Erika Alejandra Ojeda Solis by Taller de Diseño Editorial

irectorio UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO DR. JOSÉ MANUEL CABRERA SIXTO Rector General jmcabrera@ugto.mx DR. MANUEL VIDAURRI ARÉCHIGA Secretario General vidaurri@ugto.mx MTRA. ROSA ALICIA PÉREZ LUQUE Secretaria Académica rapelu@ugto.mx M.C. BULMARO VALDÉS PÉREZ GASGA Secretario de Gestión y Desarrollo bvaldesp@ugto.mx Dr. Luis Felipe Guerrero Agripino Director del Campus Guanajuato MRSM. Juan Martín Aguilera Morales Director de la División de Arquitectura, Arte y Diseño L.R.I. María de Lourdes Domínguez de Silva Secretaria Administrativa de la División de AAyD L.R.I. Ma. Concepción Rodríguez Argote Directora Del Departamento de Diseño M.O.D. Ma. Concepción Cueva Tazzer Coordinadora Licenciatura en Diseño de Interiores M.D.G. J. Jesús Ríos Alanis Coordinador Licenciatura en Diseño Gráfico

Edición Editores M.C.D. Cynthia P. Villagómez Oviedo cynthia.villagomez@gmail.com M.A.V.I. Juan Carlos Saldaña Hernández jcsaldana40@gmail.com Diseño Gráfico Ejemplar en pdf. Erika Alejandra Ojeda Solis Diseño y Desarrollo Web Diseño Web L.D.G. Horacio Ramírez Márquez www.monocromatico.com.mx horacio@monocromatico.com.mx Departamento de Diseño División de Arquitectura, Arte y Diseño de la Universidad de Guanajuato Alfredo perez Bolde s/n Fracc ASTAUG Guanajuato, C.P.: 36250, Gto. México Tel. 52 473 734 06 77

Información Legal REVISTA INTERIORGRÁFICO DE LA DIVISIÓN DE ARQUITECTURA, ARTE Y DISEÑO DE LA UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO, Año 13, No.13, Enero - diciembre 2013, es una publicación anual editada por la Universidad de Guanajuato, a través de la División de Arquitectura, Arte y Diseño. Lascurain de Retana No. 5, Zona Centro, Guanajuato, Estado de Guanajuato, México, C.P. 36000. Tel. (473) 732 0006, www.ugto.mx, cynthia.villagomez@ gmail.com . Editor responsable: Cynthia Patricia Villagómez Oviedo. Reservas de Derechos al Uso Exclusivo: 04-2012-051810471200-203, ISSN: 20073879, ambos otorgados por el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Responsable de la última actualización de este número, Departamento de Diseño de la División de Arquitectura, Arte y Diseño de la Universidad de Guanajuato, M.C.D. Cynthia Patricia Villagómez Oviedo, Alfredo Pérez Bolde S/N, fracc. ASTAUG, Guanajuato, Gto. México, C.P. 36250, fecha de última modificación, 30 de abril de 2013. Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente reflejan la postura del editor de la publicación. Queda estrictamente prohibida la reproducción total o parcial de los contenidos e imágenes de la publicación sin previa autorización de la Universidad de Guanajuato.

arta editorial

En este número 8 de la edición de la Revista electrónica de la División de Arquitectura, Arte y Diseño de la Univer- sidad de Guanajuato INTERIORGRAFICO, el lector encontrará un panorama diverso acerca del acontecer de nuestro quehacer universitario con el claro propósito de vincular la división con otras instituciones, empresas y sociedad en general. Temas diversos en esta octava edición son indicativo del amplio esfuerzo realizado al cabo de 8 años de trabajo inin- terrumpido, no obstante limitantes económicas, mismas que se han solventado en parte con apoyos gubernamentales, tal como las becas otorgadas a dos de nuestros colaboradores ahora ex alumnos- a través del “Programa Practica Trabaja”; los editores nos mostramos agradecidos en esta edición por el otorgamiento de dicho apoyo. Un año de transición para nuestro Departamento de Diseño donde emana la presente publicación, hecho que muestra el trabajo conjunto, así como el interés en el desarrollo de condiciones y la creación del ámbito necesario e idóneo para el desarrollo intelectual y artístico propio de nuestra labor. En este número se abordan distintos puntos de vista en torno a la Arquitectura, Arte y Diseño, en temas tales como: el patrimonio histórico y el diseñador de interiores, reflexiones sobre el arte, ergonomía y comunicación, la marca gráfica, espacios efímeros en escenografía, las competencias profesionales, análisis de posgrados y cursos en artes ofertados por otras universidades, mensajes gráficos y la fundamentación del diseño popular, así como la importancia de los blogs en la web como medio de difusión de obra artística y de diseño. También contamos con la nutrida participación en esta edi- ción, de profesionales del diseño y el arte a través de los por- tafolios de trabajos. Gracias a nuestros destacados articulistas, Mónica de la Barrera de la Universidad Autónoma de Aguascalientes, Jorge Vázquez de la Universidad de la Mixteca, Alma Pineda Al- manza, María Isabel de Jesús Téllez García, Ma. Concepción Cueva Tazzer U.G. Nuestro agradecimiento también a los reconocidos artistas y diseñadores que colaboraron con obra gráfica y

artística expresiva, creativa e interesante (como el lector sin duda co- rroborará): a Bárbara Gamiño, José Gracia, Fernando Sevilla, Cuauhtémoc Velázquez, Tita Tintero y Miguel Santana. Muy especialmente también a nuestros entrevistados, al reconocido y exitoso diseñador Eduardo Escobar Beckwith “El Escobas”; al exitoso diseñador de tipos y muy estimado maestro de cientos de generaciones de diseñadores Francisco “Paco” Calles; así como a la incansable profesora, diseñadora y artista Eve Faulkes de la Universidad de West Virginia por conceder parte de su tiempo a nuestro alumno y corresponsal en aquella entidad Marcos Torres. Sin más preámbulos, los editores queremos dedicar este número a todos los profesores, alumnos y ex alumnos que han contribuido al crecimiento de INTERIORGRAFICO a casi una década de haber visto la luz. No sin antes desearles a todos nuestros colaboradores y lectores los parabienes correspon- dientes a esta época navideña, así como un feliz y muy prós- pero año 2010. Los editores.

ontenido

Coincidencias y diferencias entre las actividades del Diseñador Interior y el Restaurador del Patrimonio Histórico

Acerca de las competencias profesionales

Mensajes gráficos, hacia una fundamentación del diseño popular

Análisis de posgrados y cursos de educación continua ofertados en universidades nacionales, públicas y privadas

Consideraciones importantes para el buen diseño de la

marca gráfica

Reflexiones sobre el arte

Entrevista con Eve Faulkes

Entrevista a Eduardo Escobar Beckwith “El Escobas”

Los blog en la Web como difusión de la obra digital

Ergonomía y comunicación

Espacios Efímeros: Escenografía

Portafolio - Miguel Santana González

Portafolio - Cuauhtémoc Velázquez

Portafolio - Barbara Gamiño Alvarado

Portafolio - Fernando Miguel Sevilla Pitalua

Portafolio - Tita Tintero

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Coincidencias y diferencias entre las

actividades del Diseñador Interior y el Restaurador del Patrimonio Histórico

Autores: M. en Arq. Alma Pineda Almanza Como es bien sabido la restauración de sitios y monumentos se ha planteado como una actividad multidisciplinaria puesto que la conservación patrimonial arquitectónica depende de diversas áreas del conocimiento. Dentro de las instituciones formadoras de restauradores, la Universidad de Guanajuato, ha tenido un papel muy prestigiado a nivel nacional con la Maestría en Restauración que pertenece al Departamento de Arquitectura. Por mucho tiempo la maestría se llamó Maestría en Arquitectura con la Especialidad en Restauración de Sitios y Monumentos, de tal forma que solamente los arquitectos que estudiaban la Maestría podían obtener “el grado” y se les denominaba “Maestros en Arquitectura”, los estudiantes de la maestría que eran de otras carreras solo aspiraban a ser “especialistas en restauración de sitios y monumentos”. Con el tiempo se replanteó esta situación y se concluyó que todos los egresados deberían ser “Maestros en Restauración de Sitios en Monumentos” fueran arquitectos o no.

Por las aulas de la Maestría de Restauración han pasado ingenieros civiles, historiadores, artistas visuales, químicos, diseñadores de interiores y arqueólogos, entre otros profesionales, todos ellos muy importantes en el proceso de la conservación. Sin embargo, ahora quiero centrarme en la imagen del diseñador de interiores, este profesional en especial representa, a mi modo de ver, la perfección en el detalle del uso del espacio interior y por lo tanto muy importante en el proceso del reciclaje o reutilización del edificio arquitectónico. Debido al interés de estos profesionales de participar en el campo de la Restauración, creo necesario hacer algunas observaciones que algunos de los alumnos de diseño de interiores deberán tomar en cuenta si deciden realizar estudios de posgrado. Partimos que tanto el restaurador como el diseñador de interiores, tienen la misma materia prima de trabajo, es esencial que el trabajo se desarrolle sobre áreas construidas a las que debe adaptar los es-

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pacios útiles y bellos, aunque esta cualidad de belleza, no siempre es necesaria para el restaurador. Recordemos que para el restaurador es fundamental dejar constancia de las intervenciones y dejar que el monumento continúe siendo un documento verificable. Una diferencia se encuentra en que para el restaurador, los espacios siempre serán históricos mientras que para el diseñador, estos son generalmente nuevos, sin descartar que por lo regular el diseñador de interiores intervendrá en espacios con historia, aunque no precisamente sean antiguos. El primero puede actuar desde las entrañas del edificio,(reestructuraciones, consolidación, liberaciones, reintegraciones e integraciones) y deja el espacio en condiciones para ser útil, estructural y funcionalmente hablando e incluso debe diseñar su interior, mientras que el segundo generalmente se centra en la adecuación de espacios funcionales y bellos en el interior, puede sugerir integración de elementos para lograr el buen

funcionamiento de los inmuebles. Existen ciertos términos que en la restauración no son permitidos, pero que en el Diseño Interior son más usuales, como el término de la remodelación. Entendemos por “remodelación, el cambiar, el dar una nueva forma o volumen envolvente, manejamos un término aplicable a lo superficial y escultórico, pero insuficiente o incompleto para lo arquitectónico o urbano que contiene elementos esenciales mas allá de la forma o volumen envolvente” la acción de volver a modelar, o cambiar de forma según la moda, situación que no permite la restauración, sino todo lo contrario ya que una finalidad de la restauración es la conservación. En cambio el Diseño Interior, aunque tiene muchos de sus fundamentos en la arquitectura y sus teorías, no es considerado como un arte, puesto que tiene esta posibilidad del cambio según modas y tendencias en un mismo edificio y por periodos que podríamos considerar “cortos”.

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Sin embargo el término de integración puede ser igualmente utilizado tanto por el restaurador como por el diseñador de interiores dentro de la obra arquitectónica. Entendemos entonces por integración, “aportación de elementos claramente nuevos y visibles para asegurar la conservación del objeto”, en este término caben la colocación nueva de acabados, iluminación, color, mobiliario, accesorios e instalaciones especiales, actividades que sin lugar a dudas corresponden a un diseñador de interiores. En el formato de edificio histórico deberán tener ciertas especificaciones que contemplará el restaurador. Los edificios antiguos nos ofrecen una gama muy interesante en todos estos factores que

el diseñador de Interiores puede aprovechar para su beneficio. Salvador Díaz Berrio utiliza otro término que se refiere a la adaptación, adecuación y acondicionamiento, menciona que éstos “no llevan implícita la componente de “anima” o “vida” que trasciende a lo meramente físico y utilitario y es componente esencial de los Bienes Culturales”. En algunos edificios históricos, la postura de integración de los diseñadores de interiores resulta interesante puesto que se manifiesta por contraste, dejando muy claro la aportación contemporánea del edificio histórico, asunto que para algunos restauradores de la vieja guardia no sería lo correcto.

Museo Guggenheim, Bilbao, 1997.

Un espacio histórico nos ofrece cualidades espaciales, de altura, amplitud, de luz, color, materiales y acabados que pocas veces podemos encontrar en un diseño totalmente nuevo, pienso que aprovechar todos estos recursos y volver a darle vida a un edificio histórico sin uso puede ser un campo muy rico para el diseñador de interiores. Si el diseñador de interiores desea experimentar el trabajo de Restauración del Monumento, seguramente que, con la preparación que tiene y con estudios de necesarios en conservación, sus propuestas serán de mucha utilidad en el proceso del proyecto y por lo tanto su el éxito en la propuesta de integración y reciclaje.

El Arquitecto Pierre Prunet conocido por restaurar la ruinas de la Iglesia Toussaint D’Angers integra una cubierta contemporánea destinada a mantener al edificio protegido del agua, creando un espacio para las Colecciones del Museo David D’Angers.

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Bibliografía. DIAZ BERRIO, Salvador - ORIBE B. Olga: “Terminología general en materia de Conservación del patrimonio cultural prehispánico”. Presentado como ponencia en el XLI Congreso Internacional de Americanistas. DF. 1974. DICCIONARIO Encarta Microsoft® Encarta® 2007. © 19932006 Microsoft Corporation. SIRE, Marie-Anne : La France du Patrimoine. Les choix de la Memorie. France: Gallimard. 1996, p. 144. A fin de siglo cien años de arquitectura., Ed. Russel Ferguson., El Colegio de San Ildefonso, CONACULTA.,. México. 1998., 336 p.

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Acerca de las competencias profesionales Autores: M.C.D. Cynthia Villagómez Oviedo

¿Qué son las competencias profesionales?

El concepto de las competencias surge en el contexto educativo actual, a raíz de los múltiples cambios surgidos en el mundo que nos está tocando vivir; la economía los cambios sociales y culturales en definitiva ejercen influencia en el ámbito educativo, que hay que reconocer está reaccionando lentamente, la educación hoy en día aún responde a paradigmas de antaño, encontrando resistencia por parte de muchos profesores —en especial y en el caso que nos ocupa a nivel universitario— que continúan impartiendo asignaturas bajo esquemas rígidos (a saber memorización, uso únicamente de la exposición por parte del profesor y resistencia a ser cuestionados en clase por los alumnos). Así tenemos significados vinculados a la palabra competencias son: capacidad, cualificación, aptitud, destreza, responder a, corresponder, estar en buen estado, ser suficiente, pertenecer o incumbir, aptitud, idoneidad, tocar, Bastante, debido, proporcionado, oportuno, adecuado, oposición, obligación, incumbencia, hábil, capacitado, capaz, entendido, docto, diestro, correspondiente, dispuesto, incumbir, tocar, atañer, concernir, corresponder, suficiencia, habilidad, disposición, debido, proporcionado, oportuno, adecuado y muchos más. El Internet está lleno de multitud de acepciones, todas ellas pertinentes en algún sentido. Sin embargo, la competencia ligada al ámbito profesional “engloba el conjunto de realizaciones, resultados, líneas de actuación y consecuciones que se demandan del titular de una profesión u ocupación determinada” (Prieto, 1997:10), lo que significa que competencia son las habilidades y capacidades de una persona, entre otras muchas cuestiones de las que hablaremos más adelante. Es decir, es un término que lejos de ser superficial es complejo.

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Tejada en relación al término menciona que: “[…] dependiendo de las necesidades de la situación se implicarán unos u otros atributos en la búsqueda de la solución más idónea a la misma. Concretamente se considera que la competencia es un conjunto estructural complejo e integrado de atributos necesarios para la actuación inteligente en situaciones específicas.”1 Me ha llamado la atención la cantidad de información existente entorno a las competencias, lo que ratifica que representan la vanguardia en la educación, no es para menos ya que son la respuesta para intentar poner orden al caos, es decir, la educación por competencias en vez de sólo verter conocimientos en el alumno, como hasta hoy se ha venido manejando. Lo interesante también con la gran diversidad de puntos de vista entorno a las mismas, tales como: “[…] concepciones de la competencia como estructuras profundas, propio de las teorías de Levi Strauss, Chomscky o Piaget; como principio sintetizador dentro de la teoría de la Gestalt; como operaciones de hábito, según Bourdieu; como código de Bernstein; como realización de logro en la etnometodología; como conductas operacionales dentro del conductismo, etc.” Pudiera resultar confusa tal lluvia de información existente relacionada al tema, sin embargo, “Esencialmente, la competencia es la relación existente entre lo interno de la persona y lo externo. Es decir, el mismo proceso de adquisición y de postración de la capacidad, reconocida públicamente, así como la aceptación individual […] Acabamos de conceptualizar las competencias como el conjunto de conocimientos, procedimientos y actitudes combinados, coordinados e integrados en la acción adquirida a través de la experiencia (formativa y no formativa -profesional-) que permite al individuo resolver problemas específicos de forma autónoma y flexible en contextos singulares.”3 Considero de todo lo que investigué del tema esto es lo que me clarificó qué eran las competencias, tene-

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¿Por qué estar pensar en competencias profesionales? Además de ser una de las propuestas para la educación del Banco Mundial, como sabemos máximo órgano rector de la economía global y de que las cosas no se hacen si no se cubre con las expectativas que marca el BM, me parece que en esta (como en otras ocasiones, aunque no en todas), no se han equivocado, ya que la educación por competencias lleva a la reflexión ¿De qué sirve la educación si ésta no se aplica a nuestra vida, no sólo profesional sino a la personal, a la forma en que vemos las cosas? Y por el contrario se queda todo en un cuaderno en apuntes, que seguramente después del examen el alumno nunca consultará. De ahí que sea indispensable hablar de la educación por competencias. De tal manera que además de lo anterior, algunas otras bondades de las competencias es que: “A su vez, la o las competencias logradas aumentan el poder de las capacidades con lo que el proceso se convierte en una espiral centrífuga y ascendente que hace necesario el planteamiento que dimana de la formación permanente: logro de más y mejores competencias en el desarrollo evolutivo de las capacidades de la persona […] Las competencias sólo son definibles en la acción. En la línea de lo apuntado anteriormente, las competencias no son reducibles ni al saber, ni al saber-hacer, por tanto no son asimilables a lo adquirido en formación. Poseer unas capacidades no significa ser competente. Es decir, la competencia no reside en los recursos (capacidades) sino en la movilización misma de los recursos. Para ser competente es necesario poner en juego el repertorio de recursos.” 4 La competencia, involucra una serie de eventos concatenados, implica la integración y aplicación de diversos saberes, no de manera aislada. “Incluso, desde esta óptica, puede llegarse a que el saber actuar sea el precisamente no actuar. Una buena reacción ante una situación problemática puede ser precisamente no intervenir.”5 Así tenemos que las competencias involucran experiencias de vida y no sólo experiencias aúlicas, de tal modo que están en constante evolución.

