Catalogo de artistas (1)

ANA LUCIA AGRUILAR

ANDREA CEDILLOS

ALEJANDRA GARCÍA

CLARA RUSTRIAN

Punto

PLASMADO Este es un catalogo el cual es dedicado a todas las personas que han hecho historia en el dise単o gr叩fico a travez de los a単os. Encontraras artistas o dise単adore graficos que inspiran.

Indice Indice

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Punto Plasmado

EDWARD JOHNSTON Siempre fiel al Principio.

ALBERTO SEVESO Sus trabajos an revolucinado al mundo.

MARIO SANCHEZ

consiguiendo que su huella renacentista y barroca quede totalmente reflejada.

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CLAUDE MONET

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GUSTAV KLIMT

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Fue uno de los creadores de la pintura impresionista.

Sus obras están dotadas de una intensa energía sensual.

STORM THORGERSON El diseñador gráfico, conocido por haber creado algunas de las portadas de los álbumes del grupo Pink Floyd.

ANDREAS PREIS “Al final, todo te inspira. La naturaleza, la gente que te rodea, la música, la ciudad, cosas que encuentras en Internet … y algunos otros artistas”,

EDWARD

JOHNSTON

LAS LETRAS Y LA PLUMA La historia de Johnston puede empezar como un cuento: érase un joven que amaba las letras. Las amaba por sus formas. Amaba la rotulación y la iluminación. Y este amor creció. En la última década del siglo xix, en el ambiente de inspiración medievalista creado por Morris, el maragato Edward Johnston redescubría las técnicas de la caligrafía medieval, creando una nueva escritura basada en ellas.

Fue el precursor de una gran innovación en la tipografía universal, inspirador de grandes maestros de la tipografía.

Creó de un tipo de imprenta que ha perdurado hasta hoy.

Irónicamente debió interrumpir sus estudios de Medicina en Edimburgo a causa de sus problemas de salud. Ya antes de marcharse a Londres empezó a considerar su otra vocación. Su nueva esperanza sería poder emplear sus talentos como artista estimulado por familiares y amigos.

Hicieron llegar muestras de sus trabajos a Harry Cowlishaw quien era un reputado calígrafo y decorador. Cowlishaw respondió favorablemente haciendo críticas constructivas a las rotulaciones de Johnston. En su primer día de estadía en Londres Johnston conoció a Cowlishaw quien le presentó a W. R. Lethaby, director de la nueva Escuela Central de Artes y Oficios.

EL MEDICO QUE NO FUE Y LAS LETRAS EMPEZARON A SER

SIEMPRE FIEL A UN MISMO PRINCIPIO Irónicamente debió interrumpir sus estudios de Medicina en Edimburgo a causa de sus problemas de salud. Ya antes de marcharse a Londres empezó a considerar su otra vocación. Su nueva esperanza sería poder emplear sus talentos como artista estimulado por familiares y amigos.

Johnston estableció las prácticas básicas de la caligrafía moderna por un “giro” del destino. Pero también a fuerza de trabajo duro. Quería ser médico y la rotulación y el diseño eran solamente su hobby. Su formación artística era autodidacta.

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ALBERTO

SEVESO

Alberto Emiliano Seveso es un joven artista italiano.Su trabajo gráfico ha revolucionado los mundos de la ilustración vectorial y de la fotografía ya que ha logrado vincularlos de una manera única combinando ambas técnicas con pulcritud asombrosa.

Artista autodidacta, trabaja como ilustrador freelance y es un apasionado del diseño gráfico por ordenador. No cuenta con títulos de diseño y no ha tomado clases en ningún momento de su vida aduciendo que, si bien piensa que los estudios de diseño son importantes, para este tipo de trabajo no se requiere de diplomas.

Sus modelos fotográficos, se fusionan con el dibujo vectorial, creando contrastes y nuevas formas con acabados asombrosos. Inició sus trabajos haciendo fotomontajes y aunque sus creaciones puedan tener cierta similitud con el body painting, confiesa no haberse inspirado en este estilo en lo absoluto. Él usa una tecnica de fotografía multicapa que ha creado un muy reconocible estilo artístico. Si bien las fotografías son la base fundamental, los patrones de diseño que agrega Seveso en una forma delicada y armoniosa, proveen a las piezas de un misterioso y constante juego de escondidas con el observador.

