Revista Desorden

ARTE & CIENCIA OCTUBRE 2009 No. 1 $40

LA HABITACIÓN DEL RUIDO: GILBERTO ESPARZA E IVAN PUIG CO-ACCIÓN// arte sonoro // México.//

VIGILAR A LOS VIGILANTES

RAFAEL LOZANO HEMMER: De la energía del disimulo

al proyector más caro del mundo.//

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EDITORIAL

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Cuando asumimos que la tecnología somos nosotros mismos ya no es algo innovador sino es algo inevitable, encuentro que hay un gran parecido en la creatividad artística por un lado y la científica por el otro.

Es cierto que mucha gente está proponiendo ahorita y hay como una época en que el arte y la ciencia se están compaginando casi como si estuviéramos viviendo un nuevo renacimiento tipo Leonardo Da Vinci, yo estoy en completo desacuerdo con esa visión, yo creo que el arte y la ciencia tienen objetivos muy diferentes.

En el arte lo que están intentando hacer es sobre todo confundir, irritar, ralentizar, intentan que la gente se cuestione. En cambio en las ciencias, aunque también se trabaja con enorme incertidumbre y también es un lugar inmensamente poético, pero precisamente lo que se busca es reducir la ambigüedad mientras que en el arte lo que se intenta precisamente es potenciar la ambigüedad. El desajuste es un momento en el que todos los simbolismos, todas las interpretaciones establecidas de un ente o una creencia, un objeto, se liberan se volatilizan y permiten una pluralidad de lecturas y esa pluralidad siempre se ha defendido dentro de las artes como una forma de encapsular una gran complejidad a través de esa falta de servidumbre.

La tecnología es como una segunda piel, estamos viviendo en una cultura tecnológica.

DIRECTOR GENERAL DE PUBLICACIONES Dulce Angélica Rodríguez Rodríguez DIRECTOR José Varela Rojas EDICIÓN Itzel Rodríguez DiISEÑO Alberto Cue DIFUSIÓN Epigmenio Cue CONSEJO EDITORIAL Caprián Cabrera Jasso Federico Campbell Raúl Antonio Cota Margarita Dalton Minerva Margarita Villareal

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JUAN PABLO CAMBARIERE

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Como soy argentino...

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Por: Juan Pablo Cambariere

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or algún motivo me he especializado en trabajar con muy pocos recursos, lo cual tiene sus ventajas en un país como este (Argentina).

Trato de no quejarme por lo que no tengo, así tengo más tiempo para aprovechar todas las cosas que tengo.

Hace 11 años que diseño el suple No de Página/12. Trabajar en un diario te da un entrenamiento muy especial, porque regularmente tenés que cumplir tiempos que en otro ambiente serían considerados abusivos, y en el diario los resolvés con total normalidad. En concreto, tenés dos o tres horas para diseñar un suplemento completo.

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extas estaba ro b li e d as erlo, hacer tap ! Podía le s s a e é m c n e u p uando em hora tenía eas y encarar varia Por eso c ar de tres horas, a iscutir id g lu l editor, d e n siado, en o c r, n lujo! r clases n el auto o. ¡Todo u agradecido de da e n hablar co a lt u os en y s en sim uchos añ estoy mu m y o te propuesta n im e c ís uch ui do Disfruto m e me (de)formé. F . d como (Editorial) n o la d e , jé 6 años n Man a e b a ra en la UBA tr o y h a n alió “Ensa z (DG) y eyrredo Wolkowic ellas Artes en la Pu en consecuencia s familia Iommi, mo una Estudié B estro Enio , una familia (si, co a esario m l e d ue es nec q o ayudante oder”, un sistema re C . era n mael p s de mad tacto cotidiano co de ta e n yo sobre o ri a n e a) de m ner un co , pero pu tipográfic r gráfico te ware es alucinante o d a ñ e is do. para un d ue el soft lanando to trabajo, cosa que ales, porq p a re r s a le in a ri te e mi y term imo de mucho d bastante r r ta a u n fr je e un mín is a rs d n a e z e ti d n e ra rt miso ga sue de compro as, Tengo la n día para a e lt y fa o h la a a e básic onciert las rutin me parec l. Me asusta y desc con lo que hace, tras esas nta en sinies e la gente c d salud me re a a rí p o y e a aparte”. la m go. M itan a “esc v que tiene abajo como casti in e u q o e tr de turism la idea d agencias e d s e d a publicid e de qué? ¿Escapart om.ar sobjetos.c ro a .r w w lio: w Mi portfo

