Palabra, 24 de abril de 2016 by Editorial El Vigia

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DOMINGO 24 de abril de 2016 / Núm. 263

DOMINGO 24 de abril de 2016

Efervescencia por la espuma Por Minerva Muñoz

Identidad de un festival En 2012 el Festival Internacional de Danza Contemporánea “Ensenada Danza También” originado en 2008, toma un nuevo rumbo cambiando tanto de nombre como de identidad Festival Internacional de Danza Contemporánea “Espuma Cuántica” (FIDC), haciendo alusión al concepto

Palabra Suplemento Cultural de Periódico

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a espuma cuántica es un bello concepto sobre la creación y el vacío. Describe lo que sucede en donde aparentemente no hay nada, dentro de lo diminutamente pequeño que conforma el mundo que conocemos y más allá de él, todo el universo. En la escala de nuestro mundo cotidiano, se concibe al espacio como algo vacío, un mar calmo, terso y continuo de -nada-. Sin embargo, al sumergirnos en lo más profundo de los constituyentes de la materia, en las dimensiones de lo diminutamente pequeño, lo que conocemos y nos es tan familiar deja de funcionar, pues entramos en un extraño dominio donde lo que ocurre esta lejos de nuestro sentido común, penetramos al mundo cuántico. A estos niveles tan reducidos de tamaño el “mar continuo” ya no lo es tanto. Dentro del mar del espacio-tiempo se suscita la creación y destrucción de partículas, dando lugar a una efervescencia causada por fluctuaciones cuánticas que se denomina espuma cuántica, llamado así por el científico John Wheeler en 1955. En términos muy generales, la espuma cuántica es un concepto que conjuga varias teorías de la física moderna para responder preguntas fundamentales sobre el universo y sus constituyentes.

de la física moderna antes mencionado. Más allá de un nombre grandilocuente o rimbombante, el FIDC tiene una buena razón para llamarse así. Alberga dentro de sí un sustento que enmarca el concepto, dando proyección a este festival y que a su vez vislumbra una tendencia para nuevos proyectos. Ensenada es una ciudad científica con una creciente comunidad de artistas. Que mejor que juntar ambos mundos y renombrar a su festival de danza contemporánea con un apelativo que confirme este hecho. El gusto del público, la apropiación de la danza contemporánea como forma de expresión artística, así como el reconocimiento de Ensenada como una de las ciudades científicas de México, hace al FIDC un festival muy propio, con un sello distintivo y único reconocido dentro

de la red de festivales en el país y a nivel internacional. En el marco del FIDC se han presentado propuestas escénicas contemporáneas que van más allá de la danza tradicional. Esto es, danza-teatro, performance, neoclásico, videodanza, entre otros, en espacios alternativos como tradicionales, entre muchas otras cosas, dando cabida a grupos profesionales y emergentes, nacionales e internacionales. Cabe mencionar los eventos ocurridos en 2015 en su séptima edición, que a pesar de no ser un festival temático que tenga a la ciencia y la tecnología como tema central, presentó piezas escénicas y conferencias que su conjunto mostraron dentro de sus procesos, concepción, construcción, montaje y presentación conceptos de la física en las puestas en escena. Es una tendencia la conjunción de saberes, particularmente entre arte, ciencia y tecnología dando como resultado propuestas artísticas interdisciplinares ricas en experiencias y conocimiento tanto para los artistas como para el público en general. Espuma Cuántica es un nombre poético que representa la coyuntura y oportunidades que brinda esta región para la gestión de proyectos apoyados en diferentes disciplinas. La diversidad de propuestas escénicas y eventos paralelos que se presentan en el marco del festival son parte de nuestra formación como público. Son una buena ocasión para introducirnos a nuevos universos que nos llenen de efervescencia, ser participes y colmarnos de imágenes, ideas y sensaciones con las acciones escénicas presenciadas.

Dirección General Ignacio Solorio Arroyo Gerente Administrativo Alfredo Tapia Burgoin Director Editorial Enhoc Santoyo Cid Editor Estefania Ibañez Coordinador Diseño Ana Salgado de Anda Diseño Arturo Corpus Morales Críticos / Colaboradores Heberto Peterson Legrand, Benjamín Pacheco, Gerardo Ortega, Armando Salgado, Rodrigo Guajardo, José María Paz Gago, Uriel Luviano, Laura Monzón, Navid Robles, Alberto Gonzalez, José Agustín Solórzano, Zamaddi P. Lucero, Moisés Eugenio Enciso Villezas, Alejandro Anguiano, Joatam de Basabe, Cristian Vázquez, Benito Gámez, Luis Felipe Lomelí, Hugo García Michel, Julia Chávez, Sofía González, Wilfrido Terrazas, Gerardo Méndez, Liz Durand, Rodrigo Moreno, Álvaro Díaz, Pedro Mota y Minerva Muñoz. Corresponsal en Chile Ramón Ángel Acevedo, “Rakar” Correo electrónico palabra@elvigia.net Teléfonos para publicidad 120.55.55, ext. 1023 Ensenada, B.C. México.

