Subasta Horno Pan y Vida by Galería Emilia Cohen

AGRADECIMIENTOS A LAS Y LOS GENEROSOS EXPONENTES DE LAS ARTES PLÁSTICAS QUE A TRAVÉS DE SU TRABAJO AYUDAN A ESTA NOBLE CAUSA

AGRADECEMOS

GENEROSIDAD

DE NUESTROS PATROCINADORES:

Galería Emilia Cohen, Fideicomiso Proviváh, Hispanoamericano Grupo Hotelero, Farmacéutica Hispanoamericana, PIGMALION Pharma, BRIT-AIR Respirando Bienestar, Zurich Pharma, Protube Quality Container y TECOMATE Reconstruyendo Ilusiones, tienen el honor de invitarlos a La Subasta a beneficio de pueblo de Tecomatlán Una vez más el arte, emerge y se solidariza con México, con la intención de fusionar fuerzas para impulsar la economía del pueblo de Tecomatlán, Estado de México. A consecuencia del sismo del pasado 19 de septiembre 2017, la comunidad sufrió daños en 61 viviendas con pérdida total, 32 en alto riesgo, 38 en riesgo medio y 15 en riesgo bajo, viéndose afectados también los centros de elaboración de pan artesanal (hornos y amasijos) principal fuente económica de la localidad. Dichas viviendas y hornos estaban construidas de adobe. En su mayoría los afectados son personas de escasos recursos y de edad avanzada, quienes a su vez emplean en promedio tres personas para colaborar en la elaboración artesanal del pan. Nuestra iniciativa esta enfocada en lo siguiente: • Reconstrucción de las viviendas afectadas. • Reactivación de la economía, ayudando a reconstruir las áreas de trabajo afectadas (amasijo y horno) de la principal actividad económica que es la producción de pan artesanal. La producción de pan artesanal es la fuente principal de ingreso (según datos obtenidos en el censo realizado en la comunidad), la población económicamente activa en un 62% se dedica a elaborar pan. Existen 201 pequeños establecimientos de producción de pan y en ellos trabajan frecuentemente 660 personas de distintas edades. Los recursos derivados de este esfuerzo serán entregados a la asociación PROVIVAH quienes cuentan con infraestructura y gran experiencia en construcción de viviendas. Esta sinergia busca principalmente mejorar la calidad de vida de esta población.

ÍNDICE ALFÁBETICO DE ARTISTAS ARTISTA

LOTE

PAG

ARTISTA

PAG

LOTE

Gunther Gerzso

19,20

Adrián White

100

Héctor de Anda

Alfonso Mena

25-27

Helio Montiel

28-30

Antoni Tápies

Herlinda Sánchez Laurel

Ariadne Nenclares

Humberto Oramas

Arturo Zapata

54,55

Ileana Sánchez

Carlos Ríos

41-44 24,25

Javier Ampudia

Javier Arévalo

1,2

Javier Cruz

16,17 12,13

Jesús Reyes Ferreira

39,40

Jesús Urbieta

52,53

93,94 57,58

Adrián Guerrero

Cecilia Lizcano

Cecilio Sánchez

48,49

Daniel Rodríguez

90-92

Dario Canúl-Cosijoesa

65,66

56,57

Demián Flores

Joao Rodríguez

Diego Narváez

Jorge Barrios

3-6

8,9

Enrique Ortega Espino

Jorge Moedano

Fabián Ugalde

Jorge Pinzon

Federico Cantú

José Lazcarro

72-74 47,48 45,47

Felipe Castañeda

José Sacal

Fernando Moreno

Joshua Horkey

Fidencio Castillo

Leonora Carrington

Francisco Zúñiga

Lissette Solorzano

Gabriel Macotela

23,24

Luis Canseco

Gerardo Azcunaga

Luis Nishizawa

33,34

105-113 33-37

ARTISTA

LOTE

PAG

Luis Re

Manuela Generali

Martín Coronel

11,12

Mauricio Alejo

Max Sanz

Moises Cervantes

37,38

79,80

61-63

Pablo Llana

Paola Pineda

Patricia Aguirre

13,14

Priscila Vergara

Rafael Coronel

Ricardo Pinto Gollas

Rodolfo Morales

31,32

Rodrigo Ramírez

87,88

Sergio López Orozco

21,22

Nestor Quiñones Nizaac Vallejo Norman Mooney Oscar Mendoza Pablo Bordon

Pedro Coronel

LOTE 1 Javier Arévalo México Gouache sobre papel 54 x 75 cm

LOTE 2 Javier Arévalo Box Gouache sobre papel 28 x 34 cm. 7

LOTE 3 Jorge Barrios Sin Titulo Mixta sobre madera 74 x 56 cm

LOTE 4 Jorge Barrios Mixta sobre madera 56 x 74 cm 8

LOTE 5 (arriba) Jorge Barrios Platillo Geneálogico Óleo sobre tela 96 x 141 cm.

LOTE 6 (abajo) Jorge Barrios La playa Óleo sobre tela 56 x 74 cm.

LOTE 9 Felipe CastaĂąeda Sin Titulo, 1997 Escultura en bronce 51 x 18 x 11 cm.

LOTE 10 Fidencio Castillo Sin Titulo Escultura en bronce 35 x 29 x 23 cm. 10

LOTE 11 Martin Coronel Sin titulo Céramica 22 x 11 c/u, tríptico

LOTE 12 Martín Coronel Sin titulo Céramica 67 x 24 cm

LOTE 13 Pedro Coronel Piedra Solar Serigrafía 95 x 70 cm

LOTE 14 Pedro Coronel Los Amantes Serigrafía 95 x 70 cm. 11

LOTE 15 Rafael Coronel Sin titulo Carboncillo sobre papel 20 x 26 cm.

LOTE 16 Javier Cruz Sin titulo Ă&#x201C;leo y arena sobre lienzo 140 x 120 cm 12

LOTE 17 (arriba) Javier Cruz Perfil Ázul Óleo sobre lienzo 120 x 160 cm.

LOTE 18 (abajo) Manuela Generalli Sin Titulo Mixta sobre papel 67 x 97 cm.

LOTE 19 Gunther Gerzso Estela azul, 1993 Grabado 76 x 56 cm.

LOTE 20 Gunther Gerzso Muro naranja y azul Grabado 86 x 57 cm. 14

LOTE 21 Sergio Lรณpez Orozco Recuerdos de Patzcuaro Mixta sobre papel amate manufacturado por el autor 58 x 86 cm.

LOTE 22 Sergio Lรณpez Orozco Lo que el sabio sabe Mixta sobre papel amate manufacturado por el autor 53 x 86 cm. 15

LOTE 23 Gabriel Macotela Sin titulo, P/A Grabado 49 x 37 cm. LOTE 24 (abajo) Gabriel Macotela Sin titulo, 1995 Grabado 22/40 29 x 46 cm.

LOTE 25 Alfonso Mena Sin Titulo Grabado 68 x 49 cm.

LOTE 26 Alfonso Mena Sin Titulo Grabado 64 x 40 cm.

LOTE 27 Alfonso Mena Sin Titulo Grabado 64 x 40 cm. 17

LOTE 28 Helio Montiel Sin Titulo Mixta sobre papel 70 x 94 cm

LOTE 29 Helio Montiel Sin Titulo Óleo sobre tela 140 x 140 cm

LOTE 30 Helio Montiel Sin Titulo Óleo sobre tela 140 x 140 cm 18

LOTE 31 Rodolfo Morales Músicos Litografía XXXII/L 50 x 65 cm.

LOTE 32 (abajo) Rodolfo Morales Sin Titulo Grabado 8 tintas 75 x 54 cm.

LOTE 33 (izquierda) Luis Nishizawa Langosta Grabado 59 x 21 cm. LOTE 34 (abajo) Luis Nishizawa Paisaje SerigrafĂa 235/1000 50 x 67 cm.

LOTE 35 Humberto Oramas Sin Titulo Mixta sobre madera 74 x 100 cm.

LOTE 36 Enrique Ortega Espino Para alcanzar la Luna AcrĂlico / tela / madera 100 x 80 cm. 21

LOTE 37 Nestor Quiñones Calavera Mixta sobre papel 35 x 32 x 47 cm.

LOTE 38 Nestor Quiñones Sin Titulo Mixta sobre tela 80 x 130 cm.

LOTE 39 (arriba) Jesus Reyes Ferreira Sin Titulo Gouache sobre papel 43 x 56 cm.

LOTE 40 (abajo) Jesus Reyes Ferreira Sin Titulo Gouache sobre papel 43 x 56 cm.

LOTE 41 Carlos Rios Paisaje, 1998 Mixta sobre papel 28 x 42 cm.

LOTE 42 Carlos Rios Paisaje, 1997 Mixta sobre papel 28 x 42 cm.

LOTE 43 (arriba) Carlos Rios Paisaje, 1998 Mixta sobre papel 28 x 42 cm.

LOTE 44 (izquierda) Carlos Rios Paisaje, 1998 Mixta sobre papel 42 x 28 cm. 25

LOTE 45 José Sacal Conejo Electroplateado 90 x 55 x 40 cm.

LOTE 46 José Sacal El Plateado Electroplateado 53 x 28 x 17 cm.

LOTE 47 José Sacal Gato Resina 90 x 60 x 30 cm.

LOTE 48 Cecilio Sรกnchez Sin Titulo Mixta sobre papel 38 x 57 cm.

LOTE 49 Cecili Sรกnchez Sin Titulo Mixta sobre papel 31 x 47 cm.

LOTE 50 Herlinda Sánchez El conejo que salió de la luna Óleo sobre tela 120 x 105 cm

LOTE 51 Antoni Tápies M. Ojos y Cruz Litografía firmada por el plancha 45 x 32 cm. 28

LOTE 52 Jesus Urbieta Sin Titulo Mixta sobre tela 39 x 59 cm. LOTE 53 Jesus Urbieta Sin Titulo Mixta sobre tela 38 x 58 cm.

LOTE 54 Arturo Zapata Erupción Óleo sobre tela 40 x 70 cm. LOTE 55 Arturo Zapata Tormenta Óleo sobre tela 40 x 70 cm.

LOTE 56 Francisco Zúñiga Sin Titulo Escultura en bronce 33 x 19 x 22 cm.

LOTE 105 Leonora Carrington Gran Dragomaquia Bronce 135 x 84 x 45 cm.

LOTE 106 Leonora Carrington Camaleรณn Bronce 70 x 50 x 35 cm. 33

LOTE 107 Leonora Carrington Extraterrestre Bronce 74 x 19 x 21 cm.

LOTE 108 Leonora Carrington Gato de la Noche Bronce 56 x 22 x 23 cm. 34

LOTE 109 Leonora Carrington Jaguar de la noche Bronce 18 x 68 x 36 cm.

LOTE 110 Leonora Carrington Mother Monkey Zignio plata, brillantes, zafiros y rubies 50 x 18 x 18 cm. 35

LOTE 111 Leonora Carrington Sol Nigger Zignio plata, brillantes, zafiros y rubies 48 x 22 x 22 cm.

LOTE 112 Leonora Carrington Mandiline Zignio plata, brillantes, zafiros y rubies 55 x 18 x 18 cm. 36

LOTE 113 Leonora Carrington Golem Plata 925, coral, turquesa y rubĂes 44 x 20 x 20 cm.

LOTE 57 Patricia Aguirre Ă&#x201C;leo sobre tela

LOTE 58 Mauricio Alejo Studio Still Life 4 Digital print originally scanned from 4x5 negative film 70 x 84 cm.

LOTE 59 Javier Ampudia De la Serie “A espaldas de la noche” Óleo sobre lienzo 95 x 75 cm. 95 x 75 cm.

LOTE 60 Gerardo Azcunaga Como saco lleno de colmillos Cerámica con engobe y mecate 84 cm. 42

LOTE 61 Pablo Bordon Periscopio Impresión Digital

LOTE 62 Pablo Bordon Templo Impresión Digital 53 x 50 cm.

LOTE 63 Pablo Bordon Créeme, mirame, salvame, ventilame Impresión Digital 32 x 40 cm c/u 43

LOTE 64 Luis Canseco Iztaccihuatl, promesa de amor y muerte, 2018 Pintura al grafito 180 x 180 cm.

LOTE 65 Dario Canul y Cosijoesa Colectivo Tlatolulokos Pides sufrimiento, pagas llorando

LOTE 66 Dario Canul y Cosijoesa Colectivo Tlatolulokos Nunca perdones, nunca olvides, nunca mueras AcrĂlico sobre tela 44

LOTE 67 (izquierda) Moises Cervantes Órbita Van Dyck Óleo sobre tela 150 x 120 cm.

LOTE 68 (abajo) Héctor de Anda Fragmentación en negro Grafito sobre madera 135 x 86 cm. c/u

LOTE 69 Demián Flores Espejo negro Vinyl de recorte y moldura de madera 160 x 121 cm

LOTE 70 Adrián Guerrero Disertación de posición Cerámica y acrílico sobre madera 160 x 121 cm. 46

LOTE 71 Joshua Horkey Rank & File - Pink Collage, mixta sobre panel de aluminio 61 x 61 cm.

LOTE 72 JosĂŠ Lazcarro Rojo Cadmio Metal porcenalizado 107 x 200 cm.

LOTE 73

(arriba)

José Lazcarro Organismo 3 Acrílico sobre tela y madera 120 x 120 cm.

LOTE 74 (izquierda) José Lazcarro Personaje 7 Acrílico sobre tela 80 x 50 cm. 48

LOTE 75 Cecy Lizcano e Israel Vรกzquez Umami Cerรกmica y esmalte metรกlico 33 x 25 x 14 cm.

