fundamentos básicos del diseño gráfico by e-volution

diseĂąo grĂĄfico

CON TE NI DOS

· fundamentos básicos del diseño gráfico · análisis y estudio del plano · composición · teoría básica del color · uso de tipografías

fundamentos básicos del diseño gráfico

introducción Para comprender los fundamentos del diseño gráfico es importante entender sus orígenes, así como también, identificar sus distintas etapas de desarrollo.

“En 1923 Kandinsky proclamó que hay una correspondencia universal entre las tres formas básicas y los tres colores primarios.”

Podemos tomar como punto de partida de la historia del diseño gráfico, el final del siglo XV con el nacimiento de las tipografías derivadas de la invención de la imprenta que posteriormente integro ilustraciones, dando así los primeros pasos de todos los fundamentos del diseño gráfico que más adelante estudiaremos.

Al asimilar sus métodos en la educación moderna del diseño la Bauhaus se convirtió en un punto de origen, resaltando las formas geométricas, el espacio reticulado y el uso racionalista de la tipografía. El potencial lingüístico de la teoría de la Bauhaus fue ignorado y el proyecto de un lenguaje visual se interpretó aislado del lenguaje verbal.

Con la llegada de la revolución FRANCESA (siglo XVII) e INDUSTRIAL ((siglo XVIII – XIX)) se potenció a través de la necesidad política y económica, el diseño gráfico como elemento comunicador dentro del mismo desarrollo de la sociedad y las diferentes necesidades derivadas de las nuevas formas del comercio de la época. Con el nacimiento de los periódicos y con la gran demanda de libros que ya existía en estos periodos, el uso de las distintas técnicas del diseño gráfico ya eran habituales, tales como composición, diagramación y uso combinados de tipografías.

La Bauhaus fue un lugar en el cual se unieron diversas corrientes vanguardistas que se dedicaron a la producción de la tipografía, publicidad, productos, pinturas y arquitectura. Las actividades de la escuela recibieron amplia publicidad en los Estados Unidos a finales de los años treinta cuando muchos de sus miembros emigraron a este país, así la Bauhaus fue equiparada al pensamiento avanzado del diseño.

Dentro del propio siglo XIV nace la escuela BAUHAUS (Alemania 1919-1933), que podemos decir que es donde nace el diseño gráfico del periodo moderno, donde se dictan las pautas y se forman los cimientos del estudio en profundidad de todos los fundamentos del diseño gráfico como hoy lo conocemos.

Con la llegada de los ordenadores el diseño gráfico sufrió una revolución que ha derivado en una evolución exponencial del mismo, aunque sus fundamentos siguen intactos sus formas han cambiado radicalmente y el espectro del diseño gráfico como tal ha crecido abrumadoramente, a finales de los años 80 ya empezaron a comercializarse programas dedicados únicamente al diseño gráfico, tales como el Deluxe Paint, Page Maker, Corel Draw, Freehands, Photoshop entre otros.

Itten, Klee y Kandinsky buscaban el origen del lenguaje visual en geometrías básicas, colores puros y en la abstracción, constituyendo un análisis de formas, colores y materiales. Para ellos servían como una escritura con la que podría analizarse y representarse la prehistoria visible, por ello la Bauhaus se caracterizó por la conciencia de su separación de la historia y su anhelo por encontrar un punto de origen.

Hoy en día hablar de diseño gráfico, es inherente a hablar de tecnologías aplicadas, siempre tomando en cuenta el soporte final en que se aplicará el trabajo, se ha pasado de un sistema completamente manual y analógico a otro completamente informatizado y digital, lo que obliga a el diseñador gráfico actual a formarse en las distintas áreas específicas donde quiere desenvolver su obra.

concepto

el plano

El diseño gráfico no significa hacer un dibujo, o una imagen, o crear una fotografía. Significa mucho más que todos esos elementos.