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Arte abierto - Leopoldo Flores (1934-2016)

Por Gerardo Méndez

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l pasado domingo 3 de abril se dio a conocer a nivel nacional en distintos medios de comunicación, la noticia del fallecimiento a sus 82 años del artista plástico mexiquense Leopoldo Flores. Probablemente sea reconocido como uno de los tres artistas plásticos mexiquenses más sobresalientes, junto a Luis Nishizawa (1918-2014) y José María Velasco (1840-1912). En 1973 se convirtió en el segundo artista mexicano invitado, después de Rufino Tamayo, a exponer en el Salón de Mayo del Museo de Arte Moderno de París para realizar un mural en la fachada como homenaje en vida a Pablo Picasso, quien fallecería meses después. Pintor, Escultor y Muralista, dejó una cantidad inmensa en obra de caballete, la mayoría de ella bajo resguardo de la Universidad Autónoma del Estado de México. Esta reconocida institución inauguró en la ciudad de Toluca el 13 de marzo de 2002 el Museo Universitario que lleva su nombre, y que para esas fechas fue considerado uno de los recintos de exposiciones más modernos en la provincia. Hoy en día como desde sus inicios, es un espacio de apoyo para artistas emergentes, sobre todo aquellos que integran las plantillas de las licenciaturas en artes plásticas y visuales en la ciudad de Toluca y ciudades vecinas, cuidando una excelente factura en las muestras que organiza, tanto en la obra expuesta como en su montaje. Un buen ejemplo para otras instituciones que se empeñan en colgar en sus paredes trabajo falto de creatividad debido al pésimo manejo y falta de conocimiento en la materia por parte de su personal responsable. Sin embargo y a pesar de que su obra de caballete en pequeño y gran formato es incontable, ésta no es la principal causa por la que Leopoldo Flores sea únicamente reconocido, ya que la obra por la cual se ha distinguido ser recordado, son los vitrales diseñados para el Cosmovitral de la ciudad de Toluca, espacio que iniciara su construcción en 1909 para albergar el mercado popularmente conocido como “Mercado 16” y que llevaría ese encargo hasta el año de 1975 cuando se tomó la decisión de convertirlo en jardín botánico, aprovechando los gran-

des ventanales con que cuenta la estructura original para convertirlos en vitrales, los cuales aproximadamente suman tres mil metros cuadrados. En este proyecto el artista estructuró una obra con alrededor de medio millón de fragmentos de vidrio de 28 colores distintos, exportados de países como Italia, Alemania y Japón y en la actualidad es el espacio icónico que identifica a Toluca, la capital del Estado de México. Una intervención urbana En fechas recientes, el término “intervención urbana” se ha puesto de moda en nuestra localidad. A nivel mundial, en la década de los sesenta, este tipo de manifestaciones artísticas tuvieron un gran auge debido a los conflictos políticos y sociales que se suscitaban en distintos países, pretextos suficientes para que los artistas se valieran de su ingenio y creatividad en favor de generar obras colaborativas que involucraran distintos sectores sociales, sobre todo aquellos en donde los jóvenes tenían necesidad de manifestar su opinión e inconformidad. La ciudad de México vio un gran desfile de estas manifestaciones, como la gráfica generada durante el movimiento del 68. En este tipo de manifestaciones artísticas fue donde Leopoldo Flores se desenvolvió con mayor soltura en los años setenta, y es donde verdaderamente se encuentra su legado como artista plástico. Bajo la consigna de “un arte para to-

dos”, se dio la oportunidad de pintar sobre banquetas, muros, pisos, cerros, e incluso sobre la nieve que cubría en 1992 las laderas del Nevado de Toluca. Su temática es punto y aparte. Es recurrente en su obra la representación de la figura humana, sin embargo, hubo algo que supero ese toque personal y fue su capacidad de generar un trabajo colectivo incluyente de los sectores sociales inconformes y la apropiación de espacios públicos para el montaje de la obra. El colectivo encabezado por Leopoldo Flores se autonombró en su momento como “Arte abierto” y sus principios fueron plasmados en el manifiesto “Arte abierto, manifiesto a todos los seres humanos” publicado en 1976, cuatro años después de su conformación. “Cien Hecatombes” fue una pieza llevada a cabo en 1972 y representa una clara muestra de este tipo de arte mediante la cual Leopoldo intervino la plaza cívica de la ciudad a plena luz del día bajo la mirada de los espectadores que transitaban por el rumbo, y que siendo tentados por la acción, se integraban al colectivo, colaborando activamente en la obra. Esta acción después fue recreada en 1981 en la plaza Beaurbourg del centro Georges Pompidou en París, con las obras “Retorno de la gran manada” y “Desembarco de los marines”. Unos años más tarde el colectivo “Arte Abierto” se apropia del “mercado 16”, con-

virtiéndolo en un espacio público donde la cultura estaría a disposición de la sociedad como órgano colectivo, organizando eventos culturales fuera de espacios institucionalizados. Aquí elaboran en 1976 el “mural pancarta” titulado “Manifestación de arte en el viejo mercado”, en donde nuevamente se lleva a cabo una acción incluyente y participativa del publico transeúnte. Esta pieza fue destruida por “porros” contratados por algún sector político según versiones del colectivo. El nacimiento de la luz Con una superficie aproximada de 20,000 metros cuadrados, “Aratmósfera, el nacimiento de la luz” es una intervención urbana que se llevó a cabo entre los años de 1974 y 1978 sobre el graderío del estadio olímpico de la ciudad universitaria de Toluca y el cerro de Coatepec, lugar donde se ubica el estadio y la gran mayoría de Facultades que conforman la Universidad Autónoma del Estado de México. Si bien esta obra no sigue la línea ideológica propuesta por el colectivo, si mantiene la iniciativa de ser incluyente y le valió ser el punto de atención de varios críticos de arte del momento como Raquel Tibol y Antonio Rodríguez. Debido a la monumentalidad de la obra y como anécdota, Leopoldo Flores cuenta que daba instrucciones a sus ayudantes por medio de radios y a una distancia de 800 metros aproximadamente para bocetarla y adaptarla a las condiciones del terreno. En el archivo fotográfico del proyecto se puede ver la participación de una gran cantidad de gente, incluyendo niños, todos ellos en respuesta a la convocatoria que el artista nombro “una jornada por el arte”. El trabajo de este artista es una muestra de que el arte puede servir como voz de inconformidad sin generar más conflictos sociales o censura por parte de sectores públicos, políticos o instituciones, ya que las afirmaciones y acciones del “colectivo abierto” se vieron elogiadas por el entonces gobernador del estado de México Jorge Jiménez Cantú, quien declaro abiertamente al público que las manifestaciones artísticas del colectivo y del artista Leopoldo Flores eran positivas para la sociedad y obtendrían su apoyo. Hecho que no se había manifestado desde el movimiento muralista de principios del siglo XX.

