidade quando são longas e turbulência e desconforto quando são curtas.

Assimetria; Regularidade e Irregularidade; Ritmos Contínuos e Descontínuos;

Ritmos Mistos ou Complexos

Matisse, Jazz 3

Neste cartaz de Matisse, os ritmos são regulados (regulares descontínuos), como no piano (parte inferior e superior do cartaz). Os ritmos são contínuos, o som é contínuo.

Existe um corpo em pose de dança, com focos que projectam mãos, o contorno com a linha é contínuo.

A métrica é regular, o som é grave e mais agudo.

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Kandinsky. Composition LX. 1936

Todos os quadros têm música. Nesta composição de Kandinsky, existem muitos pequenos elementos, que marcam ritmos diferentes. Existe um pular de ritmo conforme os padrões. Esta obra tem muito ritmo, o mais parece uma composição musical (pauta musical).

Observação: Arabescos Árabes e Indianos têm muito ritmo (musicalidade).

Nesta composição de Picasso, existem linhas contínuas extensas (ritmo mais lento) e linhas curtas (ritmo mais rápido).

As linhas mais espessas são mais lentas e as linhas finas são mais rápidas. A espessura faz variar a velocidade da linha. Um linha regular é por natureza mais lenta que uma linha mais recta.

Picasso, nu a la serviette, 1907

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Ritmo Simples e Cadenciado

Simplicidade (Profundidade e calma)

Mark Rothko, Untitled [Blue, Green, and Brown], 1952

Esta composição transmite calma e tranquilidade, não só pela composição em si, mas também pelas cores utilizadas. Rothko gosta de pintar coisas místicas “zen”.

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Complexidade (Efeito do Movimento, Expressão Exaltada, Efeito dos excessos e conjugação de elementos contrastantes)

Kandinsky, Moscow I, 1916

Esta obra de Kandinsky é muito complexa, como muito movimento e ritmo.

A obra abaixo de um outro artista, Stuart, é também muito complexa, pecando pelo excesso de elementos.

Stuart Davis, The Mellow Pad, 1956

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T.P.C: Elaborar uma Cartaz Publicitário/Institucional, com tudo o que aprendemos. Na apresentação devemos explicar o porquê do tema, imagens mais apropriadas, o que tentamos privilegiar, efeitos expressivos, centros, linhas, equilíbrio, etc.

Aula nº8 - 17/05/2011

Cartaz Publicitário: “BodyFly – Escola de paraquedismo”

O cartaz apresentado é bastante simples , faz publicidade a uma Escola de Páraquedismo existente no Aeródromo de Beja. Esta escola através do seu cartaz faz um convite a todos, para experimentarem um salto Tandem.

Escolhi este tema e estes elementos porque gosto de desportos radicais e também eu sei qual é a sensação de voar.

A imagem principal não está centrada, goza de uma descentração para a direita e para cima (2º Quadrante). Mas é compensada com algum texto disperso pelos outros quadrantes. Este texto dá a sensação de movimento, acção e muita adrenalina.

Toda a composição é baseada no céu devido ao fundo azul e ondulante. A cor azul predomina nesta composição e pretende transmitir alguns significados, tais como, suavidade, segurança, aventura, adrenalina e infinito.

O espaço é aberto (infinito do céu) e a profundidade é imaginária.

O nosso foco é os pára-quedistas, que seguem a sua viagem numa descida vertiginosa pelos céus.

Autora: Dora Estevão

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Simplicidade e complexidade O impacto visual é diferente, a simplicidade provoca profundidade e calma e a complexidade exige uma maior atenção e concentração do espectador.

Complexidade: os efeitos dos excessos O dramatismo (encenado/palco de teatro) – Quanto mais dramático mais interessante; O prolongamento das sensações; A filosofia vitalista (vida, tudo o que mexe).

Complexidade: a conjugação de elementos contrastantes Todas as formas são contranstantes.

A complexidade torna difícil a organização dos elementos: Dificuldade de formalização; Super povoamento dos elementos.

Profusão e Economia (Minimismo)

Fontana (Lucio) Spatial Concept `Waiting', 1960

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Esta tela rasgada é muito significativa, tem uma conotação misteriosa, um lado escuro, uma ordem sexual, mistério, produz sentimentos. Esta composição significa um corte nas aparências, na vida, uma expressão de dor e violência, permite intimidade, simplicidade absoluta, etc.

Hoje dia 17 de Julho de 2011, a Escola Superior de Educação de Beja (ESEB) do Instituto Politécnico de Beja (IPBeja), celebra as comemorações do 25º Aniversário da ESEB, no campus do IPBeja.

A cerimónia solene para comemorar a efeméride teve lugar, no dia 14 de Junho, às 10h00, no Auditório dos Serviços Comuns do IPBeja. O evento contou com a presença do Presidente do IPBeja, Vito Carioca, do Director da ESEB, Jorge Raposo, do Presidente da Câmara Municipal de Beja, Jorge Pulido Valente, do Governador Civil de Beja, Manuel Monge, do Presidente do Conselho Geral do IPBeja, João Paulo Ramôa, e ainda do Provedor do Estudante do IPBeja, António Semedo. A abertura da sessão foi seguida de uma conferência com o antigo ministro da Educação e actual Assessor do Presidente da República para os Assuntos Sociais, David Justino. Durante a cerimónia houve ainda lugar para uma sessão de testemunhos de antigos alunos da ESEB.

