NUJABES
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CORONA CAPITAL 2014, DÍA 1: JACK WHITE, MASSIVE ATTACK, WEEZER Y + #WARPENCC14 Por Karina Luvian, Alejandro Altamirano, Eduardo Martínez, J. Ismael Canales
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‘My House’, ‘Think’, ‘Do You Feel The Same?’, entre otros. En ningún momento la banda mostró piedad, ya que no dejaba de impulsar el baile y la alegría que los presentes mostraban. Pond fue el siguiente en hacer acto de presencia y mostrar su talento, justificando el por qué se presentaba en este festival, superando las expectativas que se tenían de la banda. Sin duda, uno de los actos más esperados fue el de Jungle. Vestidos con el estilo que los ha caracterizado, grandes movimientos de baile y el sonido único de cada uno de sus temas, la agrupación logró atrapar a sus fans, quienes ya eran amenazados por las primeras gotas de lluvia. A pesar de algunas fallas de audio, temas como ‘Time’ emocionaron por completo.
Oscar Hernández para NUJABES El día de ayer (11 octubre), se llevó a cabo el primer día de actividades de la edición 2014 del festival Corona Capital en la Ciudad de México. Con un line-up plagado de nombres estelares de la talla de Jack White, Massive Attack, MGMT, The Horrors, Weezer y muchos más, el primer día fue una fiesta de buena música y aunque se presentó un retraso en el cierre del día, debido al mal tiempo y una amenaza de trupos pudieron terminar sus presentaciones, a excepción claro de Massive Attack, que se encontraba a la mitad de su set y ya regresaron.
Posteriormente, Alan Stanley, mejor conocido como Sinjin Hawke, sorprendió con un DJ set explosivo, lleno de sonidos mezclados entre deep house y techno, prendiendo a la mayoría de los presentes. Inmediatamente, el rapero sueco Yung Lean saltó al escenario con una gran energía, misma que
contagió al público que no dejaba de saltar y bailar al ritmo de sus beats. Alrededor de las 17:00 horas, uno de los actos importantes de este escenario dio comienzo: Hercules & Love Affair salió a interpretar sus mejores temas, seleccionados de sus tres trabajos discográficos, con ‘Blind’,
Con la noche encima y una intensa lluvia que generó la suspensión momentánea del festival por cerca de una hora, el público se mostraba desesperado por ver a SBTRKT, por lo que no dejaba de chiflar ante cualquier anuncio que los organizadores daban. Exactamente a las 23:00 horas, Aaron Jerome salió acompañado de dos músicos para crear una de las grandes fiestas del festival y tocar éxito tras éxito, de sus dos únicos discos de estudio.
A continuación pueden disfrutar de las fotografías y la reseña detallada por escenario de este primer día de Corona Capital 2014..
Para terminar las actividades en Claro Música Bizco Club, The Horrors fue la banda elegida. Pese a las adversidades que cauue era entrar o salir de la carpa—, los ingleses tuvieron un lleno que hacía que lo cánticos se escucharan a una gran distancia. Un primer día difícil por las circunstancias climatológicas, pero emocionante por la variedad de actos que se presentaron en este escenario.
ESCENARIO CLARO MÚSICA BIZCO CLUB Para dar inicio con la quinta edición del Corona Capital, la carpa Claro Música Bizco Club recibió al dúo oriundo de California RICOSHËI, encargado de comenzar de buena manera el primer día, ya que en el transcurso de éste se dieron grandes presentaciones en esta carpa.
Llegando a la recta final, GusGus, una de las bandas pioneras de la electrónica de los noventa, con una carrera longeva y jugosa, visitó nuestro país para presentar su más reciente disco titulado “Mexico”. Aplausos, gritos de emoción y éxitos coreados son los hechos que describen lo que fue en realidad esta presentación.
Saúl Barrera para NUJABES
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MUSICA
Escenario Corona
de los principales, el escenario Corona Light volvió a ofrecer grandes momentos gracias a la entrega de todos los actos que se presentaron en el mismo. Las actividades abrieron con la entusiasta participación de los angelinos Black English, quienes, a pesar de tener un set bastante corto, dieron una agradable bienvenida al público que decidió llegar desde temprano. Inmediatamente subiría Cults, los primeros en generar gran expectativa y que la cumplieron con creces, combinando los mejores temas de sus dos discos de estudio y mostrando una gran actitud sobre el escenario.
