Cayhfth

M AYO -J U N I O 2 0 20

DOS GUÍAS QUE NOS SACARÁN DE APUROS: ¡EL REGALO IDEAL PARA MAMÁ Y LOS MEJORES CONSEJOS PARA ESCOGER TU FRAGANCIA PERFECTA!

Megan Williams o el arte de ser sexy sin esfuerzos

¡FELICES 20 AÑOS! UN VIAJE A LAS ENTRAÑAS DEL TATE MODERN DE LONDRES Los museos más especiales desde la comodidad de tu sala

MÉXICO

M A N AT H I S B E ST

El estiloso señor Perry.

El actor inglés y su filosofía de vida, la política Y OTROS TEMAS, EN UNA CONVERSACIÓN MUY HONESTA

MEX. $69.00 MAYO - JUNIO2020

ESTE ESPACIO CORRESPONDE A LA MARCA SUIZA DE RELOJES DE LA QUE SON IMAGEN PERSONAJES COMO MARTIN SCORSESE, ROGER FEDERER O ALEJANDRO GONZÁLEZ IÑÁRRITU.

ESTE ESPACIO CORRESPONDE A LA CASA UNO DE CUYOS EMBLEMÁTICOS RELOJES MASCULINOS SE INSPIRÓ EN LA HISTORIA DEL PIONERO DE LA AVIACIÓN

ALBERTO SANTOS-DUMOND.

#TELEVISATEACOMPAÑA #ESPACIORESERVADO

ESTE ESPACIO CORRESPONDE A LA CASA DE MODA FUNDADA POR DOS SIMPÁTICOS E ICÓNICOS ITALIANOS, UN SICILIANO Y UN MILANÉS, CUYO DESFILE DE ALTA SARTORIA PARA CABALLEROS ES YA FAMOSO INTERNACIONALMENTE.

ESTE ESPACIO CORRESPONDE A LA MARCA DE RELOJES QUE USA EL ESPÍA MÁS FAMOSO DEL MUNDO, JAMES BOND

#TELEVISATEACOMPAÑA #ESPACIORESERVADO

ESTE ESPACIO CORRESPONDE A LA MARCA DE RELOJES CUYO PRIMER TALLER ABRIÓ SUS PUERTAS EN 1860 EN EL PONTE ALLE GRAZIE EN FLORENCIA

ESTE ESPACIO CORRESPONDE A LA MARCA ITALIANA QUE HIZO FAMOSO UNIVERSALMENTE EL “GANCINI”, LA EMBLEMÁTICA HEBILLA QUE ES SU SÍMBOLO Y ESTÁ PRESENTE EN TODOS SUS ZAPATOS Y PRODUCTOS DE PIEL

#TELEVISATEACOMPAÑA #ESPACIORESERVADO

ESTE ESPACIO CORRESPONDE A LA MARCA DE RELOJES QUE USA EL ESPÍA MÁS FAMOSO DEL MUNDO, JAMES BOND.

ESTE ESPACIO CORRESPONDE A LA MARCA DEL UNO DE LOS MONOGRAMAS MÁS FAMOSO DEL MUNDO, CUYOS ZAPATOS SON ELABORADOS EN FIESSO D’ARTICO, EN ITALIA

#TELEVISATEACOMPAÑA #ESPACIORESERVADO

CON T E N I D O M AYO 2020 que mejor van contigo y por que.

76 THE ESKY CLUB

Presentando a Rudy Pankow, la cara más fresca de Netflix.

V I DA PA D R E

ORLANDO BLOOM FOTOGRAFIADO POR CHARLIE GREY. CAMISA Y SHORTS VERSACE. LOAFERS GUCCI. CALCETINES PANTHERELLA

E N P O R TA DA

84 GOD SAVE LEA & PERRINS

Las salsas que han salvado la comida inglesa, en la pluma de un experto, para que sepas cuales probar y cuales no.

90 MUSEOS DESDE LA COMODIDAD DE TU SALA Los museos que puedes visitar de manera virtual para aprovechar tu tiempo en casa.

F E AT U R E S

94 ORLANDO BLOOM

Una de las estrellas masculinas consentidas del cine mundial protagoniza nuestra portada. El Orlando que no concemos.

106 EL DISEÑADOR DE AUTOS MÁS FAMOSO

Quizás no conocías su nombre, pero sin duda conoces su trabajo.

