‘LE VRAI VISAGE’
'Le Vrai Visage: Figuration photorealiste contemporaine' PAUL BÉLIVEAU SHAWN HUCKINS JEN MANN MARK LANG ANDREW PINK « Le Vrai Visage » explore le portrait à travers « l’hyperréalité » et le domaine du photoréalisme. Employant l’idée du portrait ou de l’autoportrait en tant que commentaire sur des perspectives sociales ou politiques, « Le Vrai Visage » est une exploration directe de « la vraie nature des choses » . Soit par une interprétation satirique ou paradoxale de soi ou par la façon dont on se perçoit soi-même, ce groupe de peintures assemblées de manière spécifique nous force à creuser plus profondément dans la manière par laquelle on voit le monde à travers la perception de quelqu’un d’autre face à lui-même. » "‘Le Vrai Visage” explores portraiture within the hyperreality and photorealistic realm. Using the idea of portraiture or self-portraiture as a commentary on social or political perspectives, ‘le vrai visage’ is a literal exploration of ‘the true nature of things’. Whether a satirical or paradoxical interpretation of oneself or how we view ourselves, this well-curated group of paintings will force us to dig deep into how we can see the world through someone else’s perception on oneself.”
Paul Béliveau Né en 1954, Paul Béliveau a obtenu son baccalauréat en arts visuels en 1977 à l’Université Laval. Connu pour son travail en dessin, gravure et peinture, il cumule plus d’une centaine d’expositions solo à travers le Canada, les États-Unis et l’Europe. Récipiendaire de plusieurs prix en arts visuels et à multiples reprises boursier du Conseil des Arts du Canada et du Ministère des Affaires culturelles du Québec, il a fait partie de plusieurs comités et jurys comme spécialiste dans son domaine. « En intégrant ouvertement dans ses compositions une iconographie du passé, en procédant par citation et rétrospection, il révèle le phénomène de métamorphose sur lequel se fonde l’imaginaire. Il expose ainsi les principes de la mécanique créative. L’imagination, qui consiste en quelque sorte dans le transfert d’une représentation sensible sur une image appartenant à une réalité autre, se voit de cette façon nettement exhibée. Ce n’est donc pas l’image elle-même qui confère à l’oeuvre de Béliveau son originalité mais bien sa construction particulière. Par-delà son rapport au temps, son oeuvre constitue une vaste réflexion sur l’art et l’imaginaire. » (Dany Quine, L’oeuvre du temps). Born in 1954, Paul Béliveau obtained his Bachelor’s degree in Visual Arts from Laval University in 1977. Recognized for his expertise in drawing, engraving and painting he has since then had more than fifty solo exhibitions across Canada. His works can be found in many public and private collections throughout the country and has to his name some fifteen works of art integrated into architectural sites, notably the foyer of the Conseil des Arts et des Lettres du Québec, the renovated firehall which houses the Ex-Machina theatre troupe as well as the entrance to the Hopital de l’Enfant-Jésus. “The creative act involves – in every instance – because it is an act of projection, recapturing the past, not in the least to simply return to it but rather to transfigure it.” No statement could more accurately describe Paul Béliveau’s aesthetic. By openly integrating into his compositions an iconography from the past and proceeding through citation and retrospection, he reveals the phenomenon of metamorphosis upon which imagination itself is based. In this way he brings to light the very principles of the mechanics of creation. Imagination, which consists as it were in the transfer of a perceptible representation onto an image belonging to another reality, thus sees itself in the presented. Consequently it is not the images themselves but the unique process of creative development which accords Paul Béliveau’s works their originality and relevance.