Podemos definir el plano como el espacio o soporte donde se realizará el proyecto de diseño gráfico. Este puede variar de dimensiones, color, aspecto, formato y otras características propias del mismo. Para reglar o componer correctamente el mismo debemos guiarnos por una serie de parámetros fundamentados en un conjunto de normas y reglas, en su mayoría matemáticas, que nos ayudan a crear efectivamente el mensaje que ser quiere comunicar.

Para comunicar y transmitir visualmente un mensaje de forma efectiva, el diseñador debe conocer los diferentes recursos gráficos de los que dispone, junto con la imaginación, experiencia, buen gusto y el sentido común necesarios para combinarlos de forma correcta y adecuada. Podemos definir el diseño gráfico como el proceso creativo mediante el cual combinando una serie de elementos con herramientas técnicas se componen y transmiten mensajes a través del lenguaje visual. Para poder realizar un proyecto de diseño gráfico es indispensable tener un dominio completo y amplio del lenguaje visual y de todos los elementos que lo conforman.

elementos Los elementos dentro del diseño gráfico son todos aquellos que nos permiten a través de su uso, componer y configurar un espacio obteniendo como resultado un mensaje a través del lenguaje visual. Estos Elementos los podemos clasificar en los siguientes: Líneas, figuras Geométricas, signos, símbolos, texturas, figuras, formas, espacio, formato, soporte…etc. Además de herramientas ó técnicas como armonía, ritmo, contraste, forma, proporción, equilibrio…etc.

(EL PLANO ó ESPACIO DE TRABAJO)

composición La unión entre todos los actores de un proyecto de diseño lo podemos definir como composición. La selección, colocación y arreglo de todos éstos elementos definirán la estética del contenido visual, es por esto que es muy importante estudiar las reglas y normas básicas que definen como distribuir y colocar todos los elementos que intervienen para que coexistan de una manera armónica y el resultado estético sea coherente y efectivo. Unas de las principales reglas para el diseño gráfico es la conocida como zona o sección aúrea, La sección áurea es la división armónica de una segmento en media y extrema razón. Es decir, que el segmento menor es al segmento mayor, como este es a la totalidad. De esta manera se establece una relación de tamaños con la misma proporcionalidad entre el todo dividido en mayor y menor. Esta proporción o forma de seleccionar proporcionalmente una línea se llama proporción áurea.

Otra es la regla de oro también conocida como la regla de los tercios, donde la el plano se divide en nueve segmentos de igual tamaño y proporción siendo siempre para los puntos con más interés los que están ubicados en la parte derecha del plano.

Este criterio se aplica principalmente al diseño global, es decir, a la disposición de los elementos sobre la superfície de trabajo. Normalmente se busca este equilibrio, aunque en alguna ocasión se provoca un desequilibrio intencionado para conseguir unos resultados específicos en un diseño. Definimos el equilibrio como una apreciación subjetiva, en la cual, los elementos de una composición no se van a desprender. En el equilibrio otro aspecto fundamental es la disposición de simetría o asimetría con la que se quiera jugar, dependiendo de cual sea la intención del diseñador estas disposiciones pueden variar el contenido visual del mensaje que se quiere transmitir.

También podemos simplificar esta regla en la llamada regla de los cuatro cuadrantes, que divide el plano en cuatro zonas iguales, siendo siempre la de mayor interés visual el segundo cuadrante superior derecho.

Conociendo estas normas debemos concentrarnos en que nuestras composiciones estén equilibradas a través de la compensación distributiva de los elementos. Hay que entender que una composición se encuentra en equilibrio si los pesos de los distintos elementos que la forman se compensan entre sí.

El equilibro simétrico se produce cuando al dividir una composición en dos partes iguales, existe igualdad de peso en ambos lados. No se encuentran elementos que sobresalgan más que el resto en importancia y peso. Un ejemplo más inmediato de simetría en el mundo orgánico es la mariposa, cuyas alas poseen simetría axial bilateral, en la que el eje es el cuerpo del insecto. Sus dibujos están dispuestos simétricamente respecto al eje. Esta regularidad constituye, a nivel de percepción, un factor estético de armonía. La creación de un diseño simétrico nos transmite una sensación de orden y estabilidad. El equilibrio asimétrico Un equilibrio es asimétrico cuando al dividir una composición en dos partes iguales, no existen las mismas dimensiones en tamaño, color, peso etc, pero existe un equilibrio entre dos elementos. En el equilibrio asimétrico, al ser desiguales los pesos a un lado y otro del eje, el efecto es variado. La asimetría nos transmite agitación, tensión, dinamismo, alegría y vitalidad; en este tipo de equilibrio una masa grande cerca del centro se equilibra por otra pequeña alejada del aquel.