LOTE 76 Pablo Llana Mc Death Envolturas recicladas de basura, donadas por una familia mexicana y americana / resina epoxy / tela 121 x 63.5 cm. 49

LOTE 77 Oscar Mendoza Exoesqueleto Óleo sobre tela 120 x 140 cm.

LOTE 78 Jorge Moedano Tres días III Óleo sobre tela 120 x 130 cm. 50

LOTE 79 (arriba) Norman Mooney Sin Titulo Humo y carbรณn sobre papel 97 x 137 cm.

LOTE 80 (abajo) Norman Mooney Sin Titulo Humo y carbรณn sobre papel 97 x 137 cm.

LOTE 81 (arriba) Fernando Moreno Árbol tormenta Tinta sobre papel 107 x 79 cm.

LOTE 82 (izquierda) Diego Narváez Edificio en Ruina Esmalte Plateado sobre placa de acrílico 81.5 x 54.5 cm. 52

LOTE 83 (arriba) Ariadne Nenclares Vietnam Plane, 2014 Grafito sobre papel 91 x 184 cm.

LOTE 84 (abajo) Paola Pineda Believe Digital draw on canvas 120x 130 cm.

LOTE 85 (arriba) Ricardo Pinto Gollas Fuga azul Mixta sobre tela 170 x 200 cm.

LOTE 86

(abajo) Jorge Pinzon

El Mago Ă&#x201C;leo sobre tela 150 x 150 cm.

LOTE 87 (izquierda) Rodrigo Ramírez Serie Tarkovsky / Stalker I Acílico y óleo sobre tela 200 x 150 cm.

LOTE 88 (abajo) Rodrigo Ramírez Stalker IV Acrílico y óleo sobre tela 180 x 180 cm.

LOTE 89 Luis Re El lugar donde nacen las estrellas Esmalte y poliuretano sobre madera 215 x 215 cm

LOTE 90 Daniel RodrĂguez Sin titulo Grabado P/A 98 x 68 cm. 56

LOTE 91 Daniel Rodríguez Sin titulo Grabado P/A 60 x 87 cm.

LOTE 92 Daniel Rodríguez Sin titulo Grabado P/A 60 x 87 cm.

LOTE 93 Joao Rodríguez Postales de un incendio Acrílico sobre tela 30 x 34 cm. c/u Políptico de 8 obras 57

LOTE 94 Joao Rodríguez Jardín con tejido Acrílico sobre tela 120 x 185 cm.

LOTE 95 Ileana Sánchez Exploración de la sociedad contemporánea II. De la serie México Metamórfico Collage, cintas adhesivas, láminas infográficas, papel holográfico.55 x 43 cm. 58

LOTE 96 (arriba) Max Sanz Siempre juntos Resina y metal 123 x 40 x 30 cm.

LOTE 97 (abajo) Lissette Solorzano Serie malecon FotografĂa 80 x 60 cm.

LOTE 98 (arriba) Fabian Ugalde Ovalos Controlados Vinyl mate / PVC canvas 130 x 130 cm.

LOTE 99 (abajo) Nizaac Vallejo Caminanes AcrĂlico sobre madera 46 x 56 cm.

LOTE 100 Adrián White Sin Titulo, Pulsos y Ausencias Grafito y medio acrílico sobre madera 30 x 30 cm.

MAS SOBRE LAS Y LOS ARTISTAS MARIA PATRICIA AGUIRRE VALLES Universidad Juárez del estado de Durango, escuela de pintura, escultura y artesanía licenciatura en artes visuales. Proyectos profesionales En el 2009 Fue curadora y restauradora de la colección de historia natural del instituto Juárez ,en 2010 Participación como colaboradora y primera mano en el proyecto mural paisaje histórico mexicano en colaboración con el artista José Luis Ramírez ,en el 2012 Participación como colaboradora y primera mano, del mural historia de la medicina, 2016 fue coordinadora del mural Los derechos pendientes del maestro José Luis Ramírez, 2012 selección de obra para la bienal Ángel Zarraga ,2018 selección de obra para el concurso Fermín Revueltas , menciones honorificas en el concurso Luis Donaldo Colosio, y en el concurso Francisco Villa. Exposiciones individuales 2010, exposición LOS 7 en la Galería Silvestre revueltas, 2012 Exposición METUS en la Galería seis dieciocho ,2013 Exposición RETROSPECTIVA en la galería Guillermo Ceniceros, 2016 Exposición LAS QUESADILLAS SIN QUESO, en la Galería El atrio ,2018 Exposición SANTUARIO, en el museo Palacio de los Gurza. Exposiciones colectivas Más de 25 exposiciones en galerías locales como la Seis dieciocho, Y museos como el Palacio de los Gurza, Museo Ángel Rodríguez Solórzano, Galería silvestre revueltas,2011, Plástica duranguense galería Germán Genovius teatro de la paz, San Luis Potosí, 2010 Colectivo Durango, Galería El Atrio Colonial Roma México D.F , 2010 Muestra plástica de Durango, foro cultural sátiro, México D.F

MAURICIO ALEJO Nació en la Ciudad de México en 1969. Obtuvo su Maestría en Arte de la Universidad de Nueva York en 2002, como receptor de la Beca Fulbright. En 2007, fue un artista residente en el Centro para las Artes NUS en Singapur. Ha recibido múltiples premios y subvenciones, incluida la subvención de la Fundación para las Artes de Nueva York en 2008. Su trabajo forma parte de importantes colecciones como la Colección Daros Latinoamérica en Zúrich. Su trabajo ha sido revisado en importantes revistas, como Flash Art; Noticias de Arte y Arte en América. Ha realizado exposiciones individuales en Nueva York, Japón, Madrid, París y México. Su trabajo se ha exhibido en el Instituto de Artes Contemporáneas de Wattis CCA en San Francisco; Museo Centro de Arte Reina Sofía en Madrid y la 8a Bienal de La Habana, entre otros lugares. Actualmente vive y trabaja en la ciudad de Nueva York. JAVIER AMPUDIA PACHECO Nació en Pinar del Río, Cuba, el 7 de abril de 1985. Entre el 2000 y el 2004 realizó estudios en la Escuela Provincial de Instructores de Arte de Pinar del Río en la especialidad de Artes Plásticas. Participó en “Academia 2001”, pasando los cursos de Dibujo y Acuarela en la Academia de San Alejandro, La Habana. En el año 2003 aprobó los exámenes de aptitudes para ingresar en la Academia de Arte en Minneapolis, Estados Unidos. En el año 2006 fue profesor de Dibujo de la Escuela Provincial de Instructores de Arte de Pinar del Río. Por un período de dos años (febrero del 2010– febrero del 2012) trabajó como Instructor de Artes Plásticas en los estados de Caracas y 62

Miranda en la República Bolivariana de Venezuela. Desde el año 2002 es miembro de la Asociación “Hermanos Saíz” (AHS). En el año 2014, es aceptado por el Consejo Nacional de las Artes Plásticas, el Fondo Cubano de Bienes Culturales y el Registro Nacional del Creador para ser miembro de dichas instituciones por medio de una autorización excepcional y a partir de una propuesta realizada por la AHS Nacional al Ministerio de Cultura. A partir del año 2014 es aceptado como miembro de la galería AXART en la ciudad de Drummond en Quebec, Canadá. En el año 2015 fue invitado al Mundial de la Cultura a realizarse en esa ciudad. JAVIER ARÉVALO Nace en Guadalajara, Jalisco el 29 de abril de 1937. En 1961 se traslada a la ciudad de México e ingresa a la Escuela Nacional de Artes PLásticas San Carlos. En este año participa en la Bienal de Grabado en Córdoba, Argentina. Al año siguiente gana una mención honorífica en el Primer festival Pictórico de Acapulco. Egresa de la Academia de San Carlos en 1964, donde recibe cinco premios de pintura. En este año viaja a Concepción, Chile, formando parte del grupo de trabajo del muralista Jorge Gonzáles Camarena. En 1965 es nombrado director de la Sección de Artes Plásticas de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Morelia, Michoacán. En 1966 recibe el Premio Nacional de Pintura, Guadalajara, México. En 1969 es distinguido con el Premio de adquisición del Salón Anual de la Plástica Mexicana y en 1970 el Primer Premio de Grabado en la Bienal de Tokio, Japón. En el año 2000 recibe el Premio Jalisco en Arte. Actualmente vive en la Ciudad de México y se traslada constantemente a Oaxaca y Guadalajara en donde realiza grabados. Entre sus exposiciones individuales destacan: Yo, el pintor, Museo de Arte Moderno

(Ciudad de México 1970), Exposición de la acuarela más grande del mundo “Un viaje al México profundo”, Centro Cultural de México en París (1982); Yo, el pintor, retrospectiva de Javier Arévalo, Salas Nacional y Diego Rivera, Museo Nacional del Palacio de Bellas Artes (Ciudad de México 1990), Yo el pintor, retrospectiva de Javier Arévalo, Instituto Cultural Cabañas (Guadalajara 1991), Javier Arévalo Exposición Antológica, Los Patios Gallery, San Antonio (Estados Unidos 1991), El México Mágico de Arévalo, Américas Gallery (Nueva York 1993), Solas las cosas van diciendo, Sala de Exposiciones del Centro Médico Nacional Siglo XXI (Ciudad de México 2000), De todas formas... Javier Arévalo me llamo, Museo José Luis Cuevas (Ciudad de México 2000), Cabezas de cabeza, IFAL, (Ciudad de México 2001), Solas las cosas van diciendo, Instituto Cultural Cabañas (Guadalajara 2001). GERARDO AZCÚNAGA Nació en Monterrey, Nuevo León (México), en 1958. Se ha dedicado a la escultura y afronta diferentes materiales como la cerámica, la madera y el metal. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas. Tiene un premio otorgado en 1990 por el Instituto Nacional de Bellas Artes, el Premio Estatal de Cerámica de Nuevo León de 1991, el Premio de Escultura en la Segunda Bienal del Museo de Monterrey, de1994, y el Premio adquisición de la Primera Bienal Nacional de Arte en Cerámica (Centro cultural Alfa, 1995), entre otros. Participó en Washington en la exposición que organizó el Instituto Cultural de México con el título “Sueño de la tierra: tendencias en la escultura mexicana del siglo XXI” (Dream of Earth: 21st Century Tendencies in Mexican Sculpture). El Washington Times escribió, citando al artista en el catálogo de la muestra, “La cerámica me da la oportunidad de hacer 63

escultura orgánica, expresionista, no limitada a los espacios previos como ocurre cuando se usa la piedra o la madera”. En 2003, Azcúnaga presentó “Cincuenta esculturas” en el Centro de las Artes de Monterrey. Ha expuesto en México, Estados Unidos, Canada, Puerto Rico, Cuba, Venezuela, Italia, Francia, Irlanda y Dinamarca. JORGE BARRIOS Nace en Tlaxiaco, Oaxaca, en la Mixteca Alta. En 1978 se traslada a la cd. De México D.F, donde realiza estudios de diseño en la Universidad Metropolitana y posteriormente ingresa a la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda. De 1980 a la fecha, ha participado en diferentes muestras colectivas como; La más reciente en Portugal, en Poca Gallery, exposición de postales, La Mar en Ti. (2014) y en el El CASA exposición 100 artistas dialogan con Posada (2013). San Agustín, Etla, Oaxaca, México. 2016 Expone Recuerdos para Iluminar, en el Sur de Francia. Galería del Olivier. Seleccionado para exponer en las Vegas, Nevada. Estados Unidos, en abril 2016, dentro de la exposición de Arte Latinoamericano. Becario del FOECAT (2003). Creadores e Intérpretes con Trayectoria. Tlaxcala, México. Primer lugar “3er. Concurso de Pintura Tlaxcala 2001”./ Premio de adquisición “Una Interpretación Moderna del Quijote”, Concurso Nacional de Estampa. Museo Nacional de la Estampa, Cd. De México. Ha Obtenido Menciones Honoríficas tales como; 1a. Muestra Gráfica U. V. y D. Museo Carrillo Gil, INBA/ 1er. Salón Anual Miniestampa, Museo Nacional de la Estampa. INBA/ IX Encuentro Nacional de Arte Joven Museo Carrillo Gil, INBA. A lo largo de su Trayectoria ha realizado Importantes Exposiciones Individuales, entre las que se encuentran; Sueños Irrelevantes en

Galería Casa de la Nube, (2013). / Sédiments de la Mémoire, Galeríe Art & Planéte, París, France (2010). / Pensée Sauvage. rencontré avec Jean – Claude Carriére – Librairie le Merle Moqueur (2010)./Amuletos. Galería Art & Planete París, Francia (2009). /Langage du corps. Galerie Art & Planéte, París, Francia (2006). / La Edad del Bosque, Museo de arte de Tlaxcala, México (2005). /Territorios del Sueño, Mexicanos Galería de Arte, D,F. (2000). / Raíces, Tlaxiaco, Oaxaca, México (2003). / Laberintos de Luz. Museo de la Memoria Tlax. México. (2002). /Pasajes. Galería Mexicanos. México, D.F. (1997). /En las Alas de la Memoria. I. T. C. Tlaxcala, México (1996). / Paisajes de Voces. Mexicanos Galería de Arte México, D.F, (1992). / Paisajes Deletreados. Galería José María Velasco, México DF. (1991). PABLO V BORDÓN Nace en Cuba, donde realiza estudios en el Instituto Superior de Arte (ISA), Facultad de Artes Visuales y en la Academia de Artes San Alejandro ambas en La Habana Cuba. Ha participados en diferentes muestras de arte, tales como: D`PRENSA, en Casa Oswaldo Guayasamin. La Habana, Cuba. Proyecto DOMO, Exposición colateral a la XII Bienal, Instituto Superior de Arte, Cuba. · Altamira. Exposición Colateral a la XII Bienal de La Habana · Luz a tu propia química, Exposición colateral a la XII Bienal, Instituto Superior de Arte, Cuba · Muestra (senseLAB). Centro de Desarrollo de las Artes Visuales. La Habana. Cuba · Versión de los hechos” Pabellón Cuba, La Habana. Cuba · Zip. Fundación Ludwig de Cuba, La Habana, Cuba · II Edición de Zip. Galería 718, La Habana, Cuba · III Edición de Zip. Academia Nacional de Bellas artes San Alejandro · Colateral a la XII Bienal de La Habana. 64

Ha participado en varios talleres entre los que se encuentran: Taller de new media. Intercambio con la Universidad de Estocolmo, Suecia y la Universidad de las Artes (ISA), La Habana, Cuba. SenseLAB. Taller de intercambio con estudiantes y profesores de la Universidad de las Artes (ISA), la Habana, Cuba y la Alanus University of Arts and Social Sciences, Alter, Alemania. Taller de fotografía. Sala Villena de la UNEAC. La Habana, Cuba. Encuentro de conferencias sobre “curaduría” y “mercado del arte” impartido por la especialista Mayra Sosa. Centro de Desarrollo de las Artes Visuales. Taller de diseño “What you see is what we’ll get, impartido por los profesores Mathieu Meyer y Michael Zehnder. Academia de Bellas Artes San Alejandro. La Habana Cuba.