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Las competencias en el marco del mundo globalizante En nuestra sociedad se ha habitado en las últimas décadas con enormes y acelerados cambios en lo tecnológico como el Internet, las computadoras, la televisión por cable y todos los enseres que nos facilitan la vida pero que nos separan de lo real, que nos deshumanizan; en lo social, vemos un aumento de pobreza y polarización de las clases sociales, migración, aumento de la violencia, entre otros problemas de igual o más envergadura; cambios económicos que determinan la movilidad de las personas, por ejemplo, ahora no es extraño morir en otro país o ciudad diferente del que nos tocó nacer, debido a que buscamos básicamente vivir más prósperamente. “El contexto, por último, pues, es clave en la definición. Si no hay más competencia que aquella que se pone en acción, la competencia no puede entenderse tampoco al margen del contexto particular donde se pone en juego. Es decir, no puede separarse de las condiciones específicas en las que se evidencia.”6 Ante este panorama desolador, que en vez de llamar “aldea global”, algunos insisten en llamar “saqueo global”, es que se toma conciencia de la importancia de la educación por competencias, en un intento desesperado por estandarizar, por dar uniformidad a esa amplia gama (en este caso) de egresados de las carreras profesionales, que con todas las buenas intenciones los ayude a no estar en desventaja con egresados de universidades del primer mundo. Sin embargo, no sólo se trata de aplicar competencias como solución, el problema como ya vimos en el párrafo anterior es mucho más complejo; como profesora universitaria me doy cuenta, que la mayoría de los alumnos, no tienen iniciativa en clase (se las aniquilaron en la educación primaria), no les gusta trabajar en los contenidos de las materias, lo sienten oneroso e innecesario, le hacen más caso a lo que ven en los medios de comunicación masiva (los cuales no hacen más que aumentar la ignorancia) que al profesor, es decir, la educación profesional en México está en crisis, los egresados no se dedican a ejercer las carreras de las cuales egresaron, simplemente porque no hay fuentes de trabajo suficientes y las que hay están muy mal pagadas, los maestros en universidad somos ejemplo de ello, somos profesionistas que nos vemos obligados a ejercer la docencia por esta razón, que

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después algunos sucumbamos ante las satisfacciones que da la docencia es otra cosa, sin embargo, percibí que muchos de los que alguna vez fueron mis profesores, lo hacen solamente por obligación o sólo por necesidad económica y eso invariablemente se traduce en apatía de los estudiantes, que perciben la actitud del profesor. De ahí que los gobiernos tengan problemas en la aplicación de la educación por competencias, ya que simplemente se está hablando de transformar todo el sistema educativo nacional, sin embargo, desde mi punto personal de vista, a la par también se deben crear las condiciones políticas, económicas y sociales que favorezcan este cambio, caso contrario, se está hablando de una situación tan ilógica como querer que crezca un árbol de manzanas en agua salada, no puede haber tal. Relacionado al contexto, Tejada nos dice que: “[…] lo que se ha puesto de manifiesto es la dificultad para los gobiernos de unificar una política coherente a largo plazo por cuanto existen diferentes y legitimados intereses para objetivos muy diversos, siendo también los orígenes y planteamientos de formación profesional muy dispares. […] Estamos apuntando que en la dirección del análisis y solución de problemas en un contexto particular en el que a partir de dicho análisis (y para el mismo) se movilizan pertinentemente todos los recursos (saberes) que dispone el individuo para resolver eficazmente el problema dado. Pero ello no quiere decir necesariamente que cada contexto exige una competencia particular, con lo cual podríamos llegar al infinito interminable de competencias, sino que la propia situación demanda una respuesta contextualizada.”

Bibliografía TEJADA, José. La educación en el marco de una sociedad global: algunos principios y nuevas exigencias. Profesorado, revista de currículum y formación del profesorado, 4 (1), (2000). Universidad Autónoma de Barcelona. TEJADA, José. Acerca de las competencias profesionales. Documento publicado en dos artículos de la Revista Herramientas, (I), núm. 56 (pp. 20-30) y Acerca de las competencias profesionales (II) 57 (8-14) 1999. 1 TEJADA, José. Acerca de las competencias profesionales. Documento publicado en dos artículos de la Revista Herramientas, (I), núm. 56 (pp. 20-30) y Acerca de las competencias profesionales (II) 57 (8-14) 1999.2 Ibid. 3 Ibid. 4 Ibid. 5 Ibid. 6 TEJADA, José. La educación en el marco de una sociedad global: algunos principios y nuevas exigencias. Profesorado, revista de currículum y formación del profesorado, 4 (1), (2000). Universidad Autónoma de Barcelona.

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Mensajes gráficos, hacia una fundamentación del diseño popular. Autores: M.D.G. Mónica De La Barrera Medina Relación entre el usuario, el diseño y su contexto. Resumen: Los mensajes gráficos populares están implícitos en todo contexto mexicano; pensar en el usuario y su contexto nos permite obtener ideas acerca de las propuestas de diseño, sus características y quizá una metodología que fundamente conceptos para una futura integración académica.

Introducción: Los aspectos populares han sido abordados desde distintos puntos de vista; el interés por conocer las manifestaciones culturales de cada entidad, permite enfocarse en investigaciones de toda índole. Lo popular está al alcance de toda clase social, se considera como “lo propio” o lo conocido por todos, como manifestaciones que expresan la vida tradicional de un pueblo. En el caso del diseño gráfico, las aportaciones que exploran estos aspectos no son muy extensas; las investigaciones existentes acerca de lo popular abordan generalidades y recuperación de material básicamente visual1; sólo algunas de ellas llegan al análisis de las muestras, sin embargo bajo los parámetros de la vinculación tripartita Diseño - Usuario y Contexto no se abordan a profundidad. El diccionario de la Real Academia Española, define como usuario(a): “a aquel que usa algo ordinariamente, que por concesión gubernativa o por otro título legítimo, goza un aprovechamiento de aguas derivadas de corriente pública”2, es decir, que el usuario usa, goza y aprovecha todo tipo de situaciones y circunstancias relacionadas todo el tiempo con su entorno. Para el significado de contexto, tenemos que: “es el entorno lingüístico, físico o de situación, en el cual se considera un hecho, por lo que un usuario siempre estará vinculado con su entorno, por ende a todo lo que le rodea”.3

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Ahora bien, en lo concerniente al diseño, las definiciones son una larga lista de proposiciones y descripciones del quehacer del diseñador en todas sus direcciones. En cuanto a lo gráfico, el diseño puede definirse como la descripción o bosquejo verbal de algo; profesión cuya actividad es la acción de concebir, programar, proyectar y realizar comunicación visual en general, por medios industriales y destinadas a transmitir mensajes específicos a grupos sociales determinados; es también una disciplina que posibilita comunicar visualmente ideas, hechos y valores útiles para la vida y bienestar del hombre, mediante una actividad proyectual, en la que se procesan y sintetizan en términos de forma y comunicación, factores sociales, culturales, económicos, estéticos, tecnológicos y ambientales. El acto de diseñar se lleva a cabo a partir de una forma renovada de ver el mundo y una nueva manera de interpretar las necesidades que en él hay. “Detrás de cada producto de diseño hay una reflexión sobre la realidad que, en mayor o menor medida, consiste en una reinterpretación de las necesidades, los deseos, los gustos y los anhelos de las personas”.4 El diseñador gráfico se encarga de observar y realizar una traducción visual de los mensajes, acomodar y transformar la información que se quiere transmitir, a través de un orden lógico y coherente, a un lenguaje común a todos los hombres o a un determinado grupo de ellos. Entonces, la relación usuario-contexto-diseño, se hace tan estrecha, que para describir una, habrá que ligarla con la otra. En un orden primario, podríamos decir que para que exista el diseño, debe haber un usuario, el usuario debe estar en un determinado contexto y el contexto se reflejará en el diseño mismo.

De esta idea, sabemos entonces que todo cuanto nos rodea ha sido previamente diseñado para la satisfacción de determinados usuarios; en ocasiones esos diseños son dirigidos específicamente a cierto usuario, que dejan de aplicarse a toda una comunidad; sin embargo, también como diseñadores-usuarios podemos re-interpretar un diseño de acuerdo a nuestro contexto. Gabin Ambrose y Paul Harris, comentan que la disciplina del diseño gráfico “impone un orden y una estructura al contenido a fin de facilitar el proc e s o de comunicación, p a r a que el m e n saje sea captado y comprendido por el público al que va dirigido”5 , por lo que en el acto de diseñar (intencionalmente) para determinado usuario, se debe considerar un proceso o método en su ejecución. Si por ejemplo, en el caso de mensajes gráficos específicos, como los letreros de espacios comunes, profundizáramos en su interpretación, descubriríamos que cada uno está adaptado a las circunstancias de su entorno: el uso coloquial de palabras por regiones geográficas, determina factores de comunicación en donde incluso las expresiones se convierten en anclajes del mensaje escrito.

fig. 1. Es frecuente tener un panorama como éste en varias ciudades del país, en donde apreciamos un alto contenido de información visual, mensajes en los que el usuario se integra a su contexto. Arandas, Jalisco. (archivo de la autora / Mónica de la Barrera).

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Mensajes Gráficos Populares. En una investigación anterior, realizada sobre los mercados6, se comentó la importancia de los mensajes en locaciones populares, comparando espacios de venta y transacción, en los que el usuario responde a su contexto e incluso el vendedor toma el papel de diseñador, reinterpretando lo que por varios años ha marcado un estilo de comunicación con su receptor o marchante7, quienes visualmente identifican los locales y nombres, concediéndoles antigüedad, prestigio y distinción, en cuanto a las características de su representación visual. En muchos de los casos esta estrategia ha sido tan conveniente, que los centros comerciales han ido adoptando frases y recursos mnemotécnicos propios de los mercados, para dirigirse a sus receptores con una evocación de los tiempos en que ir al mercado resultaba

formación: ¿Podrían recuperarse factores y fundamentos del Diseño Nacional para la formación académica en Mexico?, pues de alguna manera, conocimientos basados en experiencias y desarrollo de proyectos escolares, es lo que ha permitido el desarrollo de documentos editoriales, que las universidades han usado como libros de texto8, mismos que apoyan desde los primeros semestres, las materias de diseño básico. Como profesionistas del diseño, no tenemos la oportunidad de conocer los métodos y estrategias que un rotulista aplica al calcular, trazar y dibujar lo que en gran escala, se trabaja en fachadas o lienzos. Existen conocimientos empíricos de un oficio, que el rotulísta aprende y aplica reiteradamente en su trabajo, pero que para el diseñador gráfico, son desconocidos en su totalidad, lo más cercano a ello ahora son los trabajos vinculados con las impresiones en gran formato y recorte de vinil, que no son propiamente el trabajo de un diseñador profesionista, sino de un técnico o ayudante, sin embargo, al

mucho más práctico que hoy en día.El ejemplo de investigación sobre los mensajes en los mercados, permite pretender la reinterpretación de otros espacios comunes, en los que se manifiesta la comunicación popular de manera visual, considerando a futuro analizar y plantear, ambiciosamente, una serie de fundamentos vinculados al diseño gráfico, reinterpretados por los profesionistas para su aprendizaje y realización de mensajes más coherentes con los usuarios y su entorno. Una premisa es indagar si en la formación académica, alguna institución ha considerado en el contenido de alguna de sus asignaturas, características formales del diseño popular mexicano para la elaboración de mensajes y propuestas de diseño, es decir, si se conocen y aprenden fundamentos de diseño, basados en bibliografía extranjera para todos los alumnos en

referirnos al rotulista, estamos hablando de los dibujantes con experiencia que han trazado en escala y proporción proyectos, bajo la herencia de un oficio, aprendido por la experiencia y bajo los riesgos que este trabajo implica. Es hasta ahora, posterior a la realización de una tesis de posgrado, cuando se nos permite analizar y aprender un poco de lo mucho que un rotulista puede aportar en la realización de mensajes gráficos, pues si bien nosotros como diseñadores podemos “diseñar y conceptualizar una idea”, los rotulistas la realizan y en muchos casos, son los mismos rotulistas los que han depurado un estilo para cada espacio. En fachadas o bardas por ejemplo, se tiene un estilo que claramente se distingue, así sean campañas políticas o eventos musicales, los muros se convierten en espacio de expresión, en los que algunos rotulístas llegan a firmar su trabajo. Los rotulistas e impresores aprenden cuestiones del diseño derivados de un oficio que practican todos los días como parte de su trabajo.

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El uso de iniciales provoca, en el usuario, una lectura forzada, en la que se requiere interpretar para entender. “El descontón”, local de ropa en un mercado de Comitán, Chiapas. (archivo de la autora / Mónica de la Barrera).

En este anuncio de una empresa de rotulación digital, se integra la imagen de un San Luis Rey, como alegoría del giro de la empresa, en la que el aspecto tecnológico y decorativo, son parte de su interpretación. (archivo de la autora / Mónica de la Barrera).

En los mercados, los mensajes saturan el espacio de comercialización, los recursos son variados ya que muchos de ellos son temporales y de acuerdo con el precio que en el día se tenga. (archivo de la autora / Mónica de la Barrera).

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El color y las artesanías son un referente visual muy grande que en lugares turísticos asombran a propios y extraños, pues la saturación, el contraste y la variedad, son algunos de los aspectos que se destacan en los objetos, mismos que son aplicados en distintos contextos y espacios, y se integran a propuestas de diseño y decoración. San Miguel de Allende. (Image Bank).

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No sólo los factores formales en el acto de rotular, sino el concepto del diseño mismo, es un aspecto que merece retomarse, pues en mayor o menor medida, sabemos que el estilo del diseño, en espacios populares es una clara manifestación de una estrategia persuasiva de gran impacto. “Cine de terror”, texto que acompaña este anuncio de una Rosticería, en el que los pollos miran en un horno rostizarse a otro pollo. Sin duda, muchos de los mensajes son irónicos y graciosos, es parte de esa creatividad que el rotulista, ya sea por encargo o por su propia cuenta, hacen a los mensajes enfatizar y evocar el giro de la empresa que lo anuncia. Calvillo, Ags. (archivo de la autora / Mónica de la Barrera). Es interesante que en ciudades con énfasis turístico como San Miguel de Allende10, demuestren que la recuperación de estilos populares, resulta tan atractivo

a extranjeros y locales, que las tiendas e incluso restaurantes se decoran con elementos artesanales y colores de características populares como el de una lonchería, tortería o taquería, queriendo emular lo tradicional y lo conocido, cuando en realidad son ajenos a ello, pero integran lo rescatado en cuanto a color y distribución de un local popular para convertirlo en un espacio de souvenirs o de alimentos gourmet. Esto tiene una lógica si advertimos que lo artesanal y el estilo “kitsch”11 también evocan algo único, natural y no producido en serie, lo que da una categoría de calidad o de frescura en lo que respecta a productos o servicios. El color y las artesanías son un referente visual muy grande que en lugares turísticos asombran a propios y extraños, pues la saturación, el contraste y la variedad, son algunos de los aspectos que se destacan en los objetos, mismos que son aplicados en distintos contextos y espacios, y se

integran a propuestas de diseño y decoración. San Miguel de Allende. (Image Bank). Por ello y para efectos de investigación, replanteando la pregunta ¿Si los conceptos de diseño nacional se retomaran?, surge la idea de rescatar conocimientos de comunicación popular y hacerlos parte de un contenido en un programa de estudio, en el que trascendentalmente se aprendieran los referentes de diseño mexicanos. Parece una idea por demás ambiciosa, sin embargo hay una gran parte de ciudades del país que viven del turismo, en donde por lo menos el 60% de los servicios son negocios de capital extranjero, lo que implica que la aceptación del diseño nacional es un punto que otros comienzan a destacar y no son propiamente los mexicanos los que aprovechan estos recursos.

Algunos objetos de uso común, como vasijas, vasos, botellas y cualquier otro contenedor, transforman su utilidad en objetos decorativos; el ejemplo de las piñatas que usamos en temporada decembrina para romper, en otros países son usadas como decoración de espacios, aun cuando no correspondan época de su consumo, pues su atractivo visual cambia su valor de uso por el de signo. Un ejemplo más es el uso del papel picado, que decora ceremonias religiosas y sin embargo se ha utilizado como decoración de interiores en diversos espacios como hoteles, restaurantes y centros comerciales. San Miguel de Allende. (archivo de la autora / Mónica de la Barrera).

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Comercialización y diseño.

Algunos objetos comerciales, de propuestas mexicanas, se basan en el uso de imágenes de obras de artistas conocidos mundialmente como: Frida Kahlo y Diego Rivera, por mencionar algunos, que son aplicados en bolsas, llaveros, playeras, cuadernos (fig. 10, 11 y 12) y todo tipo de artículos promocionales, como emblemas nacionalistas que ven-

den tanto como las calaveras de Posada, mientras que hay mucho más material cultural para explotar, si esa fuera la intención, de objetos y aplicaciones para evocar “mexicanismos”12 para exportar Si fuéramos conscientes de configurar mensajes, desde el punto de vista del diseñador gráfico, aplicando referentes locales, lograríamos un acercamiento mucho más directo con el usuario, rescatando gustos, valores y hasta sentimientos de todo nuestro contexto y no sólo copiando los diseños de artistas reconocidos, sino determinando estilos propios incluso de cada estado o región geográfica. Por ejemplo, los mensajes religiosos son una fuente inagotable de diseño, las estrategias para cautivar los sentimientos de fervientes feligreses, son tan fuertes en nuestro país, que la comercialización de imágenes resulta un gran negocio para las iglesias y tiendas especializadas en la venta de estampas o aplicaciones de vírgenes y santos, esto es también parte nuestra identidad popular, pues hasta los feligreses más alejados de las premisas religiosas tienen una gran fe hacia la Virgen y llevan en estampa o tatuaje la aplicación gráfica de su devoción. Como consumidores, sabemos que el gusto, tiene que ver incluso con lo ya aprendido, los espacios locales como

en las rancherías, son un reflejo de estilos y tendencias que se repiten entre sus habitantes, teniendo un tipo de indumentaria, de vivienda, de música y hasta de hablar. Todo esto es parte de su comunicación, en la que se adaptan estrategias de campañas, como en el caso de empresas refresqueras o cerveceras, en las que la clara manifestación de su existencia se encuentra en las fachadas de casas, bardas y anuncios en bandera que, a simple vista, otorgan un grado de civilización y consumo por parte de su gente. Los mensajes de estas empresas se han llegado a adaptar tanto a la comunidad que incluso analfabetas, reconocen el producto por su consumo y repetición visual. Entonces, encontramos que la imagen y el diseño gráfico están más ligados a lo popular de lo que pensamos. La comercialización de productos piratas13 también colabora a la identificación del branding14 o marcas, que son tan reconocibles que aun cuando se les omita o aumente una letra, son leídas y recordadas como marcas originales, pues el efecto visual, en cuanto a forma y color, rebasa lo textual, sobre todo en circunstancias en las que la adquisición de un producto “legal” es de un costo tan elevado que sólo puede ser adquirido en su versión “no original” por una mínima parte de su precio real. El diseño juega un papel tan importante en los usuarios, que llegamos a olvidar la relevancia de experiencias, en su omisión de registros que lo divulguen como parte de conocimientos prácticos y análisis de experiencias en el uso de la imagen, de la forma e incluso de los espacios; obviamos estos conocimientos y desatendemos la evidencia escrita, es decir, que todos estamos conscientes de esto, pero no vaciamos nuestras ideas en documentos textuales.

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Sii lo que qu q ue cree cr e moss qu que e fo forma rma pa rm art rte de de n estro nu o d de esa arrrollo y ap prre en ndiza diiza d aje e vissual en n nu n ues estr top pa aís ís, s, se e essttable ableci ab cie cier erra co como mo con once once cep ptoss o fun pt un-dame da me en nttos o , ge gen ne era rarí ríam ía am mos apo oy yo os de de con onsu sult sult lta a mu much ch ho má más afin afi nes a nue uest sttro ro con on nte tex xtto qu que e lo os ap pre end ndid did doss en la a uni niv vers ve rssid id dad ad como co mo guí uías as o proce cedi diimi mien ntto os o sobr so obrre fund nd dam mento ento en os de del di d se seño ño ñ o, te end ndrí r arí mos aspe mo asspe ect ctos oss de co o omu muni nic ni nica ca ación visua isua is al lo loca al y hast s a un u dessar arro arro rollllllo lo de eje erc r i-cio ci oss ba assados ad doss en las té écn cnic cass re eg gio iona nalles les de est stiliilllo os arttesan os a al an a ess.