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Aula nº9 - 24/05/2011 O exagero: formas de sublinhar uma mensagem

Este artista exagera em toda a sua obra, dando ênfase aos símbolos do poder que são: o preto, os óculo escuros, o chapéu de coco, a bengala, etc. Enquanto que a menina simboliza a fraqueza através da sua fragilidade, pobreza, doença, etc.

Julio, O burgues e a menina, 1931

Esta é mais uma obra de Picasso que retrata uma de suas amantes, a Jacqueline. Ele realça o que à de melhor nela: o pescoço, que significa elegância, o misticismo, a sua inteligência e superioridade, etc.

Picasso, Jacqueline with Flowers, 1954

Simplificar e Fragmentar

Tema atribuído para o trabalho individual: POP ART (análise de uma obra)

Simplicidade e previsibilidade Previsibilidade e espontaneidade Canónico e o inesperado.

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Cânones e gestos espontâneos Aula nº10 - 31/05/2011 Segmentação e unificação Actividade e estabilidade Ênfase

Van Gogh, Autoretrato

Van Gogh é considerado um dos pioneiros do expressionismo. Nesta composição utiliza muitos contrastes.

Neutralidade

Claude Monet, Branch of the Seine Near Giverny, 1897

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Nesta obra de Monet, tudo é suave, tranquilo, sereno, o que se reflecte na escolha de tons muito esbatidos.

Suavidade e agressividade Elementos de continuidade e elementos de ruptura Continuidade na linha e continuidade na cor Cruzamentos, nós e nódulos Sobreposições Transparências e opacidade Realismo e distorção Sequências e ritmo Aula nº11 - 07/06/2011

Metáforas

Existem muitas obras onde reinam as metáforas, esta é uma figura de estilo, que consiste na comparação de dois termos sem o uso de um conectivo.

Na imagem da esquerda, surge Deus a tentar salvar a terra da escuridade, pobreza, maldade, etc. A imagem da direita é uma representação e significa protecção dos homens (estilo gótico).

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Efeitos expressivos naturais (lava, petróleo derramado no mar, terra numa escavação, empaquetar, etc)

As cores As cores harmoniosas são aquelas que funcionam bem em conjunto ou justapostas, e que produzem um esquema de cores atractivo.

O círculo cromático ou roda das cores pode ser utilizado de forma a ajudar na escolha das cores e combinações harmónicas.

Para trabalhar bem as harmonias, é necessário conhecer a teoria das cores (o conceito de tom, tonalidade, valor ou escala tonal, luminosidade e saturação).

A gradação da cor A luz As ideias – as ideologias

Para o EXAME trazer: lápis de cor, borracha, régua, esquadro e compasso.

Ver apontamentos: Anexo1.

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Arte conceptual

Marcel Duchamp, Why Not Sneeze Rose Sélavy, 1921-64

“A arte tem de ser sempre simbólica”.

Duchamp é um dos precursores da arte conceitual e introduziu a ideia de ready made como objecto de arte.

Na fotografia acima, ele representa uma gaiola que significa uma prisão, cubos de açúcar que são na realidade cubos de mármore, um termómetro que mede a temperatura, a cartilagem de um choco, que no geral serve para os pássaros afiarem os bicos e que está um pouco fora da gaiola, etc. Todos estes elementos tem um determinado significado. Esta é a vida.

Os símbolos O estilo Ilusões e efeitos ópticos Escultura

“A arte tem que ser doida, senão é uma coisa burguesa, um produto de consumo”.

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Aula nº12 - 14/06/2011

Exame de Cultura Visual

Pablo Picasso, 1915, “El hombre de la pipa”

Realize a análise da obra referida.

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No dia 18 de Junho, vi uma notícia no telejornal, que achei interessante do ponto de vista da disciplina. Chama -se Aelita André, uma menina de quatro anos de idade, considerada a artista profissional mais jovem a assinar uma exposição na galeria Agora, em Nova Iorque. A pequena artista australiana está a captar as atenções de fãs em Nova York diz ser influenciada pela natureza e pelo espaço.

A menina é autora de nove quadros que, segundo os organizadores, já estão a ser vendidos a preços que alcançam os cerca de 10 mil dólares.

A menina é considerada "The Prodigy of Colour", os amantes de arte ficaram maravilhados com esta pequena artista pelas grandes e coloridas pinturas abstractas.

Aelita Andre é de origem russa, mas vive com os seus pais, que são artistas, em Melbourne, na Austrália. Desde muito cedo, quando tinha 20 meses de idade, Aelita desenvolveu a sua criatividade pintando num estilo muito próprio, julgo que poderá ser expressionismo abstracto e surrealismo, pela forma como ela insere objectos nos seus trabalhos.

A criança tem sido por várias vezes comparada a grandes nomes como Pablo Picasso e Angela Di Bello.

"Aelita é uma criança precoce com um talento puro e raro". Ela é especial, na medida em que, realmente sabe o que está a fazer. Ela entende as cores, a composição e a textura".

Angela Di Bello

Aelita, sente-se especial quando pinta.

A exposição desta pequena artista, acontece entre os dias 4 e 25 de Junho.

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Aula nº13 - 21/06/2011 Apresentação dos trabalhos individuais.