Deafheaven y The Julie Ruin fueron las dos primeras bandas del escenario Corona, en una jornada festivalera que apenas empezaba pero que prometía grandes momentos a lo largo del día, con un clima caluroso pero con la amenaza latente de una fuerte lluvia por la tarde-noche. Aunque ambos actos abridores fueron interesantes, al ofrecer indudable entrega en el escenario, no fue sino hasta The Ghost Of A Saber Tooth Tiger —proyecto encabezado por Sean Lennon— que el número de asistentes creció considerablemente a la vez de la euforia de un público evidentemente contento. Alrededor de las 17:30 horas, un par de chicas más subirían al escenario con dos estilos distintos y shows particulares. Por un lado, Bethany Cosentino encabezando Best Coast y por otro Yukimi Nagano al frente de Little Dragon; primero acordes al más puro estilo californiano para seguir con ambientaciones synthpop, en un momento en que la lluvia apenas mostraba un poco de lo que estaba por pasar horas después. Fue en el momento en que Zeed, casi imperceptible entre pantallas con coloridos visuales, subió para ofrecer un set lleno de éxitos bailables que enloquecieron a sus seguidores, regalando como postal la mejor fiesta de toda la jornada en ese escenario; no es que el acto final quedara a deber, pero los saltos multitudinarios y los bailes descontrolados no se volvieron a presentar una vez que Anton Zaslacski desapareció, ahora sí por completo, de
Más gente se acumuló en el Corona Light para disfrutar de los bombazos bailables de Black Kids, quienes tocaron lo mejor de su repertorio, como los sencillos ‘Hurricane Jane’, ‘I’m Not Gonna Teach Your Boyfriend How To Dance With You’ y un sorpresivo cover a ‘There Is A Light That Never Goes Out’, original de The Smiths.
Oscar Hernández para NUJABES escena. Una tormenta eléctrica de proporciones —extrañamente— no previstas por la mayoría de los asistentes, retrasó el show de Jack White por media hora, lo que causó el repetido agradecimiento del
músico a aquellos que lo esperaron pese a todo. ‘Dead Leaves And The Dirty Ground’ inició entonces hora y media de canciones e improvisaciones que arrancaron aplausos y gritos. Jack, vestido con una guayabera azul y pantalón de
vestir, expresó su cariño hacia el público mexicano y, después de un encore, cerró con la ya clásica ‘Seven Nation Army’, agradeciendo a todos por el cariño y la entrega. Como cada año, a pesar de no ser uno
La exintegrante de Rilo Kiley, Jenny Lewis, vestida con un pulcro y elegante atuendo, fue el acto perfecto para despedir los últimos rayos de sol, gracias a su dulce voz y finas composiciones pop, acompañadas siempre de una gran sonrisa. La lluvia y una amenaza de tormenta eléctrica detuvieron todas las actividades, recorriendo la actuación de MGMT, planeada para las 22:00 horas y ocurrida pasada la una de la madrugada del siguiente día, convirtiéndose entonces en el último acto del primer día de actividades del Corona Capital 2014.
