8va_edicion by Taller de Diseño Editorial

Coincidencias y diferencias entre las actividades del Diseñador Interior y el Restaurador del Patrimonio Histórico

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Acerca de las competencias profesionales

Análisis de posgrados y cursos de educación continua ofertados en universidades nacionales, públicas y privadas

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Consideraciones importantes para el buen diseño de la marca gráfica

Mensajes gráficos, hacia una fundamentación del diseño popular

Reflexiones sobre el arte Entrevista con Eve Faulkes Entrevista a Eduardo Escobar Beckwith “El Escobas” Los blog en la Web como difusión de la obra digital Ergonomía y comunicación Espacios Efímeros: Escenografía Portafolio - Miguel Santana González Portafolio - Cuauhtémoc Velázquez Portafolio - Barbara Gamiño Alvarado Portafolio - Fernando Miguel Sevilla Pitalua Portafolio - Tita Tintero

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ARTÍCULOS / interiorgráfico

Coincidencias y diferencias entre las actividades del Diseñador Interior y el Restaurador del Patrimonio Histórico Autor: M. en Arq. Alma Pineda Almanza Como es bien sabido la restauración de sitios y monumentos se ha planteado como una actividad multidisciplinaria puesto que la conservación patrimonial arquitectónica depende de diversas áreas del conocimiento. Dentro de las instituciones formadoras de restauradores, la Universidad de Guanajuato, ha tenido un papel muy prestigiado a nivel nacional con la Maestría en Restauración que pertenece al Departamento de Arquitectura. Por mucho tiempo la maestría se llamó Maestría en Arquitectura con la Especialidad en Restauración de Sitios y Monumentos, de tal forma que solamente los arquitectos que estudiaban la Maestría podían obtener “el grado” y se les denominaba “Maestros en Arquitectura”, los estudiantes de la maestría que eran de otras carreras solo aspiraban a ser “especialistas en restauración de sitios y monumentos”. Con el tiempo se replanteó esta situación y se concluyó que todos los egresados deberían ser “Maestros en Restauración de Sitios en Monumentos” fueran arquitectos o no.

Ilustración 1 y 2. El Arquitecto Pierre Prunet conocido por restaurar la ruinas de la Iglesia Toussaint D’Angers integra una cubierta contemporánea destinada a mantener al edificio protegido del agua, creando un espacio para las Colecciones del Museo David D’Angers.

Por las aulas de la Maestría de Restauración han pasado ingenieros civiles, historiadores, artistas visuales, químicos, diseñadores de interiores y arqueólogos, entre otros profesionales, todos ellos muy importantes en el proceso de la conservación. Sin embargo, ahora quiero centrarme en la imagen del diseñador de interiores, este profesional en especial representa, a mi modo de ver, la perfección en el detalle del uso del espacio interior y por lo tanto muy importante en el proceso del reciclaje o reutilización del edificio arquitectónico. Debido al interés de estos profesionales de participar en el campo de la Restauración, creo necesario hacer algunas observaciones que algunos de los alumnos de diseño de interiores deberán tomar en cuenta si deciden realizar estudios de posgrado. Partimos que tanto el restaurador como el diseñador de interiores, tienen la misma materia prima de trabajo, es esencial que el trabajo se desarrolle sobre áreas construidas a las que debe adaptar los espacios útiles y bellos, aunque esta cualidad de belleza, no siempre es necesaria para el restaurador. Recordemos que para el restaurador es fundamental dejar constancia de las intervenciones y dejar que el monumento continúe siendo un documento verificable. Una diferencia se encuentra en que para el restaurador, los espacios siempre serán históricos mientras que para el diseñador, estos son generalmente nuevos, sin descartar que por lo regular el dise-

ñador de interiores intervendrá en espacios con historia, aunque no precisamente sean antiguos. El primero puede actuar desde las entrañas del edificio,(reestructuraciones, consolidación, liberaciones, reintegraciones e integraciones) y deja el espacio en condiciones para ser útil, estructural y funcionalmente hablando e incluso debe diseñar su interior, mientras que el segundo generalmente se centra en la adecuación de espacios funcionales y bellos en el interior, puede sugerir integración de elementos para lograr el buen funcionamiento de los inmuebles. Existen ciertos términos que en la restauración no son permitidos, pero que en el Diseño Interior son más usuales, como el término de la remodelación. Entendemos por “remodelación, el cambiar, el dar una nueva forma o volumen envolvente, manejamos un término aplicable a lo superficial y escultórico, pero insuficiente o incompleto para lo arquitectónico o urbano que contiene elementos esenciales mas allá de la forma o volumen envolvente” la acción de volver a modelar, o cambiar de forma según la moda, situación que no permite la restauración, sino todo lo contrario ya que una finalidad de la restauración es la conservación. En cambio el Diseño Interior, aunque tiene muchos de sus fundamentos en la arquitectura y sus teorías, no es considerado como un arte, puesto que tiene esta posibilidad del cambio según modas y tendencias en un mismo edificio y por periodos que podríamos considerar “cortos”.

Ilustración 3 y 4. Después de haber sido objeto de un programa completo de restauración, por Jean Trouvelot, el castillo de Châteaudun antes y después de la intervención.

Ilustración 5. Frank O Gehry. Museo Guggenheim, Bilbao, 1997. Fotografía de Jeff Goldberg. Podemos notar una integración urbana dentro de contextos históricos.

Sin embargo el término de integración puede ser igualmente utilizado tanto por el restaurador como por el diseñador de interiores dentro de la obra arquitectónica. Entendemos entonces por integración, “aportación de elementos claramente nuevos y visibles para asegurar la conservación del objeto”, en este término caben la colocación nueva de acabados, iluminación, color, mobiliario, accesorios e instalaciones especiales, actividades que sin lugar a dudas corresponden a un diseñador de interiores. En el formato de edificio histórico deberán tener ciertas especificaciones que contemplará el restaurador. Los edificios antiguos nos ofrecen una gama muy interesante en todos estos factores que el diseñador de Interiores puede aprovechar para su beneficio.

Salvador Díaz Berrio utiliza otro término que se refiere a la adaptación, adecuación y acondicionamiento, menciona que éstos “no llevan implícita la componente de “anima” o “vida” que trasciende a lo meramente físico y utilitario y es componente esencial de los Bienes Culturales”.En algunos edificios históricos, la postura de integración de los diseñadores de interiores resulta interesante puesto que se manifiesta por contraste, dejando muy claro la aportación contemporánea del edificio histórico, asunto que para algunos restauradores de la vieja guardia no sería lo correcto. Un espacio histórico nos ofrece cualidades espaciales, de altura, amplitud, de luz, color, materiales y acabados que pocas veces podemos encontrar en un diseño totalmente nuevo, pienso que aprovechar todos estos recursos y volver a darle vida a un edificio histórico sin uso puede ser un campo muy rico para el diseñador de interiores.

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Si el diseñador de interiores desea experimentar el trabajo de Restauración del Monumento, seguramente que, con la preparación que tiene y con estudios de necesarios en conservación, sus propuestas serán de mucha utilidad en el proceso del proyecto y por lo tanto su el éxito en la propuesta de integración y reciclaje.

Ilustración 6. Coop Himmelblau. Remodelación de tejado. Falkestrasse, Viena 1984 -89. Integraciones Deconstructivistas sobre un edificio ecléctico.

Acerca de las competencias profesionales Autor: M.C.D. Cynthia Villagómez Oviedo

¿Qué son las competencias profesionales? El concepto de las competencias surge en el contexto educativo actual, a raíz de los múltiples cambios surgidos en el mundo que nos está tocando vivir; la economía los cambios sociales y culturales en definitiva ejercen influencia en el ámbito educativo, que hay que reconocer está reaccionando lentamente, la educación hoy en día aún responde a paradigmas de antaño, encontrando resistencia por parte de muchos profesores —en especial y en el caso que nos ocupa a nivel universitario— que continúan impartiendo asignaturas bajo esquemas rígidos (a saber memorización, uso únicamente de la exposición por parte del profesor y resistencia a ser cuestionados en clase por los alumnos). Así tenemos significados vinculados a la palabra competencias son: capacidad, cualificación, aptitud, detreza, responder a, corresponder, estar en buen estado, ser suficiente, pertenecer o incumbir, aptitud, idoneidad, tocar, Bastante, debido, proporcionado, oportuno, adecuado, oposición, obligación, incumbencia, hábil, capacitado, capaz, entendido, docto, diestro, correspondiente, dispuesto, incumbir, tocar, atañer, concernir, corresponder, suficiencia, habilidad, disposición, debido, proporcionado, oportuno, adecuado y muchos más. El Internet está lleno de multitud de acepciones, todas ellas pertinentes en algún sentido. Sin embargo, la competencia ligada al ámbito profesional “engloba el conjunto de realizaciones, resultados, líneas de actuación y consecuciones que se demandan del titular de una profesión u ocupación determinada” (Prieto, 1997:10), lo que significa que competencia son las habilidades y capacidades de una persona, entre otras muchas cuestiones de las que hablaremos más adelante. Es decir, es un término que lejos de ser superficial es complejo.

Tejada en relación al término menciona que: “[...] dependiendo de las necesidades de la situación se implicarán unos u otros atributos en la búsqueda de la solución más idónea a la misma. Concretamente se considera que la competencia es un conjunto estructural complejo e integrado de atributos necesarios para la actuación inteligente en situaciones específicas.”1 Me ha llamado la atención la cantidad de información existente entorno a las competencias, lo que ratifica que representan la vanguardia en la educación, no es para menos ya que son la respuesta para intentar poner orden al caos, es decir, la educación por competencias en vez de sólo verter conocimientos en el alumno, como hasta hoy se ha venido manejando. Lo interesante también con la gran diversidad de puntos de vista entorno a las mismas, tales como: “[...] concepciones de la competencia como estructuras profundas, propio de las teorías de Levi Strauss, Chomscky o Piaget; como principio sintetizador dentro de la teoría de la Gestalt; como operaciones de hábito, según Bourdieu; como código de Bernstein; como realización de logro en la etnometodología; como conductas operacionales dentro del conductismo, etc.”2

Pudiera resultar confusa tal lluvia de información existente relacionada al tema, sin embargo, “Esencialmente, la competencia es la relación existente entre lo interno de la persona y lo externo. Es decir, el mismo proceso de adquisición y de postración de la capacidad, reconoci- da públicamente, así como la aceptación individual [...] Acabamos de conceptualizar las competencias como el conjunto de conocimientos, procedimientos y actitudes combinados, coordinados e integrados en la acción adquirida a través de la experiencia (formativa y no formativa - profesional) que permite al individuo resolver problemas específicos de forma autónoma y flexible en contextos singulares.”3 Considero de todo lo que investigué del tema esto es lo que me clarificó qué eran las competencias, tenemos así que se trata de un concepto muy ambicioso si se quiere ser aplicado a la educación superior, sobre todo si consideramos que por lo regular en el alumno no evaluamos la aplicación y éxito de lo aprendido en clase en distintas situaciones, sino que se hace una evaluación dentro del aula, que las más de las veces nada tiene que ver con la realidad externa a la escuela, por lo que, sin duda queda la enorme duda de si el alumno habrá integrado éstos nuevos conocimientos a su forma de hacer, ver y conducirse en su vida y en el campo laboral profesional, de ahí que desde mi punto de vista la cuestión de la evaluación debe ser un gran tema en la educación por competencias. ¿Por qué estar pensar en competencias profesionales? Además de ser una de las propuestas para la educación del Banco Mundial, como sabemos máximo órgano rector de la economía global y de que las cosas no se hacen si no se cubre con las expectativas que marca el BM, me parece que en esta (como en otras ocasiones, aunque no en todas), no se han equivocado, ya que la educación por competencias lleva a la reflexión ¿De qué sirve la educación si ésta no se aplica a nuestra vida, no sólo profesional sino a la personal, a la forma en que vemos las cosas? Y por el contrario se queda todo en un cuaderno en apuntes, que seguramente después del examen el alumno nunca consultará. De ahí que sea indispensable hablar de la educación por competencias.

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De tal manera que además de lo anterior, algunas otras bondades de las competencias es que: “A su vez, la o las competencias logradas aumentan el poder de las capacidades con lo que el proceso se convierte en una espiral centrífuga y ascendente que hace necesario el planteamiento que dimana de la formación permanente: logro de más y mejores competencias en el desarrollo evolutivo de las capacidades de la persona [...] Las competencias sólo son definibles en la acción. En la línea de lo apuntado anteriormente, las competencias no son reducibles ni al saber, ni al saber-hacer, por tanto no son asimilables a lo adquirido en formación. Poseer unas capacidades no significa ser competente. Es decir, la competencia no reside en los recursos (ca-pacidades) sino en la movilización misma de los recursos. Para ser competente es necesario poner en juego el repertorio de recursos.” 4 La competencia, involucra una serie de eventos concatenados, implica la integración y aplicación de diversos saberes, no de manera aislada. “Incluso, desde esta óptica, puede llegarse a que el saber actuar sea el precisamente no actuar. Una buena reacción ante una situación problemática puede ser precisamente no intervenir.”5 Así tenemos que las competencias involucran experiencias de vida y no sólo experiencias aúlicas, de tal modo que están en constante evolución.