Canseco busca recalcar las posibilidades matéricas del dibujo y la gráfica expandida, es así que ha sido seleccionado por el FONCA 2017-2018 en la categoría dibujo. Actualmente desarrolla proyectos educativos de iniciación artística para niños y jóvenes, cabe decir que cuenta con un espacio de residencia -galería -taller de arte contemporáneo enfocado a las exploraciones y análisis de prácticas sobre la instalación. El proceso de investigación-intervención sí tiene que ver con el tiempo y la memoria. La expansión del grafito, su movilidad y riqueza tonal me permite llegar a crear un paisaje que no sólo queda como imagen, sino que también me remite a un paisaje pasado construido en mi presente.

LUIS DANIEL CANSECO Nacido en Oaxaca de Juárez, Oaxaca. el 18 de mayo de 1986, Luis Daniel Canseco Soto (Luis Canseco) es Artista Plástico y Visual con especialidad en Gráfica, por parte de la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca (UABJO) y de arte contemporáneo, en las Clínicas Especializadas en Arte Contemporáneo (CEACO). En 2007 obtuvo el primer lugar de Grabado en el 475 Aniversario de la ciudad de Oaxaca además de su distinción en la Bienal de Grabado José Guadalupe Posada (2009). Actualmente, su obra se encuentra en diversas colecciones privadas en países como: España, Holanda, Bélgica, Inglaterra, Alemania y China y Estados Unidos, su estilo de arte se ha podido apreciar en exhibición en diversos estados de la república como: Oaxaca, Ciudad de México, Guadalajara, Aguascalientes Nuevo León, Zacatecas, Coahuila, Tlaxcala, Quintana Roo y Puebla, este último lugar es donde reside actualmente.

FEDERICO CANTÚ GARZA Nace el 3 de marzo de 1907, Cadereyta Jiménez, México - 29 de enero de 1989, Ciudad de México. Fue un pintor, grabador muralista y escultor mexicano. Desde que tenía 14 años de edad, Cantú estudió arte en Escuelas de Pintura al Aire junto con Ramos Martínez. También fue cofundador del Salón de la Plástica Mexicana y la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Demostró talento artístico desde sus primeros años, pintando de una manera realista desde su infancia y adolescencia Homenaje a Lord Byron 1929. Sus logros artísticos revolucionarios le trajeron fama universal. Se convirtió en un favorito de la coleccionista de arte estadounidense MacKinley Helm,6 quien comenzó a adquirir sus dibujos y pinturas, y las exhibió en el Museo Metropolitano, el Museo de Santa Bárbara, Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Filadelfia Museum. 65

A partir de 1943 enseñó en “La Esmeralda”. Después de 1949 fue profesor en la Universidad de California.7 A partir de 1951 se dedicó principalmente a pintar murales en casas particulares. En 1960 empezó a producir relieves y escultura emblemática del Instituto Mexicano del Seguro Social (IMSS) y la Lotería Nacional. Creó su último monumento en la Universidad Autónoma de Nuevo León, un monumento a Alfonso Reyes, en 1988 y Porfirio Barba Jacob 1988. DARIO CANÚL Y COSIJOESA, COLECTIVO TLATOLULOKOS Son originarios de Tlacolula de Matamoros, Oaxaca, y a través de la pintura, arte mural y video buscan ser una alternativa para visibilizar la cultura actual de ese estado, atravesada por la violencia y la globalización, como un contraste al estereotipo del arte oaxaqueño lleno de color y folclor. Además de réplica, la obra de los Tlacolulokos también funge como espejo en el que las personas de ascendencia oaxaqueña pueden trazar su historia y ejercer la autocrítica. Los murales de los Tlacolulokos también muestran cómo la migración ha transformado la vida en ambos lados de la frontera. Su obra habla de la partida de parejas al migrar, de la dificultad de criar a hijos cuando las familias están separadas. La tristeza que emiten unos de los personajes apunta a la batalla para adaptarse en un nuevo país y preservar los lazos familiares, todo frente a la discriminación que los oaxaqueños han enfrentado históricamente. LEONORA CARRINGTON Nació el 6 de abril de 1917 en el pueblo de Chorley, en Lancashire, Inglaterra. En 1936 ingresó en la academia Ozenfant de arte, en la ciudad de Londres. Al año siguiente conoció a quien la introdujo

indirectamente en el movimiento surrealista: el pintor alemán Max Ernst, a quien volvió a encontrar en un viaje a París y con quien no tardó en establecer una relación sentimental. Durante su estancia en esa ciudad entró en contacto con el movimiento surrealista y convivió con personajes notables del movimiento como Joan Miró y André Breton, así como con otros pintores que se reunían alrededor de la mesa del Café Les Deux Magots, como por ejemplo el pintor Pablo Picasso y Salvador Dalí. En 1938 escribió una obra de cuentos titulada La casa del miedo y participó junto con Max Ernst en la Exposición Internacional de Surrealismo en París y Ámsterdam. En México, la pintora restableció lazos con varios de sus colegas y amigos surrealistas en el exilio, quienes también se encontraron en ese país, tales como André Breton, Benjamin Péret, Alice Rahon, Wolfgang Paalen y la pintora Remedios Varo, con quien mantuvo una amistad duradera. En los ochenta Leonora comenzó a fundir esculturas en bronce, sus temas se refieren a las múltiples realidades que confronta la realidad de la vejez. Por otra parte Carrington tuvo un genuino interés por la alquimia y los cuentos de hadas con los que creció, interés que se percibe en su obra pictórica y escultórica. Fue ganadora del Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes, otorgado por el gobierno de México en 2005.

FELIPE CASTAÑEDA Nació el 16 de diciembre de 1933 en Michoacán, México. Él es un escultor de renombre internacional y es un hombre de gran sensibilidad y enorme talento. Sus exposiciones se han celebrado en los Estados Unidos, México y Europa. 66

En 1962, se casó con su esposa Martha y él comenzó a trabajar para el Museo Nacional de Antropología de la Ciudad de México. Fue en este momento en que Castañeda se convirtió en asistente de Francisco Zúñiga, escultor de renombre mundial. Emprendió un camino para perfeccionar su capacidad de crear esculturas de piedra. Es el ejemplo clásico de que el estudiante comenzó su carrera bajo la inspiración de un maestro escultor y luego superarlo. Su formación inicial con Zúñiga hizo el escultor que es hoy. Castañeda crea esculturas en mármol, ónix y bronce. Su concentración es la forma femenina. El tema de la mujer es el centro de su creatividad ... esposa, madre, amante y amigo. Él representa a sus rodillas, de pie, sentado, reclinado y el estiramiento - la captura de todos sus estados de ánimo. Cada una de las mujeres que el artista crea es misterioso y provocativo. Ellos tienen las proporciones perfectas, debido a su profundo conocimiento de la anatomía humana. Sus esculturas se ejecutan en el estilo greco-romana de la belleza. Su mármol y ónix una vez terminado, brillan como joyas pulidas. FIDENCIO CASTILLO Nació en Etzatlán, Jalisco en 1907. Inicia la práctica escultórica de manera autodidacta (1937) Expone en el Salón de Arte Mexicano y Museo de Arte Moderno (1958; Primera Bienal de Escultura (1962); Primer Salón de Pintura y Escultura Contemporánea Jalisciense, Guadalajara, Jalisco (1964); Segunda Bienal de Escultura, Museo de Arte Moderno (1967). Recibió el primer lugar en escultura en la Exposición de Pintura y Escultura del Instituto Nacional de Bellas Artes (1959)

Mención Honorífica, Exposición Nacional de Escultura Mexicana Contemporánea, Alameda Central de la ciudad de México (1960). Fue profesor de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Donó en 1972 a la ciudad de Guachinango, Jalisco una estatua de don Miguel Hidalgo y Costilla ubicada en la Plaza de Armas, modelada en bronce por él y Rosa Castillo. Muere en 1993. Su trabajo se expuso en México y en el extranjero, incluidas ciudades como Tokio y Kurashiki durante la Exposición de Arte Mexicano en 1995 y en Phoenix, Arizona en 1967. MOISES CERVANTES El trabajo de Moises Cervantes se puede describir como realismo narrativo. Especializado en pintura al óleo, comenzó a pintar a los 14 años y comenzó a vender profesionalmente a los 23 años después de varios años. Estudiando con artistas independientes y en el Instituto de Bellas Artes de México. Tuvo su primera exposición individual en 2016. Ha participado en dos programas para el joven artista en FONCA (Instituto de Artes y Cultura de México) y su trabajo forma parte de varias colecciones en México y otros países. PEDRO CORONEL Zacatecas, 25 de marzo de 1923-Ciudad de México, 23 de mayo de 1985, fue pintor, escultor, dibujante y grabador. Estudió pintura y escultura en La Esmeralda (1940-1945). Durante su estancia en París frecuentó los talleres del pintor Victor Brauner y del escultor Constantin Brâncuşi que influyeron en gran medida su proceso artístico (1945). Su primera exposición individual (1954) fue en la Galería Proteo, Ciudad de México, donde su exposición llamó la atención al Premio Nobel mexicano 67

Octavio Paz. Más tarde exhibió en Francia, Italia, Japón, Estados Unidos y Brasil. En su último periodo que vivió en París su arte mostró, diferentes facetas (dibujos) subyugando en el erotismo de las formas naturales, de una apreciable madurez estética y artística. En 1984 recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes. En los años de 1957 y 58 participa en varias exposiciones colectivas, en la ciudad de México, D.F. en 1959, exhibe con el título Los Habitantes, en el salón de la Plástica Mexicana y su cuadro La Lucha obtiene el Primer Premio en el Salón Nacional de Pintura, organizado por el INBA y también participa en la Première Biennale de Paris. Manifestation Biennal et Internationale des Jeunes Artiste en el Musée d´Art Moderne de la Ville de Paris. En 1960 exhibe en el Museo de Arte Moderno en el Palacio de Bellas Artes. Presentación de Justino Fernández. Dedicada la exposición al crítico de arte Raúl Flores Guerrero. También obtiene el Premio de Pintura José Clemente Orozco y la Mención Honorífica Especial en Escultura, en la Segunda Bienal Interamericana de Pintura, Escultura y Grabado, organizada por el INBA en el Palacio de Bellas Artes. Participa en la exposición Mexican Art from Pre-Columbian Times to the Present Day, expuesta en la Vancouver Art Gallery, Vancouver; en la National Gallery of Canada, Ottawa y en el Montral Museum of Fine Arts, Canadá. Al año siguiente, en 1961 viaja a Europa, reside en París y exhibe en la Galería Le Point Cardial, París. Presentación Octavio Paz. Y participa también en la Sexta Bienal de Sao Paulo, Brasil. Además participa en la Segunda Bienal de Jóvenes Pintores, París.

