Teatro Europeo by Enrique Caravantes

EL TEATRO CLÁSICO EUROPEO EL TEATRO ISABELINO EN INGLATERRA

El teatro europeo durante los siglos XVI y XVII presenta un estrecho paralelismo en los principales países donde se cultiva: de las formas medievales, religiosas y profanas se pasa a manifestaciones de un teatro popular más acordes con los nuevos tiempos, o a formas de teatro culto, inspiradas en las tragedias y comedias clásicas. Las principales modalidades son: - El teatro eclesiástico: Los autos, misterios, etc. que la Iglesia promueve con motivo de las grandes fiestas litúrgicas. - El teatro cortesano: que se representa en las cortes renacentistas como pasatiempo. - El teatro popular: el de los cómicos profesionales que recorren las ciudades representando obras en cualquier lugar. Se trata de farsas, improvisaciones, que pretenden divertir al público, más tarde alcanzarán mayor dignidad al ser compuestas también por autores cultos.

Es en esta época cuando nacen los teatros. Hasta entonces los cómicos ambulantes actuaban en locales improvisados hasta que empiezan a construirse los teatros fijos a finales del s. XVI. Las salas francesas o italianas eran cubiertas a diferencia de las españolas o inglesas. Disponían de palcos para las personas principales, un parterre donde asistían de pie los hombres del común, una escena iluminada con candelabros o lámparas y una escenografía que se va enriqueciendo con la tramoya italiana. En España el corral de comedias es como sabéis un teatro instalado en el patio interior de una manzana de casas. Los más importantes son el corral de comedias de Almagro, el Corral de la Cruz, del Príncipe y el corral de Alcalá. Un escenario improvisado se instalaba en un extremo del patio contra la pared de la casa del fondo. Los tres lados restantes servían de galerías para el público más pudiente. Los otros espectadores veían el espectáculo de pie (los mosqueteros) en el patio a cielo abierto. Las mujeres de clase más baja debían sentarse en la cazuela, un palco frente al escenario. El primer teatro londinense propiamente dicho fue construido por Burbage, fuera de la jurisdicción de Londres, donde los puritanos los habían prohibido. En pocos años se levantaron hasta ocho teatros. Entre ellos el teatro Globe se construyó en 1599 en Londres para la compañía de teatro de William Shakesperare Chamberlain’s Men, durante catorce años fue uno de los teatros de más éxito de Londres. En 1613 se destruyó debido a un incendio pero se levantó de nuevo y siguió siendo sede de la compañía de Shakespeare hasta que en 1642 las autoridades clausuraron todos los teatros. En 1644 fue demolido. En 1997 finalizó la reconstrucción del teatro iniciada por el director americano Sam Wanamaker en 1970. Habéis podido verlo en la película basada en la vida

y obra de Shakesperare: Shakesperare in love. Otros teatros londinenses de la época, que también aparecen mencionados en esta película fueron The Rose, The Curtain.

EL TEATRO EN ITALIA En Italia la commedia del’arte es su aportación más original al teatro universal. Es un espectáculo muy popular que carece de guión previo. La trama se reduce a un breve guión sobre el que los actores improvisan los lances y diálogos. Los actores utilizaban máscaras y atuendos invariables para caracterizar a los distintos personajes. Los principales son: los viejos antipáticos Pantalón y el Doctor, los criados, ingeniosos como Arlequín o simples como la servetta, criada cómplice de los amores; el capitán Spavento, soldado fanfarrón o los enamorados que componen la parte grave de la comedia. Cada representación es una recreación colectiva en la que entran en juego el ingenio y el arte de los comediantes y su habilidad para el juego teatral: la mímica, las bufonadas, las zancadillas, las piruetas, todo lo que hoy llamamos expresión corporal. Como creadores del teatro culto italiano destacan Ariosto con varias comedias de corte terenciano y Maquiavelo cuya obra La Mandrágora es la comedia italiana más importante de todos los tiempos.