Las competencias en el marco del mundo globalizante En nuestra sociedad se ha habitado en las últimas décadas con enormes y acelerados cambios en lo tecnológico como el Internet, las computadoras, la televi- sión por cable y todos los enseres que nos facilitan la vida pero que nos separan de lo real, que nos deshumanizan; en lo social, vemos un aumento de pobreza y polarización de las clases sociales, migración, aumento de la violencia, entre otros problemas de igual o más envergadura; cambios económicos que determinan la movilidad de las personas, por ejemplo, ahora no es extraño morir en otro país o ciudad diferente del que nos tocó nacer, debido a que buscamos básicamente vivir más prósperamente. “El contex- to, por último, pues, es clave en la definición. Si no hay más competencia que aquella que se pone en acción, la competencia no puede entenderse tampoco al margen del contexto particular donde se pone en juego. Es decir, no puede separarse de las condiciones específicas en las que se evidencia.”6 Ante este panorama desolador, que en vez de llamar “aldea global”, algunos insisten en llamar “saqueo global”, es que se toma conciencia de la importancia de la educación por competencias, en un intento desesperado por estandarizar, por dar uniformidad a esa amplia gama (en este caso) de egresados de las carreras profesionales, que con todas las buenas intenciones los ayude a no estar en desventaja con egresados de universidades del primer mundo. Sin embargo, no sólo se trata de aplicar competencias como solución, el problema como ya vimos en el párrafo anterior es mucho más complejo; como profesora universitaria me doy cuenta, que la mayoría de los alumnos, no tienen iniciativa en clase (se las aniquilaron en la educación primaria), no les gusta trabajar en los contenidos de las materias, lo sienten oneroso e innecesario, le hacen más caso a lo que ven en los medios de comunicación masiva (los cuales no hacen más que aumentar la ignorancia) que al profesor, es decir, la educación profesional en México está en crisis, los egresados no se dedican a ejercer las carreras de las cuales egresaron, simplemente porque no hay fuentes de trabajo suficientes y las que hay están muy mal pa-

gadas, los maestros en universidad somos ejemplo de ello, somos profesionistas que nos vemos obligados a ejercer la docencia por esta razón, que después algunos sucumbamos ante las satisfacciones que da la docencia es otra cosa, sin embargo, percibí que muchos de los que alguna vez fueron mis profesores, lo hacen solamente por obligación o sólo por necesidad económica y eso invariablemente se traduce en apatía de los estudiantes, que perciben la actitud del profesor. De ahí que los gobiernos tengan problemas en la aplicación de la educación por competencias, ya que simplemente se está hablando de transformar todo el sistema educativo nacional, sin embargo, desde mi punto personal de vista, a la par también se deben crear las condiciones políticas, económicas y sociales que favorezcan este cambio, caso contrario, se está hablando de una situación tan ilógica como querer que crezca un árbol de manzanas en agua salada, no puede haber tal. Relacionado al contexto, Tejada nos dice que: “[...] lo que se ha puesto de manifiesto es la dificultad para los gobiernos de unificar una política coherente a largo plazo por cuanto existen diferentes y legitimados intereses para objetivos muy diversos, siendo también los orígenes y planteamientos de formación profesional muy dispares. [...] Estamos apuntando que en la dirección del análisis y solución de problemas en un contexto particular en el que a partir de dicho análisis (y para el mismo) se movilizan pertinentemente todos los recursos (saberes) que dispone el individuo para resolver eficazmente el problema dado. Pero ello no quiere decir necesariamente que cada contexto exige una competencia particular, con lo cual podríamos llegar al infinito interminable de competencias, sino que la propia situación demanda una respuesta contextualizada.”

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Mensajes gráficos, hacia una fundamentación del diseño popular. Autor: M.D.G. Mónica De La Barrera Medina Relación entre el usuario, el diseño y su contexto. Los mensajes gráficos populares están implícitos en todo contexto mexicano; pensar en el usuario y su contexto nos permite obtener ideas acerca de las propuestas de diseño, sus características y quizá una metodología que fundamente conceptos para una futura integración académica. Los aspectos populares han sido abordados desde distintos puntos de vista; el interés por conocer las manifestaciones culturales de cada entidad, permite enfocarse en investigaciones de toda índole. Lo popular está al alcance de toda clase social, se considera como “lo propio” o lo conocido por todos, como manifestaciones que expresan la vida tradicional de un pueblo. En el caso del diseño gráfico, las aportaciones que exploran estos aspectos no son muy extensas; las investigaciones existentes acerca de lo popular abordan generalidades y recuperación de material básicamente visual1; sólo algunas de ellas llegan al análisis de las muestras, sin embargo bajo los parámetros de la vinculación tripartita Diseño - Usuario y Contexto no se abordan a profundidad.

Fig. 2 En los mercados, los mensajes saturan el espacio de comercialización, los recursos son variados ya que muchos de ellos son temporales y de acuerdo con el precio que en el día se tenga. (archivo de la autora / Mónica de la Barrera).

El diccionario de la Real Academia Española, define como usuario(a): “a aquel que usa algo ordinariamente, que por concesión gubernativa o por otro título legítimo, goza un aprovechamiento de aguas derivadas de corriente pública”2, es decir, que el usuario usa, goza y aprovecha todo tipo de situaciones y circunstancias relacionadas todo el tiempo con su entorno. Para el significado de contexto, tenemos que: “es el entorno lingüístico, físico o de situación, en el cual se considera un hecho, por lo que un usuario siempre estará vinculado con su entorno, por ende a todo lo que le rodea”.3

Fig. 1. Es frecuente tener un panorama como éste en varias ciudades del país, en donde apreciamos un alto contenido de información visual, mensajes en los que el usuario se integra a su contexto. Arandas, Jalisco. (archivo de la autora / Mónica de la Barrera).

Ahora bien, en lo concerniente al diseño, las definiciones son una larga lista de proposiciones y descripciones del quehacer del diseñador en todas sus direcciones. En cuanto a lo gráfico, el diseño puede definirse como la descripción o bosquejo verbal de algo; profesión cuya actividad es la acción de concebir, programar, proyectar y realizar comunicación visual en general, por medios industriales y des- tinadas

Fig. 4 En este anuncio de una empresa de rotulación digital, se integra la imagen de un San Luis Rey, como alegoría del giro de la empresa, en la que el aspecto tecnológico y decorativo, son parte de su interpretación. (archivo de la autora / Mónica de la Barrera).

a transmitir mensajes específicos a grupos sociales determinados; es también una disciplina que posibilita comunicar visualmente ideas, hechos y valores útiles para la vida y bienestar del hombre, mediante una actividad proyectual, en la que se procesan y sintetizan en términos de forma y comunicación, factores sociales, culturales, económicos, estéticos, tecnológicos y ambientales. El acto de diseñar se lleva a cabo a partir de una forma renovada de ver el mundo y una nueva manera de interpretar las necesidades que en él hay. “Detrás de cada producto de diseño hay una reflexión sobre la realidad que, en mayor o menor medida, consiste en una reinterpretación de las necesidades, los deseos, los gustos y los anhelos de las personas”.4

Fig. 4

De esta idea, sabemos entonces que todo cuanto nos rodea ha sido previamente diseñado para la satisfacción de determinados usuarios; en ocasiones esos diseños son dirigidos específicamente a cierto usuario, que dejan de aplicarse a toda una comunidad; sin embargo, también como diseñadores-usuarios podemos reinterpretar un diseño de acuerdo a nuestro contexto.

Fig 5. En los anuncios de restaurantes o tiendas, donde se expenden productos reconocidos de marcas cerveceras o refresqueras, se coloca la imagen con la marca de la empresa, dando lugar a la aplicación de la imagen con el nombre de la tienda o restaurante en un segundo plano, sin embargo, la estrategia creativa del rotulista, se hace presente en las imágenes que enfatizan el nombre del lugar. Mariscos “La Ranita”,

Gabin Ambrose y Paul Harris, comentan que la disciplina del diseño gráfico “impone un orden y una estructura al contenido a fin de facilitar el proceso de comunicación, para que el mensaje sea captado y comprendido por el público al que va dirigido”5 , por lo que en el acto de diseñar (intencionalmente) para determinado usuario, se debe considerar un proceso o método en su ejecución.

El diseñador gráfico se encarga de observar y realizar una traducción visual de los mensajes, acomodar y transformar la información que se quiere transmitir, a través de un orden lógico y coherente, a un lenguaje común a todos los hombres o a un determinado grupo de ellos. Entonces, la relación usuario-contexto-diseño, se hace tan estrecha, que para describir una, habrá que ligarla con la otra. En un orden primario, podríamos decir que para que exista el diseño, debe haber un usuario, el usuario debe estar en un determinado contexto y el contexto se reflejará en el diseño mismo.

Fig. 5

Aguascalientes. (archivo de la autora / Mónica de la Barrera).

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Si por ejemplo, en el caso de mensajes gráficos específicos, como los letreros de espacios comunes, profundizáramos en su interpretación, descubriríamos que cada uno está adaptado a las circunstancias de su entorno: el uso coloquial de palabras por regiones geográficas, determina factores de comunicación en donde incluso las expresiones se convierten en anclajes del mensaje escrito.

tos del Diseño Nacional para la formación académica en Mexico?, pues de alguna manera, conocimientos basados en experiencias y desarrollo de proyectos escolares, es lo que ha permitido el desarrollo de documentos editoriales, que las universidades han usado como libros de texto, mismos que apoyan desde los primeros semestres, las materias de diseño básico. (Fig. 4 y 5).

Mensajes Gráficos Populares

Como profesionistas del diseño, no tenemos la oportunidad de conocer los métodos y estrategias que un rotulista aplica al calcular, trazar y dibujar lo que en gran escala, se trabaja en fachadas o lienzos. Existen conocimientos empíricos de un oficio, que el rotulísta aprende y aplica reiteradamente en su trabajo, pero que para el diseñador gráfico, son desconocidos en su totalidad, lo más cercano a ello ahora son los trabajos vinculados con las impresiones en gran formato y recorte de vinil, que no son propiamente el trabajo de un diseñador profesionista, sino de un técnico o ayudante, sin embargo, al referirnos al rotulista, estamos hablando de los dibujantes con experiencia que han trazado en escala y proporción proyectos, bajo la herencia de un oficio, aprendido por la experiencia y bajo los riesgos que este trabajo implica.

En una investigación anterior, realizada sobre los mercados, se comentó la importancia de los mensajes en locaciones populares, comparando espacios de venta y transacción, en los que el usuario responde a su contexto e incluso el vendedor toma el papel de diseñador, reinterpretando lo que por varios años ha marcado un estilo de comunicación con su receptor o marchante, quienes visualmente identifican los locales y nombres, concediéndoles antigüedad, prestigio y distinción, en cuanto a las características de su representación visual. En muchos de los casos esta estrategia ha sido tan conveniente, que los centros comerciales han ido adoptando frases y recursos mnemotécnicos propios de los mercados, para dirigirse a sus receptores con una evocación de los tiempos en que ir al mercado resultaba mucho más práctico que hoy en día.El ejemplo de investigación sobre los mensajes en los mercados, permite pretender la reinterpretación de otros espacios comunes, en los que se manifiesta la comunicación popular de manera visual, considerando a futuro analizar y plantear, ambiciosamente, una serie de fundamentos vinculados al diseño gráfico, reinterpretados por los profesionistas para su aprendizaje y realización de mensajes más coherentes con los usuarios y su entorno. (fig.2 y 3). Una premisa es indagar si en la formación académica, alguna institución ha considerado en el contenido de alguna de sus asignaturas, características formales del diseño popular mexicano para la elaboración de mensajes y propuestas de diseño, es decir, si se conocen y aprenden fundamentos de diseño, basados en bibliografía extranjera para todos los alumnos en formación: ¿Podrían recuperarse factores y fundamen-

Es hasta ahora, posterior a la realización de una tesis de posgrado, cuando se nos permite analizar y aprender un poco de lo mucho que un rotulista puede aportar en la realización de mensajes gráficos, pues si bien nosotros como diseñadores podemos “diseñar y conceptualizar una idea”, los rotulistas la realizan y en muchos casos, son los mismos rotulistas los que han depurado un estilo para cada espacio. En fachadas o bardas por ejemplo, se tiene un estilo que claramente se distingue, así sean campañas políticas o eventos musicales, los muros se convierten en espacio de expresión, en los que algunos rotulístas llegan a firmar su trabajo. Los rotulistas e impresores aprenden cuestiones del diseño derivados de un oficio que practican todos los días como parte de su trabajo.

No sólo los factores formales en el acto de rotular, sino el concepto del diseño mismo, es un aspecto que merece retomarse, pues en mayor o menor medida, sabemos que el estilo del diseño, en espacios populares es una clara manifestación de una estrategia persuasiva de gran impacto. ( fig. 6). Es interesante qu e en ciudades con énfasis turístico como San Miguel de Allende, demuestren que la recuperación de estilos populares, resulta tan atractivo a extranjeros y locales, que las tiendas e incluso restaurantes se decoran con elementos artesanales y colores de características populares como el de una lonchería, tortería o taquería, queriendo emular lo tradicional y lo conocido, cuando en realidad son ajenos a ello, pero integran lo rescatado en cuanto a color y distribución de un local popular para convertirlo en un espacio de souvenirs o de alimentos gourmet. Esto tiene una lógica si advertimos que lo artesanal y el estilo “kitsch” también evocan algo único, natural y no producido en serie, lo que da una categoría de calidad o de frescura en lo que respecta a productos o servicios. (fig. 7 y 8).

Fig. 6. “Cine de terror”, texto que acompaña este anuncio de una Rosticería, en el que los pollos miran en un horno rostizarse a otro pollo. Sin duda, muchos de los mensajes son irónicos y graciosos, es parte de esa creatividad que el rotulista, ya sea por encargo o por su propia cuenta, hacen a los mensajes enfatizar y evocar el giro de la empresa que lo anuncia. Calvillo, Ags. (archivo de la autora / Mónica de la Barrera).

Por ello y para efectos de investigación, replanteando la pregunta ¿Si los conceptos de diseño nacional se retomaran?, surge la idea de rescatar conocimientos de comunicación popular y hacerlos parte de un contenido en un programa de estudio, en el que trascendentalmente se aprendieran los referentes de diseño mexicanos. Parece una idea por demás ambiciosa, sin embargo hay una gran parte de ciudades del país que viven del turismo, en donde por lo menos el 60% de los servicios son negocios de capital extranjero, lo que implica que la aceptación del diseño nacional es un punto que otros comienzan a destacar y no son propiamente los mexicanos los que aprovechan estos recursos. (fig. 9).