teoría básica del color

color Hablar de color es un tema muy amplio, sin embargo en este tema intentaremos centrarnos en los aspectos más prácticos siempre enfocados a la parte emocional del espectador, que es en realidad el elemento que más influye en la sensación perceptiva a nivel psicológico – emocional del mismo.

tienen como colores primarios, al rojo, el verde y el azul (RGB) cuya fusión de estos, crean y componen la luz blanca, por eso a esta mezcla se le denomina, síntesis aditiva y las mezclas parciales de estas luces dan origen a la mayoría de los colores del espectro visible.

Para entender la teoría básica del color demos comprender los siguientes principios y conceptos. El color, según Sir Isaac Newton, es una sensación que se produce en respuesta a una estimulación nerviosa del ojo, causada por una longitud de onda luminosa. El ojo humano interpreta colores diferentes dependiendo de las distancias longitudinales. El color nos produce muchas sensaciones, sentimientos, diferentes estados de ánimo, nos transmite mensajes, nos expresa valores, situaciones y sin embargo... no existe más allá de nuestra percepción visual. El color ha sido estudiado, por científicos, físicos, filósofos y artistas. Cada uno en su campo y en estrecho contacto con el fenómeno del color, llegaron a diversas conclusiones, muy coincidentes en algunos aspectos o bien que resultaron muy satisfactorias y como punto de partida para posteriores estudios. Como anteriormente comentamos no nos centraremos en los aspectos físicos del color sino que enfocaremos a la teoría básica para la aplicación práctica del diseño, para esto es importante identificar que estudiaremos los dos sistemas básicos de aplicación de color dentro de este campo. El color como tal se divide en 2 sistemas: ADITIVO (Colore LUZ) que son producidos por luces (en el monitor de nuestro ordenador, en el cine, televisión, etc.)

SUSTRACTIVO (Colores PIGMENTOS) Los colores sustractivos, son colores basados en la luz reflejada de los pigmentos aplicados a las superficies. Forman esta síntesis sustractiva, el color magenta, el cyan y el amarillo. Son los colores básicos de las tintas que se usan en la mayoría de los sistemas de impresión, motivo por el cual estos colores han desplazado en la consideración de colores primarios a los tradicionales. La mezcla de los tres colores primarios pigmento en teoría debería producir el negro, el color más oscuro y de menor cantidad de luz, por lo cual esta mezcla es conocida como síntesis sustractiva. En la práctica el color así obtenido no es lo bastante intenso, motivo por el cual se le agrega negro

pigmento conformándose el espacio de color CMYK. Los procedimientos de imprenta para imprimir en color, conocidas como tricromía y cuatricromía se basan en la síntesis sustractiva.

formados por el CYAN (C) MAGENTA (M) AMARILLO (Y) las iniciales corresponden al idioma inglés Cyan Magent Yellow. COLORES SECUNDARIOS: Definimos como los colores secundarios: verde, violeta y naranja. Los colores secundarios se obtienen de la mezcla en una misma proporción de los colores primarios. COLORES TERCIARIOS: Consideramos como colores terciarios al rojo violáceo, rojo anaranjado, amarillo anaranjado, amarillo verdoso, azul verdoso y azul violáceo. Los colores terciarios, surgen de la combinación en una misma proporción de un color primario y otro secundario.