RAFAEL CORONEL Artista y pintor mexicano. Nació en la ciudad de Zacatecas, en 1932. Hizo estudios en la Escuela Nacional de Arquitectura, en la Ciudad de México, y luego pasó a cursar estudios en la academia High American School. A partir de 1956 ha presentado exposiciones de su obra en México, Estados Unidos, Japón, Puerto Rico y Brasil. Ha obtenido el Premio Córdoba en São Paulo, Brasil, (1965) y el Primer Premio en la Bienal de Tokio, Japón (1975). Sus pinturas tienen una sobriedad melancólica, e incluyen caras de los “últimos grandes amos”, flotando a menudo en una calina difusa. Existe obra suya tanto en museos de México como en el extranjero. En lo que fuera el Convento de San Francisco de Almoloyan y de Asis (edificación del siglo XVI), de la ciudad de Zacatecas, se erige un museo que lleva su nombre; en él se exhibe su vasta colección de máscaras donadas por el propio artista. Se distinguen dos etapas en su obra: la primera figurativa, hasta 1960, y la segunda (a partir de 1970) abstracta, caracterizada por un estupendo manejo del color y la luz. Su plástica reproduce motivos prehispánicos. JAVIER CRUZ Uno de los artistas mexicanos contemporáneos mejor posicionados y más reconocidos en México y en el extranjero. Es un creador plástico muy completo a través de sus bien facturadas pinturas, esculturas, grabados, arte objeto, escenografías y murales, ya que las realiza con una técnica muy mesurada y complicada. Su producción se inscribe dentro del neo-informalismo ya que sus matéricas obras presentan evocaciones oníricas llenas de controversiales sentimientos transmitidos por estratos rugosos con variaciones de arenas sílicas, unidas a 68

una exquisita variedad cromática con características luminosas que contrastan entre sí: por su gran variedad de tonos azules, rojos cardenales, marrones, amarillos rubios y verdes esmeraldas, que en conjunto o de manera individual, crean una energía gestual y expresiva, concebida a través de una muy estudiada técnica que da como resultado atmósferas variantes. Con sus exposiciones ha estado presente en México, Estados Unidos, Suiza, España, Japón y Cuba. Sus piezas son parte del acervo del Instituto Nacional de Bellas Artes, Museo de Arte Moderno y Museo Nacional de la Estampa en la ciudad de México. En el extranjero: Galerie und Verlang en Suiza, Instituto de Cultura en Puerto Rico, Latin Art Gallery y Osaka Foundation of Culture en Japón, Pascu Pascuale Col., en Italia, Raquel Palacios Gallery en New York y William P. Bruder Architec, en Phoenix. Además de que sus obras pertenecen a notables coleccionistas privados y a una nueva generación de estos. HECTOR DE ANDA Nació en San Juan de los Lagos, Jalisco México, artista autodidacta. Estudio Teatro en la Facultad de Filosofía y Letras, UNAM, México, Historia del Arte y Fotografía en la Academia Lorenzo di Medici, Florencia, Italia y Taller de serigrafía en la Academia de San Carlos, Taller de Fotografía con la maestra Yolanda Andrade en la Academia de San Carlos, México. Selección de distinciones: Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte 2011/ 2014 2014 VI Bienal Nacional de Artes Visuales de Yucatán, Mérida, Yuc, México. 2012 II Bienal de Arte de Beijing, China, Museo Nacional de Arte, China 2008 II Bienal de Arte en Vidrio, Museo del Vidrio, Monterrey, N.L. México. 2004 Primavera Kunst Salon Rotterdam,

Holanda.; Homenaje artista del mes: Museo de la SHCP, Antiguo Palacio del Arzobispado, Ciudad de México. XI Seleccionado Contemporary Latin American Art Broward Community College, Miami, Florida. Selección de obra en acervo: Museo Universitario de Arte Contemporáneo, MUAC, Ciudad de México. Museo de Arte Contemporáneo Fernando García Ponce –MACAY, Mérida, Yuc. Museo de Arte de la SHCP, Antiguo Palacio del Arzobispado, Ciudad de México. Museo del Vidrio, Monterrey, N.L., México. Museo de Arte Contemporáneo de Aguascalientes, MAC8, Aguascalientes, Ags., México. Museo de Arte de Monterrey –FEMSA, Monterrey, N.L., México. Museo de Arte Moderno de Cartagena de Indias, Colombia. Obra en importantes colecciones: Museo de Monterrey, Nuevo León · Museo Fernando García Ponce / MACAY, Mérida Yucatán · Museo de Arte Antiguo Palacio del Arzobispado, SHCP, México D.F · IAGO, Ciudad de Oaxaca, Oax. · Museo de Arte Contemporáneo 8, Aguascalientes, Ags. · Museo de Arte Contemporáneo de Cartagena, Colombia · Biblioteca de la Universidad de Valencia, España. DEMIAN FLORES Nace en Juchitán de Zaragoza, Oaxaca; 1971. Es un artista contemporáneo mexicano que trabaja en diferentes medios de arte. Ha trabajado en artes gráficas, pintura, serigrafía y más trabajos que mezclan normalmente imágenes de su infancia en Juchitán con las imágenes relacionadas a la Ciudad de México moderna. También incluye la mezcla de imágenes de la cultura pop con el pasado icónico de México. Mucho trabajo de Flores ha sido asociado con dos talleres artesanales encontrados en Oaxaca llamado “La Curtiduría” y el taller “Gráfica Actual”. Este trabajo incluía eventos 69

relacionados con el Conflicto magisterial de Oaxaca y la restauración de una iglesia del siglo XVIII. Su trabajo ha sido exhibido en el continente americano y Europa Las principales exhibiciones individuales de su trabajo incluyen “Construcción de una nación” en el Instituto de Bellas Artes (2012), “Estucos” en Casa Lamm (2012), “Mix Teco Sound” en Galería Cero en Oaxaca (2012), “Estarcidos” en Galería Ginocchio (2011), “La Patria” en Galería en Talmart en París (2011), “Demián Flores en el Festival Río Loco” en Toulouse (2011), “Cómo ser Goleador” en varias partes de Sudamérica (2011), “VS” en el Centro de Formación de la Cooperación Española en La Antigua Guatemala (2010), “La Patria” en Casa Lamm(2010), “Epigrafía” en el Museo de Arte Moderno en la ciudad de México (2010), “El Triunfo” en Galería Ethra (2010), “Talayi” en la Escuela de Béisbol en San Bartolo Coyotepec (exhibición permanente), “Aztlán” en el Museo de Arte Carrillo Gil y el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca(2009), “Zegache” en Galería Drexel en Monterrey y Casa Lamm en la ciudad de México (2009), “Juchilango” en Casa Lamm (2008), “Bidxaá” en Galería Manuel García en Oaxaca (2007), “Pinturas” en Galería Hilario Galguera en México City (2007), “Arena México” en el Museo de la Ciudad de México y otros (2006), “Match Dual Presence” en la Universidad Autónoma de Baja California -CECUT en Tijuana y Fisher Gallery USC (2006), etc. Flores es uno de los más conocidos artistas contemporáneos de México. Envuelto en muchas disciplinas como pintura, artes gráficas, dibujo, serigrafía, video y otros objetos de arte como un carro modificado. Sus pinturas tienen una calidad tal, que parecen sueños y son mezclas del pasado y del presente de México como lo es el dios Quetzalcoatl, guerreros prehispánicos, figuras de fertilidad femenina, pirámides, Benito Juárez y personajes de historietas.

MANUELA GENERALI Conocida como Manuela Generali (Lugano, Suiza, 1948), es una pintora que reside en México desde 1978.1 Su trayectoria registra más de 15 exposiciones individuales y 160 colectivas, en distintos países. Estudió en el Saint John Cass College (1967-1968) y en la Wimbledon School of Arts (1968-1969), en Londres, Inglaterra. Llegó a México en 1978, donde cursó la carrera de Artes Visuales (1979-1983) en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Desde 1979, su obra se ha exhibido en exposiciones individuales en México (Ciudad de México, Monterrey, Morelia) y Estados Unidos (Atlanta y Nueva York); y en exposiciones colectivas en China (Pekín), El Salvador (San Salvador), Estados Unidos (Coronado, California; San Antonio, Texas; y Washington DC), Canadá (Toronto), Francia (París), Brasil (Sao Paulo), España (Madrid), Ecuador (Cuenca), Kenia (Nairobi) y Suiza (Lugano). En 1981, cuando todavía era estudiante de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, realizó, junto con Gustavo Aceves, el mural El turno del ofendido, en la biblioteca del Colegio de Ciencias y Humanidades (CCH) Naucalpan, de la UNAM, que hasta la fecha forma parte del patrimonio artístico del plantel. Varias obras de Manuela Generali forman parte de diversas colecciones de instituciones públicas y privadas, en México, Suiza y Mónaco. GUNTHER GERZSO (17 de junio de 1915 – 21 de abril de 2000) fue un artista plástico mexicano de ascendencia húngaro-alemana que se destacó como pintor, diseñador de escenarios, escritor y director de teatro y cine, y que formó parte del movimiento artístico conocido como “La Ruptura”. 70

En 1939 Bernard Pfriem convenció a G. Gerzso a participar en la exhibición anual del Museo de Arte de Cleveland, donde expuso dos cuadros. Paulatinamente Gerzso comenzó a considerarse más un pintor que un diseñador. Desde 1944 radicó permanente en la Ciudad de México, junto con su esposa, y se integró al grupo de destacados artistas surrealistas que vivívan refugiados en México en tiempos de la Segunda Guerra Mundial. Ellos eran Benjamin Péret, Leonora Carrington, Remedios Varo, Alice Rahon y Wolfang Paalen. La obra de G. Gerzso muestran su profunda apreciación artística bajo una influenza conjunta de Europa y México. Sus lienzos al óleo incorporaban aspectos de arte precolombino dentro de un marco surrealista y cubista. Luego el artista fue evolucionando hasta llegar a su famoso arte abstracto. Octavio Paz calificó a G. Gerzso como uno de los grandes pintores de América Latina, quien junto con Carlos Mérida y Rufino Tamayo contrapusieron su trabajo al movimiento ideológico-estético que caracterizaba al muralismo mexicano. En 1973 a G. Gerzso le fue otorgada una beca de la Fundación Guggenheim. En 1978 recibió el Premio Nacional de Bellas Artes de México. La Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas lo reconoció con dos “Arieles” honorarios en 1994 y el 2000. El renombrado artista falleció el 21 de abril de 2000. ADRIÁN GUERRERO 1975. Guadalajara, México. Vive y trabaja en Guadalajara. Arquitecto (ITESO). Maestría en Filosofía y Ciencias Sociales (ITESO). Imparte el taller de Escultura en Cerámica de la Universidad ITESO. Ceramista autodidacta desde 1990. Con una actitud contemplativa, apoyado en los fundamentos de la filosofía y la arquitectura, Adrián Guerrero construye su trabajo a partir de una postura fenomenológica.

Su obra se ha caracterizado a lo largo de los años por ser una búsqueda continua de tramas, estructuras lógicas y sistemas subyacentes que parten invariablemente de lo sencillo, de la sorpresa de lo pequeño y lo cotidiano. Es posible interpretar su trayectoria como una elipse que permanentemente regresa –aunque renovada- al camino recorrido, retomando y reinterpretando inquietudes que se han vuelto una constante en su trabajo. Sin dejar de lado su pasión por la cerámica en sus diferentes técnicas, crea piezas, objetos e instalaciones con diversos materiales y soportes como lo son fotografía, video, dibujo, escultura y pintura. Premios y Selecciones: Premio ”Ciudad de Vénissieux” VII Bienal Internacional de Cerámica de Manises, España Seleccionado de CERCO 2006; premio internacional de cerámica contemporánea de Zaragoza, España · Museo de la cerámica contemporánea, Santo Domingo, Republica Dominicana · Seleccionado de la III bienal de cerámica utilitaria museo Franz Mayer, Mexico D.F. · Jurado del Premio Nacional de la Cerámica 2007, Tlaqueaque, México · Mención de Honor VIII Bienal Internacional de Cerámica de Manises, Valencia, España 2007. Seleccionado de la IV Bienal de Cerámica utilitaria Museo Franz Mayer, México, DF. Seleccionado de la IX Bienal Internacional de Cerámica de Manises, Valencia, España 2010. Jurado del Premio Nacional de la Cerámica 2010, Tlaquepaque, México · Seleccionado 57 Faenza Prize, Italia. · Seleccionado de CERCO 2011; premio internacional de cerámica contemporánea de Zaragoza, España · Seleccionado de la Bienal Nacional de Artes Visuales de Yucatán 2011 · Mención de Honor, Bienal Internacional de cerámica GYEONGGI Korea 2011. Residencia 10DAYS GYEONGGI Korea 2011 · Beca PECDA, Conaculta y Gobierno del Estado de Jalisco. 2014 71

JOSHUA HORKEY Nació en Windom, Minnesota, en 1976, de padres creativos que promovieron sus habilidades artísticas a lo largo de su juventud. En 1994, Joshua asistió al Instituto de Moda de Moda y Diseño en Los Ángeles y a la Facultad de Arte y Diseño de Minneapolis en 1999, antes de establecerse en el sur de California en 2001 para continuar su carrera. Poco después, creó y lanzó Generica, una línea de ropa centrada en el arte que fue aclamada como un éxito considerable. Generica se disolvió años más tarde con muchas temporadas de productos, distribución internacional, prensa y galerías para destacar. Horkey estuvo en Seattle en 2008 diseñando ropa para Nordstrom, viajando por el mundo y desarrollando su proceso artístico. Su movimiento más reciente lo llevó a Florida en 2011, donde, luego de una exitosa carrera como diseñador y artista gráfico en la industria de la confección, Joshua se enfoca por completo en la creación de Bellas Artes. Horkey ha adquirido una gran experiencia en moda, fotografía y diseño gráfico, todo lo cual ha influido en el estilo de sus esfuerzos artísticos. Actualmente, Joshua está utilizando materiales recuperados como superficie para agregar múltiples capas de imágenes, tipos y texturas. Los medios mixtos se utilizan para crear un fondo de significado intuitivo. Tomar fuera de contexto las imágenes cómicas de la posguerra da una sensación de familiaridad y homogeneidad al punto focal. Los temas particulares implican la introspección y los sentimientos a menudo polarizantes que induce. Con su experiencia de vida diversa, educación y perspicacia profesional; Joshua Horkey está creando su arte con una curiosidad infinita y un enfoque constante que no dejará pasar esta oportunidad.

