CASA E 2011-2013 by Eduard Feliú

casa e 2011 - 2013

EDITORIAL Dirección editorial: Emilio Lamarca Diseño y fotografías: Eduard Feliú Textos: Emilio Lamarca, María José Viera-Gallo, Claudia Donoso, Catalina Mena, Carolina Lara y Eduard Feliú Traducción al inglés: Pedro Donoso Impresión: Andros Ltda Proyecto financiado por el Consejo Regional de la Cultura y las Artes Valparaíso. Línea Fomento para la Difusión y el Mercado de las Artes 2014. Modalidad: Difusión.

EDITORIAL Editor: Emilio Lamarca. Photos and design: Eduard Feliú. Texts: Emilio Lamarca, María José Viera-Gallo, Claudia Donoso, Catalina Mena, Carolina Lara and Eduard Feliú. Translation: Pedro Donoso. Printing: Andros Ltda Project financed by the Regional Council for the Arts and Culture Valparaíso. Promotion for the dissemination and the arts market 2014. Modality: Dissemination.

Portada: Exposición "FUERA DE BORDE (EL PUERTO)", obra Ximena Zomosa. Contraportada: Exposición "MITAD MENTIRA/MITAD VERDAD", Alejandro Quiroga. Fotografías: Eduard Feliú. Cover: Exhibition "OUT OF EDGE (THE PORT)". Work by Ximena Zomosa. Back cover: Exhibition "HALF TRUE/HALF LIE". Alejandro Quiroga. Photos: Eduard Feliú.

“La casa es, más aún que el paisaje, un estado del alma. Incluso reproducida en su aspecto exterior, dice una intimidad”. La poética del espacio Gastón Bacherlard

“More than the landscape, the house is a state of the soul. Even when reproduced in its façade, the house speaks of an intimacy”. The Poetics of Space Gaston Bacherlard

ndice

index

apertura

Emilio Lamarca

prólogo

EL REFUGIO / Maria José Viera-Gallo

2011 / herencia

EL GRANO LÚCIDO / Claudia Donoso

DINÁMICA

Matilde Pérez

GRAND CELEBRATION

Nicolás Rupcich

CAUTIVERIO SERÁ

Renato Órdenes

LA LUZ QUE ME CIEGA

Paz Errázuriz y Malú Urriola

MEMORIA MAR / ARCHIVO MAR

Pía Sommer

NUEVE SOBRE RELIEVES

Tomás Rivas

INSTALAR EL DESEO / Catalina Mena

for and against

Johanna Unzueta · Felipe Mujica

historias de destrucción y desastre

Pilar Quinteros · Sebastián Riffo · Héctor Vergara

jolie madame

Claudia Donoso

patio trasero

Noelia Araya

bordes y límites

Patrick Steeger

muchedumbre

Jorge Brantmayer

2012 / presencia

2013 / resistencia

105 RUTA TENAZ / Carolina Lara

emblemas

114

fuera de borde (EL PUERTO)

118 Paz Carvajal · Claudia Missana · Ximena Zomosa

derrota

122 Camilo Yáñez

tótem

126 Nemesio Orellana

mitad mentira mitad verdad

130 Alejandro Quiroga

estados insulares

134 Gianfranco Foschino

Rodrigo Canala · Gerardo Pulido

pan batido exposición humo blanco

141

Casa E

150

CIZAÑA

151 Gustavo Arenas

EL SÉPTIMO PELDAÑO

151 Carlos Ceruti · Carlos Peirano · Pablo Suazo

BUCALES DE MESA

152 Gabriel Holzapfel

TE DESEAMOS A TI

152 Paula López

FLORESTA BIENAL

153 Javiera Marín · Pablo Saavedra

CONFETTI BRAVÍO

153 Francisca Martínez

AL FINAL DEL ARCOÍRIS

154 Inés Molina

sub urbe

154 Nemesio Orellana

pantransductor

155 Rodrigo Ríos

el viaje

155 Lucía Rodríguez

productos culturales

156 Fernanda Vilella

exposiciones porvenir

157

NO HAY LUGAR

158 Alejandra Arias

POR-VENIR HUASHO

158 Pamela Canales · Francisco Vergara

TAUTOLOGÍA

159 Gabriel Holzapfel

MALDITO ESTADO VENTANAS

159 Rodrigo Molina

AUTOBAHN

160 Nemesio Orellana

DEFENSA DEL IDILIO DE CHILE

160 Felipe Rojas

LOS ALERCES

161 Gabriela Urrutia

LA VERDADERA HISTORIA DEL VERDADERO ARTE CHILENO

161 Pablo Suazo

AAAAAAAAA

162 Nicholas Jackson

ARTE ELEGANTE

162 Álvaro Rojas Sastre

epílogo

165 ASEO & ORNATO / Eduard Feliú

apéndice

171 memoria 2010-2014

openinig

Emilio Lamarca

prologue

THE HAVEN / Maria José Viera-Gallo

2011 / INHERITANCE

A GRAIN OF LUCIDITY / Claudia Donoso

DINAMIC

Matilde Pérez

GRAND CELEBRATION

Nicolás Rupcich

CAPTIVE TO BE

Renato Órdenes

THE BLINDING LIGHT

Paz Errázuriz y Malú Urriola

RAM MEMORY/SEA ARCHIVE

Pía Sommer

NUEVE SOBRE RELIEVES

Tomás Rivas

Legitimating Desire / Catalina Mena

for and against

Johanna Unzueta · Felipe Mujica

historias de destrucción y desastre

Pilar Quinteros · Sebastián Riffo · Héctor Vergara

jolie madame

Claudia Donoso

BACKYARD

Noelia Araya

BORDERS AND BOUNDARIES

Patrick Steeger

CROWD

Jorge Brantmayer

2012 / PRESENCE

2013 / RESISTANCE

105 Tenacious Path / Carolina Lara

EMBLEMS

114

OUT OF EDGE (THE PORT)

118 Paz Carvajal · Claudia Missana · Ximena Zomosa

DEFEAT

122 Camilo Yáñez

tOtem

126 Nemesio Orellana

HALF TRUE / HALF LIE

130 Alejandro Quiroga

ISLAND STATES

134 Gianfranco Foschino

Rodrigo Canala · Gerardo Pulido

pan batido WHITE SMOKE EXHIBITION

141

Casa E

150

DARNEL

151 Gustavo Arenas

THE SEVENTH STEP

151 Carlos Ceruti · Carlos Peirano · Pablo Suazo

TABLE MOUTHFULLS

152 Gabriel Holzapfel

WE WISH YOU

152 Paula López

BIENNIAL FOREST

153 Javiera Marín · Pablo Saavedra

BRAVE CONFETTI

153 Francisca Martínez

AT THE END OF THE RAINBOW

154 Inés Molina

sub urbe

154 Nemesio Orellana

pantransductor

155 Rodrigo Ríos

THE JOURNEY

155 Lucía Rodríguez

CULTURAL PRODUCTS

156 Fernanda Vilella

FORTHCOMING EXHIBITIONS

157

THERE'S NO PLACE

158 Alejandra Arias

FORTH-COMING ORPHAN

158 Pamela Canales · Francisco Vergara

TAUTOLOGY

159 Gabriel Holzapfel

DAMNED WINDOW STATE

159 Rodrigo Molina

AUTOBAHN

160 Nemesio Orellana

DEFENSE OF THE IDYLL OF CHILE

160 Felipe Rojas

LOS ALERCES

161 Gabriela Urrutia

THE REAL STORY OF THE REAL CHILEAN ART

161 Pablo Suazo

AAAAAAAAA

162 Nicholas Jackson

ELEGANT ART

162 Álvaro Rojas Sastre 165

epILOGUE apPENDIX

171 MAINTENANCE AND DECOR / Eduard Feliú Summary 2010-2014

apertura Atrás quedaban 31 años de diplomacia. Delante, un sueño, una apuesta, un salto. Así, en el año 2010 nace un proyecto de vida, un cambio radical desde el ámbito público al privado, desde la capital a la provincia, desde tierra adentro al mar: Casa E. El proyecto, finalmente se inauguró con su librería Metales Pesados (en sociedad con sus fundadores Paula Barría y Sergio Parra) y su Galería o Espacio de Arte destinado a las artes visuales contemporáneas (sin fanatismo). El todo, pensando y añorando el “encuentro”. El arte de la conversación -todas las conversaciones, del uno con el otro, del espectador con la obra, del artista con el espacio, de los lectores y tantas más- es el arte del encuentro, de la intimidad, de la transformación interna. “Fueron unos griegos que charlaban a quienes les debemos la civilización occidental” dijo el crítico mexicano Ilan Stavans al presentar su libro de conversaciones con el poeta Raúl Zurita, durante su reciente visita a Chile. Y tal cual, allí mismo radicaba la fuerza interior sobre la cual pensé construir el proyecto de Casa E, la carencia de las charlas fue mi motor... y sigue siéndolo. Es en diálogos constantes, desde uno silencioso como el que mantienen la galería con la librería hasta otros bulliciosos como el de las inauguraciones, de los lanzamientos de libros, de los conversatorios, de los talleres literarios, que ha vivido la Casa a partir de su marcha blanca el 14 de diciembre de 2010. Pero, como siempre, un proyecto no se levanta solo y en estas líneas quiero, más que cualquier otra cosa, agradecer al equipo que ha permitido, con su compañía, dedicación, inteligencia y visión darle vida y contenido a Casa E. Me refiero muy especialmente a Eduard Feliú. También a dos personas excepcionales, Isabel Ibáñez y Javiera Parada. Por último, eternas gracias a todas las personas que visitan Casa E quienes, casi siempre, nos regalan una sonrisa y/o una palabra amable. Falta mucho, quizás un poco menos que cuando partimos.

Emilio Lamarca Orrego Director de Casa E

opening Looking behind, 31 years of a career as a diplomat. And ahead, a dream, a bet, a leap forward. In 2010 a life project was born, a radical change from a public to a private context, from the capital city into the province, from inland to the coastline: it was Casa E. The project finally opened with a bookstore, Metales Pesados (in partnership with its founders Paula Barria and Sergio Parra), and an Art Gallery or space intended for contemporary visual arts (free of any fanaticism). The whole thinking and longing was for the "encounter." The art of conversation - all kinds of conversation, between each other, between viewer and artwork, between artist and space, between readers and so many more - comes as the art of encounter, of intimacy, of inner transformation. "We owe Western civilization to a bunch of Greeks who spent their time chatting," said the Mexican critic Ilan Stavans when presenting his book on conversations with poet Raul Zurita during his recent visit to Chile. And as such, there laid the inner strength upon which I thought of building the project of Casa E; the absence of conversation was my driving engine... and still is. Since December 14, 2010, it has been in the sustained dialogue - from the quiet exchanges (like the one the gallery holds with the bookstore) to the boisterous talk (like openings, book launchings, the talks, and the literary workshops) - that the House has remained alive. But, as always, a project never holds itself alone. In these few lines I want, more than anything, to say thanks to the team that has, with its company, dedication, intelligence and vision, provided Casa E with its contents, and its liveliness. Thanks especially to Eduard FeliĂş. And also to two exceptional people, Isabel IbaĂąez and Javiera Parada. Finally, my endless thanks to all the people who visit Casa E and who, almost invariably, give us a smile and / or a kind word. There is a lot to be done, but maybe a little less than when we first started. Emilio Lamarca Orrego Director of Casa E

pr รณ logo prologue

el refugio

La casa tiene un nombre o mejor dicho una letra: E La casa que llamaremos por su única letra, ha estado ahí desde fines del siglo XIX, probablemente 1881, el año en que Cézanne pinta uno de sus auto-retratos o selfies más obsesivos (el del gorro blanco), Nietzsche redacta su profecía o tuit definitivo “Dios ha muerto”, Rimbaud peregrina por África y renuncia a la modernidad que él mismo ha fundado. La casa, que se encuentra en el Cerro Alegre de Valparaíso, ha resistido una larga historia de desastres naturales y artificiales, llámese terremotos, incendios, abandono, plagas, fiestas terminales, hasta que el 2008 Emilio Lamarca espantó su último fantasma y le dio derecho a una nueva vida. Con un cuidado a prueba de paciencia zen, la casa se rescató de su agonía, restauró y llenó de plantas y el 2010 se convirtió en lo que es hoy: uno de los espacios de exposición, divulgación y reflexión del arte contemporáneo más singulares del puerto y me atrevo a decir, de Chile. Por afuera podría confundirse con otra casita de color del cerro, pero basta asomarse a su portón, para darse cuenta que la postal turística es solo una ilusión óptica. Puede que sea el encanto de las pasifloras, conocidas medicinalmente por calmar los nervios; el pizarrón que anuncia las novedades literarias recién llegadas de España; un sticker de Foucault que nos advierte: “sonría lo estamos grabando” (broma al panóptico y advertencia a los extraños, creado por Eduard Feliú) o bien, el perro verde camuflado de militar que la vigila (obra del artista Víctor

Hugo Bravo). A diferencia de otros caninos del puerto, el perro no parece estar atacado por ninguna enfermedad sentimental. Desde su rincón, contempla la llegada de los visitantes de la casa, las nubes que van y vienen, las gaviotas que ríen a carcajadas a lo lejos. ¿Es de verdad?, me pregunta mi hijo de cuatro años durante nuestra primera visita a la casa, dudando si acariciar o no la escultura. La simpleza de su duda me hace pensar que si el arte –y Casa E como su refugio fundamental al sur del mundo- no existieran, preguntas como esas tendrían una respuesta. Y el mundo de hoy está saturado de respuestas. En la era de la hiperconectividad, nuestro llamado progreso se confunde con dar luces, soluciones, objeciones al instante, espantando el asombro infantil, la pausa, la duda, y con éstas, el lugar que ocupa el Arte. Si hay algo que Casa E ha construido durante sus tres años de vida, es justamente ese refugio. * Las casas del arte -llámese museos, centros culturales, galerías comerciales, espacios domésticos o lugares non profit- son proyecciones vitales de quienes la habitan. En ese sentido es imposible describir Casa E, sin referirse a su fundador-motor-inventor, Emilio Lamarca. Este ex diplomático de carrera que alguna vez fue un homeless del mundo, transitó desde 1982 por distintas misiones en embajadas y consulados de África, Asia y Europa. Como todo viajero, tuvo casas provisorias, desmontables, ligeras, casas que cabían en un baúl, esperando algún día instalarse en su casa definitiva o en su última casa. Lo que Emilio acarreó de un continente a otro, no fueron souvenirs ni bienes de valor, sino objetos sentimentales que había descubierto en sus viajes y cuyo valor residía en su historia; desde una piedra a una escultura africana a un grabado de Bacon, todo cabía en su colección personal. “Mi necesidad de tener una obra siempre ha sido emocional. Parte de la guata, de llegar a un lugar íntimo, donde engancho y la necesito cerca de mí”, dice sin titubear. “Nunca lo he visto como un negocio”. El origen de este amor genuino, descomedido y altamente contagioso por el arte de Emilio Lamarca, es una herencia que se remonta a un hechizo de infancia. Creció en una familia “abierta al mundo”, en la que el arte era conversación frecuente y cotidiana. En ese entonces, Emilio el niño hojeaba monografías de pintores clásico e impresionistas como quien mira un libro de cuentos; soñaba con los paisajes de Tiépolo, que su bisabuelo traía de Europa y cuya relevancia descubrió después, siendo adulto y paseando por los museos Louvre y D’ Orsay. Al momento de definir su relación con el arte, Emilio confiesa: “los cuadros me hablan”. Hay un ascendiente argentino por parte paterna que lo liga directamente al coleccionismo: desde hace cinco años se exhibe en el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires una de las colecciones privadas más importantes, la “Colección Guerrico Lamarca”, donada por sus antepasados directos”. También fue definitorio su paso por Paris, donde ejerció como Agregado Cultural entre 1995 y 2001.

Fue justamente en la ciudad luz, la primera vez que conversé con el futuro fundador de Casa E. Emilio era capaz de hablar de un Rothko o Bacon como de experiencias límites profundamente “bouleversantes” (conmovedoras). Se maravillaba ante las figuras más torcidas del arte moderno y descubría con curiosidad intelectual, la ambivalencia borderline del arte contemporáneo. Desde su oficina en la embajada intentó fortalecer las redes culturales franco-chilenos, manteniendo su ego siempre debajo del mantel, y convocando con gran generosidad a todos los chilenos que en esa época circulaban por Paris; desde cineastas consagrados como Raúl Ruiz a jóvenes pintores de la escena de los 80s, como Carlos Araya. “Paris fue un pasaporte, una escuela, la concreción de una iniciación que venía de antes. Nunca me he metido en la experiencia de asimilar el arte en todos sus niveles como en esa ciudad” recuerda. A pesar de eso, Emilio renunció a la comodidad del “eterno espectador”. Quería ser actor, gestor, esta vez, en Chile, país en el que no vivía desde sus 20 años. El 2001, tras treinta años afuera, embarcó sus pertrechos a Santiago y el 2003 ocupó el puesto de Director de Asuntos Culturales de la Cancillería, DIRAC. Fue el primer diplomático de carrera nombrado en el cargo por un presidente, Ricardo Lagos. Desde el aparato institucional intentó dinamizar nuestra exportación artística organizando en conjunto con otros agentes, el pabellón de Chile en la Bienal de Venecia (2009) así como su participación en la primera Trienal de Santiago, junto a su colega y futura integrante de Casa E, la productora Javiera Parada. El nombre de Emilio Lamarca dejó de ser extranjero en el panorama artístico nacional. Cerca del asombro y lejos del cinismo, durante su paso por Santiago, asistía a exposiciones tanto en el circuito de galerías oficiales como emergentes y alternativas. Conversaba con artistas y curadores. En un tiempo récord, se empapó de la movida local, de su potencialidad, renovación, frescura pero también de sus dificultades y precariedad. Un día, muy temprano, le reveló a Javiera un secreto: crear una nueva casa para el arte contemporáneo. “Quería compartir mi experiencia con otros”, comenta “pero no en Santiago, ciudad donde nunca me reencontré”. Con esta idea fija, el 2007 salió a explorar Valparaíso e invitó en la búsqueda al artista gráfico Eduard Feliú, quien se transformaría en su socio directo. El 2010 uno de los terremotos más violentos de la historia dejó el país por el suelo pero el proyecto de Casa E siguió en pie. Sin derrotarse, los nuevos inquilinos se adueñaron de una propiedad en ruinas ubicada paradójicamente en la calle más retocada del Cerro Alegre, Lautaro Rosas. Emilio decidió instalar ahí su residencia definitiva, dejar Santiago y una carrera que estaba en su pic. La decisión sorprendió al mundo diplomático y político pero no a quienes lo conocían íntimamente. Cual Robinson Crusoe, su sentido de libertad, autonomía y aventura siempre fue mayor a sus ambiciones personales. La utopía encontró su forma definitiva en una casa que contiene varias casas: una privada y una pública; una suya y otra de nosotros. Abajo, la casa del arte -la galería Casa E- y la de los libros -la Librería Metales Pesados- ; arriba, el espacio doméstico.