EL TEATRO EN FRANCIA Un poco más tarde que en España e Inglaterra, el teatro francés alcanza su máximo esplendor bien entrado el s. XVII. Este teatro presenta diferencias estilísticas respecto al resto de los países europeos. Francia carece de un teatro nacional y popular a la manera de Shakespeare o Lope de Vega, su teatro es cortesano y académico. Sus autores siguen con fidelidad la preceptiva clásica de Horacio y Aristóteles: la distinción clara entre comedia y tragedia y el respeto de las unidades clásicas de acción, lugar y tiempo. 

La tragedia clásica francesa. Corneille y Racine.

Los dos grandes representantes de la tragedia clásica francesa son Pierre Corneille (1606-1684) y Jean Racine (1639-1699). Corneille empezó cultivando la comedia barroca hasta que presentó Le Cid (expone el conflicto que surge cuando Rodrigo Díaz de Vivar para vengar a su padre mata en duelo al padre de Jimena) que tuvo un éxito arrollador. A partir de entonces escribe grandes tragedias inspiradas sobre todo en la historia romana, se caracterizan por la presentación de personajes en busca de la libertad y de la gloria de la que surge el conflicto corneliano que divide al héroe entre seguir los impulsos de su voluntad o acatar los dictados de un deber superior. Horacio y Cinna son sus otras dos obra más importantes. 3

La fatalidad y un sentimiento de imposibilidad de vivir impregnan las grandes tragedias de Racine: creó figuras femeninas que han llegado a convertirse en símbolos. Andrómaque (presenta la fatal rivalidad entre dos mujeres), Berenice (la renuncia de la protagonista a su verdadero amor), Fedra (tragedia de la madrastra enamorada de su hijastro, pero no correspondida, que se suicida cuando conoce la muerte de este) Esther y Athalie. Estas dos últimas de inspiración bíblica y cristiana escritas al final de su vida. 

La comedia. Molière.

Jean Baptiste Poquelin, Molière (1622-1673) es el autor más importante del teatro clásico francés. Conocía los temas del teatro greco-latino y medieval, pero la mayor inspiración proviene de su observación de la sociedad francesa contemporánea. Reflejó con maestría los vicios y caracteres de la época y consiguió crear personajes verosímiles, de excelente caracterización y profundización psicológica. Algunos de esos personajes han pasado a la historia como arquetipos universales de un vicio como el avaro Harpagón o el hipócrita Tartufo. Autor de más de treinta obras en las que destaca el ingenio y la comicidad y en las que ha dibujado personajes y caracteres inolvidables. Algunas de sus piezas más conocidas son: La escuela de las mujeres: donde critica la mala educación femenina. Don Juan o El convidado de piedra Tartufo o El impostor: sobre la hipocresía, fue una obra prohibida durante algún tiempo por Luis XIV. El misántropo: presenta a un personaje alejado del ambiente vano y superficial de los salones de la época. El médico a la fuerza: sátira contra los médicos. El avaro: la avaricia encarnada en el personaje de Harpagón. El enfermo imaginario: retrata a un hipocondríaco. Molière interpretaba siempre sus obras y creó a Argante un personaje que no se mueve, en toda la obra, de su silla de ruedas. Se trata de un fingido paralítico cuya más grave enfermedad consiste en disfrutar de sus propios achaques siempre que con ello haga padecer a alguien de entre quienes le rodean. Molière salía a escena sentado en aquel aparato ortopédico porque estaba realmente enfermo y porque el público exigía su presencia. Para que no se notara la lividez cadavérica de su cara y sus manos utilizaba un vestuario amarillo tan vívido que ocultaba, por contraste, el feo aspecto de su piel. Molière murió en escena con esta vestimenta. Desde entonces no hay actor que se haya atrevido a subir de amarillo a un escenario teatral. El bugués gentilhombre: ridiculiza a un rico comerciante. 4