Hoje dia 18 de Junho de 2011, faz um ano que o nosso estimado José Saramago faleceu, tinha 87 anos de idade. Faleceu na sua casa em Lanzarote, ilhas Canárias, Espanha, onde residia com a mulher. Saramago foi vítima de leucemia crónica. José Saramago foi um escritor, argumentista, jornalista, dramaturgo, contista, romancista e poeta português.

Em 1998 foi galardoado com o Nobel de Literatura, considerado o mais importante prémio literário da língua portuguesa. Saramago foi considerado o responsável

pelo

efectivo

reconhecimento

internacional da prosa em língua portuguesa.

Também ganhou o Prémio Camões.

O seu livro Ensaio Sobre a Cegueira foi adaptado para o cinema e lançado em 2008.

Para assinalar a data da sua morte, foram depositadas na manhã de dia 18 de Junho, as cinzas do escritor junto a uma oliveira trazida de Azinhaga do Ribatejo, terra natal do escritor, para Lisboa.

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Aula nº14 - 28/06/2011

Continuação da apresentação dos trabalhos individuais.

Entrega do Portfólio da disciplina.

«Quanto mais se conhece mais se ama.»

Leonardo da Vinci

"A vida é um quadro do qual somos os pintores. Cada pincelada que damos traduz a vida, os sonhos, os desesperos. O mundo a que pertencemos."

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Resumo dos apontamentos concedidos pelo professor:

“Sintaxe da Linguagem Visual”

Composição (fundamentos) É a intenção do artista.

Equilíbrio é a base consciente e inconsciente do Homem para avaliações visuais.

Constructo horizontal - vertical constitui a relação básica do homem com o seu meio ambiente.

Reacção do contrapeso. Ter mais peso visual. Contrapeso é usado numa composição visual.

O equilíbrio é tão fundamental na natureza quanto no homem.

Equilíbrio relativo.

Desequilíbrio (eixo vertical-horizontal)

Tensão

Nivelamento e aguçamento

Atracção e agrupamento – os pontos harmonizam-se e atraem-se. Quanto maior a proximidade, maior será a sua atracção.

Podemos ligar os pontos de acordo com atracção dos mesmos.

Os opostos repelam-se mas os semelhantes atraem-se.

Elementos básicos da comunicação visual: 

Ponto (Unidade visual mínima)



Linha (articulador fluído e incansável da forma) – Aumenta sensação de direcção (flexibilidade, com precisão e rigor).

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

Forma (formas básicas e todas as suas combinações, permutações e dimensões) – Quadrado (enfado, honestidade, rectidão e esmero); triangulo (acção, conflito e tensão); circulo (infinitude, calidez e protecção). A partir destas três formas básicas, derivam todas as outras formas físicas da natureza e da imaginação humana.



Direcção (impulso de movimento) – Quadrado (horizontal e vertical) é a referência primária do Homem relativo ao seu bem-estar, maneabilidade e estabilidade; Triangulo (Diagonal) ideia de estabilidade, força direccional mais instável, mais provocadora, ameaça, perturbação; circulo (curvas) repetição e calidez.



Tom (presença ou ausência de luz) – intensidade da obscuridade ou claridade (ponto de fuga).



Textura (óptica ou táctil, carácter dos materiais visuais) .



Escala ou Proporção (medida e o tamanho relativos).



Dimensão e Movimento (implícitos e expressos com a mesma frequência).



Cor (elemento visual mais expressivo e emocional, contraparte do tom).

Vermelho: sexo, poder, luxo, raiva, perigo, amor, calor, vida, sangue, violência, activa e emocional (expande-se).

Amarelo: Luz, calor, original, verão, sol, engano, traição. (expande-se).

Azul: passivo, suave, ligeireza, frialdade, água, autoridade, segurança, masculinidade, céu, infinito, ocidente. (contrai-se).

Verde saturado: natureza, dinamismo, destino, fortuna.

Verde militar: autoridade, caça.

Laranja: energia, Ásia, verão, sol.

Castanho: natureza, chocolate, guerra.

Branco: pureza, neve, natal, neutralidade, virgindade.

Negro: morte, luxo, classes sociais mais elevadas.

Rosa: feminilidade, doçura.

Roxo: magia, veneno, tortura.

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Técnicas mais usadas e de fácil identificação (fontes antagónicas):

CONTRASTE

HARMONIA

Instabilidade

Equilíbrio

Assimetria

Simetria

Irregularidade

Regularidade

Complexidade

Simplicidade

Fragmentação

Unidade

Profusão

Economia

Exagero

Minimização

Espontaneidade

Previsibilidade

Actividade

Êxtase

Ousadia

Subtileza

Ênfase

Neutralidade

Transparência

Opacidade

Variação

Estabilidade

Distorção

Exactidão

Profundidade

Planura

Justaposição

Singularidade

Acaso

Sequencialidade

Agudeza

Difusão

Episodicidade

Repetição

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“El lenguaje visual” Ferramentas da Linguagem Visual Configuração Tamanho – dimensões físicas do produto visual.

Forma – orgânicas/naturais e artificiais; Cor – é uma ferramenta visual carregada de informação, o que significa que é um dos recursos mais importantes para transmitir significados através da linguagem visual. Existem dois tipos de cores: Pigmento (trabalha-se a cor – síntese subtractiva) e luz (carácter intangível – síntese aditiva).

A cor tem algumas características, como: luminosidade; saturação/desaturação e temperatura.