116 ANTES Y DESPUÉS DE MEGAN

N OTA S C O R TA S

15 MÚSICA

Sofía Reyes nos habló en exclusiva desde Los Angeles sobre sus nuevos proyectos musicales.

elenco, la nueva película que no te puedes perder.

ESTILO

puedes dejar de ver… aun estando en casa.

42 SELECCIÓN ESQUIRE

Las marcas mexicanas favoritas en moda masculina.

33 SPRING FASHION 24 BAD EDUCATION

Hugh Jackman protagoniza, junto a un gran

Desde Milán, las tendencias de moda para primavera que no

Las mejores opciones de regalos para que festejarlas en esta ocasión. ¿Qué tipo de mamá tienes?

62 ENCUENTRA TU LOCIÓN

58 UNA GUÍA INFALIBLE PARA EL DÍA DE LAS MADRES

8

Una completa guía completa para que descubras los aromas

Megan Williams, una de las mujeres más guapas del mundo, posa en exclusiva para Esquire México.

Our timeless classic, rewritten in bronze.

With an ever-changing patina WKDW UHIJHFWV WKH SDVVLQJ \HDUV A single red hand that marks WKH SUHVHQW GD\ $QG D IXWXUH WKDWŖV \HW WR EH ZULWWHQ 7KH VWRU\ FRQWLQXHV

Big Crown Bronze Pointer Date

10

CA RTA DEL DIR E C T OR C OL A BOR A D OR E S

JAMÁS ME HABÍA PASADO (quizá porque soy medio despistado o porque nunca antes, como ahora, había trabajado formalmente desde casa durante los días del cierre editorial de una de nuestras ediciones regulares de Esquire), pero esta mañana de miércoles muy temprano, cuando me senté frente a la computadora para terminar de formar estas líneas, un sonido de fondo me sorprendió: el de los pajaritos cantando. No vivo en una calle demasiado estrepitosa, y a pesar de eso, las mañanas siempre comenzaban con el ruido natural de coches, aviones y personas, lo que tal vez hacía imperceptible su presencia. Una de esas cosas positivas que un fenómeno tan complejo, negativo y letal como el actual nos ha traído a través de pequeños detalles de la vida diaria que ya tendremos oportunidad de analizar en estas páginas.

Nuestro día a día en las oficinas de la editorial cambió totalmente desde el momento en que tomamos nuestras computadoras y comenzamos a “teletrabajar” desde casa. Las reuniones físicas para analizar temas y pendientes o ir por el café matutino y ponernos al tanto siguieron haciéndose, aunque de otra manera: conectados gracias a la tecnología y anticipándonos a una práctica como el home office, al que con mucha seguridad nos habríamos aproximado hasta dentro de varios años más.

Algunos tendrán en sus manos de manera física (y otros en sus dispositivos electrónicos de manera gratuita) esta edición de Esquire que nos alegra compartirles y que esperamos sea una gran compañía. El hecho de estar en casa ha hecho que reinvirtamos nuestro tiempo y, al terminar nuestras jornadas laborales, las horas que gastábamos en el tráfico o en la vida social las empleamos ahora para convivir más con nuestra familia, leer aquellos libros o revistas pendientes en el buró o ver la serie que todos habían recomendado pero que no se terminaba. Tenemos desde los textos, entrevistas y secciones breves habituales que tanto les gustan hasta materiales fascinantes, como los dedicados a los 20 años del Tate Modern de Londres o el perfil sobre Giorgetto Giugiaro, el diseñador de coches más reconocido del planeta; sin olvidar una sesión de fotos con la espectacular Megan Williams. Asimismo, ofrecemos una serie de anuncios especiales que no pretenden más que ser un símbolo de este momento histórico y un homenaje a algunos de nuestros anunciantes más queridos y constantes, que estarán con nosotros muy pronto de nuevo.

Un abrazo afectuoso a todos. Les esperamos también en nuestra página web esquirelat. com y en nuestras redes sociales como @esquire_la para ser la mejor compañía.

—Alfonso Parra.

Mariana Mijares colabora con Esquire México desde 2014, enfocada en temas de entretenimiento. Además de realizar entrevistas con celebridades y directores, cubre festivales de cine como los de Toronto, Sundance y Tribeca. Una de las cosas que más disfruta es escribir sobre destinos y platicar con los mejores chefs.

Asentada en Nueva York, Laura Pritchard es una stylist que tuvo sus comienzos en Teen Vogue antes de enfocarse en una carrera como freelancer.

Hoy tiene clientes en editorial, comercial y celebridades, y este mes realizó el styling para las fotos con la espectacular Megan Williams.