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Agencia Reforma

iguel de Cervantes escribió miles de folios que alimentan hoy la literatura universal, pero de su puño y letra se conservan apenas 12 hojas, principalmente documentos burocráticos. Como parte de las actividades por los 400 años de la muerte del autor español, se han reunido en una edición facsimilar esos manuscritos, acompañados de un estudio grafológico, paleográfico y ortográfico, con la intención de acercarse a su personalidad a través de la escritura. Los textos reunidos en Autógrafos de Miguel de Cervantes Saavedra están fechados entre 1582 y 1604. El acervo contiene una carta dirigida al secretario del Consejo de Indias de Lisboa, una serie de misivas relacionadas con su labor como comisario real en tierras andaluzas, un escrito desde la prisión y una carta, fechada en Valladolid en 1604, en la que solicita al rey licencia para publicar El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha. Los documentos originales están resguardados en el Archivo General de Simancas, la Biblioteca Nacional de España, la RAE, el Archivo Histórico Nacional, la Sociedad Cervantina, el Musée Départemental Thomas-Dobrée y el Rosenbach Museum and Library de Filadelfia. Más allá de su contenido, los papeles permiten asomarse al Cervantes cotidiano, un hombre apasionado e inteligente; educado en la caligrafía y la letra bastarda, con un estilo pausado, cuidado y elegante. Y, para los puristas de la lengua, también hay sorpresas: “Cerbantes” y no “Cervantes”, falta de signos de puntuación, mayúsculas sin sentido y abreviaturas como “q” en lugar de “que”. La obra, editada en la colección Taberna Libraria del Círculo Científico y prologada por Darío Villanueva, director de la RAE, fue presentada en el reciente Congreso Internacional de la Lengua.

Como parte del homenaje cervantino, el tiraje es de apenas mil 616 ejemplares y un costo de 616 euros, como alusión a 1616, año de la muerte del Manco de Lepanto. Un clásico en México El Quijote, la máxima obra no sólo de Cervantes sino de la lengua española, llegó pronto y con buena estrella a México. De acuerdo con registros históricos, en 1608, el escritor Mateo Alemán, autor de Guzmán de Alfarache, trajo el primer ejemplar que se conoció en la Nueva España. Además, el Archivo General de Indias consigna que en los albores del siglo XVII llegan ejemplares del Ingenioso hidalgo destinados al comerciante Clemente Valdés, vecino de México. Pronto fueron abundantes los pedidos que desde acá se hicieron de ejemplares de las primeras ediciones de la obra, señala el escritor Ignacio Padilla. Esa aceptación de la novela se ha mantenido hasta el presente; incluso, en 2005, cuando se festejaron los 400 años de la primera publicación del Quijote, la Real Academia Española lanzó una edición conmemorativa, con mil 360 páginas; el libro se convirtió en un best seller en México, con más de 100 mil copias vendidas en unos cuantos meses. Según Padilla, él ha encontrado en América Latina algunos de los mejores intérpretes de Cervantes y El

Quijote, particularmente entre los escritores del siglo XX, entre ellos Alfonso Reyes, Jorge Luis Borges, Augusto Roa Bastos, Mario Vargas Llosa y Carlos Fuentes. Los críticos y académicos mexicanos que han sabido leer esa obra no son menos brillantes –afirma. –Por desgracia, también ha prosperado en México la obtusa versión del Quijote que promovió el musical El hombre de la Mancha, y es probablemente de ese musical, no del texto original, de donde surge el antiquijote contemporáneo, que impide que en el país se lea el original. Y que sigue provocando que profesionistas, cantantes de medio pelo y hasta guerrilleros lo citen mal y lo entiendan peor. El hombre de la Mancha es un musical creado en 1965 por Dale Wasserman y basado en El Quijote; en México, ha habido por lo menos cuatro representaciones profesionales, la primera en 1969 y ya se prepara una nueva versión para finales de 2016 en el Teatro Insurgentes. Irónicamente, explica Padilla, ha sido a través de los entremeses, considerados su obra menor, como en México se cuenta con una tradición de escenificaciones cervantinas de primera línea, que se congregan año tras año en Guanajuato, en buena medida gracias a Eulalio Ferrer, quien fue un gran promotor de Cervantes en el país. En Cervantes & compañía, Padilla recuerda las palabras del escritor Carlos Fuentes, quien aseguraba que así como en México todos son hijos de Pedro Páramo, todos son también habitantes del muy dilatado Territorio de la Mancha. De Cervantes, dice, existe materia suficiente para considerarlo parte esencial de nuestra experiencia lectora. La capacidad lingüística de Cervantes bastó para sacudir a la lengua española y sentó las bases para la gran revolución lingüística de los autores del barroco español, incluidos el segundo Lope, Quevedo, Góngora, Calderón, Gracián y Sor Juana