Fig. 7 El color y las artesanías son un referente visual muy grande que en lugares turísticos asombran a propios y extraños, pues la satu- ración, el contraste y la variedad, son algunos de los aspectos que se destacan en los objetos, mismos que son aplicados en distintos contextos y espacios, y se integran a propuestas de diseño y decoración. San Miguel de Allende. (Image Bank)

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Fig. 8 Algunos objetos de uso común, como vasijas, vasos, botellas y cualquier otro contenedor, transforman su utilidad en objetos decorativos; el ejemplo de las piñatas que usamos en temporada decembrina para romper, en otros países son usadas como decoración de espacios, aun cuando no correspondan época de su consumo, pues su atractivo visual cambia su valor de uso por el de signo. Un ejemplo más es el uso del papel picado, que decora ceremonias religiosas y sin embargo se ha utilizado como decoración de interiores en diversos espacios como hoteles, restaurantes y centros comerciales. San Miguel de Allende. (archivo de la autora / Mónica de la Barrera)

Comercialización y diseño. Algunos objetos comerciales, de propuestas mexicanas, se basan en el uso de imágenes de obras de artistas conocidos mundialmente como: Frida Kahlo y Diego Rivera, por mencionar algunos, que son aplicados en bolsas, llaveros, playeras, cuadernos (fig. 10, 11 y 12) y todo tipo de artículos promocionales, como emblemas nacionalistas que venden tanto como las calaveras de Posada, mientras que hay mucho más material cultural para explotar, si esa fuera la intención, de objetos y aplicaciones para evocar “mexicanismos”12 para exportar. Si fuéramos conscientes de configurar mensajes, desde el punto de vista del diseñador gráfico, aplicando referentes locales, lograríamos un acercamiento mucho más directo con el usuario, rescatando gustos, valores y hasta sentimientos de todo nuestro contexto y no sólo copiando los diseños de artistas reconocidos, sino determinando estilos propios incluso de cada estado o región geográfica.

Fig. 9 Esta playera muestra el estampado de una “Catrina” de Posada, con algunas características de una “Frida”, que se reconoce por las cejas y el color. Los artículos promocionales para turistas aprovechan ampliamente los recursos de imágenes reconocidas, con la finalidad de identificar algunos aspectos del diseño mexicano Fig. 10, 11 y 12 Aretes, tequila, tenis (marca Converse); algunos artículos de venta, decorados con la imagen de Frida Kahlo, que hacen atractivo el diseño mexicano a extranjeros, en los que se aprecia que el uso de su imagen sigue siendo un motivo de atracción.

Por ejemplo, los mensajes religiosos son una fuente inagotable de diseño, las estrategias para cautivar los sentimientos de fervientes feligreses, son tan fuertes en nuestro país, que la comercialización de imágenes resulta un gran negocio para las iglesias y tiendas especializadas en la venta de estampas o aplicaciones de vírgenes y santos, esto es también parte nuestra identidad popular, pues hasta los feligreses más alejados de las premisas religiosas tienen una gran fe hacia la Virgen y llevan en estampa o tatuaje la aplicación gráfica de su devoción. ( fig. 13 y 14).

Fig. 13 El trabajo decorativo que los rotulistas realizan, para recalcar el mensaje, es casi siempre un acto de ironía, en el que encontrar algo gracioso es parte del reconocimiento de la imagen. (archivo de la autora / Mónica de la Barrera).

Fig. 14 En algunos lugares, intentan evitar que las bardas sean rayadas, a través de mensajes como éste, en el que anteponen imágenes religiosas para persuadir que no rayen. San Luís Potosí, SLP. (archivo de la autora / Mónica de la Barrera).

Fig. 15. Muchas marcas famosas son susceptibles de re-diseños en su contenido para generar copias ilegales que permitan su utilización y aplicación en artículos semejantes a los que las empresas originales realizan. (archivo de la autora / Mónica de la Barrera).

Como consumidores, sabemos que el gusto, tiene que ver incluso con lo ya aprendido, los espacios locales como en las rancherías, son un reflejo de estilos y tendencias que se repiten entre sus habitantes, teniendo un tipo de indumentaria, de vivienda, de música y hasta de hablar. Todo esto es parte de su comunicación, en la que se adaptan estrategias de campañas, como en el caso de empresas refresqueras o cerveceras, en las que la clara manifestación de su existencia se encuentra en las fachadas de casas, bardas y anuncios en bandera que, a simple vista, otorgan un grado de civilización y consumo por parte de su gente. Los mensajes de estas empresas se han llegado a adaptar tanto a la comunidad que incluso analfabetas, reconocen el producto por su consumo y repetición visual. Entonces, encontramos que la imagen y el diseño gráfico están más ligados a lo popular de lo que pensamos. La comercialización de productos piratas13 también colabora a la identificación del branding14 o marcas, que son tan reconocibles que aun cuando se les omita o aumente una letra, son leídas y recordadas como marcas originales, pues el efecto visual, en cuanto a forma y color, rebasa lo textual, sobre todo en circunstancias en las que la adquisición de un producto “legal” es de un cos- to tan elevado que sólo puede ser adquirido en su versión “no original” por una mínima parte de su precio real.( fig. 15).

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El diseño juega un papel tan importante en los usuarios, que llegamos a olvidar la relevancia de experiencias, en su omisión de registros que lo divulguen como parte de conocimientos prácticos y análisis de experiencias en el uso de la imagen, de la forma e incluso de los espacios; obviamos estos conocimientos y desatendemos la evidencia escrita, es decir, que todos estamos conscientes de esto, pero no vaciamos nuestras ideas en documentos textuales. Si lo que creemos que forma parte de nuestro desarrollo y aprendizaje visual en nuestro país, se estableciera como conceptos o fundamentos, generaríamos apoyos de consulta mucho más afines a nuestro contexto que los aprendidos en la universidad como guías o procedimientos sobre fundamentos del diseño, tendríamos aspectos de comunicación visual local y hasta un desarrollo de ejercicios basados en las técnicas regionales de estilos artesanales.

El diseño en otros contextos Los viajes, como diría Hemingway, son sin duda una gran oportunidad de comprender otras culturas y entornos, de instruirnos en otros espacios para acrecentar el conocimiento. Para un diseñador gráfico, no debe ser la excepción, ya que en cada uno se puede comprender la relación usuario-diseño y contexto. Todo cuanto nos rodea forma parte de aplicaciones gráficas como soportes de distintos materiales, texturas, etc. Al momento de salir de nuestro espacio, nos convertimos en usuarios y entendemos que el contexto es tan distinto, que enseguida, in- tentamos adaptarnos con nuestras ideas antiguas y resolver nuestra estancia al modo en el que estamos acostumbrados. Es ahí, donde la diferencia permite detectar otras circunstancias y el ejercicio del diseño se vuelve indispensable. La geografía nos impone estrategias de sobrevivencia, no es lo mismo habitar un entorno frío y nevado que una playa y altas temperaturas, esto da inmediatamente, diferencias hasta para el descanso, donde hamacas o camas llegan a cumplir las mismas funciones, pero en diferente hábitat. (fig. 16 y 17). Para el diseño gráfico y lo referente a su acto de comunicación, es básico conocer a quién se dirige el mensaje, para más tarde acercarnos al objetivo de persuadir, comunicar, convencer o evidenciar lo que se desea. En los mensajes populares, existen códigos que en factores como el color o nivel de representación, se distinguen claramente. Tenemos el caso de las vulcanizadoras, en las que incluso omitiendo letras en su anuncio (sólo la llanta colocada de manera evidente sobre la carretera), nos indica a modo de señal, que hay un lugar para cambiar los neumáticos. ( Fig. 18).

Fig.16. Este anuncio enfatiza el interés de generar conciencia para no beber cuando se maneja, por ello, al ser un mensaje local, se escribe como se habla, con el énfasis en las sílabas correspondientes: “Si bebés no mane- jés”. Anuncio de Tuxtla Gutiérrez, Chiapas. (archivo de la autora/ Monica de la Barrera).

Fig 17. Por otra parte, empresas extranjeras conscientes de la comunicación directa que entre los habitantes de nuestro país se da, manifiestan, a través de sus impresos, mensajes que directamente atiendan a los objetivos esperados. Burguer King, buzón de sugerencias. (archivo de la autora / Mónica de la Barrera).

Fig.18. En el caso de las vulcanizadoras o llanteras, el mensaje es fácil de reconocer, la estrategia de comunicación es el neumático mismo, que se sitúa en el lugar que indicará el servicio. (archivo de la autora / Mónica de la Barrera).

Por otra parte, el reciente auge de las computadoras ha permitido que las señales y rótulos sean adaptados según el contexto, aunque no sean legibles por color y tipografía. Recortes de papel, trazos en cartulinas, todo eso ya está siendo sustituido por mensajes impresos, que parecen evitar el trabajo de hacerlos a mano y basta ahora sólo imprimirlo y sacarle copias. ( fig. 19). La comunicación visual, en otros contextos, se distingue de inmediato por usuarios ajenos a él, nuestra apreciación es cuestionada por los códigos aprendidos y en todo caso si estamos en otro país, distinguimos con gran facilidad las diferencias en los mensajes. Los aeropuertos, centrales de autobuses, sitios de taxis y hasta los hoteles, utilizan sistemas internacionales que facilitan el entendimiento de códigos, pero no en todos los casos, la claridad es asumida en su totalidad. La representación gráfica por ejemplo, ayuda a comprender o al menos a identificar algunos textos que en distinto idioma no leemos, aportando al usuario un apoyo para reconocer determinado concepto. Pero han sido las aportaciones extranjeras las que han introducido todo tipo de códigos visuales, sobre todo en los sistemas de señalización, aunque incluso en esos países no existan señales como las que en nuestro país se llegan a utilizar, como para indicar grutas, cenotes y todo tipo de topes y vados que hay sobre nuestras carreteras. ( fig. 20).

Algunos de los libros sobre Fundamentos del diseño incluyen un contenido como el que se enlista a continuación: Definición de diseño Arte y diseño Elementos de la comunicación Estilos y tendencias en el diseño La percepción visual Formas básicas de composición Clasificación de los signos Elementos básicos: la línea, forma, textura Espacio y formato Historia del color. Psicología del color Los orígenes tipográficos, La tipografía y su evolución La rotulación como medio de comunicación Tipografía digital Técnicas de composición, la escala, la sección áurea El equilibrio en una composición, tono, escala, maquetación Clases de retículas Distribución texto y las imágenes Sistemas de Impresión Técnicas de impresión Tipos de tintas A modo de conclusión.

Fig. 19 Algunos lugares aprovechan la impresión de un anuncio para comunicar varios mensajes a la vez, como en este caso, en el que dos distintos servicios se integran en uno solo. Aguascalientes. (archivo de la autora / Mónica de la Barrera).

Fig. 20. En otros contextos, los mensajes pueden ser interpretados de manera distinta. Esta imagen es común en las instalaciones (dentro de los salones de clases) de la Universidad de Colima, donde al ubicarse en una zona sísmica, se hace énfasis en las medidas de seguridad en caso de temblor. En ciudades, donde los movimientos telúricos no se resienten, este tipo de mensajes resultan llamativos y novedosos. (archivo de la autora).

ARTÍCULOS / interiorgráfico

Un libro de fundamentos del diseño popular “Para comunicar y transmitir visualmente un mensaje de forma efectiva, el diseñador debe conocer los diferentes recursos gráficos de los que dispone, junto con la imaginación, experiencia, buen gusto y el sentido común necesarios para combinarlos de forma correcta y adecuada”. Los libros sobre fundamentos del diseño, indican que ayudan a la preparación al alumno con los conocimientos necesarios para plasmar su creatividad siguiendo las pautas del buen diseño, aplicando los diversos estilos gráficos e incluso desarrollando un estilo propio. La mayoría con ejemplos de ejercicios de diseñadores y estudiantes. En sus contenidos hay definiciones, estilos y tendencias, clasificaciones de signos, percepción, tipografías, técnicas de composición, teoría del color, maquetación, sistemas de impresión y hasta el desarrollo de páginas Web. ¿Podríamos tener nuestros propios fundamentos del diseño?, ¿Existirá material suficiente para reconocer tendencias, estilos, clasificaciones de signos, uso de color y técnicas de impresión en la comunicación popular?, Estas preguntas tienen validez, una vez que ya se han aprendido y aplicado por medio de ejercicios y proyectos, durante varios años en la profesión del diseño gráfico. Si revisamos el material bibliográfi- co y a sus autores, encontraremos que la mayoría forman parte de una recopilación de ejercicios de clase, desarrollo de temas y contenidos de materias de diseño en escuelas de Suiza y Alemania, en las que años de trabajo académico y el interés por su recopilación, favorecieron lo que hoy conocemos como materiales de consulta básica, que ahora los enseñamos a nuestros alumnos. Quizá a modo de propuesta, podemos darnos a la tarea de enlistar y derivar las características que en cada lugar, ya sea por región, espacio común o estado, se deriven del análisis de las estrategias visuales comunes, para determinar principios de diseño popular, realizados bajo investigaciones académicas y sus experiencias. Un intercambio de experiencias académicas como foros de discusión, colaboran en esta idea, donde los interesados provoquen la realización de publicaciones en compendio, a favor de una fundamentación basada por supuesto en ejemplos gráficos que faciliten su aprendizaje y comprensión.