Critérios de selecção da cor: conteúdo simbólico; calentário comercial; contraste visual; identificação da marca; identificação com o público-objecto.

Luminosidade Tipos de fonte luz: natural ou artificial.

Quantidade: claves altas (grande quantidade de luz), claves baixas (pouca quantidade de luz).

Temperatura (quentes e frias) Cores quentes: vermelho, laranja, amarelo.

Cores frias: azul, verde, violeta

Orientação: a favor da leitura (esquerda para a direita), contra leitura (direita para a esquerda), picado (ângulo de cima para baixo), contrapicado (angulo de baixo para cima).

Textura: suporte e material que se aplica sobre o suporte.

Textura real: escultura (tacto – representação tridimensional); Textura simulada ou visual: imagem (qualidade óptica – representação bidimensional/estático); Textura fictícia: textura que engana o receptor e o faz acreditar naquilo que vê.

Imagem comercial.

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Organização Composição Repousada (calma)

 Constante (elemento constante)

 Simétricos (elemento simétrico)

 Rectos (elemento recto)

 Centrípetos (elementos em espiral – dirigidos de fora para dentro)

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 Completos (elemento completo)

 Centrados (elemento centrado)

Composição Dinâmica

 Inconstante (elemento inconstante)

 Assimétricos (elemento assimétrico)

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 Oblíquos (elemento obliquo)

 Centrifugas (elementos em espiral – dirigidos de dentro para fora)

 Incompletos (elemento incompleto)

 Descentrados (elemento descentrado)

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Existem quatro grupos de figuras retóricas:

Substituição: metáfora, alegoria, metanimia, calanbur, prosopopeia.

Comparação: oposição, paralelismo, gradação.

Adjunção: repetição, epanadiplosis, hipérbole ou exagera, prestamo.

Supressão: elipse

“Ver, compreender, analisar as imagens” 1) Decodificar: uma imagem é necessário fazer-lhe perguntas. Analisar o sentido da imagem, ou seja, descobrir o que o artista quis exprimir.

2) Descrição: descrever é compreender/interpretar melhor o contexto.

1ª Técnica: 

Nome emissor(es)



Modo de identificação emissores



Data da produção



Tipo de suporte



Técnica empregue



O formato

 A localização 2ª Estilística: 

Nº cores e cálculo das superfícies e da predominância



Volume e intencionalidade do volume



Organização icónica

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3ª Temática:

 Titulo, relação texto imagem  Inventario dos elementos  Símbolos  Temáticas de conjunto 3) Contexto

Contexto a montante:

A imagem (meio técnico, estilístico, temático, origem a imagem); O autor (quem a realizou e que relação tem com a sua historia pessoal); Quem a encomendou e que relação tem com a história da sociedade do momento.

Contexto jusante:

A difusão (quem viu, tentar quantificar, fazer estimativa de vendas revista, estimativa do nº de leitores, qual a difusão que a imagem teve na altura da sua produção ou difusões posteriores); O impacto (ao longo do tempo, modo de apresentação, testemunhos da recepção ao longo do tempo).

4) Interpretar

Significações iniciais e posteriores:  Criadores sugeriram uma interpretação diferente do seu título, da sua legenda, do seu sentido? Que análises contemporâneas do seu tempo de produção podem encontrar?

 Que análises posteriores?

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Balanço e a apreciações pessoais:  Balanço geral em função dos elementos fortes, estudo do contexto, inventário de interpretações ao longo do tempo?, Que balanço geral podemos fazer?;  Como vemos hoje esta imagem?  Que apreciações subjectivas relacionada com o nosso gosto individual podemos dar-lhe?

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Abel Abrantes Manta, figura maior da pintura portuguesa contemporânea, nasceu em Gouveia, em 12 de Outubro de 1888, tendo falecido em Lisboa, em 9 de Agosto de 1982.

Desde muito jovem que Manta evidenciou um talento ingénito para a pintura.

Entre 1904 e 1916 frequentou a escola de Belas Artes, em 1919, o pintor, ávido de alargar horizontes, partiu para Paris, cidade que, à época, constituía o principal centro cultural europeu, em que fervilhavam, ainda, os múltiplos movimentos vanguardistas.

Abel Manta distinguiu-se pelo rasgo e vigor de seu estilo. Seus retratos impõem pela densidade expressiva e por vezes ainda pela subtileza do cromatismo.

Também se evidencia na interpretação de paisagens e trechos citadinos, em que tudo se reduz ao essencial, e na pintura de flores e frutos.

Vindo de uma família de artistas, iniciando-se no estilo figurativo moderno, migrou naturalmente para o abstracto, dedicando-se paralelamente à ilustração, ao cartaz, às artes gráficas, à decoração, à cerâmica, à tapeçaria, aos murais, à arquitectura e ao cartoon.

Albrecht Dürer (21 de maio de 1471 — 6 de abril de 1528) foi um gravador, pintor e ilustrador alemão. Foi a figura central da renascença alemã.

Estudou com o seu pai, um ourives húngaro que emigrou para a Alemanha, e em 1486 começou a pintar. Tornou-se aprendiz do pintor Michael Wolgumut com quem iniciou os seus trabalhos de gravura em madeira e cobre. Dürer inspirou-se nos trabalhos dos pintores dos dois maiores centros artísticos europeus (Itália e Holanda), mas sendo muito mais inovador. A partir de 1940 Dürer viajou bastante para estudar, passando nomeadamente por Itália e Antuérpia.