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Por los años de la muerte se han reunido en una ed manuscritos acompañado grafológico, paleográfico

Inés de la Cruz. Por otro lado, agrega, en El Quijote de 1605 están las intuiciones que más tarde, en el de 1615, dieron pie a que la novela en cualquier lengua se convirtiese en un espacio para pensar en la literatura en sí misma. Así como la pintura tuvo que ser otra a partir de Las meninas de Velázquez, la novela moderna nació con El Quijote. En gran medida sin saberlo, Miguel de Cervantes tenía por un lado una excepcional riqueza léxica, una cultura libresca inaudita, una esporádica y profunda comprensión de lo humano y una inventiva extremada –sentencia. El ídolo descremado En su prólogo a las Novelas ejemplares de Cervantes, el argentino Jorge Luis Borges afirmaba: “La crítica española acepta demasiado a Cervantes y prefiere la mera veneración al examen”. Y esa reverencia de la que se quejaba Borges parece haber enrarecido u omitido varios peldaños del proceso que conduce a la consagración de un clásico, escribe Padilla en Cervantes & compañía. “Diríase que con la obra del alcalaíno se ha pasado directamente del desconocimiento a la idolatría, y que en el camino hacia esa ciega veneración, tan lento como desprolijo, han hallado ocasión para en-

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e del autor español, dición facsimilar, os de un estudio y ortográfico

quistarse en nuestra versión de Cervantes interpretaciones o reinvenciones del Quijote por las que hemos resuelto amarlo sin apenas examinarlo”. Ante esta ciega veneración, Padilla habla de cómo su personaje emblemático se ha ido pervirtiendo en un descremado ídolo popular. –El Quijote, desde la publicación de la primera parte hasta nuestros días, ha tenido muy mala suerte. Su reconocimiento cabal en nuestra lengua fue tardío, más que nada por contingencias sociales y políticas que impidieron su apreciación estética. Si bien muy pronto supieron comprenderlo y quererlo los ingleses, los franceses y los rusos, en español y en alemán fue otra su suerte. En particular, los primeros románticos alemanes lo leyeron sin humor, y reinventaron un don Quijote y un Sancho que simbolizaban, y aún simbolizan para la cultura occidental, la lucha de lo ideal contra lo real. –Como si los clásicos, de entrada, tuvieran que simbolizar algo. Este don Quijote de los románticos, acartonado, pueril y deshumanizado, ha tenido tanta fortuna que nos ha llevado a no entender ni leer El Quijote de Cervantes. Hoy en día se trata de una obra que todos creemos conocer y que rara vez hemos

leído, una obra que se venera sin reflexión y que se impone, mal y de malas, en los programas de enseñanza. Todo esto es desde luego catastrófico para la cultura. Además, a esto se suma que la biografía de Cervantes ha sido corregida, maquillada o reinventada hasta el absurdo para canonizarle o satanizarle según lo haya exigido la corriente del uso. Cervantes vs. Shakespeare El mundo recuerda ahora los 400 años de la muerte de Miguel de Cervantes Saavedra y de William Shakespeare, los genios capitales de la literatura occidental, quienes fallecieron en abril de 1616. Comparar a ambos autores es un ejercicio tan antiguo como necesario, señala Padilla, y puede realizarse desde muchos ángulos, algunos de ellos más favorecedores para Shakespeare y otros para Cervantes. Las comparaciones son en la literatura tan habituales como iluminadoras, siempre y cuando se hagan con las reservas y matices que requiere cualquier juguete interpretativo, agrega. –En mi trabajo reciente, Cervantes & compañía, he hecho la comparación desde algunos dominios en los que, en efecto, parece que Shakespeare noquea

no sólo a Cervantes sino al resto de los escritores de antaño y hogaño. En términos estadísticos, de biografía, de recepción y de efectividad y técnica genérica, Shakespeare queda casi como un extraterrestre, un inhumano inventor de la idea que tenemos sobre nosotros mismos –explica. –Cervantes, por otro lado, queda como un autor escandalosamente humano, entrañable porque se parece en mucho a nosotros. Lo cual no es poca cosa. Según Padilla, los personajes del inglés, aunque cautivos de sus pasiones, son indudablemente más libres y más grandes que las obras que habitan, y por eso apenas se molestan en violentar al mundo. Cervantes, en cambio, acomoda personajes grandes en un mundo raquítico, los suprime, los confronta y finalmente hace que ese mismo mundo, mezquino como es, derrote y coarte en las criaturas reales o ficticias que lo habitan cualquier posibilidad de grandeza. Shakespeare permite a sus personajes ser grandes aun en sus miserias. Y mientras los villanos teatrales del inglés calan hondo, parece que los de Cervantes suelen ser más antipáticos que malvados. Sin embargo, señala Padilla, es necesario matizar el asunto de la falta de matices de la maldad de los personajes cervantinos.