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EN GALERĂ?A //

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EN GALERĂ­A //

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EN GALERÍA //

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EN GALERíA //

Por. Victor Sandoval

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EN GALERÍA //

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LA INVASIĂ“N// 17 [desorden]

EDUARDOBERGALLO ESTUDIO PURO MASTERING Y REVOLVER MIX

LA INVASIÓN//

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eferente de la masterización en Argentina desde 1991. Su trabajo en más de 1200 álbumes así lo acredita. Brindó conferencias en toda Latinoamérica; diseñó una veintena de estudios de grabación en Argentina, Brasil, México e incluso Egipto. Por sus manos y a través de sus estudios Puro Mastering y Revolver han pasado gran parte de las obras más destacadas del rock argentino y latinoamericano (Soda Stereo, Gustavo Cerati, Juana Molina, Lucybell y Natalia Lafourcade, entre otros) y muchas de ellas obtuvieron importantes premios nacionales e internacionales. Además de su actividad en estudio, Bergallo dio conferencias y seminarios en toda la región, publicó un libro sobre acústica aplicada, y diseñó una veintena de estudios de grabación en Argentina, Brasil, México y Egipto. Hoy su actividad se proyecta en los estudios Puro Mastering y Revolver, en los cuales la característica diferencial

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es el tratamiento real analógico.

Su trabajo puede definirse gracias al cruce que se da entre arte y tecnología, y el alcance de su oficio podría compararse con el de quien esculpe una piedra preciosa para darle brillo, color y dimensión.

A fines de los 80 comenzó a trabajar como ingeniero de sonido de escenario para Soda Stereo en la Gira Animal (1989), y con ellos permaneció vinculado profesionalmente hasta la separación de la banda. Bergallo trabajó en más de 150 shows, acompañándolos en diferentes conciertos y ciudades de Latinoamérica.

Por aquel entonces, asesoró a la banda en el diseño y la construcción de su propio estudio de grabación.

La idea finalmente se materializó en Supersónico, lugar en el cual Bergallo grabó a Soda Stereo para el álbum Sueño Stereo, Rex Mix, y el disco Colores Santos de Gustavo Cerati y Daniel Melero. Como parte de su trabajo junto al grupo también grabó, mezcló y masterizó el Unplugged y realizó la mezcla de El

Último Concierto. Recientemente estuvo involucrado como responsable del audio de TV, radio y grabación en la gira Me Verás Volver, de la cual en poco tiempo se editará el cd y dvd también mezclado y masterizado por él que retrata la reunión de la banda.

Sueños en Tránsito, el álbum de la chilena Nicole, fue su primer trabajo internacional.

Luego siguieron los colombianos de Aterciopelados, la producción del álbum Amanece de los chilenos Lucybell –uno de sus discos más aclamados y de mayor exposición regional-, y el primero de Cazar. Trabajó también junto a Elefante de México; mezcló el disco acústico de los peruanos Líbido. Recientemente, mezcló a la colombiana Victoria Sur, y un disco de la mexicana Natalia Lafourcade.

A mediados de los 90, fue cofundador del primer estudio de mastering en Argentina. Entre 1991 y 2008, alcanzó a masterizar más de 1200 discos. 14 de ellos obtuvieron premios Gardel; 3 obtu-

vieron premios Grammy y una nominación; uno de ellos 1 premio Clarín; 19 de ellos fueron Disco de Oro, 7 de Platino, 2 doble platino.

En paralelo, Bergallo grabó en estudio a destacados artistas locales: Soledad Pastorutti, Rata Blanca, La Mosca, Super Ratones, D-Mente, Los 7 Delfines, y otros con proyección internacional tales como Juana Molina, Gustavo Cerati, Diego Torres, Alejandro Lerner y Los Pericos. Con muchos de ellos salió de gira para realizar el sonido en vivo.

Actualmente su actividad profesional se proyecta en sus estudios Puro Mastering y Revolver, cuya característica disitintiva se sostiene en el procesamiento real analógico y en el concepto de staff engineers. Bajo esta concepción, Eduardo Bergallo junto a Adrián Taverna, Hernán Agrasar y un destacado equipo, ofrecen atención personalizada y soluciones precisas, en virtud a que quienes allí trabajan saben perfectamente cómo hacerlo sonar de la mejor manera.