Ell disse E eñ ño en otr t os co on nte ext x os os. Lo os vi v aj ajes es,, co es c mo dir iría ía a Hem emin in ng gw way y, so son n si sin n du d da d una na gra an op opor o tu or t ni n da d d de d com ompr pren pr ende en derr de ottra rass c cu ultturras y ent ntor orno or nos, no os, s de in nst s ru uir irno no os en otr t oss esp pac a io ioss p pa ara a acrrec e en enta tarr el con ta noc cim mie ent nto. o. o. Parra un di Pa dise se seña eña ador dor gr do g áfi fic fi co,, no de d be se err la ex e ce epc p iió ón,, ya qu q e en n cad ada a un uno o se e pue ede d com mpr p en en-derr la de a re ellac ació ión ió ón us usu uari uari ua rioo-di dise di seño seño o y con onte te ext x o. Tod odo o cu cuan an nto t noss rod odea ea a forrma m par arte te de apli ap plilcaci ca aci cion ones ne ess gráfi gráfi gr fic cas as com omo so opo p rt rtes es de di dist stin st into t s ma mate teri rial ales es, te text xturras, et e c. Al mo mome ment nto o de sal alir ir de nu nues estr tro o es e pa p aci c o, o nos o con onve vert ve rttimos en us usua uari rios os y ent nten ende demo moss qu q e el el con nte texto o es tan an dis isti tint ntto,, que e ens n eg gui uida d , in nten nttam amos oss ada apt ptarno os co on nu nues nues esstr tras tr ras as ideas de eas a ant ntig igua uas y rre eso solv lverr nue u sttra a essttan anci cia a al al mod od do en e el q qu ue esta es esta tamo moss ac mo acostu ostu os tumb um mb bra rado dos. s. Es ah a í, don onde de la di de d fe fere renc ncia perrmite e det ete ectar ot ec otra rass c ciirc r un u stan sttan anci nciia ass y el ej ejer errciici c c o de dell di d se seño ño se vu vuel elve ve ind dis ispe penssab pens able le. La geo eogr graf affía ía nos im mp pon one es one estrrat ateg egia iass de sob obre evi vive ve v encia, no es lo mi es mism sm mo ha abi b ta tar un ent n or orno n frí no río o y neva nevado do que una na pla laya laya ya y alt lta tas as tem empe pera ratu tura r s, est sto od da a inmed dia atta ame mentte, differ e en enci c as ci as has asta ta par ara a el des esca cans nso, o, don onde de ham amac acas ass o cam amas ass lle ega g n a cu cum mp plir lilir las las mi la m sm s as as funcio fu ncione nc ione io nes, s, per ero ro en n dif ifer eren ren ente nte te hábit ábitat áb ittat at.. Porr ot Po otra ra par arte te,, em te empr pres esas es as ext xtra ra an njjer e ass con nsc cie ien nttess de la a com mun unic unic icac cac ación ón di d re r ct c a qu ue en entr tre tr e lo os ha h bi bibitant ta ntes es de nu n es estr trro pa país ís se da d , ma ani n fi fies e ta es an, n a tra ravé vé vés és de d sus imp pre reso sos, so s,, men ensa s je sa jess qu q e di dire rect re ctam am me en nte te atie at end dan a los os obj bjet etiv ivos esper sper erad ados ad oss. Bu B rg rgue ue er Ki King ng g, bu uzó ón de sug u er e en e ci c ass. (a (arc rchi h vo hi o de la a aut u orra / Mó Móni nica ni ca de la la Bar arre re era). ra). Para ell dise diiseño ño gráfi rá áfico y lo refe re efe fere re rent ent nte e a su u acto o de comunicación,, es básico conocer a qu quié ién n se se dir irig ige ig e el e men e sa aje je,, pa p ra má ás tar a de ace c rcarnos al objetivo j de persuadir, p , comu co muni mu nica ni carr, con ca nve venc en nc cer er o ev viid de encia ia ar lo o que se e de desse sea. En los mensajes j populares, p p , e iste ex iste en có códi digo di goss qu go que e en fac f ctore to es co omo m el co c lo lor or o nivel de representación, se d stin di sttin ingu gu uen n cla ara rame m nt me nte e. Tenem enem moss el ca aso de las vu ulc lcan aniz nizzad dor oras as,, en llas as q e in que qu incl clus cl uso us o om omit itie it iend ie ndo nd o le l trras en ssu u anu nunc ncio nc io o (sólo ( o la llllan antta ta col oloc lo oc cad da de manera man aner aner era ra evidente evid ev den ente te e sobre la ca carr rret eter er era a), no os indi indica ca a a mod odo o de señal señall, qu que ha hay ay u un n lug ga arr parra c ca ambia ar los ne eum umáático ti tico cos. cos.

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Por otra parte, el reciente auge de las computadoras ha permitido que las señales y rótulos sean adaptados según el contexto, aunque no sean legibles por color y tipografía. Recortes de papel, trazos en cartulinas, todo eso ya está siendo sustituido por mensajes impresos, que parecen evitar el trabajo de hacerlos a mano y basta ahora sólo imprimirlo y sacarle copias. La comunicación visual, en otros contextos, se distingue de inmediato por usuarios ajenos a él, nuestra apreciación es cuestionada por los códigos aprendidos y en todo caso si estamos en otro país, distinguimos con gran facilidad las diferencias en los mensajes. Los aeropuertos, centrales de autobuses, sitios de taxis y hasta los hoteles, utilizan sistemas internacionales que facilitan el entendimiento de códigos, pero no en todos los casos, la claridad es asumida en su totalidad. La representación gráfica por ejemplo, ayuda a comprender o al menos a identificar algunos textos que en distinto idioma no leemos, aportando al usuario un apoyo para reconocer determinado concepto. Pero han sido las aportaciones extranjeras las que han introducido todo tipo de códigos visuales, sobre todo en los sistemas de señalización, aunque incluso en esos países no existan señales como las que en nuestro país se llegan a utilizar, como para indicar grutas, cenotes y todo tipo de topes y vados que hay sobre nuestras carreteras.

Un libro de fundamentos del diseño popular. “Para comunicar y transmitir visualmente un mensaje de forma efectiva, el diseñador debe conocer los diferentes recursos gráficos de los que dispone, junto con la imaginación, experiencia, buen gusto y el sentido común necesarios para combinarlos de forma correcta y adecuada”.15 Los libros sobre fundamentos del diseño, indican que ayudan a la preparación al alumno con los conocimientos necesarios para plasmar su creatividad siguiendo las pautas del buen diseño, aplicando los diversos estilos gráficos e incluso desarrollando un estilo propio. La mayoría con ejemplos de ejercicios de diseñadores y estudiantes. En sus contenidos hay definiciones, estilos y tendencias, clasificaciones de signos, percepción, tipografías, técnicas de composición, teoría del color, maquetación, sistemas de impresión y hasta el desarrollo de páginas Web. Algunos de los libros sobre Fundamentos del diseño incluyen un contenido como el que se enlista a continuación: Definición de diseño Arte y diseño Elementos de la comunicación Estilos y tendencias en el diseño La percepción visual Formas básicas de composición

Clasificación de los signos Elementos básicos: la línea, forma, textura Espacio y formato Historia del color. Psicología del color Los orígenes tipográficos, La tipografía y su evolución La rotulación como medio de comunicación Tipografía digital Técnicas de composición, la escala, la sección áurea El equilibrio en una composición, tono, escala Maquetación, Clases de retículas Distribución texto y las imágenes Sistemas de Impresión Técnicas de impresión Tipos de tintas A modo de conclusión. ¿Podríamos tener nuestros propios fundamentos del diseño?, ¿Existirá material suficiente para reconocer tendencias, estilos, clasificaciones de signos, uso de color y técnicas de impresión en la comunicación popular?, Estas preguntas tienen validez, una vez que ya se han aprendido y aplicado por medio de ejercicios y proyectos, durante varios años en la profesión del diseño gráfico. Si revisamos el material bibliográfico y a sus autores, encontraremos que la mayoría forman parte de una recopilación de ejercicios de clase, desarrollo de temas y contenidos de materias de diseño en escuelas de Suiza y Alemania, en las que años de trabajo académico y el interés por su recopilación,

Interiorgrafico favorecieron lo que hoy conocemos como materiales de consulta básica, que ahora los enseñamos a nuestros alumnos.

fundamentación basada por supuesto en ejemplos gráficos que faciliten su aprendizaje y comprensión.

Quizá a modo de propuesta, podemos darnos a la tarea de enlistar y derivar las características que en cada lugar16, ya sea por región, espacio común o estado, se deriven del análisis de las estrategias visuales comunes, para determinar principios de diseño popular, realizados bajo investigaciones académicas y sus experiencias. Un intercambio de experiencias académicas como foros de discusión, colaboran en esta idea, donde los interesados provoquen la realización de publicaciones en compendio, a favor de una

“Nuestra profesión se basa en conocer profundamente los componentes estructurales de mensajes, conocer desde lo sensible las razones de la creación, sus estructuras sus vínculos visibles o sugeridos, sus diferentes capacidades comunicacionales”17. Vale la pena destacar que sobre este tópico hay otros investigadores interesados, como en el caso del Dr. Martín M. Checa-Artasu18, del Colegio de Michoacán y Pilar Castro Rodríguez, Universidad Popular Autónoma del Estado de Puebla, México, con

su artículo La Gráfica Popular Mexicana: Definiciones y características para su valoración19, quienes han tenido a bien citar parte de mi investigación: “Mensajes gráficos en los mercados de San Luís Potosí”, como aportaciones desde la academia, ya que como se ha comentado, la mayor parte de los trabajos referentes al diseño popular, sólo son compendio de imágenes. Estos autores realizan una aproximación a la gráfica popular, como objeto de investigación, detectando una serie de etapas y recursos que los rotulistas aplican en la realización de su trabajo.

BIBLIOHEMEROGRAFÍA AMBROSE, Gabin; Paul Harris. Fundamentos del Diseño Gráfico. Parramón Ed. Barcelona, España, 2009. DE LA BARRERA, Mónica. Mensajes gráficos en los mercados de San Luis Potosí. Tesis de Maestría. Universidad Autónoma de San Luís Potosí. 2004. DE LA BARRERA MEDINA, Mónica S. ?2005. “Mensajes gráficos en los mercados de San Luis Potosí”, 1er Congreso Estatal: “La Investigación en el Postgrado”. 28-30 de noviembre, Universidad Autónoma de Aguascalientes. CHÁVES, N., La imagen corporativa. Teoría y metodología de la identificación institucional, México, DF. Gustavo Gili, 1994. CHECA, Martín M. Notas para conceptualizar la gráfica popular mexicana. Gazeta de Antropología. Colegio de Michoacán, México. Universidad Popular Autónoma del Estado de Puebla, México. Num. 24. 2008. Pp. 24 a 26. COSTA, Joan. Diseñar para los ojos. Joan Costa Grupo editorial design. Bolivia. 2003 FUENTES, Rodolfo. La práctica del Diseño Gráfico, una metodología creativa. Paidós. Barcelona. 2005. GOMBRICH, E.H. Los usos de las Imágenes. Estudios sobre la función social del arte y la comunicación visual. Fondo de Cultura Económica. México, DF.. 2003 MENA, Juan Carlos; Óscar Reyes. Sensacional de diseño mexicano. Trilce Ediciones. México. 2001. SATUÉ, E., El diseño gráfico. Desde los orígenes hasta nuestros días. Ed.Alianza, Madrid.1998. SUÁREZ, Sandra. Diseño Gráfico. Bueno, bonito y barato. Gráfica popular. Universidad Nacional de Colombia, División de Investigación Sede Bogotá. Unibiblos Bogotá, Colombia, 2005. SWANN, A., Bases del diseño gráfico, Barcelona, España.Gustavo Gili, 2001. WONG, Wucius. Fundamentos del diseño. Gustavo Gili. Barcelona, España. 1997 http://www.elperiodicodemexico.com/nota.php?id=166278 http://www.ruavista.com/escritura.htm La escritura en la calle. Gabriel Suárez Bayona http://www.populardelujo.com http://www.universia.net.co/tesis-de-grado/bellas-artes/bueno-bonito-y-barato.-grafica-popular http://www.pathosyethos.com/portal/index.php/revista/7-investig/23-drcheca-y-lic-pilar / Revista electrónica de Arte y Cultura. Año II, número 3, agosto-diciembre de 2009. MDG. Mónica De La Barrera Medina Universidad Autónoma de Aguascalientes CA. Docencia y Productividad para el Diseño msdelaba@correo. uaa.mx

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Análisis de posgrados y cursos de educación continua ofertados en universidades nacionales, públicas y privadas. Autores: M. en Arq. Alma Pineda Almanza INTRODUCCIÓN. Si bien la Universidad de Guanajuato en sus carreras de Licenciatura ha pretendido dar una educación profesional de calidad, que se alcanza con el título universitario, es un hecho que los avances tecnológicos, la globalización y los cambios sociales en continuo movimiento hacen necesario que los nuevos profesionistas busquen la opción de especializarse y profundizar en los conocimientos obtenidos en la licenciatura. Es así que la obtención del grado se convierte así mismo en una inquietud intelectual; la necesidad de actualización y la especificidad de las tareas o trabajos profesionales que se encaran, ha ido conduciendo a ofertar estudios de posgrado por parte de las universidades. Si se trata de puntos concretos de mejora profesional, buscaremos una especialización, si en cambio requerimos de una formación superior en una disciplina o área interdisciplinaria, profundizando en su conocimiento teórico o tecnológico nos orientaremos a una maestría. Por otro lado, si nuestro objetivo es la realización de verdaderos aportes originales a la ciencia con una proyección de universalidad en un marco de excelencia académica, ese es el camino del doctorado. Las necesidades intelectuales de los profesionistas, hoy día van acompañadas de un proceso en el cual, al igual que en el resto del mundo, se favorece la obtención del reconocimiento. En la actualidad, no cabe duda que quien posee un título de posgrado es alguien actualizado en su profesión y de mayor envergadura intelectual, por lo tanto, es más solicitado por particulares individuales cuanto por empleadores. Asimismo, lentamente se adquiere el reconocimiento legal, pues estos títulos sirven para dar mejores puntajes en

concursos para la adquisición de ciertos cargos públicos. Sin duda llegará el tiempo del reconocimiento total de su valor, que quizá exija su necesidad para la habilitación profesional. Ante la enorme oferta de licenciaturas y posgrados, surge ahora un nuevo asunto por analizar y es la solidez que un título de posgrado exhibe, el cual se completa con su propia calidad y el prestigio de la institución otorgante. Por lo tanto, los programas propuestos a corto plazo en nuestro Departamento deberán tender a l a constante actualización, estar dirigidos y dictados por profesores de prestigio y llevar el sello de la Universidad de Guanajuato dentro de sus parámetros de Misión y Visión y el respaldo de muchos años de trabajo. La Universidad de Guanajuato pionera en la creación de carreras de vanguardia que marcaron precedente en la comunidad cultural, presenta un amplio emprendi-

Interiorgrafico miento dentro de la cosmogonía del arte, enfocado al objeto artístico y su entorno desde todos los ángulos posibles que le permite el estado actual de las ciencias, la técnica y la filosofía en el inicio del siglo XXI. En este sentido, la necesidad del Departamento de Diseño de buscar nuevas formas de actualización a través de los posgrados, nos lleva al análisis de la oferta tanto de las maestrías y doctorados d e

de forma interdisciplinar por lo que la selección de maestrías y doctorados, así como cursos de educación continua aquí expuestos, contemplan muchas de las áreas en las que el diseñador tanto gráfico como de interiores se desarrolla.

1. DELIMITACIONES DOCUMENTAL. El trabajo se realizó mediante un muestreo en catálogos, en la red, en periódicos y en asociaciones educativas enfocadas al Diseño.

TEMPORAL nuestro país, como de los cursos de actualización y educación continua. Así como a revisar las cualidades que tiene actualmente el Departamento de Diseño, sus maestros y su potencial en general. Sir va entonc e s e l present e trabajo para lograr el acercamiento al planteamiento de posgrados de utilidad que puedan implementarse en la Universidad de Guanajuato en el área de Diseño. Es importante hacer notar que actualmente el trabajo profesional requiere ser elaborado en equipo y éstos para estar mejor preparados deberán ser capacitados

El trabajo se desarrolló en un periodo desde el mes de enero hasta el mes de agosto del 2009 durante el cual se recopiló y analizó la información pertinente para el desarrollo del presente documento. Por lo que podemos informar que doctorados como el próximo a empezar en enero y que apoya la División de Arquitectura, Arte y Diseño no está contemplado en este estudio.

ESPECIALIDADES. Los posgrados y cursos de educación continua aquí analizados guardan relación directa con el área del Diseño, en particular con las especialidades de Gráfico e Interiores. Tomando en cuenta que estas áreas pueden tener enfoque multidisciplinarios acordes con las especialidades antes men-

cionadas. Este documento presenta información relacionada con la oferta de posgrado (Doctorado, Maestría y Especialidad) y cursos de educación continua (Diplomados, Talleres, Seminarios, Cursos) existente en las universidades nacionales públicas y privadas.

2. OBJETIVOS. El objetivo del presente análisis es realizar un muestreo de la oferta que se tiene para los egresados de Departamento de Diseño en materia de posgrados y cursos de educación continua. Formular un documento que sirva como directorio de las posibilidades ofertadas en relación a la formación de posgrados y cursos de educación continua en el país en la actualidad, ofreciendo la posibilidad de su actualización a mediano plazo. Facilitar la planeación de las estrategias que permitan diseñar y ofertar programas de doctorado, maestría y cursos de educación continua en las áreas de diseño, a partir de las diversas disciplinas de especialidad que tengan mucha demanda y poca oferta, asegurando de esta forma parte del éxito en la demanda del posgrado o curso de actualización. Sabemos además que la planeación de estos posgrados dependerá también de la plantilla académica con que cuenta el departamento y en nuestro caso la División de Arquitectura, Arte y Diseño.

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ANÁLISIS DE POSGRADOS. La tabla que se muestra a continuación refleja las maestrías y doctorados localizados a nivel nacional, así como la universidad y lugar que lo oferta. La misma ofrece mayor claridad para el análisis realizado. NOMBRE DEL PROGRAMA

UNIVERSIDAD

LUGAR

Maestría en Diseño Creativo.

Centro Universitario de Comunicación

Distrito Federal.

Maestría en Diseño.

Universidad Autónoma del Estado de Morelos.

Cuernavaca, Morelos.

Doctorado en Arquitectura, Diseño y Urbanismo.

Universidad Autónoma del Estado de Morelos.

Cuernavaca, Morelos.

Maestría en Diseño.

Universidad Autónoma Metropolitana. Unidad Azcapozalco.

Azcapozalco.

Maestría en Diseño y Desarrollo de Nuevos Productos.

Universidad de Guadalajara.

Guadalajara, Jalisco.

Maestría en procesos y expresión gráfica en la proyectación arquitectónica urbana

Universidad de Guadalajara.

Guadalajara, Jalisco.

Maestría en Medios Interactivos.

Universidad Tecnológica Mixteca,

Huajuapan de León, Oaxaca.

Maestría en Diseño.

Universidad Autónoma de Aguascalientes.

Aguascalientes, Aguascalientes.

Maestría en Diseño.

Escuela Modelo.

Mérida, Yucatán.

Maestría en Ciencias y Artes para el Diseño.

Universidad Autónoma Metropolitana.

Coyoacán.

Área de Diseño Arquitectónico. Área de Diseño de Espacios Públicos.

Teoría e historia críticas Estética aplicada y diseño contemporáneo. Sustentabilidad ambiental. Innovación científica y tecnológica. Investigación y gestión territorial. Reutilización y apropiación de objetos.