JOSÉ LAZCARRO Ciudad de Puebla, 27 de febrero de 1941, es un artista plástico, académico e investigador que ha desarrollado su oficio artístico en distintos ámbitos como el grabado, la pintura, la escultura, el arteobjeto, el ready-made, la arquitectura, el diseño de mobiliario y fuentes, así como en la construcción y experimentación con materiales diversos. Desde la década de 1970 ha participado activamente en el proceso de formación de grupos de creación artística en México, además de ser fundador de la licenciatura de Artes plásticas de la Universidad de Arte (UNARTE), haber sido fundador y coordinador de la carrera de Artes plásticas de la UDLAP (Universidad de las Américas Puebla), ambas en el estado de Puebla, en México. Su obra se ha expuesto en países como Guatemala, Colombia, Chile, Argentina, Estados Unidos, España, Canadá y Rumania, destacando su participación en diversas bienales de litografía y grabado. Su obra se caracteriza por el diálogo entre la geometría, la textura y el color; y, según, el crítico de arte Ramón Almela, en su lenguaje abstracto se encuentra “la expresión de una existencia humana única, que es la impronta de su estilo apareciendo en el transcurso de los años. Su pintura se convierte en la mediación de una experiencia pura en sentido espiritual”. Ha realizado numerosos murales desde 1961 en distintas instituciones y edificios, como la Sala de Lectura de la Biblioteca Central de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), el Departamento de Artes de la Universidad de Nuevo México en Alburquerque, el edificio de Humanidades de la Universidad de las Américas Puebla, el William O. Jenkins de la ciudad de Puebla, la Biblioteca Central de la Universidad Popular Autónoma de Puebla (UPAEP), entre otros. 72

Su más reciente mural está ubicado en el Mercado de Sabores de la ciudad de Puebla. Es director del proyecto escultórico del Parque metropolitano del estado de Puebla, además de ser miembro del Consejo ciudadano de cultura de la ciudad de Puebla y fundador del taller de arte Washi-Zokei de la Universidad de las Américas Puebla. Actualmente es profesor del departamento de Artes Plásticas en la Universidad de las Américas Puebla, maestro de grabado en el Molino de Santo Domingo, en la Ciudad de México y profesor del Taller de Pintura en esmalte a fuego en la Escuela Nacional de Pintura y Escultura La Esmeralda, del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), también en la Ciudad de México. Algunas de sus piezas están incluidas en la Colección de Arte UDLAP, incorporada en 2014 al Google Art Proyect. ISRAEL VÁZQUEZ Y CECILIA LIZCANO Son dos artistas mexicanos que trabajan juntos para abordar temas de un aspecto social utilizando la escultura con elementos pictóricos e instalaciones. Volviendo al cuerpo humano, pero con la visión de que la humanidad misma está en un estado cambiante en lo social, cultural, político y natural, creando una sensación contemporánea en sus proyectos. Ambos están fuertemente influenciados por la cultura japonesa, los videojuegos, las noticias y la vida cotidiana. Cecilia Lizcano nació en Chihuahua, México, en 1988; desde pequeña tuvo contacto con las artes con la pintura al óleo a la edad de 6 años y con otros cursos de pintura y dibujo a lo largo de su vida. Ella comienza a estudiar la universidad en la universidad de Bellas Artes en Chihuahua dejando la carrera sin terminar para estudiar en la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado “La Esmeralda” (ENPEG “La Esmeralda”) en la ciu

ciudad de México en el año 2009. Israel Vázquez nació en la ciudad de México en 1986, creció en las afueras de la ciudad. Hijo de un tallador de madera barroco tradicional e influenciado por su hermano mayor, que era un artista conceptual y pintor. En su adolescencia, decide escribir cuentos cortos que lo llevan a formar parte de un periódico local de la ciudad de México a la edad de 17 años como periodista. Allí trata muy de cerca las cuestiones políticas y sociales. Después de eso, tomó algunas clases de video hasta que finalmente decidió ingresar en la carrera de artes visuales en 2009 en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (ENPEG “La Esmeralda”) en la ciudad de México. Cecilia e Israel se conocieron en la carrera artística y comenzaron una relación que los lleva a combinar su trabajo formal. Este híbrido es la base de los proyectos de estos dos artistas que se pueden observar en los espacios públicos urbanos, como también se puede apreciar en la sala tranquila de una galería. PABLO LLANA Vive y trabaja en Tijuana, México. Originaria de la ciudad de Tijuana. Se graduó en artes en la Casa de la Cultura de Tijuana. De 2000 a 2002, fue alumno del “Programa de Profesionalización Artística para Artistas Visuales” (PROPAVIS) que se imparte en el “Centro de Humanidades de Baja California”, con el apoyo de CONACULTA, incluidos artistas y profesionales destacados como: Felipe Ehrenberg, entre otros. otros. Ha participado en más de 40 exposiciones colectivas locales e internacionales. Entre sus exposiciones individuales más recientes se encuentran: “Sweet Death” Gallery Art Virus LTD Frankfurt, Alemania, “Oaxaca from Acá” Museo Textil de Oaxaca, Oaxaca. 73

“MOUTHFUL” en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, “I Code Community” en El Museo Centro Cultural de Tijuana y entre los colectivos se encuentran: “Grupo 16” Subasta de arte contemporáneo, Ciudad de México, “Pop Up Experience Segunda edición” Ex Convento San Hipólito, Ciudad de México, “Arte Vivo 2018” Subasta de arte contemporáneo, Museo de Arte Moderno, Ciudad de México, “Emerging to Established” Krause Gallery, Nueva York, “Cruel Summer” CM Curatorial Gallery, San Diego California, “Pink” Castelli Art Center, Los Angeles California, “Involuntary Memory” K2 Gallery, Monterrey México, “Mexico” Frankfurter Volksbank Frankfurt , Alemania, Participación en el proyecto de Demian Flores, pala de la Bienal de La Habana Cuba, “El collage como objeto encontrado” Espacio Arterial, Ciudad de México, VIII Bienal Internacional de Banca 2014 Centro Cultural de Tijuana CECUT, Tijuana BC México, “Arrópame desde los pies “Colchonetas tradicionales y actuales Antiguo convento de San Pablo Oaxaca, México,” Obra Negra: un acercamiento a la construcción de la cultura visual de Tijuana “Museo del Centro Cultural de Tijuana”, Tijuana me hace feliz. Multidisciplinariedad en la frontera “en el Consulado de México en Los Ángeles, California y “La Frontera” en la Galería Art Virus Ltd. Frankfurt, Alemania, entre otros. Su obra forma parte del patrimonio cultural del Museo Centro Cultural de Tijuana CECUT. Ha obtenido menciones honoríficas en las siguientes bienales: 3a Bienal de Arte Contemporáneo de Cancún, México (2017), 14a Bienal de Artes Visuales del Noroeste (2013), 5a Bienal Nacional Bienal Looks (2012), 13a Bienal de Artes Visuales del Noroeste (2011) y la XII Bienal de Plásticos de Baja California 1999

seleccionada en las siguientes bienales: XII Bienal de Pintura Joaquín Clausell (2017), Bienal Nacional de Artemergente de Monterrey (2015), Novena Bienal de Puebla de los Ángeles, Poder hoy. Galería de la Universidad del Ibero Puebla (2013) entre otras. Acreedor del primer lugar en la 6a Bienal Nacional Miradas (2014), sus piezas se encuentran en colecciones nacionales e internacionales. SERGIO LOPEZ OROZCO Nace en la Ciudad de México en 1946 Intenta, con diversidad de recursos, devolverle a objetos hechos en papel, cualidades votivas o propiciatorias, no con relación a un ritual preestablecido sino a la materia elaborada con tensiones poéticas. La materia en bruto no tiene expresión alguna, es necesario transfigurarla por medio de la invención. En el esfuerzo el alma deja su huella y lo obtenido se relaciona, sin proponérselo, con los más remotos e inescrutables orígenes de una tradición tan antigua y arraigada como el uso de figuras recortadas en papel de amate para ceremonias de curación o de brujería. Esta costumbre se originó en tiempos prehispánicos y perdura hasta el presente, cuando el papel elaborado con la corteza de amate se ha popularizado como soporte para pintura, recubrimientos y otros usos decorativos o artísticos. El ritual para espantar males del cuerpo y del espíritu con un gran aro de tramadas deidades recortadas en papel no se practica en cualquier sitio. El chamán o la chamana deben oficiar en cuevas consagradas o en rincones domésticos organizados para el caso en torno a un bracero central con fuego purificador GABRIEL MACOTELA Guadalajara, 7 de agosto de 1954, es un pintor, escultor, grabador, dibujante, escenógrafo, editor y músico mexicano. 74

Realizó sus estudios en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) y completa su formación en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, en el taller del maestro Gilberto Aceves Navarro. En 1977 funda Cocina Ediciones y en 1985 la librería El Archivero. A partir de 1976 realiza exposiciones individuales en la Ciudad de México y Monterrey. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en México y en el extranjero, tanto de pintura, escultura, y libros de artistas en Francia, India, Cuba, Brasil, Estados Unidos, Alemania y España. Macotela recibió el reconocimiento del Fonca y se convierte en miembro del Sistema Nacional de Creadores (SNCA) durante el periodo 1993-1996. Selección de premios: Premio de adquisición. Salón Nacional de Pintura del INBA. Palacio de Bellas Artes. México, Mención Honorífica en la I Bienal de Cuenca. Cuenca, Ecuador. Bienal Juguete Arte-Objeto. Museo José Luis Cuevas. México, D.F. Ingreso al SNCA del Fonca. México, D.F. Reingreso al SNCA del Fonca. México, D.F. ALFONSO MENA Nació en 1961 en la Ciudad de México. Estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” INBA, México, D.F. Ha sido Maestro de Artes Plásticas de la ENAP. A lo largo de su carrera ha recibido becas y reconocimientos en México y el Extranjero. Entre bienales, ferias, concursos, salones y colectivas, ha participado en mas de noventa exposiciones. Su obra forma parte en museos y colecciones privadas en diferentes partes del mundo. Actualmente trabaja y vive en México-Nueva York.

OSCAR WILFREDO MENDOZA MANCILLAS El pintor y grabador Oscar Wilfredo Mendoza Mancillas (1959) Durango, México, se graduó de la carrera de Artes Visuales en la Universidad Juárez de Durango con un grado de pintor, escultor y grabador. Su concepto plástico se ubica en el terreno del neoexpresionismo y su signo más distintivo es el uso del relieve basado en lienzo, pintado, rasgado, arrugado y rematado con hilo de cáñamo. Para el crítico y curador, Erik Castillo, estos son los argumentos que hacen del trabajo de Mendoza un punto de referencia obligado en la escena artística. Su trabajo ha sido influenciado, entre otros, por Matias Grunewald, Otto Dix, David Alfaro Siqueiros y Francis Bacon. Figura en colecciones de arte de España como la Fundación Jimenez Godoy en Murcia. Ha obtenido premios en concursos como la Bienal Tamayo, la pintura y el grabado Alfredo Zalce. Bienal de Arte, Eugenio Cauduro Bienal Internacional de dibujo grabado con láser. JORGE MOEDANO Artista mexicano que explora la pintura al óleo en superficies no convencionales, como maderas y metales convexos, cóncavos e irregulares. Su estilo de pintura fragmentada despierta una experiencia óptica en referencia a la percepción, el tiempo y el espacio. Los despliegues y los incendios se describen como ambientes clásicos de su trabajo, donde los temas principales son los extremos de la calma y los desastres. Jorge Moedano trabaja con técnicas y valores como sombras y luz desde las profundidades del silencio. Experimentar constantemente con la naturaleza del movimiento en perspectivas tridimensionales, donde el silencio proviene de la tempestad, en lugar de la calma. 75

Actualmente, Jorge Moedano continúa experimentando con un efecto tridimensional, donde evoca un efecto realista de locomoción. HELIO MONTIEL Nació el 5 de junio de 1955 en la ciudad de México. Es egresado de la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado “La Esmeralda” del Instituto Nacional de Bellas Artes, y curso hasta el tercer semestre de arquitectura en la ENEP Acatlán. Trabajó en la restauración de la iglesia de Santa Teresa, Loreto, La Profesa y Santa Veracruz del Centro Histórico de la ciudad de México. Ha sido dibujante de libros de texto de primaria y secundaria en la CEMPAE y profesor de dibujo de imitación en el colegio Amado Nervo. Ha realizado 13 exposiciones individuales, entre las que destacan Apocalipsis y otros temas, en la galería del Auditorio Nacional y Obra reciente, Pintura reciente, Más allá de la razón y Frutas, en la Galería de Arte Contemporáneo. También ha participado en 19 exposiciones colectivas, entre ellas: Ha sido dibujante de libros de texto de primaria y secundaria en la CEMPAE y profesor de dibujo de imitación en el colegio Amado Nervo. Ha realizado 13 exposiciones individuales, entre las que destacan Apocalipsis y otros temas, en la galería del Auditorio Nacional y Obra reciente, Pintura reciente, Más allá de la razón y Frutas, en la Galería de Arte Contemporáneo. También ha participado en 19 exposiciones colectivas, entre ellas: Voraz fuego ebrio, museo Carrillo Gil, Proyecto AKASO, Centro cultural MUSAS (Sonora) Europalia, Museo de Arte Moderno de Bélgica, Rooted visons, Arte mexicano de hoy, Museo de Arte Contemporáneo Hispánico de Nueva York, Nueva pintura mexicana, Espacio Pierre Cardin, Francia ¿Buscar lo real? museo de San Carlos (2012) ¿Neomexicanismos?(2012) museo

de arte moderno, Piedra , papel o tijera(2014) Dentro de los premios y distinciones obtenidos, destacan: Mención especial, XV Concurso Nacional de estudiantes de artes plásticas, Aguascalientes y Museo de Bellas Artes (1979) Invitación, XXXVI Festival Internacional Cervantino (2008) Invitado, Festival Entijuanarte (2010) Dar en el clavo(2014). NORMAN MOONEY Nació en Dublín, Irlanda, en 1971. Estudió en la Crawford College of Art and Design en Cork y completó su BFA en la National College of Art en Dublin en 1992. Luego recibió el distinguido honor de participar en el programa de Tercer Grado. en el Museo Irlandés de Arte Moderno de 1992 a 1993. En 1994 se mudó a la ciudad de Nueva York y ha estado exhibiendo a nivel local e internacional durante más de 20 años. Las exposiciones recientes incluyen, Lo que sucede hoy durará para siempre en Causey Contemporary en Nueva York, Reunión en Brooklyn presentada en Landcommanderij, Alden Biesen en Bélgica. Norman hace obras que son a la vez físicas y metafísicas. Sus obras exploran las sinergias elementales y cíclicas de la naturaleza. Materialidad, patrón, escala y experiencia son preocupaciones clave dentro de su práctica. Norman realiza esculturas, instalaciones interiores y exteriores, dibujos y obras sobre papel, su metodología es de experimentación y proceso con materiales como humo, vidrio, acero y resina. RODOLFO MORALES 8 de mayo de 1925 en Ocotlán de Morelos, Oaxaca - 30 de enero de 2001 en Oaxaca de Juárez, México. Fue un pintor surrealista mexicano, que incorporó elementos de realismo mágico en su 76