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Bo Bartlett (Georgia 29 dez 1955) é um americano pintor realista actualmente residindo em Washington.

Bo Bartlett é um realista americano com uma visão modernista. As suas pinturas são dentro da tradição do realismo americano, tal como definido por artistas como Thomas Eakins e Andrew Wyeth.

Como estes artistas, Bartlett olha para a terra da América e as pessoas para descrever a beleza que ele encontra na vida quotidiana. As suas pinturas comemoram a natureza subjacente épica do banal e do significado pessoal do extraordinário.

Os seus trabalhos podem ser encontrado em colecções particulares, colecções públicas e galerias de todo os Estados Unidos

Edvard Munch (12 de dezembro de 1863 - 23 de janeiro de 1944), foi um importante artista plástico norueguês. É considerado, por muitos estudiosos das artes plásticas, como um dos artistas que iniciaram o expressionismo na Alemanha.

Alguns estudiosos afirmam que provavelmente, possuía transtorno bipolar.

Munch,

Em 1893, pintou sua obra de arte de maior importância: O Grito. Esta obra tornou-se um dos símbolos do expressionismo. Em 1896, começou a fazer gravuras e apresentou várias inovações nesta técnica artística.

No final da década de 1930 e início da década de 1940 passou por uma forte decepção. O governo nazista ordenou a retirada de todas as obras de arte de Munch dos museus da Alemanha por considerá-las esteticamente imperfeitas e por não valorizar a cultura alemã.

No seu estilo artístico, abordava temas relacionados com os sentimentos e tragédias humanas (angústia, morte, depressão, saudade). Pintava imagens desfiguradas, passando uma sensação de angústia e desespero. Dava uma forte expressividade no rosto das personagens retratadas, pois pintava figuras marcadas por fortes atitudes.

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El Greco (Fodele, 1541 — Toledo, 7 de abril de 1614) foi um pintor, escultor e arquiteto grego que desenvolveu a maior parte da sua carreira na Espanha. Assinava suas obras com o nome original, ressaltando sua origem.

Em 1570 mudou-se para Roma, onde abriu um ateliê e executou algumas séries de trabalhos. Durante sua permanência na Itália, enriqueceu seu estilo com elementos do maneirismo e da renascença veneziana. Mudou-se finalmente em 1577 para Toledo, na Espanha, onde viveu e trabalhou até sua morte. Ali, El Greco recebeu diversas encomendas e produziu suas melhores pinturas conhecidas.

O estilo dramático e expressivo de El Greco foi considerado estranho por seus contemporâneos, mas encontrou grande apreciação no século XX, sendo considerado um precursor do expressionismo e do cubismo, ao mesmo tempo em que sua personalidade e trabalhos eram fonte de inspiração a poetas e escritores. El Greco é considerado pelo modernos estudiosos como um artista tão individual que não o consideram como pertencente a nenhuma das escolas convencionais. É mais conhecido por suas figuras tortuosamente alongadas e uso frequente de pigmentação fantástica ou mesmo fantasmagórica, unindo tradições bizantinas com a pintura ocidental.

Fra Angelico, (Vicchio di Mugello, 1387 — Roma, 18 de Fevereiro de 1455) foi um pintor italiano, considerado o artista mais importante da península na época do Gótico Tardio ao início do Renascimento.

Em suas pinturas também expressam o sentimento interior das pessoas, como na Obra O Juízo Final, Fra Angelico tenta expressar o amargo e a alegria numa sintonia de cores vivas saindo do padrão Medieval que era voltado somente a Deus e entrando no Renascimento que era voltado ao homem.

No dia 14 de Novembro de 2006 foram encontrados mais dois painéis por eles pintados, perdidos há mais de 200 anos, numa modesta casa em Oxford, na Inglaterra. Foi beatificado pelo Papa João Paulo II em 1982 passando a ser chamado "Beato Fra Angelico".

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Giovanni Bellini, também chamado em sua terra natal de Giambellino, (Veneza, 1430 - 1516) foi um pintor do Renascimento. O mais famoso de uma família de pintores de mesmo sobrenome. É considerado como renovador da pintura da escola veneziana, movendo-a para um estilo mais sensual e policromático. Pelo uso de cores claras de lenta secagem.

Bellini criou sombras detalhadas, profundidade e ricos coloridos. As suas fluentes e coloridas paisagens tiveram um grande efeito no seu tempo.

Henri-Émile-Benoît Matisse (31 de dezembro de 1869 – 3 novembro de 1954). Foi também escultor e ilustrador.

A sua arte conheceu grande divulgação. Fundou uma academia frequentada por alunos do mundo inteiro. Em 1909 abriu-se uma exposição sua em Moscou e, em 1910, uma retrospectiva em Paris.

As viagens que fez ao Marrocos e a Tânger, entre 1910 e 1912, influenciaram sua obra. Em sua primeira fase, Matisse se mostrava como descendente direto de Cézanne, em busca do equilíbrio das massas, mas outras influências, como as de Gauguin, Van Gogh e Signac, levaram-no a tratar a cor como elemento de composição.

Em 1908, a euforia decorativa de "O aparador, harmonia vermelha" atestava que Matisse já tinha estilo próprio.