EL TEATRO EN INGLATERRA En Inglaterra el teatro religioso pervive más tiempo que en otros países aunque más tardíamente aparecerán las manifestaciones del teatro cortesano y popular. Este último llamado teatro isabelino por coincidir su etapa de mayor auge con el reinado de la anglicana Isabel I. La Inglaterra parlamentaria se enfrenta a sangre y fuego con el absolutismo regio. Aparece una literatura propiamente inglesa consecuencia de la masificación de la cultura y la desaparición del latín como la única lengua de expresión refinada. Christopher Marlowe es el antecedente más importante de Shakespeare. Fue autor dramático y actor. Fue el creador e impulsor del elemento más representativo de la métrica inglesa: el verso decasílabo de rima libre, también llamado verso blanco. Su obra más famosa y controvertida es La trágica historia del doctor Fausto, basada en la versión inglesa del drama alemán Faustbuch.

William Shakespeare Estudiamos a Shakespeare por ser el autor emblemático de la literatura inglesa y una de los mejores dramaturgos de todos los tiempos. Otro dramaturgo contemporáneo del autor, Ben Jonson, le llamó “dulce cisne de Avon”y así ha sido conocido por la posteridad. Se conocen pocos datos de su biografía.

William Shakespeare (1564 Stratfor-on-Avon – 1616 Stratford, el 23 de abril, el mismo día que fallecía Miguel de Cervantes en España). En su localidad natal asiste a la escuela y se casará con dieciocho años con una mujer seis años mayor que él Anne Hathaway con la que tiene tres hijos. Llegó a Londres hacia 1588 tras abandonar a su familia y cuatro años más tarde ya era un exitoso dramaturgo y actor teatral. Forma parte de la compañía Lord Chamberlain’s Men una de las más importantes del momento. Consiguió el mecenazgo de Henry Wriothesley, tercer conde de Southampton al que dedicó sus dos poemas narrativos según la moda de la época, Venus y Adonis (1593) y La violación de Lucrecia (1594), y algunos creen que también es el misterioso W.H. al que dedica algunos de sus Sonetos estas obras le valieron la reputación de brillante poeta clásico. De su vida privada de sus años más productivos apenas conocemos nada más que consiguió fama y una posición desahogada. Su hijo Hamnet falleció en 1596. Su producción dramática se compone de treinta y siete obras, entre tragedias, comedias y dramas. Principales características de su teatro: - Aunque toma los temas de sus obras de fuentes diversas: historia, crónicas, leyendas, relatos italianos…Es el iniciador del moderno teatro inglés al renovarlos y saber darles un sentido nuevo. - El sistema dramático de Shakespeare supera por completo los moldes clásicos; sólo mantiene los cinco actos del modelo horaciano. No conserva las unidades dramáticas 5

(acción, lugar y tiempo) ni la uniformidad de estilo, las formas métricas son variadas e incluso mezcla la prosa y el verso en una misma obra dramática. También mezcla elementos trágicos y cómicos. - Muestra una poderosa imaginación y un genio incomparable para desarrollar y resolver la trama. - Un absoluto dominio del lenguaje. - Magnífica fusión de los elementos dramáticos y líricos. - Gran perfección técnica. - Reflejan un profundo conocimiento del alma humana, de las pasiones del hombre de sus diferentes sentimientos y emociones. - Sus personajes están dotados de una inconfundible humanidad. El autor crea un personaje y hace que la trama se adapte a él. Su teatro no es de tipos, sino de hombres contradictorios, de carne y hueso. Algunos de sus personajes se consideran verdaderos arquetipos o símbolos de actitudes humanas: los celos (Otelo), la duda (Hamlet) la ambición (Macbeth) o el amor prohibido (Romeo y Julieta). El hondo conocimiento del corazón humano le ha permitido conectar con la sensibilidad del público de todos los tiempos y lugares. De ahí la intemporalidad de su obra y su pervivencia como una de las cumbres universales de la literatura. - Dentro del teatro isabelino, pensado, dirigido e interpretado por hombres, Shakespeare se las ingenia para introducir en sus obras una vibración distinta, la del personaje femenino. En este sentido se diferencia de sus contemporáneos por haber un creado un mundo completo en el que la mujer representa y da vida a su mitad, frente al mundo creado por los restantes autores, mucho más simplificado y unidimensional, en el que pintaban a los personajes masculinos, a veces de forma insuperable, mientras que se limitaban a bosquejar los femeninos. Habrá que esperar la gran eclosión romántica del último cuarto del siglo XVIII, con las cuitas amorosas de Werther de Goethe para que la mujer recobre en la literatura la importancia que posee en la vida cotidiana. En este sentido rompe los moldes del teatro de su época y entronca de manera natural con el clasicismo griego de Esquilo y Sófocles cuyas obras se tejieron alrededor de complejos caracteres femeninos: Medea, Clitemnestra, Casandra, Antígona, Yocasta e Ifigenia…