EL CÍRCULO CROMÁTICO El círculo cromático es una clasificación de los colores. Se denomina círculo cromático al resultante de distribuir alrededor de un círculo los colores que conforman el segmento de la luz. Sin embargo para la mejor comprensión de la teoría del color básica estudiaremos solo 2 tipos de círculos cromáticos correspondientes a los respectivos sistemas aditivo y sustractivo que anteriormente mencionamos. COLORES PRIMARIOS: Son aquellos principales o iniciales, a partir de ellos podemos conseguir todos los demás colores. En el sistema aditivo lo conforman el ROJO (R) VERDE (G) y el AZUL (B) las iniciales corresponden al idioma ingles Red Green Blue. En el sistema sustractivo enfocados al área de impresión están

COLORES COMPLEMENTARIOS: El color complementario es aquel que se encuentra completamente del lado opuesto al mismo dentro del círculo cromático, independientemente de su escala o sistema. Por ejemplo sabemos que el color complementario del amarillo es el violeta y así sucesivamente con cualquier color. Los colores complementarios se forman mezclando un color primario con el secundario opuesto en el triángulo del color. Son colores opuestos aquellos que se equilibran e intensifican mutuamente. Son altamente aconsejables cuando se quieren buscar altos contrates cromáticos. COLORES CÁLIDOS Y FRIOS: Se llaman colores cálidos aquellos que van del rojo al amarillo y los colores fríos son los que van del azul al verde. Esta división de los colores en cálidos y fríos radica simplemente en la sensación y experiencia humana. La calidez y la frialdad atienden a sensaciones térmicas subjetivas. Los colores, de alguna manera, nos pueden llegar a transmitir estas sensaciones. Un color frío y uno cálido se complementan, tal como ocurre con un color primario y uno compuesto.

EL CÍRCULO CROMÁTICO

COLORES PRIMARIOS, SECUNDARIOS Y TERCIARIOS

3 1

1 2

CÁLIDOS

FRÍOS

COLORES COMPLEMENTARIOS

COLORES FRIOS Y C’ALIDOS

FORMAS COMPOSITIVAS DEL COLOR Ningún color puede ser considerado un valor absoluto, de hecho los colores se influyen mutuamente si se acercan. Los colores tienen diferente realce según el contexto en el que se dispongan o se encuentren.

entre cada uno de los dos anteriores, suele tener una situación en el círculo cromático cercano a la de color tónico. Por ejemplo: en una composición armónica cuyo color dominante sea el amarillo, y el violeta sea el tónico, el mediador puede ser el rojo si la sensación que queremos transmitir sea de calidez, o un azul si queremos que sea más bien fría.

Existen dos formas compositivas del color, ARMONÍA y CONTRASTE. ARMONÍAS Armonizar, significa coordinar los diferentes valores que el color adquiere en una composición. Cuando en una composición todos los colores tienen una parte común al resto de los colores componentes. Armónicas son las combinaciones en las que se utilizan modulaciones de un mismo tono, o también de diferentes tonos, pero que en su mezcla mantienen los unos parte de los mismos pigmentos de los restantes. Los principales tipos de armonías las podemos clasificar en: ARMONIA DE COLORES ANÁLOGOS, COLORES COMPLEMENTARIOS, TRIADA EQUIDISTANTE Y COMPLEMENTARIOS DIVIDIDOS O ADYACENTES. En todas las armonías cromáticas se pueden observar tres colores: uno dominante, otro tónico y por último otro de mediación. Dominante: Es el más neutro y de mayor extensión, sirve para destacar los otros colores que conforman nuestra composición gráfica, especialmente al opuesto. El tónico: Es el complementario del color de dominio, es el más potente en color y valor, y el que se utiliza como nota de animación o audacia en cualquier elemento (alfombra, cortina , etc.) El de mediación: Actúa como conciliador y modo de transición

CONTRASTE El Contraste se produce cuando en una composición los colores no tienen nada en común no guardan ninguna similitud. Existen diferentes tipos de contraste: De tono: Cuando utilizamos diversos tonos cromáticos, es el mismo color de base pero en distinto nivel de luminosidad y saturación. Contraste de claro/oscuro o contraste de grises: El punto extremo está representado por blanco y negro, observándose la proporción de cada uno Contraste de color: Se produce por la modulación de saturación de un tono puro con blanco, con negro, con gris, o con un color complementario).