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Especialización, Maestría y Doctorado en Nuevas Tecnologías.

Universidad Autónoma Metropolitana.

Azcapozalzo.

Maestría en Comunicación.

Universidad de la Comunicación.

Distrito Federal.

Maestría en Mercadotecnia.

Universidad de la Comunicación.

Distrito Federal.

Maestría en Habilidades Empresariales.

Universidad de la Comunicación.

Distrito Federal.

Maestría en Administración área Publicidad.

Universidad del Pedregal.

Distrito Federal.

Maestría en Administración.

Universidad del Valle de México.

Maestría en Diseño Estratégico e innovación.

Universidad Iberoamericana.

Ciudad de México.

Maestría en Estudios de Arte.

Universidad Iberoamericana.

Ciudad de México.

Maestría en Diseño Holístico.

Universidad Autónoma de Chihuahua.

Chihuahua.

Maestría en Nuevas Tecnologías de Información y Comunicación.

Universidad de Celaya.

Celaya, Guanajuato.

Maestría en Publicidad.

Universidad de Lasalle Bajío.

León, Guanajuato.

Maestría en Diseño Fotográfico.

Universidad Iberoamericana.

Arquitectura bioclimática. Diseño industrial asistido por computadora. Diseño. Planificación y conservación de paisajes y jardines. Hipermedios. Metodologías de estudios urbanos. Planeación y diseño urbano. Restauración y Conservación.

Diseño de espacios. Diseño de objetos. Diseño de mensajes. Teoría.

León, Guanajuato.

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Maestría en Diseño Gráfico, Análisis y Producción de Mensajes.

Universidad Iberoamericana.

León, Guanajuato.

Maestría en Diseño y Comunicación Interactiva.

Universidad Iberoamericana.

León, Guanajuato.

Maestría en Interiorismo Arquitectónico.

Universidad Iberoamericana.

León, Guanajuato.

Maestría en Diseño Gráfico Estratégico.

Universidad Vasco de Quiroga.UVQ

Morelia, Michoacán.

Maestría en Diseño Gráfico.

Universidad de Monterrey. UDEM

Monterrey, Nuevo León.

Maestría en Diseño de Información.

Universidad de las Américas Puebla. UDLAP

Cholula, Puebla.

Doctorado en Creación de Teorías de la Cultura.

Universidad de las Américas Puebla. UDLAP

Cholula, Puebla.

Maestría en Publicidad.

Universidad de Noreste y Centro Avanzado de Comunicación.

Tamaulipas.

Maestría en Estrategias de Creatividad.

Universidad de Noreste y Centro Avanzado de Comunicación.

Tamaulipas.

Maestría en Artes Visuales.

Escuela Nacional de Artes Plásticas. Facultad de Arquitectura. Instituto de Investigaciones Estéticas.

Academia San Carlos. México, Distrito Federal.

Maestría en Artes.

Universidad Autónoma del Carmen.

Ciudad del Carmen, Campeche.

El fenómeno del consumo en la sociedad. El fenómeno de la percepción en el consumidor. El fenómeno creativo en el proceso de desarrollo publicitario.

Música. Educación Musical. Educación Artística. Artes Plásticas. Artes Escénicas.

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Maestría en Diseño.

Universidad Autónoma del Estado de México.

Cerro de Coatepec. Estado de México.

Universidad Autónoma del Estado de México.

Cerro de Coatepec. Estado de México.

Maestría en Diseño Tipográfico.

Escuela Gestalt deVeracruz.

Veracruz, Veracruz.

Doctorado en Humanidades y Artes.

Universidad Autónoma de Zacatecas.

Zacatecas, Zacatecas.

Administración y gestión del Diseño. Andragogia del diseño. Tecnología del Diseño. Teoría del Diseño. Maestría en práctica docente. Esencia de la Universidad y Ética. Problemas de la educación y la investigación en las Universidades. La situación del bachillerato universitario.

Historia y teoría de las artes visuales. Historia y teoría de las Artes Plásticas y/o la Arquitectura. Imágenes y discursos fronterizos entre las Humanidades y las Artes. Polémica y antagonistas de la modernidad. Pensamiento ilustrado en Hispanoamérica. Historia de las mujeres y perspectivas de género. Estéticas y poéticas. Tradición y modernidad en la literatura en México.

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1. ANÁLISIS. 3.1. No. DE MAESTRÍAS.Y DOCTORADOS. En total se analizaron 37 posgrados, de los cuales tan sólo encontramos 3 doctorados y el resto son maestrías, localizadas en Universidades privadas y públicas del país. 3.2. DOCTORADOS. Los doctorados que encontramos en nuestro análisis son los siguientes: Doctorado en Arquitectura, diseño y urbanismo

Universidad Autónoma del Estado de Morelos

Doctorado en creación de Teorías de la Cultura

Universidad de la Américas, Puebla. UDLAP

Doctorado en Humanidades y Arte

Universidad Autónoma de Zacatecas.

De estos tres doctorados sólo el Doctorado de la Universidad de Zacatecas tiene 8 terminales: Historia y teoría de las artes visuales. Historia y teoría de las artes plásticas y/o la arquitectura. Imágenes y discursos fronterizos entre las humanidades y las artes. Polémicas y antagonistas de la modernidad. Pensamiento ilustrado en Hispanoamérica. Historia de las mujeres y perspectivas de género. Estéticas y poéticas. Tradición y modernidad en la literatura en México. Como podemos darnos cuenta, la formación que se propone para diseño, o está enfocada hacia la arquitectura en el caso del diseño de interiores, o la postura general es hacia el arte, quedando de alguna forma desprotegido el área del Diseño Gráfico. 3.3. UNIVERSIDADES VS POSGRADOS. Podemos destacar que de todas las instituciones universitarias del país tan sólo 22 Universidades ofertan algún tipo de maestría relacionado con el diseño. Cabe destacar que universidades privadas ofertan diversos posgrados en sus campus., como la Universidad Iberoamericana que ofrece 6 maestrías relacionadas con el diseño. Sin embargo, hay que mencionar las Maestrías que oferta la Universidad Autónoma Metropolitana, que si bien podemos decir que son dos, lo interesante es que tienen un total de 15 terminales de especialización diferentes.

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La modalidad de tener diversas salidas terminales la planean las siguientes universidades:

Maestría en Ciencias y artes para el diseño

6 terminales

Especialización, Maestría y Doctorado en Nuevas Tecnologías

8 terminales

Maestría en publicidad

3 terminales

Maestría en Arte

5 terminales.

Maestría en práctica docente

3 terminales

Doctorado en Humanidades y Arte

8 terminales

La conclusión es que en 5 universidades se ofertan más maestrías y doctorados que en el resto de las Instituciones del país con 33 especialidades de maestrías. 3.4. UBICACIÓN GEOGRÁFICA CON MAYOR Y MENOR OFERTA. Los estados que ofertan los posgrados son: Distrito Federal y Zona metropolitana

11 maestrías.

Morelos

2 Maestrías

Estado de México

2 Maestrías

Jalisco

2 Maestrías

Guanajuato

6 Maestrías

Aguascalientes

1 maestría

Oaxaca

1 maestría

Yucatán

1 maestría

Campeche

1 maestría

Veracruz

1 maestría

Tamaulipas

2 Maestrías

Zacatecas

1 maestría

Michoacán

1 maestría

Chihuahua

1 maestría

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Como podemos observar en esta tabla la mayoría de las oportunidades se encuentran concentradas en la capital del país. Dejando muy aisladas las oportunidades hacia el norte y sur del país. 3.5 COMPARATIVO DE LAS DOS CARRERAS. Parece ser que la oferta en lo referente a las maestrías se encuentra definida en las especialidades de arquitectura- diseño interior, diseño y arte principalmente, aunque este estudio contempla de igual forma la opción no tan especializada en estas áreas, pero igualmente solicitada por muchos maestros como las maestrías en Educación. 3.6. DIVERSIDAD Y REPETICIONES. Parece ser que la oferta de las especialidades en las maestrías es muy variada, siendo los temas que más se repiten los siguientes: Temas Urbanos Administración Publicidad, comunicación, información. Teoría e historia del Diseño. Por lo que la oferta de oportunidades puede ser para diversos gustos o necesidades que los profesionales de nuestras áreas de diseño quieran abordar. ANÁLISIS DE CURSOS DE EDUCACIÓN CONTINUA. De igual forma que con los posgrados a continuación se ofrece una tabla que muestra una serie de datos de interés relacionados con los cursos localizados a nivel nacional, su enfoque, categoría, duración y localización en el país; seguida de su análisis. CONCLUSIONES. A partir del análisis realizado en materia de posgrados y cursos de educación continua ofertados a nivel nacional en universidades públicas y privadas se ha realizado una conclusión basada en las fortalezas, oportunidades, debilidades y amenazas desde el punto de vista del aspirante a dichos estudios, así podemos concluir que: Las fortalezas están representadas en las posibilidades ofertadas a nivel nacional ya que aunque se podría considerar, que en cuestión de posgrados el abanico reflejado es limitado, representa una oferta que bien podría redundar en beneficios a nuestra institución a mediano y largo plazo. En relación a los cursos de educación continua las posibilidades son mayores debido a la diversidad de los mismos. Las oportunidades pueden ser limitadas debido a que todos nos debemos al cumplimiento de las funciones sustantivas de nuestra casa de estudios y a partir del análisis realizado podemos corroborar que la ubicación tanto de posgrados como de cursos

de educación continua no es la idóneo en la mayoría de sus casos para facilitar el cumplimiento nuestras actividades laborales y académicas. Sin embargo, estás podrían ampliarse si calendarizamos y ajustamos periodos y tiempos de trabajo. Por otro lado, conforman un expediente que nos permite realizar nuestra propia oferta en cuestión de posgrados y cursos de educación continua, es terreno virgen que ofrece grandes posibilidades. Las debilidades son la razón de nuestras oportunidades un tanto mermadas, ya que la lejanía en gran parte de los casos representa la mayor debilidad aunada a las actividades procedentes de trabajo y familia. Las amenazas radican principalmente en el aspecto siguiente: al tratarse de un posgrado o curso de educación continua que en su mayoría deberá ser cursado a distancia el animo puede verse afectado por una cantidad de factores ajenos al mismo, entre los que pueden mencionarse problemas de diversa índole ya sea laboral o familiar, tiempos para la realización y revisión de trabajos, problemas de comunicación con profesores, entre muchos otros que pueden considerarse amenazas.

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ANÁLISIS. 1.1.

NÚMERO DE CURSOS.

En el documento se han sido analizados 21 cursos interdisciplinares que abordan una temporalidad que va desde las 16 hrs hasta los 3 meses de duración, con sede en las zonas de Ciudad de México (10 cursos), León (4 cursos), Hidalgo (2 cursos), Morelos (1 cursos) y Puebla (3 cursos). 1.2.

NÚMERO DE TALLERES.

Tres talleres interdisciplinares fueron localizados y analizados, estos manejan una duración en horas que va de las 20 a las 36. Se ofertan en las ciudades de México (2 talleres) y Querétaro (1 Taller). 1.3. NÚMERO DE DIPLOMADOS. El número de diplomados ofertados analizados asciende a 30, los cuales se desarrollan con duraciones entre 60 horas y un año. Estas propuestas educativas se encuentran localizadas en las ciudades de México (22 diplomados), León (4 diplomados), Hidalgo (2 diplomados), Tampico (1 diplomado) y Guadalajara (1 diplomado).

1.4. NÚMERO DE SEMINARIOS. Dos seminarios fueron los analizados en el presente documento, ambos con un enfoque al Diseño Gráfico, y con duración de 90 horas y 3 días respectivamente, localizados en las ciudades de Querétaro y México. 1.5. NÚMERO DE ESPECIALIDADES. Se localizaron 18 especialidades multidisciplinares, las cuales se desarrollan con temporalidades que van de 9 meses a 1 año. Localizadas en las ciudades de México (9 especialidades), Querétaro (1 especialidad), Estado de México (1 especialidad), León (2 especialidades), Monterrey (1 especialidad), Puebla (2 especialidades) y Distrito Federal (2 especialidades). 1.6. NÚMERO DE CURSO-TALLER. Se encontró un sólo curso con esta denominación, el cual se encuentra ubicado en la ciudad de Veracruz y maneja una duración de 15 horas. 1.7. UNIVERSIDADES VS CURSOS. Es interesante percatarnos

que sólo 23 universidades son las que disponen de la promoción de cursos de educación continua, estas universidades abarcan la oferta de los 75 cursos localizados y analizados. 1.8. UBICACIÓN GEOGRÁFICA CON MAYOR Y MENOR OFERTA. Indiscutiblemente, la Ciudad de México cuenta con la mayoría de la oferta en relación a educación continua. La menor oferta está representada por Monterrey, Tampico, Morelos y Veracruz. 1.9. COMPARATIVO GRÁFICO VS. INTERIORES. El análisis refleja que la mayoría de los cursos ofertados están enfocados al área de Diseño Gráfico (57), Interiores cuenta con sólo 13 cursos ofertados y 8 restantes pueden ser tomados por ambas áreas aunque presentan objetivos encaminados hacia diversas especialidades. 1.10. DIVERSIDAD Y REPETICIÓN. La oferta representada ofrece un abanico de posibilidades amplio con tendencia hacia el área del manejo de software y el desarrollo digital.

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Consideraciones importantes para el buen diseño de la marca gráfica

marca para el buen diseno de la

Lo correcto y provechoso será evaluar y analizar las marcas en su propio con-

texto particular por ejemplo: Calvin Klein pertenece a un contexto de ropa, Michelin al de autopartes, Barbie al de juguetes para niñas, Playboy al de publicaciones para hombres, Aspirina se ubica en el territorio farmacéutico y Ferrari en el de los automóviles. Una evaluación pertinente entre diferentes marcas dentro del mismo contexto es la relativa al de las marcas de automóviles. De entre las siguientes ¿Cuál es su impacto visual? ¿Cuáles son las mejores y por qué? ¿Qué las identifica y qué las diferencia?

importantes

Para responder a esta pregunta es necesario tener presente que cada una de las anteriores marcas pertenece a un territorio de marca1 distinto, lo que condiciona y determina su apreciación perceptual acerca de su impacto visual al contexto específico al que pertenece y en el que se desenvuelve, para este caso, no es lo correcto realizar una comparativa entre Aspirina y Playboy, ya que ambas fueron hechas con propósitos y finalidades enteramen-

te distintas; la primera es una marca que alude a la razón y la segunda es una marca que alude a la emoción. Lo correcto y provechoso será evaluar y analizar las marcas en su propio contexto particular por ejemplo: Calvin Klein pertenece a un contexto de ropa, Michelin al de autopartes, Barbie al de juguetes para niñas, Playboy al de publicaciones para hombres, Aspirina se ubica en el territorio farmacéutico y Ferrari al de los automóviles.

Consideraciones

¿Cuál es el impacto visual de las siguientes marcas? ¿Alto, Medio o Bajo?

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Autores: M.A.V. Juan Carlos Saldaña Hernandez

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Comparemos las marcas de automóviles con otras marcas. ¿Cuál es su territorio de marca?

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Una conclusión anticipada será la siguiente: el impacto visual de una marca depende de varios factores, todos ellos emanados desde el Brief o pliego de peticiones y condiciones que posteriormente será valorada por el público ¿A dónde? ¿Qué?, ¿Cómo? Etcétera. Pascual Boing. Una marca mexicana que tuvo que ser modificada. En los años 40, la Cooperativa Pascual “adopta” al pato Donald, como parte de su marca gráfica llamándola el Pato Pascual. Pascual Boing Décadas después, Disney gana el litigio a esta compañía mexicana por los derechos de autoría, lo que obliga a esta cooperativa refres-

quera a modificar su marca. Esta modificación puede ser considerada como un rediseño de marca que deberá de conservar las características originales de la misma, siendo el punto álgido, el reemplazo de un pato cuyos derechos pertenecen a Disney, por un pato nuevo. No sólo el cambio de marca gráfica fue lamentable, sino que el nuevo personaje se modifica a través de una convocatoria hecha a los hijos de los trabajadores de la misma cooperativa, según aparece “posteado” el jueves, mayo 03, 2007 en el blog Diseño Creativo y la nueva marca se selecciona de entre los participantes. El resultado es evidente, tal como se publicó en el periódico la Jornada con fecha de /2007/05/13/: “El marinerito deviene rapero”.

Consideraciones

importantes

para el buen diseno de la

marca

grafica

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¿Cuáles pueden ser considerados los costos de una mala marca?

También las malas marcas pueden tener una alta valoración por parte del público (el caso más cercano es el de Pascual Boing en la versión de la nueva marca) sólo que a un costo económico mayor. Esto necesariamente nos lleva a interrogarnos lo siguiente: si cualquier signo gráfico bueno o malo finalmente sirve para identificar, entonces ¿Es necesario el rigor diseñístico y ser minucioso en el diseño de la marca? Mi respuesta es: Sí. ¿Por qué? Porque hoy no se puede perder tiempo esperando a que un signo marcario deficiente cumpla sus funciones (comunicativas, representativas, simbólicas, etcétera). Un signo deficiente es muy caro en muchos sentidos.

Referencias electrónicas. Pato Pascual Boing. Documento en línea en: http://disenocreativo.blogspot.com/2007/05/pato-pascual-boing.html [25 agosto 2009] Pascual una Empresa sui Géneris. Documento en línea en: http://www.misionpolitica.com. mx/index.php?option=com_content&view=category&layout=blog&id=62&Itemid=79 [11 de Agosto de 2009] Periódico La Jornada. Documento en Línea en: http://www.alambre.info/2007/05/08/pierde-pato-pascual-logo-en-pleito-legal-contra-disney/

marca para el buen diseno de la

Aunque no existe una receta exacta para diseñar una buena marca, ya que cada marca se ajusta a un determinado perfil, sí existen numerosas consideraciones al respecto tales como: su versatilidad, aspectos técnicos como su reproductibilidad, la pregnancia, su vigencia, tipología, calidad gráfica, entre otros; aunque en este ensayo sólo me he concentrado principalmente en el impacto visual a través del análisis y la evaluación

comparativa entre marcas pertenecientes a un mismo contexto, esta comparativa también se conoce como mapa de marcas y tiene la utilidad entre otras cosas, la de conocer el comportamiento de varias marcas entre sí, cuáles son las marcas líderes, cuál es su impacto visual, su croma, cómo se identifican y al mismo tiempo cómo se diferencian, todo ello nos ayudará a mantenernos o no dentro del mismo criterio formal, estilístico, semántico, etcétera, evitando así, la arbitrariedad en el diseño de la marca gráfica.3

importantes

Conclusiones.

Consideraciones

Quién menos presupuesto tenga, es quien menos puede cometer errores en la elección de la marca, hay que saber aprovechar una única oportunidad lo mejor posible.

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Por que la mejor marca gráfica es aquella que no tiene que cambiarse nunca más.