Han sido muchos los intentos de clasificar la producción de Shakespeare y ninguno de ellos resulta satisfactorio por la dificultad de reducir a un esquema la complejidad que encierra su obra. Teniendo presente este inconveniente presentamos una clasificación de su obra teatral siguiendo un criterio genérico:

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Comedias:

En las comedias partió de una fórmula ya consagrada: la comedia novelesca y de enredo, de raíces terencianas e italianas. Intrigas amorosas que se entrecruzan, repletas de dificultades, de celos y malentendidos causados por similitudes entre personajes, disfraces, etc. Mezcla la realida y la fantasia, y muchas son de tema amoroso.Consigue convertir los estereotipos en criaturas vivas e individualizadas. Destacamos: El sueño de una noche de verano (donde ya emplea brillantemente la fórmula del teatro dentro del teatro), La fierecilla domada, Los hidalgos de Verona, Las alegres casadas de Windsor, El mercader de Venecia, Mucho ruido y pocas nueces, Noche de Reyes (escrita para ser representada ante la reina la noche de Reyes de 1600). En las comedias sombrías de 1601 a 1604 los temas graves recobran una mayor intensidad: el conflicto entre apariencia y realidad, los límites de la felicidad, la muerte, etc.: A buen fin no hay mal principio, Medida por medida. La serenidad y el optimismo caracterizan sus últimas comedias en las que hay una clara tendencia a la simbología y a los elementos fantásticos: Cuento de invierno y La tempestad. 

Dramas históricos:

Los dramas históricos se inspiran en la historia inglesa para que el pueblo la conozca y así pueda afirmar mejor su sentimiento nacional. El autor presenta en escena el dominio y la autoridad de la poderosa monarquía inglesa. En ellos predominan las personas por encima de los acontecimientos, supera lo puramente histórico para dramatizar los conflictos interiores de los personajes de ahí su alcance universal. A esta temática corresponde diez de sus obras: Enrique V, la trilogía de Enrique VI, Enrique VII, Enrique VIII, Ricardo III, En este grupo se incluyen también las tragedias de historia romana: Julio César, Antonio y Cleopatra. 

Tragedias:

Las tragedias son las obras mejores y más conocidas de Shakespeare. En ella destaca la grandeza dramática de los protagonistas y los graves conflictos que sus acciones o su moral provocan, aunque la fatalidad y el destino pueden, también, intervenir. Romeo y Julieta: su obra más conocida popularmente aunque la más convencional de sus tragedias. Una desafortunada concatenación de hechos que consuma el destino trágico de los dos protagonistas, totalmente ajenos a la responsabilidad del fatal desenlace. El Rey Lear: el rey Lear tras abandonar su reinado, reparte el reino entre dos de sus tres hijas, plantea de forma trágica las relaciones paterno-filiales. Es la tragedia del abandono del padre. Otelo: basada en la novela italiana de Cinthio, es la tragedia de los celos. Otelo mata a su mujer, Desdémona, tras las sospechas de infidelidad que le infunde Yago. Macbeth: desarrolla un suceso de la historia de Escocia. Lady Macbeth empuja a su marido al asesinato de del rey Duncan. Es un ejemplo de ambición autodestructora. Toda la tragedia está 7

traspasada por el horror del crimen, de los remordimientos, del propio desenlace trágico y todo ello en el interior de una atmósfera estremecedora. Hamlet: es la tragedia de la venganza y de la duda; en ella se plantea el conflicto interior del protagonisata y la venganza como medio de restituir el orden político y moral. Es su obra más comentada y en la que más trabajó. Se conocen hasta tres versiones sucesivas, es una obra de singular profundidad psicológica e intensa poesía.