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Por. Rubén Martorell

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Por Alfonso Guevara

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engo ya algunos años de conocer a René y de tener la oportunidad de contar con su amistad. Para mi fortuna él siempre ha creído en mí y ha tenido la cortesía de convidarme en algunos proyectos. Esta vez me encomendó hacerle un texto para su catálogo reciente, no es la primera ocasión en que le ayudo escribiendo algo, la última vez fue una hoja de sala para la exposición “Quien salva al arte salva al mundo”. Sin embargo, esta vez me llevó más tiempo determinar el camino a tomar para describir a René y a su obra. En principio pensaba escribir sobre sus últimas piezas, esas manchas de pintura que emulan ser dibujos monocromáticos; para lo cual tuve la intención de consultar a un docente valenciano – bastante desconocido por cierto – llamado Facundo Tomás; “Escrito Pintado” fue mi primera opción, sin embargo al jalar las copias engargoladas salió otra obra del mismo autor: “Formas artísticas y sociedad de masas”, me puse a hojearlo y casi de forma mágica – acúsenos de poseer pensamiento mágico, científicos europeos – encontré una manera de explicar a mi amigo.

René, siempre ha mantenido un espíritu comunitario, en un pequeño departamento que rentaba en el centro de Monterrey, fundó un taller de ilustración - Juego Visual - con el que le daba servicio a algunas publicaciones locales, en dicho lugar se compartía de todo: desde el refresco, las sobras de una pizza, hasta la cama, ya que ahí eventualmente pernoctaban algunos de los integrantes de dicho taller. Leía ávidamente cualquier

cantidad de literatura socialista, conocía bien la obra de Marx y leyó también algunas biografías – obliga- toria la de El Che –, al punto de que, a manera de broma en serio, le regalé el “Manual básico del miliciano de tropas territoriales”, traído directamente desde La Habana, pues para ese entonces – finales de 2003 – ya contábamos los días en que partiera con rumbos oaxaqueños y sus amigos queríamos que se fuera bien preparado para su aventura. Después, este trotamundos – nombrado así por su señora madre – continuó compartiendo el pan, la sal y hasta su computadora personal, con sus colegas de los talleres de gráfica en los que participó; hasta que logró conformar su propio espacio: La Galería Arte Cocodrilo, proyecto en el que muchos otros hemos sido invitados.

René Almanza es el resultado de una extraña y singular mezcla: por una parte, tiene una gran vocación social – que le ha llevado incluso a realizar obras escultóricas de forma gratuita en comunidades de la sierra oaxaqueña –; creció en una ciudad industrial norteña de valores corporativos – que quizás por comparación le ayudó a lo primero –; y además posee una gran curiosidad por explorar los límites del dibujo, pero sin caer en – válgame el neologismo, ya que mi procesador de textos no reconoce esta palabra – la sobreintelectualización de la producción visual. René no busca complicarle la vida al espectador, al contrario, quiere que sus piezas sean apreciadas por el mayor número de personas posible; introduciéndolos en un juego lúdico en el que la línea es el actor principal; esa línea que siempre resulta fácil de entender.

PARÁSITOS//

Explicando a Rene Almanza

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“Vilem Flusser indica que el gesto en la obra plástica es un momento de autoanálisis, de conciencia de sí mismo, en el que se entrelaza el tener significado con el dar significado: “El cuadro que ha de llevarse a cabo se anticipa en el gesto y el cuadro realizado viene a ser el gesto vivo, fijo, materializado”. Los elementos y eventos que componen las piezas de René Almanza parecen haber estado ahí de antemano, aguardando tras los bordes del cuadro o del papel, espe rando un atisbo que les dote de luz, que les descubra y les saque a escena. Un reduccionismo formal hace que todo se vincule, una línea contínua realiza todos los trazos, los alarga, los engrosa, los convierte en un ritual o un enigma, les dota del pulsar expresivo de la vida desde el gesto que se acerca al zen hasta el rostro mas definido. Se vuelve casi monocromo.

Es la escencia de cada personaje. A partir de muchos rostros y perfiles, un par de demonios, hombres que se desvanecen en el aire y de otros mas que se desplazan apurados, observamos el evento de lo fortuito; una síntesis de lo cotidiano o lo anecdotario; un ejercicio de dibujo del natural llevado a cabo a partir de sucesos personales. Es por esto que la obra de René no se conforma con ser observada.

Esta toma conciencia y nos confronta, nos reta, nos devuelve siempre la mirada.”