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YUGO

NAKAMURA

A parte de ser diseñador, también se desempeña como ingeniero y director creativo apasionado para la exploración de diversas formas de interacción en ambientes digitales interconectados. Es apodado como Yugop o el Genio del Flash. Estudió ingeniería, arquitectura y el paisaje del diseño, en Tokio, Japón. Después de graduarse, trabajó como ingeniero especializado en diseño de puentes. Pero eso quedó en el pasado, pues ahora dedica todo su talento en el diseño de la interfaz con los grandes firmas arquitectónicas niponas El movimiento, la naturaleza y los números son los factores que rigen sus diseños, cosa que para la Web, es un gran avance.

Sus trabajos comerciales han recibido numerosos premios internacionales, entre ellos Cannes Lions, One Show, Premio Clio, y NY ADC. A sus 43 años, es uno de los principales diseñadores de Japón, que está siendo reconocido cada vez más de todo el mundo. “Lo que yo quiero hacer es crear un desorden el mis diseños partiendo de la falta de la lógica simple en las cosas”, confianza en entrevista para medios japoneses.

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MARIO

SANCHEZ

Ilustrador y diseñador gráfico murciano nacido en el año 85. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Murcia.

Cabe destacar que su trabajo digital no se resume en simples fotomontajes; sino en la “interacción” entre diferente software de creación y edición de imágenes todo esto aderezado con trabajo “analógico” o tradicional, aliñado con su buen gusto, como los buenos chefs.

Aégis-Strife (como se hace llamar en el mundo de internet) no se limita en cuanto a paletas cromáticas se refiere, las emplea en función de lo que pide cada imagen. Quizás podríamos destacar que su piedra angular sea el uso del color negro, en la gran mayoría de su obra aparece incluso de manera residual.

Consigue unas ambientaciones tétricas dentro de un surrealismo que bebe directamente de la estética renacentista y barroca, es capaz de plasmar todos esos sentimientos del subconsciente y del yo interior y que el espectador sea capaz de ver lo mismo.

Se toma la libertad de, en ocasiones, obviar los escenarios (como en Sufridor y Mirando hacia atrás) para no distraer al público de lo realmente interesante, lo que realmente el quiere que nosotros captemos.

En cuanto al uso de determinadas tonalidades, en donde recorre casi todo el abanico cromático; al uso de fotografías de rostros mostrándolas como si fueran máscaras y a la forma de utilizar las texturas como método expresivo.

En algunas ilustraciones se adentra de manera enérgica y tenaz en el mundo del expresionismo, consiguiendo que su huella renacentista y barroca quede totalmente reflejada. En sus obras se ve que tiene un gusto exquisito a la hora de componer y que es capaz de capturar en su mente creativa el momento ideal para representar lo que desea.

A veces tira de ironía y de sarcasmo como en Tijeras y en Que te calles, coño, para crear imágenes con mayor carga social; en donde se utiliza el dibujo como método expresivo. Su dibujo, en estas ilustraciones mantiene el figurativismo, aunque se acerque de manera tangencial al cubismo.

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Claude Monet

Oscar-Claude Monet (14 de noviembre de 1840 en París - 5 de diciembre de 1926 en Giverny) fue uno de los creadores de la pintura impresionista.

Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de estilo realista. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de arte, empeoró su situación económica a la vez que afianzó su decisión de continuar en ese azaroso camino.

En el Salón de París del año 1865, Monet pudo mostrar dos marinas.

Estas pinturas fueron bien recibidos por la crítica y dio lugar para que Monet planeara la monumental obra El desayuno para la exhibición del Salón de 1866.

En el año 1908 se evidenciaron los primeros indicios de la enfermedad de los ojos de Monet. Entre septiembre y diciembre de ese año estuvo junto con su esposa en Venecia, donde no solamente pintó, sino que también estudió en las iglesias y museos de la ciudad las obras de los artistas Tiziano y Paolo Veronese. El 19 de mayo de1911 murió su segunda esposa, Alice. Al año siguiente su visión empeoró y se le diagnosticaron cataratas en ambos ojos.

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Egon

Schiele

Egon Leo Adolf Schiele más conocido como Egon Schiele (Tulln an der Donau, Austria, 12 de junio de 1890 –Viena, Austria, 31 de octubre de 1918), fue un pintor y grabador austriaco contemporáneo y discípulo de Gustav Klimt.