Otros estudiosos distinguen en su obra tres periodos: 

Inicial (1590-1600): en el que destaca más la exigencia formal que la caracterización de los personajes. A esta etapa corresponden la mayoría de sus comedias. Los resultados son todavía imperfectos y no carecen de la madurez que se aprecia en su obra posterior. Se presta más atención a la trama y son obras más corales. Obras de temas patrióticos. Ej. Enrique VI, Romeo y Julieta, El sueño de una noche de verano.

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Plenitud (1601-1610): Alcanza una mayor perfección técnica y logra mayor hondura en sus protagonistas. Abandona progresivamente el verso a favor de la prosa. Es su periodo literario más próspero y en el que escribe sus mejores tragedias. Ej. El Rey Lear, Hamlet, Otelo.

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Final (1611-1616): Dominio de todos los recursos, crea algunas obras llenas de lirismo. Ej. La tempestad, Cuento de Invierno, Enrique VIII.

LOS SONETOS de Shakespeare Los 154 sonetos de Shakespeare fueron publicados en 1609 sin su autorización. En ellos habla de sus sentimientos más íntimos y sus convicciones más profundas. El escándalo los rodeo desde el primer momento de su publicación por su dedicatoria al misterioso W.H., que como hemos dicho antes, algunos identificaron con lord Southampton. Aunque su faceta lírica es menos conocida que su dramaturgia es también de una altísima calidad, tanto por la profundidad de los temas como la maestría que demuestra en el dominio del lenguaje. A diferencia de Dante y Petrarca sus versos no están dedicados por entero a una dama a quien se mitifica y constantemente se alude. Tres son las figuras a quienes van dedicados: el joven aristócrata y amigo (los primeros 126 sonetos), una misteriosa dama morena the dark lady, coqueta, infiel, caprichos y perversa (sonetos 127 al 152)y un poeta rival (sonetos 153 y 154) reaparece el joven del principio que al parecer ahora ha traicionado al poeta. El tema central es, en propias palabras del autor, the devouring time, el tiempo que todo lo devora, especialmente la belleza y la juventud, y que nos lleva irremediablemente hacia la muerte. Transmiten un hondo sentimiento metafísico que recuerdan al tonto e intensidad de los de Quevedo, aunque Shakespeare da al tiempo y al amor una vitalidad muy realista. El autor hace 8

suyo como nadie este tema ya propuesto por los clásicos, Ovidio y Horacio, llegando incluso a personificarlo y de alguna manera a desafiarlo con su obra. El soneto isabelino ese aleja del soneto italiano, está formado por tres cuartetos y un dístico final, a modo de estrambote rimado. Dramas de Shakespeare que han sido llevados al cine: Macbeth, Romeo y Julieta, Otelo, El rey Lear, Hamlet, La fierecilla domada, El sueño de una noche de verano, La tempestad, Ricardo III, Julio César, El mercader de Venecia.

Tiempo devorador, desafila las garras del león Y haz que la tierra devore su propio dulce retoño, Arranca los agudos colmillos de las crueles mandíbulas del tigre, Y quema en su sangre el fénix de larga vida;

Alterna en tu vuelo estaciones tristes y alegres Y haz todo lo que quieras, Tiempo de rápido pie, Al vasto mundo y a todas sus dulzura fugitivas; Pero yo te prohíbo un crimen, el más odioso:

Oh, no marques con tus horas la frente de mi hermoso amor, Ni traces líneas con tu antigua pluma, Déjalo intacto en tu carrera, Como modelo de belleza para los hombres a venir.

Oh bien haz lo peor, viejo Tiempo: a despecho de tu ultraje, En mis versos mi amor vivirá joven eternamente.