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LA HABITACIÓN DEL RUIDO

PARÁSITOS//

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o-acción es el nombre de la pieza sonora que los artistas Gilberto Esparza e Ivn Puig realizarn en la siguiente sesión de La habitación del ruido, donde los jvenes creadores utilizaron desechos de tecnología industrial y de consumo para improvisar y explorar la riqueza sonora de ciertos objetos una vez que ya han sido desechados. La habitación del ruido es un ciclo organizado por el Colegio de Comunicación la Universidad del Claustro de Sor Juana (UCSJ), ubicada en Izazaga Nm. 92, Centro Histrico, a un costado del metro Isabel la Católica.

En Co-acción, ambos artistas harán una improvisación sonora in situ, a partir de un objeto encontrado en el espacio donde se presentar la pieza. Es una acción en la que se exploran diversas texturas y acentos; se considera la historia de cada objeto y su acumulación de experiencias, desde su existencia como materia pura y su posterior empleo como materia prima.

Gilberto Esparza obtuvo el premio Vida 9 de Telefónica de España y fue uno de los seleccionados del Programa de Apoyo a la Producción e Investigación en Arte y Medios 2006 que realiza el Centro Multimedia del CENART. También colabora con Marcela Armas, con quien obtuvo el primer premio de ArtFest05 WTC y en la Bienal de Vidrio 2006, en la ciudad de Monterrey.

Participó en el Festival Lascas con la pieza Un arte mexicano actual, en Qubec; Small pieces big spaces; en la Galera

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Ocurrence, en Montreal. Tuvo una residencia en el Taller Internacional de Artistas KM0 en Bolivia. También ha participado en el Encuentro Nacional de Arte Joven, Festival de Arte Electrónico VideoBrasil y Transitio Mx Festival Internacional de Artes Electrónicas y Video. Obtuvo mención honorífica en la Bienal de Yucatn 2006.

Ivn Puig ha exhibido su obra en Mxico, Espaa, Canad, Estados Unidos, Brasil y Alemania. Cuenta con siete exposiciones individuales y ms de 50 colectivas en museos como Arte Carrillo Gil y Arte Moderno de Guadalajara. Participó en el programa extramuros de los museos de Arte Actual Ex Teresa y de la Ciudad de Querétaro, además del Festival de Arte Electrónico VideoBrasil y Le Lieu (Qubec).

Ha sido becario del FECA en Guanajuato (ciudad de Mxico) y seleccionado en ARTIADE en Grecia (en Europa). También particip en el festival de arte público Imglassa, Tenenlohe (Alemania) y en el Art Boat festival, Seadrift (Texas). Fue premiado por su cortometraje Incestarum en el festival Expresión en Corto de San Miguel de Allende.

A través de La habitacin el ruido, la Universidad del Claustro de Sor Juana fomenta la cultura sonora. En este ciclo han desfilado nombres importantes entre los que se destacan Manuel Rocha, Rogelio Sosa, Ricardo Cortés, Mario Mota, Andrés Argil, Javier Platas y Manrico Montero, Kai Kraatz, Diego Ibez, Immanuel Miralda Fuksman, Arcngel Constantini, Ivn Abreu, Eduardo Melendez, Ezequiel Netri y Ernesto Romero, entre otros.

[ [ Uno de los espacios de esta fábrica se encuentra ocupado en su totalidad por objetos que se han ido acumulando durante los años, como madera vieja, refacciones de maquinaria y otros objetos.

La propuesta es hacer una intervención con todos estos elementos, para lo cual se instalaron varios dispositivos neumáticos, motores y un sistema electrónico que hará que los objetos se golpeteen o vibren generando sonidos y recorridos visuales y sonoros en todo el espacio para evidenciar el movimiento continuo y la vida que conserva la fábrica aún después de abandonada.

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Por Pablo Ríos

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VIGILAR A LOS VIGILANTES

LA ENTREVISTA//

Rafael Lozano Hemmer

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De la energía del disimulo al proyector más caro del mundo. [desorden]

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afael es un artista mexicano-canadiense-español que ha construido una carrera exitosa en el extranjero sin que en su país natal la totalidad de su obra sea tan conocida. No es una coincidencia que el trabajo de Rafael llegue de la mano de una plática con Manuel De Landa, otro mexicano emigrante que se vislumbra hoy día como guru teórico dentro del arte mediático mas, sin embargo, ninguno de sus textos ha sido publicados en español.