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Reflexiones sobre el Arte Autores: M.C.D. Cynthia Villagómez Oviedo

Discurrir actualmente sobre qué es arte, se ha convertido en todo un problema; con la inclusión en los noventas de los “nuevos medios” (la tecnología digital), el quehacer artístico se ha tornado revolucionario, pero también muy diverso, lo que dificulta su clasificación. Sin embargo, en este nuevo entorno del arte, se aprecia un nuevo panorama, donde ya no solamente las obras pictóricas o escultóricas, son dignas de ser llamadas arte, sino también hay arte en internet, en video, con “…juegos de ordenador, las cámaras de seguridad, la telefonía inalámbrica, los miniordenadores portátiles y los sistemas de navegación GPS…” (1)

Pero la tecnología antes mencionada no define al arte, muy por el contrario es el uso de esta tecnología en las manos de los artistas lo que la convierten en el medio de expresión ideal para manifestar conceptos, ideas o cuestiones meramente estéticas. Por lo que intentar definir el arte de nuestros días resulta un acto temerario, digno de los más encumbrados teóricos, y como dicen por ahí “si quieres dar un consejo, piénsalo dos veces y mejor no lo des”, este consejo se aplicaría por si se quiere definir categórica y rígidamente el arte actual, se correría el riesgo grave de tropezarse o entretenerse en tratar de definir un concepto que continuamente está cambiando, es decir, en mi opinión metafóricamente hablando, el arte es un ‘ser vivo’ que muta y cambia constantemente, veamos por qué…

Un vistazo al pasado En este siempre difícil punto de las definiciones, hemos intentado en primer lugar recabar las históricamente acreditadas y contrastarlas para esclarecer en la medida de lo posible nuestras propias dudas. Los primeros antecedentes del término se encuentran en: “El autor polaco Libelt, en su libro Estetyka, czyli umnictwo piekne (La Estética o la Ciencia de la Belleza, 1849, p.107) […] dividió las artes según el ideal que intentaran alcanzar, ideal que puede ser la belleza, la verdad o el bien; las dividió también según ejercitasen este ideal en el espacio, en el tiempo o en la vida. Su modo de proceder dio lugar a la siguiente clasificación […] Artes formales

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o visuales. En el espacio: Arquitectura, escultura, pintura. En el tiempo: Artes narrativas o visuales, Música, poesía, retórica.” (2) Desde el término de las dos Guerras Mundiales, la clasificación de las artes ha perdido importancia, sin embargo, se ha seguido intentando “E. Souriau (La correspondance des arts, 1947) clasificó las artes en visuales y rítmicas” (3). En nuestros días se buscan definiciones extremas, es decir, que exista una clasificación o que no haya ninguna, es por esta razón que en opinión de una de las grandes figuras del humanismo polaco Wladyslaw Tatarkiewicz: “…Es imposible realizar una clasificación satisfactoria de las artes porque su ámbito no es fijo, y porque no existe acuerdo sobre lo que sea y no sea arte, o sobre qué actividades y obras humanas deban o no incluirse entre las artes. Se utilizan diversos criterios, y lo que resulta ser arte según un criterio, resulta no serlo según otro, esta es la razón de que existan tantas vacilaciones respecto al ámbito de las artes […] En el arte actual, es difícil lograr una clasificación debido a la heterogeneidad intencional del tema en cuestión, a la mezcla que se da en una única obra de los diversos elementos que se unen «sin un vínculo aparente (como ocurre en la vida)»…” (4). Sin embargo, en un intento por acotar el tema nos hemos dado a la tarea de encontrar los límites de las artes visuales y encontramos lo siguiente: “Las Artes Visuales son la expresión visual de una idea o experiencia, realizada con las habilidades necesarias a través de un medio determinado” (5). A pesar de que exista diversidad de criterios en torno a las Artes Visuales, lo que es un hecho es que éstas han atravesado en los últimos tiempos por cambios inquietantes, donde prevalece “…la ausencia de patrones estilísticos…” (6), que evidencian transformaciones profundas en el ámbito de la cultura. Otra característica es que los artistas actuales han expresado una gran apertura hacia los recursos culturales de épocas anteriores, existe un interés por parte de los artistas en “…la superficie, la yuxtaposición y la ilusión…” (7), también están aquellos que socavan las nociones que prevalecían en la época del modernismo acerca de la auto-expresión, originalidad y propiedad.

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Las Artes Visuales actualmente Las artes hoy en día, han experimentado cambios muy importantes con respecto a lo que se consideraba arte en la segunda mitad del siglo XIX, es a partir de las últimas décadas de ese siglo y fundamentalmente a raíz de las vanguardias artísticas del siglo XX, que Las Artes Visuales experimentaron profundos cambios que dejarían su impronta en el arte de nuestros días; algunos de estos cambios fueron advertidos —entre otros— por el arquitecto y crítico Charles Jencks en su primer libro titulado: El lenguaje de la arquitectura posmoderna (8), en él anticipaba algunas de las características que se transferirían al resto de las artes, tales como: Uso de la belleza disonante; rechazo a las ideas modernas sobre composición; eclecticismo estilístico radical; aceptación y uso de nuevas tecnologías; interés creciente por el antropomorfismo; atención especial en las relaciones pasado y presente; los artistas recurren de manera consciente a la ironía, la ambigüedad y la contradicción en su trabajo; el arte deja de ser sólo auto-referencial; hay una reinterpretación de la tradición (9); imágenes sometidas a un constante proceso de reapropiación y reciclaje; la fuerza del artista contemporáneo está en su imperfección. (10) De tal manera que: “Si la vanguardia política de la modernidad celebraba la negación y la disidencia, y pretendía revolucionar el arte y la vida, la mayor parte del arte posmoderno, en cambio, ha tendido a recrearse con el mundo tal cual es y a convivir apaciblemente con una gran variedad de estilos y juegos estéticos.” (11) Actualmente, como ya lo habíamos mencionado al inicio de este texto, las Artes Visuales están experimentando profundas transformaciones debido a la incursión de los nuevos medios, como las nuevas tecnologías informáticas y de telecomun i ca-

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ción (como el Internet), de los medios de comunicación, de video-proyección, y como diría Brea (12) con cualquier chisme que se enchufa. Otra cuestión muy interesante que nos está tocando presenciar en el mundo del arte contemporáneo, es la incorporación de la cultura como escenario, donde aparece el tér mino de la “Post producción” (13) en el arte; este término originalmente es usado en televisión y que “Designa el conjunto de procesos efectuados sobre un material grabado: el montaje, la inclusión de otras fuentes visuales o sonoras, el subtitulado, las voces en off, los efectos especiales” (14). Desde la década de los noventa, muchos artistas interpretan, reproducen, re exponen o usan obras realizadas anteriormente por otros artistas que son culturalmente disponibles, es decir, insertan su propio trabajo en el trabajo de otros, para ellos ya no es importante trabajar con materia pura. Ejemplos de estos artistas existen varios como: Rirkrit Tiravanija, Pierre Huyghe, Jorge Pardo, Ángela Bulloch, Tobías Rehberger, Carsten Nicolai, Sylvie Fleury, John Miller, Sydney Stucki, Douglas Gordon, Jeff Koons, Haim Steinbach, entre muchos otros, todos tienen en común el recurrir al uso de formas ya producidas. Por lo que la pregunta artística ya no es. “¿Qué es lo nuevo que se puede hacer?, sino más bien: ¿Qué se puede hacer con? […] ¿Cómo producir la singularidad, cómo elaborar el sentido a partir de esa masa caótica de objetos, nombres propios y referencias que constituye nuestro ambiente cotidiano?” (15) Por lo que los artistas utilizan lo dado, se mueven en el universo de productos a la venta, los mercados de pulgas y la reutilización de pedazos de programas televisivos o películas preexistentes, dando como resultado expresiones artísticas asombrosas y “nunca antes vistas” (16) desde esa nueva óptica (la apropiación), el artista se convierte en lo que Bourriaud llama: semionautas, producen recorridos originales entre los signos, donde crear es —como diría Duchamp— insertar un objeto en un nuevo escenario, considerándolo como un personaje dentro de un relato.

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Así tenemos que “La obra de arte contemporánea no se ubicaría como la conclusión del <proceso creativo> (un ‘producto finito’ para contemplar), sino como un sitio de orientación, un portal, un generador de actividades. Se componen combinaciones a partir de la producción, se navega en las redes de signos, se insertan las propias formas en líneas existentes.” (17) Es decir, la linealidad del arte se pone en entredicho, ya no necesariamente hay un principio y un final, sino que el arte adopta un carácter rizomático, donde una obra no termina, sino que tiene la posibilidad de expandirse, el proceso creativo continúa, se ramifica. Así que el abordaje que de la propiedad de las formas e imágenes (copyright) se ha hecho en el arte contemporáneo, es muy singular, ya que deviene en formas radicalmente distintas a lo que teníamos preconcebido que era el arte (la idea modernista de lo nuevo como requisito del arte); sin embargo, me parece que es ahí donde habita precisamente su originalidad, en esas nuevas formas de ver y cuestionar ciertos aspectos culturales como la propiedad de ideas e imágenes; que hay que decir ya habían sido cuestionados con anterioridad por Guy Debord, Asger Jorn y Gil Wolman creadores de la teoría del desvío (18) que plantea que todos los objetos pueden ser sujetos de nuevas aproximaciones, incluso Debord publica en 1956 el Modo de empleo del desvío:

los elementos, tomados de cualquier parte, pueden ser objeto de nuevos abordajes. […] Todo puede servir. Es obvio que no solamente podemos corregir una obra o integrar diferentes fragmentos de obras perimidas dentro de una nueva, sino también cambiar el sentido de esos fragmentos y alterar de todas las maneras que se consideren buenas lo que los imbéciles se obstinan en llamar citas”. (19) Otra aproximación a qué es necesario para que una obra sea considerada arte, es la que expone Marcel Duchamp en el siguiente texto: “El Proceso Creativo: (20) Consideremos primero dos factores importantes, los dos polos de toda creación de orden artística: de un lado el artista, del otro el espectador que, con el tiempo, deviene la posteridad. Según todas las apariencias, el artista actúa como un ser mediumístico el cual, del laberinto más allá el tiempo y el espacio, busca su camino hacia un claro. […] Si con-

“En su conjunto la herencia literaria y artística de la humanidad debe ser utilizada con fines de propaganda partidaria. […] Todos

Nielly Françoise

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cedemos pues al artista los atributos de un médium, debemos entonces negarle la facultad de ser plenamente conciente, sobre el plano estético, de aquello que hace o porque lo hace - todas sus decisiones en la ejecución artística de la obra quedan en el dominio de la intuición y no pueden ser traducidas a un auto-análisis, hablado o escrito o incluso pensado. […] Después de todo, el artista puede pregonar a voz en grito que tiene genio, pero deberá esperar el veredicto del espectador para que sus declaraciones tomen un valor social y finalmente la posteridad lo cite en los manuales de historia del arte. […] En otros términos, ¿cómo se produce esta reacción? Este fenómeno puede ser comparado con una «transferencia» del artista al espectador bajo la forma de una ósmosis estética que tiene lugar a través de la materia inerte: color, piano, mármol, etc. […] Durante el acto de creación, el artista va de la intención a la realización pasando por una cadena

de reacciones totalmente subjetivas. La lucha hacia la realización es una serie de esfuerzos, dolores, satisfacciones, rechazos, decisiones que no pueden ni deben ser plenamente conscientes, como mínimo sobre el plano estético. El resultado de esta lucha es una diferencia entre la intención y su realización, diferencia de la que el artista no es en modo alguno consciente. […] De hecho, falta un eslabón en la cadena de reacciones que acompañan el acto de creación; este corte que representa la imposibilidad para el artista de expresar completamente su intención, esta diferencia entre lo que había proyectado de realizar y lo que ha realizado es el «coeficiente de arte» personal contenido en la obra. En otros términos, el «coeficiente de arte» personal es como una relación aritmética entre «lo inexpresado pero proyectado» y «lo expresado intencionadamente». […] El proceso creativo toma todo un otro aspecto cuando el espectador se encuentra en presencia del fenómeno de la transmutación; con el cambio de la materia inerte a obra de arte, una verdadera transubstanciación tiene lugar y el rol importante del espectador es el de determinar el peso de la obra sobre la báscula estética. […] En resumen, el artista no está sólo para llevar a cabo el acto de creación ya que el espectador establece el contacto de la obra con el mundo exterior descifrando e interpretando sus cualidades profundas y en ello añade su propia

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contribución en el proceso creativo. Esta contribución es aún más evidente cuando la posteridad pronuncia su veredicto definitivo y rehabilita artistas olvidados.” Es interesante la importancia que le da al espectador ya no simplemente como tal, sino como parte integrante de la obra, como parte de la creación artística misma, en tanto sea un intérprete de lo que ve, porque para Duchamp, el espectador es el que determina, valora, si es o no es arte. Se suma a todo lo anteriormente expuesto, el aspecto que considera todo aquello que se exhibe en un museo como arte, sin embargo, como diría la maestra Blanca Gutiérrez Galindo “… en el Museo de la Ciudad de México, hay muchas pinturas al óleo que están ahí porque han sobrevivido a inundaciones e incendios a lo largo de la historia de la capital, no porque sean arte…”. O también están aquellos que consideran una obra como arte, siempre y cuando despierte alguna emoción, cualquiera que ésta sea. Actualmente, tenemos también dos tipos de arte: uno es aquel que es crítico con las circunstancias sociales y culturales predominantes, que sirve de parangón con la realidad, pero también está el arte con fines estéticos solamente y que por tanto es ‘vendible’, no me quiero imaginar a un comprador de arte, sacando la chequera para adquirir una camisa ensangrentada de la obra de Teresa Margolles en el grupo SEMEFO, para exhibirla en su sala, o comprando un video de la artista Orlan realizándose una cirugía facial, con el mismo fin. Del 22 al 26 de abril de 2009, se llevó a cabo en el Centro Banamex de la Ciudad de México, una de las ferias de arte contemporáneo más importantes del país ZONAMACO; en plena contingencia por la influenza H1N1 asistimos a este formidable evento, justo a un lado de la impresionante vista del hipódromo de las Américas que ofrecen los grandes ventanales del Centro Banamex.

Abocada principalmente a la exposición y venta de obra artística de galerías mexicanas y extranjeras, hoy por hoy ZONAMACO se ha posicionado como uno de los foros mexicanos más importantes de exhibición y venta de arte contemporáneo. Con precios por stand de exhibición que oscilan entre los 50,000 y los 300,000 mil pesos mexicanos, en esta feria de arte se han realizado altas ventas, según entrevista que los expositores reportaron a la revista electrónica Índigomedia, sin embargo –comentaron- no fue así este año, donde si bien hubo ventas, éstas fueron escazas y la feria pasó a ser más que nada un foro de exhibición, probablemente debido a la contingencia por la influenza, que en ese momento alcanzaba su pico más alto en difusión en los medios de comunicación masiva, incluso estuvo a punto de ser suspendida. En cuanto a la obra expuesta dentro de la feria fue muy diversa, los medios de expresión, así como los materiales y técnicas, realmente fueron muy interesantes, sin olvidar por supuesto que se trata de obra realizada para su venta, no es arte crítico como el que hablamos párrafos anteriores. He aquí pues un reportaje fotográfico de dicha feria, realizado personalmente en exclusiva para la revista electrónica INTERIORGRÁFICO, con ánimo de que el lector lo encuentre interesante. Así mismo aprovecho la ocasión de recordarles la siguiente cita en ZONAMACO 2010 del 14 al 18 de abril.

Interiorgrafico CITAS (1) TRIBE, Mark: Arte y nuevas tecnologías, Colonia: Taschen, 2006, p.7. (2) TATARKIEWICZ, Wladyslaw: Historia de seis ideas Arte, belleza, forma, creatividad, mímesis, experiencia estética. Madrid: Tecnos, Alianza, 2002, 9ª. Edición, p.p. 95-96. (3) Ibid., p. 98. 4) Ibid., p.p. 100-101. (5) Artforms, An Introduction to the Visual Arts definition http://artrainusa.org/downloads/02ep_glossary_terms.pdf. Consulta realizada 200208. (6) D. EFLAND. Arthur: La educación en el arte posmoderno, Barcelona: Paidós, 2003, 3ª edición, p. 31. (7) Ibid., p. 59. (8) JENCKS, Charles: El lenguaje de la arquitectura posmoderna, Barcelona: Gustavo Gili, 1986, 5ª edición original en inglés Londres-Academy editions, 1977. (9) D. EFLAND, Arthur: Op. cit. p.p. 65-66. (10) LYOTARD, J. F.: La condición posmoderna, Madrid: Cátedra, 1989. (11) BEST, S. y D.: Kellner, Posmodern theory: Critical interrogations, Nueva York: Gillford Press, 1991, p. 11. Citado originalmente en D. Efland, Arthur, Op. cit., 3ª edición, p. 66. (12) BREA, José Luis: La era postmedia, edición en PDF, octubre 2002. (13) BOURIAUD, Nicolas: Post producción, Buenos Aires: Adriana Hidalgo editora, 2004. (14) Ibidem, p. 7. (15) Ibidem, p. 13. (16) Ibidem, p. 13. (17) Ibidem, p. 16. (18) Ibidem, p. 40. (19) Ibid., idem.

(20) DUCHAMP, Marcel, Le processus créatif, ed. L’Échoppe, Paris: 1987. (édition bilingue français et anglais) [© ADAGP et L’Échoppe 1987 / L’ÉCHOPPE, 30 rue Léopold-Bellan 75002 Paris] (traducción al español: nbf julio 2003). Nota editorial: Este texto es el de una ponencia hecha en Houston (Texas) en 1957 por Marcel Duchamp ante la Conferencia de la Federación Americana de las Artes. Fue publicado en Arts News, vol. 56 nº 4, verano 1957. La traducción francesa es del autor. El texto resaltado en negritas es propio.

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Entrevista a Eve Faulkes Autores: Marcos Torres Lara

Spotlight on Professor Eve Faulkes: Title: Professor of Art nt or College URL: http://art.ccarts. wvu.edu/ Biography: Besides teaching graphic design and book arts, Professor Faulkes has exhibited her work at many universities and galleries in the U.S., as well as in Canada, China, Germany, and Italy. Her artistâ&#x20AC;&#x2122;s books have been purchased for collections in over 40 libraries including Oxford, Yale, Columbia University, the Newberry Library, Cleveland Institute of Art, and Rhode Island School of Design. Professor Faulkes has been a member of the WVU faculty since 1979 and teaches courses in the Division of Art. Where were you raised? I was raised on a farm in West Virginia, close to nature. And as an only child for my first ten years, I spent many hours alone discovering the woods, building things from leftover parts and materials, and communing with the animals on the farm. Were your parents artists or designers as well? My mother did go to art school to be a graphic designer, and she also practiced calligraphy. My father studied architecture and civil engineering, and built several houses influenced by Frank Lloyd Wright,

but he died very young when I was a baby and he is mostly stories to me. I always thought of him as someone I could become, however. Even though I was a girl, I never doubted that I could accomplish things in art or design. My stepfather had me help work on cars and build structures on the farm with him from age of 7. I loved working with tools, and carry a scar on my hand from nearly sawing through it. I still love to tackle any building project and have done a lot of my own remodeling or built furniture that suited my needs. Describe your beginnings in graphic design and art? Where did you study and what did you major in? Following my motherâ&#x20AC;&#x2122;s influence, I wanted to be an artist from a very early age and never varied, although I like writing as well. Design asks both skills of us. I attended West Virginia University studying graphic design where classes in sculpture, printmaking, photography and ceramics were also exciting courses and still influence my work in design. My graduate work in graphic design was at the Rhode Island School of Design, at the time the most highly respected and innovative design school in the US.

Interiorgrafico What made you interested in designing the books about artist? Artists books are not books about artist, but rather books by artists. They are either oneof-a-kind or small editions, often handmade in at least part of the process. For me it is a natural way to apply art processes and working with textures and materials to make an object that tells a story interactively or sequentially. I took a course at RISD that was called the concrete book, extending concepts of concrete poetry into a book form.