ARMONIA DE COLORES ANÁLOGOS

ARMONIA DE TRIADAS EQUIDISTANTE

ARMONIA DE COLORES COMPLEMENTARIOS DIVIDIDOS O ADYACENTES

ARMONIA DE COLORES COMPLEMENTARIOS

Contraste de cantidad: Es igual los colores que utilicemos, consiste en poner mucha cantidad de un color y otra más pequeña de otro. Contraste simultáneo: Dos elementos con el mismo color producen el mismo contraste dependiendo del color que exista en su fondo. Contraste entre complementarios: Se colocan un color primario y otro secundario opuesto en el triángulo de color. Para conseguir algo más armónico, se aconseja que uno de ellos sea un color puro y el otro esté modulado con blanco o con negro. Contraste entre tonos cálidos y fríos: Es la unión de un color frío y otro cálido. PSICOLOGÍA DEL COLOR El color desprende diferentes expresiones del ambiente, que pueden transmitirnos la sensación de calma, plenitud, alegría, violencia, maldad, etc. La psicología de los colores fué estudiada por grandes maestros a lo largo de nuestra historia, como por ejemplo Goethe y Kandinsky. Color Blanco: Es el que mayor sensibilidad posee frente a la luz. Es la suma o síntesis de todos los colores, y el símbolo de lo absoluto, de la unidad y de la inocencia, significa paz o rendición. Mezclado con cualquier color reduce su croma y cambia sus potencias psíquicas, la del blanco es siempre positiva y afirmativa. Los cuerpos blancos nos dan la idea de pureza y modestia. El blanco crea una impresión luminosa de vacio, positivo infinito. El color Negro: Símbolo del error, del mal, el misterio y en ocasiones simbolica algo impuro y maligno. Es la muerte, es la ausencia del color. También transmite nobleza y elegancia.

Color gris: Es el centro de todo ya que se encuentra entre la transición entre el blanco y el negro, y el producto de la mezcla de ambos. Simboliza neutralidad, indecisión y ausencia de energía. Muchas veces también expresa tristeza, duda y melancolía. El color gris es una fusión de alegrías y penas, del bien y del mal. Da la impresión de frialdad metálica, pero también sensación de brillantez, lujo y elegancia. Por ejemplo una invitación de un color brillante debe evocar la imagen del mismo valor, sino y en caso opuesto conseguiríamos un efecto contraproducente, transmitiendo la sensación de falsificación. Si es de color oro, la imagen debe combinar en concordancia con el color expuesto, para que se tenga una visión agradable y equilibradada de la presentación. El color amarillo: Es el color mas intelectual y puede ser asociado con una gran inteligencia o con una gran deficiencia mental; Van Gogh tenia por el una especial predilección, particularmente en los últimos años de su crisis. Este primario significa envidia, ira, cobardía, y los bajos impulsos, y con el rojo y el naranja constituye los colores de la emoción. También evoca satanismo (es el color del azufre) y traición. Es el color de la luz, el sol, la acción , el poder y simboliza arrogancia, oro, fuerza, voluntad y estimulo. Mezclado con negro constituye un matiz verdoso muy poco grato y que sugiere enemistad, disimulo, crimen, brutalidad, recelo y bajas pasiones. Mezclado con blanco puede expresar cobardía, debilidad o miedo y también riqueza, cuando tiene una leve tendencia verdosa. Los amarillos también suelen interpretarse como joviales, afectivos, excitantes e impulsivos. Están relacionados con la naturaleza. Psicologicamente se asocia con el deseo de liberación. El color rojo: Se lo considera con una personalidad extrovertida, que vive hacia afuera , tiene un temperamento vital, ambicioso y material, y se deja