“Nuestra profesión se basa en conocer profundamente los componentes estructurales de mensajes, conocer desde lo sensible las razones de la creación, sus estructuras sus vínculos visibles o sugeridos, sus diferentes capacidades comunicacionales”. Vale la pena destacar que sobre este tópico hay otros investigadores interesados, como en el caso del Dr. Martín M. Checa - Artasu18, del Colegio de Michoacán y Pilar Castro Rodríguez, Universidad Popular Autónoma del Estado de Puebla, México, con su artículo La Gráfica Popular Mexicana: Definiciones y características para su valoración19, quienes han tenido a bien citar parte de mi investigación: “Mensajes gráficos en los mercados de San Luís Potosí”, como aportaciones desde la academia, ya que como se ha comentado, la mayor parte de los trabajos referentes al diseño popular, sólo son compendio de imágenes. Estos autores realizan una aproximación a la gráfica popular, como objeto de investigación, detectando una serie de etapas y recursos que los rotulistas aplican en la realización de su trabajo.

Análisis de posgrados y cursos de educación continua ofertados en universidades nacionales, públicas y privadas.

Autor: M. en Arq. Alma Pineda Almanza si bien la Universidad de Guanajuato en sus carreras de Licenciatura ha pretendido dar una educación profesional de calidad, que se alcanza con el título universitario, es un hecho que los avances tecnológicos, la globalización y los cambios sociales en continuo movimiento hacen necesario que los nuevos profesionistas busquen la opción de especializarse y profundizar en los conocimientos obtenidos en la licenciatura. Es así que la obtención del grado se convierte así mismo en una inquietud intelectual; la necesidad de actualización y la especificidad de las tareas o trabajos profesionales que se encaran, ha ido conduciendo a ofertar estudios de posgrado por parte de las universidades. Si se trata de puntos concretos de mejora profesional, buscaremos una especialización, si en cambio requerimos de una formación superior en una disciplina o área interdisciplinaria, profundizando en su conocimiento teórico o tecnológico nos orientaremos a una maestría.

Por otro lado, si nuestro objetivo es la realización de verdaderos aportes originales a la ciencia con una proyección de universalidad en un marco de excelencia académica, ese es el camino del doctorado. Las necesidades intelectuales de los profesionistas, hoy día van acompañadas de un proceso en el cual, al igual que en el resto del mundo, se favorece la obtención del reconocimiento. En la actualidad, no cabe duda que quien posee un título de posgrado es alguien actualizado en su profesión y de mayor envergadura intelectual, por lo tanto, es más solicitado por particulares individuales cuanto por empleadores. Asimismo, lentamente se adquiere el reconocimiento legal, pues estos títulos sirven para dar mejores puntajes en concursos para la adquisición de ciertos cargos públicos. Sin duda llegará el tiempo del reconocimiento total de su valor, que quizá exija su necesidad para la habilitación profesional.

Ante la enorme oferta de licenciaturas y posgrados, surge ahora un nuevo asunto por analizar y es la solidez que un título de posgrado exhibe, el cual se completa con su propia calidad y el prestigio de la institución otorgante. Por lo tanto, los programas propuestos a corto plazo en nuestro Departamento deberán tender a la constante actualización, estar dirigidos y dictados por profesores de prestigio y llevar el sello de la Universidad de Guanajuato dentro de sus parámetros de Misión y Visión y el respaldo de muchos años de trabajo. La Universidad de Guanajuato pionera en la creación de carreras de vanguardia que marcaron precedente en la comunidad cultural, presenta un amplio emprendimiento dentro de la cosmogonía del arte, enfocado al objeto artístico y su entorno desde todos los ángulos posibles que le permite el estado actual de las ciencias, la técnica y la filosofía en el inicio del siglo XXI. En este sentido, la necesidad del Departamento de Diseño de buscar nuevas formas de actualización a través de los posgrados, nos lleva al análisis de la oferta tanto de las maestrías y doctorados de nuestro país, como de los cursos de actualización y educa- ción continua. Así como a revisar las cualidades que tiene actualmente el Departamento de Dise- ño, sus maestros y su potencial en general.

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Sirva entonces el presente trabajo para lograr el acercamiento al planteamiento de posgrados de utilidad que puedan implementarse en la Universidad de Guanajuato en el área de Diseño. Es importante hacer notar que actualmente el trabajo profesional requiere ser elaborado en equipo y éstos para estar mejor preparados deberán ser capacitados de forma interdisciplinar por lo que la selección de maestrías y doctorados, así como cursos de educación continua aquí expuestos, contemplan muchas de las áreas en las que el diseñador tanto gráfico como de interiores se desarrolla.

Análisis de Po

La tabla que s lo oferta. La m

1. Delimitaciones Documental El trabajo se realizó mediante un muestreo en catálogos, en la red, en periódicos y en asociaciones educativas enfocadas al Diseño. Temporal El trabajo se desarrolló en un periodo desde el mes de enero hasta el mes de agosto del 2009 durante el cual se recopiló y analizó la información pertinente para el desarrollo del presente documento. Por lo que podemos informar que doctorados como el próximo a empezar en enero y que apoya la División de Arquitectura, Arte y Diseño no está contemplado en este estudio. Especialidades Los posgrados y cursos de educación continua aquí analizados guardan relación directa con el área del Diseño, en particular con las especialidades de Gráfico e Interiores. Tomando en cuenta que estas áreas pueden tener enfoque multidisciplinarios acordes con las especialidades antes mencionadas. Este documento presenta información relacionada con la oferta de posgrado (Doctorado, Maestría y Especialidad) y cursos de educación continua (Diplomados, Talleres, Seminarios, Cursos) existente en las universidades nacionales públicas y privadas.

2. Objetivos El objetivo del presente análisis es realizar un muestreo de la oferta que se tiene para los egresados de Departamento de Diseño en materia de posgrados y cursos de educación continua. Formular un documento que sirva como directorio de las posibilidades ofertadas en relación a la formación de posgrados y cursos de educación continua en el país en la actualidad, ofreciendo la posibilidad de su actualización a mediano plazo. Facilitar la planeación de las estrategias que permitan diseñar y ofertar programas de doctorado, maestría y cursos de educación continua en las áreas de diseño, a partir de las diversas disciplinas de especialidad que tengan mucha demanda y poca oferta, asegurando de esta forma parte del éxito en la demanda del posgrado o curso de actualización. Sabemos además que la planeación de estos posgrados dependerá también de la plantilla académica con que cuenta el departamento y en nuestro caso la División de Arquitectura, Arte y Diseño.

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ostgrados

e muestra a continuación refleja las maestrías y doctorados localizados a nivel nacional, así como la universidad y lugar que misma ofrece mayor claridad para el análisis realizado.

Análisis

No. de Maestrías y Doctorados En total se analizaron 37 posgrados 3 doctorados y el resto son maestría vadas y públicas del país.

Doctorados Los doctorados que encontramos e

De estos tres doctorados sólo el Zacatecas tiene 8 terminales:

Historia y teoría de las artes visual

Historia y teoría de las artes plást

Imágenes y discursos fronterizos e

Polémicas y antagonistas de la mo

Pensamiento ilustrado en Hispano

Historia de las mujeres y perspect Estéticas y poéticas.

Tradición y modernidad en la liter

Como podemos darnos cuenta, la f ño, o está enfocada hacia la arquite riores, o la postura general es hacia desprotegido el área del Diseño Gr

s, de los cuales tan sólo encontramos as, localizadas en Universidades pri-

en nuestro análisis son los siguientes:

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Universidades VS Postgrados Podemos destacar que de todas las instituciones universitarias del país tan sólo 22 Universidades ofertan algún tipo de maestría relacionado con el diseño. Cabe destacar que universidades privadas ofertan diversos posgrados en sus campus., como la Universidad Iberoamericana que ofrece 6 maestrías relacionadas con el diseño. Sin embargo, hay que mencionar las Maestrías que oferta la Universidad Autónoma Metropolitana, que si bien podemos decir que son dos, lo interesante es que tienen un total de 15 terminales de especialización diferentes. La modalidad de tener diversas salidas terminales la planean las siguientes universidades:

l Doctorado de la Universidad de

les.

ticas y/o la arquitectura.

entre las humanidades y las artes.

odernidad.

oamérica.

tivas de género.

ratura en México.

formación que se propone para diseectura en el caso del diseño de intea el arte, quedando de alguna forma ráfico.

La conclusión es que en 5 universidades se ofertan más maestrías y doctorados que en el resto de las Instituciones del país con 33 especialidades de maestrías. Ubicación Geográfica con mayor y menos oferta. Los estados que ofertan los posgrados son:

Conclusiones A partir del análisis realizado en materia de posgrados y cursos de educación continua ofertados a nivel nacional en universidades públicas y privadas se ha realizado una conclusión basada A partir análisis realizado en materia de posgrados y cursos de educación continua a nivelanacional en lasdelfortalezas, oportunidades, debilidades y amenazas desde el punto de vistaofertados del aspirante dichos en universidades públicas y privadas se ha realizado una conclusión basada en las fortalezas, oportunidades, debilidades y estudios, así podemos concluir que: amenazas desde el punto vista del aspirante estudios,ofertadas así podemos concluir que: ya que aunque se podría Las fortalezas están de representadas en lasa dichos posibilidades a nivel nacional Lasconsiderar, fortalezas están representadas las posibilidades nivel nacional ya que aunque se podría considerar, que en cuestión de en posgrados el abanicoofertadas reflejadoa es limitado, representa una oferta que bien poquedría en cuestión es limitado, representa una oferta que bien podría redundar en beneredundardeenposgrados beneficioselaabanico nuestrareflejado institución a mediano y largo plazo. En relación a los cursos de educación ficios a nuestra a mediano y largo plazo.a En relación a de loslos cursos de educación continua las posibilidades son continua las institución posibilidades son mayores debido la diversidad mismos. mayores debido a la diversidad de los mismos. Las oportunidades pueden ser limitadas debido a que todos nos debemos al cumplimiento de las funciones sustantivas de Lasnuestra oportunidades puedenyser limitadas debidorealizado a que todos nos debemos al que cumplimiento las de funciones sustantivas casa de estudios a partir del análisis podemos corroborar la ubicaciónde tanto posgrados como de de nuestra de estudios y a partir dellaanálisis realizado podemos corroborar que la ubicación tanto nuestras de posgrados como de cursoscasa de educación continua no es idóneo en la mayoría de sus casos para facilitar el cumplimiento actividades cursos de educación continua no es la idóneo en la mayoría desisus casos para facilitar el cumplimiento nuestras laborales y académicas. Sin embargo, estás podrían ampliarse calendarizamos y ajustamos periodos y tiempos deactividades trabajo. laborales y académicas. Sin embargo, estásque podrían ampliarse si calendarizamos ajustamos periodos y tiemposyde trabajo. Por otro lado, conforman un expediente nos permite realizar nuestra propiayoferta en cuestión de posgrados cursos Porde otro lado, conforman unterreno expediente permite realizar nuestra propia oferta en cuestión de posgrados y cursos educación continua, es virgenque quenos ofrece grandes posibilidades. de educación continua, es terreno virgen que ofrece grandes posibilidades. Las debilidades son la razón de nuestras oportunidades un tanto mermadas, ya que la lejanía en gran parte de Laslos debilidades son la razón de nuestras oportunidades tanto mermadas, ya que de la lejanía gran parte de los casos casos representa la mayor debilidad aunada a lasunactividades procedentes trabajoeny familia. representa la mayor debilidad aunada a las actividades procedentes de trabajo y familia. Las amenazas radican principalmente en el aspecto siguiente: al tratarse de un posgrado o curso de educación Las continua amenazasque radican principalmente en cursado el aspecto siguiente: tratarse de verse un posgrado curso educación en su mayoría deberá ser a distancia el al animo puede afectadoopor unade cantidad continua que enajenos su mayoría deberá ser los cursado a distancia el animo problemas puede versedeafectado unayacantidad de factores al mismo, entre que pueden mencionarse diversa por índole sea de factores al mismo, que pueden mencionarse problemas de diversa índole ya sea laboral oajenos familiar, tiempos entre para lalosrealización y revisión de trabajos, problemas de comunicación laboral familiar, tiempos para laotros realización y revisión de trabajos, problemas de comunicación conoprofesores, entre muchos que pueden considerarse amenazas. con profesores, entre muchos otros que pueden considerarse amenazas.

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Consideraciones importantes para el buen diseño de la marca gráfica Autor: M.A.V. I. Juan Carlos Saldaña Hernandez ¿Cuál es el impacto visual de las siguientes marcas? ¿Alto, Medio o Bajo?

Para responder a esta pregunta es necesario tener presente que cada una de las anteriores marcas pertenece a un territorio de marca1 distinto, lo que condiciona y determina su apreciación perceptual acerca de su impacto visual al contexto específico al que pertenece y en el que se desenvuelve, para este caso, no es lo correcto realizar una comparativa entre Aspirina y Playboy, ya que ambas fueron hechas con propósitos y finalidades enteramente distintas; la primera es una marca que alude a la razón y la segunda es una marca que alude a la emoción. Lo correcto y provechoso será evaluar y analizar las marcas en su propio contexto particular por ejemplo: Calvin Klein pertenece a un contexto de ropa, Michelin al de autopartes, Barbie al de juguetes para niñas, Playboy al de publicaciones para hombres, Aspirina se ubica en el territorio farmacéutico y Ferrari al de los automóviles.

Lo correcto y provechoso será evaluar y analizar las marcas en su propio contexto particular por ejemplo: Calvin Klein pertenece a un contexto de ropa, Michelin al de autopartes, Barbie al de juguetes para niñas, Playboy al de publicaciones para hombres, Aspirina se ubica en el territorio farmacéutico y Ferrari en el de los automóviles. Una evaluación pertinente entre diferentes marcas dentro del mismo contexto es la relativa al de las marcas de automóviles. De entre las siguientes ¿Cuál es su impacto visual? ¿Cuáles son las mejores y por qué? ¿Qué las identifica y qué las diferencia? Comparemos las marcas de automóviles con otras marcas. ¿Cuál es su territorio de marca?