T h i s allowed us to question what could a page be as a metaphor? Or a spine? Or a binding? How could an artist stretch the traditional form of the book or message in order to make the subject matter more evident? In either metaphor or with humor, my books use the medium to add to the subject matter within. What were your first projects of the artist/designers´ books and what were they like? One of my early book experiments at RISD tried to describe Ceramics in book form by slicing a wet clay pot into thin cross sections, firing them and binding them into a book form, like an MRI scans slices of the brain to show its

structure. I have always liked how cross sections give you a viewpoint you can’t see from the outside—like a geode. What are your favorite materials to use? Because the computer screen is so slick and without texture, I like to get away from it and work with very tactile materials. The letterpress relief printing process allows one to press into textured paper and print clean type and images, giving you smooth against rough. I also print on feathers, leaves or cloth, anything I can fasten to the tympan on the press. You can’t do that with offset or silkscreen. The idea of getting off the computer to make vernacular work has been catching on and has now become quite popular. I also like to collect beautiful objects and textures from nature on my walks or from my kayak river trips that will either influence me or become part of my art work, like seed pods, shells, lichens, twigs, or some that are too large and I just photograph. What is your favorite technique to use in order to make the books? Also, we are very interested to know which techniques you use to make the books on the walls. Every new subject suggests techniques that should be used. I like to make new things each time at least in some aspect. My books are my laboratory for trying out ideas and materials. I love metaphor and try to make a new one each time. For instance, the text of one book has come off the pages and is now on ribbons floating between the pages but bound together with them. In the books on the wall, I have mostly printed on nontraditional places or materials. Sometimes that required printing on thin vellum and gluing it to a wood surface, or printing on nylon screen so you could see through it, or wrapping the printed word onto dowels, or printing on thin red strips that flowed through tubing to suggest a transfusion.

How did you come up with the idea to create the wall books? My subject matter for this series was Touch. I wanted to make art in a series that investigated Touch in every way —the good and the bad. In museums and galleries, you are not supposed to touch the art. I wanted to attract attention to my subject by making art that you not only could touch, but that you had to touch in order to make the message comple-

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te. You may turn a handle, push a plunger, work rods on a puppet or pick up a thread to read what is said in order to discover the message. The assemblages are called books because there is writing in lots of places and you can discover more as you come back to it. There are lots of layers of meaning so that the experience takes a while to get through. Describe both your creative and work processes? Both in my design work and in my art work, I am searching for relationships among ideas to create deeper understanding. My process involves looking and listening for clues, similarities in form or parallels in ideas that can become comparisons of one thing to describe another. I think form is beautiful and can be the starting point of a piece, but meaning makes it worthy, so both must be brought together. I look for gestalt in everything, a place for the viewer to participate in discovery— getting the joke, finding the visual rhyme, pun or parallel that makes it feel like a natural fit. To get started, I collect all the artifacts I can find that belong to the message, then search for parallels in other categories of life that could make connections to those. Then it’s about working a puzzle to see how they could fit together. What to edit out and what to keep becomes the poetic process of haiku—trying to say the most with the least elements. Everything saved must be meaningful and multi-use when possible. If it is a symbol, two objects may share a boundary. If it is a

word, it may carry meaning on more than one level. What special benefit(s) can you provide for your clients in the books? My clients for my books are readers who get the benefits I just described—a fresh look at a subject through metaphor and also room for their own interpretation. My artists books have more mystery in them than my commercial design work. While my use of metaphor is still there in my client work, I try to be more clear and specific in those messages. The audience should not have any confusion as to the intent of the work in an identity or information piece. In Mexico there is a controversy as to whether or not a designer should be considered an artist. What is your opinion on the matter? The best design is art. That work which uses aesthetics and visual ballet or poetry or power to move emotion or even to appreciate form is definitely art. Sometimes we are doing just the bread and butter client work and we use artistic elements. The opportunity to make art in every piece is not there, but we aspire to it and sometimes we really do it. What recommendations could you give to the design students in Mexico so that they can have a successful start in this exciting field? Look for relevance in everything. Be a curious and thoughtful observer. Don’t be quick to judge, but look to roots of opinions. Why

are things like that? As designers, we have the power to influence and change behavior, or to enlighten and help people appreciate form and art. A good designer has to understand and want to help people in order to communicate with them. Keep a notebook of your observations and collect visual material for later use—we call it a visual morgue of images. Stock art is used like that as a resource for a lot of design work, but it is never as personal as the stock of images you have created yourself that relates to people where you live. I have thousands of pictures that I have snapped as I walk around daily. You never have the chance to go back and capture the instant before you. Keep a camera and notebook handy. You are a designer 24 hours a day that way and it becomes a lifestyle that is rewarding. You appreciate your world more by participating in it, and you have more material to work with when it comes to making the design solution you need.

Thank you very much for taking the time to meet with me. Both my professor and I really appreciate it.

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Entrevista a Escobar Beckwith Autores: M.C.D. Cynthia Villagómez Oviedo

ING “Coleccionista, la música, los amigos, la lucha libre, los toros y el fut y oooobvio las cubitas. ------- Founder of the study ‘Corazón Diseño’ specialized in packaging with clients such as: PepsiCo, Pernod, Nestlé, Bimbo, Colgate and Wal-Mart. At the same time he has realized independent proyects like the watches collection ‘Mexican Graphics’ and the font ‘Dos de tres’. Recently, his work has been exhibited and published in DGV Die Gestalten Verlag, Play Loud, Tres Logos, Los Logos 4 y Zeix (Germany); ACTAR, On Bcn y Bastard (Barcelona). He has given lectures and workshops beside important designers like: The Attik, Why not Associates, Karlssonwilker, Art Chantry, Tomato, Vasava, among others. He participates since it begin in the collective “Fakir” and he´s the creator of a line of mexican products “Escobas” which has had great acceptance in cities like: New York, Amsterdam, Zurich, Barcelona and Bilbao” (from: http://elescobas.blogspot.com/ ). ESP “Coleccionista, la música, los amigos, la lucha libre, los toros y el fut y oooobvio las cubitas. -------- Fundador del estudio ‘Corazón Diseño’ especializado en

envase con clientes como: PepsiCo, Pernod, Nestlé, Bimbo, Colgate and Wal-Mart. Al mismo tiempo ha realizado proyectos independientes como la colección de relojes ‘Gráficos mexicanos’ y la fuente ‘Dos de tres’. Recientemente, su trabajo ha sido exhibido y publicado en DGV Die Gestalten Verlag, Play Loud, Tres Logos, Los Logos 4 y Zeix (Alemania); ACTAR, On Bcn y Bastard (Barcelona). Ha dado conferencias y talleres al lado de importantes diseñadores como: The Attik, Why not Associates, Karlssonwilker, Art Chantry, Tomato, Vasava, entre otros. Participó con el Colectivo ‘Fakir’ desde sus inicios y es el creador de una línea de productos mexicanos llamada ‘Escobas’ la cual ha tenido gran aceptación en ciudades como: Nueva York, Amsterdam, Zurich, Barcelona y Bilbao” (de: http://elescobas.blogspot. com/).

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Conocí personalmente a Eduardo Escobar en la ciudad de Tijuana, B.C. dentro del evento internacional de diseño gráfico “Esquina Norte” en 2004, un diseñador polifacético e interesante, cuyos planteamientos y esfuerzo se centran en la autopromoción de su quehacer como diseñador. Es de destacar la trayectoria de este reconocido diseñador quien cuenta con toda una vida dedicada al diseño; la primera vez que tuve noticia de su trabajo fue en una entrevista para la revista ‘a! Diseño’, donde hacen especial énfasis en la persistencia y tenacidad en su labor para empezar en esta apasionante profesión, la inicio del artículo dice lo siguiente: “Después de casi un año de llamar por teléfono constantemente al gerente de marca de Colgate-Palmolive, Eduardo Escobar realizó su primer proyecto para esta compañía trasnacional, con el pago de este primer trabajo logró independizarse y actualmente es el único proveedor de diseño para la marca Speed Stick”. (SANTIAGO, Francisco, artículo “Un caso olímpico”, a! Edición coleccionable de diseño gráfico, año 6, número 29, enero-febrero 1997). Estoy segura que el lector disfrutará de la siguiente amena y muy interesante charla con Eduardo Escobar Beckwith del estudio ‘Corazón Diseño’. Cynthia: ¿Cuál consideras fue tu capital cultural en la infancia, aquello que creas que recibiste que ahora te está sirviendo para crear/diseñar? Edu: La netaaaaaa? Star wars. Me marco muchísimo, al ver una entrevista a George Lucas donde decía quien había creado y hecho

los personajes, naves, etcétera. Fueron diseñadores gráficos e industriales… ahí oí por primera vez la palabra diseñador gráfico, sin saber realmente qué hacía. Cynthia: ¿Eres de 1967 o del ‘68? Edu: 1967, tenía 10 años cuando la peli. Cynthia: ¿Cómo te inicias en el diseño gráfico? ¿Dónde estudias? Edu: Inicio.... desde siempre… de niño dibujando naves, coches, fútbol, pero ya diseño en la secundaria, diseñando logos y letras (algunas aún las conservo) y ya en la prepa… clavado en las tipos [tipografías]. Al salir (prepa) me fui a trabajar al despacho de un Arquitecto que tenía la cuenta del Museo Centro Cultural Arte Contemporáneo y ahí empecé como aprendiz de diseñador, haciendo letreros con Letraset (tipos en calcomanias), serigrafia, originales... vaya lo que le llamaban un ‘pastetopista’. Ya después entré a la Ibero y sólo duré 3 semestres, no me latió y mejor me fui a trabajar a un estudio. Cynthia: ¿Alguien más en tu familia se dedica a algo relacionado a las artes o el diseño? Edu: Nadie es nadie, ni primos ni nada, soy el único. Cynthia: ¿Has participado en una gran cantidad de conferencias, congresos y talleres, llevas la cuenta de cuántos o cuáles? Edu: No, no llevo la cuenta. Cynthia: Recuerdo hace algunos años haber visto una entrevista que te hicieron en la revista ‘a! Diseño’, ¿sigues teniendo esa misma forma de

ver el diseño? de tener iniciativa y proponer cambios en diseño para clientes potenciales. Pocos diseñadores hacen eso, muchos esperan que el trabajo les caiga del cielo. Edu: Me gusta mucho compartir con los estudiantes o iniciadores de diseño, algo podemos hacer para que México sea un chingón. Cynthia: Están padres tus gráficos del Messenger, ¿de dónde los sacaste? Edu: De mi colección… tengo una colección de lucha libre, como unas 3 mil piezas y un mini-museo, en Youtube.com está una entrevista y la hacen en el “museíto”, ahí se ve algo. [http://www.youtube.com/watch?v=KpC5ok72880] Cynthia: He visto algo de tu mini-museo en tu sitio en el Facebook, con el último temblor en el D.F. se te cayeron ¿cierto? Edu: No nada, se me cayeron mis “artoys”.

Interiorgrafico Cynthia: En Ciudad de México ¿Vives en el centro? ¿Tiene que ver esto con tu gusto por lo popular? Edu: En el centro de Tlalpan (pueblo), me gusta la tranquilidad y el centro [del D.F.] no lo es, me gusta más estar en pueblitos y así. El hecho de ir a “Zaca” [Zacatecas] o Puebla, o MTY [Monterrey], ya es fuera de la capital y lo aprecio mucho y si no me quedo en mi casa. Cynthia: ¿A donde viajas esta semana? Edu: Me quedo esta semana en el D.F., para Noviembre viajo a “Zacas” a dar un taller de empaque, que es realmente a lo que me dedico y he vivido durante los últimos 15 años. Cynthia: Estuviste viviendo en Barcelona recientemente, ¿nos cuentas de eso? Edu: Si, me fui 3 meses a “Barza” y estuve y sigo en un proyecto, creando la imagen para una ca-

dena de clínicas. Cynthia: Por tus diseños, me doy idea de tus fuentes de inspiración, pero me gustaría nos hablaras al respecto. Edu: Me inspira México, la Lucha Libre, lo Popular.... pero transformado para otro ‘target’. Cynthia: ¿Cómo inicias un proyecto? Edu: ¿Cómo empiezo? La verdad lo veo en todos lados y lo veo con ojos de hacer productos con mis gráficas, es lo que me gusta y algún día tendré mi propia línea de ropa y estaré en pasarelas. Cynthia: Me interesa saber ¿Por qué dejaste la escuela? ¿Cómo alguien tan creativo la dejó? ¿Consideras que algo falla en el sistema educativo? Edu: Claroooo que falla el sistema de educación, fallan los profesores, hay muchos mediocres y no impulsan al buen diseñador para el desarrollo al máximo sus capacidades… Si de 30 alumnos… uno solo sale chingón… ¡Ya ganamos! Cynthia: ¿Regresarías a la escuela? Edu: Claro, ya fui hace 3 años y ya subieron mis calificaciones (en teoría sólo tengo 1 semestre). Cynthia: ¿Qué sugieres para remediar esa situación en las escuelas? Edu: Una mejor selección de maestros; que se enfoquen a la realidad y revisar el temario... hay varias cosas que ya “están saltando” [refiriéndose a temas desactualizados]. Cynthia: En otro tema ¿Qué lugar ocupan las redes sociales en tu trabajo? Actualizar tus sitios personales ¿no te quitan mucho

tiempo? [FACEBOOK: Eduardo Escobar Beckwith / TWITTER: el_escobas]. Edu: Mucho casi todo el día, es una adicción, pero me gusta. Si sabes utilizarlo, es una gran herramienta. Cynthia: ¿Algo más que les quieras decir a los alumnos de la Licenciatura en Diseño Gráfico de la Universidad de Guanajuato? Edu: Lo que siempre les digo: “Amen esta carrera como lo más celoso de su creatividad, quieran por sobre todas las cosas y trabajen mucho, mucho y sólo así llegarán a donde quieran estar…” Cynthia: …Me quede pensando en eso y tienes toda la razón, diseñar es un acto de amor. Mucho éxito Eduardo, continuaremos siguiendo tu carrera… Edu: Mil gracias de verdad y ojala les sirva. Un gran saludo hasta allá. FIN. NOTA: Además de los siguientes sitios, recomendamos el “” de la revista ENEO, con entrevista a Eduardo Escobar Beckwith: nocast 21 / Eduardo Escobar AKA Escobas http://eneo.com.mx/blog/?p=348 http://www.escobas.com.mx http://elescobas.blogspot.com/ http://www.myspace.com/escobas http://www.corazondiseno.com http://www.plasticpop.com.mx http://www.youtube.com/watch?v=KpC5ok72880 http://twitter.com/el_escobas

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Los blog en la Web como difusion de la obra digital: caso Arte=Jorge Autores: M.A.V. Jorge Vázquez Sánchez

n el año 2002, realizamos un proyecto y exposición con el nombre: Sentido Visual Digital en la Mixteca Oaxaqueña, diferente a lo que el público estaba acostumbrado a ver en este tipo de exposiciones de obra digital con medios tecnológicos, en esta región carente de nuevas propuestas artísticas digitales experimentamos y nos abrió la entrada el Museo Regional de Huajuapan. MUREH1 en Oaxaca. Recibimos críticas pero no fue suficiente para hacernos desistir a nuestro propósito. Continuamos explorando y experimentando nuevas posibilidades en el arte digital, así se dio inicio a la difusión de la obra digital como un puente entre el arte y la tecnología. Estuvimos presentes en encuentros digitales en La Habana, Cuba. San Salvador, Venezuela, Italia y en otros lugares donde nos invitaron para difundir el arte digital oaxaqueño contemporáneo. Llegamos por primera vez al Salón y Coloquio Internacional de Arte en el 2004 con el proyecto “La mística Oaxaqueña a través de la gráfica digital: Pérdidas y encuentros culturales”2, donde propongo como objetivo general la recreación iconográfica basada en los elementos tradicionales de Oaxaca, a través de una estética contemporánea. Como productor visual considero la forma académica de experimentación con nuevos materiales tecnológicos,

una vía que me ha encaminado a la creación de la obra digital en un nuevo enfoque usando la computadora como herramienta de expresión y de trabajo. Regresamos al encuentro, el siguiente año al Salón y Coloquio en la Habana, Cuba en 2005, para nuestra satisfacción ya no como ponentes, sino como expositores, nuestra obra basada en la temática antes mencionada, estuvo expuesta en el salón digital. Conocimos a la Fundación CLIC3. Institución con capacidad de autogestión, consolidada como un referente de calidad en Centroamérica sobre el binomio cultura y tecnología de forma pionera e innovadora, en aplicar las ventajas de las Tecnologías de Información y Comunicación (TIC) a favor del desarrollo artístico y cultural de El Salvador y de los otros países del área Centroamericana. En noviembre del 2005 CLIC emite una invitación de arte digital nacional e internacional en donde participamos con la obra digital “Dedos”. Misma que se imprime en el catálogo del evento, logrando reunir más de 250 obras participantes entre nacionales e internacionales, audiovisuales e impresas. La tercera convocatoria se transformó en el “Festival Internacional de Arte Digital” FIAD2006. Un nuevo formato que integró un

importante y variado programa de actividades referentes al arte digital, entre ellas, talleres sobre fotografía líquida, vídeo creación y arte electrónico, técnicas de impresión y presentación en grandes formatos, pasando por conferencias sobre la creación de software libre que ofrece el mundo virtual, mandamos nuestra propuesta quedando en el primer lugar en la categoría Impresa Internacional con la obra “Lobito”. Este hecho nos abrió una importante brecha en Centroamérica. Con San Salvador. Continuamos trabajando en la línea y fue así como a través de la Internet conocimos a Fernando Asian del Salón de Arte Digital4, quien organiza encuentros, foros, conferencias y presentaciones sobre temáticas que relacionan arte y ciencia, y en respaldo a iniciativas que contribuyan al mejor desarrollo y entendimiento entre comunidades y culturas en Venezuela; y así fue como llegamos a una colaboración mutua estrechando nuestra amistad a través de la red. Las distancias entre los dos países es mucha, lo cual no fue un impedimento para la colaboración y el trabajo, es por lo que a través de la tecnología de Internet empezamos a desarrollar el blog que lleva el nombre Arte = Jorge. Este proyecto nace en septiembre de 2007, por iniciativa del amigo Germán y la Fundación

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CLIC, para una exposición de Arte Digital en el año de 2007, en la Fábri-k5 que es un colectivo asociado de artistas y espacio de desarrollo cultural auto-gestionado nutrido al diálogo e intercambio de experiencias e ideas, vinculándonos en proyectos de beneficio mutuo y para la comunidad, así como tener un espacio amplio para nuestra creación artística. Al principio el blog carecía de una composición acorde a las necesidades del proyecto, sólo se componía de fotos de mi trabajo personal como artista digital, no poseía estructura lógica, no sabía cómo darle forma o presentación para un formato en la Web, así que me propuse la meta de estudiar un poco sobre ello, remitiéndome al lenguaje html, datos técnicos sobre la red a través de los blog de ayuda, los cuales son un brillo de luz para la comunidad de los servidores en la cultura del nuevo milenio, para aquellos que no somos expertos y deseamos conocer y aprender más sobre el tema. Pero como en todo, siempre hay críticas en los espacios virtuales, a veces buena y a veces mala, y

esto fue el resultado de dos años de trabajo. Dentro de este mismo proceso se empezó a trabajar con el informe analítico que proporciona una medida de la extensión de los problemas encontrados, y la naturaleza de los mismos, cada problema o buena práctica descriptiva en el informe tiene asociado un pequeño texto explicativo de la importancia de cumplir con este punto. También se diseñó la imagen principal del blog Arte = Jorge, lo que entre otras cosas incluyó la consideración particular a cerca de los colores que son la fuerza fundamental para el diseño del blog. Se ha tenido el cuidado de revisar continuamente la información que arrojan las estadísticas del blog, ello para escribir y documentar cada una de las entradas de cada fase, lo que ha sido una tarea titánica, especialmente cuando se hizo mensualmente con las salidas y convocatorias que nos mandan durante el periodo. Este esfuerzo tan grande valió la pena ya que este espacio alternativo ha llegado a mostrar por la vía de la red mundial los proyectos que

he realizado. Actualmente, combino mis actividades académicas de difusión y eventos culturales e invitaciones que me hacen llegar los amigos y espacios culturales del país y del extranjero, apoyándome en este medio de difusión Puedo decir con gusto que, gracias a los amigos de la red “Google”, es que éste espacio cultural de arte digital, se ha hecho una realidad y quizá más adelante este proyecto se convierta en espacio para más artistas digitales; hemos logrado que quienes nos visitan desde otros países, regresen, y también se hayan agregado nuevos visitantes a nuestro espacio virtual Arte=Jorge. Por último quiero hacer la mención particular de algunos de los países desde los cuales hemos recibido visitas vía la Internet a nuestro sitio, estos son: España, Inglaterra, Ecuador, San Salvador, Guatemala, Costa Rica, República Dominicana, Venezuela, Chile, Bolivia, Perú, Colombia, Argentina, Estados Unidos, Italia, Alemania, Turkia, Taiwán, Brasil, Francia, Marruecos, México, entre otros ¡y vamos por más!