obra, como el lienzo surrealista titulado “El sueño”. Fue notable por su restauración de edificios históricos en Ocotlán. Junto con Rufino Tamayo y Francisco Toledo, creó en Oaxaca un centro de arte contemporáneo para fomentar la creación artística. Tanto él como Francisco Toledo han sido considerados como los artistas más reconocidos de México durante la década de los setenta. Selección de murales 1954 Palacio municipal de Ocotlán de Morelos, Oaxaca, México 1962 Escuela Preparatoria No. 5, Ciudad de México 1980 Rincón de los Bosques Restaurante, Ciudad de México 1986 Fresco en la Escuela Preparatoria No. 5, Ciudad de México 1994 Hotel Royal Pedregal, Ciudad de México 1198 Visión de un artista mexicano sobre Francia, Metro de la Ciudad de México FERNANDO MORENO La imaginación ha sido desde tiempos milenarios uno de los motores desde donde construimos el mundo. El desahogo sensible que se vierte en la imaginación nos permite analizar, desde el pensamiento crítico, la implicación de las construcciones imposibles. Gran parte de lo que nos rodea mantiene activa esa parte inconciente que absorbe todo lo posible que es transformado y llevado a la praxis a través de la expresión formal. Fernando Moreno juega en su gráfica con estas situaciones imposibles, nos conduce por paisajes dislocados de la realidad invitándonos a expandir las posibilidades de nuestra realidad concreta.,El vínculo entre el interior y el exterior práctico/simbólico se expresan desde lo absurdo hasta lo lúdico en su práctica artística. Cuenta con más de 40 exposiciones en México y en el extranjero

DIEGO NARVÁEZ HERRASTI Ciudad de México, 1984. Vive y trabaja en la ciudad de México. Diego está interesado en trabajar junto con el paisaje y no solo representarlo. Por este motivo, busca pintar y dibujar en el desierto, así como en los entornos urbanos, reflejando cómo afectamos nuestra realidad cuando nos acercamos al paisaje y cómo el lugar influye en nuestra percepción. Diego obtuvo su BFA de la Facultad de Artes y Diseño –UNAM (2004-2008). Posteriormente participó en el Seminario de Pintura Contemporánea en la misma institución (2008-2010). En 2017, recibió el Primer Premio en la Primera Bienal Nacional de Pintura Luis Nishizawa. En 2011 recibió una Mención de Honor de la VII Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce. También fue seleccionado en la I Bienal de Pintura Pedro Coronel (2008). Narváez ha recibido tres veces el apoyo del Programa de Jóvenes Creadores - FONCA (2010, 2013 y 2017). En 2014 participó en los programas de residencia ofrecidos por el Centro Hafnarborg y HEIMA en Islandia. En 2012 participó en la Residencia Artística en las Bases Antárticas Argentinas. Después de estas residencias, Diego trabaja a través de proyectos específicos, que se derivan de diversas series de trabajo según las formas en que se acerca al paisaje. Narváez ha presentado las siguientes exposiciones individuales: Urban Trace, 1 Mes 1 Artista, Ciudad de México (2017); Hinterland, NUUN Art Space, Oaxaca, México (2016); Decay + Glory, L Gallery, Ciudad de México (2016); Innefable Visions, Centro Cultural del México Contemporáneo, Ciudad de México (2015) y Landscape in Transformation, Anahuacalli - Diego Rivera Museum, Ciudad de México (2014). Destacan colectivamente las siguientes exposiciones: Aftershocks: La imaginación colectiva del terremoto de 1985, 77

Museo de la Ciudad de México, Ciudad de México; Sur Polar IV. Museo del Tigre, Buenos Aires, Argentina; Realidades compartidas, Banco de México, Ciudad de México; Hacia una nueva figuración en la pintura contemporánea mexicana. Galería de Bellas Artes Aldama, Ciudad de México; El milenio visto a través del arte, importantes museos en México. El trabajo de Diego se puede encontrar en varias colecciones, destacándose: Banco de México, Grupo Milenio: El Milenio visto a través del Arte, Colección del Estado de México, Kaluz, Arte Mexicano, Promoción y Excelencia, Aldama Fine Art, Abogados de Amozurrutia, Wolf Pharma ARIADNE NENCLARES Nació en la Puebla, México. Artista Visual egresada del Instituto Nacional de Bellas Artes, Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda, Diplomado en pintura con Rafael Flores Zúñiga Universidad Iberoamericana. Selección de exposiciones individuales Camuflaje- Casa de la cultura Puebla sala Juan Cordero, Puebla; Efecto camuflaje Casa de Cultura en Tehuacan, Puebla; Efecto camuflaje Casa de Cultura en Tehuacan, Puebla. Premios y adquisiciones: 1er lugar pintura Arte Club Reforma, Beca jóvenes creadores del estado de Puebla, Beca por parte de la Secretaria de Educación Publica, Mención Honorífica Bienal de Pintura Gómez Palacio Durango, Durango, Mención Honorífica en Arte Joven 2007, Banco Banamex, reconocimiento a nivel nacional. Publicaciones: Periódico Reforma sección Arte club, Revista cambio referente al arte bélico. Canal de Veracruz exposición de Camuflaje. Sol de Puebla Exposición en la casa de Cultura. Mención destacada en el sitio Notimex, Blog Aguascalientes “Arte Joven 2007.

LUIS NISHIZAWA FLORES Hacienda de San Mateo, Ixtacalco, Cuautitlán; 2 de febrero de 1918-Toluca de Lerdo, 29 de septiembre de 2014, fue un pintor mexicano. Conocido por su personal estilo dentro de la figuración en el arte, en el cual parte de un exquisito y expresivo realismo hasta un expresionismo con una importante carga de la cultura oriental, en la cual evidencia sus raíces mexicanas y japonesas. Distinguido por la gran cantidad de pinturas de caballete y la calidad en cada una de ellas, los paisajes hacen distinguir dentro de los trabajos de Luis Nishizawa, esto es un enriquecedor ejercicio a quienes pueden contemplar sus proyectos, con gran sencillez el maestro expresa ante el público su gran conocimiento de las técnicas pictóricas como la cera y resina el encausto y la yema de huevo con agua. “La pintura no tiene significados; yo espero que la persona que ve el cuadro lo complete o lo mejore” (Luis Nishizawa). Fue nombrado Maestro Emérito y Doctor Honoris Causa de la Universidad Nacional de México, Premio Nacional de Artes (1996), el gobierno de Japón le otorgó el premio “Tesoro Sagrado del Dragón”, la emisión de una estampilla postal conmemorativa por parte del correo mexicano. Miembro Numerario de la Academia de Artes y “Creador Artístico” del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, entre otros. Su obra está presente en diversos lugares: Unidad del Seguro Social de Celaya, Gto; Centro Cultural Martí de la Ciudad de México; Estación del metro Keisei de Narita, Japón; Centro Cultural Universitario, México D.F.; Archivo General del Estado de México, Toluca, Estado de México; Procuraduría General de la República, Ciudad de México; Secretaría de Educación Pública, México, D.F, entre otros. Han formado colecciones de sus obras las siguientes instituciones: Museo de Arte Moderno. México D.F 78

Instituto Nacional de Bellas Artes. México D.F.; Museo de Arte Moderno Kioto, Japón; Museo Shinanu Nagano, Japón; Museo Carrillo Gil. México, D.F. Museo de Arte Moderno del Centro Mexiquense de Cultura Toluca, México; Museo de la Estampa Mexicana, Bulgaria; Museo de la Estampa, México; Museo de la Cultura de la Cía.. Mikubisi. Yokohama, Japón; Museo de las Bellas Artes Toluca, México. También tiene obras en la Colección de Bancomer, Comermex, Cía.. Resistol, y en colecciones privadas de México, Japón y EUA. La producción pictórica que ha aportado el maestro Luis Nishizawa a la cultura y plástica mexicana ha sido constantemente distinguida, gracias a ello cuenta con reconocimientos por sus aportaciones, otorgadas por (CONACULTA) Consejo Nacional para la Cultura y las Artes o de la (UNAM) Universidad Nacional Autónoma de México. HUMBERTO ORAMAS Nacio en Ciudad de México en 1948 y fallecido en Coyoacan, México D.F. en 2004 o 2005. Oramas es un artista prolífico. Ha exhibido en diversas galerías, local e internacionalmente. Oramas ha incursionado en diversas técnicas: dibujos (con pluma) altamente detallada, dibujos a las tintas coloreadas y también a los aceites sobre otras superficies. En los ultimos 15 años incursiono, con maravilloso talento, en el oleo sobre caoba y oleo sobre tela en tamaños grandes. El estilo de Oramas se puede llamar levemente surrealista. Sus composiciones implican caras y figuras humanas. Oramas ha exhibido sus trabajos extensamente en México. En la escena internacional del arte él ha exhibido en Bélgica, los Estados Unidos, y Canadá.

ENRIQUE ORTEGA ESPINO Nace en la Ciudad de México en 1953. Realizó sus primeros estudios en la Escuela Popular de Bellas Artes en la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo y, posteriormente, en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, del Instituto Nacional de Bellas Artes y en la Universidad de Guadalajara. Ha complementado su producción artística con la docencia en el Centro de Educación Artística “Miguel Bernal Jiménez” de la capital michoacana, en la Universidad de Morelia y en la Universidad Latina de América, actualmente se desempeña como docente en la Facultad Popular de Bellas Artes de la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo. También ha participado en diversas ponencias sobre arte contemporáneo, así como ediciones bibliográficas y hemerográficas. Su obra se ha expuesto múltiples ocasiones en el plano individual y colectivo a nivel nacional e internacional. PAOLA PINEDA Me inspiro en el retrato y las constantes batallas internas de la compleja experiencia del “ser”. Uso el color para improvisar sobre lo que sucede en lo más profundo de nuestra alma, en el conflicto o, también, en la alegría y sus múltiples posibilidades Tomo la cara como punto de partida para ser la ventana de nuestro interior. Luego, busco resonancias y espejos que expresen esos universos ocultos. Mi proceso creativo es una búsqueda constante de buscar de manera diferente el aliento íntimo de cada ser humano. Utilizo cualquier tipo de técnica (temperamento, óleo, acrílico, prismacolor, pluma, carbón vegetal) para que aparezca la alucinación instintiva y, por lo tanto, identifique al personaje común que se convierte en el protagonista de mi hoja en blanco. 79

El resultado son piezas que provocan o despiertan curiosidad en el uso extremo de la línea y sus tonos. A veces poética y cuidadosa, y otras fluida y exagerada, busco la armonía sin sentido. Vivo enamorado de lo simple y lo complejo al mismo tiempo. Decido, con mis pinceles, abrazar todos sus contrastes. Creo en la libertad total y vivo tomando riesgos. No quiero tener la limitación de alguien que pinta solo lo que tiene sentido. Yo trabajo en series. Esto me permite profundizar en todos los bordes relacionados con la cara, agotando todos los medios de expresión. También exploro en la actualidad, los medios digitales. Me dejo pasar y obedezco a ciegas. Quiero comprender todos los misterios: del color, de la expresión humana y aquellos que revelan la estética, incluso donde no parece haber ninguno. RICARDO PINTO GOLLAS Artista plástico, estudia arquitectura y la mayor parte de su formación como artista plástico en la ciudad de Guadalajara, y desde hace varios años radica en la ciudad de Oaxaca. Las obras de Pinto tienen la particularidad de ser técnicamente muy complejas, de apariencia áspera y llena de texturas. La presencia de Ricardo Pinto como representante de la pintura abstracta oaxaqueña fortalece la relación y el intercambio de la producción plástica entre dos Estados: Oaxaca y Zacatecas, que hoy por hoy , se distinguen en el ámbito nacional. JORGE PINZÓN Pintor autodidacta, arquitecto graduado en Colombia. Su interés por la arquitectura como campo semiótico, como lenguaje estructurado, fue crucial para él como artista, para poder articular sus obras de arte por medio de arquetipos universales.