Una conclusión anticipada será la siguiente: el impacto visual de una marca depende de varios factores, todos ellos emanados desde el Brief o pliego de peticiones y condiciones que posteriormente será valorada por el público ¿A dónde? ¿Qué?, ¿Cómo? Etcétera.

Pascual Boing. Una marca mexicana que tuvo que ser modificada. En los años 40, la Cooperativa Pascual “adopta” al pato Donald, como parte de su marca gráfica llamándola el Pato Pascual. Décadas después, Disney gana el litigio a esta compañía mexicana por los derechos de autoría, lo que obliga a esta cooperativa refresquera a modificar su marca. Esta modificación puede ser considerada como un rediseño de marca que deberá de conservar las características originales de la misma, siendo el punto álgido, el reemplazo de un pato cuyos derechos pertenecen a Disney, por un pato nuevo. No sólo el cambio de marca gráfica fue lamentable, sino que el nuevo personaje se modifica a través de una convocatoria hecha a los hijos de los trabajadores de la misma cooperativa, según aparece “posteado” el jueves, mayo 03, 2007 en el blog Diseño Creativo y la nueva marca se selecciona de entre los participantes. El resultado es evidente, tal como se publicó en el periódico la Jornada con fecha de /2007/05/13/: “El marinerito deviene rapero” ¿Cuáles ptueden ser considerados los costos de una mala marca? También las malas marcas pueden tener una alta valoración por parte del público (el caso más cercano es el de Pascual Boing en la versión de la nueva marca) sólo que a un costo económico mayor. Esto necesariamente nos lleva a interrogarnos lo siguiente: si cualquier signo gráfico bueno o malo finalmente sirve para identificar, entonces ¿Es necesario el rigor diseñístico y ser minucioso en el diseño de la marca?

Mi respuesta es: Sí. ¿Por qué? Porque hoy no se puede perder tiempo esperando a que un signo marcario deficiente cumpla sus funciones (comunicativas, representativas, simbólicas, etcétera). Un signo deficiente es muy caro en muchos sentidos. Por que la mejor marca gráfica es aquella que no tiene que cambiarse nunca más. Quién menos presupuesto tenga, es quien menos puede cometer errores en la elección de la marca, hay que saber aprovechar una única oportunidad lo mejor posible. Conclusiones. Aunque no existe una receta exacta para diseñar una buena marca, ya que cada marca se ajusta a un determinado perfil, sí existen numerosas consideraciones al respecto tales como: su versatilidad, aspectos técnicos como su reproductibilidad, la pregnancia, su vigencia, tipología, calidad gráfica, entre otros; aunque en este ensayo sólo me he concentrado principalmente en el impacto visual a través del análisis y la evaluación comparativa entre marcas pertenecientes a un mismo contexto, esta comparativa también se conoce como mapa de marcas y tiene la utilidad entre otras cosas, la de conocer el comportamiento de varias marcas entre sí, cuáles son las marcas líderes, cuál es su impacto visual, su croma, cómo se identifican y al mismo tiempo cómo se diferencian, todo ello nos ayudará a mantenernos o no dentro del mismo criterio formal, estilístico, semántico, etcétera, evitando así, la arbitrariedad en el diseño de la marca gráfica.

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Reflexiones sobre el arte Autor: M.C.D. Cynthia Villagómez Oviedo

Discurrir actualmente sobre qué es arte, se ha convertido en todo un problema; con la inclusión en los noventas de los “nuevos medios” (la tecnología digital), el quehacer artístico se ha tornado revolucionario, pero también muy diverso, lo que dificulta su clasificación. Sin embargo, en este nuevo entorno del arte, se aprecia un nuevo panorama, donde ya no solamente las obras pictóricas o escultóricas, son dignas de ser llamadas arte, sino también hay arte en internet, en video, con “... juegos de ordenador, las cámaras de seguridad, la telefonía inalámbrica, los miniordenadores portátiles y los sistemas de navegación GPS...” Pero la tecnología antes mencionada no define al arte, muy por el contrario es el uso de esta tecnología en las manos de los artistas lo que la convierten en el medio de expresión ideal para manifestar conceptos, ideas o cuestiones meramente estéticas.

Por lo que intentar definir el arte de nuestros días resulta un acto temerario, digno de los más encumbrados teóricos, y como dicen por ahí “si quieres dar un consejo, piénsalo dos veces y mejor no lo des”, este consejo se aplicaría por si se quiere definir categórica y rígidamente el arte actual, se correría el riesgo grave de tropezarse o entretenerse en tratar de definir un concepto que continuamente está cambiando, es decir, en mi opinión metafóricamente hablando, el arte es un ‘ser vivo’ que muta y cambia constantemente, veamos por qué...

Un vistazo al pasado En este siempre difícil punto de las definiciones, hemos intentado en primer lugar recabar las históricamente acreditadas y contrastarlas para esclarecer en la medida de lo posible nuestras propias dudas. Los primeros antecedentes del término se encuentran en: “El autor polaco Libelt, en su libro Estetyka, czyli umnictwo piekne (La Estética o la Ciencia de la Belleza, 1849, p.107) [...] dividió las artes según el ideal que intentaran alcanzar, ideal que puede ser la belleza, la verdad o el bien; las dividió también según ejercitasen este ideal en el espacio, en el tiempo o en la vida. Su modo de proceder dio lugar a la siguiente clasificación [...] Artes formales o visuales. En el espacio: Arquitectura, escultura, pintura. En el tiempo: Artes narrativas o visuales, Música, poesía, retórica.” Desde el término de las dos Guerras Mundiales, la clasificación de las artes ha perdido importancia, sin embargo, se ha seguido intentando “E. Souriau (La correspondance des arts, 1947) clasificó las artes en visuales y rítmicas”. En nuestros días se buscan definiciones extremas, es decir, que exista una clasificación o que no haya ninguna, es por esta razón que en opinión de una de las grandes figuras del humanismo polaco Wladyslaw Tatarkiewicz: “...Es imposible realizar una clasificación satisfactoria de las artes porque su ámbito no es fijo, y porque no existe acuerdo sobre lo que sea y no sea arte, o sobre qué actividades y obras humanas deban o no incluirse entre las artes. Se utilizan diversos criterios, y lo que resulta ser arte según un criterio, resulta no serlo según otro, esta es la razón de que existan tantas vacilaciones respecto al ámbito de las artes [...] En el arte actual, es difícil lograr una clasificación debido a la hetero- geneidad intencional del tema en cuestión, a la mezcla que se da en una única obra de los diversos elementos que se unen «sin un vínculo aparente (como ocurre en la vida)»...”. Sin embargo, en un intento por acotar el tema nos hemos dado a la tarea de encontrar los límites de las artes visuales y encontramos lo siguiente: “Las Artes Visuales son la expresión visual de una idea o experiencia, realizada con las habilidades necesarias a través de un medio determinado”. A pesar de que exista diversidad de criterios en torno a las Artes Visuales, lo que es un hecho es que éstas han atravesado en los últimos tiempos por cambios inquietantes, donde prevalece “...la ausencia de patrones estilísticos...”, que evidencian transformaciones profundas en el ámbito de la cultura. Otra característica es que los artistas actuales han expresado una gran apertura hacia los recursos culturales de épocas anteriores, existe un inte- rés por parte de los artistas en “... la superficie, la yuxtaposición y la ilusión...”, también están aquellos que socavan las nociones que prevalecían en la época del modernismo acerca de la auto-ex- presión, originalidad y propiedad.

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Las Artes Visuales actualmente Las artes hoy en día, han experimentado cambios muy importantes con respecto a lo que se consideraba arte en la segunda mitad del siglo XIX, es a partir de las últimas décadas de ese siglo y fundamentalmente a raíz de las vanguardias artísticas del siglo XX, que Las Artes Visuales experimentaron profundos cambios que dejarían su impronta en el arte de nuestros días; algunos de estos cambios fueron advertidos —entre otros— por el arquitecto y crítico Charles Jencks en su primer libro titulado: El lenguaje de la arquitectura posmoderna, en él anticipaba algunas de las características que se transferirían al resto de las artes, tales como: Uso de la belleza disonante; rechazo a las ideas modernas sobre composición; eclecticismo estilístico radical; aceptación y uso de nuevas tecnologías; interés creciente por el antropomorfismo; atención especial en las relaciones pasado y presente; los artistas recurren de manera consciente a la ironía, la ambigüedad y la contradicción en su trabajo; el arte deja de ser sólo autoreferencial; hay una reinter- pretación de la tradición; imágenes sometidas a un constante proceso de reapropiación y reciclaje; la fuerza del artista contemporáneo está en su imperfección. De tal manera que: “Si la vanguardia política de la modernidad celebraba la negación y la disidencia, y pretendía revolucionar el arte y la vida, la mayor parte del arte posmoderno, en cambio, ha tendido a recrearse con el mundo tal cual es y a convivir apaciblemente con una gran variedad de estilos y juegos estéticos.” Actualmente, como ya lo ha- bíamos mencionado al inicio de este texto, las Artes Visuales están experimentando profundas transformaciones debido a la incursión de los nuevos medios, como las nuevas tecnologías informáticas y de telecomunicación (como el Internet), de los medios de comunicación, de videoproyección, y como diría Brea con cualquier chisme que se enchufa. Otra cuestión muy interesante que nos está tocando presenciar en el mundo del arte contempo- ráneo, es la incorporación de la cultura como escenario, donde aparece el término de la “Post producción” en el arte; este término originalmente es usado en televisión y que “Designa el conjunto de procesos efectuados sobre un material grabado: el montaje, la inclusión de otras fuentes visuales o sonoras, el subtitulado, las voces en off, los efectos especiales”. Desde la década de los noventa, muchos artistas interpretan, reproducen, re exponen o usan obras realizadas anteriormente por otros artistas que son culturalmente disponibles, es decir, insertan su propio trabajo en el trabajo de otros, para ellos ya no es importante trabajar con materia pura. Ejemplos de estos artistas existen varios como: Rirkrit Tiravanija, Pierre Huyghe, Jorge Pardo, Ángela Bulloch, Tobías Rehberger, Carsten Nicolai, Sylvie Fleury, John Miller, Sydney Stucki, Douglas Gordon, Jeff Koons, Haim Steinbach, entre muchos otros, todos tienen en común el recurrir al uso de formas ya producidas. Por lo que la pregunta artística ya no es: “¿Qué es lo nuevo que se puede hacer?, sino más bien: ¿Qué se puede hacer con? [...] ¿Cómo producir la singularidad, cómo elaborar el sentido a partir de esa masa caótica de objetos, nombres propios y referencias que constituye nuestro ambiente cotidiano?”

Por lo que los artistas utilizan lo dado, se mueven en el universo de productos a la venta, los mercados de pulgas y la reutilización de pedazos de programas televisivos o películas preexistentes, dando como resultado expresiones artísticas asombrosas y “nunca antes vistas” desde esa nueva óptica (la apropiación), el artista se convierte en lo que Bourriaud llama: semionautas, producen recorridos originales entre los signos, donde crear es —como diría Duchamp— insertar un objeto en un nuevo escenario, considerán- dolo como un personaje dentro de un relato. Así tenemos que “La obra de arte contemporánea no se ubicaría como la conclusión del <proceso creativo> (un ‘producto finito’ para contemplar), sino como un sitio de orientación, un portal, un generador de actividades. Se componen combinaciones a partir de la producción, se navega en las redes de signos, se insertan las propias formas en líneas existentes.” Es decir, la linealidad del arte se pone en entredicho, ya no necesariamente hay un principio y un final, sino que el arte adopta un carácter rizomático, donde una obra no termina, sino que tiene la posibilidad de expandirse, el proceso creativo continúa, se ramifica.

Así que el abordaje que de la propiedad de las formas e imágenes (copyright) se ha hecho en el arte contemporáneo, es muy singular, ya que deviene en formas radicalmente distintas a lo que teníamos preconcebido que era el arte (la idea modernista de lo nuevo como requisito del arte); sin embargo, me parece que es ahí donde habita precisamente su originalidad, en esas nuevas formas de ver y cuestionar ciertos aspectos culturales como la propiedad de ideas e imágenes; que hay que decir ya habían sido cuestionados con anterioridad por Guy Debord, Asger Jorn y Gil Wolman creadores de la teoría del desvío que plantea que todos los objetos pueden ser sujetos de nuevas aproximaciones, incluso Debord publica en 1956 el Modo de empleo del desvío:

“En su conjunto la herencia literaria y artística de la huma- nidad debe ser utilizada con fines de propaganda partidaria. [...] Todos los elementos, tomados de cualquier parte, pueden ser objeto de nuevos abordajes. [...] Todo puede servir. Es obvio que no solamente podemos corregir una obra o integrar diferentes fragmentos de obras perimidas dentro de una nueva, sino también cambiar el sentido de esos fragmentos y alterar de todas las maneras que se consideren buenas lo que los imbéciles se obstinan en llamar citas”.

Otra aproximación a qué es necesario para que una obra sea considerada arte, es la que expone Marcel Duchamp en el siguiente texto: “El Proceso Creativo: Consideremos primero dos factores importantes, los dos polos de toda creación de orden artística: de un lado el artista, del otro el espectador que, con el tiempo, deviene la posteridad. Según todas las apariencias, el artista actúa como un ser mediumístico el cual, del laberinto más allá el tiempo y el espacio, busca su camino hacia un claro. [...] Si concedemos pues al artista los atributos de un médium, debemos entonces negarle la facultad de ser plenamente conciente, sobre el plano estético, de aquello que hace o porque lo hacetodas sus decisiones en la ejecución artística de la obra quedan en el dominio de la intuición y no pueden ser traducidas a un auto-análisis, hablado o escrito o incluso pensado. [...] Después de todo, el artista puede pregonar a voz en grito que tiene genio, pero deberá esperar el veredicto del espectador para que sus declaraciones tomen un valor social y finalmente la posteridad lo cite en los manuales de historia del arte. [...] En otros términos, ¿cómo se produce esta reacción? Este fenómeno puede ser comparado con una «transferencia» del artista al espectador bajo la forma de una ósmosis estética que tiene lugar a través de la materia inerte: color, piano, mármol, etc. [...] Durante el acto de creación, el artista va de la intención a la realización pasando por una cadena de reacciones totalmente subjetivas.