MUSICA
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CORONA CAPITAL 2014, DÍA 2: BECK, KASABIAN Y DAMON ALBARN Después de un un primer día bastante intenso de Corona Capital, llegaría el cierre de la jornada con el segundo día de actividades del festival. Con la misma amenaza de lluvia que el día anterior, los asistentes se veían más preparados para las inclemencias del clima por lo que se veían más enfocados en disfrutar las presentaciones, que incluían nombres como ST. Vincent, Beck, HAIM, Twin Shadow, Damon Albarn, CHVRCHES, Kings of Leon, Sam Smith y muchos más. El escenario Doritos comenzaba el día con la difícil misión de quitar el mal sabor de boca por la suspensión del show de Massive Attack la noche anterior, debido al mal clima. El primer encargado en esta complicada misión fue el británico James Bay, quien con apenas dos EP’s publicados ya comienza a llamar la atención de algunos de los foros más representativos del mundo. La hora llegó, Kasabian volvía a suelo mexicano para sacarse la espinita de la última vez que estuvo en nuestro país. Para lograrlo, se valió de una combinación de temas de lo mejor de su repertorio, tales como ‘Shoot The Runner’, ‘Bumblebee’, ‘Club Foot’ y un cover a ‘Praise You’, de Fatboy Slim, que enlazó con ‘L.S.F.’. Sin duda, la banda de Thom Meighan, Sergio Pizzorno y compañía en esta ocasión puede irse segura de haber cumplido la misión de demostrar lo buena que es arriba de la tarima. El DJ y productor Gareth Emery llegaría después para continuar con la fiesta en el escenario Doritos, que para ese entonces ya lucía un cielo bastante despejado y sin amenaza de lluvia, lo que permitió a todos disfrutar con una buena dosis de beats de EDM. Foster The People regresó a nuestro país con su nuevo disco, “Supermodel”, con el que buscan alejarse del estereotipo de la banda one hit wonder. Su base de fans al parecer no ha decaído y todos fueron testigos de un proyecto encaminado a madurar. Su famoso sencillo ‘Pumped Up Kicks’ llegó en el momento indicado, para dejar a todos listos para el cierre con Beck. Beck no sólo fue el encargado de cerrar con broche de oro las actividades del escenario Doritos; sin duda, también se proclamó como uno de los actos más sobresalientes de toda la jornada e, incluso, de la historia del festival. El angelino demostró durante casi dos horas que se encuentra en plena forma para sostener un show impactante, plagado de éxitos y momentos épicos. Improvisación, covers, baile y mucha energía es lo que se pudo vivir a través de temas como ‘Sexx Laws’, ‘Devil’s Haircut’, ‘Black Tambourine’, ‘Que Onda Güero’ —una de las más pedidas desde que el cantante salió a escena—, ‘Blue Moon’, un cover a ‘Billie Jean’, de Michael Jackson, ‘Loser’, que arrancó los aplausos y ovaciones, un extracto de ‘I Feel Love’, de Donna Summer, y el cierre perfecto con una versión extendida de ‘Where It’s At’, que incluyó una parte del clásico ‘Rapper’s Delight’, un cover a ‘Miss You’, de The Rolling Stones, y un imponente solo de armónica con mucha energía. Beck agradeció, prometió volver pronto y —literal— clausuró el escenario con una cinta, dejando uno de los mejores sabores de boca de todo el festival, mismo que recordaremos por mucho, mucho tiempo. Oscar Hernández para NUJABES
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CULTURA
Yo iba muy emocionada dado como me la pasé en el ID2013. Mu-
cha gente bonita, ponentes estúpidamente hermosos e inspiradores ( quedó muy claro ese año, que el que me robó el corazón fue Sakiroo Choi hahaha, no solamente por su plática súper inspiradora, si no por su estilo único y sus ganas de conquistar al mundo >:)! ) Pero debo admitir que éste ID se lo llevó de calle. Siempre he sido gente de gente ( me encanta la gente) aun así nunca había sentido lo que éste año. El año pasado me tocó que conocía a uno que otro ilustrador, que saludaba casual si me lo encontraba y un chit chat amable, vi a uno que otro que conocía nomás de vista pero no saludé por pena. Iba con mi grupo de amigos así que la pasé excelente con ellos nos juntamos con otros a veces, pero todo muy casual y tranquilo en ese sentido. Los conferencistas excelentes (ya como dije arriba xD) etc. Durante todo el año que siguió, esas personas que me dio pena saludar, las fui conociendo un poco más, si no a ellos como personas, si a su trabajo y su evolución, haciendo que admirarlos muchísimo fuera algo inevitable. Con algunos si pude platicar más y de alguna manera puedo decir que ya el puente de comunicación estaba hecho Después de comer deliciosamente fue momento de llegar de nuevo a las conferencias y empezó Saskia, y antes de eso, uno de los ya tradicionales mini concursos de dibujos de 5 minutos con el tema que dice el expositor, del cual resultó ganador ni más ni menos que mi amigo Martín Luna! y todos morimos de orgullo y felicidad haha. Saskia empezó con su presentación, algo nerviosa, así que fue chica de pocas palabras y se puso en acción a demostrarnos como patea traseros.