Después de graduarse, trabajó como profesor de diseño, investigador y diseñador independiente. Después de ese período parte de Colombia y decide dedicarse exclusivamente al arte. Vivió y exhibió sus pinturas en Panamá, España, Cuba, Estados Unidos y ahora en Oaxaca (México). Durante ese tiempo, la pregunta fue solo una: observar y luego pintar, cómo la cultura afecta nuestro comportamiento y la percepción de nosotros mismos. En México, viví 8 meses con un grupo indígena chinanteco en las montañas de Oaxaca, preguntándoles y aprendiendo con ellos sobre la influencia que tiene el alma en la materia. Durante los últimos diez años, su investigación y pintura constantes se han basado en los aprendizajes de esa experiencia, aplicándola a sus observaciones sobre cómo la cultura modela o modela la percepción del yo en nuestros tiempos. Después de haber expuesto en varios países, galerías y museos, ha decidido permitirse una experiencia más personal en su trabajo, creando con más cuidado y eligiendo tratar y comunicar su arte de manera cercana y personal en su estudio a visitantes y coleccionistas para discutir y Comparte las pinturas. Actualmente vive y trabaja en el campo de Oaxaca en compañía de su familia y 23 perros y gatos rescatados. NESTOR QUIÑONES Pintor autodidacta, Quiñones nace en la ciudad de México en 1967. Ha expuesto en muestras colectivas desde 1986 e individuales desde 1990 en museos y galerías de México, Estados Unidos y Europa: Galería OMR México, D.F; Museo Carrillo Gil México, D.F; The Institute of Contemporary Art Boston, USA; Galería Grace Bohernich NY; ARCO Madrid; Espacio Medici, Bruselas, Bélgica; MUCA Roma, Italia entre otras. 80

Sus obras forman parte de diversas colecciones privadas, de museos, fundaciones y galerías. RODRIGO RAMÍREZ RODRÍDUEZ Nació el 9 de junio de 1988 en el Distrito Federal. Entre 2007/2011 estudió Artes Visuales en “La Esmeralda”. Paralelamente a la escuela, trabajó en el taller alemán Venegas con el que también tomó clases de dibujo y pintura. Por su interés en la filosofía, tomó cursos de filosofía del cine en la Biblioteca de Cine de la UNAM con la Dra. Sonia Rangel. Actualmente cursa una maestría en artes visuales en la UNAM. Ha expuesto en lugares como el Museo Británico Americano, la Fundación Sebastián en el Distrito Federal, el Museo de la Ciudad en Querétaro, la Biblioteca Vasconcelos, la Galería Libertad para el Concurso de Pintura Julio Castillo 2015 y el Museo Manuel Felguérez. Recientemente realizó la residencia de Zona_seis en la Galería Luis Adelantado en la que participó el curador Guillermo Santamarina para la selección y el proceso de producción. Al final del período de residencia, formó parte de la exposición colectiva Historias de la Materia, que se celebró en la misma galería. Ha participado en la feria Zona Maco México. Obtuvo la beca FONCA para Jóvenes Creadores en dos ocasiones, 2012 y 2016 respectivamente. Ha sido revisado en algunas publicaciones de exposiciones colectivas, como el suplemento de Arte en el semanario Proceso de Blanca Gonzales. O en el periódico Reforma. Recientemente realizó una exposición individual en la Galería Luis Adelantado titulada La imagen absente. Su pintura intenta, desde la manipulación poética y plástica de las imágenes, acceder a una experiencia del mundo en la que los medios de comunicación y los mecanismos efectivos de comunicación y dominación pierden efectividad.

LUIS RE Luis Guillermo Ramírez Ezquerra 1974 Ciudad de México. Estudio Licenciatura en Arquitectura. Universidad Tecnológica de México. México, D.F. y Maestría en Artes Visuales. Academia de San Carlos- Instituto de Estéticas. UNAM-ENAP. México, D.F. Selección de exposicones: “Me reproduzco al tocarte“ Galería La Estación arte contemporáneo LAEC. Chihuaua. Ch, México. “Fantasmas de mi corazón. Te amare por siempre, siempre.“ Museo DIEGO RIVERA ANAHUACALLI. DF, México. Catalogo. Textos Mariana Botey y Alejandra Labastida. Junta tu Monstruo dolido con el Mío. Galería Emilia Cohen. México, DF- (catalogo texto Luz Sepúlveda) Game Over. Proyecto individual contra de la guerra. Antigua estación de trenes de Pachuca. Pachuca, Hgo.., México Frontera Estereo. Galería Marie-louise Ferrari. Jalapa, Ver., México Circo Borderlains. Galería Nina Menocal. México, DF. Cuando todos se hayan ido te mostraré mi corazón. Galería Balance. México DF. La Derniére Confession. Galerie Gora. Montreal, Canadá. JESUS REYES Y FERREIRA (CHUCHO REYES) Guadalajara, Jalisco, 17 de octubre de 1880 - Ciudad de México, 5 de agosto de 1977, fue un pintor, coleccionista y anticuario mexicano. Incorporó en su obra, a través de una visión contemporánea, íconos y materiales de la cultura popular mexicana, principalmente el papel de China. Dentro de su obra incluyó referentes, materiales y gamas cromáticas inspiradas en las artesanías y la cultura popular mexicana. Trabajó diversos materiales, destacando sus obras hechas con gouache sobre papel de China. 81

En 1962 realizó su primera exposición individual en el Palacio de Bellas Artes. La última etapa de su vida viajó por distintos países. Su obra fue expuesta en galerías internacionales como Foggs Museum de Boston y la Galería Haymarket de Londres.

JOAO RODRÍGUEZ MURILLO Artista Visual. Nace en Empalme, Sonora, México. Radica en Guadalajara, Jalisco, México desde 1985. Imparte clases en la Licenciatura de Artes del Instituto Cultural Cabañas

CARLOS RIOS La Habana Cuba 1958. Paisajista cubano egresado de la carrera de arquitectura en el Instituto Superior Politécnico de La Habana. Llegó a México en 1994 y su primera incursión en el arte de la pintura fue en 1995 cuando participa como finalista en la exposición del Concurso Nacional de la Acuarela organizado por el Museo Nacional de la Acuarela. De ahí en adelante, el artista empieza a presentar su obra de manera individual y colectiva en galerías e instituciones culturales del país y el extranjero; además ha participado destacadamente en ferias de arte internacional como Arte Latinoamericano Merrill Lynch, entre otras. De 1965 a 1977 realiza cursos de artes plásticas en el sistema de casas de cultura de la enseñanza cubana. En 1975 comienza a participar en exposiciones de plástica en la provincia de La Habana y ciudad de La Habana, sobre todo en salones de paisaje. 1982-1985 Desarrolla el primer sistema de perspectiva esférica geométricamente fundamentada. 1986-1994 Se dedica al diseño y toma cursos de diseño, cerámica, grabado y fotografía. Participa en exposiciones colectivas en La Habana. A finales de 1994 llega a México a residir definitivamente. En México se dedica en un inicio a la ilustración y después únicamente a la pintura. 1995. Finalista en el Concurso Nacional de la Acuarela, organizado por el Museo Nacional de la acuarela.

Su obra pertenece a colecciones públicas y privadas en México y en ciudades como Paraiba, Brasil, Habana, Cuba, Ourense, España, Kyoto, Japón y Rosario, Argentina Premios: 2003-2004 Beca del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes, Categoría Medios Alternativos 2002 Seleccionado para la 2da Muestra Internacional Miniprint de Rosario, Argentina 2002 Mención Honorífica en el IV Premio de Pintura JoséAtanasio Monroy 2001 Seleccionado en el Premio La Joven Estampa. Casa de las Américas. La Habana, Cuba. Museos, Colecciones Permanentes Colección de Caixanova. Ourense, España. Colección de Banco Del Bajío. Colección de Chrysler de México. Colección de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público. Acervo Pictórico de la Universidad de Guadalajara, Jal. Colección Permanente del Museu de Arte Assis Chateaubriand, Paraiba, Brasil. Colección de la Fundación Cultural Trabajadores de Pascual y del Arte, A. C. Colección Permanente de Casa de las Américas, La Habana, Cuba. Colección de la Pinacoteca José Atanasio Monroy Ferias Internacionales 2007 MACO- México · 2004 Art Miami 2004 · 2003 Art New York. JOSÉ SACAL 25 de septiembre de 1944 - 4 de Octubre de 2018, fue un escultor y ceramista nacido en México, Cuernavaca, Morelos Su obra ha sido interpretada como el 82

surrealismo, una caja de arena con la mente subconsciente. Su arte es la esencia, ya que llega desde lo más profundo de sus sentimientos expresados a través de los seres que crea. Sus criaturas, que nos cuentan una historia, nos hablan de sus raíces, de su entorno y sus sentimientos: la familia, el amor, la soledad y la desesperación. Como un hombre joven, Sacal estudió en el Instituto Regional de Bellas Artes, del Estado de Morelos, Antiguo Molino de Sto. Dominigo ( INBA ) y con los maestros Khronengold Arthur y Enrique Altamirano . Estudios 1965-1969 El Instituto Nacional de Bellas Artes, en Cuernavaca Morelos, 1969-1972 El Instituto de las Artes “ La Esmeralda “ Taller de 1973-78 Arthur Kronhnengold, 1979-1982 El Instituto Nacional de Bellas Artes , en la Ciudad de México Taller, 1983-1987 Enrique Altamirano Exposiciones (selección) El mundialmente reconocido escultor mexicano José Sacal, cuya escultura Holocausto está en exhibición en el MOT, fue honrado en una recepción especial aquí en Domingo, 19 de julio 2009. En 2008, el Museo Latino de Historia, Arte y Cultura en Los Angeles presentó una exposición José Sacal, Escultura Contemporánea de México. En 2011, “Personajes de Impacto y corazones” En el Metro en la Ciudad de México Este es el preludio de una gran exposición, que comprende más de 70 esculturas en bronce, en el paradero del Sistema de Transporte Colectivo, la cuenta de los más emblemáticos de la nacional y la cultura internacional que marcó la vida de José Sacal. En 2011, “Exposición Bestiario Imaginario” En el Museo Universitario del Chopo Ciudad de México Compuesta por 10 esculturas en bronce, realizadas con objetos de uso cotidiano y de reciclaje.

CECILIO SÁNCHEZ Nace en San Jerónimo Yahuiche , Oaxaca en 1957. Ingresa a la escuela de Bellas Artes de la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca . Participa en el Movimiento Pro-Creativo del Taller de Artes Plásticas de 1980 a 1998. Su obra forma parte de colecciones de diversos museos en México , Estados Unidos y Europa. Ha participado en un número considerable de exposiciones colectivas en México y en el extranjero y presentando sus exposiciones individuales en su estado natal. HERLINDA SANCHEZ LAUREL Nació en Ensenada, Baja California, México, el 24 de mayo de 1941. Realizó estudios básicos en esa ciudad. Su primer empleo fue como secretaria en una Notaría Pública y después como empleada y funcionaria en un banco. Paralelamente comenzó sus primeros pasos la práctica pictórica. En 1964 obtiene el segundo lugar en un concurso de pintura organizado por la Universidad Autónoma de Baja California. En 1965 emigra a la Ciudad de México para iniciar su carrera profesional. Ese mismo año ingresa a la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” del INBA, concluyendo sus estudios en 1969. Ese año comienza a pintar el mural “Alegoría a la lucha” con el tema del Movimiento de 1968 dentro del Sindicato Estatal de Maestros, en Ensenada, Baja California.23 En 1971 regresa a la Ciudad de México. En 1971 comienza su carrera docente en la UNAM, primero en el Centro Interdisciplinario de Arte de la Casa del Lago. También realiza actividades como diseñadora gráfica en la Dirección General de Difusión Cultural, comisionada en la Imprenta Madero bajo la dirección de Vicente Rojo y Adolfo Falcón Garza. De 1973 a 1976 trabajó como ilustradora, jefe de ilustradores y coordinadora 83

general de los Libros de Texto Gratuito en la Secretaría de Educación Pública. En 1976 trabajó como diseñadora gráfica y Directora artística de la Editorial Renacimiento, y más tarde en la Editorial de la Universidad de Sinaloa y Editorial Dí. En 1987 se incorporó como profesora en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, impartiendo materias de Experimentación Visual y también ejerciendo como docente en otras universidades. En 2013 se edita la biografía El arte fantástico e intimista de Herlinda Sánchez Laurel Zúñiga, de Susana Herrera Aviña. A partir del 2005 funda el Taller Alternativo de Pintura Herlinda Sánchez Laurel Z. TAP/HSLZ en el cual se dedica a impartir clases a nivel profesional en su estudio y realiza cursos en varios estados de la república y de ésta experiencia se desprenden varias exposiciones de pintura de sus alumnas en distintos espacios culturales, así como la edición del Libro 7+2, TAP/HSLZ, de Blanca Gonzalez Rosas y Herlinda Sánchez Laurel presentado en la Academia de San Carlos, habiendo participado en ésta presentación la crítica de arte Avelina Lésper y el Dr. Daniel Manzado director de la Institución en ése momento y a la vez, se inauguró una exposición con la obra que aparece en el mencionado libro. Posteriormente se presenta en la Casa Lam, también con exposición de la obra seleccionada. En 2015 se jubiló de la Escuela Nacional de Artes Plásticas ahora Facultad de Artes y diseño de la UNAM, dedicándose en su taller a la investigación en su propia obra de dibujo, gráfica y pintura, así como a dar asesorías y supervisiones a alumnas y exalumnos de la carrera de pintura. MAX SANZ Nace en 1992 en una comunidad de la Sierra Norte del Estado de Oaxaca, México. Desde niño demostró un gusto por lo que sería su pasión: las artes plásticas