* En un mundo del arte cada vez más uniforme o decodificado, donde todo se parece a todo, Casa E no se parece a nada. Para ingresar a la sala de exposición se pasa por la librería, un laberinto que le habría sacado una sonrisa al mismo Borges: los libros como tránsito obligatorio hacia la sala de exhibición y el patio con su antiguo polvorín y fuente de loto. El hecho de que Nicanor Parra, Claudio Bertoni, Marcelo Mellado o Adolfo Couve, Roberto Bolaño, todos escritores chilenos que vivieron y crearon (algunos siguen haciéndolo) a orillas del mar, fueran vecinos pasajeros de las fotografías de Paz Errázuriz o de las volumetrías de Tomás Rivas, no es un azar. La casa siempre fue pensada así: como la Casa ideal donde ideas, sensibilidades y disciplinas se cruzan y dialogan libremente, lejos de los circuitos cerrados de la academia. “Es algo atractivo, una galería y una librería juntas”, remarca Emilio. “Queríamos ser una casa abierta, un espacio de encuentro y tráfico de creaciones”. Lo que ocurre abajo no es distinto a lo que sucede arriba, donde arte y libros se multiplican en una suerte de creación infinita. Los inquilinos circulan entre ambos pisos con pericia, ya sea para hacerse un té, buscar un martillo, responder un llamado, siempre deteniéndose a conversar con artistas, curadores, poetas, estudiantes, jóvenes profesionales, adultos y niños, que rondan por la casa como por una segunda casa, un oasis sin igual en el cerro.“Hay una energía de vivienda que se transmite, un espacio que asume su promiscuidad y sus efectos”, reflexiona Eduard, el conocedor incondicional de cada rincón del viejo inmueble restaurado, responsable de su funcionamiento metafísico y terrenal; ya sea en la producción de los montajes de las obras como la disposición de la librería. En medio de la tiranía de galerías containers o refrigeradores, el espacio casero de Casa E es un triunfo. ¿Quién quiere seguir decodificando, absorbiendo arte en templos sin alma? ¿No era justamente su alma lo que buscaba Cézanne pintándose a sí mismo una y otra vez, en un gesto que adelanta nuestra manía por el registro instantáneo? “Nunca nos tentamos por el cubo blanco”, declara Emilio. “No queríamos una galería funcional, sino orgánica y no por ello dejar de ser cien por ciento profesional. De hecho el resultado fue de escala pequeña y altísimo nivel”. Así, para la sala de exhibición se mantuvo la historia y la naturalidad de la habitación con sus molduras, el friso del siglo XIX, lo que obligó a los artistas invitados a adaptarse a la realidad de la casa y no a la inversa. Casa E tomó varias decisiones determinantes y arriesgadas, incluso provocadoras. La primera de todas, poner a disposición lo que tenían a mano, es decir su espacio privado para el público. Hacer uso de los lugares íntimos con fines comunitarios es una tendencia que permite la creación de comunidades pequeñas y especializadas -tribus afectivas, como diría en sociólogo Michel Meffesoli- no sólo en el rubro del arte, sino también de la agricultura, la cocina o la educación escolar. Sin buscarlo, Casa E estableció una posibilidad de trabajo, que ya se ha potenciado en galerías como Vicente Vargas Studio y propagado en el llamado Circuito de Espacios Domésticos (CED) de Valparaíso.

La segunda gran subversión de Casa E fue su territorio, enfrentando por un lado un circuito artístico dominado por las galerías boutiques turísticas y por otro, una cultura local y atrincherada que desconfía de lo afuerino. “Al principio hubo una carga con estar aquí. Estar en una calle patrimonial, en una ciudad atravesada por la melancolía, y a pesar de esto, querer mostrar arte contemporáneo”, dice Eduard. “Subvertir el imaginario de bodegón pictórico asociado a Valparaíso llamaba la atención”. Desde Santiago, Javiera Parada se convirtió en un puente cardinal con la escena de artistas a la que Casa E quería darle visibilidad. Emilio vio en ella una persona positiva, despierta, “en la gestión y la producción busca la solución”. Lo que vino después fue echar a andar a pulso la casa. De la mano de Isabel Ibáñez (Directora del Festival de las Artes de Valparaíso), conocedora del medio cultural del puerto, derribaron prejuicios y barreras con acciones y diálogo. “Valparaíso tiene varios dogmas de fe, pero al mismo tiempo ocurre que los jóvenes artistas locales sí están conectados con el mundo, no viven en la postal. Casa E quiso hacerse cargo de eso y de ahí lo interesante”, recuerda Isabel quien pasó a integrar el proyecto. “Me gustó que quisieran abrir la covacha, darle nuevo aire y energía a la escena local”, recuerda. O como dice Emilio “no ser la caricatura que alimenta la resistencia a lo que viene de afuera”. Con todas las piezas del puzzle en juego y un equipo que trabajaba de forma horizontal y orgánica, Emilio, Eduard, Isabel y Javiera se atrevieron a diseñar una precisa línea curatorial centrada en la sensibilidad y materialidad contemporánea. “Sentíamos que había un boom del nuevo galerismo independiente chileno y que era el momento de mostrar y generar debate en torno a la nueva escena generada después de la Transición. Bajo ese estímulo, quisimos investigar nuevos artistas, no visibles, y no necesariamente jóvenes”, dice Javiera. “Nos obligamos a tener un consagrado pero con obra irruptora”. La primera inauguración fue nada menos que de la artista Matilde Pérez, probablemente “la artista más joven” de Chile (acaba de cumplir 95 años). Pensando en la luz del puerto, pero también en abrir un circuito para el público que viajara de Santiago, las inauguraciones se programaron para los sábados a mediodía. Y no fue todo. En un gesto no libre de polémicas, Isabel recuerda que la transgresión más visible fue llenar la tina del patio con botellas de champaña en lugar del clásico vino tinto. A Matilde Pérez, le siguieron otras mujeres igualmente icónicas y en proceso de constante descubrimiento. Pienso en Paz Errázuriz y el pueblo que sufre una extraña condición congénita llamada acromatopsia -sólo ven en Blanco y negro- de “La luz que me ciega” (que provenía del Museo de Arte Contemporáneo y encajaba mágicamente en la casa) o Claudia Donoso, debutando sorpresivamente en la otra vereda de la crítica cultural, con los hipersensibles collages de “Jolie Madame”.

Durante todas estas inauguraciones se respiraba una cercanía y calidad humana que excedía el espíritu de la provincia, y entraba en una zona atemporal, casi mítica. Las exposiciones parecían estar ocurriendo en otra época o en una época en que al fin el arte volvía a su lugar primordial, lejos de ambientes contaminados por la frivolidad y el snobismo. Quizás era el hecho de que ocurrieran a luz de día. Que siempre estuvieran llenas de gente y de niños. Que la conversación fluyera por todos los rincones, hasta la librería. “Lo que si ocurrió fue una cosa mágica amorosa”, sonríe Emilio. “Sentir que estábamos ahí que no sólo tenía que ver con pega, sino con otra cosa, mucho más profunda”. Ese amor, y no le tengamos miedo a la palabra, fue in crescendo. Con el paso de los años, la casa se volvió profesional pero no cayó en la lógica mecánica del montaje y desmontaje. Con un total de 18 exposiciones, se consagró como el único lugar no institucional serio con programación estable del puerto. Personas de alabanza difícil, amaron la casa, entre ellas importantes visitas internacionales como Marie Claude Beaud (primera directora de la Fundación Cartier, ex directora del Museo de Artes Decorativas del Grand Louvre y actual Directora del Nuevo Museo de Mónaco), Catherine David (ex directora de Documenta X y centro George Pompidou) o Gabi Scardi (curadora a cargo de CECAC -European Course for Contemporary Art Curators- y de la exposición “Aware: Art Fashion Identity” en la Royal Academy de Londres), entre otras. A pesar del éxito, el impulso vital inicial perduró. “Siempre mantuvimos un espíritu de renacimiento en el sentido de invitar a los artistas a producir su obra in situ, durante un mes, e incluso a alojar en la casa” dice el equipo. Algunos, como Johanna Unzueta y Felipe Mujica radicados en Brooklyn, NY, sacaron sus pijamas de la maleta. Tomás Rivas y Patrick Steeger entraban y salían de sus talleres; Jorge Brantmayer producía sus fotos en la ciudad, Renato Órdenes fabricó con paciencia artesanal su lindo huemul con plasticina, en el patio amurallado. “Teníamos un principio básico que consistió en las buenas prácticas en el trato a los artistas”, dice Eduard. “Estar con ellos para todo lo que necesitaran, desde un clavo, un enchufe a invitarlos a comer arriba”. * La casa empezó a recibir muchas visitas. A ser no sólo respetada, sino querida. Se hablaba de los artistas de Casa E, como de un equipo. Se encendieron luces y chimenea en la tarde. Se corrieron muebles, colocaron alfombras y cojines en el suelo, a la antigua usanza de la tertulia que añoraba Emilio. Se organizaron diálogos sobre grandes pensadores, performance, música en vivo, lecturas de poesía y narrativa, talleres literarios (tuve el gusto de dirigir uno), actividades para niños, en un ambiente efervescente, comunitario, sencillo, no segmentado, sin improntas capitalinas, quitado de bulla y liberado de las formalidades académicas. Lancé mi novela (“Memory Motel”) una noche de invierno acompañada de Álvaro Bisama (“Ruido”) y también la de otros (“La vida se puso cuesta arriba y yo iba cuesta abajo”) de Antonio Duarte en una tarde de primavera. Pasé buenísimos momentos conversando con jóvenes poetas y libreros. De pronto Casa E parecía saber cómo sostener y alimentar una comunidad. Los chicos artistas que antes miraban la casa de lejos ahora entraban a mostrar sus books. Se abrieron puertas y ventanas ya no sólo a la ciudad

sino a las regiones. Se organizaron proyectos que nos mostraban que las invisibles provincias moldeadas por supermercados Líder y calles sin nombre, estaban plagadas de mentes creativas, como lo fueron las comentadas exposiciones colectivas de la convocatoria “Pan batido” (“Humo Blanco” en 2013 y “Porvenir” en 2014) como parte importante del Festival de las Artes de Valparaíso. Y ocurrió. Yo y mis ahora dos hijos, empezamos a inventarnos excusas -un libro era la más fácil- para visitar Casa E. Si en un principio nos quedábamos en el antejardín con su perro camuflado y enredaderas de pasifloras, después preferimos el escondite del patio con su polvorín y fuente de agua con forma de loto. Durante sus tres años de existencia, nunca encontramos lo que buscábamos pero siempre encontramos algo que no buscábamos. Un día fue un Bambi. Hace poco un nido de pájaros que los dueños de la casa alimentan. Y las preguntas siguieron: ¿Son de verdad? Y las respuestas, por suerte, no llegaron.

María José Viera-Gallo La Reina, Santiago. 2014

the haven

The house responds to a name, or better, to a letter: E This house that we refer to after its single letter has been there since the late nineteenth century, probably 1881. It is the same year in which CĂŠzanne painted one of his self-portraits or obsessive selfies (the one wearing a white cap), Nietzsche wrote his final prophecy or tweet, "God is dead," and the year when Rimbaud wandered around Africa after discarding Modernity, the same he had previously founded. The house, located in Cerro Alegre, Valparaiso, has weathered a long history of natural and man-caused disasters, be they earthquakes, fires, abandonment, pests, or terminal holidays. But in 2008 Emilio Lamarca frightened the last ghost away and gave the place a new life. With Zen-like patience, the house was rescued from its agony, restored and filled with plants and in 2010 became the place we know today: one of the most unique spaces for exhibiting, disseminating and rethinking contemporary art in the city port of Valparaiso and, I dare say, in Chile. On the outside it could be taken as one of the many colorful houses of the hill. But standing at its gate one immediately realizes that, in this case, the tourist postcard is only an optical illusion. It may be the charm of Passiflora, a flower known for its medicinal properties to calm the nerves, or the blackboard announcing the new books just arrived from Spain. Or maybe it is the banner with Foucault announcing to the visitors: "Smile, you are being recorded" (a joke based on the Panopticon and a warning to outsiders, created by Eduard FeliĂş), or the green

military camouflaged dog on guard at the gate (artwork by Victor Hugo Bravo). Unlike other canine from the city, this dog does not seem to be attacked by any sentimental disease: from a corner it watches the arrival of visitors to the house, the clouds that come and go, and the seagulls laughing loudly in the distance. Is it a real dog? asks my four-year-old son on our first visit to the house, wondering whether or not to pet the sculpture. The simplicity of his question makes me think that if art - and Casa E, as a fundamental haven for it in the Southern corner of the world - did not exist, questions like these would find one answer only. Today's world is so full of answers. In the era of hyper-connectivity, so-called progress is often mistaken with sparkles and instant solutions that shy away children's ability to wonder, pause, doubt, and the role all these features play in the Arts. If Casa E has built something during its three years of existence, it is precisely this haven. * Art houses - be they museums, cultural centers, private galleries, domestic spaces or non-profit venues - are vital projections of those who inhabit them. In that sense, it is quite impossible to describe Casa E without mentioning its founder-motor-inventor, Emilio Lamarca. The former diplomat was once a homeless person wandering the world; in 1982 he consecutively occupied various embassies and consulate missions in Africa, Asia and Europe. As any traveler, he had temporary, removable, lightweight houses, simple homes he fit in a trunk, hoping one day to settle in his definite home, in his last residence, perhaps. What Emilio carried from one continent to another were not souvenirs or valuable items, but sentimental objects he had discovered in his travels and whose value lay in their history. From an African stone sculpture to an engraving by Bacon, all fit in his personal collection. "My need to have an artwork has always been emotional. It comes from the guts, it's something of reaching an intimate place where something traps me and then I need that object around me," he says without hesitation. "I've never seen it as a business." The origin of this genuine, immoderate and highly contagious love for the arts Emilio Lamarca feels is an inherited fondness that goes back to a childhood fascination. He grew up in a family "open to the world," where arts were common and everyday conversation. At that time, little Emilio browsed through classic and impressionist paintersÂ´ monographs like someone leafs through a comic strip. He dreamed of Tiepolo's landscapes that his great-grandfather had brought from Europe and whose relevance Emilio would only discover later, as an adult when strolling around the Louvre and d'Orsay museums. Defining his relationship with the fine arts, Emilio confesses: "pictures talk to me." An Argentine paternal ancestor links him directly to an art collection, the "Collection Guerrico Lamarca" hosted

for the last five years at the Museum of Fine Arts in Buenos Aires and one of the most important private collections, donated by his direct ancestors. His stay in Paris, where he served as Cultural AttachĂŠ between 1995 and 2001, was also decisive. It was precisely at the City of Lights, where I first had the opportunity to talk to the future founder of Casa E. Emilio was able to speak of Rothko or Bacon as limit-experiences deeply "bouleversantes" (touching). He marveled at the most twisted figures of modern art and discovered with intellectual curiosity the borderline ambivalence of contemporary art. From his office in the embassy he attempted to strengthen Franco-Chilean cultural networks, always inviting with unselfish dedication all Chilean nationals who at that time were circulating in Paris, from consecrated filmmakers like Raul Ruiz to young painters from the 80s scene like Carlos Araya. "Paris was a passport, a school, the realization of an initiation that came before. I would never find myself assimilating art at all levels as I did in that city," he remembers. Nevertheless, Emilio gave up the comfort of remaining as the "eternal spectator." He wanted to be an actor, a promoter, this time in Chile, a country where he had not lived in since his twenties. Having spent twenty years abroad, in 2001 he shipped his belongings to Santiago and from 2003 he served as Director of Cultural Affairs of the Foreign Ministry, DIRAC. Emilio was the first career diplomat appointed to the position by President Ricardo Lagos. From the institutional apparatus he tried to stimulate our artistic export and, in coordination with other agents, he organized the Chilean Pavilion at the Venice Biennale (2009) and the participation in the first Triennial of Santiago, together with his colleague, producer and future member of Casa E, Javiera Parada. The name Emilio Lamarca was no longer foreign in the national art scene. Cultivating wonder and away from any cynicism, during his stay in Santiago he attended exhibitions both in the official circuit and in the emerging and alternative galleries. It was an opportunity to talk to artists and curators. In record time, he immersed himself in the local situation, exploring its potential, its possibilities of renewal, its freshness - but also learning of its difficulties and hardship. Early one day, he revealed a secret to Javiera: to make a new home for contemporary art. "I wanted to share my experience with others," he says, "but not in Santiago, a city where I never found myself at ease again." In 2007 with this fixed idea he left to explore Valparaiso, inviting with him the graphic artist Eduard FeliĂş, who would become his partner. In 2010 one of the most violent earthquakes in history left the country on the ground. But the Casa E project remained standing. Evading defeat, the new tenants took over a property in ruins paradoxically located in Lautaro Rosas, the most refurbished street in Cerro Alegre. Emilio also decided to make it his permanent home, leaving behind Santiago and a career that was at its peak. The decision surprised the diplomatic and political world,

but to those who knew him intimately, it came as something natural. Like Robinson Crusoe, Emilio's sense of freedom, independence and adventure was always greater than his personal ambitions. Utopia found its final form in a house containing both a private and a public space; one of his and one of ours. Downstairs, the home of the Art (Gallery Casa E) and the books (Metales Pesados Bookstore); on the top floor, the domestic space. * In an art world increasingly uniform or decoded, where everything looks like everything, Casa E does not look like anything else. To gain access to the showroom one has to advance through the bookstore, a maze that would have brought a smile to Borges himself: books stand as a mandatory transition to the exhibition hall and the courtyard, with its old powder magazine and the lotus shaped water fountain where papirus float. The fact that Nicanor Parra, Claudio Bertoni, Marcelo Mellado, Adolfo Couve, or Roberto BolaĂąo, all Chilean writers who lived and created next to the sea (some of them still do), rest next to the photographs by Paz Errazuriz or the volumetric pieces by Tomas Rivas, is no accident. The house was always conceived this way: as the ideal Home where ideas, sensibilities and disciplines intersect and converse freely, away from the closed circuit of the academy. "An art gallery and a bookstore together is something quite attractive," notes Emilio. "We wanted to be an open house, a space for meeting and exchanging creations." What happens downstairs is no different to what happens on the top floor, where artworks and books multiply in a sort of infinite creation. Tenants circulate between the two floors with expertise either to prepare a cup of tea, find a hammer, or answer a call, always finding the time to talk with artists, curators, poets, students, young professionals, adults and children who hover around the house as if it was theirs, a second home, an oasis without equal in the hill. "There is a homey energy transmitted; as in a space that accepts its promiscuity and its effects," reflects Eduard, unconditional connoisseur of every corner of the old building restored, and responsible for its metaphysical and earthly operation, be it the production of every show and the display of the works, or the layout of the bookshelves. Amid the tyranny of galleries that function as containers, Casa E's space is a triumph. Who wants to insist in decoding and absorbing art in temples without soul? When Cezanne painted his own portrait again and again, was he not searching his soul through a gesture that advances our mania for instant registration? "We were never tempted by the white cube," says Emilio. "A functional gallery was not our plan, but an organic space one hundred percent professional. In fact the result was of small scale and high level." Thus, the decision to preserve the historic traits and the naturalness of the showroom with its moldings, and the nineteenth century frieze. At the same time, guest artists were forced to adapt to the reality of the house and not the other way around.