LA INFLUENCIA DE ROMEO Y JULIETA EN LA POSTERIDAD http://www.filomusica.com/filo15/l2.html (7/01/09): 9

Vincenzo Bellini (Catania 1.801 – Puteaux 1.835), procedente de familia de músicos. Aunque escribió abundante música religiosa y vocal de cámara, su producción más notable está compuesta por sus diez óperas, entre las que destaca "Capuletos y Montescos" (1.830). Posteriormente, el compositor ruso Piotr Ilich Tchaikovsky (Kamsko–Vótkinsk 1.840 – San Petersburgo 1.893), sintiendo admiración, como hemos comentado, por la obra de Bellini y animado por los máximos exponentes del nacionalismo musical ruso como RimskiKorsakov o Musorgski, compuso su primera obra importante y célebre: la oberturafantasía "Romeo y Julieta" (1.869). La obra de Tchaikovsky une la tradición musical de Occidente con su propia y romántica expresión. Sus composiciones serán muy conocidas por formar parte el repertorio habitual de las orquestas sinfónicas y por estar profundamente ligadas al ballet clásico. En cuanto a la escenificación en ballet, nos remontamos a Sergei Prokofiev (Sontsovka, Yekaterinoslav 1.891 – Moscú 1.953) quien compuso la partitura que le dio música a "Romeo y Julieta", siendo ésta un auténtico prodigio de música escrita para ballet del siglo XX. La exaltación del amor, de la comprensión y de la paz que traduce la música de Prokofiev elevará la discutida composición a la categoría de obra universal y al nivel que reclamaba la historia de William Shakespeare. En la actualidad, continúa existiendo esa fascinación por la historia de los dos jóvenes amantes que intentan vivir su amor adolescente, ajenos a los enfrentamientos de su posición social, fortuna y familias, cuya pasión incendiaria antecede a un final sangriento y trágico. En la gran pantalla, tenemos una nueva adaptación de la obra. Otra interpretación a destacar es la de Ainhoa Arteta. La soprano vasca, se enfrentaba ilusionada en el 1.999 a la ópera de Charles Gonoud, "Romeo y Julieta". A pesar de la complejidad de su papel, Ainhoa supo aportarle su personalidad, su punto de vista, su manera de hacer y su vocalidad; por lo que se produjo un interesante intercambio entre su personaje y ella, enriqueciéndose ambas. Volviendo al ballet, la Compañía Nacional de Danza, dirigida por Nacho Duato sobre música del mencionado Prokofiev, también llevó al escenario a "Romeo y Julieta"; afrontando éste su totalidad, desde la coreografía, el vestuario y la iluminación. De igual modo, el bailarín bilbaíno Igor Yebra desempeñó en escena el personaje de Shakespeare; siendo una novedad que decidiese estrenarse en el ballet completo de Berlioz, después de su consagración previa con la versión de Prokofiev. Con todo lo expuesto, he querido resaltar algunas de las vertientes que ha tomado la conocida tragedia de "Romeo y Julieta" de William Shakespeare, intentando transmitir el "feeling" que siento cuando me sumerjo en ella. Sentimiento que espero haber sabido llevar más allá de esta pantalla y que hayáis captado en mi artículo. http://iestableroliteraturauniversal.wordpress.com/2009/12/03/3-9-romeo-yjulieta-en-la-cultura-occidental/

(7/01/09)

3.9.- Romeo y Julieta y su influencia en la cultura occidental.