Ao explorar ora o ritmo das curvas, como em "A música" (1909) e "A dança" (1933), ora o contraste entre linhas e chapadas, como em "Grande natureza morta com berinjelas" (1911-1912), Matisse procurou uma composição livre, sem outra ligação que não o senso de harmonia plástica. Sua cor não se dissolvia em matizes, mas era delimitada pelo traço.

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Joan Miró (Barcelona, 20 de abril de 1893 — Palma de Maiorca, 25 de dezembro de 1983) foi um importante escultor e pintor surrealista catalão.

Quando jovem frequentou a Escola de Belas Artes da capital catalã e a Academia de Gali. Em 1919, depois de completar os seus estudos, visitou Paris, onde entrou em contacto com as tendências modernistas como os fauvismo e dadaísmo.

No início dos anos 20, conheceu o fundador do movimento em que trabalharia toda a vida, André Breton, entre outros artistas surrealistas. A pintura O Carnaval de Arlequim, 1924-25, e Maternidade, 1924, inauguraram uma linguagem cujos símbolos remetem a uma fantasia naïfParticipou na primeira exposição surrealista em 1925.

No fim da sua vida reduziu os elementos de sua linguagem artística a pontos, linhas, alguns símbolos e reduziu a cor, passando a usar basicamente o branco e o preto, ficando esta ainda mais naïf.

Johannes Vermeer (Delft, 31 de Outubro de 1632 Delft, 15 de Dezembro de 1675), foi um pintor holandês. Vermeer viveu toda a sua vida na sua terra natal, onde está sepultado na Igreja Velha de Delft. É o segundo pintor holandês mais famoso e importante do século XVII (um período que é conhecido por Idade de Ouro Holandesa, devido às espantosas conquistas culturais e artísticas do país nessa época), depois de Rembrandt. Os seus quadros são admirados pelas suas cores transparentes, composições inteligentes e brilhante com o uso da luz.

Morreu muito pobre em 1675. Depois da sua morte, Vermeer foi esquecido. Por vezes, os seus quadros foram vendidos com a assinatura de outro pintor para lhe aumentar o valor. Foi só muito recentemente que a grandeza de Vermeer foi reconhecida: em 1866, o historiador de arte Théophile Thoré (pseudónimo de W. Bürger) fez uma declaração nesse sentido, atribuindo 76 pinturas a Vermeer, número esse que foi em breve reduzido por outros estudiosos. No princípio do século XX havia muitos rumores de que ainda existiriam quadros de Vermeer por descobrir.

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José Sobral de Almada Negreiros (Trindade, 7 de Abril de 1893 — Lisboa, 15 de Junho de 1970) foi um artista multidisciplinar, pintor, escritor, poeta, ensaísta, dramaturgo e romancista português ligado ao grupo modernista.

Também foi um dos principais colaboradores da Revista Orpheu.

Em 1954, pinta o célebre retrato de Fernando Pessoa.

Os seus últimos trabalhos, são o Painel Começar na Fundação Calouste Gulbenkian e os frescos da Faculdade de Ciências da Universidade de Coimbra.

Pinta também o seu célebre quadro “As mulheres amam-se”.

Jules-Fernand-Henri Léger (Argentan, Orne, 4 de fevereiro de 1881 — Gif-sur-Yvette, 17 de agosto de 1955), foi um pintor francês que se distinguiu como pintor e desenhador cubista, autor de muitas litografias.

Entre 1909 e 1910, realizou a sua primeira grande obra Nus no bosque, uma pintura onde são notáveis as aspirações impressionistas. A partir do ano de 1911, conheceu Pablo Picasso e Georges Braque, os quais lhe transmitiram influências cubistas, nas quais se aplicou e trabalhou durante a maior parte da sua carreira artística.

Em 1914, com o início da Primeira Grande Guerra, Léger foi recrutado para as trincheiras. Após esta etapa da sua vida, a sua pintura passou a representar a sua admiração pelos objectos mecânicos, tendo especial interesse pelos tanques de guerra.

A partir de 1920, predomina em sua obra a figura humana enquadrada por elementos industriais.

Pintou, em 1954, o seu mais conhecido quadro: A grande parada.

O trabalho de Léger exerceu uma influência importante no construtivismo soviético. Os modernos pôsteres comerciais, e outros tipos de arte aplicada, também se vieram influenciar por seus desenhos. Em seus últimos trabalhos, realizou uma separação entre a cor e o desenho, de tal maneira que suas figuras mantêm seus formulários robóticos definidos por linhas pretas.

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Leonardo da Vinci, (Anchiano, 15 de abril de 1452 – Amboise, 2 de maio de 1519), foi um polímata italiano, uma das figuras mais importantes do Alto Renascimento, que se destacou como cientista, matemático, engenheiro, inventor, anatomista, pintor, escultor, arquitecto, botânico, poeta e músico. É ainda conhecido como o precursor da aviação e da balística. Leonardo frequentemente foi descrito como o arquétipo do homem do Renascimento, alguém cuja curiosidade insaciável era igualada apenas pela sua capacidade de invenção. É considerado um dos maiores pintores de todos os tempos e como possivelmente a pessoa dotada de talentos mais diversos a ter vivido.

Leonardo da Vinci é considerado por vários o maior génio da história, devido a sua multiplicidade de talentos para ciências e artes, à sua engenhosidade e criatividade, além de suas obras polémicas. Num estudo realizado em 1926, o seu QI foi estimado em cerca de 180.