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Ergonomía y comunicación Autores: M.D.O. Ma. de la Concepción Cueva Tazzer

RESUMEN En este artículo se menciona la importancia de la comunicación y la manera en que impacta a las organizaciones si ésta es incorrecta. Se revisan las cuatro combinaciones que existen en un ambiente laboral entre transmisores y receptores y en qué consiste cada una de ellas. Asimismo se analizan los principios de diseño que debe tener la información visual, así como las reglas de la información verbal, ya sea escrita u oral. INTRODUCCIÓN Tanto en la ergonomía como en el Diseño Interior, la comunicación es un tema de gran trascendencia, ya que en cualquier ambiente laboral, de esparcimiento, cultural, de descanso, la gente necesita comunicarse de manera verbal, oral o corporal. Es de todos sabido que la comunicación es la transmisión de información entre individuos y por ende desempeña ese papel tan importante en la vida y el trabajo cotidiano. Dado que la información es primordial en el ambiente laboral, debería ser obvio que la forma de transmitir esta información resulte crucial, tanto como el mensaje mismo. Estaríamos perdidos como

individuos si no contáramos con la información constante, precisa y moderna acerca del estado del mundo. Las organizaciones conocen el valor de la misma y paradójicamente es uno de los problemas más severos que existen al interior de las mismas. Cualquier sistema de comunicación es constituido por un transmisor que comunica información a través de algún medio a un receptor que interpreta la información como lo intentó el receptor. Así pues en un mundo globalizado y en donde las personas hablan y trabajan en distintos idiomas, se experimentan algunas dificultades cuando el transmisor o el receptor no es capaz de transferir o traducir de modo correcto la idea que se desea enviar o recibir, por lo tanto no se pueden entender correctamente, incluso usando el lenguaje a señas, lo más probable es que ocurra falta de comprensión, mala interpretación y problemas de comunicación severos para la institución.

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LA ERGONOMÍA Y LA COMUNICACIÓN Ergonómicamente hablando, es necesario entonces diseñar sistemas que amplíen la oportunidad para que los mensajes enviados se entiendan de manera correcta. Como es posible que tanto el hombre como la máquina se desempeñen como transmisores y receptores, se establecen cuatro combinaciones:

rrimiento, la capacidad de entendimiento en ocasiones limitada para procesar información, el nivel de extensión y de detalle, la memoria, la capacidad visual, entre muchas otras. Dichas variables obviamente provocan malos entendidos en el mejor de los casos.

Una máquina que comunica a un hombre.

Analicemos, los mensajes que se transmiten de hombre a hombre incluye los estímulos verbales -esto es- la palabra escrita y los signos; los estímulos orales como son la palabra hablada y variaciones de voz; y los estímulos físicos conocidos como los gestuales y movimientos.

Un hombre que comunica a una máquina.

Comunicación Hombre

d) Una máquina que comunica a otra máquina.

La información escrita tiene que ver con aspectos tipográficos, resulta obvio recalcar que se recomienda evitar tipos de letra que no puedan ser leídos, complejos, de fantasía o demasiado pequeños que dificulten su legibilidad, así como copias borrosas, cuidar la calidad de impresión, los aspectos que tienen que ver con el diseño editorial como el tipo de papel, los reflejos, el fondo, el color, entre otras situaciones que eviten o lastiman la legibilidad y la pregnancia del mensaje. Asimismo se busca llamar la atención del lector mediante los encabezados, seccionar la prosa, utilizar indicadores o claves como palabras, frases, subrayados, cursivas o negritas.

Un hombre que comunica a otro hombre.

Para poder tener una comunicación efectiva, los diseñadores y todas las personas que intervienen en una relación de trabajo, deben tener en cuenta el mensaje que se quiere transmitir y el significado que desean se capte. Pero no basta con considerarlo, sino cuidar que se interprete correctamente y entender que existen variables dependientes e independientes como son las diferencias personales, el nivel de confianza y de comprensión, la receptividad, las concepciones previas personales, la predisposición a juicios, el interés, la atención, el abu-

Hombre

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En medios digitalizados también se requiere cuidar la tipografía y el fondo para distinguir la información, conocer los niveles de luminosidad del contexto para que se haga un alto contraste y evitar los reflejos, así como el dar un mantenimiento constante a los paneles digitales. Gráficamente se tienen diversas alternativas de presentar la información o la instrucción, especialmente cuando se lanza un producto con fines de mercadotecnia, en espacios publicitarios, aparadores, elementos de diseño que comuniquen información, o bien, en algún producto para indicar advertencias de uso o recomendaciones. En los espacios públicos es muy común el uso de la señalética, instrumento muy utilizado para informar sobre la ubicación de ciertas áreas de trabajo, información de interés común o para localizar un espacio, entre otras muchas situaciones. Independientemente de que tipo de información se colocará en el espacio,

es indispensable considerar aspectos antropométricos relacionados con la visibilidad, se tendrá que hacer un mapeo de visión1 para colocarla en sitios estratégicos, sin estorbos, ni demasiado altos evitando así una mala visión; de igual manera se deberá considerar el material donde se colocará la información para impedir reflejos incómodos y soslayar problemas de visualización. Del mismo modo se ha demostrado que los dibujos esquemáticos son mucho más eficaces cuando se quiere probar la memoria del sujeto acerca de ciertas estructuras, sin embargo, respecto a la comprensión del funcionamiento, la presentación oral es mucho más eficaz. Esto significa que la información simple se presenta mejor de manera visual, pero cuando se va a integrar una acción, es mejor presentarla de modo oral con los diferentes énfasis que pueda tener la voz.

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Los planos de un proyecto, esquemas y horarios guían las acciones que envuelven el diseño y desarrollo de un proyecto, definiendo los roles y responsabilidades de cada uno. Considérese pues que con cada uno de estos medios de comunicación, se busca llegar a distintos tipos de auditorio, pues proporcionan diferente información en niveles diversos y obviamente cada uno tiene sus propios problemas de presentación, considerando que algunos puntos generales son aplicables a todos, sin embargo, los que son apropiados para una situación pueden no serlo para otra. Cuando la información es estática o sea, cuando únicamente se informa al usuario, por ejemplo, acerca de la loalización de los controles de una máquina, será mejor presentarla en una serie de dibujos; por otro lado, con la información dinámica es necesario advertir al usuario acerca de cuál control debe oprimirse para hacer funcionar la máquina con dibujos y palabras. El problema que enfrenta el diseñador ante cualquier información técnica, es decidir la forma más apropiada de presentar la misma o las instrucciones al auditorio esperado. Su primera decisión será escoger por medio de cuál de estos sentidos, el visual o auditivo presentará su información tomando en cuenta las restricciones del ambiente, esto es, el ruido. Actualmente se hace uso de varios medios visuales y auditivos, y según la información que se quiera mostrar se decidirá el medio. Lo que es vital para los diseñadores -que mostrarán información visuales tener presentes los principios del diseño de símbolos, tales como conservar un límite bien definido, que sean simples y estables en su forma, cierre de figura, y guardar cierta simetría. Cuando la instrucción lleva acciones, es importante cuidar la secuencia de las mismas, como si fuese una estructura gramatical.

El mapa del tesoro de Meter Morville En relación a la presentación de la información escrita, es fundamental evitar la ambigüedad, la información incompleta, y la redacción verborreica de tal manera que no nos conduzca a cometer errores. Para ello se recomienda usar las reglas de comunicación de Wright y Barnard, como son: el uso de oraciones cortas, de oraciones afirmativas y activas, el uso de palabras conocidas, la organización de secuencias temporales y la legibilidad, estas reglas resultan una guía útil para transmitir informa-

ción. Asimismo se recomienda conocer el nivel de educación del lector, conocer el propósito de lo que se quiere decir, y seleccionar con cuidado las palabras, su uso y construcción de oraciones. La comunicación hombre - máquina es cuando le damos alguna instrucción al teléfono, a la computadora, al auto, en fin, a una serie de aparatos que se usan diariamente. La información que se almacene en la memoria de dichos aparatos, deberán seguir las mismas reglas de la comunicación escrita, pero haciéndolas oralmente, de manera pausada y estructurar claramente las frases, para que cualquier persona que lo use entienda perfectamente el mensaje ideado.

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Cuando la máquina comunica al hombre, es para darle instrucciones precisas de que hacer, como y cuando. Por ejemplo las grabaciones en los teléfonos, que van diciendo paso a paso la instrucción a seguir. Visualmente el auto también comunica el estado del mismo, la velocidad que lleva, el nivel de gasolina, de temperatura, de aceite… en fin, hay infinidad de objetos que nos comunican algo, algunos con alta efectividad y en su mayoría con poca o nula efectividad, es el caso de los sitios electrónicos, algunos están tan cargados de información que realmente cuesta trabajo encontrar lo que se busca. Para el diseño de estos sitios existen personas que se especializan en ello y ya tienen parámetros muy estudiados de cómo la gente se despliega visualmente en ellas para conseguir la información buscada. Borradores de páginas y pantallas pueden enfocar en la estructura, organización, navegación e interactividad antes de que se invierta tiempo en el esquema de colores, tipografía e imágenes. En el caso de comunicación máquina – máquina, es el resultado de la interfase de los sistemas computacionales, cuando se le da la instrucción a la computadora para escanear una imagen, entran en acción dos máquinas que el hombre provocó que interactuaran entre si, pero que se comunican y se obtiene un resultado. Otro ejemplo notable son los satélites que están diseñados para captar información, procesarla, y transmitirla sin manipuleo del hombre hasta ese momento, al enviarla llega a otra máquina que es la que opera el hombre para recibir y entender la información. CONCLUSIÓN En este escrito se presenta una breve semblanza de la comunicación y de los sistemas de la misma, resulta difícil abordar esta temática en un ambiente donde existe tanto especialista en el ramo, -y siendo así- entonces cabe la pregunta, ¿Por qué es el talón de Aquiles en la mayoría de las organizaciones? Es una situación muy común que sucede a cada momento y en cualquier ámbito; de manera personal reflexiono si será por nuestra condición como mexicanos, por nuestra cultura, por el ahí se va, simplemente se dejan las cosas a medias sin concretarlas,

dejando a la imaginación lo demás. Esta situación crea problemas muy severos, confusiones, malos entendidos, reacciones adversas dañinas entre las personas involucradas, incluso accidentes por no hacer énfasis en ciertos escenarios. Lo que es una realidad es que los diseñadores tanto gráficos como interioristas no se pueden permitir errores de ninguna índole en el tema de comunicación, en realidad aún suceden, pero tenemos que hacer hincapié en que es fundamental para el bienestar de las organizaciones, en el buen funcionamiento de los espacios, en la relación entre personas para mantener una sociedad estable, en el mantenimiento y equilibrio de los valores, en el consumo para la economía de una país, en el funcionamiento de equipo y material de uso, en fin, sería imposible mencionar cada una de las situaciones en las que interviene la comunicación.

Bibliografía FLORES, Cecilia.: Ergonomía y Diseño. Ed. Designio. México. 2000 OBORNE, David J.: Ergonomía en Acción. Ed, Trillas. México. 1996 PRADO, León Lilia R. AVILA, Chaurand Rosalío.: Factores ergonómicos en el diseño, Percepción visual. Editorial Universitaria. Universidad de Guadalajara. 2003 1 El Mapeo de Visión es el trazo virtual o físico de líneas partiendo del punto visual del observador hacia el plano de información y se hace con la intensión de asegurar una visibilidad clara y libre de estorbos.

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Espacios Efímeros: Escenografía Autores: Dra. María Isabel de Jesus Tellez García

Un espacio efímero es aquel que se proyecta para que su tiempo de duración sea relativamente corto, sin embargo, este concepto involucra características importantes que contribuyen a su definición y valoración como tal, entre ellas podemos mencionar el concepto del suceso que se evidencia en el espacio, este por naturaleza siempre va a ser un acontecimiento irrepetible en las diferentes oportunidades en que se presente, debido a una gran cantidad de factores que influyen sobre él, que pueden ir desde agentes ambientales, lugar de representación, tipo de público, actores, cantantes o presentadores, según sea el caso. A este tipo de espacios pertenecen el diseño de exposiciones, de stand, la museografía, el diseño de escaparates y por supuesto la escenografía, entre otros.

La efectividad del montaje de una exposición depende, primeramente, del modo en que esté estructurada; un espectáculo mal organizado, además de otras características, puede restar claridad. En este contexto, se puede establecer una analogía entre la realización de una exposición y el argumento.

La escenografía como espacio efímero, centra su contenido en estructurar los mecanismos intelectuales y prácticos, en un proce-

so de representación que permita resolver los distintos problemas técnicos, visuales y dramáticos. Mediante una metodología rigurosa pero suficientemente flexible que capacita para entrelazar las ideas del autor, director de escena y escenógrafo, dando soluciones que permitan en sí mismas crear un espacio escénico sugerente, creativo y funcional. Puesta en Escena. Ópera Dido y Eneas. H. Purcell. Toda puesta en escena, por pequeña que sea, necesita una planificación, un plan de producción y gestión.2 Un equipo de trabajo necesario en toda producción teatral dependiendo de las características del evento podría estar constituido según Echarri y San Miguel por los siguientes conjuntos: EQUIPOS DE TRABAJO NECESARIOS EN UNA PRODUCCIÓN TEATRAL. Equipo Artístico. Dirección Artística. Escenografía. Vestuario. Iluminación. Sonido. Coreografía. Música. Bailarines. Cantantes. Músicos. Actores. Equipo Técnico: Talleres de realización. Vestuario.

Decorados.

Utilería.

Sombrerería. Peluquería. Estudios de grabación. Zapatería. Armería,… Equipo Técnico: Montaje y asistencia a escena. Regiduría. Sastrería. Iluminación. Sonido. Maquinaria. Utilería. Peluquería. Maquillaje. Equipo Administrativo. Producción. Gestión. Taquillas. Sala. Prensa. Marketing. Contabilidad. Por otro lado, el diseño escenográfico es una especialidad que involucra gran diversidad de conocimientos: Si pensamos en el diseño de los elementos escenográficos que aparecerán en escena, serán necesarios comprensiones teórico-prácticos tanto de elementos bidimensionales como tridimensionales, corpóreos y virtuales que pueden conformar el espacio escénico, empleando al servicio del ejercicio teatral los valores plásticos, estéticos y de comunicación. Si nos referimos a su ambientación será necesario tener instrucción acerca de la iluminación escénica, equipos, aplicación y tecnología especializada empleada en teatros y espacios abiertos. Así como el comportamiento del color a partir de la aplicación de gelatinas en la escena.

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Puesta en Escena. Ópera Dido y Eneas. H. Purcell. Sin la luz no hay lugar para recorrer, no hay espacio. La luz inaugura ese espacio particular de contemplación que es el teatro. Este toma cuerpo con las metamorfosis de la luz, trasmutaciones de escenas y cuadros que tejen y destejen sus presencias ante una mirada que va aprendiendo a acompasarse con la luz.

No podemos olvidar las consideraciones necesarias en relación a la acústica para realizar una propuesta escénica con materiales y disposición de elementos que favorezcan la sonoridad. Otro aspecto de importancia en el diseño escenográfico lo constituye el aspecto del vestuario y el atrezzo, cuyo desarrollo deberá soportarse en una investigación exhaustiva de la época que se desea reflejar, posteriormente llevar a cabo un proceso de bocetaje, elección de color y materiales para la elaboración del patronaje y construcción final. El figurinista es un artista… al servicio del director artístico de una producción. Su cometido es entender la propuesta del montaje planteada por el director, aportar sus ideas y plasmarlas en sus diseños.4

La escenografía es una especialidad apasionante que tendrá requerimientos de gran diversidad dependiendo de sus particularidades y necesidades específicas, se trate de escenografía teatral, televisiva, operística, cinematográfica o virtual. Propuesta para el personaje “Colombina”. Ópera I pagliacci. R. Leoncavallo. Isabel Téllez. 2005.

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BIBLIOGRAFÍA BATISTE, Jaume: La escenografía. Barcelona: Ed. La Galera, 1991.BONT, Dan: Escenotécnicas en teatro, cine y televisión. Barcelona: Ed. LEDA, 1981.DERNIE, David: Espacios de Exposición. Barcelona: Blume, 2006. ECHARRI, Marisa-SAN MIGUEL, Eva: Vestuario. Madrid: Ed. Pequeña Editora, 1999. GÓMEZ, José Antonio: Historia Visual del Escenario. España: Ed. La Avispa, 2004. MILLERSON, Gerald: Escenografía básica. Instituto Oficial de Radio y Televisión. Ente Público RTVE, Madrid 1987 MORENO, Juan Carlos: Iluminación. Madrid: Ed. Pequeña Editora, 1999. MOREY, Miguel-PARDO, Carmen: Robert Wilson. Barcelona: Ediciones Polígrafa. Colección 20-21, 2003. PAVIS, Patrice: Diccionario del Teatro. Barcelona: Paidós, 1984. PAYÁ, Miguel: Aislamiento Térmico y Acústico. España: Ed. Ceac, 1995. WAGNER, Fernando: Teoría y técnica teatral. Barcelona: Ed. Labor, 1974. WHITING, Frank: Introducción al teatro. México: Ed. Diana, 1972. 1 DERNIE, David: Espacios de Exposición. Barcelona: Blume, 2006, p. 20. 2 ECHARRI, Marisa- SAN MIGUEL, Eva: Cuadernos de Técnicas Escénicas. Vestuario Teatral. Ciudad Real: ÑAQUE Editora, 2000, p11. 3 MOREY, Miguel-PARDO, Carmen: Robert Wilson. Barcelona: Ediciones Polígrafa. Colección 20-21, 2003, p. II 47.4 ECHARRI, Marisa- SAN MIGUEL, Eva: Cuadernos de… Op.cit., p. 13

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Portafolio - Miguel Santana González Autores: M.C.D. Cynthia Villagómez Oviedo

Estudiante en la Lic. De Diseño Gráfico en la División de Arquitectura, Arte y Diseño de la Universidad de Guanajuato, Campus, Gto. A Vísperas de ser egresado de la misma carrera. He realizado trabajos tanto para empresas del sector privado como Público. Dentro de las colaboraciones más importantes están la imagen del Bar AX-S en la ciudad de Guanajuato en cuanto a publicidad se refiere; el apoyo en la campaña del Presidente Municipal electo Pablo González Cansino en el municipio de Dolores Hidalgo, Gto. En la realización de la imagen de la etapa final de la campaña así como en la creación del logotipo de la Administración 2009-2012 del mismo municipio; y actualmente la imagen corporativa para RABSA Plastics S.A. de C. V. En la ciudad de Aguascalientes, Ags.