OCTUBRE ES IGUAL A ILLUSTRATOR DEATHMATCH Por: Norita Feliz El primer día cerró con broche de oro, con el estupidamentemaravillosoygenial BRETT BEAN ( que personalmente fue mi favorito y creo que el de muchos también) y además de que su presentación fue genial y su demo, no se diga, su presencia en el escenario fue lo mejor. Nos tenía a todos atacados de risa, atentos, eeen fin, el sabía lo que hacía en una presentación ante tanta gente. Él estaba cómodo y también nosotros, es por eso que: MEET YOUR DEADLINES, DON’T BE A JERK
Y qué se puede decir de EL GUNTO! pinche arte hermoso y maravilloso :D! lo único malo fue, la barrera del idioma, pues al principio había alguien traduciendo, pero como que no se hayaron del todo bien y él empezó a hablar en inglés y creo que de alguna manera mejoró la comunicación
audiencia-expositor, pero estoy segura que habría estado muuuuucho más maravilloso sin esa barrera. Aun así su demo estuvo muy chido, porque aprendí varias cosillas que no se me hubieran ocurrido, como su manera de sombrear y poner brillos con un gradiente. Siendo muy sincera, al que más iba a ver en un principio fue a Denis Zilberg. Sus renders en ilustración son simplemente mágicos, y dejando de lado eso, la composición, detalles y perspectivas son de dejar boquiabierto a cualquiera! y bueno, sobre todo lo que él decía: Storytelling. Pues, sigue siendo un genio, y todo su trabajo una cosa ESTUFRIKINPENDA. El último día de fiesta y despedida del evento, de tener entre nosotros a dos de los chingonsísimos ganadores (Chuy de León, 2do lugar y Angel Plazola 3er lugar), y mucha gente maravillosamente talentosa y hermosa, SE ARMÓ LA FIESTA en la azotea del hostal del día anterior xD Entre canciones de disney con DANN CONEJO, KARLA Y YO, hasta el nuevo evento hecho por MAX VERA: ILLUSTRATORS DRUNKMATCH con todos los invitados especiales y su servidora como holograma entre ponentes.. HAHAHAH FUE LA MEJOR FIESTA EVER. Neta, NEEETA que me quito el sombrero y espero con ansias locas a que ya sea el próximo año-
CULTURA
Artista japonesa Yayoi Kusama presenta exposición en Ciudad de México
El museo Tamayo acogerá la obra de esta multifacética mujer, quien también es escritora y se ha adentrado en diversas ramas del arte, como la pintura, collage, escultura, arte performance e instalaciones. Obsesión infinita es la primera retrospectiva de la obra de Yayoi Kusama que se presenta en América Latina. La exposición presenta un recorrido amplio del trabajo de la artista viva más prominente de Japón a través de más de un centenar de piezas que abarcan de 1950 a 2014, incluyendo pinturas, obras en papel, esculturas, videos, presentaciones con diapositivas e instalaciones. Obsesión infinita sigue la trayectoria de esta figura rebelde e inconforme que va de lo privado a lo público, de la pintura al performance, del estudio a la calle. Kusama nació en la ciudad de Matsumoto, Japón en 1929. Después de crear obras poéticas y semiabstractas en papel en la década de 1940, comenzó su célebre serie Infinity Net (Red infinita) a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta. Estas pinturas extraordinariamente originales se distin-
guen por la repetición obsesiva de pequeños arcos pintados que siguen patrones rítmicos mayores. Su traslado a Nueva York en 1957, donde conoció a Donald Judd, Andy Warhol, Claes Oldenburg y Joseph Cornell, constituyó un parteaguas en la carrera de la artista. Kusama dejó la pintura y empezó a crear esculturas blandas conocidas como Accumulations (Acumulaciones): objetos cotidianos como bolsos, sillas, escaleras de mano y zapatos, cubiertos con elementos rellenos de tela que se asemejan a falos [la serie conocida como Sex Obsession (Obsesión por el sexo)] o con pasta seca [la serie Food Obsession (Obsesión por la comida)]. Estos objetos siniestros de elementos casi idénticos comparten la seriación y la repetición que caracterizaron el minimalismo y el arte pop, pero al mismo tiempo son expresiones auténticas de la compulsión de la artista por repetir sus obsesiones psicológicas, las cuales marcaron el principio de un proceso de radicalización de su trabajo que continuó con la instalación fundamental Aggregation: One Thousand Boats Show (Conglomerado: Espectáculo de mil botes, 1963), en la que en una sala construida ex profeso se exhibió un