Su composición y trama ha tenido una profunda influencia en la cultura y arte occidental. Romeo y Julieta es una de las obras más escenificadas de Shakespeare. Ya lo fue en la época del autor. Asimismo, sus numerosas adaptaciones han pasado a convertirla en una de sus historias más famosas y perdurables. De las miles de obras y personajes que pueblan la Literatura occidental muy pocos logran convertirse en mitos, traspasar fronteras y ser conocidos por todas las capas de la sociedad. Al mismo nivel que Don Juan, el Quijote o la Celestina, Romeo es utilizado tanto en la lengua inglesa como en la castellana, como sinónimo de enamorado. De las obras de Shakespeare, es la que más ha generado variaciones, ya sean trabajos producidos en versos narrativos o en prosa, pinturas, dramas, óperas y composiciones corales, orquestales y de ballet, así como distintas versiones para cine y televisión. Para destacar la influencia en nuestra cultura quizá sea significativo constatar que más de 576,000 entradas en el Google hablan sobre “Romeo y Julieta”. Hagamos ahora un breve repaso por la influencia de esta obra en los distintos ámbitos de la cultura: Música Grandes compositores ya clásicos como Héctor Berlioz o Tchaikowski han creado obras centradas en la obra de Romeo y Julieta. Este último es el creador de la famosa melodía conocida como “tema de amor”. Ya en la segunda mitad del siglo XX el compositor de bandas sonoras, Nino Rota, compuso su propia banda sonora para una película de título homónimo. http://www.youtube.com/watch?v=FH80HYvYE2g Romeo y Julieta también ha influido en varias producciones de jazz, entre las cuales sobresalen la interpretación de Peggy Lee, “Fever”, en 1956, y la melodía “The Star-Crossed Lovers” del compositor Duke Ellington. Asimismo, la obra ha inspirado a diversos exponentes de la música popular. Entre ellos se encuentran The Supremes, Bruce Springsteen, Tom Waits y Lou Reed. No obstante, la pista más famosa del conjunto es el tema “Romeo and Juliet” de la banda de rock Dire Straits. http://www.youtube.com/watch?v=WoQQmVS3Ubk&feature=related Inspiró de igual modo uno de los musicales de teatro más famosos: West Side Story, musicalizado por Leonard Bernstein, y adaptado exitosamente en una película. La versión cinematográfica trasladó los sucesos del musical a una ciudad de Nueva York de mediados del siglo XX, mientras que las familias rivalizadas se convirtieron en pandillas. En cuanto al ballet y la ópera: Al menos unas veinticuatro óperas se han basado en Romeo y Julieta. La más antigua, Romeo und Julie, apareció en 1776. Siguen en mayor o menor medida la historia Shakesperiana. Ballet. La versión más conocida para ballet corrió a cargo de Sergéi Prokófiev. Arte De la misma manera, la obra ha sido ilustrada en innumerables ocasiones. Cine y televisión En la historia del cine se la considera como la tragedia más adaptada de todos los tiempos. Se sabe que la versión original de Shakespeare se filmó por primera vez en la era del cine mudo por Georges Méliès, aunque la película no ha conservado. Las producciones cinematográficas más famosas son el filme de 1936 (nominado a cuatro premios Óscar) y dirigido por George Cukor, la versión de 1968 del director Franco Zeffirelli y Romeo + Julieta de Baz Luhrmann. En su época, estas dos últimas se convirtieron en las cintas basadas en el legado de Shakespeare más exitosas de la industria. La película de Cukor que no recibió una entusiasta recepción durante su exhibición, fue criticada entre otras cosas por la considerable edad de sus protagonistas Lo más destacado de la película de Franco Zeffirelli fue la edad de los protagonistas, de dieciocho años y quince años, que sí correspondían a la edad de

los personajes de la obra originaria. La obra generó cierta controversia por las tomas de los protagonistas desnudos en la escena de luna de miel puesto que la actriz que interpretaba a Julieta era menor de edad en aquel entonces. Romeo + Julieta (1996), junto a su banda sonora, a los actores protagonistas (Leonardo Di Caprio y Claire Danes) tuvo un gran éxito de público. Un poco menos “oscura” que la versión de Zeffirelli, esta adaptación se sitúa en una “sociedad grosera, violenta y superficial”. No debemos olvidar la oscarizada Shakespeare in love, estrenada en 1998. En la trama se recrea una ficción de cómo desarrolló Shakespeare su tragedia del amor prohibido. También es importante la reconstrucción del ambiente del teatro isabelino.