Casa E took several determinant, risky, and even provocative decisions. First of all, making available what they had at hand, i.e., turning their private space open to the public. Making use of intimate places for community purposes is a trend that allows for the creation of small and specialized community -“affective tribes,” as designated by the sociologist Michel Meffesoli - not only in the field of art, but also in agriculture, cooking and education. Without intending it, Casa E established a possibility of work that has already propagated to galleries such as Vicente Vargas Studio and the Circuit of Domestic Spaces (CED) of Valparaiso. Casa E's second major transgression was its territory: the space had to face an artistic circuit dominated by tourist boutique galleries, next to a local and entrenched culture that distrusts the outsider. "At first, arriving here meant a heavy load: a heritage street in a city crossed by melancholy. And despite all, wanting to show contemporary art," says Eduard. "Subverting the still life painting stereotypically associated to Valparaiso drew us a lot of attention." From Santiago, Javiera Parada built a cardinal bridge linking to the artists to whom Casa E wanted to give visibility. Emilio found in Javiera a positive, smart person "in management and production when looking for the solution." What came next was setting the house in motion by sheer will. Together with Isabel Ibáñez (Director of the Arts Festival of Valparaiso and a connoisseur of the cultural environment of the city) many barriers and prejudices fell to the ground thanks to their actions and dialogue. "Valparaiso has several dogmas of faith. All the same, young local artists are connected to the world; they don't live off the typical tourist postcard. Casa E wanted to look into that, what makes the scene interesting," recalls Isabel, who became a full part of the project. "I liked the fact that they decided to open the door, to offer the local scene a new air and energy," she recalls. Or as Emilio puts it, "to avoid falling into the caricature that feeds the local resistance to those that come from abroad.” With all the pieces of the puzzle on display, working horizontally and organically, the team integrated by Emilio, Eduard, Isabel and Javiera dared to design a precise curatorial line focused on contemporary sensibility and materiality. "We were aware of the hype around the new independent galleries in Chile. So it was time to show and to open up debate on the new scene generated after the transition. Under this stimulus, we wanted to investigate new artists, not visible, not necessarily young, "said Javiera. "We undertook the intention of presenting a celebrated artist but with a disruptive work." The first opening was no other than Matilde Perez, probably "the youngest artist" of Chile (she just turned 95 years old). Having in mind the light of the port, but also with the idea of opening a circuit for the audience traveling from Santiago, inaugurations were scheduled on Saturday at noon. And that was not all. In a gesture not without controversy, Isabel recalls that the most visible transgression was filling the tub patio with champagne bottles instead of the classic red wine.

Matilde Perez was followed by other equally iconic women involved in a constant discovery process. I think of Paz Errazuriz and the community she portrays - which is affected by a rare congenital condition called achromatopsia, where you only distinguish black and white - in her photos from "LA LUZ QUE ME CIEGA" (The light that blinds me) (which came from the Museum of Contemporary Art and magically fit in the house). Or in the case of Claudia Donoso's surprising debut where she positioned herself on the opposite side of cultural criticism through her hypersensitive collage series entitled "JOLIE MADAME". In every opening it was possible to feel a closeness and human quality that, beyond the province's spirit, drifted into an almost mythical timeless zone. The exhibits seemed to be happening in another time, or in a time when art finally returned to its primary source, away from frivolity and snobbery. Maybe the fact that they took place in daylight helped. Always full of people and children, conversations going on in every corner, even in the bookstore. "What really happened was a loving magical thing," smiles Emilio. "The feeling among all those who were involved was that this was never a job, but something else, much deeper." That love - we should not be afraid of this word - was in crescendo. Over the years, the house turned professional, but never fell into the logic of the mechanical assembly line. With a total of 18 exhibitions, Casa E established itself as the only serious place with a stable non-institutional program in the city. Very hard-to-please people grew to love the house, including major international visitors like Marie Claude Beaud (first director of the Cartier Foundation, former director of the Museum of Decorative Arts Grand Louvre and current Director of the New Museum of Monaco), Catherine David (former director of Documenta X and George Pompidou Cultural Center) or Gabi Scardi (curator in charge of the European Course for Contemporary Art Curators, ECAC, and of the exhibition "Aware: Art Fashion Identity" at the Royal Academy of London), among others. Despite this success, the original driving force did not wane. "We always maintained a spirit of rebirth, inviting artists to produce their work in situ for a whole month. Some of them even stayed in the house," comments the team. Like Johanna Unzueta and Felipe Mujica, based in Brooklyn, NY, who brought their pajamas out of their suitcase. Or Tomas Rivas and Patrick Thomas Steeger who went to and from their studios; or Jorge Brantmayer, who produced his photos in the city. The same with Renato Ordenes who, employing an old artisan's patience, made his cute plasticine huemul deer in the backyard of the house. "We had a basic principle which involved the best practices when treating the artists," says Eduard. "Looking after everything they needed, from a nail or a plug to an invitation to have dinner upstairs." * The house began to receive many visitors. It became a place that not only inspired respect, but real esteem. Casa E artists were looked at as a team. In the evenings, lights and the fireplace were lit, the furniture accom-

modated, rugs and cushions extended on the floor; it was the old way of “tertulia” that Emilio had longed for. Dialogues on great thinkers, performances, live music, poetry and fiction readings, creative writing workshops (I had the pleasure of running one of them), and children's activities were organized in a vibrant, simple community environment, without big letters or any noise and removed from the formalities of academia. On a winter night in the company of Álvaro Bisama (the author of "Noise") I launched my novel "Memory Motel." Later on, in a spring afternoon, it was the turn of “La vida se puso cuesta arriba y yo iba cuesta abajo” (Life turned uphill and I was going downhill), a novel by Antonio Duarte. I truly had a good time talking to young poets and booksellers. Suddenly Casa E seemed to know how to sustain and nurture a community. The young artists who had seen the house as a removed place now came to show their books. Doors and windows were opened not only to the city but to the regions. Projects that showed that the invisible provinces shaped by Lider supermarkets and unnamed streets were full of creative minds. Living proof was the exhibitions of the art contest "Pan Batido" (entitled "HUMO BLANCO" (White Smoke) in 2013 and "PORVENIR" (Forthcoming) in 2014) that made an important part of the Arts Festival of Valparaiso. It did happen. With my two children, we began to invent excuses - the easiest being a book - to visit Casa E. At first we stayed in the front yard with the camouflaged dog and the Passiflora vines. Then we preferred the backyard with its hideaway magazine and the water fountain. During the three years Casa E opened, we never found what we wanted, but we always found something we were not looking for. One day was a Bambi deer. Not long ago we learned of a little bird's nest that the homeowners had been feeding. So the questions continued: Are they real? And the answers, fortunately, were not at hand.

María José Viera-Gallo La Reina, Santiago. 2014

herencia

pre S encia

resistencia

INHERITANCE

presence

resistance

herencia

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INHERITANCE

el grano lúcido

Al inaugurar su primera exposición en febrero del 2011, Casa E entró en un futuro que hoy es pasado y que, bajo la forma de este libro se convertirá en presente cada vez que alguien lo abra. Si además de hojearlo en abanico, ése alguien opta por una lectura más atenta, completará el empeño cívico que lo originó: el de documentar y dejar constancia de lo sucedido en un espacio de arte independiente, en Valparaíso, durante los tres años que duró. Fueron dieciocho exposiciones, seis por año y el traslado de esa experiencia a una publicación como ésta, crea otro espacio, heredero del anterior propagando su memoria. El itinerario de la galería Casa E se inicia con “DINÁMICA” de Matilde Pérez, artista formidable de muy tardío reconocimiento en su propio país. En permanente producción, su obra hoy día se inserta con honores dentro del patrimonio constituido por el arte óptico y cinético, una de las vanguardias del siglo XX. La selección que hizo Casa E del trabajo de Matilde Pérez se centró en un motivo creado por la artista a principios de los 70 y que, en 1979, la hizo ganadora de una Medalla de Plata y del premio Abstracción Geométrica en Lyon, Francia. Aquel motivo, de aparente sencillez y alta complejidad lo repitió en un mural que ejecutó en el Cerro Bellavista de Valparaíso en 1992, y que replicó una vez más en La Habana cuando, en el 2009, fue invitada a Cuba por Casa de Las Américas. La decisión curatorial de Casa E de estrenar sala con esta gran señora, marcó su pauta: perfilar un linaje reconociendo y honrando a mayores escogidos, visibilizar y respaldar a los artistas de cualquier edad siempre en emergencia. Y por último solicitarle a los expositores la presentación de obras situadas, es decir de obras que integran la conciencia del espacio físico -y simbólico- donde serán mostradas incluyendo, por cierto, su locación nada de azarosa en Valparaíso.

El asentamiento de Lamarca en una casa del Cerro Alegre habla de una mirada que contiene la información estética sedimentada a lo largo de sus viajes y estadías prolongadas en lugares como Manila, Zaire, el Líbano y posteriormente Viena y París. Ese equipaje no fue ajeno a su fijación con un puerto que nació cosmopolita y que como Istambul, Río de Janeiro, Marsella o Lisboa –tan presente en Raúl Ruiz como sustituta de Valparaíso-golpean el ojo de entrada con las respuestas urbanas que le dieron a sus geografías con mar. Aunque el infierno está en todas partes, también en Valparaíso, periódicamente destruido por terremotos, constantemente amenazado por tsunamis e incendios especialmente incontrolables debido a la colaboración de fuertes vientos. En cuanto a las aristas del panorama cultural porteño, se advierte una dosis de sospecha hacia los metropolitanos que creen saber de qué se trata el puerto y que llegan a apropiarse de él así como así. La inserción del ex diplomático y ahora ex galerista en el medio de las artes visuales deriva de su propia formación y, en parte, de su designación como cabeza de la DIRAC (Dirección de asuntos culturales de gobierno) donde permaneció entre el 2003 y el 2010. Desde ese palco hizo contacto con los zutanos y menganos de la cazuela cultural chilena. La suspicacias de un medio acostumbrado al despiste crónico del aparato oficial, cedió ante un funcionario público lo suficientemente civilizado como para no disimular su ignorancia cuando se daba el caso: “Contádme de esto y de esto otro porque NO SÉ” . Con ésa actitud a Lamarca se le abrieron las puertas del laberinto y por ellas entró con interés comprometido. En “GRAND CELEBRATION”, la segunda de las seis exposiciones del año 2011, Nicolás Rupcich centró su trabajo en la comercialización del paisaje y el patrimonio arquitectónico en tanto decorados de consumo turístico. El fenómeno planetario del Tour y su frenética oferta de “combos” exóticos, eróticos, súper expeditos y productores de millonarios dividendos, fueron elegidos por el artista como pretexto de su indagación. Lo hace a través de la fotografía y el video, recolectando materiales durante una gira que comprendió Atenas, París, Venecia y Valparaíso. Si se trata de herencia, se podría aventurar que el autor de “GRAND CELEBRATION”, sería una suerte de tataranieto de los debates culturales en torno a la memoria y el olvido, en el cuál la fotografía resultó protagónica en tanto prueba indesmentible de las masacres, genocidios, terrorismos de estado, limpiezas étnicas y dictaduras del siglo XX. La facultad de certificar realidades infames, sigue vigente en paralelo con la colocación de la fotografía en el elenco del amplio instrumental disponible para el desarrollo de renovadas visiones críticas y expresivas. Nacido en 1981 Rupcich es asimismo heredero de la rica tradición acumulada por las instalaciones y la suya ironiza estéticamente el registro documental y el horror vacui administrado por el negocio del turismo. Hoy día el gran tema de la memoria -de índole fundamentalmente emocional-ha cobrado complejidad y para los artistas –y otros productores de sentido- el desafío implica comprometer la propia subjetividad para, desde una memoria personal, decir lo suyo. HERENCIA: “bienes que recibe una persona cedidos por una persona que ha fallecido ; conjunto de caracteres que transmiten los seres vivos de generación en generación” según definición de diccionario. La herencia podría entonces ser desde regia, inesperada e inmerecida hasta nula y letal. El traslado de tal perspectiva al terreno

sociocultural chileno arroja un presente donde las herencias incluyen hordas de niños con sobrepeso, radios para pobres, programas de televisión para pobres, viviendas para pobres que lucran con la indefensión síquica de una mayoría absoluta de desheredados, de palurdos que “no tocaron” nada, es decir de la provisión de recursos mínimos necesarios para elaborar relatos internos resistentes al despojo y a la alienación: “CAUTIVERIO SERÁ” es la consecuencia que podría desprenderse del escenario recién descrito, si se toma en préstamo el título de la exposición de Renato Órdenes San Martín. Este joven artista con nombre de prócer presentó un huemul modelado en plasticina, de tamaño algo mayor que el de la especie declarada en extinción en 1976. En apremiante huída, el cervatillo autóctono –que a falta de referencia real no pocos confunden con un caballo ambiguo- es rescatado, a través de un material infantil como es la plasticina de colegio, por minuciosa mano de artista. En medio de la sala y convertido en monumento, el huemul que el tacto afectivo de Órdenes San Martín refugia en la galería, a su vez sigue muriendo atrapado en el exquisito circuito del arte contemporáneo. Su peso melancólico podría extenderse a la situación de abandono de Valparaíso y también a la amenaza de extinción que se cierne, por ejemplo en Chile, sobre cualquier galería de arte independiente. La galería Casa E, debe su energía a la dupla formada por Lamarca y Eduard Feliú, que lo secundó en el salto de Santiago a Valparaíso. La sensibilidad crítica de Feliú, que en el caso de su propio quehacer como artista visual se torna algo sádica, lo dota de rigor distanciado cuando se trata del trabajo de los demás; Lamarca en cambio, funciona por enfática empatía con las obras que le gustan lo que hace que ambos lleguen por caminos opuestos a conclusiones que concuerdan casi siempre. El trabajo de diseño lo hace Feliú muy callado y con pasión y admira en Lamarca su naturalidad cuando le toca oficiar de maestro de ceremonias y hablar en público. Se añaden a la mesa curatorial Isabel Ibáñez y Javiera Parada que como Lamarca y Feliú no se sentarían juntos ni trabajarían como lo han hecho si no fuera porque se divierten. Entre los artistas peso pesado y siempre emergentes de la temporada 2011 de Casa E, se encuentran Paz Errázuriz y la poeta Malú Urriola quienes presentaron “LA LUZ QUE ME CIEGA”. Cuarta exposición de la temporada, propusieron un dilema multidisciplinar en el que concurrieron fotografía, video documental, video arte digital, música y escritura. Lenguajes y contenidos componen una trama de espejos en torno a la visión y a la ceguera, abordándola mediante registros audiovisuales en una localidad donde se transmite una condición de la vista llamada acromatopsia: condición congénita transmitida de padres a hijos que hace que sus herederos vean en blanco y negro, sin siquiera grises intermedios. Así: tal cuál de real. ¿Se trata entonces de seres anómalos que ven “mal” o de seres que ven de otra manera? ¿Cómo perciben ellos, los “diferentes” lo que para el resto es indiscutible? ¿Es su mirada “insuficiente”, “equivocada”, o de frentón no humana como la de las moscas? La lista de dudas inquietantes dispara hacia varios frentes apoyada en información objetiva que late como ficción: la existencia en Chile de una comunidad minoritaria que ve en blanco y negro como los televisores que transmitieron el mundial del 62 y que habita un punto equis del borde costero ubicado -para más remate-, entre Matanzas y Paredones, en la sexta región. Un lugar del que nadie sabe, donde se oculta lo que pincharon las miradas de Errázuriz y Urriola y que ampliaron más allá de la frontera galerística mediante la instalación de una gigantografía –detalle de un retrato de 12 por 4 metros- en varios puntos de la ciudad de Valparaíso.

La siguiente exposición en Casa E estuvo abierta al público entre septiembre y principios de noviembre del 2011. Su nombre anuncia una indagación enigmática: “ARCHIVO MAR/MEMORIA RAM”. En efecto, una de las facultades del artista es concebir asociaciones según otras lógicas, experimentar con lógicas ajenas a las rutinarias y conocidas. Pía Sommer, autora de la obra y joven egresada del Instituto de Arte de la Universidad Católica de Valparaíso, conjetura una memoria oculta en –la autora así lo establece- “LA MAR”, un archivo oceánico y encuentra la manera de vincularla a la memoria abisal del ordenador. Entre las posibilidades del arte existe la de interpelar, liberar la imaginación, sacudir las certezas perceptivas del espectador y en esta materia la galería Casa E se preocupó de brindar alojamiento a trabajos que pudiesen provocar desacomodos en algún grado. Esto es con riesgo en sus materialidades y metáforas siempre sometidas al imperativo de una eficiente fusión entre ambas, forma y contenido, significado y significante. La ponderación crítica del cumplimiento o fracaso parcial o total de dicha exigencia contendrá parámetros heredados y también los construidos por oposición a éstos en el presente, los que a su vez serán des-construidos en el futuro y así sucesivamente. Este recuento del 2011 en Casa E finaliza con los “NUEVE SOBRE-RELIEVES” de Tomás Rivas, piezas talladas y moldeadas en yeso. Siendo la historia una edificación siempre problemática e incompleta de aquello que ha dejado de existir, los fragmentos volumétricos del artista aluden justamente al ejercicio de tal clase de nemotecnia. Aunque establecida en libros por los historiadores, la existencia de los hechos ocurridos no queda en muchos casos a salvo, sino que desaparece porque tal memoria perdió la su vitalidad. Los sobre relieves de Rivas, realizados en un material maleable como el yeso, provienen de una serie de fotos que tomó en el cementerio número 2 de Valparaíso y que el artista trasladó –como se traslada un cuerpo- a la galería. Conjugados al modo de hitos de recorrido al interior de la sala, los nueve cuerpos volumétricos se ligan espacialmente con ella conmemorando –cual monumento- los nueve lugares de Valparaíso por los que peregrinaron los restos de Diego Portales después de ser asesinado en el Cerro Barón. En realidad fue el corazón de Portales el órgano solitario que, en un copón y convertido en reliquia, protagonizó el insólito itinerario. Herencia, patrimonio, memoria, identidad entrecruzan sus señales cambiantes; relatos, ficciones y figuras en permanente fuga, nunca fijas. El arte trabaja en esos terrenos, inventando palabras necesarias y constelaciones simbólicas para asistir al individuo y al colectivo en su demanda de sentido en lo ríspido violento atroz de su tránsito de dirección mortal. Amén.

Claudia Donoso,

Catapilco, abril 2014.

A GRAIN OF LUCIDITY

When Casa E inaugurated its first exhibition in February 2011, it immediately entered a future that today is past. However, through the presence of this book that past will become present every time someone opens its pages. If that reader, beyond leafing through it, decides to give the book a closer reading, the original civic commitment at the inception of this publication will be completed: the effort to document and record what happened in a space of independent art in Valparaiso during the three years it lasted. Eighteen exhibitions, six per year and then the transference of all that experience into a publication like this, serves to create another space, a space that inherits the Casa E's experience and perpetuates its memory. The journey of Casa E gallery starts with "DINAMICA" by Matilde PĂŠrez, an outstanding artist that achieved a belated recognition in her own country. Working tirelessly, her production has today been accepted with honors in the tradition of optical and kinetic art, one of the vanguard movements of the twentieth century. The selection Casa E made of Matilde PĂŠrez's artwork focused on a theme addressed by the artist in the early 70s that led her, in 1979, to win a silver medal at the Geometric Abstraction Award in Lyon, France. These patterns of recognizable simplicity and high complexity appeared again in a mural executed in Valparaiso's Cerro Bellavista in 1992, and in Havana when, in 2009, she was invited to Cuba by Casa de Las Americas. The curatorial decision to premiere Casa E's exhibition room with this great lady set the route: outlining a lineage through the recognition and honoring of selected mature artists, and giving visibility and support to emergent artists of any age. And a final definition of the curatorial line: asking exhibitors to present sited artworks, i.e., works that involve a physical and symbolic awareness of the actual space where they will be shown, responding, of course, to its deliberate location in Valparaiso.