Lorenzo Lotto (1480 - 1556) foi um pintor, desenhista e ilustrador italiano da Escola de Veneza.

Ele pintou altares, obras religiosas e retratos. Por estar ativo durante a chamada Alta Renascença, ele constitui um estágio de transição entre os primeiros pintores de Florença e os maneiristas romanos do século XVI. Influenciou-se por Giovanni Bellini, visto que tinha bons conhecimentos sobre a pintura de Veneza.

Com o tempo, evoluiu para obras mais dramáticas, como aquelas de Correggio.

Em 1508, começou o políptico Recanati, para a Igreja de San Domenico. Ao mesmo tempo que se tornava famoso, chamou a atenção de Bramante, o arquitecto papal. Foi convidado para trabalhar em Roma e decorar os apartamentos papais. Essas obras foram destruídas um tempo depois.

Durante sua vida, Lotto foi um pintor respeitado e popular no norte da Itália.

Teve seu estilo individual e até mesmo idiossincrático. Depois de sua morte, foi gradualmente esquecido, talvez pelo fato de que suas obras permanecem em pequenas igrejas e museus menores.

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Marc Chagall (7 de julho de 1887 — 28 de março de 1985) foi um pintor, ceramista e gravurista surrealista russo-francês.

Aprendeu técnicas de pintura e a gostar e a exprimir a arte. Ingressou, posteriormente, na Academia de Arte de São Petersburgo, de onde rumou para Paris. Ali entrou em contacto com as vanguardas modernistas que enchiam de cor, alegria e vivacidade a capital francesa. Marc Chagall foi um dos melhores pintores do século XX.

Marcel Duchamp (28 de julho de 1887 — 2 de outubro de 1968) foi um pintor, escultor e poeta francês (cidadão norte-americano a partir de 1955). É um dos precursores da arte conceitual e introduziu a ideia de ready made como objecto de arte. Marcel Duchamp começou a sua carreira como artista criando pinturas de inspiração impressionista, expressionista e cubista.

Michelangelo, (6 de março de 1475 - 18 Fevereiro 1564), foi um renascimento pintor, escultor, arquitecto, poeta e engenheiro. Apesar de fazer incursões além de algumas artes, sua versatilidade nas disciplinas que assumiu era de uma ordem tão alto que ele é muitas vezes considerado um concorrente para o título do arquetípico homem do Renascimento, junto com o colega italiano Leonardo da Vinci .

Michelangelo criou também duas das obras mais influentes no fresco da história da arte ocidental: as

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cenas do Gênesis sobre o teto e O Juízo Final na parede do altar da Capela Sistina, em Roma. Como arquitecto, Michelangelo foi pioneira no maneirista estilo na Biblioteca Laurentina.

Michelangelo transformou o plano, o extremo ocidental sendo finalizada para projecto de Michelangelo, a cúpula sendo concluída após a sua morte com alguma modificação.

Em sua vida ele também foi muitas vezes chamado de Il Divino ("o divino").

Muitos tentaram imitar o estilo apaixonado e muito pessoal de Michelangelo, que resultou em Maneirismo, o próximo movimento na arte ocidental depois da Alta Renascença.

Pablo Picasso (Málaga, 25 de outubro de 1881 — Mougins, 8 de abril de 1973), foi um pintor, escultor e desenhista espanhol, tendo também desenvolvido a poesia.

Foi reconhecidamente um dos mestres da arte do século XX. É considerado um dos artistas mais famosos e versáteis de todo o mundo, tendo criado milhares de trabalhos, não somente pinturas, mas também esculturas e cerâmica, usando, enfim, todos os tipos de materiais. Ele também é conhecido como sendo o co-fundador do Cubismo.

Pierre-Auguste Renoir (Limoges, 25 de fevereiro de 1841 — Cagnes-sur-Mer, 3 de dezembro de 1919), foi um dos mais célebres pintores franceses e um dos mais importantes nomes do movimento impressionista.

Desde o princípio a sua obra foi influenciada pelo sensualismo e pela elegância do rococó, embora não faltasse um pouco da delicadeza do seu ofício anterior como decorador de porcelana. O seu principal objectivo, como ele próprio afirmava, era conseguir realizar uma obra agradável aos olhos. Apesar de sua técnica ser essencialmente impressionista, Renoir nunca deixou de dar importância à forma - de fato, teve um período de rebeldia diante das obras dos seus amigos, no qual se voltou para uma pintura mais figurativa, evidente na longa série Banhistas. Mais tarde retomaria a plenitude da cor e recuperaria 79

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sua pincelada enérgica e ligeira, com motivos que lembram o mestre Ingres, por sua beleza e sensualidade.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (15 de julho de 1606 — 4 de outubro de 1669), foi um pintor e gravador neerlandês. É geralmente considerado um dos maiores nomes da história da arte europeia e o mais importante da história neerlandesa. É considerado, por alguns, como o maior pintor de todos os tempos. As suas contribuições à arte surgiram num período denominado pelos historiadores de "Século de Ouro dos Países Baixos", na qual a influência política, a ciência, o comércio e a cultura neerlandesa—particularmente a pintura—atingiram seu ápice.