Museum: Close, 2014, acrylique sur toile / acrylic on canvas. 36” x 72” 6
Museum: Basquiat, 2014, acrylique sur toile / acrylic on canvas. 36” x 72” 7
Les vies parallèles XLVII, 2019, acrylique sur toile / acrylic on canvas. 24” x 48” 8
Les vies parallèles XLVIII, 2019, acrylique sur toile / acrylic on canvas. 24” x 48” 9
Shawn Huckins Shawn Huckins est connu pour son humour brilliant ainsi que son habileté technique en tant que peintre. Dans sa plus notable série jusqu’à présent, ‘The American Revolution Revolution’ et ‘The American ___tier,’ Huckins satirise les médias sociaux, questionnant si la “dévolution” de la langue devant les avancements technologiques affaiblit notre habileté à faire preuve d’empathie et de se connecter les uns les autres de manière significative. En superposant des portraits Américains et des paysages avec des textes pris directement sur internet, Huckins confronte les priorités de notre société en comparaison avec des temps plus simples. Que publierait George Washington sur Facebook? Comment Lewis et Clark communiqueraient-ils leur progrès vers l’ouest par Twitter? Les oeuvres de Huckins sont méticuleusement peintes à la main, incluant les lettres. Les portraits, les paysages et les scènes pastorales que s’approprie Huckins sont tirés de collections de peintures classiques Américaines dans le domaine public. Originaire du New Hampshire, Huckins habite et travaille présentement à Denver, au Colorado. Son travail a été exposé dans des collections privées et publiques à travers le pays, incluant le musée des Beaux-Arts de Boston, MA et la galerie Vicki Myhren à l’Université de Denver. Huckins a reçu des bourses de la “Haven Foundation of Maine, Artists’ Fellowship Inc. of New York City”, ainsi que de la “Connecticut Commission on Culture and Tourism”, parmi d’autres. Shawn Huckins is known for both his brilliant humor and technical skill as a painter. In his most notable series to date, ‘The American Revolution Revolution’ and ‘The American ___tier,’ Huckins satirizes social media, asking whether the devolution of language in the face of technological advancement weakens our ability to empathize and connect to one another in a meaningful way. By layering early American portraiture and landscape with text taken directly from the internet, Huckins confronts the priorities of our society in comparison to simpler times. What would George Washington post on Facebook? How would Lewis and Clark communicate their progress westward via Twitter? Huckins’ works are meticulously hand-painted, including the letters. The portraits, landscapes and pastoral scenes are sourced from public domain records and museum collections of classic American paintings. A New Hampshire native, Huckins now lives and works in Denver, Colorado. His work has been displayed in private and public collections across the country, including the Museum of Fine Art in Boston, MA and the Vicki Myhren Gallery at the University of Denver. Huckins has received grants from the Haven Foundation of Maine, Artists’ Fellowship Inc. of New York City, and the Connecticut Commission on Culture and Tourism, among others
Marie Françoise de La Cropte de St. Abre, Marquise d’Argence: Panic Nine (Buffer Spinner), 2019 Huile sur toile / Oil on canvas. 38” x 32” 12
Portrait of Louise-Antoinette Feuardent: Unfollow Me, 2019 Acrylique sur toile / Acrylic on Canvas. 38” x 32” 13
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Jen Mann L’ensemble du travail de Mann explore l’identité, le soi, et comment nous comprenons les autres. Chaque œuvre est une exploration existentielle dans la réalité, représentée dans de grandes toiles hyperréalistes. Sa série la plus récente d'œuvres se compose d’autoportraits qui explorent la création de l’identité et comment nous nous percevons à travers ce prisme. Nous sommes toujours en changement, et nous basons notre identité sur nos souvenirs de nous-mêmes. Mann explore la réalité de l’identité, ainsi que sa relation avec notre culture et la société dans laquelle nous vivons maintenant. Dans la société du « moi », où nous nous documentons comme célébrités et où nous partageons nos vies en ligne avec tout le monde, le soi est un sujet répandu et important pour notre génération. Nos identités sont organisées comme nos profils en ligne, afin de refléter uniquement les parties de nous-mêmes que nous avons choisi de maintenir en vie. Qui suis-je? Qui êtes-vous? Que veut dire ma vie? Pourquoi suis-je vivant? Le travail de Mann vise à répondre à ces questions très illusoires et à les explorer, mais sans nécessairement répondre à chacune d’elles. Mann’s body of work looks at identity, self, and how we understand others. Each piece is an existential exploration into reality, depicted in large hyper realistic oil paintings. Her newest body of work is comprised of self-portraits exploring the creation of identity, and how we understand ourselves through that lens. We are always changing, and basing who we are on our memories of ourselves. Mann explores the realness of identity, and its relation to our culture and the society we live in now. In the society of "me", where we document ourselves like celebrities and share our lives online for everyone, the self is a prevalent, and important topic to our generation. Our identities are curated like our online profiles to reflect only the parts of ourselves we chose to keep alive. Who am I? Who are you? What does my life mean? Why am I alive? Mann's work aims to address these very illusive questions, and explore, but not necessarily answer all of them.