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La lucha hacia la realización es una serie de esfuerzos, dolores, satisfacciones, rechazos, decisiones que no pueden ni deben ser plenamente conscientes, como mínimo sobre el plano estético. El resultado de esta lucha es una diferencia entre la intención y su realización, diferencia de la que el artista no es en modo alguno consciente. [...] De hecho, falta un eslabón en la cadena de reacciones que acompañan el acto de creación; este corte que representa la imposibilidad para el artista de expresar completa- mente su intención, esta diferencia entre lo que había proyectado de realizar y lo que ha realizado es el «coeficiente de arte» personal contenido en la obra. En otros términos, el «coeficiente de arte» personal es como una relación aritmética entre «lo inexpresado pero proyectado» y «lo expresado intencionadamente». [...] El proceso creativo toma todo un otro aspecto cuando el espectador se encuentra en presencia del fenómeno de la transmutación; con el cambio de la materia inerte a obra de arte, una verdadera transubstanciación tiene lugar y el rol importante del espectador es el de determinar el peso de la obra sobre la báscula estética. [...] En resumen, el artista no está sólo para llevar a cabo el acto de creación ya que el espectador establece el contacto de la obra con el mundo exterior descifrando e interpretando sus cualidades profundas y en ello añade su propia contribución en el proceso creativo. Esta contribución es aún más evidente cuando la posteridad pronuncia su veredicto definitivo y rehabilita artistas olvidados.”

Es interesante la importancia que le da al espectador ya no simplemente como tal, sino como parte integrante de la obra, como parte de la creación artística misma, en tanto sea un intérprete de lo que ve, porque para Duchamp, el espectador es el que determina, valora, si es o no es arte. Se suma a todo lo anteriormente expuesto, el aspecto que considera todo aquello que se exhibe en un museo como arte, sin embargo, como diría la maestra Blanca Gutiérrez Galindo “... en el Museo de la Ciudad de Méxi- co, hay muchas pinturas al óleo que están ahí porque han sobrevivido a inundaciones e incendios a lo largo de la historia de la capital, no porque sean arte...”. O también están aquellos que consideran una obra como arte, siempre y cuando despierte alguna emoción, cualquiera que ésta sea. Actualmente, tenemos también dos tipos de arte: uno es aquel que es crítico con las circunstancias sociales y culturales predominantes, que sirve de parangón con la realidad, pero también está el arte con fines estéticos solamente y que por tanto es ‘vendible’, no me quiero imaginar a un comprador de arte, sacando la chequera para adquirir una camisa ensangrenta- da de la obra de Teresa Margolles en el grupo SEMEFO, para exhi- birla en su sala, o comprando un video de la artista Orlan realizándose una cirugía facial, con el mismo fin. Del 22 al 26 de abril de 2009, se llevó a cabo en el Centro Banamex de la Ciudad de México, una de las ferias de arte contemporáneo más importantes del país ZONAMACO; en plena contingencia por la influenza H1N1 asistimos a este formidable evento, justo a un lado de la impresionante vista del hipódromo de las Américas que ofrecen los grandes ventanales del Centro Banamex. Abocada principalmente a la exposición y venta de obra artística de galerías mexicanas y extranjeras, hoy por hoy ZONAMACO se ha posicionado como uno de los foros mexicanos más importantes de exhibición y venta de arte contemporáneo. Con precios por stand de exhibición que oscilan entre los 50,000 y los 300,000 mil pesos mexicanos, en esta feria de

arte se han realizado altas ventas, según entrevista que los expositores reportaron a la revista electrónica Índigomedia, sin embargo –comentaron- no fue así este año, donde si bien hubo ventas, éstas fueron escazas y la feria pasó a ser más que nada un foro de exhibición, probablemente debido a la contingencia por la influenza, que en ese momento alcanzaba su pico más alto en difusión en los medios de comunicación masiva, incluso estuvo a punto de ser suspendida. En cuanto a la obra expuesta dentro de la feria fue muy diversa, los medios de expresión, así como los materiales y técnicas, realmente fueron muy interesantes, sin olvidar por supuesto que se trata de obra realizada para su venta, no es arte crítico como el que hablamos párrafos anteriores. He aquí pues un reportaje fotográfico de dicha feria, realizado personalmente en exclusiva para la revista electrónica INTERIORGRÁFICO, con ánimo de que el lector lo encuentre interesante. Así mismo aprovecho la ocasión de recordarles la siguiente cita en ZONAMACO 2010 del 14 al 18 de abril.

http://www.macomexico.com/

ENTREVISTAS

EVE FAULKES por: MARCOS TORRES LARA

Spotlight on Professor Eve Faulkes: Title: Professor of Art Department or College URL: http://art.ccarts.wvu.edu/ Biography: Besides teaching graphic design and book arts, Professor Faulkes has exhibited her work at many universities and galleries in the U.S., as well as in Canada, China, Germany, and Italy. Her artistâ&#x20AC;&#x2122;s books have been purchased for collections in over 40 libraries including Oxford, Yale, Columbia University, the Newberry Library, Cleveland Institute of Art, and Rhode Island School of Design. Professor Faulkes has been a member of the WVU faculty since 1979 and teaches courses in the Division of Art. [http://admissions.wvu.edu/undergraduate/ spotlight/ spotlight.asp?iSpotID=363] Where were you raised? I was raised on a farm in West Virginia, close to nature. And as an only child for my first ten years, I spent many hours alone discovering the woods, building things from leftover parts and materials, and communing with the animals on the farm. Were your parents artists or designers as well? My mother did go to art school to be a graphic designer, and she also practiced calligraphy. My father studied architecture and civil engineering, and built several houses influenced by Frank Lloyd Wright, but he died very young when I was a baby and he is mostly stories to me. I always thought of him as someone I could become, however. Even though I was a girl, I never doubted that I could accomplish things in art or design. My stepfather

had me help work on cars and build structures on the farm with him from age of 7. I loved working with tools, and carry a scar on my hand from nearly sawing through it. I still love to tackle any building project and have done a lot of my own remodeling or built furniture that suited my needs. Describe your beginnings in graphic design and art? Where did you study and what did you major in? Following my motherâ&#x20AC;&#x2122;s influence, I wanted to be an artist from a very early age and never varied, although I like writing as well. Design asks both skills of us. I attended West Virginia University studying graphic design where classes in sculpture, printmaking, photography and ceramics were also exciting courses and still influence my work in design. My graduate work in graphic design was at the Rhode Island School of Design, at the time the most highly respected and innovative design school in the US.

What made you interested in de- signing the books about artist? Artists books are not books about artist, but rather books by artists. They are either one-of-a-kind or small editions, often handmade in at least part of the process. For me it is a natural way to apply art processes and working with textures and materials to make an ob- ject that tells a story interactively or sequentially. I took a course at RISD that was called the concrete book, extending concepts of concrete poetry into a book form. This allowed us to question what could a page be as a metaphor? Or a spine? Or a binding? How could an artist stretch the traditional form of the book or message in order to make the subject matter more evident? In either metaphor or with humor, my books use the medium to add to the subject matter within.What were your first projects of the artist/designers ́ books and what were they like? One of my early book experiments at RISD tried to describe Ceramics in book form by slicing a wet clay pot into thin cross sections, firing them and binding them into a book form, like an MRI scans slices of the brain to show its structure. I have always liked how cross sections give you a viewpoint you can’t see from the outside—like a geode. What are your favorite materials to use? Because the computer screen is so slick and without texture, I like to get away from it and work with very tactile materials. The letterpress relief printing process allows one to press into textured paper and print clean type and images, giving you smooth against rough. I also print on feathers, leaves or cloth, anything I can fasten to the tympan on the press. You can’t do that with offset or silkscreen. The idea of getting off the computer to make vernacular work has been catching on and has now become quite popular. I also like to collect beautiful objects and textures from nature on my walks or from my kayak river trips that will either influence me or become part of my art work, like seed pods, shells, lichens, twigs, or some that are too large and I just photograph.

ENTREVISTAS/ interiorgráfico

What is your favorite technique to use in order to make the books? Also, we are very interested to know which techniques you use to make the books on the walls. Every new subject suggests techniques that should be used. I like to make new things each time at least in some aspect. My books are my laboratory for trying out ideas and materials. I love metaphor and try to make a new one each time. For instance, the text of one book has come off the pages and is now on ribbons floating between the pages but bound together with them. In the books on the wall, I have mostly printed on nontraditional places or materials. Sometimes that required printing on thin vellum and gluing it to a wood surface, or printing on nylon screen so you could see through it, or wrapping the printed word onto dowels, or printing on thin red strips that flowed through tubing to suggest a transfusion. How did you come up with the idea to create the wall books? My subject matter for this series was Touch. I wanted to make art in a series that investigated Touch in every way —the good and the bad. In museums and galleries, you are not supposed to touch the art. I wanted to attract attention to my subject by making art that you not only could touch, but that you had to touch in order to make the message complete. You may turn a handle, push a plunger, work rods on a puppet or pick up a thread to read what is said in order to discover the message. The assemblages are called books because there is writing in lots of places and you can discover more as you come back to it. There are lots of layers of meaning so that the experience takes a while to get through. Describe both your creative and work processes? Both in my design work and in my art work, I am searching for relationships among ideas to create deeper understanding. My process involves looking and listening for clues, similarities in form or parallels in ideas that can become comparisons of one thing to describe another. I think form is beautiful and can

be the starting point of a piece, but meaning makes it worthy, so both must be brought together. I look for gestalt in everything, a place for the viewer to participate in discovery— getting the joke, finding the visual rhyme, pun or parallel that makes it feel like a natural fit. To get started, I collect all the artifacts I can find that belong to the message, then search for parallels in other categories of life that could make connections to those. Then it’s about working a puzzle to see how they could fit together. What to edit out and what to keep becomes the poetic process of haiku—trying to say the most with the least elements. Everything saved must be meaning ful and multiuse when possible. If it is a symbol, two objects may share a boundary. If it is a word, it may carry meaning on more than one level. What special benefit(s) can you provide for your clients in the books? My clients for my books are rea- ders who get the benefits I just described—a fresh look at a subject through metaphor and also room for their own interpretation. My artists books have more mys- tery in them than my commercial design work. While my use of metaphor is still there in my client work, I try to be more clear and specific in those messages. The audience should not have any confusion as to the intent of the work in an identity or information piece. In Mexico there is a controversy as to whether or not a designer should be considered an artist. What is your opinion on the matter? The best design is art. That work which uses aesthetics and visual ballet or poetry or power to move emotion or even to appreciate form is definitely art. Sometimes we are doing just the bread and butter client work and we use artistic elements. The opportunity to make art in every piece is not there, but we aspire to it and sometimes we really do it.

What recommendations could you give to the design students in Mexico so that they can have a successful start in this exciting field? Look for relevance in everything. Be a curious and thoughtful observer. Don’t be quick to judge, but look to roots of opinions. Why are things like that? As designers, we have the power to influence and change behavior, or to enlighten and help people appreciate form and art. A good designer has to understand and want to help people in order to communicate with them. Keep a notebook of your observations and collect visual material for later use—we call it a visual morgue of images. Stock art is used like that as a resource for a lot of design work, but it is never as personal as the stock of images you have created yourself that relates to people where you live. I have thousands of pictures that I have snapped as I walk around daily. You never have the chance to go back and capture the instant before you. Keep a camera and notebook handy. You are a designer 24 hours a day that way and it becomes a lifestyle that is rewarding. You appreciate your world more by participating in it, and you have more material to work with when it comes to making the design solution you need. Thank you very much for taking the time to meet with me. Both my professor and I really appreciate it. Eve Faulkes, Instructor efaulkes@mail.wvu.edu 304 692-1116

ENTREVISTAS / interiorgráfico

Eduardo Escobar Beckwith “El Escobas” por: Cynthia Villagómez Oviedo Conocí personalmente a Eduardo Escobar en la ciudad de Tijuana, B.C. dentro del evento internacional de diseño gráfico “Esquina Norte” en 2004, un diseñador polifacético e interesante, cuyos planteamientos y esfuerzo se centran en la autopromoción de su quehacer como diseñador. Es de destacar la trayectoria de este reconocido diseñador quien cuenta con toda una vida dedica- da al diseño; la primera vez que tuve noticia de su trabajo fue en una entrevista para la revista ‘a! Diseño’, donde hacen especial énfasis en la persistencia y tenacidad en su labor para empezar en esta apasionante profesión, la inicio del artículo dice lo siguiente: “Después de casi un año de llamar por teléfono constantemente al gerente de marca de Colgate-Palmolive, Eduardo Escobar realizó su primer proyecto para esta compañía trasnacional, con el pago de este primer trabajo logró inde- pendizarse y actualmente es el único proveedor de diseño para la marca Speed Stick”. (SANTIAGO, Fran-cisco, artículo “Un caso olímpico”, a! Edición coleccionable de diseño gráfico, año 6, número 29, enero-febrero 1997). Estoy segura que el lector disfrutará de la siguiente amena y muy interesante charla con Eduar- do Escobar Beckwith del estudio ‘Corazón Diseño’. Cynthia: ¿Cuál consideras fue tu capital cultural en la infancia, aquello que creas que recibiste que ahora te está sirviendo para crear/diseñar? Edu: La netaaaaaa? Star Wars. Me marco muchísimo, al ver una entrevista a George Lucas donde decía quien había creado y hecho los personajes, naves, etcétera. Fueron diseñadores gráficos e industriales... ahí oí por primera vez la palabra diseñador gráfico, sin saber realmente qué hacía.