llevar por el impulso, mas que por la reflexión. Simboliza sangre, fuego, calor, revolución, alegría, acción, pasión, fuerza, disputa, desconfianza, destrucción e impulso, asi mismo crueldad y rabia. Es el color de los maniáticos y de marte, y también el de los generales y los emperadores romanos y evoca la guerra, el diablo y el mal. Como es el color que requiere la atención en mayor grado y el mas saliente, habrá que controlar su extensión e intensidad por su potencia de excitación en las grandes áreas cansa rápidamente. Mezclado con blanco es frivolidad, inocencia, y alegría juvenil, y en su mezcla con el negro estimula la imaginación y sugiere dolor, dominio y tiranía. Expresa sensualidad, virilidad y energía, considerado símbolo de una pasión ardiente y desbordada. Por su asociación con el sol y el calor es un color propio de las personas que desean experiencias fuertes. Lenguaje del naranja y azul El color naranja: Es un poco mas cálido que el amarillo y actúa como estimulante de los tímidos, tristes o linfáticos. Simboliza entusiasmo y exaltación y cuando es muy encendido o rojizo, ardor y pasión. Utilizado en pequeñas extensiones o con acento, es un color utilisimo, pero en grandes áreas es demasiado atrevido y puede crear una impresión impulsiva que puede ser agresiva. Posee una fuerza activa, radiante y expresiva, de carácter estimulante y cualidad dinámica positiva y energética. Mezclado con el negro sugiere engaño, conspiración e intolerancia y cuando es muy oscuro , opresión. El color azul: Simboliza, la profundidad inmaterial y del frío. La sensación de placidez que provoca el azul es distintan al de la calma o del reposo terrestres propios del verde. Se lo asocia con los introvertidos o personalidades reconcentradas o de vida interior y

esta vinculado con la circunspección, la inteligencia y las emociones profundas. Es el color del infinito, de los sueños y de lo maravilloso, y simboliza la sabiduría, amistad, fidelidad, serenidad, sosiego, verdad eterna e inmortalidad. También significa descanso. Mezclado con blanco es pureza, fe, y cielo, y mezclado con negro, desesperación, fanatismo e intolerancia. No fatiga los ojos en grandes extensiones. El color violeta El violeta, es el color de la templanza, la lucidez y la reflexión. Transmite profundidad y experiencia. Tiene que ver con lo emocional y lo espriritual. Es místico, meláncolico y se podría decir que también representa la introversión. En su variación al púrpura, es realeza, dignidad, suntuosidad. Mezclado con negro es deslealtad, desesperación y miseria. Mezclado con blanco: muerte, rigidez y dolor. Color verde Es un color de extremo equilibrio, porque esta compuesto por colores de la emoción (amarillo = cálido) y del juicio (azul = frío) y por su situación transicional en el espectro. Se lo asocia con las personas superficialmente inteligentes y sociales que gustan de la vanidad de la oratoria y simboliza la primavera y la caridad. Incita al desequilibrio y es el favorito de los psiconeuroticos porque produce reposo en el ansia y calma, traquilidad, también porque sugiere amor y paz y por ser al mismo tiempo el color de los celos, de la degradación moral y de la locura. Significa realidad, esperanza, razón, lógica y juventud. Aquellos que prefieren este color detestan la soledad y buscan la compañía. Mezclado con blanco expresa debilidad o pobreza. Sugiere humedad, frescura y vegetación, simboliza la naturaleza y el crecimiento. La persona que destaca por el uso del color verde, quiere ser