Tendo alcançado sucesso na juventude como um pintor de retratos, seus últimos anos foram marcados por uma tragédia pessoal e dificuldades financeiras. No entanto, suas gravuras e pinturas foram populares em toda a sua vida e sua reputação como um artista manteve-se elevada, e por vinte anos ele ensinou quase todos os importantes pintores neerlandeses. Os maiores triunfos criativos de Rembrandt são exemplificados especialmente nos retratos de seus contemporâneos, autor retratos e ilustrações de cenas da Bíblia. Os seus autor retratos formam uma biografia singular e intimista em que o artista pesquisou a si mesmo sem vaidade e com a máxima sinceridade.

Devido a sua empatia pela condição humana, ele foi chamado de "um dos grandes profetas da civilização".

Salvador Dalí, 1º Marquês de Dalí de Púbol (11 de Maio de 1904 — 23 de Janeiro de 1989), foi um importante pintor catalão, conhecido pelo seu trabalho surrealista. O trabalho de Dalí chama a atenção pela incrível combinação de imagens bizarras, oníricas, com excelente qualidade plástica. Dalí foi influenciado pelos mestres do Renascimento. O seu trabalho mais conhecido, A Persistência da Memória (1931), explorou intensamente o Simbolismo nos seus trabalhos.

Salvador Dalí teve também trabalhos artísticos no cinema, escultura, e fotografia. Ele colaborou com a Walt Disney na curta de animação Destino, que foi lançado postumamente em 2003 e, ao lado de Alfred 80

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Hitchcock, no filme Spellbound. Também foi autor de poemas dentro da mesma linha surrealista.

Dalí insistiu em sua "linhagem árabe", alegando que os seus antepassados eram descendentes de mouros que ocuparam o sul da Espanha por quase 800 anos (711 a 1492), e atribui a isso o seu amor de tudo o que é excessivo e dourado, sua paixão pelo luxo e seu amor oriental por roupas. Tinha uma reconhecida tendência a atitudes e realizações extravagantes destinadas a chamar a atenção, o que por vezes aborrecia aqueles que apreciavam a sua arte. Ao mesmo tempo que incomodava os seus críticos, já que sua forma de estar teatral e excêntrica tendia a eclipsar o seu trabalho artístico.

Sandro Botticelli (Florença, 1 março de 1445 – 17 de maio de 1510), foi um célebre pintor italiano da Escola Florentina do Renascimento. Igualmente receptivo às aquisições do introduzidas por Masaccio na pintura do Quatrocento e às tendências do Gótico tardio, seguiu os preceitos da perspectiva central e estudou as esculturas da Antiguidade, evoluindo posteriormente para a acentuação das formas decorativas e da atenção dispensada à harmonia linear do traçado e ao vigor e pureza do colorido. As suas obras tardias revelariam ainda um expressionismo trágico, de agitação visionária, fruto certamente da pregação de Savonarola.

Protegido dos Médici, para os quais executou preciosos registos da pintura de cunho mitológico, foi bem relacionado no círculo florentino, trabalhando também para o Vaticano, produzindo frescos para a Capela Sistina. Foi ainda destacado retratista, e seu talento excepcional de transpor para a linguagem formal as concepções de seus clientes tornou-o um dos pintores mais disputados de seu tempo. A sua reputação, alvo de um curto reavivar de interesse no século XVI, logo esvaiu-se, e somente com o reaparecimento de uma crescente curiosidade pelo Renascimento, registada no século XIX, e, em particular, pela interpretação filosófica de suas obras, é que sua arte volta a adquirir o êxito e a fama que mantém até hoje.

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Tintoretto, (Veneza c. 1518 — 31 de Maio de 1594), foi um dos pintores mais radicais do Maneirismo. Por sua energia fenomenal em pintar, foi chamado Il Furioso, e sua dramática utilização da perspectiva e dos efeitos da luz fez dele um dos precursores do Barroco.

A obra de Tintoretto é desigual, às vezes pintava muito rápido, com uma capacidade impressionante de trabalho.

A comparação da Última Ceia de Tintoretto com a de Leonardo dá uma demonstração instrutiva sobre como o estilo artístico moveuse durante o Renascimento. Nas mãos de Tintoretto, o mesmo evento é dramaticamente distorcido, enquanto as figuras humanas são elevadas pela erupção do espírito humano. Pelo dinamismo de sua composição, seu uso dramático da luz e seus efeitos de perspectiva, parece um artista barroco antes da hora.

Vincent Willem van Gogh (Zundert, 30 de Março de 1853 — Auvers-sur-Oise, 29 de Julho de 1890), foi um pintor pós-impressionista neerlandês, frequentemente considerado um dos maiores de todos os tempos.

A sua vida foi marcada por fracassos. Ele falhou em todos os aspectos importantes para o seu mundo, em sua época. Foi incapaz de constituir família, custear a própria subsistência ou até mesmo manter contactos sociais. Aos 37 anos, sucumbiu a uma doença mental, cometendo suicídio.

A sua fama póstuma cresceu especialmente após a exibição das suas telas em Paris, a 17 de Março de 1901.

Van Gogh é considerado um dos pioneiros na ligação das tendências impressionistas com as aspirações modernistas, sendo a sua influência reconhecida em variadas frentes da arte do século XIX, como por exemplo o expressionismo, o fauvismo e o abstraccionismo.

O Museu Van Gogh em Amesterdão é dedicado aos seus trabalhos e aos dos seus contemporâneos.

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Bibliografia

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