Actualmente y desde hace ya un poco mas de un año he estado trabajando para la Secretaría de la Gestión Pública en la Dirección de Contraloría Social y Vinculación Ciudadana realizando toda la papelería e la misma, así como la realización de la imagen para eventos afines a esta dependencia.

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Portafolio - Cuauhtémoc Velázquez Autores: M.C.D. Cynthia Villagómez Oviedo

“Cuauhtémoc Velázquez finalizó estudios de arquitectura para dedicarse a la producción artística y a la docencia. Ha participado en múltiples exposiciones individuales y colectivas, tanto nacionales como internacionales. Obtuvo el reconocimiento Premio Nacional de Acuarela de Paisaje, así como varias menciones honoríficas y de crítica por el Museo Nacional de la Acuarela. Fue seleccionado, entre otros, para representar a México en la Segunda Bienal Internacional de Acuarela y ha sido becado por el Instituto Estatal de Cultura del Estado de Guanajuato. Obtuvo mención honorífica en la Segunda Bienal Estatal Olga Costa. Actualmente su obra se exhibe como parte de la colección permanente del Museo Nacional de la Acuarela.” http:// www.festivalcervantino.gob.mx/ fic09/node/707 Cuauhtémoc Velázquez: paisajes desde el interior Por Omar Gasca Mientras muchos piensan que la pintura está agotada, sin camino, sin nada insólito que ofrecer, a buena distancia de la pintura holandesa del siglo XVII, lejos de Elsheimer, Friedrich, Von Guerard, Pieter Brueghel el Viejo y otros, inclusive Velasco, nuestro más cercano, Cuauhtémoc Velázquez se nos presenta no sólo como pintor sino como paisajista, continuando peculiarmente la tradi-

ción occidental que hizo que el paisaje dejara de servir de fondo para cuadros de otro género y se convirtiera en un género autónomo, sí, en efecto, con escenas de la naturaleza tales como montañas, valles, lagos, ríos, árboles, bosques y siempre una porción de cielo. La naturaleza salvaje, a veces amenazadora, y la naturaleza dominada, domada, colonizada por el hombre: el valle con una casa, el campo cultivado. Con Cuauhtémoc Velázquez lo que sigue es el hombre y sus “paisajes desde el interior”, es decir, esa otra naturaleza, la psíquica, en la que montañas, valles, lagos, ríos, árboles, bosques y siempre una porción de cielo son más una vivencia, un eco, un símbolo y una evocación. La autonomía del género crece así, porque el paisaje no retrata ni relata, no pretende otra literalidad que aquélla que expresa un proceso creativo, evocador, impregnado de gesto, de acción, y que elude lo grandioso, abundante y salvaje del naturalismo así como esa categoría estética de lo típicamente sublime en el paisaje que consiste en proponer o pretender la belleza extrema con tal de conducir al espectador a una suerte de éxtasis, lo que hoy por hoy suele, más que arrebatar, más que encantar –por la reiteración, por los efectos del desgaste semántico del “más de lo mismo”–interpretarse como acciones fallidas que gravitan en lo cursi y en lo ridícu-

lo: el paisaje clásico, el paisaje ideal que, de otra parte, a modo de un optimismo gratuito o por lo menos ingenuo da la espalda en estos días a la inminencia del holocausto ecológico que se avecina gracias a los impactos que la prepotencia, el abuso, la ignorancia y la estupidez han producido en el ambiente. En el interior de Cuauhtémoc Velázquez se despliega el producto de la mirada y allí, entre experiencia, cultura, imaginación, sensibilidad e ideas crece el concepto, esa construcción o imagen mental a través de la cual este artista comprende y reinterpreta las experiencias que emergen de la interacción con su entorno, con el paisaje, aunque éste en realidad es un pretexto tan bueno como cualquier otro para hacer que la pintura sea la verdadera protagonista y esté al servicio de sí misma, del color, la textura, la forma, es decir, al servicio del pintor, de su capacidad expresiva, de sus nociones y sensaciones. Porque estas pinturas son fundamentalmente abstractas y por más que se adscriban a un tema son pintura, a secas, abstracción lírica. Y en ese sentido es que son paisajes desde el interior, porque constituyen una especie de topografía que tiene por objeto la representación visual de las ideas, sensaciones y pasiones que habitan en el autor, representación que es imposiblemente literal y que se contagia, además, de las

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habilidades, del talento formal y conceptual de un pintor que hace uso de las prerrogativas que da el oficio al tiempo que aprovecha o, más bien, deja fluir, su carácter. A la mirada le hacen poca falta las coartadas y los pretextos cuando se halla frente a pinturas como éstas, que no requieren andamios argumentales porque reflejan con claridad sus propiedades, sus valores. Si se trata de paisajes y si son interiores o si se trata de otra cosa es lo de menos. Cuando la obra es honesta y consistente como en este caso, siempre hay en ella un conjunto de signos que traducen la intimidad, el interior del autor, del mismo modo que acusan su visión de mundo, una idea del arte, la propia imagen del ser artista y la potencia de sus alcances. Cuauhtémoc Velázquez: paisajes desde el interior Con Cuauhtémoc Velázquez nos hallamos frente al hombre y sus “paisajes desde el interior”, es decir, esa otra naturaleza, la psíquica, en la que montañas, valles, lagos, ríos, árboles, bosques y siempre una porción de cielo son más una vivencia, un eco, un símbolo y una evocación. Sus paisajes no retratan ni relatan; el pintor no pretende otra literalidad que aquélla que expresa un proceso creativo, evocador, impregnado de gesto, de acción, y que elude lo grandioso, abundante y salvaje del naturalismo así como esa categoría estética de lo típicamente sublime en el paisaje que consiste en proponer o pretender la belleza extrema con tal de conducir al espectador a una suerte de éxtasis.

En el interior de Cuauhtémoc Velázquez se despliega el producto de la mirada y allí, entre experiencia, cultura, imaginación, sensibilidad e ideas crece el concepto, esa construcción o imagen mental a través de la cual este artista comprende y reinterpreta las experiencias que emergen de la interacción con su entorno, con el paisaje, aunque éste en realidad es un pretexto tan bueno como cualquier otro para hacer que la pintura sea la verdadera protagonista y esté al servicio de sí misma, del color, la textura, la forma, es decir, al servicio del pintor, de su capacidad expresiva, de sus nociones y sensaciones. Son paisajes desde el interior porque constituyen una especie de topografía que tiene por objeto la representación visual de las ideas, sensaciones y pasiones que habitan en el autor, representación que es imposiblemente literal y que se contagia, además, de las habilidades, del talento formal y conceptual de un pintor que hace uso de las prerrogativas que da el oficio al tiempo que aprovecha o, más bien, deja fluir, su carácter. Si se trata de paisajes y si son interiores o si se trata de otra cosa es lo de menos. Cuando la obra es honesta y consistente como en este caso, siempre hay en ella un conjunto de signos que traducen la intimidad, el interior del autor, del mismo modo que acusan su visión de mundo, una idea del arte, la propia imagen del ser artista y la potencia de sus alcances.

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Portafolio - Barbara Gamiño Alvarado

Autores: M.C.D. Cynthia Villagómez Oviedo

ESTUDIOS: LICENCIATURA UNIV. DE GUANAJUATO ESC. DE ARTES PLÁSTICAS Licenciatura En Artes Plásticas- GrabadorUNIV. DE GUANAJUATO UPROSEVI . Diplomado en la Producción de Video

1999 Fotografía Cartel Danza Contemporánea Génesis de

2006 Exposición Fotográfica “Dialogo con la Naturaleza”

Marta Azuela.

Hotel Real de Minas. Guanajuato, Gto.

1999-2000 Exposición Fotográfica itinerante en el Estado de Guanajuato “Poemas Naturales”, dentro del programa

POSGRADO EN UNIV. AUTÓNOMA DE BARCELONA ESCOLA DE DOCTORAT Y Diplomatura en el Postgrado en Fotoperiodismo FORMACIO CONTINUA. 2001

Espiral del Arte. Museo del Pueblo de Guanajuato.

FACULTAD DE CIENCIAS DE LA COMUNICACIÓN

Enero-Feb. ’99 Mpio. San Felipe. Museo Casa Hidalgo

UNIV. DE GUANAJUATO INSTITUTO DE INVESTIGACIONES EN EDUCACIÓN. -Maestría en Investigación Educativa IIEDUG

Marzo-Abril Mpio. Casa de la Cultura

{gallery}portafolio/barbaragamino{/gallery} EXPOSICIONES DE ARTES PLASTICAS INDIVIDUALES Exposición Fotográfica “Bárbara Gamiño y su obra”. Sala de exposiciones del Centro de Estudios Universitarios CEU A.C. León, Gto. Exposición Fotográfica Sala de Exposiciones del Desarrollo Educacional de Guanajuato, A.C. Guanajuato

Municipios:

Salvatierra.

X Simposio Nacional de Educación. 2006 Fotografía Cianotipia en tela. “Conmemoración al X aniversario vinculo UTD en Texas y Univ. De Guanajuato. Salón Universidad de Texas en Dallas en Guanajuato. Titulo obra fotográfica “Texas….. blue air” Exposición Fotográfica en Cianotipia en tela

Mayo-Junio Mpio. Tarandacuao. Casa de la Cultura

“Las Miradas, el silencio, y los suspiros “

Junio- Julio Mpio. Penjamo. Casa de la Cultura

Museo del Pueblo de Guanajuato, Gto.

Enero-Feb. ’00 Mpio. Cueramaro. Museo Local

2008 Exposición de Cianotipias en UCEA.

Abril-Mayo Mpio. Abasolo. Museo Local

2008 Exhibición 3 obras Rectoría de Campus Guanajuato

Exposición Fotográfica “Remembranzas tácitas de unos

EXPOSICIONES DE ARTES PLASTICAS COLECTIVAS

Recuerdos” Galería El Campanero

1991 Exposición de Escultura y Grabado C. de Cultura León, Gto.

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1992 Exposición de Escultura y Grabado. C. de Cultura León, Gto. Exposición Fotográfica de Arquitectura, Jardines, y Museo ExHda. San Gabriel. Foyer Teatro Juárez Guanajuato 1993 Exp. Fotografía y Escultura. Fac. Arquitectura Guanajuato 1993 Exp. Dibujo. Sala del Atrio. U de Gto. Guanajuato 1994 Exp. Fotográfica. Galería la Paloma Guanajuato Exp. De Litografía. VII Coloquio Cervantino Internac. Guanajuato Exp. De Fotografía Quehacer Universitario. Teatro Manuel Doblado. León, Gto. 1994 Exposición-Subasta de Arte. Sala Hermenegildo B. Guanajuato 1994 Exp. 1er. Concurso Estatal de Fotografía. 1 Obra Seleccionada. Teatro Manuel Doblado. León, Gto. 1994 Exposición Fotográfica. Sala El Atrio Guanajuato 1994 Exposición de Serigrafía. Sala El Atrio Guanajuato 1994 Bazar-Subasta de Arte “Sociedad Protectora de Animales A.C.” Jard. ExHda. San

Gabriel Guanajuato 1995 Exposición de Serigrafía. Casa de la Cultura Moroleón 1995 Exp. De Dibujo. 4to. Festival Universitario. El Atrio Guanajuato

1995 Exp. Fotografía “Imágenes Presidencia Municipal Moroleón 1995 Exposición de Fotografía. Sala el Atrio Guanajuato Exp. Fotográfica “ Siete Expresiones en TranformaCion” Galería el Cascabel. Guanajuato 1995 Exp. Fotográfica “Re-

trata Explora” Explora Leon, Gto. 1996 Exp. De Xilografía y Suelografía. Sala El Atrio Guanajuato 1996 Exp. De Grabado en Metal. Sala el Atrio Guanajuato 1996 Exp. Acuarela en el Metro de Nuremberg Alemania 1997 Exp. Grabado y Escultura “Apken” Presidenc.Mpal. Moroleón 1997 Exp. De Grafica Femenina “Hilo de Ariadna” Jardines Hotel San Gabriel de Barrera Guanajuato 1997 Exp. De Grabado en Metal y Xilografía. S.el Atrio Guanajuato 1997 Exp. De Fotografía. Museo Icnográfico Guanajuato 1997 Obra Seleccionada. Premio Estatal de Fotografía León, Gto. 1998 Exp. Fotográfica “Arte Popular 98” Cortazar, Gto. 1998 Exposición “1er. Festival de la Mujer” Fotografía Centro de Convenciones León, Gto. 1998 . Primer Encuentro entre Amigos” fotografía Cuentos y Juegos (Desnudo) Museo Icnográfico Guanajuato 1999 Eros, tiempo y Espacio. Galería d’Eros”

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Guanajuato 1999 Exp. “Programa Amistad Ashland-Guanajuato” Oregon,USA 1999 Exp. “Programa Amistad” Sala Polivalente U.de Gto. Guanajuato 1999 Exp. Foto Mayo. Centro Cultural Mexicano McAllen,TX 1999 Galería Collage. Fotografía Silao, Gto. 1999 Muerte en Cartelera. Exposición

efímera Guanajuato 2000 Obra Plástica. Artistas Guanajuatenses Avance A.C. Biblioteca Municipal Benito Juárez Irapuato, Gto. 2000 Exp. De Fotografía y Pintura. Galería El Cascabel. Guanajuato 2000 Exp. Colectiva de Obras de Arte. Sala Polivalente Guanajuato 2000 Muerte en Cartelera. Exposición efímera. Guanajuato 2002 La Esquizofrenia en el Cuerpo Humano. 3er. Encuentro Entre amigos en arte, ciencia y letras.Galeria D’Eros Guanajuato 2003 Cambio de Estación. Galería Corazones Guanajuato 2003 Exp. Venta invierno. Galería Corazones Guanajuato 2005 Exposición Casa de Cultura San Felipe, Gto 2007 Obra Reciente de Maestros de la Escuela de Artes Plásticas. Sala Polivalente y H. Bustos Guanajuato 2007 1ras. Jornadas Académicas. IIEDUG Guanajuato

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Portafolio - Fernando Miguel Sevilla Pitalua Autores: M.C.D. Cynthia Villagómez Oviedo

Participación en talleres: Actualmente participa en el Taller de Diseño Editorial en el Departamento de Diseño de la Universidad de Guanajuato como alumno de intercambio. 2007 Taller de grabado impartido por el maestro cubano Humberto Marrero, Facultad de Artes Plásticas de la U.V. Xalapa, Ver. 2006 Taller de autorretrato, aguatinta y aguafuerte, impartido por José Luis Cuevas, U.V. Xalapa, Ver. Curso taller de dibujo, impartido por: Per Anderson de la Ceiba Gráfica, Coatepec, Ver. Taller de artes plásticas en la Universidad Juárez Autónoma de Tabasco, 1 semestre; Villahermosa Tabasco. Taller de pintura en la casa de arte José Gorostiza, 1 año, Villahermosa

Tabasco. Taller de artes plásticas en la Zona Ceiba, impartido por Tomás Mejía, 1 año, Villahermosa Tabasco. Exposiciones individuales: 2008 “10 grabados de Fernando Sevilla” Galería Barragán, Xalapa Veracruz, México. 2008 Exposiciones colectivas: 2008 “Bienal nacional de artes gráficas Shinzaburo Takeda”, Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, Oaxaca, México. 2007 “Enfoques” de los alumnos de la facultad de Artes Plásticas, Pinacoteca Diego Rivera, Xalapa, Ver. 2007 “Trabajos gráficos del día de muertos” de la Facultad A.P. Galería de A.P., Xalapa, Ver. 2005 “Concurso estatal de dibujo Vázquez Fontanelly”, Casa siempre viva, Villahermosa Tabasco.

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LA DESGARRADURA DE LA IMPRESIÓN Negativa dibujísticamente, hunde la línea, arrastra el trazo en raspaduras, sobre la superficie traza la desaparición del plano y a su manera rehace de profundidades y de iniquidades la ensoñación eufemística. Suple el vacío con la apariencia y le da formas multimiméticas, sensación de inestabilidad pero igual serena afirmación que retiene la detonación del impulso. En el sentido del sin sentido, en la oscuridad empastada de la tinta mordiente y el espacio luminoso en una sobrenatural alianza. Mundo vasto de sugestiones, de sentidos el que nos ofrece Fernando Miguel Se-

villa Pitalúa quien se muestra consciente que para lograrlo, es indispensable el manejo sustantivo de las herramientas, de las técnicas del grabado. Considero igualmente que el autor cuenta con la comprensión de que la aplicabilidad “adecuada” es a la vez relativa y limitada lo que obliga también al uso menos formal de los recursos, su apertura hacia otras condiciones de aplicabilidad, alternativas, campos de creación. Esta fase de su formación en la Facultad la encuentro llena de logros y prometedoras perspectivas, el tiempo y el autor sin duda nos podrían dar constancia de ello. Vinicio Reyes Xalapa, Ver. diciembre/08

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Portafolio - Tita Tintero Autores: M.C.D. Cynthia Villagómez Oviedo

CURRICULUM

Exposiciones:

Erika Ivette Hernández Ortega Lic. Diseño Gráfico Universidad de Guanajuato /2004 Fecha de nacimiento: Diciembre 1982 Experiencia Laboral: 2004-2005 Auxiliar en Departamento de Diseño de Coordinadora de Turismo del Estado de Guanajuato. (COTUR) 2005 Navarro Publicidad 2005 Syntagma Comunicación 2006-2009 Índice, estudio de diseño 2009 Entorno México

2008 100x100 / León, Guanajuato. / Galería Arte Lúdico / Colectiva 2009 La Hora del Té / Dolores Hidalgo, Gto. / Museo de la Independencia / individual 2009 La Hora del Té / León, Gto. / Galería Arte Lúdico / individual 2009 La Hora del Té / Guanajuato, Gto. / El Santo Café / individual 2009 Día de Muertos / Perth, Australia / Colectiva 2009 La Hora del Té / Romita, Gto. / individual

Cursos y diplomados:

www.el-tintero.com.mx

2003 Finalista a! Diseño en “fuente tipográfica” 2003 Taller de tipografía experimental (Universidad de Guanajuato) 2006 Comunicación Tipográfica Avanzada (Universidad Iberoamericana) 2009 Capacitación envases tetrapack 2009 Curso de joyería (Museo Gene Byron, Guanajuato, Gto.)

Contacto:

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Erika Hernández (titatintero). Nací en D.F., México, en 1982. Estudié Diseño Gráfico en la Escuela de Diseño de la Universidad de Guanajuato. Desde el 2003 me he dedicado al ámbito publicitario, empaque y de diseño editorial. Colaborando para diferentes estudios de diseño y agencias de publicidad, en la ciudad de León, Gto. Actualmente tengo 26 años y 2 ilustrando en mi tiempo libre. Hace tres meses inauguré mi primera exposición individual de ilustración infantil, en Dolores Hidalgo, León y Guanajuato. Alternamente he tomado cursos y diplomados sobre comunicación tipográfica y joyería. Tengo un sitio web donde muestro algo de mi trabajo de ilustración: www.el-tintero.com.mx

Born in 1982 in Mexico City, Mexico, I have studied graphic design at the University of Guanajuato’s design school. I have been working in collaboration with different design studios and publicity agencies on publicity, packaging, and editorial design projects since 2003 in Leon, Guanajuato. I have been illustrating in my free time for the last two years and just three months ago, I inaugurated my first individual exposition of children’s illustration in Dolores Hidalgo, Leon, and Guanajuato City. Outside of my design and illustration work, I have also carried out studies in typography and jewellery. A sample of my work can be viewed on my webpage at: www.el-tintero.com.mx