Lamarca's decision of settling down in a house at Cerro Alegre speaks of a way of looking enriched with the aesthetic information gained along his trips and long stays in places like Manila, Zaire, Lebanon and, later on, in Vienna and Paris. Such baggage had a clear role in his fixation with a port of cosmopolitan origin, just like Istanbul, Rio de Janeiro, Marseille or Lisbon (a city that Raul Ruiz often looked upon as a substitute to Valparaiso) are cities that cause an immediate visual impact for the urban answer they raise to their maritime geographic location. If hell is everywhere, and Valparaiso is no exception, the city has been regularly razed by earthquakes, tsunamis, and the constant threat of wildfires especially fueled by high winds. As for the traits of the city's cultural scene, an air of suspicion blows towards the capital citizens who arrive in the port thinking that they know how things work, and then try to colonize the place without second thoughts. The arrival of the former diplomat, and now former gallery owner, in the middle of the visual arts scene partly originates in his own education but also follows his appointment as head of DIRAC (the Government Directorate for Cultural Affairs) where he served between 2003 and 2010. From that position he was able to contact numerous participants of the Chilean cultural pot. The suspicion from a sector chronically neglected by the official apparatus gave way to an aptly civilized public official who acknowledged his ignorance given the case: "Tell me of this and this because... I DO NOT KNOW." Thanks to that attitude Lamarca saw the doors of the maze opening and his committed interest allowed him to cross the threshold. In "GRAND CELEBRATION" the second of the six exhibitions celebrated in 2011, Nicholas Rupcich focused in the commodification of landscape and architectural heritage as decorations for tourist consumption. The global phenomenon of Tourism with its frantic bid for exotic, erotic, super speedy offers that produce millions, was chosen by the artist as his subject of inquiry. Employing photography and video, and collecting different materials, helped him to organize a tour that included Athens, Paris, Venice and Valparaiso. When talking about heritage, one could venture that the author behind "GRAND CELEBRATION" is some sort of heir of the cultural debate about memory and oblivion, where photography has a leading role as the indisputable evidence of massacres, genocides, state terrorism, ethnic cleansing and dictatorships throughout the twentieth century. This ability to verify these infamous realities is still standing but, in parallel, photography has acquired a solid place as a compelling instrument for the renewed development of critical and expressive standpoints. Born in 1981, Rupcich is also heir to the rich tradition of installation art. His own piece plays with aesthetic irony to look at a combination of documental record and horror vacui employed by the tourist business. Nowadays, the great issue of memory - mostly of an emotional nature - has gained complexity, and both for artists and for other cultural producers, the big challenge involves exposing one's subjectivity, a private memory, in order to express something personal. INHERITANCE: "goods someone receives from a deceased person; set of qualities transmitted from parent to offspring" â&#x20AC;&#x201C; according to dictionary definition. Heredity could either be regal, unexpected and undeserved, or

null and lethal. The transfer of such a sociocultural perspective on Chilean soil yields a present with a legacy that includes hordes of overweight kids, radio stations for the poor, television programs for the poor, housing for the poor: psychic helplessness of an absolute majority of disinherited people is converted into profit for the few – the uneducated that "didn't get hold of" anything, not even the slightest provision of necessary resources for developing personal stories that help to resist dispossession and alienation. The title of Renato Ordenes San Martin's exhibition "CAUTIVERIO SERA" (Captive to Be) seems to announce a likely consequence derived from the above scenario. This young artist by the name of an old hero presented a huemul modeled in plasticine, somewhat larger than the actual deer officially declared extinct in 1976. This native Chilean deer that, without major references, someone could take for an ambiguous horse, is rescued through the use children's plasticine, a schooling material, thanks to the meticulous hand of the artist. Placed in the middle of the room and transformed in a monument, the little animal that Ordenes San Martin protects with an affective touch, finds refuge in the gallery but, in turn, gets lethally trapped in the exquisite trap laid by contemporary art. The melancholy of the piece could be extended to the abandonment experienced in Valparaiso itself, and to the threat of extinction looming over any independent art gallery in Chile. Casa E art gallery finds its muscle in the work of Lamarca and Eduard Feliu, who supported the former in his exodus from Santiago to Valparaiso. Feliu's critical sensitivity (that can become somewhat sadistic when he directs it to his own work as a visual artist) shows a distanced rigor when it comes to analyzing the work of others. Lamarca, on the other hand, displays emphatic empathy to the work that he likes. In the end, the two of them seem to arrive to similar conclusions despite following opposite paths. Feliu quietly and passionately concentrates on the design work, admiring Lamarca's ease when he officiates as master of ceremonies speaking in public. The curatorial table is also integrated by Isabel Ibanez and Javiera Parada who, just like Lamarca and Feliu, can only sit and work together for fun... as they do. Among the heavy-weight artists that exhibited in Casa E in 2011, Paz Errazuriz and the poet Malu Urriola presented "LA LUZ QUE ME CIEGA" (The Blinding Light). This was the fourth exhibition of the season; a multidisciplinary dilemma where photography, documentary video, digital video art, music and writing mixed. Their language and contents give life to a mirror plot that revolves around vision and blindness: they approached this binomy through audiovisual records in a town where a condition called achromatopsia is transmitted: this congenital disorder, transmitted from parents to children, restricts the color range of vision to black and white, even excluding intermediate grays. As real as it sounds, are these anomalous people who see "wrongly," or people who see differently? How do they – the “different people” – perceive what is undeniable for the rest? Is their way of seeing "poorly," "wrongly," or plainly non-human, like the visual capacity of a fly? The list of troubling questions shoots out in several directions supported by objective information pulsating like fiction: the existence in Chile of a minority who sees in black and white like those TV sets that broadcasted the World Cup in 1962, a community that lives in a coastal region located, precisely, between Matanzas and Paredones in the sixth region. This place nobody knows of punctured Urriola and Errazuriz's vision and extended beyond the gallery space through the

installation of large scale fragments of a portrait (12 by 4 meters) in various points of Valparaiso. The following exhibition in Casa E opened to the public between September and early November, 2011. Its title announced an enigmatic inquiry: "ARCHIVO MAR/MEMORIA RAM" (Sea Archive/ RAM Memory). True, weaving associations under unfamiliar, unsuspected logics is among the abilities of most artists. Pia Sommer, author of the work and young graduate of the Art Institute of Valparaiso's Catholic University, concedes a hidden memory to "THE SEA," an oceanic file that she tried to link to the abyssal memory of computers. Art involves, among other things, the possibility of interrogating, freeing the imagination, shaking the viewer's perceptual certainties. In such respect, Casa E gallery has consciously hosted a number of artworks able to raise some degree of controversy. Taking risks at material or metaphorical levels, the gallery has always managed to merge with efficiency both form and content, signifier and signified. The critical appreciation of the accomplishment or failure of this process will provide inherited parameters as well as new elements born in the present, which in turn will be de-constructed in the future, once and again. This account of 2011 at Casa E ends with "NUEVE SOBRE-RELIEVES" (Nine High-reliefs) by Tomas Rivas, a set of carved and molded plaster pieces. If history shows us a problematic and incomplete version of what is gone, the volumetric fragments of this artist point, precisely, to such kind of partial mnemonics. Although established in books by historians, the reality of the facts from the past is often mistaken when memory loses its vitality. Rivas' reliefs, made of plaster - a malleable material - come from a series of photos taken at Valparaiso's Cemetery No 2. In a way, the artist has moved them into the gallery, as if they were corpses. Combined as milestones that mark a route inside the room, the nine volumetric bodies find their place in the room to commemorate, like a proper monument, nine different sites in Valparaiso where the remains of Diego Portales made pilgrimage after being killed in Cerro Baron. It was actually Portales' heart, locked in a ciborium and converted into a relic, which followed this unusual itinerary. Heritage, inheritance, memory, identity ... they all intersect their changing signals through stories, fictions and figures in constant movement, never fixed. Art works in these areas, inventing necessary words and assembling symbolic constellations to attend both individually and collectively the need of sense throughout this rough, violent, atrocious, and mortal course. Amen.

Claudia Donoso, Catapilco, abril 2014.

DINÁMICA Matilde Pérez

8 de enero - 28 de febrero

GRAND CELEBRATION Nicolás Rupcich 12 de marzo - 1 de mayo

CAUTIVERIO SERÁ Renato Órdenes 7 de mayo - 3 de julio

LA LUZ QUE ME CIEGA Paz Errázuriz- Malú Urriola

16 de julio - 28 agosto

MEMORIA RAM / ARCHIVO MAR Pía Sommer 10 de septiembre - 6 de noviembre

nueve sobre-relieves Tomás Rivas

12 de noviembre - 25 de diciembre

DYNAMIC Matilde Pérez

8. January – 28. February

GRAND CELEBRATION Nicolás Rupcich 12. March – 1. May

CAPTIVE TO BE Renato Órdenes 7. May - 3. July

THE BLINDING LIGHT Paz Errázuriz- Malú Urriola 16. July – 28. August

RAM MEMORY / SEA ARCHIVE Pía Sommer 10. September – 6. November

NINE HIGH-RELIEFS Tomás Rivas

12. November – 25. December

MATILDE PÉREZ

DINÁMICA

8 de enero - 28 de febrero Arte Cinético · dibujo · Grabado · muralismo “Yo no pongo títulos a mis obras, no quiero que quien las mira tenga ya algo en la cabeza, una especie de prejuicio, que es lo que da un título, una cierta presión sobre lo que se debe ver. Quiero que el ojo mire libre, mi vida ha sido la búsqueda de la pureza, así se debe enfrentar el ojo con la obra” Matilde Pérez

“El cuadrado encerrado al interior de un círculo, ha sido un motivo abordado por varios artistas a través de la historia. En este caso constituye una investigación que Matilde Pérez ha llevado a diferentes soportes y técnicas, con el objeto de “dar vida al motivo” a través de los efectos ópticos que un espectador atento podrá descubrir con sus propios ojos”. Ramón Castillo

Curador, gestor cultural, académico, Director de Escuela de Artes Visuales Universidad Diego Portales

Dynamic

8. January – 28. February KINETIC ART · WALL PAINTING

DRAWINGS

ENGRAVINGS

“I give no title to my works. I don't want the viewer to have anything in mind, some kind of bias. Because that's what a title does; it exerts certain pressure on what you are supposed to see. I want the eye to watch freely. My life has consisted in pursuing that purity: that's the way the eye has to meet with the work.” Matilde Pérez

“A square enclosed inside a circle has been a motif for many artists along history. Matilde Perez approaches this exploration through different formats and techniques in search of ´bringing life into the motif´ through optical effects that a watchful viewer will discover with his own eyes.”. Ramón Castillo

Curator, cultural manager, academician, Director of the Visual Arts Faculty at Diego Portales University

exposición DINáMICA. Abajo derecha, la artista Matilde Pérez acompañada de Morgana Rodríguez inaugurando Casa E.

DYNAMIC EXHIBITION. Bottom right: Matilde Perez with Morgana Rodríguez at the opening in Casa E.

Boceto original (1971). Pieza central de la exposición “dinámica”. Gentilieza Museo Nacional de Bellas Artes.

ORIGINAL DRAFT (1971). Central piece at the exhibition “DYNAMIC.” Courtesy of Museo Nacional de Bellas Artes.

NICOLÁS RUPCICH

GRAND CELEBRATION

12 de marzo - 1 de mayo FOTOGRAFÍA · VIDEO

“Para esta exposición Nicolás Rupcich se dejó guiar como cliente-turista para acceder a los escenarios, narrativas y mitologías producidas por la industria del turismo; y de este modo registrar el uso de sitios patrimoniales como decorado para la repartición de espacios/tiempo excepcionales. En esta lógica, la fotografía, lejos de ser la detención de un escenario de experiencias para el recuerdo, es el instrumento para articular ideas sobre la industria que sostiene, distribuye y comercializa los paisajes”. RODRIGO LOBOS

Artista visual

GRAND CELEBRATION

12. March – 1. May

PHOTOGRAPHY · VIDEO

“For this show Nicolas Rupcich let himself be guided as a customer/tourist to gain access to the sceneries, narratives and mythologies produced by the tourist industry. In that way he registered the use of heritage sites as a décor to provoke exceptional time/space situations. Following this logic, photography, far from being the capture of a scene for remembrance, becomes the instrument to articulate ideas on the industry that upholds, distributes and trades landscapes.” RODRIGO LOBOS Visual artist

RENATO ÓRDENES

CAUTIVERIO SERÁ

7 de mayo - 3 de julio

ESCULTURA · INSTALACIÓN · SITIO ESPECÍFICO

“Casi en el centro de la galería un recorte: un espacio de otro lugar, una posible humedad sureña, y un presumible estado natural de las cosas. Una especie que no veremos, porque no sabemos donde buscar aquello que se extingue.” Isabel Ibáñez

Historiadora de arte, Gestora cultural, Directora Festival de las Artes de Valparaíso

“Renato Órdenes abraza, toca, aprieta. A la manera del ciego, como el ciego que ve a partir de sus manos, se va haciendo camino a través de la materia”. Antonio Duarte

Artista visual y poeta

CAPTIVE TO BE

7. May – 3. July

SCULPTURE · INSTALLATION · SITE SPECIFIC

“Almost at the center of the gallery a cutting: a space from somewhere else, a humid air from the Southern region, and an alleged natural state of things. A species we cannot see since we do not know where to start looking for something about to become extinct.” Isabel Ibáñez

Art historian, Cultural manager, Director of the Arts Festival of Valparaiso

“Renato Órdenes embraces, touches, clenches. Just like a blind man who manages to see with his hands, finding his way through the material world.” Antonio Duarte

Visual artist and poet

PAZ ERRÁZURIZ MALÚ URRIOLA

LA LUZ QUE ME CIEGA

16 de julio - 28 de agosto

FOTOGRAFÍA · POESÍA · VIDEO

“Nuestro trabajo está fundado en un grupo de personas que sufren de una enfermedad genética congénita llamada acromatopsia, que consiste en ver en blanco y negro. Y dentro de cuya visualidad el concepto de gris no sólo no existe, sino que es tan irreal como el resto de los colores. Por su parte la palabra, su posibilidad poética, funda un ámbito, el presentimiento de una ocultación, el momento de la emanación, como secreta experiencia del ser con el instante”. Paz Errázuriz (fotografía) Malú Urriola (poesía)

THE BLINDING LIGHT

16. July – 28. August

PHOTOGRAPHY · POETRY · VIDEO

“Our work is based on a group of people who suffer a congenital genetic disorder called achromatopsia. Those who suffer this condition can only distinguish black and white; within their visual perception grey not only is non-existent, but it is as inconceivable as any other color. Words, on the other side, with their poetic charge, discover a large field and suggest the feeling of what remains hidden, the moment when something is about to spring up as a secret experience that fuses with the instant.” Paz Errázuriz (photography) Malú Urriola (poetry)

Intervenciones gigantografía “La luz que me ciega”: Arriba Cerro Alegre, centro Cerro Panteón, abajo frontis Consejo Nacional de la Cultura y las Artes.

Interventions Gigantography “the blindig light”: Top Cerro Alegre, center Cerro Panteón, botton frontis National Council for the Arts and Culture.

PÍA SOMMER

MEMORIA RAM / ARCHIVO MAR

10 de septiembre - 6 de noviembre

PROYECCIÓN VIDEOACÚSTICA Y PINTURA*

“La sala es el almacenador temporal de la memoria, el mar es el archivo temporal de la sala. La luz en la oscuridad, la última voz beckettiana: el mar abriendo la memoria y cerrando archivos. Tramas de audio y paisaje, son en esta propuesta de la MAR en la RAM como en función de un espejo gráfico que muestra el mapa de luz importando la búsqueda de relaciones sonoro foforescentes de esta obra”. Pía Sommer * Sustrato fosforescente sobre pared.

RAM MEMORY / SEA ARCHIVE

10. September – 6. November

VIDEOACUSTIC PROJECTION AND PAINTING*

“The exhibition room temporarily stores memory. Conversely, the sea is a temporary archive of the exhibition room. Light in the darkness; the last voice of Beckett: the sea opening up memory and closing the archives. Audio and landscape mix in this proposal where the SEA (MAR) acts as RAM like in a graphic mirror that shows a map of the light in search of phosphorescent sound.” Pía Sommer * Phosphorescent coating on a wall.

TOMÁS RIVAS

NUEVE SOBRE RELIEVES

12 de noviembre - 25 de diciembre INSTALACIÓN · VOLUMETRÍAS

“La exposición trata sobre una serie de fotos de detalles tomadas en el cementerio N°2 de Valparaíso. Dichas fotos son sometidas a un proceso interpretativo de transferencia de 2 a 3 dimensiones. El resultado convierte la foto en levantamientos volumétricos: sobre-relieves tallados y moldeados en yeso que especulan sobre la construcción y el traslado de espacios y cuerpos (volúmenes) de ese cementerio en particular a la galería”. Tomás Rivas

NINE HIGH-RELIEFS

12. November – 25. December INSTALLATION · VOLUMETRIC PIECES

“The exhibition originates in a series of photos of tomb details taken in Cemetery no. 2. in Valparaiso. After a process of interpretation every picture is transformed from a two-dimensional into a three-dimensional object. As a result, each picture becomes a volumetric piece: high reliefs casted in plaster that play with the concept of construction and displacement of bodies (volumes) and spaces from the cemetery into the art gallery.” Tomás Rivas