Fue uno de los grandes artistas figurativos de principios del siglo XX y junto con Oskar Kokoschka conformaron lo que se conoce por expresionismo austriaco. Su vida estuvo rodeada por un aura de misticismo: de talento muy precoz, murió a la temprana edad de 28 años. A pesar de su corta vida, su obra es muy numerosa: unas trescientos cuarenta pinturas y dos mil ochocientas entre acuarelas y dibujos. Entre su obra creativa figura poemas y experimentos fotográficos. Su particular estilo le situó entre los movimientos expresionistas, especialmente de la Secesión de Viena, con una tipología muy personal.

Una de las características más fuertes en la pintura de Schiele es la destreza y la firmeza de su trazo, el cual seguía una vez comenzado sin treguas, hasta el final sin ninguna corrección posterior.

Parece que el artista continuaba con su dibujo sin importarle que el modelo se moviera o cambiara de lugar, puesto que la línea seguía su rumbo cargando con toda su dimensión emocional.

Su temática asume una altísima tensión emotiva en la sensualidad que se vuelve obsesión erótica, junto al tema de la soledad angustiosa.

Schiele utilizaba una línea cortante e incisiva para expresar su propia realidad y para mostrar impetuosamente la dramática destrucción física y moral del ser humano. El color adquiere un valor autónomo, no naturalístico, resultando particularmente eficaz en sus muchas acuarelas y en sus diseños de alucinada tensión.

Al igual que en otros pintores austríacos de la época como Alfred Kubin y Oskar Kokoschka, el espacio se convierte en una suerte de vacío que representa la trágica dimensión existencial del hombre, en continuo conflicto entre la vida y la muerte y sobre todo la incertidumbre. Su interés por el cuerpo es un hecho artístico, que pretende dar a conocer la parte fuerte y sensual de uno de los artistas más importantes del expresionismo. Schiele estuvo influenciado fuertemente en sus comienzos por Gustav Klimt, pero hacia 1910, su pintura se convirtió en un viaje de introspección psicológica.

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Gustav Klimt

Gustav Klimt (Baumgarten, 14 de julio de 1862 – Alsergrund, 6 de febrero de 1918) fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a través de objetos de artesanía, como los que se encuentran reunidos en la Galería de la Secesión vienesa. Intelectualmente afín a cierto ideario romántico, Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración. Sus obras están dotadas de una intensa energía sensual, reflejada con especial claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a lápiz, 3 en cierto modo herederos de la tradición de dibujos eróticos de Rodin e Ingres. Klimt se convirtió en un personaje muy notable en la alta sociedad vienesa, y estuvo relacionado de un modo u otro con los más notables círculos intelectuales del momento, en una época en la que Viena estaba dejando de ser la capital mundial del arte.

Fue un pintor enérgico y arrebatado, y sus propios parientes comentaban sorprendidos sobre su dedicación: “Cada noche venía a casa, tomaba la cena en silencio y se iba a la cama… Cuando había descansado, retomaba con tal ímpetu el trabajo que a menudo pensábamos que las llamas de su genialidad lo consumirían vivo…”

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Santiago Rusiñol

Nació en el seno de una familia de industriales del textil, procedentes de Manlleu. Se formó en el Centro de acuarelistas de Barcelona y fue discípulo de Tomás Moragas. Viajó a París en 1889, donde vivió en Montmartre junto con Ramón Casas y con Ignacio Zuloaga.

Se familiarizó con el simbolismo y la pintura al aire libre. Tras regresar a España funda en Sitges el taller-museo del “Cau Ferrat”, y frecuenta en Barcelona las tertulias del café Els Quatre Gats. Su posición social y económica acomodada le permitió hacer frecuentes viajes. En 1901 fue a Mallorca con Joaquín Mir. El año 1908 recibió la medalla de la Exposición Nacional de Bellas Artes.

Su pintura está muy influida por los impresionistas y tiene temática paisajista, tanto rural como urbana, retratos y composiciones simbólicas de inspiración modernista. Al comienzo de su carrera incluía figuras humanas. En las etapas finales sólo pintaba paisajes, especialmente de los Reales Sitios como Aranjuez o La Granja. Entre sus obras más destacadas figuran La morfina y La medalla, ambas de 1894. También escribió para periódicos como La Vanguardia o revistas como L’Esquella de la Torratxa.