Cynthia: ¿Eres de 1967 o del ‘68? Edu: 1967, tenía 10 años cuando la peli. Cynthia: ¿Cómo te inicias en el diseño gráfico? ¿Dónde estudias? Edu: Inicio.... desde siempre... de niño dibujando naves, coches, fútbol, pero ya diseño en la secundaria, diseñando logos y letras (algunas aún las conservo) y ya en la prepa... clavado en las tipos [tipografías]. Al salir (prepa) me fui a trabajar al despacho de un Arquitecto que tenía la cuenta del Museo Centro Cultural Arte Contemporáneo y ahí empecé como aprendiz de diseñador, haciendo letreros con Letraset (tipos en calcomanias), serigrafia, originales... vaya lo que le llamaban un ‘pastetopista’. Ya después entré a la Ibero y sólo duré 3 semestres, no me latió y mejor me fui a trabajar a un estudio. Cynthia: ¿Alguien más en tu familia se dedica a algo relacionado a las artes o el diseño? Edu: Nadie es nadie, ni primos ni nada, soy el único. Cynthia: ¿Has participado en una gran cantidad de conferencias, congresos y talleres, llevas la cuenta de cuántos o cuáles?

Edu: No, no llevo la cuenta. Cynthia: Recuerdo hace algunos años haber visto una entrevista que te hicieron en la revista ‘a! Diseño’, ¿sigues teniendo esa misma forma de ver el diseño? de tener iniciativa y proponer cambios en diseño para clientes potenciales. Pocos diseñadores hacen eso, muchos esperan que el trabajo les caiga del cielo. Edu: Me gusta mucho compartir con los estudiantes o iniciadores de diseño, algo podemos hacer para que México sea un chingón. Cynthia: Están padres tus gráficos del Messenger, ¿de dónde los sacaste?

Cynthia: Estuviste viviendo en Barcelona recientemente, ¿nos cuentas de eso? Edu: Si, me fui 3 meses a “Barza” y estuve y sigo en un proyecto, creando la imagen para una cadena de clínicas. Cynthia: Por tus diseños, me doy idea de tus fuentes de inspiración, pero me gustaría nos hablaras al respecto. Edu: Me inspira México, la Lucha Libre, lo Popular.... pero transformado para otro ‘target’. Cynthia: ¿Cómo inicias un proyecto?

Edu: De mi colección... tengo una colección de lucha libre, como unas 3 mil piezas y un mini-museo, en Youtube.com está una entrevista y la hacen en el “museíto”, ahí se ve algo.

Edu: ¿Cómo empiezo? La verdad lo veo en todos lados y lo veo con ojos de hacer productos con mis gráficas, es lo que me gusta y algún día tendré mi propia línea de ropa y estaré en pasarelas.

[http://www.youtube.com/watch?v=KpC5ok72880 ]

Cynthia: Me interesa saber ¿Por qué dejaste la escuela? ¿Cómo alguien tan creativo la dejó? ¿Consideras que algo falla en el sistema educativo?

Cynthia: He visto algo de tu minmuseo en tu sitio en el Facebook, con el último temblor en el D.F. se te cayeron ¿cierto? Edu: No nada, se me cayeron mis “artoys”. Cynthia: En Ciudad de México ¿Vives en el centro? ¿Tiene que ver esto con tu gusto por lo popular? Edu: En el centro de Tlalpan (pueblo), me gusta la tranquilidad y el centro [del D.F.] no lo es, me gusta más estar en pueblitos y así. El hecho de ir a “Zaca” [Zacatecas] o Puebla, o MTY [Monterrey], ya es fuera de la capital y lo aprecio mucho y si no me quedo en mi casa. Cynthia: ¿A donde viajas esta semana? Edu: Me quedo esta semana en el D.F., para Noviembre viajo a “Zacas” a dar un taller de empaque, que es realmente a lo que me dedico y he vivido durante los últimos 15 años.

Edu: Claroooo que falla el sistema de educación, fallan los profesores, hay muchos mediocres y no impulsan al buen diseñador para el desarrollo al máximo sus capacidades... Si de 30 alumnos... uno solo sale chingón... ¡Ya ganamos! Cynthia: ¿Regresarías a la escuela? Edu: Claro, ya fui hace 3 años y ya subieron mis calificaciones (en teoría sólo tengo 1 semestre). Cynthia: ¿Qué sugieres para remediar esa situación en las escuelas? Edu: Una mejor selección de maestros; que se enfoquen a la realidad y revisar el temario... hay varias cosas que ya “están saltando” [refiriéndose a temas desactualizados].

Cynthia: En otro tema ¿Qué lugar ocupan las redes sociales en tu trabajo? Actualizar tus sitios personales ¿no te quitan mucho tiempo? [FACEBOOK: Eduardo Escobar Beckwith / TWITTER: el_escobas]. Edu: Mucho casi todo el día, es una adicción, pero me gusta. Si sabes utilizarlo, es una gran herramienta. Cynthia: ¿Algo más que les quieras decir a los alumnos de la Licenciatura en Diseño Gráfico de la Universidad de Guanajuato? Edu: Lo que siempre les digo: “Amen esta carrera como lo más celoso de su creatividad, quieran por sobre todas las cosas y trabajen mucho, mucho y sólo así llegarán a donde quieran estar...” Cynthia: ...Me quede pensando en eso y tienes toda la razón, diseñar es un acto de amor. Mu- cho éxito Eduardo, continuaremos siguiendo tu carrera... Edu: Mil gracias de verdad y ojala les sirva. Un gran saludo hasta allá. FIN. NOTA: Además de los siguientes sitios, recomendamos el “” de la revista ENEO, con entrevista a Eduardo Escobar Beckwith: nocast 21 / Eduardo Escobar AKA Escobas http://eneo.com.mx/blog/?p=348 http://www.escobas.com.mx http://elescobas.blogspot.com/ http://www.myspace.com/escobas http://www.corazondiseno.com http://www.plasticpop.com.mx http://www.youtube.com/watch?v=KpC5ok72880 http://twitter.com/el_escobas

ENTREVISTAS / interiorgráfico

MATERIAL DIDﾃ，TICO

M. DIDÁCTICO / interiorgráfico

Los blog en la Web como difusión de la obra digital autor: M.A.V. Jorge Vázquez Sánchez

En el año 2002, realizamos un proyecto y exposición con el nombre: Sentido Visual Digital en la Mixteca Oaxaqueña, diferente a lo que el público estaba acostumbrado a ver en este tipo de exposiciones de obra digital con medios tecnológicos, en esta región carente de nuevas propuestas artísticas digitales experimentamos y nos abrió la entrada el Museo Regional de Huajuapan. MUREH1 en Oaxaca. Recibimos críticas pero no fue suficiente para hacernos desistir a nuestro propósito. Continuamos explorando y experimentando nuevas posibilidades en el arte digital, así se dio inicio a la difusión de la obra digital como un puente entre el arte y la tecnología. Estuvimos presentes en encuentros digitales en La Habana, Cuba. San Salvador, Venezuela, Italia y en otros lugares donde nos invitaron para difundir el arte digital oaxaqueño contemporáneo. Llegamos por primera vez al Salón y Coloquio Internacional de Arte en el 2004 con el proyecto “La mística Oaxaqueña a través de la gráfica digital: Pérdidas y encuentros culturales”2, donde propongo como objetivo general la recreación iconográfica basada en los elementos tradicionales de Oaxaca, a través de una estética contemporánea. Como productor visual considero la forma académica de experimentación con nuevos materiales tecnológicos, una vía que me ha encaminado a la creación de la obra digital en un nuevo enfoque usando la computadora como herramienta de expresión y de trabajo. Regresamos al encuentro, el siguiente año al Salón y Coloquio en la Habana, Cuba en 2005, para nuestra satisfacción ya no como ponentes, sino como expositores, nuestra obra basada en la temática antes mencionada, estuvo expuesta

en el salón digital. Conocimos a la Fundación CLIC3. Institución con capacidad de autogestión, consolidada como un referente de calidad en Centroamérica sobre el binomio cultura y tecnología de forma pionera e innovadora, en aplicar las ventajas de las Tecnologías de Información y Comunicación (TIC) a favor del desarrollo artístico y cultural de El Salvador y de los otros países del área Centroamericana. En noviembre del 2005 CLIC emite una invitación de arte digital nacional e internacional en donde participamos con la obra digital “Dedos”. Misma que se imprime en el catálogo del evento, logrando reunir más de 250 obras participantes entre nacionales e internacionales, audiovisuales e impresas. La tercera convocatoria se transformó en el “Festival Internacional de Arte Digital” FIAD2006. Un nuevo formato que integró un importante y variado programa de actividades referentes al arte digital, entre ellas, talleres sobre fotografía líquida, vídeo creación y arte electrónico, técnicas de impresión y presentación en grandes formatos, pasando por conferencias sobre la creación de software libre que ofrece el mundo virtual, mandamos nuestra propuesta quedando en el primer lugar en la categoría Impresa Internacional con la obra “Lobito”. Este hecho nos abrió una importante brecha en Centroamérica. Con San Salvador. Continuamos trabajando en la línea y fue así como a través de la Internet conocimos a Fernando Asian del Salón de Arte Digital4, quien organiza encuentros, foros, conferencias y presentaciones sobre temáticas que relacionan arte y ciencia,

y en respaldo a iniciativas que contribuyan al mejor desarrollo y entendimiento entre comunidades y culturas en Venezuela; y así fue como llegamos a una colaboración mutua estrechando nuestra amistad a través de la red. Las distancias entre los dos países es mucha, lo cual no fue un impedimento para la colaboración y el trabajo, es por lo que a través de la tecnología de Internet empezamos a desarrollar el blog que lleva el nombre Arte = Jorge. Este proyecto nace en septiembre de 2007, por iniciativa del amigo Germán y la Fundación CLIC, para una exposición de Arte Digital en el año de 2007, en la Fábri-k5 que es un colectivo asociado de artistas y espacio de desarrollo cultural auto-gestionado nutrido al diálogo e intercambio de experiencias e ideas, vinculándonos en proyectos de beneficio mutuo y para la comunidad, así como tener un espacio amplio para nuestra creación artística. Al principio el blog carecía de una composición acorde a las necesidades del proyecto, sólo se componía de fotos de mi trabajo personal como artista digital, no poseía estructura lógica, no sabía cómo darle forma o presentación para un formato en la Web, así que me propuse la meta de estudiar un poco sobre ello, remitiéndome al lenguaje html, datos técnicos sobre la red a través de los blog de ayuda, los cuales son un brillo de luz para la comunidad de los servidores en la cultura del nuevo milenio, para aquellos que no somos expertos y deseamos conocer y aprender más sobre el tema. Pero como en todo, siempre hay críticas en los espacios virtuales, a veces buena y a veces mala, y esto fue el resultado de dos años de trabajo. Dentro de este mismo proceso se empezó a trabajar con el informe analítico que proporciona una medida de la extensión de los problemas encontrados, y la naturaleza de los mismos, cada problema o buena práctica descriptiva en el informe tiene asociado un pequeño texto ex-

plicativo de la importancia de cumplir con este punto. También se diseñó la imagen principal del blog Arte = Jorge, lo que entre otras cosas incluyó la consideración particular a cerca de los colores que son la fuerza fundamental para el diseño del blog. Se ha tenido el cuidado de revisar continuamente la información que arrojan las estadísticas del blog, ello para escribir y documentar cada una de las entradas de cada fase, lo que ha sido una tarea titánica, especialmente cuando se hizo mensualmente con las salidas y convocatorias que nos mandan durante el periodo. Este esfuerzo tan grande valió la pena ya que este espacio alternativo ha llegado a mostrar por la vía de la red mundial los proyectos que he realizado. Actualmente, combino mis actividades académicas de difusión y eventos culturales e invitaciones que me hacen llegar los amigos y espacios culturales del país y del extranjero, apoyándome en este medio de difusión Puedo decir con gusto que, gracias a los amigos de la red “Google”, es que éste espacio cultural de arte digital, se ha hecho una realidad y quizá más adelante este proyecto se convierta en espacio para más artistas digitales; hemos logrado que quienes nos visitan desde otros países, regresen, y también se hayan agregado nuevos visitantes a nuestro espacio virtual Arte=Jorge. Por último quiero hacer la mención particular de algunos de los países desde los cuales hemos recibido visitas vía la Internet a nuestro sitio, estos son: España, Inglaterra, Ecuador, San Salvador, Guatemala, Costa Rica, República Dominicana, Venezuela, Chile, Bolivia, Perú, Colombia, Argentina, Estados Unidos, Italia, Alemania, Turkia, Taiwán, Brasil, Francia, Marruecos, México, entre otros ¡y vamos por más!