–Me parece, en efecto, que en la obra de Cervantes no hay tantos ni tan hondos villanos como los hay sin duda en la obra de Shakespeare. Y creo también que los villanos de Cervantes, particularmente en el resto de su obra, son en ocasiones bastante obvios y limitados. Pero eso no obsta para que podamos encontrar en la obra cervantina seres redondos que tienen muchísimo que decirnos de la maldad. Todavía está por escribirse un análisis de la maldad en Sansón Carrasco, Altisidora, los Duques e, incluso, en el Caballero del Verde Gabán y en el propio don Quijote. De cara a los eventos por el aniversario luctuoso, Padilla hace un balance de esa especie de paralelismo, no sólo en México, sino en el mundo, y asegura que la obra de Shakespeare ha sido más ampliamente y con mayor tino leída durante los últimos 400 años. –La genialidad de sus intérpretes más tempranos, la historia y la naturaleza misma de las artes escénicas y visuales, el profundo respeto de los adaptadores de Shakespeare, han permitido que su obra eche en la cultura universal unas raíces hondísimas. Ese privilegio, también por motivos genéricos y más que nada fortuitos, no lo ha tenido la obra de Cervantes –concluye.

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ALGUNAS REFLEXIONES MANEJADAS POR MARIO VARGAS LLOSA EN SU LIBRO

“LA CIVILIZACIÓN DEL ESPECTÁCULO”

ntresaco de la obra del premio nobel el contenido del presente trabajo que es una apretada síntesis donde hace una radiografía de nuestro tiempo y nuestra cultura que a su juicio está a punto de desaparecer, cultura que impedía dar la espalda a la realidad y que hoy se ha ido convirtiendo en espectáculo y lamentablemente banalizando y frivolizando. Cita a diversos pensadores de renombre durante el desarrollo de su ensayo. Cita a T.S. Eliot, quien afirma que la cultura debe ser patrimonio de una élite para que se conserve la calidad de la cultura y se le hace ingenua la idea de que la cultura pueda ser transmitida a través de la educación porque ello atenta contra la calidad de la misma. Cuando se refiere a la élite dice que no se debe confundir con la clase privilegiada o aristocrática. Dice que la “Contracultura” reprocha a la cultura su elitismo y la tradicional vinculación al absolutismo político”. Citando a Steiner dice que el discurso hablado, recordado y escrito que fue columna vertebral de la conciencia hoy está más subordinado a la imagen. Más adelante dice que el uso masivo de drogas, responde a un entorno cultural que busca placeres fáciles y rápidos que inmunicen al ser humano contra la preocupación y la responsabilidad, en lugar del encuentro consigo mismo a través de la reflexión, actividad intelectual que a la cultura veleidosa y lúdica le resulta aburrida. En la civilización del espectáculo el laicismo ha ganado terreno sobre las religiones en apariencia ya que los laicos aparentan ya que sus vidas prescinden de la religión. El efecto positivo de la secularización, dice, hace más profunda la libertad. En otra parte continúa diciendo que la verdadera razón de la pérdida de interés de la sociedad por los intelectuales es por la ínfima vigencia que tiene el pensamiento en la civilización del espectáculo, donde existe empobrecimiento de las ideas en la vida cultural prevaleciendo la imagen sobre las ideas. Desea que la literatura del best-seller desaparezca a la que llama basura por sus historias superficiales indigentes en su forma, hecha para ser consumida y desaparecer, como los jabones y las gaseosas. Nuestra época debido a la cultura domi-

nante privilegia el ingenio sobre la inteligencia, las imágenes sobre las ideas, el humor sobre la gravedad, la banalidad sobre lo profundo y lo frívolo sobre lo serio. Las artes plásticas En el cine los efectos especiales han relegado a temas, directores, guión y actores a un segundo plano. De las Artes plásticas sostiene que ellas se adelantaron a otras expresiones culturales en sentar las bases de la cultura del espectáculo, estableciendo que el arte podía ser juego y farsa y nada más, desde que Duchamp dijo que un excusado era también una obra de arte. Continua más adelante diciendo que en nuestros días en lo que se espera de los artistas no es el talento, ni la destreza, sino la pose y el escándalo, sus atrevimientos no son más que la máscara de un nuevo atrevimiento. En las artes plásticas, se lamenta, la frivolización ha llegado a extremos con la desaparición de mínimos consensos sobre los valores estéticos. Sobre la música haciendo una equivalencia al excusado de Duchamp menciona al gran gurú de la modernidad musical en Estados Unidos, John Cage, en la que un pianista se sentaba frente al piano pero no tocaba una tecla durante cuatro minutos y treinta y tres segundos, ya que la obra consistía en los ruidos que eran producidos en la sala por el azar y los oyentes divertidos o exasperados. Del político de nuestros días dice que si quiere conservar su popularidad, está obligado a dar atención primordial al gesto y la forma que importan más que sus valores, convicciones y principios. Necesidad biológica Del sexo light dice: Es el sexo sin amor y sin imaginación, el sexo puramente instintivo y animal. Desfoga una necesidad biológica pero no enriquece la vida sensible ni emocional ni estrecha la relación de la pareja más allá del entrevero carnal. El erotismo, dice, ha desaparecido, al mismo tiempo que la crítica y la alta cultura. ¿Por qué? Porque el erotismo que convierte el acto sexual en obra de arte, es un ritual al que la literatura, las artes plásticas, la música y una refinada sensibilidad impregnan de imágenes de elevado virtuosismo estético, es la negación de ese sexo fácil, y promiscuo en que paradójicamente ha desembocado la libertad conquistada por las nuevas generaciones. En otro orden de ideas dice que las noticias pasan a ser importantes o secundarias sobre todo, y a veces exclusivamente, no