Fue un personaje importante de la Renaixença literaria y cultural de Cataluña, y del mundo intelectual y bohemio de la Barcelona de su tiempo.

Estuvo en Buenos Aires, en Rosario y en Córdoba para el centenario de la Revolución de Mayo, en 1910; estrenando obras suyas.

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Storm

THORGERSON Considerado por muchos como una de las mentes más creativas del Reino Unido, Thorgerson falleció el pasado 18 de abril, víctima de cáncer. El diseñador gráfico, conocido por haber creado algunas de las portadas de los álbumes del grupo Pink Floyd, como “El lado oscuro de la luna” (“The Dark Side of the Moon”),

SUS INICIOS Inició su carrera con el grupo de diseño británico Hipgnosis, fundado en los pasados años sesenta, y el estilo de sus creaciones lo convirtieron en un artista destacado de su tiempo. Además de su trabajo con Pink Floyd, Thorgerson colaboró en las portadas de otras importantes agrupaciones y músicos como Led Zeppelin, Peter Gabriel, Phish, Styx, The Cranberries y Muse, entre otros.

Muchas de sus creaciones tienen elementos del surrealismo, tanto que su mirada ha sido comparada por algunos críticos con la de Salvador Dalí.

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Andreas PREIS

Su estilo se caracteriza por plasmar con aerosoles y acrílicos retratos de personas y animales. Traza líneas y las encima, abusa de ellas y combina figuras geométricas con irregulares. “Al final, todo te inspira. La naturaleza, la gente que te rodea, la música, la ciudad, cosas que encuentras en Internet … y algunos otros artistas”, dice Andreas Preis en su sitio Web. Narra que todas sus piezas son obras de arte porque las dibuja y luego las escanea para trabajar digitalmente en ellas.

Pese a su corta edad, su nombre ha comenzado a ganar terreno en Alemania y en otros países europeos. Es un ilustrador y diseñador gráfico de Berlín, de esos que nacen con un don: el del arte. Desde pequeño siempre supo que era visualmente creativo, y también supo que quería ser un pintor sin un jefe que lo estuviera molestando. Dice que es “un diseñador más de Alemania”, pero lo cierto es que durante los últimos años empresas como Adidas, Nike, TNT, Atomic, Bruce Dunlop & Associates, CK one, DC Comics, Digitalarts, ESPN Classic, entre otras firmas lo han ido a buscar para que sea el autor de sus nuevas campañas.

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El precio Andreas Gryphius fue por primera vez en 1957 en Dusseldorf concedido, a continuación, desde el comienzo de 1990 por el artista Esslingen en Glogau en el nombre del gran hijo de la ciudad Andreas Gryphius adjudicado. Los Premio Literatura autores y traductores fueron excelentes, sus publi caciones cultura y la historia alemana en Europa central, oriental y el sureste de Europa reflejan y contribuyen a la comprensión entre los alemanes y sus vecinos del Este. El precio era la pena de 25.000 DM. Además, uno dopado con premio especial de 7.000 DM fue galardonado que se pueda conceder una beca.

Jorge

ALDERETE

Es unas de las leyendas de la ilustración y diseño en América Latina.

Su imaginación ha formado parte de la portada de muchos discos de grandes músicos. Su afición por la lucha libre acompaña sus trabajos. Nacido al sur de la Patagonia, Jorge Aldrete a sus 18 años emigró a Buenos Aires para estudiar Diseño en Comunicación Visual en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata, y de ahí a México, donde lleva viviendo los últimos 15 años.

Este artista asegura que su estilo no es una limitación, si existen algunas tendencias que le parezcan atractivas va sobre de ellas.

Explica que muchas de sus creaciones surgen de la fantasía, aunque también ha realizado dibujos relacionados con personas reales. Su trabajo ha sido publicado en varias antologías especializadas como Illustration Now y Latin American Graphic Design (Taschen); Illusive, Pictoplasma, Los logos series, Latino y Play Loud (Die Gestalten Verlag); Place (Actar), Kustom Graphics (Korero), entre otros. Y su obra ha sido expuesta en distintas galerías del mundo. Ha colaborado como animador independiente para varias televisoras como MTV, Nickelodeon, Canal Fox y Once TV. Ha lanzado proyectos alternos, como una disquera, la publicación de libros y una tienda virtual.