Matilde Pérez

www.pazerrazuriz.cl/

Nicolás Rupcich

Pía Sommer

Renato Órdenes

Tomás Rivas

www.rupcich.cl/

http://renato-ordenes.tumblr.com/

Paz Errázuriz - Malú Urriola

www.piasommer.cl/

www.tomasrivas.com/

pre S encia

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presence

instalar el deseo

A solo un año de su puesta en marcha, Casa E logra consolidarse dentro del campo de las artes visuales como un núcleo visible que capta, elabora y emite diversas energías. Y lo hace, simplemente, legitimando un potente deseo cultural. Desde sus propias experiencias, obedeciendo a sus adhesiones emocionales y a sus personales inclinaciones estéticas, Emilio Lamarca y Eduard Feliú posicionan una práctica independiente pero muy rigurosa en su gestión. Desde el comienzo activan su capital simbólico y son capaces de sostener la autonomía del espacio respecto de cualquier imperativo externo, de las tendencias de moda, de los discursos teóricos y del mercado del arte. Desplazándose desde el centro urbano capitalino a una cierta periferia (según la lógica aún imperante del centralismo chileno), los artífices de Casa E se constituyen como un micro centro, en torno al cual generan redes de colaboración nutritivas y eficientes. El año 2012 (año en que se había anunciado el fin del mundo) la galería registra su máxima captación de audiencias, atrayendo público de la zona y arrastrando también a mucha gente que se traslada de otras ciudades para asistir a sus inauguraciones. Por otra parte, Casa E adquiere una sólida presencia en los medios y el interés de críticos y escritores que siguen con atención sus movimientos. Pero, más allá de eso, el espacio acelera la dinámica de su deseo motor. Los portafolios rebasan las estanterías. Ya son muchos los artistas contemporáneos que manifiestan su deseo de exponer allí. Desde Viña, La Ligua, Villa Alemana, Quilpué, San Felipe, Los Vilos, llegan propuestas visuales que esperan sumarse a las transmisiones de Casa E. La amplia y diversa demanda que ahora les llega desde todas partes demuestra que, en efecto, en la región existe un vacío que llenar y que la galería es percibida como un foco de esperanza para autores que necesitan de un espacio donde desplegar sus ideas. Esta constatación empuja la iniciativa de "Pan Batido", que se lanza ese año dirigiéndose específicamente a artistas jóvenes de la zona. Pero la espontánea convocatoria de Casa E llega mucho más lejos, capturando también la atención de artistas de Santiago e, incluso, de fuera de Chile. La galería ya se ha posicionado como una plataforma refrescante, pero también, como un lugar serio y profesional donde exhibir. Los gestores obedecen a un compromiso de buenas prácticas el cual implica, entre otras cosas, apoyo logístico y económico a la producción de obras. Se valora es-

pecialmente la intensidad con que se involucran en la totalidad del proceso que lleva a una muestra y, por otra parte, la actitud de respeto que mantienen hacia los artistas. Los gestores ofrecen una mezcla de respaldo y libertad poco frecuente. El lugar permite imaginar operaciones emergentes, realizar re-ediciones de obras en proceso y experimentar nuevas estrategias de exhibición. Muchos artistas se atreven a probar, por primera vez, ejercicios de montaje con otros autores, rentabilizando las energías de colaboración propias del espacio, para potenciar y amplificar los efectos de sus trabajos visuales. Casa E se constituye, de este modo, en un punto de lanzamiento, en el amplio sentido de la palabra: lanzar como rito iniciático, pero también como acto de arrojo. De algún modo, los artistas sienten que su actitud expositiva puede sintonizar con la sensibilidad del espacio, cuyos gestores también se han confiado a sus propias leyes. Desde Nueva York, Johanna Unzueta y Felipe Mujica, son los primeros que ese año desembarcan en la galería con "For and Against". En esta exhibición bipersonal los artistas se permiten experimentar con una obra conjunta que pone en escena complejas variables biográficas, como la dicotomía de ser chilenos haciendo una carrera en Estados Unidos y, por otro lado, el diálogo entre obras de dos artistas que son pareja en la vida real. La muestra busca unificar a través del color los imaginarios y materialidades característicos de cada uno, atenuando los signos de la autoría individual a favor de una lectura colaborativa. Siguiendo la misma señal de emergencia y colaboración, la segunda muestra de ese año pertenece a los jóvenes artistas santiaguinos Pilar Quinteros, Sebastián Riffo y Héctor Vergara. La exposición "Historias de destrucción y desborde" reflexiona sobre los aspectos tectónicos de Valparaíso: su cercanía con el mar, sus sitios eriazos y el devastador terremoto de 1906 que marcó para siempre su historia. Una de las piezas más significativas es el video de Quinteros, en el que la artista muestra el registro en video de una odisea física, en la que traslada una escultura desde la playa hasta los cerros. La muestra, por una parte, tematiza el emplazamiento descentrado de Valparaíso, como micro centro de Casa E, pero, por otro lado, es síntoma del ánimo de sus gestores, quienes apuestan por un proyecto riesgoso, confirmando la certeza de su intuición. La siguiente muestra corresponde a "Jolie Madame", collages de Claudia Donoso. En un gesto espontáneo, los galeristas descubren y validan el trabajo de una artista que, en Casa E, se atreve a mostrar por vez primera su obra visual. La gestión curatorial, en este caso, abarca todo el proceso, desde la selección de las obras a exhibir hasta el plan de montaje. Esta muestra adhiere también a la sensibilidad característica del espacio. Se trata de darle fuelle a un devenir biográfico: la reconocida escritora y periodista había abandonado las letras por un tiempo y se lanzaba –con mucho deseo y muy poco cálculo—a las artes visuales. En el invierno de 2012 Casa E exhibe el proyecto ganador de la convocatoria "Pan Batido": "Patio Trasero", de la joven artista Noelia Araya. Nuevamente se trata de una obra que relee Valparaíso, pero esta vez ya no su topografía, sino sus rincones cargados de una inestable domesticidad. La instalación recrea el patio de una casa al filo de un barranco poblado de desechos y escombros, donde se releva la tensión entre belleza y decadencia, utopía y desecho. La obra, de este modo, reconvierte la galería y la contagia con las estéticas y los hábitos que la circundan.

Con su exhibición "Bordes y límites", el artista ya consolidado Patrick Steeger llega en primavera para realizar un montaje muy logrado, ensayando esta vez una estrategia de exhibición distinta a lo que venía haciendo. Ya no se trata de instalar piezas en el espacio, sino de convertir el espacio mismo en un objeto que reinterpreta y resignifica con su gesto. Definido como una “ambientación”, su trabajo consiste en una serie de intervenciones que tematizan los detalles ornamentales de la arquitectura neoclásica propia de Casa E. Esta muestra implicó modificar el espacio, creando un muro adicional que luego fue utilizado en futuras exhibiciones. El año 2012 culmina con la muestra "Muchedumbre", de Jorge Brantmayer, que resume ejemplarmente el clima energético que anima el proyecto. Tras haber itinerado dentro y fuera de Chile su contundente inventario de retratos, los galeristas se involucran en un nuevo capítulo de este proyecto fotográfico, gestionando locaciones en Valparaíso y trasladándose junto al fotógrafo hacia distintos espacios porteños donde se realiza otra serie de fotos que documenta la diversidad de experiencias biográficas de la ciudad porteña. La muestra de Brantmayer pide un compromiso mayor de producción y, en su despliegue visual, encarna de una manera muy clara el deseo conectivo de Casa E, visibilizando y haciendo confluir identidades múltiples.

Coherencia subjetiva Sorprende la rapidez con que Casa E se instala, adquiere un sello particular y logra comunicarlo. Influyen los antecedentes culturales de su director quien, ya se sabe, inicia el proyecto con un bagaje y una red de contactos muy sólidos. Sin embargo, hay demasiados ejemplos que demuestran que la trayectoria de los gestores no es suficiente garantía de éxito para una galería. El surgimiento de Casa E coincide con otras iniciativas del mismo tipo que, en ese período, comienzan a desarrollarse en distintos lugares del país. Se trata de espacios de arte independientes, muchas veces de precaria infraestructura, que se desmarcan de la institucionalidad para inventar sus propios estilos de operar. El devenir de esos proyectos varía de acuerdo al carácter diverso de sus perfiles y situaciones particulares. Si existiera un listado de requisitos que aseguraran el buen funcionamiento de una galería, sería cosa de revisarlo y aplicarlo sistemáticamente, pero sabemos que no es así. Sin embargo, hay variables de ubicación espacial e infraestructura física que las galerías de mayor poder económico suelen considerar, como la decisión de instalarse en sectores estratégicos que faciliten el acceso del público e, idealmente, de compradores y coleccionistas. Es esta lógica lo que determina que las galerías, en todos los países del mundo, se agrupen en barrios para ofrecer un recorrido por la oferta de arte disponible. Más allá de su capacidad financiera, los galeristas ambicionan salas con condiciones ideales para montar y visionar las obras. El arquetipo remite al cubo blanco, de grandes dimensiones, limpio, pulcro, donde las obras no sean contaminadas por otros estímulos.

Casa E, como todas las galerías independientes, transgrede la norma, pero además se ubica fuera del epicentro santiaguino, duplicando, de este modo, su carácter excéntrico. Ajena, también, al ideal del cubo blanco, se toma un inmueble patrimonial, cargado de elementos arquitectónicos e históricos, al interior del cual acondiciona una pequeña sala de exhibición. Pero su decisiva particularidad está signada en su nombre. Se trata, en efecto, de una casa-habitación: es el espacio donde duermen, comen y trabajan los gestores del proyecto de arte. Nada menos pulcro y más contaminado. La contaminación entre vida y trabajo no solo tiene una serie de implicancias prácticas que obligan a redefinir permanentemente los límites entre lo cotidiano y lo “profesional”, sino que también introduce la subjetividad de los gestores como núcleo emocional e intelectual del proyecto de arte: el propio deseo adquiere la forma de gesto cultural. Y porque el deseo es genuino su manifestación resulta coherente, más allá de un planteamiento curatorial pre establecido. Si revisamos las exhibiciones realizadas durante el 2012, es difícil adscribirlas a un criterio estricto de selección. Las obras y los artistas no pueden ser más divergentes entre sí. Hay fotografías, instalaciones, collages, pinturas, esculturas; hay trabajos de visualidad clásica y otros muy contemporáneos; hay obras de tono conceptual y silencioso y otras más expresionistas e invasivas; hay artistas que exponen por primera vez y otros que tienen carreras consolidadas. Y, sin embargo, a pesar de esta apariencia de dispersión, el espacio tiene una identidad reconocible. Sus gestores dicen que nunca usaron la palabra “curatoría”, pues les parecía pretenciosa. En cambio, eligieron referirse a una “línea editorial”. Se trata de validar sus adhesiones a distintos lenguajes y formas de hacer arte, entendiendo el proceso curatorial como un devenir flexible y móvil, dándole cabida al cambio, al ensayo, al error, a la pérdida y al encuentro, pero sosteniendo, en todo momento, la coherencia subjetiva que encarna y da sentido al proceso. La línea editorial, de este modo, está amarrada al carácter biográfico del proyecto. Su energía, más que apuntar a los resultados formalistas de las exhibiciones, se invierte en generar modelos alternativos de funcionamiento. El énfasis está puesto en la comprensión del arte como un espacio simbólico-relacional, que permite la emergencia, circulación e intercambio de experiencias e imaginarios. Ahora, al mirar por el retrovisor, la rapidez con que Casa E logra reconocimiento dentro del medio de las artes visuales chilenas se entiende como consecuencia inevitable de la convicción interna que informa la actitud de sus gestores. Porque desde el primer día los galeristas legitimaron su subjetividad y validaron su biografía como único núcleo auténtico desde el cual intervenir en la cultura.

Catalina Mena Larraín. Curacaví. 2014.

Legitimating Desire

Only a year after its opening, Casa E has consolidated its position as a visible center that attracts, processes and emits different forms of energy within the field of visual arts. This achievement comes from a simple step: the legitimization of a powerful cultural desire. Following their own experience and emotional decisions, as well as their personal aesthetic inclinations, Emilio Lamarca and Eduard Feliu have reclaimed an independent practice that can also be meticulous in its management. From the first moment they activated their symbolic capital to preserve the autonomy of this cultural space from any external imperative, fashion trend, or theoretical discourse imposed by the art market. Having moved from the capital city center to a somewhat peripheral location (as seen by a prevailing Chilean centralism), the creators of Casa E settled a micro center around which grow nutritious and efficient networks of collaboration. In 2012, as the end of the world was rumored, the gallery registered its highest attendance. Both local public and people from other cities filled the opening events. By then, Casa E attracted big attention in the media and among critics and writers who closely followed the gallery's movements. No doubt, the gallery had accelerated the dynamic impulse of its active desire. Portfolios accumulated in the office shelves. Many contemporary artists expressed their desire to exhibit on its premises. Visual proposals from Vina del Mar, la Ligua, Villa Alemana, Quilpue, San Felipe, and Los Vilos wanted to be exhibited at Casa E. This growing and diverse demand was the confirmation of the want for a missing space in the region. In this context, the gallery appeared as a beacon of hope for artists in search of a space to display their ideas. At that point, the arrival of "Pan Batido", an initiative directed to young artists in the area, was imminent. The spontaneous call of Casa E traveled even further, attracting the attention of artists from Santiago and from abroad. By then, the gallery had opened a refreshing platform, a serious and professional place to exhibit. The gallery administrators demonstrated a commitment with good practices that included, among other things, logistical and financial support for the production of the artworks. The engagement in the entire process leading to each exhibition was fully appreciated together with an outstanding attitude of respect towards the artists. The

uncommon combination of resolved support and freedom for the artists was the blue seal of the gallery administrators. Emerging operations find room in the premises, along with the re-edition of works and the experience of new exhibition strategies. Many artists dare to try new forms of collaboration with other authors, exploiting the venue to full advantage in order to enhance and amplify the effect of their visual work. Casa E thus becomes a launching point in the broad sense of the word: it initiates a rite of passage, but it also sets in motion an act of courage. Somehow, artists feel that their exhibition attitude is in tune with the sensitivity of the space itself, whose managers have also committed to its own laws. That year Johanna Unzueta and Felipe Mujica were the first who landed in the gallery from New York, with their project "FOR AND AGAINST". In this experiment Ă deux their joint work addresses a complex scene with biographical variables such as the contrast of being Chilean nationals embarked in a career in the United States. They also proposed the dialogue between the production of two artists who are partners in real life. The exhibition sought a unified expression through the appeal to colors, imaginary resources, and the characteristic materiality of each artist's work, postponing the signs of individual authorship in favor of a collaborative reading. In the same path of emergence and collaboration, the second show of the year summoned three young artists from Santiago: Pilar Quinteros, Sebastian Riffo and Hector Vergara. "HISTORIAS DE DESTRUCCIĂ&#x201C;N Y DESBORDE" (Stories of Destruction and Flooding) reflects on the tectonic aspects of Valparaiso; its proximity to the sea, its vacant lots and the devastating earthquake that in 1906 would mark history forever. One of the most significant pieces of the exhibition was Quinteros' video where the artist shows the physical odyssey of dragging a sculpture from the beach to the hills. The show, on the one hand, focuses on Valparaiso's displaced location, where Casa E acts as a micro-center. But on the other hand, these Stories of Destruction transpire the spirit of the gallery administrators who, having bet on a risky project, could confirm the accuracy of their intuition. The following sample was "JOLIE MADAME", a series of collages by Claudia Donoso. In a spontaneous gesture, the gallery owners discovered and validated the work of an artist who, in her fifties, dared to show her work for the very first time. The curatorial support for this show extended along the entire process, from the selection of works to the distribution of the pieces in the gallery. This exhibition also displayed a characteristic harmony with the space of the gallery. Jolie Madame looked at a biographical process of becoming: an acknowledged author and journalist puts her literary condition to the side and throws herself - with great desire and little calculation - into the visual arts. In the winter of 2012, Casa E hosts the winning work of "Pan Batido's" first edition: "PATIO TRASERO" (Backyard) by young artist Noelia Araya. Her work proposes a second reading of Valparaiso, but instead of looking at the physical topography she focuses on those places that concentrate an irrepressible domesticity. The installation recreates the backyard of a house located on the edge of a pile of waste and debris. The tension between beauty and decay, utopia and waste acquires full relevance. As a result, the gallery's space is reconverted through the aesthetic and habits that surround it.

"BORDES Y LIMITES" (Borders and Boundaries) by well-established artist Patrick Steeger made its entrance in Spring. Through elaborate staging, Steeger decided to test a different strategy from his precedent work. He no longer installs pieces in the room; it is now the space itself that gets converted into an object, able to be reinterpreted and redefined through a gesture. Defined as a "setting," his work involves a series of interventions focused on ornamental details from neoclassical architecture that are part of Casa E. This show introduced a modification in the gallery with the addition of a wall, which was later incorporated in future exhibitions. Jorge Brantmayer closed the year 2012 with "MUCHEDUMBRE" (Crowd), a good example of the propitious environment that defines Casa E's art project: the gallery entertained a new chapter of this long-term photographic project that has roamed in Chile and abroad with its straightforward inventory of photographic portraits. The gallery owners helped the artist to find the required locations in Valparaiso and moved about to different venues to help in the new series of photos documenting the diversity of biographical experiences of the port city. Brantmayer's exhibition also required a larger commitment to production. The actual visual installation clearly embodied the desire of Casa E to bring people together by merging multiple identities in the portraits.

Subjective consistency It is surprising how quickly Casa E has acquired a distinctive seal and manages to transmit it. The cultural experience of the director plays an important role; his background, added to a wide network of contacts, helps to consolidate the project. Notwithstanding, numerous cases show that the trajectory of directives not always guarantees the success of a gallery. The emergence of Casa E coincided with other initiatives of the same type that, in that period, were developing in different parts of the country. These independent art spaces, often precarious in infrastructure, distanced themselves from the institutions to reinvent their own functioning style. The future of these projects varies according to the different nature of their profiles and situations. If there were something like a list of requirements that may ensure the smooth running of a gallery, it would be a tool to review and apply systematically. However, we know that that is not the case. There are, nonetheless, certain variables of spatial location and physical infrastructure that well-established galleries often take into account. The decision to settle in strategic sectors provides access to wider audiences and, ideally, to buyers and collectors. Under this logic galleries, in all countries, are grouped into neighborhoods to provide a tour of the art supply. Beyond their financial power, gallery owners aspire to run spaces with ideal conditions for installing and viewing the works. The archetype refers to the white cube: large, clean, neat, a gallery where the works are not contaminated by other stimuli.

Casa E, like all independent galleries, transgresses from the norms. Moreover, it is located outside the epicenter of Santiago, reinforcing its eccentric condition. It is also far from the ideal of the white cube. Instead, the gallery is located in a heritage property, full of architectural and historical elements, inside which a small showroom has been arranged. But the decisive singularity is already encrypted in its name. Casa E is indeed a home-room; the space where the project administrators sleep, eat and work. Promiscuity at its best. Contamination between life and work not only has a number of practical implications that ask for constant redefinition of the boundaries between the everyday and the "professional," but it also introduces emotional and intellectual aspects of the administrative managers at the core of the art project: the desire itself takes the form of a cultural gesture. And since the desire is genuine, its manifestation is consistent, beyond any pre-established curatorial approach. Looking back at the exhibitions held in 2012, it is difficult to ascribe to a strict selection criteria: artworks and artists could not be more divergent from each other... photographs, installations, collages, paintings, sculptures. While some works respond to a classical visuality, others are clearly contemporary. Some pieces impose a conceptual and quiet tone, whereas others appear more expressionistic and invasive. By the same token, if some artists exhibit for the first time ever, others have consolidated careers. Yet, despite the apparent dispersion, Casa E has a recognizable identity. Managers underline the fact that they have never used the word "curatorial" because it seemed somehow pretentious to them. Instead, they chose to talk of an "editorial line." As such, they validate their adherence to different languages and ways of making art, taking the curatorial process as a flexible and mobile way of evolution that allows the possibility of change, test, error, loss and encounter, without missing the coherence that embodies and gives meaning to the entire process. Thus the editorial line is tied to the biographical nature of the project. The energy, rather than concentrating in the formal outcome of each exhibition, is invested in generating alternative operating models: understanding art as a symbolic-relational space that allows emergency, circulation and exchange of experiences and images. Looking now in the rearview mirror, the speed with which Casa E achieved recognition in the Chilean visual arts scene comes as an inevitable consequence of the inner conviction of the operators in charge. Because from day one the gallery managers legitimized their own subjectivity and validated their biography as the authentic source to intervene in culture.

Catalina Mena LarraĂn. CuracavĂ. 2014.