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bote de remo con incrustaciones fálicas, rodeado de 999 imágenes fotográficas idénticas y estampadas en serigrafía en papel tapiz; y con Infinity Mirror Room – Phalli’s Field (Sala de espejos del infinito – Campo de falos, 1965), el primero de una serie de ambientes inmersivos en los que la participación del espectador activa y completa el significado de la obra. La radicalización y la desmaterialización progresivas del trabajo de Kusama —lo que ella denominó “autoborramiento”— continuaron en performances en vivo, happenings, acciones e intervenciones que se convirtieron en elemento básico de la subcultura del downtown neoyorquino y le ganaron a la artista la atención y notoriedad del gran público. Una presentación enfocada en materiales de archivo da vida a sus múltiples actividades como artista, diseñadora de modas, empresaria y emprendedora. Kusama’s Self-Obliteration (1967), un filme formalmente experimental que funciona como una especie de cine ampliado, documenta las inspiradas actividades participativas de la artista (Kusama estaba intuitivamente en sincronía con el antinómico Zeitgeist que prevalecía en Estados Unidos a finales de la década de 1960) y presenta un resumen de su arte hasta ese momento. En 1973 Kusama regresó a Japón y desde 1977 vive por voluntad propia en una institución psiquiátrica. El marcado carácter psicológico de su obra siempre ha tenido como contrapeso toda una gama de innovación y reinvención formal que le permite compartir su singular visión con un público amplio a través de un espacio reflejado hasta el infinito y los lunares obsesivamente repetidos que la volvieron famosa. En la selección de obra reciente presentada en Brasil — entre ellas, treinta y seis pinturas nuevas y una de sus más grandes salas de espejos hasta la fecha, Infinity Mirrored Room – Filled with the Brilliance of Life (Sala de espejos del infinito – Plena del brillo de la vida, 2011), la artista ha renovado el contacto con sus instintos más radicales en instalaciones inmersivas y obras en colaboración que la han convertido, con toda razón, en la artista viva más célebre de Japón.
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Juegos
MAJORA’S MASK: N 72 HO Existen videojuegos que, independien-
temente de su género, provocan una huella e impresión que pueden resultar más perturbadoras a largo plazo. Me refiero a impresiones que superan el clásico susto provocado por una situación inesperada e incómoda. En muchos casos, estos momentos que tanto miedo pudieron habernos causado posiblemente se conviertan en recuerdos valiosos. Estas escenas e imágenes seguro volverán cada que pensemos en su juego de origen o cuando sea la hora de recordar anécdotas de videojuegos, creepypastas y demás. Hay impresiones más grandes, ese momento en que saltamos de nuestro asiento y preferimos jugar con la luz prendida. Hablo de impresiones que con el paso de los años se van revistiendo de un halo misterioso y extraño, incluso… bizarro. Títulos así tal vez no estén inmersos en la oscuridad, tal vez no sean sólo negros y grises y rojo sangre. Títulos así, se mueven con una sutil mezcla de sombras, en un ambiente claroscuro. Hablemos un poco de The Legend of Zelda: Majora’s Mask.
Para muchos, el nuevo siglo iba a iniciar con desastre. Es fácil recordar el caso de y2k en la cultura popular antes de llegar al año 2000. Otros, más visionarios, auguraban el fin de los tiempos, la Humanidad desaparecería sin duda. Aunque basta repasar nuestra Historia para saber que las leyendas y visiones apocalípticas siempre han estado presentes en nuestro imaginario. Majora’s Mask salió al mercado ese mismo año y algo que lo destacaba del resto de los títulos de la franquicia hasta ese momento era que a diferencia del clásico escudo, una extraña máscara aparecía en su logo; cuya tipografía, salvo por el azul usado en Zelda II: The Adventure of Link, no era roja… sino morada. El color rojo históricamente ha sido asociado con la acción, la sangre y el coraje. El púrpura tiene una simbología muy distinta, por su difícil producción, pero también se le asocia con la penitencia, la fe, e incluso la violencia (la similitud de entre las palabras violeta-violencia / violet-violent no es mera coincidencia). ¿No es la máscara de Majora (Majora’s Wrath) la violencia misma?