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Milton

GLASER

Milton Glaser, Nueva York, 1929, Ilustrador y diseñador muy prolífico conocido sobre todo por sus diseños para discos y libros.

Glaser estudio en la conocida Cooper Union entre 1948 y 1951 para continuar su formación en la Academia de Bellas Artes de Bolonia con el pintor Giorgio Morandi.

Fundó con Seymour Chwast el Push Pin Studio para, en 1974, crear su propia compañía.

SUS CREACIONES Ha creado más de 300 carteles entre los que se cuenta el famoso de Bob Dylan, un símbolo de los años sesenta. Glaser se ha dedicado al diseño editorial y a la identidad corporativa. En el primer campo ha trabajo para publicaciones como Paris Macht, L´Express, Esquire o Village Voice y La Vanguardia (1987-1989) para realizar un cambio en esta publicación coincidiendo con su paso al color.

¿SABIAS QUÉ...

También creó el logo de DC Comics. El estilo de Glaser se caracteriza por el eclecticismo y está influido por numerosas fuentes si bien siempre ha dado a la ilustración una importancia grande. Ha diseñado algunos tipos de letra, la mayoría de carácter decorativo y escasamente legibles, como reflejo de esta orientación suya muy alejada de la ortodoxia metodológica. Su concepción creativa se acerca más a la de un artista tradicional que expresa en su obra una particular visión del mundo.

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Salvador GÁLVEZ

Nació en la ciudad de Quetzaltenango el 30 de junio de 1956.

Estudios en la ENAP y graduado de Arquitectura en la Universidad San Carlos de Guatemala. Ha realizado múltiples exhibiciones individuales y colectivas en Guatemala y el extranjero. Es el segundo Premio de Pintura en la II Bienal de Arte Paiz, 1980, entre otros.

Actualmente es catedrático en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de San Carlos de Guatemala.

SU ARTE Gálvez empieza su escalada en el mundo de las artes de la capital guatemalteca a finales de la década de los ochenta. En los noventa consolida su iconografía e inicia un trayecto que le va a llevar a su actual estatus pictórico. Su obra mezcla elementos extraídos de su entorno natural con los brindados por la cultura histórica occidental, creando trabajos de una riqueza visual incomparable.

DATO IMPORTANTE Salvador Gálvez también fue uno los arquitecntos fundadores de la escuela de diseño gráfico en la USAC, en el año 1987. Desde entonces se le conoce y aprecia por todos los estudiantes de la escuela.

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Alex

TROCHUT

PROYECTOS

Alex Trochut se graduó en Diseño Gráfico en la escuela ELISAVA de Barcelona, comenzando su actividad profesional en Berlín, trabajando en los estudios Moniteurs y Xplicit, para posteriormente regresar a Barcelona y trabajar en el estudio de diseño Toormix a su llegada, y más tarde en el de Vasava, estableciéndose por su propia cuenta en 2007. Es un diseñador gráfico, ilustrador y tipógrafo español. Es nieto del tipógrafo Joan Trochut.

Ha realizado proyectos para Apple, Arctic Monkeys, Nike, The Rolling Stones, Adidas, Coca-Cola, British Airways, Pepsi, Starbucks o The Guardian.

En 2011 publicó el libro titulado More is More en el que se recogen todos los proyectos que ha realizado desde 2006 hasta ese momento.

SU ARTE

En 2012 desarrolló el proyecto artístico conocido como Binary Prints, resultado de las investigaciones llevadas a cabo en el campo de la dualidad, para el que patentó una técnica que recibe el mismo nombre, mediante la que dos imágenes diferentes podían ser mostradas en una misma superficie, una con luz y otra con oscuridad. A través de dicha técnica, y en colaboración con artistas de música electrónica como James Murphy, John Talabot, Carbou, Damian Lazarus o Acid Pauli, entre otros, ilustró los carteles del festival Sónar en 2013.

Su obra se caracteriza por la importancia que otorga a la tipografía, convirtiéndola en un elemento de expresión gráfica,así como la variedad y cambios de técnica en cada proyecto, manteniendo en todos ellos como rasgos comunes la fusión entre geometría y formas fluidas. Su obra se ve influida por artistas mediterráneos como Pablo Picasso, Salvador Dalí o Joan Miró, así como por el arte geométrico del húngaro Víctor Vasarely.