FOR AND AGAINST Johanna Unzueta y Felipe Mujica 14 de enero - 26 de febrero

HISTORIAS DE DESTRUCCIÓN Y DESBORDE Pilar Quinteros · Sebastián Riffo · Héctor Vergara 10 de marzo - 29 de abril

JOLIE MADAME Claudia Donoso

12 de mayo - 01 de julio

PATIO TRASERO Noelia Araya

21 de julio - 26 de agosto

BORDES Y LÍMITES Patrick Steeger

8 de septiembre - 28 de cotubre

MUCHEDUMBRE Jorge Brantmayer

9 de noviembre - 30 de diciembre

FOR AND AGAINST Johanna Unzueta y Felipe Mujica 14. January – 26. February

STORIES OF DESTRUCTION AND FLOODING Pilar Quinteros · Sebastián Riffo · Héctor Vergara 10. March – 29. April

JOLIE MADAME Claudia Donoso 12. May – 1. July

BACKYARD Noelia Araya

21. July – 26. August

BORDERS AND BOUNDARIES Patrick Steeger 8. September – 28. October

CROWD Jorge Brantmayer

9. November – 30. December

JOHANNA UNZUETA FELIPE MUJICA

FOR AND AGAINST

14 de enero - 26 de feberero ESCULTura · INSTALACIÓN · video

“Exposición bipersonal. Si bien temática y conceptualmente las obras de cada uno son diferentes, ambos artistas construyen a partir de materiales de producción masiva, como fieltro y papel mural. En esta ocasión Johanna Unzueta investigó la dicotomía entre industria y naturaleza, en tanto Felipe Mujica trabajó una estrategia decorativa y conceptual que encubrió una obra para situarse “detrás”. Ambos creadores decidieron producir una primera lectura compartida, a través de la utilización de una gama cromática similar en todas las obras, buscando crear un espacio y espíritu colaborativo, donde cada una de las piezas renuncia a parte de su individualismo”.

FOR AND AGAINST

14. January – 26. February SCULPTURE · INSTALLATION · VIDEO

“Dual exhibition. Even when the themes and concepts of the works presented are different, both artists employ standard production materials, namely felt and wallpaper. Johanna Unzueta's research looks into the dichotomy between industrial and natural processing, whereas Felipe Mujica focuses on the decorative and conceptual strategy “behind” an artwork. Both artists decided to share a common approach at first, employing a similar chromatic range. Thus, each piece partially resigns its individuality.” Eduard Feliú

Eduard Feliú

PILAR QUINTEROS SEBASTIÁN RIFFO HÉCTOR VERGARA

HISTORIAS DE DESTRUCCIÓN Y DESBORDE 10 de marzo - 29 de abril INSTALACIÓN · objeto escultórico · PINTURA performance y VIDEO registro

“Exposición que reflexiona sobre los aspectos tectónicos de Valparaíso, la relación de proximidad que tiene la ciudad con el mar, los sitios eriazos y el devastador terremoto e incendio de 1906. Esta se comprende como una muestra tripersonal donde los artistas nos presentan, mediante la utilización de diversas materialidades, un panorama visual atiborrado de escombros, residuos y remanentes de historias perdidas en el imaginario colectivo de la ciudad de Valparaíso”. Eduard Feliú

STORIES OF DESTRUCTION AND FLOODING 10. March – 29. April INSTALLATION · SCULPTURAL OBJECT · PAINTING PERFORMANCE AND VIDEO

“The exhibition looks into different tectonic aspects of Valparaiso, focusing on issues like the close relationship between the city and the sea, the widespread vacant lots and the devastating earthquake and fire that destroyed the city port in 1906. Through diverse materialities, this three-artist show places the viewer in a crowded visual landscape full of rubble, debris and remnants of lost stories that populate the collective imagination of the city of Valparaiso.” Eduard Feliú

CLAUDIA DONOSO jolie madame

12 de mayo - 1 de julio COLLAGE

“Mucha noche en ‘Jolie Madame’, y mucha autarquía y mucha distancia. Se trata de imágenes que no son concebidas, sino vistas, apenas aparecen, de forma espontánea, como si la tijera fuera guiada por alguna corriente misteriosa como la que mueve los dedos o el vaso en los juegos espiritistas” Silvia Veloso

Poeta

“Pasar de la escritura al collage implica no solo una inversión de roles –entre texto e imágenes- sino una opción opuesta en la economía de construcción de lo real. Aquí todo se mueve, se toca y se recorta sin más propósito que el alivio de su despliegue tormentoso. La autora se hace habitar por el conjunto de las imágenes que la conmueven, la hieren o la llaman y lanza los destellos, las fallas, los pedazos imaginarios y carnales de una vida sin detenerse en las convenciones y los anclajes culturales” Fernando Balcells

jolie madame

12. May – 1. July COLLAGE

“Plenty of nightly feelings in Jolie Madame, and lots of autarchy and distance. These images were not conceived with the mind, only with the eye: they just appear spontaneously, as if the scissors that made them were guided by some mysterious power, the same that moves your fingers or the glass in spiritualist sessions.” Silvia Veloso Poet

“Moving from writing into collage not only involves a reversal of roles (between text and image) but also leads to the opposite option when building the economy of the real. All elements move and touch with no other purpose than offering a stormy deployment. The author is visited by a number of images that move her, call her or hurt her. She then flashes these fractures, imaginary pieces from the life of someone who pays no tribute to conventions and cultural anchors." Fernando Balcells Sociologist

Sociólogo

NOELIA ARAYA

pan batido 2012

PATIO TRASERO

21 de mayo - 26 de agosto INSTALACIÓN · SITIO ESPECÍFICO

“Patio Trasero está construida sobre un terreno que aparenta ser frágil, sin embargo es en esto que se empodera y sostiene. Una terraza que disfruta de su inminente caída es -o mejor dicho puede ser- la metáfora palpitante de una cultura construida sobre ruinas, retazos y deshechos. Una sociedad que se levanta sobre sus crímenes, una vida que se alza sobre sus recuerdos, un presente que se eleva sobre su pasado pero que aún arrastra el olor a putrefacción, como un cadáver del que nunca pudo deshacerse”.

Franco Cárcamo

BACKYARD

21. May – 26. August INSTALLATION · SITE SPECIFIC

“Backyard is built on a terrain that appears to be fragile. However, this location provides the work with its power and support. A terrace joyfully placed on the verge of a landslide suggests a throbbing metaphor of a culture built upon ruins, remnants and debris. A society that stands on its crimes, a life perched on past memories, a present raised over the past, still oozing the smell of putrefaction, like a corpse one cannot get rid of.”

Franco Cárcamo Arts graduate

Licenciado en arte

PATRICK STEEGER

BORDES Y LÍMITES

8 de septiembre - 28 de octubre GRABADO · INSTALACIÓN · obra lumínica “En el desarrollo de cada pieza, Steeger logra llegar hasta las últimas consecuencias formales y materiales. Cambio de escala, descontextualización y recontextualización, inversión, cambio de materialidad, y giros son algunas de las operaciones formales usadas en el desarrollo de sus piezas. Así, cada una es sometida a un riguroso proceso de experimentación y ensayo”. Pablo Brugnoli Editor

“Lleno de arquetipos, todo es arquitectura, todo es arte, todo es borde, todo es límite, pero se vacía de contenido al referirse a sí misma. Queda la huella, la silueta, el reflejo, la luz y todo genera una poética que ya creemos conocer”. Patrick Steeger

BORDERS AND BOUNDARIES

8. September – 28. October

ENGRAVING · INSTALLATION · LIGHTS' WORK “Steeger exhausts every formal and material possibility in each of his pieces. Altered scales, de-contextualization and re-contextualization, reversions, a combination of materials and twists are integrated to the formal operations employed in the development of his work. Thus, each piece is exposed to a rigorous process of experimentation and testing.” Pablo Brugnoli Editor

“Full of archetypes where everything is architecture, everything is art, everything is border line, everything is on the boundaries... but finally empty of a central content. We are left with traces, outlines, reflections, and lights that operate a poetic frame we suspect to be familiar with.” Patrick Steeger

JORGE BRANTMAYER

MUCHEDUMBRE

9 de noviembre - 30 de diciembre fotografía

CROWD

9. November – 30. December PHOTOGRAPHY

“Estar frente al lente de una cámara para obtener un retrato de nuestro rostro implica mirar de frente, implica tratar de “revelarnos” en un fragmento de segundo de manera honesta y profunda, implica enfrentarnos a lo que somos, a lo que hemos sido y lo que queremos ser”.

“Standing in front of the camera to be portrayed entails looking straight into the eyes, trying to 'reveal ourselves' with total sincerity and profoundity: in less than a second, we have to face what we are, what we have been and, most of all, what we want to be.”

“Jorge Brantmayer pone y propone en MUCHEDUMBRE que toda clase social, situación educacional o diferencias étnicas, sea abolida logrando que todos individualmente pasen a ser parte de la historia, de una historia grupal y singular. En esta exposición es posible descubrir las micro historias no dichas de cada retratado. Estos rostros miran y nos increpan, son personas que quieren y buscan un mayor protagonismo, a través del trabajo del fotógrafo”.

“In CROWD, Jorge Brantmayer poses and proposes the abolition of all social classes, education or ethnicity to integrate history both as individuals and as a collective group. In this show we can read the unspoken micro-stories in each face portrayed. These faces look defiantly at us, people who want and seek greater presence, through the photographer's work."

Camilo Yáñez

Visual artist and curator

Artista visual y curador

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Intervenciones y registros de retratos para video: Atención a público en la Ilustre Municipalidad de Valparaíso y en Edificio Gimpert de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso.

Making OFF: Attending the audience at the Municipality of Valparaiso and at the Gimpert Building of the Catholic University of Valparaiso.

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Johanna Unzueta y Felipe Mujica

www.lanubeloca.org/Johanna Unzueta www.lanubeloca.org/Felipe Mujica

Noelia Araya

21 de Julio - 26 de agosto de 2012

Quinteros + Riffo + Vergara www.pilarquinteros.com www.sebastianriffo.cl www.hectorselector.cl

Claudia Donoso

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Patrick Steeger

www.patricksteeger.com

Jorge Brantmayer

www.jorgebrantmayer.cl

resistencia

Âˇ

resistance

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ruta tenaz

Con sólo dos temporadas de exposiciones y un estilo curatorial bastante dado a los afectos, enterado de la escena, pero también en base a las relaciones que sus directores, Emilio Lamarca y Eduard Feliú, van entablando con artistas cercanos, Casa E logró en 2013 una programación donde bien se podría hablar de consolidación. Sabemos que mantener un espacio dado a la difusión de arte contemporáneo en regiones es casi un sueño, una utopía que muy pocos pueden mantener con prestancia en el tiempo. Esta galería se ha fortalecido gracias a un poder de autogestión y asociatividad, construyendo durante su tercer año de vida, un itinerario de exposiciones de peso, diverso y sustancioso, que logra una mirada sobre lo que ha estado ocurriendo en el arte chileno el último tiempo. De enero a diciembre, en muestras individuales y colectivas, estuvieron aquí artistas relevantes de la escena local: Rodrigo Canala, Gerardo Pulido, Paz Carvajal, Claudia Missana, Ximena Zomosa, Camilo Yáñez, Alejandro Quiroga y Gianfranco Foschino, sumándose una exposición donde fue presentado un talento recién emergente de la región de Valparaíso, Nemesio Orellana, ganador de “Pan Batido”, concurso que organiza anualmente el espacio. De generaciones recientes, los expositores representaron distintas maneras de asumir las prácticas experimentales, trabajando con lo objetual, lo escultórico, lo pictórico, el video, la fotografía o la instalación, siempre con esmerada pulcritud, enfrentándonos a temas fundamentales tanto para el arte como para la sociedad contemporánea. Fuera de Santiago, en Valparaíso, desde una escena muy visible y atrayente, pero precaria y periférica a la vez, Casa E se ha ido configurando como una de las pocas galerías especializadas en arte contemporáneo en el circuito nacional, siendo al mismo tiempo un hito turísico-cultural en la medida que –en pleno Cerro Alegre– la construcción tiene valor patrimonial, manteniendo en paralelo una librería y desarrollando nexos con otras instancias

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locales, como el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, Balmaceda Arte Joven y el Festival de las Artes de Valparaíso, entre otros. La sala de exhibiciones es el centro en esta enorme casona de estilo victoriano, un área acotada, tal vez unos pocos metros cuadrados, pero de altísimos muros, que soporta al mismo tiempo las historias de una ciudad contrastante. La ocupación del lugar ha implicado siempre un desafío para los artistas. Frente al formato concentrado, las obras han estado obligadas a asumirse como “gestos”: no tanto como piezas de arte en exhibición, sino como signos en situación, obras puestas en el sitio preciso desde donde dialogar con otras obras, para significar entre ellas o bien con el espacio, con los visitantes, con el barrio o la ciudad. La galería obliga entonces a operaciones tipo site specific, a intervenciones donde recursos acotados se interrelacionan con potencia expansiva. Desde claros representantes del arte actual en Chile y con trabajos de contexto, las exposiciones 2013 aportaron una visualidad particular dentro del panorama local y ciertas reflexiones, siendo algunas claves temáticas en este itinerario, la visualidad urbana, la idea de desplazamiento y territorio, la posdictadura, la noción de simulacro y la de paisaje en la pintura contemporánea. La primera muestra del año, “EMBLEMAS”, fue un buen ejemplo de esta efectividad. Por primera vez juntos, artistas notorios de la última década, Rodrigo Canala (1972) y Gerardo Pulido (1975), presentaron entre enero y febrero un montaje donde sus obras se relacionaban diluyéndose en algún grado las autorías. Eran dibujos, pinturas y esculturas inéditas, creadas por separado o en conjunto, que representaban búsquedas personales y al mismo tiempo ciertas similitudes dadas por una estética minimalista, por operaciones desde la pintura y el ámbito de la decoración. Los autores han trabajado juntos a través del Taller BLOC, reconocido espacio de creación, formación y difusión de artes visuales, ubicado en Santiago. La foto de los barrotes de una ventana; un trozo de esas defensas metálicas que se usan sobre muros en la ciudad, puesto en un objeto escultórico; superficies escarchadas, melaninas que simulan ser mármoles, un tronco pintado y una pintura que representa las vetas de la madera, eran algunas de las estrategias que exhibían cierta tendencia a la abstracción geométrica y a un trabajo con el kitsch. Con máxima síntesis, las imágenes eran diseños acotados que provenían del ámbito urbano y jugaban con la idea del emblema. La pulcritud, un ascetismo total en la exhibición, era también característica escénica. Todo un ejercicio de ocupación fue igualmente el montaje de Paz Carvajal (1970), Claudia Missana (1964) y Ximena Zomosa (1966). “FUERA DE BORDE (EL PUERTO)” marcó la última parada de un periplo de exposiciones que durante 2012 las llevó de Punta Arenas a Montevideo (Uruguay), Cochabamba (Bolivia) y Oaxaca (México). Las artistas son reconocidas individualmente, conformando además un equipo de trabajo que labora desde 1998. En este último proyecto, se propusieron circular por distintas salas de Latinoamérica, construyendo un territorio de redes posibles y asentándose simbólicamente con obras “portables”, definidas desde la idea del viaje, del desplazamiento y de los vínculos con los espacios.

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Las intervenciones en Casa E fueron muy diversas, cada una ocupando un muro, con propio peso estético y conceptual. Ximena Zomosa trabajó referencias a su propio cuerpo, puestas en relación al lugar: ocupando el tabique de entrada, una cascada armada de recortes de su pelo y, ya en sala, una fiel reproducción en yeso de sus brazos soportando una maqueta de la fachada de Casa E. Paz Carvajal se situó entre referencias a lo femenino y a la literatura clásica, con un telar de mostacillas que llevaba escrito el fragmento aquel de La Odisea, donde Penélope habla a los pretendientes que la acosan tras la larga ausencia de Homero. Mientras que Claudia Missana propuso un cruce entre las nociones de dibujo y territorio, a través de un video y un entramado de luces, cables y trazos hechos directos sobre la pared. “DERROTA”, de Camilo Yáñez (1974), también puso a Casa E en un itinerario de exposiciones por espacios relevantes, que fue esta vez de Santiago a Valparaíso. Se trató de la tercera parte y final de una triada de exposiciones que reflexionaba visualmente sobre la sociedad chilena al momento de conmemorarse los 40 años del Golpe Militar. Primero en Sala Gasco y luego en Galería D21, el recorrido presentó distintas propuestas, la primera desde la fotografía y el paisaje, más poética, mientras que la segunda con referencias a las movilizaciones sociales y a los poderes económicos, más política, para terminar con una mirada más bien íntima. En jerga náutica, “derrota” apunta al verdadero trayecto que recorre una embarcación pese a la carta náutica que se traza y se intenta seguir. En exhibición, fueron dos videos –“Victoria Allende limpia al pueblo de Chile” y “Carmen 36”– más una serie de fotos que correspondían a fotogramas de esta última producción audiovisual, justamente la más personal, el registro de sus padres recordando los momentos vividos para el Golpe de Estado, así como la vida en un departamento que habitaron en calle Carmen número 36, en Santiago, enfrentado a otro registro: el de la actual situación de abandono que vive el edificio perteneciente al Poder Judicial. Entre lo público y lo privado, una metáfora del Chile de hoy; en el relato descorazonado e irónico de sus padres, la sensación de que fracasa el rendimiento crítico de la obra contemporánea. Frente a estas preocupaciones determinantes para el arte actual, la muestra de Alejandro Quiroga (1967), “MITAD VERDAD / MITAD MENTIRA”, resituaba a la pintura desde uno de sus temas tradicionales, el paisajismo, pero con formulación “contemporánea”, es decir, crítica tanto del sistema de la pintura como del paisaje local. Quebrando el típico formato de “exposición de cuadros”, operando por acumulación, fragmentación o como intervenciones en el muro, se trataba de reproducciones del paisaje de la zona central, hechas a partir de fotografías, donde el encuadre estaba dado por una gran limpieza visual. En la pintura operaba una síntesis formal y cromática extrema, colores llevados casi al blanco y negro, para abordar una suerte de vacío o silencio. Eran “ejercicios territoriales” sobre el campo, la cordillera o el suburbio, que evidenciaban mínima presencia de lo humano. La pintura como gesto o el paisaje como bosquejo, un recorte cargado de simbolismo y subjetividad. Definitivamente una manera más experimental de lo pictórico presentó en diciembre Gianfranco Foschino (1983). También desde el paisaje y la fotografía, pero “ESTADOS INSULARES” eran cinco videos: pantallas planas sobre el muro que parecían cuadros o cajas de luz con tomas retro iluminadas de solitarias vistas de Rapa Nui; registros

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en tiempo real de los imperceptibles cambios que experimentaban las lomas volcánicas bajo un cielo azul o las nubes sobre el mar inmenso. Los videos engañaban en una primera instancia. Los planos fijos eran un ejercicio contemplativo que conectaba con un tiempo mítico o con el origen de los tiempos, siendo también –y lo mismo que en Quiroga– un “ejercicio de territorialidad”, en la medida que se evidenciaba un paisaje foráneo tanto para la cultura saturada de la ciudad como para la idea de lo chileno. En Casa E estaba así la última propuesta de un artista muy joven que ya ha participado en una de las principales instancias del arte internacional, la 54ª Bienal de Venecia (2011). Podría criticarse a esta programación la falta de artistas de la zona. Pero, gracias a la convocatoria de arte joven “Pan batido”, que organizó por segundo año la sala, esta vez sólo a artistas de regiones fuera de Santiago, logró notoria presencia justamente la obra de un exponente de Valparaíso. Entre julio y agosto, estuvo “TÓTEM”, de Nemesio Orellana (1981), proyecto ganador y que sorprendió por una presencia estética donde una fina y obsesiva manualidad fue también protagonista. La obra se planteaba desde la escultura y era un vórtice de pequeñísimas casas recortadas , montadas y acumuladas con la lógica del collage y la maqueta, imágenes extraídas de Google Earth que se extendían a través del muro y se levantaban también desprendiéndose hacia el espacio expositivo. Barrios, sitios eriazos, complejos habitacionales y edificios en miniatura iban conformando así una ciudad imposible o bastante posible tal vez, en una hipotética y aterradora proyección al futuro. Aquí también un ejemplo de la efectividad de las relaciones: en visita al puerto, la curadora de la Bienal de Bolivia, SIART 2013, Norma Campos, visitó por entonces Casa E, fascinándose tanto con la obra de Orellana, que invitó al artista a participar en la octava versión del evento, que se realizó de octubre a noviembre en La Paz bajo el tema “Territorios inestables”. Emilio Lamarca también fue invitado para exponer sobre un espacio que interesó como proyecto de arte contemporáneo erigido desde una ciudad marcada por tensiones sociales, políticas y culturales, como es Valparaíso. Se puede hablar también de consolidación de un espacio de arte cuando éste se sitúa con determinado valor simbólico en el circuito, cuando su presencia se vuelve significante en distintos niveles, tanto para un panorama de tendencias –por ejemplo– como para situaciones de sistema de arte. Lo crítico y lo experimental han sido constantes en las obras expuestas durante el tercer año de vida de Casa E y, en este gran gesto de apostar por el riesgo, ha habido también un espíritu de resistencia. La difusión del arte contemporáneo ha estado enfocada más al público que a la teoría y más a la trascendencia cultural que a fines comerciales, logrando mantenerse en el tiempo con un estándar de exposiciones tan atractivo como discursivo, y al mismo con un nivel de relaciones transversal, desde lo institucional a los márgenes y viceversa.