Siempre puesto al lado de Ocarina of Time, incluso el arte de ambos títulos es, si bien no opuesto, sí distinto en su tono. El uso de las sombras en el arte oficial de Majora’s Mask es mucho más marcado que el de su antecesor: el color negro toma singular protagonismo en el diseño de los personajes. Tampoco podemos olvidar aquel póster con un Link no heroíco, sino tal vez desorientado delante de una serie de construcciones deformes acompañadas de sonrisas retorcidas. En nuestra naturaleza está dudar y temerle a lo que desconocemos, pero tampoco podemos olvidarnos de lo extraño. ¿Cuántas veces no hemos visto algo que por su estructura nos provoca una sensación de rareza o incomodidad –como un escalofrío breve– que nos invita a no mirarlo más? No es Horror, pero es la semilla que necesita la mente para dejar volar la imaginación hacia algo repulsivo. Hay árboles que provocan esto, insectos, animales, incluso edificios, obras de arte, múica, cine , obras de teatro así como, videojuegos (que son pocos) y videojuegos que involucran… máscaras.
Juegos
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NUESTRAS ÚLTIMAS ORAS POR AURELIANO
EL TORCIDO MUNDO DE TERMINA Majora’s Mask ya era distinto a los otros juegos de Zelda desde su presentación. Iniciar el juego era adentrarse a un túnel que tarde o temprano se convertía en un pozo. La caída es un factor que nos recibe desde los primeros minutos. Si lo pensamos, llegamos a Clock Town desde las profundidades, que hemos de destacar por su oscuridad. Podemos pensar que el mundo de Termina es un mundo invertido e incluso contaminado en su totalidad. Que muchos de los personajes que vimos en su predecesor reaparezcan con roles completamente distintos habla de una realidad paralela, una suerte de espejo ondulado, que no sólo refleja sino también distorsiona. Que una de las principales canciones para ocarina deba ser tocada al revés también refuerza este concepto. ¿Recuerdan aquel pasillo del Forest Temple en Ocarina of Time que de pronto se torcía? No era difícil cruzarlo, de hecho tampoco tenía algún elemento que provocara miedo –daban más miedo los wallmasters que de pronto
caían del techo–, sin embargo tenía una característica interesante: era extraño. Se sentía distinto al resto del dungeon. Algo similar sucede con Majora’s Mask: se siente, aún, extraño junto al resto de los juegos de la franquicia. Andar por Termina es como jugar todo un juego de Zelda en aquel pasillo extraño. El ambiente no es hostil en principio pero se va torciendo poco a poco, situación que en su extrañeza también provoca malestar. El mundo de Majora, al irse enroscando paulatinamente causa angustia en quien está jugando. No hablaré de la Luna y los 3 días todavía. Independientemente de que en su nombre está su esencia, Termina está por acabarse, pero es también ya un mundo con cierta conciencia de su triste destino. Al ser la zona este la más antigua en Termina, este lugar pudo haber sido aquél en donde cierta tribu realizaba hechicería con la máscara de Majora. Por otro lado, llama la atención que uno de los edificios en el templo, al ser volteado, presenta un interesante parecido con la misma. La imagen de la máscara también se hace presente en los pilares en el desierto de Twinmold.
I COULD SENSE THE DOOM OF A DARK OMEN BREWING Es sumamente interesante que, mientras escribía esto, me asomé por muchos videos y ensayos relacionados con temas muy variados en torno a The Legend of Zelda: Majora’s Mask; eso sólo habla de que a pesar de ser un juego que muchos consideran como un epílogo de The Legend of Zelda: Ocarina of Time (por el momento en que salió y por sus características visuales), la aventura en Termina parece ser, por su extrañeza, más atractiva para su reflexión –y para las sensaciones incómodas. Hay muchos de esos temas que merecerían su revisión. Ya habrá tiempo para ello. Lo interesante en todo esto –concluyendo–es que con el regreso de Majora’s Mask, una nueva generación tenga la posibilidad de dar nuevas reflexiones sobre el juego. Mucho de lo que es el título para nosotros se debe a todo lo que se comentó sobre él en estos años. ¿Qué se dirá de él en los siguientes 15 años?