Rafael, nacido en la Ciudad de México en 1967, es un artista que incluye términos de la bolsa de valores en la descripción de su trabajo (al igual que De Landa, un teórico que ilustra a Deleuze con chihuahueños), pero más que el asombro y respeto que me causa, quisiera transmitir la complejidad que implica funcionar a escala internacional y con una faz pragmática que rara vez se nos muestra en los museos o los catálogos. Como opinaría él mismo luego de la entrevista: “... es fundamental, es la condición de posi-

bilidades de este tipo de trabajos”. ¿Porqué no nos platicas un poco sobre la exhibición?

Es la primera individual que tengo en México, y recorre un poco el tipo de trabajo realizado en los últimos 12 años. Sobre todo, el trabajo interactivo en espacios públicos para transformar edificios, o en entornos urbanos por medio de la tecnología. Una de las piezas fue hecha ex profeso para la nave del Laboratorio, que es un espacio enorme de 40 por 15 metros de alto. ¿Cual es tu antecedente de formación?

Estudié Química e Historia del Arte, pero desde los 18 años hago performance, radio y, sobre todo, teatro, muy interdisciplinario, siempre con la intención de mezclar ingeniería, coreografía, escenografía, música, y siempre en colectivos.

Empecé en un grupo que se llamaba PoMo CoMo y luego en el 91, empecé a hacer instalaciones solo o con colaboración, pero ya no piezas de arte escénico sino de artes visuales. esto es a lo que me dedico ahora.

¿Comenzaste en Canadá?

De hecho, me formé en Vancouver y en Montreal, todo el trabajo artístico se inició en Canadá. Afortunadamente, como a los 20 años, me dieron una beca para hacer un teatro tecnológico, y gracias a eso mi grupo pudo mantenerse un buen rato. ¿Dirigías o actuabas?

Ambas, era el típico tipo de performance que haces cuando eres muy joven: nos incendiábamos, etc. Cosas donde te pruebas a ti mismo ¿no? Ahorita lo ves y te da un poco de vergüenza, pero sana. Ahí estaba, a los veinte años en el hospital, con quemaduras de segundo grado. Era un proceso donde todos participábamos, aunque con muy poco dinero para mantener la gran plataforma que imaginábamos. Al mismo tiempo carecíamos de una dirección suficientemente dura, y al final el proceso era demasiado democrático. Esta fue una de las razones por las que salgo del grupo, para implementar mis pesadillas, mis ideas, y mis necedades sin necesidad de negociarlas.

LA ENTREVISTA//

Por Fernando Llanos

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LA ENTREVISTA// 30 [desorden]

¿Y cuál fue el proceso por el que te involucraste con la tecnología?

En la carrera de química trabajé en un laboratorio de reconocimiento molecular que tenía una versión muy antigua de realidad virtual; el reconocimiento molecular eran simulaciones de distintas ciclodextrinas (unas moléculas), y con nuestro sistema podías juntar esas moléculas y sentir con force feedback las relaciones de fuerza. Pese al equipo tan primitivo, aprendí a programar un poquito, y me fasciné con la tecnología, entonces lo que hicimos fue utilizar algunas tecnologías de simulación tridimensional que estaban en el laboratorio para escenografías teatrales, o hacer entornos virtuales, que en ese entonces se pusieron de moda. Intentamos mezclar el entorno virtual, sacarlo del laboratorio, de la interfase individual y hacerlo más colectivo, conectivo. Fue entonces cuando me junté con ingenieros, coreógrafos, músicos, y así empezamos. Luego, con la tecnología me di cuenta de que, aunque se programar, lo hago muy mal. ¿Que lenguaje?

Originalmente lo típico: Director, cosas por el estilo. Me metí en Pascal, y luego en Delphi, lo suficiente como para saber que para ser eficaz yo necesitaba a alguien que supiera. Para entonces casi todos mis trabajos eran en colaboración con otros programadores. Aun así, defiendo la necesidad de que el artista, si es posible, aprenda las herramientas, porque te da un repertorio más amplio de qué es lo que puedes desarrollar.

Creo que el trabajo en arte electrónico es eminentemente colaborativo, y rompe el estereotipo del hacker. Todo es social,

fórmulas para producción que tiene que ver siempre con un diálogo.

Algo que respeto mucho de tu trabajo es la investigación detrás de cada pieza ¿cómo concilias esto con el azar?