Warrior, 2019, huile sur toile / oil on Canvas. 48” x 36” 16
I don’t feel blue, I feel Delft blue, 2017, huile sur toile / oil on canvas. 78” x 57” 17
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Men are from Mars, Women are your Venus, 2017, huile sur toile / oil on canvas. 60� x 80� 19
Mark Lang Mark Lang est un peintre qui se spécifie en huile, principalement connu pour ses réinterprétations complexes de l’histoire et de la mythologie de la peinture. Il combine des éléments d’œuvres artistiques historiques avec des environnements imaginés, créant des nouveaux contextes pour visionner et ordonner ces images à partir d’une perspective contemporaine. Sa manière unique de “recadrage” et mise en abime crée un dialogue entre l’ancien et le nouveau, le figuratif et l’abstrait, l’authentique et le faux. Souvent, ces “ré-imaginations” présentent un sens de l’humour subtile. L’incorporation de figures représentant des personnes connus par l’artiste ainsi que le fait de se figurer soi-même dans différents rôles à travers l’autoportrait ajoute un élément davantage personnel à son travail. Il a étudié à Alberta College of Art and Design à Calgary, et The School of Visual Arts à New York avant de déménager à Montréal où lui et sa conjointe ont élevé leurs trois enfants. Il habite et travaille présentement dans une ancienne église dans les Cantons-de-l'Est. Il a reçu des bourses privées et publiques pour ses peintures, qui ont été exposées dans des galeries et foires d’art au Canada et aux États-Unis. Ses peintures font partie de nombreuses collections internationales. Mark Lang is an oil painter primarily known for his complex re-interpretations of the history and mythology of painting. He combines elements of art historical works within imagined environments, creating new contexts for viewing and ordering these images from a contemporary perspective. His unique use of re-framing and mise en abime creates a dialogue between the old and the new, the figurative and the abstract, the authentic and the fake. There is often a subtle sense of humour present in these re-imaginings. The incorporation of figures depicting people he knows, as well as casting himself in different roles through self-portraiture, adds another more personal element to his work. He studied at the Alberta College of Art and Design in Calgary, and at The School of Visual Arts in New York City, before moving to Montreal where he and his wife raised three children. He currently lives and works in an old church in the eastern townships. He has received private and public grants for his painting, which has been exhibited in galleries and art fairs in Canada and the United States. His paintings are in various collections internationally.
Novelties, 2017, huile sur toile / oil on canvas. 60� x 48
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Koonster, 2019, huile sur toile / oil on canvas. 24” x 24”
Andrew Pink Andrew Pink (né en 1974) crée des peintures méticuleuses et fortement réalistes, ainsi que des dessins d’objets de tous les jours et lieux qui invitent le public à reconsidérer leurs hypothèses concernant ce qui leur est tout à fait familier. Le travail d’Andrew explore des problématiques contemporaines telles la globalisation, l’environnement, la culture de consommation, la guerre et la violence. De plus en plus, il s’intéresse au concept de la retombée culturelle, par laquelle un comportement qui semble être détaché en apparence peut provoquer une influence sur des domaines inattendus. Le travail le plus récent d’Andrew trace des parallèles à travers le sport et le militarisme, en combinant l’imagerie de hockey avec l’art propagandiste de la Seconde Guerre Mondiale. Andrew a exposé à travers l’Amérique du Nord et est représenté dans plusieurs collections d’entreprises et collections privées. Travaillant principalement à l’huile sur panneau, les thématiques distinctes des séries de Pink emploient souvent des diptyques, triptyques et installations à œuvres-multiples. “Chaque pièce est autonome, mais je préfère y penser comme des actes dans une pièce de théâtre, il y a une conversation qui émerge à travers lorsqu’ils sont perçues en ensemble.” Andrew Pink (b. 1974) creates meticulous and highly realistic paintings and drawings of everyday objects and locales that invite the audience to reconsider their assumptions about the utterly familiar. After graduating from the Dawson College Fine Arts program, he attended Concordia University, specializing in painting and drawing. Andrew's work explores such contemporary issues as globalization, the environment, consumer culture, war and violence. Increasingly, he is interested in the concept of cultural spillover, whereby seemingly unrelated behavior can have influence over unexpected domains. Andrew's most recent work draws parallels between sport and militarism, combining hockey imagery with WWII propaganda art. Andrew has exhibited across North America and is represented in several corporate and private collections. Working primarily with oil on wood panel, Pink’s distinctly themed series frequently employ diptychs, triptychs and multi-work installations. “Each piece stands alone, but I prefer to think of them as acts in a play, there’s a conversation that emerges between them when taken as a whole.”
Untitled #4 (from The Great Game), 2018, huile sur toile / oil on canvas. 38” x 50” 26
The Great Game #8, 2019, huile sur panneau/ oil on panel. 12” x 16”
The Great Game #7, 2019 huile sur panneau/ oil on panel. 12” x 16”
The Great Game #6, 2019 huile sur panneau/ oil on panel. 7” x 9”
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