Carolina Lara B. Tomé, 2014.

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Tenacious Path

Only two seasons after its opening, and displaying a curatorial style marked by affection and proximity to certain artists – although well aware of the scene – in 2013 Casa E directors Emilio Lamarca and Eduard Feliu achieved what could be seen as a well- established program. We are aware that running a contemporary art space at a regional level is almost a dream, a utopia that few can survive over time. Self-management and partnerships have strengthened the gallery, though. During its third year of life, a number of significant exhibitions, through diverse and rich propositions, provided a clear approach to the Chilean art scene of the last years. In solo and group exhibitions the work of relevant artists from the local scene was shown from January to December: Rodrigo Canala, Gerardo Pulido, Paz Carvajal, Claudia Missana, Ximena Zomosa, Camilo Yañez, Alejandro Quiroga and Gianfranco Foschino. In addition, a new emerging talent in the region of Valparaiso, Nemesio Orellana, showed the winning piece of "Pan Batido", the annual art contest organized by Casa E. Recent generations have demonstrated a meticulous way of working when addressing fundamental issues for contemporary art and society from different experimental stances to objectal, sculptural, pictorial, video, photographical and installational practices. In Valparaiso, located away from Santiago, Casa E is part of a conspicuous and attractive scene, although precarious and peripheral at the same time. In spite of it all, the gallery is one of the few specializing in contemporary art at the national level. It also appears as a tourist and cultural milestone lodged in a building with heritage value at Cerro Alegre, and includes a bookshop. Casa E holds links with other local institutions such as the National Council for Culture and the Arts, Balmaceda Arte Joven, and the Arts Festival of Valparaiso, among others. The exhibition hall occupies the central area of this huge Victorian house: a secluded space of only a few square

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meters surrounded with towering walls. The stories of a contrasting city can be read in such a place. How to display in this space has meant a major challenge for artists. In contrast to this concentrated format, the works seem forced to be considered as "gestures:" not so much as pieces of art on display, but as signs, pieces nested in the right place where they can open the dialogue with other works, with the space, with visitors, with the neighborhood and also with the city. The gallery asks for site-specific interventions, operations where limited resources must negotiate with expansive power. Thanks to outstanding representatives of contemporary art in Chile and their contextualized work, the 2013 exhibitions brought about a singular visual stance into the local scene and produced some ideas on urban visual affairs, displacement and territory, the post-dictatorship period, the notion of simulacrum and the place of landscape in contemporary painting. The opening show of the year, "EMBLEMAS" (Emblems) was a good example of this effectiveness. Exhibiting together for the first time, Rodrigo Canala (1972) and Gerardo Pulido (1975), two artists that have enjoyed sustained recognition over the last ten years, produced a display in which personal authorship was somewhat diluted. Their drawings, paintings and sculptures, created separately or jointly, represented their personal quest and, at the same time, showed a shared minimalist aesthetics in a number of pictorial and ornamental gestures. The two artists have worked together at BLOC, a recognized atelier located in Santiago, devoted to the creation, training and dissemination of the visual arts. A picture of the window bars; a piece of metal fence presented as a sculptural object; frosty surfaces; melamine that imitates marble; a painted trunk next to a painting depicting the grain of the wood: all these strategies lean towards geometric abstraction and a certain type of kitsch. Some images appeared as sketches of urban design and played with the idea of the emblem. Neatness, a total asceticism on display, was also a scenic feature. "FUERA DEL BORDE (EL PUERTO)" (Outside the edge (The Port)) by Paz Carvajal (1970), Claudia Missana (1964) and Ximena Zomosa (1966) worked as a squatting exercise. The show was the final journey of an itinerant exhibition that traveled throughout 2012 from Punta Arenas to Montevideo (Uruguay), Cochabamba (Bolivia) and Oaxaca (Mexico). Although individually recognized, these artists have worked as a team since 1998. In their latest group collaboration, they moved across several exhibition halls in Latin America, trying to outline a territory of possible networks through the symbolic installation of "portable" works informed by notions of travel experience, displacement and spacial links. Their interventions at Casa E were quite diverse, each of them displayed in a wall of the gallery. Following her own aesthetic and conceptual density, Ximena Zomosa focused on her body in connection to the venue: at the gallery access she arranged a cascade made with her own hair. And inside the hall a faithful reproduction in plaster of her arms held a model of the facade of Casa E. Paz Carvajal played with femininity and some references to classical literature: a fragment from Homer's Odyssey is transcribed with beads to weave a red loom with a text

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in which Penelope speaks to the suitors who beset her after the long absence of Odysseus. Meanwhile, Claudia Missana proposed a crossroad between the notions of drawing and territory, through a video and a display of lights, cables and brush strokes directly applied on the wall. "DERROTA" (Defeat) by Camilo Yañez (1974), also meant the incorporation of Casa E into an itinerary traveling from Santiago to Valparaiso. Camilo's work was the third and final part of a triad of exhibitions focused on a series of visual concepts observed in Chilean society at the time of the commemoration of the 40th anniversary of the military coup. First Sala Gasco, and then Gallery D21 in Santiago, welcomed the opening stages of this project that moved from photography and landscape with a poetic tone, into a second face related to social movements and political and economic powers, before reaching Casa E with a visual exercise bordering an intimate space. The word 'defeat' in nautical terms, designates the actual trajectory followed by a vessel beyond the sailing chart. Two videos, "Victoria Allende cleans the people of Chile" and "Carmen 36," plus a series of intimate photo-frames extracted from the latter, show the parents of the artist as they recall some past moments experienced during the dictatorship and how they have lived in their flat located at 36 Carmen Street in Santiago. In addition, the other video records the current state of abandonment suffered by the institutional building belonging to the judiciary. Between the public and the private, the artist proposes a metaphor for today's Chile: through the disheartened and ironic words of his parents, the feeling that the critical power of contemporary artwork has failed. After the crucial concerns expressed by Camilo Yañez, "MITAD VERDAD, MITAD MENTIRA” (Half True, Half Lie) by Alejandro Quiroga (1967) readdressed the role of painting in the analysis of traditional landscaping from a "contemporary" perspective, i.e., including a critique of the pictorial system and the local landscape. Breaking apart from the typical format of "exhibition of paintings" based on accumulation, fragmentation or interventions on the gallery wall, Quiroga showed landscape prints of the Chilean central region made from photographs with a clean visual frame. His paintings showed an extreme formal and chromatic synthesis, where colors almost turned to black and white, suggesting some kind of emptiness or silence. These “territorial exercises” upon the countryside, the mountains or the suburbs showed minimal human presence. As painting appears as gesture, landscape turns into a sketch, a fragment full of symbolism and subjectivity. In December, Gianfranco Foschino (1983) definitely presented a more experimental way of painting. Playing also with landscape and photography, "ESTADOS INSULARES" (Island States) included five videos: flat screens displayed on the wall similar to light boxes showed solitary views of Rapa Nui Island. These videos in real time register imperceptible changes on the volcanic hills siting under a blue sky or an array of clouds over the vast sea. At first sight, they seem to cheat the viewer. The still shots worked as a contemplative exercise connecting to a mythical period or the beginning of time. Similar to Quiroga, these pieces present a "territorial exercise" every time they convey a landscape foreign to the urban culture and to the idea of Chilean territory. Thus Casa E hosted the last proposal by a very young artist who had previously participated in the 54th Venice Biennale (2011).

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The scarcity of local artists in the program could be criticized. However, the second edition of "Pan Batido", the contest directed to young artists organized by the gallery, extended its call to all regions outside Santiago. Among the pieces received, the presence of an exponent from Valparaiso excelled: between July and August, the gallery showed "TOTEM" by Nemesio Orellana (1981). This winning project surprised with an aesthetic presence expressed through a delicate and obsessive craft. Conceived as a sculpture, the piece was a vortex of tiny houses cropped and accumulated in a work that mixed the logic of the collage and the architectural model. Made with images taken from Google Earth, it spread through the wall and projected its volume into the exhibition space. Neighborhoods, vacant lots, apartment complexes and miniature buildings were thus forming an impossible city or, maybe, in a hypothetical future perspective, a totally possible and terrifying city. Another example of the effectiveness of relationships: Norma Campos, Director of the Biennial of Bolivia, SIART 2013, visited Casa E whilst in Valparaiso, and felt prey to the work of Orellana to the extent that she invited the artist to participate in the eighth edition of the Biennial (from October to November in La Paz) organized under the theme of "TERRITORIOS INESTABLES" (Unstable territories). Emilio Lamarca was also invited to give a talk about his gallery that attracted interest as a contemporary art project built on a city like Valparaiso, marked by social, political and cultural tensions. It is also possible to talk of consolidation of an artistic space every time it acquires certain symbolic value in the circuit, and when its presence becomes significant at different levels, from the dominant trends to the conquest of a position in the art system. The critical and experimental views have been constant in the exhibits hosted during the third year of Casa E and its bet for risk has also shown a clear spirit of resistance. In the gallery, the dissemination of contemporary art has predominantly focused on the audience rather than further elaborating on theoretical aspects, reinforcing the cultural significance of artistic practices before any commercial purposes, and managing to remain updated through an attractive and substantive array of exhibitions with a cross-cutting look that ranges from the institutional to the margins, and vice versa.

Carolina Lara B. TomĂŠ, 2014.

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EMBLEMAS Rodrigo Canala y Gerardo Pulido

12 de enero - 3 de marzo

FUERA DE BORDE (el puerto) Paz Carvaja · Claudia Missana · Ximena Zomosa 16 de marzo - 5 de mayo

DERROTA Camilo Yáñez

25 de mayo - 1 de julio

TÓTEM Nemesio Orellana

21 de Julio - 26 de agosto

MITAD MENTIRA / MITAD VERDAD Alejandro Quiroga 14 de septiembre - 10 de noviembre

ESTADOS INSULARES Gianfranco Foschino

23 de noviembre - 31 de diciembre

EMBLEMS Rodrigo Canala y Gerardo Pulido 12. January – 3. March

OUT OF EDGE (the port) Paz Carvaja · Claudia Missana · Ximena Zomosa 16. March – 5. May

DEFEAT Camilo Yáñez

25. May – 1. July

TOTEM Nemesio Orellana 21. July – 26. August

HALF TRUE / HALF LIE Alejandro Quiroga

14. September – 10. November

ISLAND STATES Gianfranco Foschino

23. November – 31. December

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RODRIGO CANALA GERARDO PULIDO

EMBLEMAS

12 de enero - 3 de marzo

EMBLEMS

12. January – 3. March

dibujo · PINTURA · GRABADO · ESCULTura

DRAWINGS · PAINTINGS · ENGRAVINGS · SCULPTURE

“Intentando potenciar y organizar la influencia recíproca, los expositores presentan nueve piezas: tres proceden de sus respectivas autorías, dos son intervenciones del trabajo del otro y una escultura fue realizada conjuntamente. Ésta última se compone de defensas (puntas metálicas de rejas) escarchadas plateadas, atornilladas a una base hueca de madera aglomerada, la que ha sido pintada, por su exterior, con franjas de mármoles de distintos colores. Todo está recubierto”.

“In an attempt to develop and encourage a game of reciprocity, the artists have built nine pieces: each author individually produced three of them; two were interventions in each other's work, and lastly, a sculpture was made jointly. The latter consists of a barbed metal defense sprinkled with silver flakes, and bolted to a hollow base of chipboard, which was painted with marble stripes of different colors. And covering the whole piece, another coating.”

“Banderas, insignias, escudos, monolitos, amuletos, medallas, monedas y billetes, postales y souvenirs varios, apuestan por comprimir una serie de valores en un puñado de formas y colores”.

“Flags, badges, shields, monoliths, charms, medals, coins and banknotes, postcards and various souvenirs, concentrate a number of values in a handful of shapes and colors.”

Rodrigo Canala Gerardo Pulido

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paz carvajal claudia missana ximena zomosa FUERA DE BORDE (el puerto)

16 de marzo - 5 de mayo

dibujo · INSTALACIÓN · tejido · VIDEO

OUT OF EDGE (the port)

16. March – 5. May

DRAWINGS · INSTALLATION · TEXTILE · VIDEO

“Fuera de Borde es un proyecto de cinco exposiciones para una ruta trazada en las ciudades de Punta Arenas (Chile), Montevideo (Uruguay), Cochabamba (Bolivia), Oaxaca (México) y Valparaíso (Chile), que se propone trabajar con la dinámica del desplazamiento y la producción de obras en estado de viaje, con una mirada hacia los contextos específicos como sustrato y soporte fundamental de las obras. Este estado de movimiento significa crear obras portables, desarrolladas para circular, pensadas mientras se viaja. Surgen en ese fuera-de-hogar que implica desplazarse, paradójicamente, hacia lo cercano”.

“Out of Edge is part of a five-exhibition project that followed a route around the cities of Punta Arenas (Chile), Montevideo (Uruguay), Cochabamba (Bolivia), Oaxaca (Mexico) and Valparaiso (Chile). Inserted on the dynamics of displacement, the works are produced as part of the traveling experience, taking a close look at the specific contexts that crucially surround them. This mobile exposure involves creating portable works especially developed for circulation that were equally conceived while traveling. These pieces are born away-from-home, as the artists paradoxically try to reach the closest place.”

“La propuesta implica atravesar fronteras políticas y geográficas, cruzar estos espacios, pasando el umbral de lo conocido y cotidiano, para aventurarse a un nuevo lugar”.

The proposal involves crossing political and geographical boundaries, traversing different territories, from the threshold of the familiar and everyday, into the adventure of finding a new place.”

Paz Carvajal, Claudia Missana y Ximena Zomosa

Paz Carvajal, Claudia Missana & Ximena Zomosa

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caMILO YÁÑEZ

DERROTA

25 de mayo - 1 de julio FOTOGRAFÍA · VIDEO · instalación

DEFEAT

25. May – 1. July PHOTOGRAPHY · VIDEO · INSTALLATION

“DERROTA es la tercera parte de una triada de trabajos visuales en los que intento reflexionar, analizar y comprender qué nos ha pasado como sociedad y como individuos transcurridos 40 años del Golpe Militar”.

“DEFEAT is the third part of a triad of visual works where I try to reflect, analyze and understand what has happened to us, as a society and as individuals, 40 years after the military coup.

“Los elementos dispuestos en DERROTA componen una obra testimonial y biográfica, que nos permite reencontrarnos con nuestros propios temores sin pasar por alto el transcurrir del día a día en medio de un país cuya memoria e identidad son siempre una deuda pendiente”.

The elements arranged in DEFEAT compose a testimonial and biographical work that allows us to reconnect with our own fears, without ignoring everyday life in a country whose memory and identity are always a debt.”

Camilo Yáñez

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NEMESIO ORELLANA

pan batido 2013

tótem

21 de julio - 26 de agosto maqueta · fotografía · instalación

“TÓTEM nos muestra el trabajo de un artista que se configura en un espacio intermedio entre el arte y la arquitectura. En ésta, su primera muestra individual, logra atraer y desafiar al espectador, transformándolo en un turista frente a un mapa imposible, saturándolo con el recuerdo de alguna geografía cibernética. Petrificado por la curiosidad, no puede mirar atrás y escucha el confuso escenario de las voces de una Torre de Babel que se erige entre las paredes de una sala de arte, de una ciudad nunca fundada y cruzada por el fenómeno de la gentrificación”. Eduard Feliú

totem

21. July – 26. August MODEL · PHOTOGRAPHY · INSTALLATION

“TOTEM represents the work of an artist who bridges the gap between art and architecture. In this, his first solo exhibition, he manages to attract and defy the viewer, transforming the audience into tourists facing an impossible map, saturated with memories of some cyber geography. Petrified by curiosity, the viewer cannot look back. Instead, he or she is condemned lo listen to the confusing voices of a Tower of Babel enclosed within the walls of an art gallery, in a city that was never founded and that currently finds itself haunted by the phenomenon of gentrification. Eduard Feliú

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ALEJANDRO QUIROGA

MITAD MENTIRA / MITAD VERDAD

14 de septiembre - 10 de noviembre pintura

“La pintura, en cambio, se retrasa; trabaja con una calma inadmisible en base a la imitación. Ante el vértigo impuesto por los medios es necesariamente más lenta, un gesto tardío y solemne que escoge un tema: aunque en esta realidad mediatizada ya no sepamos cuál es el original, todavía podemos contar con la autenticidad de la réplica. Por eso la pintura puede ser un remanso en el que brille sin aura la realidad mediatizada, el formato adecuado a un tiempo que escapa. En rigor, al mirar un cuadro sabemos que el mundo nunca estuvo ahí, que ese paisaje desapareció...” Pedro Donoso

Critico de arte y traductor

HALF TRUE / HALF LIE

14. September – 10. November PAINTING

“Painting, instead, tends to delay things; it works with an inadmissible slowness based on imitation. Compared to the vertigo imposed by current media, painting is necessarily slower, a late and solemn gesture that stops to look at a topic. If in the midst of a mediated reality, we no longer know where to find the original, we can still count on the authenticity of the replica. Thus painting can be an oasis where mediated reality shines without any aura, the proper format for a fugitive time. In fact, when we are in front of a picture we do know that the world was never there, that the landscape depicted has already disappeared…” Pedro Donoso

Art critic, translator

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GIANFRANCO FOSCHINO

estados insulares

23 de noviembre - 31 de diciembre video

ISLAND STATES

23. November – 31. December video

“Su estudio de campo en Rapa Nui recoge rastros de un paisaje foráneo. Paisaje que en ningún caso puede ser vinculado a las características con las cuales hemos interpretado la territorialidad chilena. Por eso, el concepto principal de esta exposición, titulada Estados Insulares, exhibe el análisis concreto que este artista ha obtenido de sitios geográficos aún desconocidos para los lapsus de contemplación espacial que hemos construido”.

"His field study in Rapa Nui (Eastern Island) collects traces of a foreign landscape; a landscape that in no case can be linked to the characteristics we have employed to interpret the Chilean territory. Therefore, the main concept of this exhibition, entitled Island States, shows the concrete analysis achieved by the artist of geographic spaces yet to be discovered through the spatial contemplation patterns we have so far built."