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Por Heberto Peterson Legrand

tanto por su significación económica, política, cultural y social como por su carácter novedoso, sorprendente, insólito, escandaloso y espectacular. No existe forma más eficaz, sigue diciendo, de entretener y divertir que alimentando las bajas pasiones del común de los mortales. Entre éstas ocupa un lugar la revelación de la intimidad del prójimo, sobre todo si es una figura pública, conocida y prestigiada. Vuelve a expresarse sobre la cultura y dice entre otras cosas: Una cosa es creer que todas las culturas merecen consideración ya que en todas hay aportes positivos a la civilización humana, y otra muy distinta, creer que todas ellas, por el mero hecho de existir se equivalen. Arcangélica concepción Más adelante continúa: La corrección política ha terminado por convencernos de que es arrogante, dogmático, colonialista y hasta racista hablar de culturas superiores e inferiores y hasta de culturas modernas y primitivas. Según esta arcangélica concepción, todas las culturas, a su modo y en su circunstancia, son iguales, expresiones equivalentes de la maravillosa diversidad humana. En otro lugar comenta que las ciencias progresan como las técnicas, aniquilando lo viejo, anticuado y obsoleto. Las letras y las artes se renuevan pero no progresan, ellas no aniquilan su pasado, construyen sobre él, se alimentan de él y a la vez lo alimentan, de modo que a pesar de ser tan distintos y distantes, un Velázquez está tan vivo como Picasso y Cervantes sigue siendo tan actual como Borges o Faulkner. Una de las más grandes conquistas de la modernidad en la que Francia estuvo a la vanguardia de la civilización y sirvió de modelo a las demás sociedades democráticas del mundo entero, fue el laicismo y más adelante continua diciendo que es un error

creer que un estado neutral en materia religiosa y una escuela pública laica atentan contra la supervivencia de la religión en la sociedad civil. Al contrario Francia es un país con uno de los más elevados porcentajes de creyentes religiosos y sobre todo cristianos y dónde hay más libertad. Y esa es una de las razones por las que la cultura de la libertad encuentra tantas dificultades para echar raíces en los países islámicos, donde el estado es concebido no como un contrapeso de la fe, sino como un servidor y, a menudo, su espada flamígera. Todas las culturas, creencias y costumbres deben tener cabida en una sociedad abierta, siempre y cuando no entren en colisión frontal con aquellos derechos humanos y principios de tolerancia y libertad que constituyen la esencia de la democracia. Sobre la Revolución audiovisual comenta que en nuestro tiempo ha violentado las barreras que la censura oponía a la libre información y a la disidencias crítica y gracias a ello los regímenes autoritarios tienen muchas menos posibilidades que en el pasado de mantener a sus pueblos en la ignorancia y de manipular la opinión pública. Pero de allí concluir que la prodigiosa transformación de las comunicaciones del internet etcétera, autoriza a los internautas a saberlo todo y con ello desapareciendo la limitación entre lo público y lo privado, hay un abismo que, si lo abolimos, podría significar no una hazaña libertaria sino pura y simplemente un liberticidio que, además de socavar los cimientos de la democracia, infligiría un duro golpe a la civilización. Los escritores continúa diciendo en otra parte, pueden contribuir a esta tarea, como lo hicieron en el pasado, cuando creían que la literatura no sólo servía para entretener, también para preocupar, alarmar e inducir a actuar por una buena causa. Abrir los ojos, contagiar la indignación por la injusticia y el crimen, y el entusiasmo por ciertos ideales, probar que hay sitio para la esperanza en las circunstancias más difíciles, es algo que la literatura ha sabido hacer, aunque a veces haya equivocado sus blancos y defendido lo indefendible. La palabra escrita tiene hoy, cuando muchos piensan que las imágenes y las pantallas la van volviendo obsoleta, posibilidades de calar más hondo en el análisis de los problemas, de llegar más lejos en la descripción de la realidad social, política y moral. Debido al limitado espacio se quedan pendientes otras reflexiones de Vargas Llosa, además de que evita el poder profundizar en ésta radiografía.

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La historia del metal: la détente Por Laura Monzón

Virtuosismo vs aspereza Varias bandas que habían surgido a mediados y finales de los 60, como Pink Floyd, Genesis, Jethro Tull, Yes, Supertramp y Focus, entre otras tantas, empezaron a trabajar porque se les diera la credibilidad añorada, tomando la experimentación y el virtuosismo del jazz como recursos en sus obras para crear el rock progresivo. En contraposición a este subgénero, los que veían a la música como un medio de catarsis, sin pretensiones comerciales ni exageraciones de habilidad artística, hicieron más uso del instinto que de la técnica, tocando ritmos minimalistas, ásperos y un tanto descuidados. Varias bandas estadounidenses e inglesas de garage rock fueron tomando fuerza y evolucionando en sonido, para convertirse en lo que a mediados de los 70, con la llegada de The Ramones, se conocería como punk y tiraría del escaparate de la popularidad al rock progresivo para ayudar a consolidar el sonido impetuoso del