respetada y competente. El color marrón es un color masculino, severo, confortable. Es evocador del ambiente otoñal y da la impresión de gravedad y equilibrio. Es el color realista, tal vez porque es el color de la tierra que pisamos. Con esto, hemos podido comprobar algunas reacciones que producen los colores según A. Moles y L. Janiszewski. EL COLOR DESDE EL PUNTO DE VISTA DE LA INFORMÁTICA Y LOS PROGRAMAS DE DISEÑO GRÁFICO APLICADOS. Ya hemos estudiado básicamente la teoría del color, pero lo que realmente nos interesa para este curso es como aplicar toda esa teoría dentro de los distintos programas de diseño. Es imperante la necesidad de incorporar una forma de aplicar colores directos a los proyectos de diseño, que significa esto, que existen unas tablas universales y estándares en la industria para permitirnos asignarle colores planos a determinados trabajos. Estos colores son mejor conocidos como colores PLANOS y en la jerga de las artes gráficos como tintas planas, ya que el resultados de los mismos se obtiene directamente en el proceso de impresión y no por la mezcla de la superposición de los colores primarios. Una vez aclarado lo anterior, podemos decir que trabajaremos con tres sistemas básicos también llamados ESPACIOS o MODOS de color en las aplicaciones informáticas que son: RGB, CMYK y PANTONE. Estos dos últimos enfocados únicamente para los soportes que requieran impresión a través de los métodos, sistemas y procesos tradicionales. Modo RGB Este espacio de color es el formado por los colores primarios luz que ya se describieron con anterioridad. Es el adecuado para representar imágenes que serán mostradas en monitores o que serán impresas en impresoras de papel fotográfico. Las imágenes RGB utilizan tres colores para reproducir en pantalla hasta 16,7 millones de colores. RGB es el modo por defecto para las imágenes de Photoshop. Los monitores de ordenador muestran siempre los colores con el modelo RGB. Esto significa que al trabajar con modos de color diferentes,

como CMYK, Photoshop convierte temporalmente los datos a RGB para su visualización. El modo RGB asigna un valor de intensidad a cada píxel que oscile entre 0 (negro) y 255 (blanco) para cada uno de los componentes RGB de una imagen en color. Por ejemplo, un color rojo brillante podría tener un valor R de 246, un valor G de 20 y un valor B de 50. El rojo más brillante que se puede conseguir es el R: 255, G: 0, B: 0. Cuando los valores de los tres componentes son idénticos, se obtiene un matiz de gris. Si el valor de todos los componentes es de 255, el resultado será blanco puro y será negro puro si todos los componentes tienen un valor 0. Este espacio de color tiene su representación en el selector de color de Photoshop. Modo de color CMYK El modelo CMYK se basa en la cualidad de absorber y rechazar luz de los objetos. Si un objeto es rojo esto significa que el mismo absorbe todas las componentes de la luz exceptuando la componente roja. Los colores sustractivos (CMY) y los aditivos (RGB) son colores complementarios. Cada par de colores sustractivos crea un color aditivo y viceversa.

En el modo CMYK de Photoshop, a cada píxel se le asigna un valor de porcentaje para las tintas de cuatricromía. Los colores más claros (iluminados) tienen un porcentaje pequeño de tinta, mientras que los más oscuros (sombras) tienen porcentajes mayores. Por ejemplo, un rojo brillante podría tener 2% de cyan, 93% de magenta, 90% de amarillo y 0% de negro. En las imágenes CMYK, el blanco puro se genera si los cuatro componentes tienen valores del 0%. Se utiliza el modo CMYK en la preparación de imágenes que se van a imprimir en cualquier sistema de impresión de tintas. Aunque CMYK es un modelo de color estándar, puede variar el rango exacto de los colores representados, dependiendo de la imprenta y las condiciones de impresión. COLORES PANTONE (CARTAS DE COLOR) Pantone Inc. es una empresa con sede en Carlstadt, Nueva Jersey (Estados Unidos), creador del Pantone Matching System, un sistema de identificación, comparación y comunicación del color para las artes gráficas. Su sistema de definición cromática es el más reconocido y utilizado por lo que normalmente se llama Pantone al sistema de control de colores. Este modo de color a diferencia de los modos CMYK y RGB suele denominarse color directo.

uso de tipografĂas

tipografías La tipografía es el reflejo de una época. Por ello la evolución del diseño de las mismas responde a proyecciones tecnológicas y artísticas. El signo tipográfico se ha considerado como uno de los miembros más activos de los cambios culturales del hombre. En los primeros signos de escritura, cada signo nos expresa una idea, un concepto o una cosa; estos signos se combinan entre sí para comunicar ideas más complejas. Estos sistemas de escritura son los pictogramáticos, jeroglíficos e ideogramáticos. El campo tipográfico, abarca la realización de libros, periódicos, anuncios publicitarios, revistas, etc... y cualquier otro documento impreso que se comunique con otros mediante palabras.