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David

CARSON

David Ray Carson, norteamericano nacido el 8 de septiembre de 1954, en el estado de Texas. El contacto real de Carson con el diseño gráfico fue en 1980 en la Universidad de Arizona en un curso de dos semanas de gráficos, impartido por Boelts Jackson. Carson no tenía noción del diseño como tal, hasta que surgió un viaje a Suiza, donde asistió a un taller de tres semanas en el diseño gráfico como parte de su carrera.

SU ARTE Carson se encontró inmerso en la cultura artística y bohemia del sur de California. A fines de 1980 desarrollo su estilo característico, el uso de “sucio” de tipo y no convencionales técnicas fotográficas.

Fue por esto que fue duramente criticado por los “catedraticos”, el diseño reglamentado o de el diseño, calificando su trabajo como un absurdo, ilegíble y sin sentido de la coherencia. Pero su trabajo sería apreciado y valorado mas temprano que tarde.

Sus trabajos son conocidos entre la generación que creció con la revista Ray Gun, y la generación visual inteligente de MTV. Él tomó la fotografía y la tipografía, todo junto, generando, un mensaje confuso, pero en realidad él estaba llegando a los ojos del espectador, y más profundo dentro de la propia composición.

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Stefan

CARSON

Stefan Sagmeister (nació en 1962 en Vorarlberg, Austria) es diseñador gráfico y director de arte, fundó Sagmeister, Inc. en 1993 en Nueva York. Ha sido nominado cinco veces a los premios Grammy y finalmente ganó uno por el set-box de Talking Heads. En 2001 publicó un libro en donde compila todos sus trabajos llamado Made You Look.

Y hasta de tomarse un año sabático para dar conferencia en el mundo y formar True Majority (La verdadera mayoría), que consiste en un grupo de 500 artistas y directores de empresas líderes en Estados Unidos que se opusieron públicamente a la guerra contra Irak. Uno de nuestros objetivos es lograr que en este país se reduzcan los gastos militares en 15% y que ese dinero se invierta en educación. Mientras algunos diseñadores se preocupan por la tipografía, la reducción y abstracción de formas lógicas, Sagmeister es mucho más directo y, a veces, hasta crudo. Un ejemplo es el cartel que diseñó, a principios de los 90, para la conferencia del American Institute of Graphic Arts (AIGA), en el campus de Cranbrook, cerca de Detroit. En esa ocasión, Sagmeister pidió a su ayudante que tallara los detalles de la conferencia sobre su torso con un cuchillo y después fotografió el resultado para convertirlo en un cartel.

ESTUDIOS Sagmeister estudió Diseño Gráfico en la University of Applied Arts de Viena, más tarde recibió una beca para estudiar en el Pratt Institute de New York. En 1991 se mudó a Honk Kong y ha trabajado para la agencia Leo Burnett, Tibor Kalman (fundador junto con Oliviero Toscani de la revista Colors de Benetton), para más tarde formar su propio estudio en el que ha trabajado con los más diversos clientes del mundo de la música, diseñando portadas realmente sorprendentes, cargadas de poder retórico y estético. Desde su estudio se da el lujo de elegir a sus clientes como a David Byrne, Lou Reed, The Rolling Stones y la artista japonesa Mariko Mori.

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Concepto DE ARTE

El arte es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, mediante la cual se expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos. El arte es un componente de la cultura, reflejando en su concepción los sustratos económicos y sociales, y la transmisión de ideas y valores, inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo. Se suele considerar que con la aparición del Homo sapiens el arte tuvo en principio una función ritual, mágica o religiosa (arte paleolítico), pero esa función cambió con la evolución del ser humano, adquiriendo un componente estético y una función social, pedagógica, mercantil o simplemente ornamental.

Punto

PLASMADO El diseño gráfico es una profesión cuya actividad consiste en concebir, programar, proyectar y realizar comunicaciones visuales, producidas en general por medios industriales y destinadas a transmitir mensajes específicos a grupos sociales y con objetivos claros y determinados.

Punto

PLASMADO

ANA LUCIA AGRUILAR

ANDREA CEDILLOS

ALEJANDRA GARCÍA

CLARA RUSTRIAN

5TO DISEÑO CATÁLOGO 2014 PUNTOS PLASMÁDOS