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ivimos en un mundo cambiante, que se transforma, evoluciona, se crea, se reconstruye a cada paso, con cada palabra y cada decisión. La Crisis de los Misiles en Cuba, que tenía al mundo al borde de la guerra nuclear, había creado tanta tensión que los países implicados tuvieron que negociar para dar nacimiento a una nueva política conocida como la Détente (distención), con la cual Estados Unidos y la Unión Soviética no tuvieron más remedio que mejorar su comunicación, trabajar por intereses comunes y darle un respiro a la humanidad. Europa y Japón ya se habían recuperado de los estragos de la Segunda Guerra Mundial y su economía se estabilizaba; pero el Bloque del Este comenzaba a entrar en un periodo de estancamiento financiero: el socialismo no estaba funcionando como Marx y Engels lo habían soñado y la crisis del petróleo de principios de los 70 dio un giro a la economía de las superpotencias del momento. El movimiento hippie, deseoso de cambiar al mundo a través de las drogas y el amor libre, estaba dando los últimos estertores como ideología juvenil dominante y la gran banda The Beatles se estaba desintegrando. Los jóvenes se dieron cuenta de que tenían que empezar a reconstruir su cultura, buscando de qué asirse para no perder el espacio que ya habían ganado con Woodstock.

heavy metal. Por otro lado, grupos nacidos en los 60, como Alice Cooper, Rush, Scorpions, Blue Cheer, Budgie, Uriah Heep, Thin Lizzy y Grand Funk Railroad ayudaron a asentar las bases musicales y representativas del género naciente. Varias bandas de creación más reciente encontraron inspiración en el siniestro tritono retomado por Black Sabbath y comenzaron a experimentar con su sonido. Así, durante los 70 surgieron Pentagram, Cirith Ungol, Twisted Sister, AC/DC, Kiss, Motörhead, Riot, Rainbow, Van Halen, Quiet Riot, Diamond Head, Accept, Samson, Def Leppard, Dokken, Angel Witch, Saxon, Trust, Tygers of Pan Tang, Iron Maiden y decenas de bandas más, aunque habrían de pasar seis años desde aquel 13 de febrero de 1970, para que el heavy metal se consolidara y adquiriera su sonido característico. Breaking the law A principios de aquella década, en las afueras de la ciudad de Birmingham, Inglaterra, conocida como la “Fábrica del Mundo”, surgió la banda merecedora de ese reconocimiento. Judas Priest rompió con cualquier tipo de esquema establecido: cambió las clásicas alineaciones de cuarteto para me-

ter entre sus filas una segunda guitarra, convirtiendo su música en una poderosa cortina de resonancia, mezcla del hard rock, el virtuoso progresivo y el naciente punk. Años después, su vocalista Rob Halford cambiaría los populares pantalones acampanados y las camisas coloridas de mangas y botones, para otorgarle al género la imagen de cuero negro y metal que lo caracterizaría hasta nuestros días. Aún había más. Aunque el primer álbum Rocka Rolla de 1974 tuvo una buena recepción, Judas Priest aún no definía del todo su estilo. En

sus temas podían apreciarse remanentes del blues y del hard rock de finales de los 60; nada que pudiera vislumbrar su magnificencia como banda de metal. Pero su segundo disco Sad Wings of Destiny, que vio la luz el 23 de marzo de 1976, se convirtió en un clásico que cortó de tajo con el cordón umbilical del blues. Hoy día, se considera el primer álbum de verdadero heavy metal en la historia. Sin embargo, con Stained Class de 1978, Les Binks, inspirado por la batería de Ian Paice de Deep Purple, empleó del doble bombo para lograr la rapidez necesaria y dar el gran salto hacia la velocidad del speed metal. Este fue el álbum parte aguas que anunciaba el inicio de la corriente conocida como New Wave of British Heavy Metal (Nwobhm). En 1980, Judas Priest sacó el álbum British Steel donde quedaría plasmada una de las premisas de la filosofía metalera con el tema “Breaking the law”. La época de la paz con “With a Little help of my friends” y la psicodelia de “Lucy in the sky with diamonds” había quedado muy atrás. Era momento de romper las reglas, de hacerle la guerra al sistema diciendo la cruda verdad y llamando a las cosas por su nombre. El heavy metal empezaba a ganar terreno entre la juventud.

DOMINGO 24 de abril de 2016

Hablar de diseño es

FOTO DE LA SEMANA: MOMENTO CULMINANTE

hablar de cambiar Foto: Jesús López Gorosave.

Por Daniel Herrera / Dr. Hipnosis

Jesús López Gorosave Jesús López Gorosave, originario de Santa Rosalía, con residencia en Ensenada, médico jubilado y fotógrafo. La Foto de la Semana es un reconocimiento que se otorga por el mayor número de votos, avalando el dominio del tema, en el sitio de Facebook Fotografía Diaria.

CALENDARIO CEART›› Sábado 30 “Conatus” 8vo. Festival Internacional de Danza Contemporánea “Espuma Cuántica” Pyshical Momentum Project & Proyecto Ítaca (Ciudad de México, México) Co-creación escénica de Francisco Córdova Azuela y Alberto Pérez Adolescentes (mayores de 17 años) y adultos Foro Experimental 20:00 horas Viernes 29 8vo. Festival Internacional de Danza Contemporánea “Espuma Cuántica” “Exposición al Norte” Proyección de videodanza y conferencia

Sólo en cartelera

Con Philip Szporer de Mouvement Perpétuel (Canadá) Galería “Ernesto Muñoz Acosta” 18:00 horas Admisión libre Sábado 30 Conferencia del ciclo “Tardes de ciencia” “El microcosmos: viendo el mundo a través de los ojos de un microscopista”. A cargo del M. en C. Roberto Vázquez Muñoz, Coordinador de Difusión de la Red Internacional de Bionanotecnología. Teleaula 18:00 a 19:30 horas Admisión libre