definiciones Tipo es igual al modelo o diseño de una letra determinada. Tipografía es el arte y la técnica de crear y componer tipos para comunicar un mensaje. También se ocupa del estudio y clasificación de las distintas fuentes tipográficas. Fuente tipográfica es la que se define como estilo o apariencia de un grupo completo de carácteres, números y signos, regidos por unas características comunes. Familia tipográfica, en tipografía, significa un conjunto de tipos basado en una misma fuente, con algunas variaciones, tales, como por ejemplo, en el grosor y anchura, pero manteniendo características comunes. Los miembros que integran una família se parecen entre sí pero tienen rasgos propios. Partes de un carácter

No existe una nomenclatura específica y que haya sido aceptada de manera definitiva, para designar las partes de una letra.

partes que componen un tipo Altura de las mayúsculas: Es la altura de las letras de caja alta. Altura X: Altura de las letras de caja baja, las letras minúsculas, excluyendo los ascendentes y los descendentes. Anillo: Es el asta curva cerrada que forman las letras “b, p y o”. Ascendente: Asta que contiene la letra de caja baja y que sobresale por encima de la altura x, tales como las letras “b, d y k”. Asta: Rasgo principal de la letra que la define como su forma o parte más esencial. Astas montantes: Son las astas principales o oblicuas de una letra, tales como la “L, B, V o A”. Asta ondulada o espina: Es el rasgo principal de la letra “S” en mayúscula o “s” en minúscula. Asta transversal: Rasgo horizontal de las letras “A, H, f o t”. Brazo: Parte terminal que se proyecta horizontalmente o hacia arriba y que no se encuentra incluida dentro del carácter, tal como se pronuncia en la letra “E, K y L”.

Cola: Asta oblicua colgante que forman algunas letras, tales como la “ R o K “. Descendente: Asta de la letra de caja baja que se encuentra por debajo de la línea de base, como ocurre con la letra “p y g”. Inclinación: Ángulo de inclinación de un tipo. Línea base: La línea sobre la que se apoya la altura. Oreja: Es la terminación o terminal que se le añade a algunas letras tales como “g, o y r”. Rebaba: Es el espacio que existe entre el carácter y el borde del mismo. Serif, remate o gracia: Es el trazo o termina de un asta, brazo o cola.

clasificación básica de la tipografía Aunque existe una clasificación amplia y subfamilias sobre las tipografías, en este módulo nos concentraremos es dos tipos principales LA TIPOGRAFÏA CON SERIFA o SERIF Y LAS GEOMETRICAS o DE PALO SECO mejor conocidas como tipografía de PALO. Las tipografías con SERIF son generalmente más formales y su legibilidad dependerá de la complejidad de su estructura. Las de PALO SECO, son generalmente más legibles, sin embargo dan la sensación de más libertad y suelen ser más divertidas.

importancia de la elección tipográfica Esta es una de las partes más crítica del proceso de diseño. Todo el aspecto y significado aparente de una composición o trabajo, cambia con un tipo de letra u otro. Al primer golpe de vista, la tipografía y el color dicen más que el mismo texto. Según John Mc Wade, la tipografía es el punto flaco más habitual de la mayoría de los diseñadores. En cuanto al color, el lector identifica los colores con mucha más rapidez que cualquier otro atributo, acepta o rechaza determinados colores muy fácilmente. Aplicar el color con cierta discreción en algunas partes del texto, puede mejorar mucho su captación y aportar distinción. Incluso puede crear la impresión de mayor variedad de fuentes. Pero el color, usado inadecuadamente, puede tener un impacto negativo, actuar como distracción y dar un aspecto vulgar. En cuanto al tipo de letra, el criterio que podemos seguir es sobre todo nuestro propio gusto. Conviene que tengamos

en cuenta algunos principios, en especial la legibilidad. Este criterio es especialmente importante para textos largos. Para bloques de texto más cortos tenemos más libertad de elección, y para los títulos podemos emplear la fuente que queramos, en función de la impresión que nos interese crear o trasladar.

DISE ÑO GRÁ FI CO