Trabajo de forma parasitaria, me gusta la palabra “parásito”: para-sitio. sitio=site. Vemos las limitaciones de cada lugar y los tiempos de producción. En la pieza que voy a presentar en Japón en noviembre del 2003, trabajamos desde 1998. La verdad es que hasta cierto punto la pieza esta resuelta tecnológicamente, pero el desarrollo de los conceptos llevó mucho tiempo: hice dos viajes a Japón, tomé cursos como parte del proceso. Lo bueno de este tipo de trabajo es aprender verdaderamente sobre un sitio. Dicho esto, mi trabajo no esta hecho para sitio específico, sino para lo que llamo relationship specific, es especifico pero dentro de las relaciones que emergen en un momento dado. Trabajo también con la “memoria alienígena”, la cual no pertenece a un edificio en particular, de algún modo la provocamos como experiencia para que el edificio tenga una oportunidad de disculparse y por un ratito no tener el rol que normalmente les imponemos. Nuestros edificios están cansados de siempre representar la misma narrativa. Con estas proyecciones, transformaciones, o participaciones, los edificios tienen la oportunidad de representarse, de disimular, de pretender que no son los que son, y a mi me gusta la idea del disimulo como una de las energías principales para el arte. Lo bonito de ser artista es que puedes inventarte un poco, y nadie te dice cómo debes desarrollar tu carrera.

perimenta. En cambio, en Canadá, hay instituciones estupendas, hay artistas estupendos, pero no hay público. En el nivel conceptual, el arte canadiense es estupendo, todos los artistas están obligados a tener unos registros súper elaborados de lo que van a hacer, de qué resultados esperan, de cómo va a funcionar la pieza, y eso creo que asfixia un poco el trabajo.

Nosotros siempre improvisamos, tomamos decisiones de último minuto. Eso sería imposible bajo el registro de lo que hacen los canadienses, que es plantearse las piezas con años de antelación, pedir el dinero dos años antes. No hay el ímpetu que encontramos en México.

Y si en Canadá te preguntan: ¿eres canadiense?, ¿que dirías?

Digo que sí, porque no son patriotas en lo más mínimo. Ahí tu eres mexicanocanadiense, tailandés-canadiense, o lo que sea. Salvo en el hockey, no hay ningún otro referente donde lloren cuando escuchan el himno.

Ya para cerrar ¿Hacia dónde vas?

Son ya siete años de arquitectura relacional, de intervenciones a gran escala

sobre espacios públicos con nuevas interfaces tecnológicas. A eso me dedico, pero al mismo tiempo tengo una nueva serie que se llama subesculturas, instalaciones de tamaño pequeño o mediano que funcionan con las mismas ideas que la arquitectura relacional; es decir, la búsqueda de copresencia, de entornos conectivos, de diferentes realidades superpuestas en un mismo contexto, pero a la escala de la galería o del museo. Piezas más portátiles, que manejen estos mismos conceptos, pero más fáciles de llevar de gira.

Mi idea es mantener la línea de arquitectura relacional, hacer subesculturas y potenciar todo tipo de experimentos, como el Taller HUMO, donde ya no soy el único artista, sino parte de un conjunto donde aprendo muchísimo, doy clases, y hago un poco de todo.

Creo que lo bonito de ser artista es que puedes inventarte un poco, y nadie te dice cómo debes desarrollar tu carrera.

No hay un mapa, no hay un plano, todos somos precursores de cómo sobrevivir en este campo.

LA ENTREVISTA//

¿Como ves la situación de México, en comparación con Canadá o Madrid?

Fregonsísimo por un motivo, en México hay grandes artistas y gran público. No puedo creer la cantidad de gente que participó en Alzado Vectorial, o la cantidad de gente que vino aquí a la inauguración de los coloquios, de muy buen nivel. En Canadá o en Europa hay un cinismo tan grande, tan grave, y hablo de la población en general, con respecto al arte, hay una alineación tan brutal que los proyectos terminan por ser incestuosos. Hay una inauguración de un performancero en Canadá y van los otros 20 performanceros, nadie más. Creo que aquí la gente se interesa, pesa la demografía: hay mucha gente joven, un lujo que existe en pocos países.

En Europa, ante cualquier tipo de propuesta, los conocedores te sacan: empiezan con que “Fluxus”, o “el situacionismo”…¡Ya sabemos! ¡Pero ahora lo queremos hacer nosotros! En México existe una actitud muy sana: hay conocimiento de precedentes, pero la gente tiene energía, está probando, ex-

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