DESIERTO GUATDEFOC EL LIBRO DE LA SELVA BATMAN VS SUPERMAN EL LIBRO DE LA SELVA EL LIBRO DE LA SELVA EL CAZADOR Y LA REINA BATMAN VS SUPERMAN ENEMIGO INVISBLE

12:40 2:40 4:40 6:40 8:40 10:40 ENEMIMGO INVISIBLE 11:30 1:45 4:00 6:15 8:30 10:45 EL LIBRO DE LA SELVA MILAGROS DEL CIELO 11:00 1:15 3:30 5:45 8:00 10:15:00 11:30 1:45 4:00 6:15 8:30 10:40 12:00 2:15 4:30 6:45 9:00 11:00 1:20 3:40 6:00 8:20 10:40:00 11:30 1:40 3:50 6:00 8:10

DESIERTO EL LIBRO DE LA SELVA EL LIBRO DE LA SELVA AVENIDA CLOVERFIELD 10 OCHO APELLIDOS CATALANES UNA FAMILIA ESPACIAL

oy en día estamos en una sobresaturación de información de todo tipo; el nuevo vídeo de nuestro artista favorito, el escándalo de algún funcionario público, algún objeto novedoso e increíble que necesitamos comprar, tragedias locales e internacionales. Pareciera mágico como la información se propaga tan rápido y a rincones tan alejados, aparentemente de la raíz de la noticia. Hablar de información es hablar del diseño de la misma y esto significa cambio, tanto material, como informativo, estratégico o comercial, siempre y cuando pase por las manos de un diseñador responsable, quien dará prioridad a optimizar la comunicación. Este punto es un tema sensible para el gremio, largas discusiones se han hecho alrededor de la función del diseño y del diseñador, alcanzando convenios teóricos y algunas veces prácticos, pero no vamos a centrar este tema en esa llaga; el diseño hoy en día promueve y busca un cambio, una mejora, un movimiento en la manera de dar a conocer los hechos. Un ejemplo claro de renovar la comunicación a través del diseño es el cartel, lo que personalmente considero una de las mejores ramas del área, ya que el cartel como radiografía de una sociedad, denuncia, cacarea y exhibe las situaciones que su población vive y padece. Basta con darnos una vuelta por los muros de nuestros contextos, ya sean académicos o laborales, en espacios comunes, como calles o transporte público, donde se pueden apreciar esos gritos de júbilo o de auxilio, plasmados en contundentes gráficas o en seductoras figuras, según sea el caso.

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Sin embargo, también hay ojos un poco más atentos y entes curiosos que admiran el cartel no sólo por el mensaje sino por la contundencia de su lenguaje y lo hermoso de su gráfica, prácticas de contemplación, amor y producción donde aparece el equipo de Poster Poster, conformado por representantes, voceros y aliados unidos por una pasión en común, pese a la distancia de sus lugares de residencia, tales como Ecuador, Francia, Italia y México, por mencionar algunos de los países que constituyen parte de este grupo. Como muestra de este amor por los carteles y gracias a un increíble ejercicio de logística y coordinación, el equipo de Poster Poster logró conjuntar a 33 diseñadores de todas partes del mundo para integrar lo que sería la primera de muchas exposiciones, Poster Passion. Esta muestra invita a sus espectadores a conocer un lado más intimo de sus autores, un lado que sólo en algunas ocasiones y prestando suficiente atención, podemos leer entre líneas. Los carteles aquí expuestos hablan de la diversidad de pensamiento, de la multiplicidad de lenguajes, de los diferentes enfoques alrededor de un mismo tema, la pasión por el cartel. Poster Passion se ha presentado en Irán, Italia y Puebla, ahora emprende un viaje al Centro Estatal de las Artes en Ensenada, Baja California, donde estará abierto desde el 27 de abril de este año, día en que se conmemora al diseñador. Esta exposición representa una excelente oportunidad para acercarnos a las diferentes miradas de los amantes del cartel, quienes comparten no sólo su entusiasmo por la gráfica, sino también su apuesta y su trabajo por la búsqueda de encontrar nuevas formas de conectarnos con la información.

11:00 1:10 3:20 5:30 7:40 9:50 EL LIBRO DE LA SELVA EL LIBRO DE LA SELVA 11:20 1:30 3:40 5:50 8:00 10:10 SOMNIA, ANTES DE DESPERTAR 1:00 3:10 5:10 7:10 SOMNIA, ANTES DE DESPERTAR 09:10:00 DIOS NO ESTA MUERTO 11:50 2:20 4:50 7:30 DIOS NO ESTA MUERTO 10:00:00 EL LIBRO DE LA SELVA 11:40 1:50 4:00 6:10 8:20 EL LIBRO DE LA SELVA 10:30:00 ENEMIGO INVISIBLE 12:40 2:50 5:00 7:00 ENEMIGO INVISIBLE 09:20:00 UNA FAMILIA ESPACIAL 12:10:00

DESIERTO MILAGROS DEL CIELO COMPADRES DESIERTO EL CAZADOR Y LA REYNA AVENIDA CLOVERFIELD EL CAZADOR Y LA REYNA EL LIBRO DE LA SELVA BATMAN VS SUPERMAN: EL LIBRO DE LA SELVA BORUTO: THE NARUTO MOVIE OCHO APELLIDOS VASCO

La administración de Cinépolis Ensenada informa que esta programación está sujeta a cambios de última hora con base en la asistencia de cada función

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