A la edad de 12 años ingresó al Taller “Rufino Tamayo” en la ciudad de Oaxaca, gracias al apoyo decidido del entonces director el Maestro Juan Alcázar. Es ahí en donde conoce al Maestro Marco Palma quien lo inicia en la escultura, desafortunadamente el Palma dejó de impartir clases en el taller, pero lo lleva a trabajar con él a la casa del Maestro Barry Head. Para no dejar de hacer actividades relacionadas con el arte decide pedirle al Maestro Barry Head que le enseñe pintura. Su pintura está influenciada por la vida cotidiana, lo que ve a su alrededor, sus vivencias y su continua búsqueda del cuadro perfecto, a veces bocetea y otras va directo al lienzo estableciendo un diálogo con el cuadro para saber cuándo ha terminado. El estilo de Max Sanz puede ser clasificado como neofigurista y fauvista por el tratado del color; un tema recurrente en su obra es el circo y sus ironías. Su primera exposición colectiva fue en 2006 en el Taller Rufino Tamayo participando al lado de Juan Alcázar, Mariano Pineda Matus, Marco Palma entre otros. Su primera exposición individual se llamó Entre Apolo y Dionicio en el Museo del Palacio Espacio de la Diversidad en el año 2007. Ha expuesto en el Museo del Palacio, Casa de la Cultura, Centro Cultural la Constancia Mexicana de Puebla, en el Centro Cultural Picohuse en los Ángeles California, Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México , Galería The Hangar en Miami EE.UU., Casa Mexic en Barcelona, el Museo de Arte de Guanzho, China, Centro Cultural de Xiamen, China, Galería de Arte C1 Galery Red Trory en Guanzho, China entre otras. Ha recibido reconocimientos de La Suprema Corte de Justicia de la Nación , Comisión Permanente de Cultura de la VI Legislatura de la Asamblea Legislativa del Distrito Federal, 1er. Distrito de la Ciudad de los Ángeles, EEUU. En el 2015, comienza a colaborar con el Curador de Arte Maestro Ricardo Camacho en diferentes proyectos para exposiciones en Museos. 84

LISSETTE SOLORZANO Las fotos de Lissette son peculiares, hermosas en su peculiaridad. En sus imágenes, puede observar el entorno que lo rodea, aunque no ha sido fotografiado y, por lo tanto, se percibe un gesto, una intención que no es ingenua ni explícitamente “objetiva”, sino que rompe el hechizo de la analogía resonante que se desprende de él, engañando a la prisa del espectador. Ella no produce presencia, no representa, si se presenta de nuevo, convencionalmente hablando, pero siempre está proponiendo, ni siquiera un readymade sino más bien una nueva versión; Por lo tanto, hay una estafa o dos en sus fotos. Ya en sus contrastes texturales, (escasez / impecable), luces y sombras (toda la fotografía es eminentemente barroca en este sentido), como en los objetos que posa haciéndolos coexistir en la retórica de un símil, con personas desgastadas, tal vez física y moralmente. Una foto de Lissette es un retrato doble o una tautología, una redundancia dentro de la propia imagen. El documento se desvanece en la foto porque evoca. Y en ese momento de desaparición, casi imperceptible, estamos cautivados. Una fotografía que se deja medio psicoanalizar como todas las buenas fotos. ANTONI TÁPIES Barcelona, 13 de diciembre de 1923 - ibídem, 6 de febrero de 2012, fue un pintor, escultor y teórico del arte español. Uno de los principales exponentes a nivel mundial del informalismo, está considerado como uno de los más destacados artistas españoles del siglo XX. La obra del artista catalán goza de un centro de estudio y conservación en la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona. De formación autodidacta, Tàpies creó un estilo propio dentro del arte de vanguardia del siglo XX, en el que se combinaban la tradición y la innovación dentro de un

estilo abstracto pero lleno de simbolismo, dando gran relevancia al sustrato material de la obra. Cabe destacar el marcado sentido espiritual dado por el artista a su obra, donde el soporte material trasciende su estado para significar un profundo análisis de la condición humana. La obra de Tàpies ha tenido una gran valoración a nivel tanto nacional como internacional, estando expuesta en los más prestigiosos museos del mundo. A lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios y distinciones, entre los que cabe destacar el Premio de la Fundación Wolf de las Artes (1981), la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña (1983), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1990), la Medalla Picasso de la Unesco (1993) y el Premio Velázquez de Artes Plásticas (2003). Como reconocimiento a su trayectoria artística el rey Juan Carlos I le otorgó el 9 de abril de 2010 el título de marqués de Tàpies. FABIAN UGALDE Nace en Querétaro, México, en 1967. Tras haber egresado de La Esmeralda (INBA) en 1997, Fabián Ugalde comenzó a exhibir sus pinturas en diversos museos, espacios culturales y foros universitarios tanto en México como en países de Europa, Asia y Sudamérica. La obra de Ugalde ha merecido reconocimientos en diversos concursos, entre ellos, el primer lugar de adquisición en la X bienal de Pintura Rufino Tamayo (2000), un primer premio de adquisición en el 3er. Salón de Octubre, Gran Premio Omnilife (2001) y el segundo lugar en el 3er Concurso de Instalación Ex Teresa Arte Actual. En dos ocasiones ha recibido apoyo para proyectos de residencia y producción por parte de la Secretaría de Relaciones Exteriores y el Ministerio de Cultura Francés. En 2001 recibió la beca de la Pollock-Krasner Foundation en Nueva York. 85

En 1999 Ugalde recibió la beca Jóvenes Creadores del Fonca y ha pertenecido al Sistema Nacional de Creadores Artísticos del FONCA en dos de sus emisiones: 2004 y 2010. En los últimos años Ugalde impartió talleres de producción bidimensional en Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, La Esmeralda y fue miembro del Consejo Académico de dicha institución. JESUS URBIETA Nació en Juchitán, Oaxaca el 27 de marzo de 1959. Ingeniero civil de profesión, se desempeñó como topógrafo. Estudió en el Taller de Gráfica de la Casa de Cultura del Istmo, en Juchitán de 1980 a 1983, año en que ingresó a la Escuela de Artes Plásticas, Pintura y Grabado del INBA en Oaxaca. De 1984 a 1985 estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda en la Ciudad de México. De 1989 a 1990 llevó estudios de cerámica en la Casa de Cultura del Istmo en Juchitán. En 1989 obtuvo el Primer Premio de Adquisición en el IX Encuentro Nacional de Arte Joven en Aguascalientes. Fue el primer mexicano en recibir el Galardón Gran Paleta de Oro en el XXVI Festival Internacional de Pintura del Castillo-Museo Grimaldi en Cagnes-Sur Mer, Francia en 1994. Ejerció la herrería, fue poeta, novelista, editor, cantador de sones y boleros. En 1989 publicó el libro de poesía “Siempre en llamas” y en 1995 la novela corta “Zeferino y su hermana Mariana Pombo”. Creó la Fundación Guiée Xhúuba dedicada a promover la cultura de la región. Murió el 21 de marzo de 1997 en la ciudad de México. PREMIOS Y DISTINCIONES 1985 Seleccionado en el V Encuentro Nacional de Arte Joven, Aguascalientes, Ags. Becario del INBA, Oaxaca, Oax. 1986 Seleccionado en el VI Encuentro Nacional de Arte Joven, Aguascalientes, Ags. 1989 Primer premio de Adquisición en

el IX Encuentro Nacional de Arte Joven, Aguascalientes, Ags. 1990 Mención honorífica en la V Bienal de Pintura Rufino Tamayo, Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Oax. Seleccionado en la IV Bienal Nacional Diego Rivera, Museo del Pueblo, Guanajuato, Gto. Seleccionado en el Foro da Arte y Cultura de Guadalajara, Guadalajara, Jal. 1991 Seleccionado en la IV Bienal Nacional Diego Rivera, Centro Cultural José Guadalupe Posada, México, D.F. 1992 Mención honorífica en la VI Bienal de Pintura Rufino Tamayo, Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Oax. Seleccionado en América, nuestro continente, VIII Bienal Iberoamericana de Arte, Instituto Cultural Domecq, A.C., México, D.F. 1994 Galardón Gran Paleta de Oro en el XXVI Festival de Pintura Internacional en el Castillo Museo Grimaldi en la Villa de Cagnes-Sur Mer, Francia. (Priemer artista mexicano en obtener este premio). Colecciones permanentes: Premio MARCO, Museo De Arte Contemporáneo de Monterrey, N.L. El arte del arte taurino (Pinturerías), Fundación Cultural Artensión, México, D.F. Museo de Arte Moderno, INBA, México, D.F. Museum Würt, Künzelsau, Alemania. NIZAAC VALLEJO Nació en la Ciudad de México en 1986. Estudió Artes Visuales en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM (2005-2009) obteniendo un Honorable. Desde 20122014 realizó un Máster en Artes Visuales con una especialización en Pintura y Dibujo en el Programa de Posgrado en Artes y Diseño de la UNAM, que recibió una beca de investigación y producción. En 2014 fue jurado del Segundo Concurso de Pintura de la Mixteca, Oaxaca. De 2015 a 2016, obtuvo la beca del Programa de Jóvenes Creadores, FONCA en el área de Pintura. Desde 2009-2016 trabajó en la Facultad de Artes y Diseño, como profesor de artes visuales 86

enseñando dibujo experimental y clásico. Su trabajo ha sido exhibido en diferentes espacios culturales, destacando el Museo Rufino Tamayo de Arte Contemporáneo, Museo de Ciencias y Artes (MUCA), Palacio de Bellas Artes, Museo de Querétaro, Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO) y Foto Museo Cuatro. Caminos Ha participado en más de 40 exposiciones colectivas y 5 exposiciones individuales. Nizaac fue seleccionada para participar en Chitrakatha, Festival Internacional de Cine de Animación en Ahmedabad, India; la XVII Pintura Bienal Rufino Tamayo; X Bienal Nacional de Pintura y Grabado “Alfredo Zalce”; la VI Bienal Nacional de Artes Visuales de Yucatán; XXXIV y XXXVI Premios Nacionales de Arte Joven, II Bienal de Artes de la UNAM y la Séptima exposición de pintura del periódico “Reforma”. El artista ha obtenido una mención de honor en la primera maratón de dibujo “El cuerpo desnudo” FADUNAM, así como la X Bienal de Pintura y Grabado “Alfredo Zalce”. Ha sido entrevistado en revistas como YACONIC, INKULT, Art-facto, Marvin, Time Out y su trabajo ha sido revisado por Apocrypha, la revista MEPE, la revista del estado de Tabasco, el periódico REFORMA y el Campus de Medios de la UNAM. así como el libro “Fomentar el dibujo de guión” para la pantalla FAD-UNAM. ADRIAN WHITE NAUDE Nació en Puebla, México en 1983. Se graduó de la Savannah College of Art and Design (2006). Sus estudios más recientes incluyen: Sobre la posibilidad de posibilidad (Raqs Media Collective, 2014), Nuevas formas de clasificación y subjetividad (Melanie Smith, 2016). Su trabajo es parte de la colección de la Universidad de California, la Universidad de Miami y la Fundación Kahle-Austin. Ha presentado exposiciones individuales y colectivas en México, Estados Uni

dos, Australia e India. Obtuvo el reconocimiento como becario en el Diploma de Producción de Artes Visuales (CaSa, 2015), Programa de Becas de Innovación Artística IMACP (categoría Nuevos Formatos Artísticos, 2015), Premio a la Excelencia en Pintura (Savannah College of Art and Design, 2007), Becas para artistas emergentes (Global Arts Village, India, 2007). Actualmente vive y trabaja en Puebla, México y es miembro de la facultad del Programa de Artes Visuales en la Universidad de Artes de Puebla. ARTURO ZAPATA México, D. F., 1951. Cursó estudios profesionales en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” del Instituto Nacional de Bellas Artes. Ha participado en numerosas muestras colectivas en México, Estados Unidos y Europa. Presentó su primera exposición individual a los veinticinco años de edad y desde entonces han destacado sus series Zoomorfologías, en el Salón de la Plástica Mexicana, en la Ciudad de México (1992); Códice contemporáneo Tepeyac, doce obras dedicadas a la Virgen de Guadalupe y su santuario en La Villa (1995), Retrospectiva, en la Universidad Tecnológica del Estado de México (1995), Arturo Zapata, pinturas, en la Casa Jaime Sabines de la Ciudad de México (1996), Obra reciente, en la Fundación Valparaíso, en Almería, España (1998), La representación del sentimiento, en la Secretaría de Desarrollo Metropolitano, en el Estado de México (2002), Pinturas de Arturo Zapata, en la Casa de Cultura de Azcapotzalco, en la Ciudad de México (2003), y la retrospectiva Arturo Zapata, Pintura, dibujo y estampa, en Aldama Fine Art (2008). Ha incursionado en el arte-objeto y son notables sus proyectos en dibujo. Su trabajo en estampa es prolífico y a través de él 87

ha conseguido importantes reconocimientos como el Primer Lugar en el Segundo Salón de Mini-Estampa del Museo Nacional de La Estampa (1989). Es, sin embargo, su obra pictórica la que con mayor afán busca reivindicar los valores mexicanos, echando mano del bagaje iconográfico de la cultura nacional. Después de su reciente muestra retrospectiva en Aldama Fine Art y tras tres décadas de trabajo incesante, Zapata ha regresado a la docencia, con proyectos esporádicos de estampa y pintura. Actualmente trabaja en una nueva serie de pinturas que presentará en Aldama Fine Art en un futuro próximo. FRANCISCO ZÚÑIGA José de Jesús Francisco Zúñiga Chavarría (San José, Costa Rica, 27 de diciembre de 1912 - Ciudad de México, 9 de agosto de 1998) fue un artista costarricense nacionalizado mexicano, conocido tanto por su pintura y su escultura.1 El periodista Fernando González Gortázar lista a Zúñiga como uno de los 100 mexicanos más notables del siglo 20,2 mientras que la Enciclopedia Britannica le llama “quizás el mejor escultor” de la política mexicana de estilo moderno.3 Es reconocido mundialmente como uno de los grandes escultores del siglo XX. Las obras de Zúñiga se han expuesto ampliamente, tiene muestras en Los Ángeles,14 San Salvador, San Francisco, Washington DC, Estocolmo y Toronto.11 Entre los museos que poseen sus obras en sus colecciones permanentes están el San Diego Museum of Art,6 el Metropolitan Museum of Art15 y el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en Museo de Arte Moderno de México, el Museo de Arte Costarricense, el Phoenix Art Museum en Arizona, el Museo de Arte de Ponce en Puerto Rico, y el Hirshhorn Museum de Washington D. C.