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Comics
Regresan los superhéroes al World Trace Center Ciudad de México. Una vez más el World Trade Center de la ciudad de Mé-
xico será invadido por un ejército de talentosos artistas y escritores de cómics, quienes junto con la mismísima voz de Super Mario, el personaje más famoso de la historia de los videojuegos, brindarán a los asistentes de La Mole Comic Con una inigualable experiencia el próximo 7, 8 y 9 de noviembre. Esta edición de La Mole Comic Con, que contará con 16 invitados extranjeros del medio del cómic, presumirá de la presencia de tres verdaderas leyendas de la escena: los escritores Marv Wolfman (Crisis on Infinite Earths, Teen Titans), Jim Starlin (Batman: Death in the Family, Thanos: The Infinity Gauntlet) y Peter David (Hulk: Future Imperfect, Supergirl, She-Hulk), además de figuras como Charles Martinet, quien desde hace 25 años ha prestado su voz a personajes de videojuegos como Mario, Luigi, Wario y Donkey Kong, entre otros. Los asistentes al evento también tendrán la oportunidad de conocer al actor Chris Parsons, quien a los 18 años dio vida a los personajes 4-Lom y K-3P0 en Episode V: The Empire Strikes Back, considerada la mejor película de la saga de Star Wars; además de tomarse fotos con las cosplayers Kristen Hughey (Estados Unidos), Haru (Austria), Dalin (México) y el famoso animador D-Piddy (Estados Unidos). El ejército de profesionales del mundo de la historieta que serán parte de La Mole Comic Con incluye a los escritores Andy Lanning (Guardians of The Galaxy, Nova), Ron Marz (Green Lantern, Silver Surfer), Fred Van Lente (Marvel Zombies 3 y 4, Action Phi-
Oscar Hernández para NUJABES
losophers) y Kyle Higgins A estos invitados se unirán los dibujantes Ramón Pérez (ganador del premio Eisner por la novela gráfica A Tale of Sand), Chris Giarrusso (Mini-Marvels, G-Man), los croatas Stjepan y Linda Sejic, Chris Burnham (Batman Inc.), Ian Churchill (Revenge, Marineman), Michael Avon Oeming (Powers, The Mice Templar), Gene Ha (Top Ten) y Ken Lashley (Flash, Superman: Doomed). Representando al talento mexicano se contará con la participación de artistas como Paco Medina, dibujante de Legendary Star-Lord; Gerardo Sandoval, dibujante de Wolverine; Edgar Delgado y Marte Gracia, coloristas de Marvel Comics, o nuevos talentos como Ramón Espinoza y Salvador Velázquez, entre muchos otros más. Además de contar con la presencia del estudio francés de videojuegos Ankama y de actividades patrocinadas por Disney en torno a personajes de las caricaturas Ultimate Spider-Man, Phineas and Ferb o el universo de Star Wars, por primera vez La
Mole Comic Con ofrecerá a los asistentes la posibilidad de adquirir cuatro cómics con portadas de edición especial, producidos para el evento con la colaboración de Dark Horse Comics, DC Comics USA, Marvel Comics USA y Marvel Comics México: Star Wars #1, con arte de Carlos D’Anda; Batman #35, con arte de Greg Capullo, y The Amazing-Spider-Man #7 y #2, con arte de Humberto Ramos. Como ya se ha vuelto tradición, niños y adultos podrán apoyar a una buena causa en La Mole Comic Con, que en esta edición contará con un stand de Luz de Vida, A.C., institución proayuda con niños de cáncer. Por medio de un donativo de $25 pesos, los interesados recibirán como recompensa el primer sketchbook de La Mole Comic Con, publicación limitada que reunirá el arte de varios de los principales artistas invitados. Las actividades de La Mole Comic Con incluirán conferencias con todos los invitados extranjeros, así como concursos de cosplay y sesiones de autógrafos.