“Estados Insulares no solo es una serie de registros de video que instalan un temperamento de esa configuración de paisaje, sino que además obtura el paso del tiempo, exponiendo en las proyecciones y pantallas desde tomas de pequeñas montañas gobernadas por una singular vegetación, hasta esa tenue luz solar que aparece producto del vaivén de las nubes”.

"Island States is not just a series of video recordings that promotes a conciliation with the shape of these landscapes. It also captures the passage of time in the projections and screens that show small mountains, covered by a singular vegetation, bathed in the dim sunlight that appears as the clouds move." Rodolfo Andaur

Rodolfo Andaur

Curator

Curador

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Rodrigo Canala y Gerardo Pulido www.canala.cl www.gerardopulido.com

Paz Carvaja · Claudia Missana · Ximena Zomosa www.fueradeborde.cl www.visualartchile.cl

Camilo Yáñez www.cy.cl

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Nemesio Orellana

http://nemesioorellana.tumblr.com

Alejandro Quiroga

http://elcanoa.blogspot.com

Gianfranco Foschino www.gianfoschino.com

PAN BATIDO

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pan batido

Convocatoria regional artistas sub 35

PAN BATIDO 2012 A poco más de un año de existencia, Casa E cumple un anhelo primordial, a través de la convocatoria de arte joven “PAN BATIDO”: En su primera versión se concentró en apoyar a los jóvenes talentos sub-35 de la región. Este primer llamado recibió 36 proyectos no sólo del puerto sino de toda la región, sorprendiendo propuestas llegadas –por ejemplo– de Villa Alemana, Papudo y La Ligua. El jurado de “PAN BATIDO” lo integraron la artista y docente Anamaría Briede, curadora del espacio El Gran Vidrio Pensamiento Ocular del Centro de Extensión del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (Valparaíso); Gonzalo Pedraza, curador de Artes Visuales del Centro Cultural Matucana 100 (Santiago) y el equipo editorial de la galería, constituyéndose en total tres votos. Impresionados por la cantidad de proyectos recibidos y la calidad de algunos, Casa E se enorgulleció y valoró la percepción que hay por el espacio y su convocatoria, en la que participaron desde artistas absolutamente nuevos hasta otros con más experiencia que ya circulaban en el medio. Entre las temáticas, se percibió el movimiento estudiantil, el territorio presente y ancestral, lo fantástico, la botánica, la política, el cuerpo, el conflicto de la imagen así como algunas ingenuidades también. Obras representadas a través de la fotografía, el video, y un notorio interés por la pintura. Sorprendió la diversidad de soportes a la hora de enfrentar la obra: residuos orgánicos, mobiliario, comida, semillas y basura, entre otros, aparecieron en la composición de un interesante número de proyectos, dando cuenta de búsquedas que van desde un interés por lo antropológico al enfado por enfrentar el consumo y la carencia, pasando por la ecología y el cuestionamiento a lo efímero.

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“PAN BATIDO” pretende entonces desde el 2012 ser una convocatoria anual, inscribiendo un sello de investigación en la producción de las artes visuales, que parte ese año con la discriminación positiva hacia la región de Valparaíso. “Patio Trasero” de Noelia Araya, proyecto ganador de esta primera versión, recrea el patio de una casa al filo de un barranco poblado de desechos y escombros. La instalación objetual, -una instalación en cierto modo escultórica-, contiene varias lecturas, revelando metáforas de nuestra cultura basura, también de ideales e ilusiones sobre los modos de vivir lleno de contraste entre lo bonito, lo nuevo y lo cuidado, con lo desechado, viejo e indeseable, en síntesis un resumen alegórico de Valparaíso, sus quebradas y permanente deriva. HUMO BLANCO / MUESTRA COLECTIVA primera convocatoria PAN BATIDO Dada la cantidad y sobre todo calidad de los proyectos recibidos en la primera Convocatoria de "PAN BATIDO", Casa E imaginó que el “catastro” de producción artística regional no debía quedar detenido, y se comprometió a buscar fórmulas que permitieran visibilizar y trabajar con a lo menos una decena de artistas participantes. En este camino y deseo, la buena coyuntura y objetivos de la nueva Dirección del Festival de las Artes de Valparaíso así lo hicieron posible. Tras definir una selección que diera cuenta de la multiplicidad de las propuestas recibidas, del alto impacto que algunas de éstas presentaban y obtenida la disposición de los artistas por participar en una muestra colectiva, fuera del sitio especifico Casa E, se dispuso un listado compuesto por catorce artistas. Al mismo tiempo, y con ánimo de vincular y extender el ejercicio expositivo regional, se designó para la puesta en marcha de la exposición a Anamaría Briede, quien, en su calidad de jurado invitado integrante de la Convocatoria "PAN BATIDO", su trabajo artístico y experiencia en docencia, se insinuaba como un agente local pertinente. Conformado el listado de expositores y la coordinación, se encontró un lugar, cuya ubicación estratégica, -el barrio puerto de Valparaíso-, se inscribía dentro de la ruta de interés del Festival de la Artes de Valparaíso, y cuya espacialidad acogía el proceso de producción y montaje: Espacio Blanco. Finalmente, tras una planificación de trabajo que incluyó una intensa jornada de confrontación de obra a cargo de la periodista y crítica de arte Catalina Mena, una visita para hablar de artes visuales y edición en Vicente Vargas Studio, y un mes para la coordinación del montaje dirigido por Anamaría Briede junto a la asistencia de Carlos Silva Troncoso y Renato Órdenes San Martín, -artista expositor en Casa E en 2011-, surgió la exhibición titulada “HUMO BLANCO”.

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PAN BATIDO 2013 En la segunda versión de la convocatoria “Pan Batido”, extendida a todas las regiones de Chile -exceptuando la Metropiltana-, Casa E no sólo retoma el anhelo de apoyar y descubrir jóvenes talentos regionales, sino que instala la revisión de propuestas regionales de artistas sub 35. El jurado de la convocatoria 2013, constituido por los artistas Ximena Zomosa (Balmaceda Arte Joven) y Patrick Steeger, junto al equipo de Casa E, revisó 27 proyectos provenientes desde Arica a Valdivia, muchos con gran potencialidad. Entre las propuestas destacaron temas relacionados con la identidad, la pertenencia, la ciudad, el desplazamiento del paisaje nativo, la exploración autobiográfica, la revisión histórica del arte chileno, los medios de comunicación y problemas tan concretos como la basura, la vigilancia y el poder, por mencionar algunos. Es interesante relevar la solución material de algunas creaciones: una ciudad imaginaria así como un sistema de patrones en linóleo, ambos creados a partir de vistas de Google Earth, un proyecto editorial, registros fotográficos de estética tanto publicitaria como íntima, maquetas de cartón (sin duda el material más utilizado en esta versión) en las que se presentaron casetas de vigilancia, una chimenea contaminante y la habitación de un indigente, entre otras. “TÓTEM”, proyecto presentado por Nemesio Orellana fue el ganador de esta segunda convocatoria. La muestra es el trabajo de un artista que se configura en un espacio intermedio entre el arte y la arquitectura. En ésta, su primera exposición individual, logra atraer y desafiar al espectador, transformándolo en un turista frente a un mapa imposible, saturándolo con el recuerdo de alguna geografía cibernética. Petrificado por la curiosidad, no puede mirar atrás y escucha el confuso escenario de las voces de una Torre de Babel, que se erige entre las paredes de una sala de arte en una ciudad nunca fundada y actualmente cruzada por el fenómeno de la gentrificación. SIART MUESTRA INTERNACIOAL DE PROYECTO GANADOR PAN BATIDO 2013 Es halagador y muy estimulante para "Pan Batido" que este proyecto ganador, “TOTEM”, haya sido especialmente invitado para representar a Chile en la VIII versión de la Bienal de Artes Visuales Contemporáneas de La Paz 2013 bajo el lema “Territorios Inestables”. Su Directora, Norma Campos, de visita en Chile viajó a la ciudad de Valparaíso para extender una invitación al Director de Casa E para ir a la Bienal a exponer sobre el proyecto Casa E y la difusión de las artes visuales regionales sur-americanas. En dicha ocasión coincidió con la exposición de “TOTEM” en Casa E y al ver la obra no dudó en seleccionarla para ser parte del encuentro en la capital de la vecina Bolivia. Más aún , después del mes

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que duró la Bienal la obra de Orellana fue escogida entre otras obras en un selecto grupo que reunió lo mejor de SIART para itinerar por otras ciudades del país andino. Con ello se cumplió con un claro objetivo de la Galería de Casa E cual es difundir artistas jóvenes que comienzan su carrera no solo en la ciudad puerto sino más allá de las fronteras y así darse a conocer y crear vínculos internacionales con artistas y colectivos de países vecinos. PORVENIR / MUESTRA COLECTIVA segunda convocatoria PAN BATIDO Así mismo, producto de la gran diversidad y calidad de algunas de las propuestas, la segunda convocatoria de "PAN BATIDO" realizada por Casa E, inmediatamente asumió la idea de repetir la experiencia del año anterior: lograr generar y exhibir una selección de los mejores proyectos en torno al Festival de las Artes de Valparaíso. Desde esta plataforma, impulsada por un proyecto cultural independiente ya instalado entre los espacios de artes visuales más relevantes de la Quinta Región, surge la iniciativa de generar redes de colaboración con otros espacios de gestión también enfocados a la visualidad emergente nacional, como es Balmaceda Arte Joven, cuya sede en Valparaíso se encuentra próxima. Al mismo tiempo, al presentar la selección de proyectos a la dirección del Festival de las Artes de Valparaíso, se sumó la posibilidad de contar con un espacio expositivo ubicado en el plan -sector administrativo- de la ciudad: la Sala El Farol de la Universidad de Valparaíso. Con toda esta red dispuesta, y en el ánimo de trabajar dentro de un Festival abierto a la ciudadanía, se configuró un mapa que propone potenciar la vinculación y difusión de las artes visuales contemporáneas, suscitando un área de exhibición entre el Cerro Alegre y el plan de Valparaíso, que invita a desplazarse a través del constante subir y bajar del transeúnte que habita o visita la tan mentada ciudad Patrimonio de la Humanidad. Tras la revisión de cada uno de los proyectos, contrastados con cada uno de los espacios de exposición, se articularon temáticas y materialidades que dieron por resultado la producción de tres exposiciones simultáneas y una intervención en espacio público: "PORVENIR CLIENTE" en El Farol, "PORVENIR TITULAR" en Balmaceda Arte Joven sede Valparaíso, "PORVENIR DESECHO" en Casa E y "PORVENIR CALLE" en Lautaro Rosas del Cerro Alegre.

Casa E

Valparaíso 2014

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pan batido

REGIONAL ART CONTEST ARTISTS UNDER 35

PAN BATIDO 2012 Almost a year after opening, Casa E fulfills a significant aspiration with "PAN BATIDO", the art contest for young creators. The first edition was focused on supporting young talents under 35 in the region. Thirty-six projects were admitted, not only from the city, but from across the region: it was somewhat surprising to receive proposals from locations like Villa Alemana, Papudo and La Ligua. The jury of the contest was integrated by teacher and artist Anamaria Briede, curator of the Large Glass Ocular Mind at the Extension Center of the National Council for Culture and the Arts (Valparaiso); Gonzalo Pedraza, curator of Visual Arts at Cultural Center Matucana 100 (Santiago); and the editorial staff of the gallery, summing up a total of three votes. Impressed by the number of projects received and the quality of some of them, Casa E proudly valued the widespread perception of the space and of the contest, in which participants ranged from absolutely new artists to those with some experience in the artistic circuit. The student movement, the present and the ancestral territory, the fantastic, botany, politics, the body, the image in conflict, as well as some naĂŻve propositions, were among the topics addressed. Photography, video, and a marked interest in painting were predominant. The diversity of materials was equally surprising: organic waste, furniture, food, seeds and waste, among others, appeared in the composition of a number of interesting projects, reflecting a wide variety of concerns: from anthropological issues to the anger over consumption and scarcity, from ecological imbalances to the interrogation of the ephemeral. "PAN BATIDO" wants to be an annual contest that fosters a research line within visual arts production. In 2012 the region of Valparaiso was favored as part of a positive discrimination scheme. "PATIO TRASERO" (Backyard) by Noelia Araya, the winning project of the first edition, reproduces the back yard

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of a house on the verge of a cliff littered with waste and debris. This installation -a sculptural piece, to some extent- invites different readings in a game of metaphors about our trash culture. But it also speaks of ideals and illusions of other possible ways of life where untarnished beauty and care stand in open contrast with the old, undesired waste. In short, an allegory that sums up the uncertain drift of Valparaiso and its gullies. WHITE SMOKE / GROUP SHOW FIRST EDITION OF PAN BATIDO Given the great number and quality of the projects presented at the first edition of "PAN BATIDO", Casa E wanted to go beyond a simple sampling of local artistic production and began searching new ways to make visible and work with at least a dozen participating artists. With this intention in mind, the fruitful coincidence in the goals shared with the new directive body of the Arts Festival of Valparaiso made possible a joint process. Firstly, a selection was made based on the variety of proposals received, the impact they produced, and the willingness of the artists to participate in a group show outside Casa E. The resulting list comprised fourteen artists. At the same time, and with the intention of disseminating this regional exercise, Anamaria Briede was appointed to design and set up the exhibition. Her participation as jury member of the "PAN BATIDO" contest, together with her artistic work and teaching experience, made her a relevant local agent. Once the list of artists and the coordination were ready, a strategic location was found in the area of the old port of Valparaiso. This exhibition space coincided with the route of the Arts Festival of Valparaiso and provided room to host the productive process and the mise-en-scĂ¨ne; White Space was the name of the designated gallery. Planning the exhibition also included an intense journey to confront concepts with the journalist and art critic Catalina Mena. Equally, a visit to Vicente Vargas Studio helped to focus the project on visual arts and edition issues. A full month of coordination under the directions of Anamaria Briede, with the assistance of Carlos Silva Troncoso and Renato Ordenes San Martin, artist and exhibitor at Casa E in 2011, made possible the exhibition entitled "HUMO BLANCO" (White Smoke). PAN BATIDO 2013 The call of the second edition of "PAN BATIDO" extended to all regions in Chile, except Santiago. Casa E not only reedited its intention to discover and support young talents at the regional level, but also promoted the revision of regional projects by artists under 35.

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The jury of the 2013 edition, integrated by the artists Ximena Zomosa (Balmaceda Arte Joven) and Patrick Steeger, along with Case EÂ´s team, reviewed 27 projects from Arica to Valdivia, many of them with great potential. Among the main proposals received, a series of relevant topics were highlighted: identity, the sense of belonging, the displacement of the native landscape, the autobiographical exploration, the historical review of Chilean art, the role of media and a number of more concrete topics such as garbage, vigilance, and power problems, to name a few. The way some of these proposals materialized was very appealing: an imaginary city as well as a system of patterns in linoleum, both created from Google Earth views; a publishing project; the photographic records of both public advertising mixed with intimate aesthetics; cardboard models (certainly the most recurrent material employed in this version) of a guard booth; a polluting chimney; and the room of a vagrant homeless person, among others. "TOTEM", a project by Nemesio Orellana, was the winner of this second edition. The work of this artist bridges the gap between art and architecture. In this, his first solo exhibition, he managed to attract and challenge the viewer, transforming the audience into tourists facing an impossible map, saturated with memories of some cyber geography. Petrified by curiosity, the viewer cannot look back. Instead, he or she is condemned to listen to the confusing voices of a Tower of Babel enclosed within the walls of an art gallery, in a city that was never founded and that currently finds itself haunted by the phenomenon of gentrification. SIART INTERNACIONAL EXHIBITION OF THE WINNING PROJECT OF PAN BATIDO 2013 It is, no doubt, both flattering and exciting for "PAN BATIDO" to see that the winning project, "TOTEM", was specially invited to represent Chile in the eighth version of the Contemporary Visual Arts Biennial of La Paz 2013 under the motif of "TERRITORIOS INESTABLES" (Unstable Territories). During her visit to Chile, Norma Campos, Biennial's director, traveled to Valparaiso to extend an invitation to the Director of Casa E to show the gallery project and its role in the dissemination of visual arts in South America at a regional level. On that occasion Campos met, by chance, with the exhibition of "TOTEM" at Casa E. After seeing the work, she immediately selected it to be part of the art show in the capital of neighboring Bolivia. Moreover, after the month-long Biennial, Orellana's work was chosen in a select group that took the best of SIART on tour to other cities in the Andean country. This clearly met one of the initial objectives of Casa E, which is, to disseminate the work of young artists at an early stage in their careers not only in Valparaiso, but beyond the regional borders, thus making them known and creating international links between artists and groups from neighboring countries.

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PORVENIR (FORTHCOMING) / GROUP SHOW SECOND EDITION OF PAN BATIDO Due to the variety and quality of some of the proposals, Casa E's second call for "PAN BATIDO" immediately decided to repeat the experience of the previous year: to display a selection of the best projects during the Arts Festival of Valparaiso. As an independent cultural project placed among the most relevant visual art spaces in the Region of Valparaiso, Casa E decided to generate a collaboration network with other platforms focused on emergent artistic production at a national level, such as Balmaceda Arte Joven (Balmaceda Young Artists), with its headquarters located close by in Valparaiso. At the same time, the inclusion of a selection of projects in the Arts Festival of Valparaiso offered the possibility of making use of an exhibition hall located in the administrative area of the city: El Farol Exhibition Hall, which belongs to the University of Valparaiso. Counting on a network disposed to work within an Arts Festival open to the public, a map was traced with the aim or reinforcing the consolidation and promotion of contemporary visual arts. An extended exhibition territory laying between Cerro Alegre and the central area of Valparaiso invited the visitors to stroll up and down the much talked about World Heritage Site. Once every project was checked and specifically allocated in the corresponding exhibition space, a series of themes and material conditions helped to articulate the production of three simultaneous exhibitions plus an intervention in the public space: "PORVENIR CLIENTE" (Forthcoming client) at El Farol, "PORVENIR TITULAR" (Forthcoming headline) at Balmaceda Arte Joven, "PORVENIR DESECHO" (Forthcoming waste) at Casa E, and "PORVENIR CALLE" (Forthcoming street) at Lautaro Rosas Street in Cerro Alegre.

Casa E

ValparaĂso 2014

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2012

resultados convocatoria CONTEST RESULTS

PATIO TRASERO BACKYARD

Noelia Araya

Casa E

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HUMO BLANCO WHITE SMOKE Gustavo Arenas Carlos Ceruti · Carlos Peirano · Pablo Suazo Gabriel Holzapfel Paula López Javiera Marín · Pablo Saavedra Francisca Martínez Inés Molina Nemesio Orellana Rodrigo Ríos Lucía Rodríguez Fernanda Vilella Festival de las Artes de Valparaíso 2013

Espacio Blanco

2013 resultados convocatoria CONTEST RESULTS

TÓTEM TOTEM

Nemesio Orellana Casa E

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PORVENIR FORTHCOMING Alejandra Arias Pamela Canales · Francisco Vergara Gabriel Holzapfel Nicholas Jackson Rodrigo Molina Nemesio Orellana Felipe Rojas Álvaro Rojas Sastre Pablo Suazo Gabriela Urrutia Festival de las Artes de Valparaíso 2014

Sala El Farol Universidad de Valparaíso, Balmaceda Arte Joven sede Valparaíso y Casa E.

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exposición humo blanco: Espacio Blanco, Barrio Puerto, Valparaíso. / WHITE SMOKE EXHIBITION: White Space, Barrio Puerto, Valparaíso.

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