M. DIDÁCTICO / interiorgráfico

Ergonomía y comunicación autor: M.D.O. Ma. de la Concepción Cueva Tazzer RESUMEN En este artículo se menciona la importancia de la comunicación y la manera en que impacta a las organizaciones si ésta es incorrecta. Se revisan las cuatro combinaciones que existen en un ambiente laboral entre transmisores y receptores y en qué consiste cada una de ellas. Asimismo se analizan los principios de diseño que debe tener la información visual, así como las reglas de la información verbal, ya sea escrita u oral. INTRODUCCIÓN Tanto en la ergonomía como en el Diseño Interior, la comunicación es un tema de gran trascendencia, ya que en cualquier ambiente laboral, de esparcimiento, cultural, de descanso, la gente necesita comunicarse de manera verbal, oral o corporal. Es de todos sabido que la comunicación es la transmisión de información entre individuos y por ende desempeña ese papel tan importante en la vida y el trabajo cotidiano. Dado que la información es primordial en el ambiente laboral, debería ser obvio que la forma de transmitir esta información resulte crucial, tanto como el mensaje mismo. Estaríamos perdidos como individuos si

no contáramos con la información constante, precisa y moderna acerca del estado del mundo. Las organizaciones conocen el valor de la misma y paradójicamente es uno de los problemas más severos que existen al interior de las mismas. Cualquier sistema de comunicación es constituido por un transmisor que comunica información a través de algún medio a un receptor que interpreta la información como lo intentó el receptor. Así pues en un mundo globalizado y en donde las personas hablan y trabajan en distintos idiomas, se experimentan algunas dificultades cuando el transmisor o el receptor no es capaz de transferir o traducir de modo correcto la idea que se desea enviar o recibir, por lo tanto no se pueden entender correctamente, incluso usando el lenguaje a señas, lo más probable es que ocurra falta de comprensión, mala interpretación y problemas de comunicación severos para la institución. LA ERGONOMÍA Y LA COMUNICACIÓN Ergonómicamente hablando, es necesario entonces diseñar sistemas que amplíen la oportunidad para que los mensajes enviados se entiendan de manera correcta. Como es posible que tanto el hombre como la máquina se desempeñen como transmisores y receptores, se establecen cuatro combinaciones: a) Un hombre que comunica a otro hombre. b) Una máquina que comunica a un hombre. c) Un hombre que comunica a una máquina. d) Una máquina que comunica a otra máquina. Para poder tener una comunicación efectiva, los diseñadores y todas las personas que intervienen en una

relación de trabajo, deben tener en cuenta el mensaje que se quiere transmitir y el significado que desean se capte. Pero no basta con considerarlo, sino cuidar que se interprete correctamente y entender que existen variables dependientes e independientes como son las diferencias personales, el nivel de confianza y de comprensión, la receptividad, las concepciones previas personales, la predisposición a juicios, el interés, la atención, el aburrimiento, la capacidad de entendimiento en ocasiones limitada para procesar información, el nivel de extensión y de detalle, la memoria, la capacidad visual, entre muchas otras. Dichas variables obviamente provocan malos entendidos en el mejor de los casos. Analicemos, los mensajes que se transmiten de hombre a hombre incluye los estímulos verbales esto es la palabra escrita y los signos; los estímulos orales como son la palabra hablada y variaciones de voz; y los estímulos físicos conocidos como los gestuales y movimientos. Comunicación Hombre a Hombre La información escrita tiene que ver con aspectos tipográficos, resulta obvio recalcar que se recomienda evitar tipos de letra que no puedan ser leídos, complejos, de fantasía o demasiado pequeños que dificulten su legibilidad, así como copias borrosas, cuidar la calidad de impresión, los aspectos que tienen que ver con el diseño editorial como el tipo de papel, los reflejos, el fondo, el color, entre otras situaciones que eviten o lastiman la legibilidad y la pregnancia del mensaje. Asimismo se busca llamar la atención del lector mediante los encabezados, seccionar la prosa, utilizar indicadores o claves como palabras, frases, subrayados, cursivas o negritas. En medios digitalizados también se requiere cuidar la tipografía y el fondo para distinguir la información, conocer los niveles de luminosidad del contexto para que se haga un alto contraste y evitar los reflejos, así como el dar un mantenimiento constante a los paneles digitales.

Gráficamente se tienen diversas alternativas de presentar la información o la instrucción, especialmente cuando se lanza un producto con fines de mercadotecnia, en espacios publicitarios, aparadores, elementos de diseño que comuniquen información, o bien, en algún producto para indicar advertencias de uso o recomendaciones. En los espacios públicos es muy común el uso de la señalética, instrumento muy utilizado para informar sobre la ubicación de ciertas áreas de trabajo, información de interés común o para localizar un espacio, entre otras muchas situaciones. Independientemente de que tipo de información se colocará en el espacio, es indispensable considerar aspectos antropométricos relacionados con la visibilidad, se tendrá que hacer un mapeo de visión1 para colocarla en sitios estratégicos, sin estorbos, ni demasiado altos evitando así una mala visión; de igual manera se deberá considerar el material donde se colocará la información para impedir reflejos incómodos y soslayar problemas de visualización. Del mismo modo se ha demostrado que los dibujos esquemáticos son mucho más eficaces cuando se quiere probar la memoria del sujeto acerca de ciertas estructuras, sin embargo, respecto a la comprensión del funcionamiento, la presentación oral es mucho más eficaz. Esto significa que la información simple se presenta mejor de manera visual, pero cuando se va a integrar una acción, es mejor presentarla de modo oral con los diferentes énfasis que pueda tener la voz. Los planos de un proyecto, esquemas y horarios guían las acciones que envuelven el diseño y desarrollo de un proyecto, definiendo los roles y responsabilidades de cada uno. Considérese pues que con cada uno de estos medios de comunicación, se busca llegar a distintos tipos de auditorio, pues proporcionan diferente información en niveles diversos y obviamente cada uno tiene sus propios problemas de presentación, considerando que algunos puntos generales son aplicables a todos, sin embargo, los que son apropiados para una situación pueden no serlo para otra. Cuando la información es estática o sea, cuando únicamente se informa al usuario, por ejemplo, acerca de la

M. DIDÁCTICO / interiorgráfico

loalización de los controles de una máquina, será mejor presentarla en una serie de dibujos; por otro lado, con la información dinámica es necesario advertir al usuario acerca de cuál control debe oprimirse para hacer funcionar la máquina con dibujos y palabras.

moria de dichos aparatos, deberán seguir las mismas reglas de la comunicación escrita, pero haciéndolas oralmente, de manera pausada y estructurar claramente las frases, para que cualquier persona que lo use entienda perfectamente el mensaje ideado.

El problema que enfrenta el diseñador ante cualquier información técnica, es decidir la forma más apropiada de presentar la misma o las instrucciones al auditorio esperado. Su primera decisión será escoger por medio de cuál de estos sentidos, el visual o auditivo presentará su información tomando en cuenta las restricciones del ambiente, esto es, el ruido.

Cuando la máquina comunica al hombre, es para darle instrucciones precisas de que hacer, como y cuando. Por ejemplo las grabaciones en los teléfonos, que van diciendo paso a paso la instrucción a seguir. Visualmente el auto también comunica el estado del mismo, la velocidad que lleva, el nivel de gasolina, de temperatura, de aceite… en fin, hay infinidad de objetos que nos comunican algo, algunos con alta efectividad y en su mayoría con poca o nula efectividad, es el caso de los sitios electrónicos, algunos están tan cargados de información que realmente cuesta trabajo encontrar lo que se busca. Para el diseño de estos sitios existen personas que se especializan en ello y ya tienen parámetros muy estudiados de cómo la gente se despliega visualmente en ellas para conseguir la información buscada.

Actualmente se hace uso de varios medios visuales y auditivos, y según la información que se quiera mostrar se decidirá el medio. Lo que es vital para los diseñadores -que mostrarán información visuales tener presentes los principios del diseño de símbolos, tales como conservar un límite bien definido, que sean simples y estables en su forma, cierre de figura, y guardar cierta simetría. Cuando la instrucción lleva acciones, es importante cuidar la secuencia de las mismas, como si fuese una estructura gramatical. El mapa del tesoro de Meter Morville En relación a la presentación de la información escrita, es fundamental evitar la ambigüedad, la información incompleta, y la redacción verborreica de tal manera que no nos conduzca a cometer errores. Para ello se recomienda usar las reglas de comunicación de Wright y Barnard, como son: el uso de oraciones cortas, de oraciones afirmativas y activas, el uso de palabras conocidas, la organización de secuencias temporales y la legibilidad, estas reglas resultan una guía útil para transmitir información. Asimismo se recomienda conocer el nivel de educación del lector, conocer el propósito de lo que se quiere decir, y seleccionar con cuidado las palabras, su uso y construcción de oraciones. La comunicación hombre - máquina es cuando le damos alguna instrucción al teléfono, a la computadora, al auto, en fin, a una serie de aparatos que se usan diariamente. La información que se almacene en la me-

Borradores de páginas y pantallas pueden enfocar en la estructura, organización, navegación e interactividad antes de que se invierta tiempo en el esquema de colores, tipografía e imágenes. En el caso de comunicación máquina – máquina, es el resultado de la interfase de los sistemas computacionales, cuando se le da la instrucción a la computadora para escanear una imagen, entran en acción dos máquinas que el hombre provocó que interactuaran entre si, pero que se comunican y se obtiene un resultado. Otro ejemplo notable son los satélites que están diseñados para captar información, procesarla, y transmitirla sin manipuleo del hombre hasta ese momento, al enviarla llega a otra máquina que es la que opera el hombre para recibir y entender la información.

CONCLUSIÓN En este escrito se presenta una breve semblanza de la comunicación y de los sistemas de la misma, resulta difícil abordar esta temática en un ambiente donde existe tanto especialista en el ramo, -y siendo así- entonces cabe la pregunta, ¿Por qué es el talón de Aquiles en la mayoría de las organizaciones? Es una situación muy común que sucede a cada momento y en cualquier ámbito; de manera personal reflexiono si será por nuestra condición como mexicanos, por nuestra cultura, por el ahí se va, simplemente se dejan las cosas a medias sin concretarlas, dejando a la imaginación lo demás. Esta situación crea problemas muy severos, confusiones, malos entendidos, reacciones adversas dañinas entre las personas involucradas, incluso accidentes por no hacer énfasis en ciertos escenarios. Lo que es una realidad es que los diseñadores tanto gráficos como interioristas no se pueden permitir errores de ninguna índole en el tema de comunicación, en realidad aún suceden, pero tenemos que hacer hincapié en que es fundamental para el bienestar de las organizaciones, en el buen funcionamiento de los espacios, en la relación entre personas para mantener una sociedad estable, en el mantenimiento y equilibrio de los valores, en el consumo para la economía de una país, en el funcionamiento de equipo y material de uso, en fin, sería imposible mencionar cada una de las situaciones en las que interviene la comunicación.

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Espacios Efímeros: Escenografía autor: Dra. María Isabel de Jesus Tellez García Un espacio efímero es aquel que se proyecta para que su tiempo de duración sea relativamente corto, sin embargo, este concepto involucra características importantes que contribuyen a su definición y valoración como tal, entre ellas podemos mencionar el concepto del suceso que se evidencia en el espacio, este por naturaleza siempre va a ser un acontecimiento irrepetible en las diferentes oportunidades en que se presente, debido a una gran cantidad de factores que influyen sobre él, que pueden ir desde agentes ambientales, lugar de representación, tipo de público, actores, cantantes o presentadores, según sea el caso. A este tipo de espacios pertenecen el diseño de exposiciones, de stand, la museografía, el diseño de escaparates y por supuesto la escenografía, entre otros. La efectividad del montaje de una exposición depende, primeramente, del modo en que esté estructurada; un espectáculo mal organizado, además de otras características, puede restar claridad. En este contexto, se puede establecer una analogía entre la realización de una exposición y el argumento.1

La escenografía como espacio efímero, centra su contenido en estructurar los mecanismos intelectuales y prácticos, en un proceso de representación que permita resolver los distintos problemas técnicos, visuales y dramáticos. Mediante una metodología rigurosa pero suficientemente flexible que capacita para entrelazar las ideas del autor, director de escena y escenógrafo, dando soluciones que permitan en sí mismas crear un espacio escénico sugerente, creativo y funcional. Puesta en Escena. Ópera Dido y Eneas. H. Purcell. Toda puesta en escena, por pequeña que sea, necesita una planificación, un plan de producción y gestión.2 Un equipo de trabajo necesario en toda producción teatral dependiendo de las características del evento podría estar constituido según Echarri y San Miguel por los siguientes conjuntos:

Por otro lado, el diseño escenográfico es una es lidad que involucra gran diversidad de conoci tos: Si pensamos en el diseño de los elementos nográficos que aparecerán en escena, serán nece comprensiones teórico-prácticos tanto de elem bidimensionales como tridimensionales, corpó virtuales que pueden conformar el espacio esc empleando al servicio del ejercicio teatral los v plásticos, estéticos y de comunicación.

Si nos referimos a su ambientación será nec tener instrucción acerca de la iluminación esc equipos, aplicación y tecnología especializad pleada en teatros y espacios abiertos. Así co comportamiento del color a partir de la aplicac gelatinas en la escena.

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Sin la luz no hay lugar para recorrer, no hay espac luz inaugura ese espacio particular de contemp que es el teatro. Este toma cuerpo con las metam sis de la luz, trasmutaciones de escenas y cuadro tejen y destejen sus presencias ante una mirada q aprendiendo a acompasarse con la luz.3

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No podemos olvidar las consideraciones necesarias en relación a la acústica para realizar una propuesta escénica con materiales y disposición de elementos que favorezcan la sonoridad. Otro aspecto de importancia en el diseño escenográfico lo constituye el aspecto del vestuario y el atrezzo, cuyo desarrollo deberá soportarse en una investigación exhaustiva de la época que se desea reflejar, posteriormente llevar a cabo un proceso de bocetaje, elección de color y materiales para la elaboración del patronaje y construcción final. El figurinista es un artista… al servicio del director artístico de una producción. Su cometido es entender la propuesta del montaje planteada por el director, aportar sus ideas y plasmarlas en sus diseños.4 La escenografía es una especialidad apasionante que tendrá requerimientos de gran diversidad dependiendo de sus particularidades y necesidades específicas, se trate de escenografía teatral, televisiva, operística, cinematográfica o virtual.

Propuesta para el personaje “Colombina”. Opera 1 pagliacci. R. Leoncavallo. Isabel Téllez. 2005.

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