Ikerne Mestre (se pronuncia e-kerr-ne) es periodista especializada en temas de moda y estilo, una de sus pasiones. Amante de los libros, lo mismo nos habla de las tendencias para la siguiente temporada que de la historia y orígenes del traje o de los mejores diseñadores mexicanos.

Alets Klamroth es un ilustrador/infografista chihuahuense convertido en chilango. Versátil, muy suertudo, dice él, dueño de tres increíbles gatas, es uno de nuestros ilustradores favoritos. Este mes tuvo la misión de dibujar al gran Clint Eastwood.

ESTE ESPACIO CORRESPONDE A LA CASA DE MODA DE LUJO ITALIANA CUYO DIRECTOR CREATIVO FUE KARL LAGERFELD, TAREA QUE HOY EN DÍA ESTÁ A CARGO DE SILVIA VENTURINI

#TELEVISATEACOMPAÑA #ESPACIORESERVADO

A L F O N S O PA R R A DIRECTOR EDITORIAL

H E A R S T M A G A Z I N E S I N T E R N AT I O N A L SVP/Editorial & Brand Director: Kim St. Clair Bodden Deputy Brands Director: Chloe O’Brien

CONSTANZA ALCOCER Coordinadora Editorial PABLO ENRÍQUEZ Director de Arte ALEX VILLATORO Editor Web JUAN PABLO DORIA E IKERNE MESTRE Redactores ANA QUIROZ, RODRIGO PÉREZ REMBAO Y DIANA MATOZ BAEZ Correctores de Estilo

EDICIONESINTERNACIONALES Alemania: DOMINIK SCHUETTE Bulgaria: VLADIMIR KONSTANTINOV China: WEN HONGWEI Corea: KIJU SHIN España: JORGE ALCALDE

COLABORADORES:

Estados Unidos: MICHAEL SEBASTIAN

MARIANA MIJARES, BENJAMÍN ACOSTA,

Filipinas: KRISTINE FONACIER

GABRIELLA MORALES-CASAS, CÉSAR BALCAZÁ,

Grecia: NIKOS KONTOPOULOS

LAURA PRITCHER,

Hong Kong: KWONG LUNG KIT

AARÓN ALEJANDRO KLAMROTH BERMÚDEZ

Indonesia: DWI SUTARJANTONO Japón: ATSUSHI OTSUKI

RODOLFO VARGAS PÉREZ Director General JORGE MORETT Director de Audiencias Print BIBIANA RODRÍGUEZ PÉREZ-MORENO Coordinadora Comercial BRENDA GERALDINE RAMÍREZ MUÑOZ, ANA PORRAS GONZALEZ Gerentes Comerciales GABRIELA GUERRA FERIA, EDUARDO VEGA OCAMPO Ejecutivos

E SQU IR E 05 _ 2020

Comerciales

Kazajistán: ARTYOM KRYLOV Korea: MIN BYUNGJOON Malasia Oriente Medio: MATTHEW BAXTER-PRIEST Países Bajos: ARNO KANTELBERG Polonia: ANDRZEJ CHOJNOWSKI Reino Unido: ALEX BILMES

FABIÁN AMIONE Gerente de Relaciones Públicas

República Checa: PETR MATĚJČEK

FABIOLA ARRILLAGA TREVIÑO Directora de Marketing

Rumania: ANDREI THEODOR IOVU

ALEJANDRO ÁVALOS ANGULO Coordinador de Marketing

Rusia: SERGEY MINAEV

GUILLERMO CABALLERO Director de Mejora Continua y Operaciones

Serbia: MILAN NIKOLIC

LUCÍA ALARCÓN Directora de Relaciones con Empresas y Talento JORGE TABOADA Director Digital

Singapur: NORMAN TAN Tailandia: SATIYA SIRIPOJANAKORN

ROSARIO SÁNCHEZ Directora de Administración y Finanzas

Taiwán: JOSEPH CHIEN

JOAQUÍN COLINO SÁNCHEZ VENTURA Director Desarrollo de Negocios,

Turquía: LEAVE BLANK

Ventas y Marketing

V E N TA S D E P U B L I C I DA D

Conmutador: 5261 2000 Número telefónico para venta de suscripciones: 800-222-2000 Atención a suscriptores: 800-REVISTA (738-47-82)

I M PRE S A EN ME XICO - PR IN TE D IN ME X I CO. TOD O S LOS D ER EC H OS R E SER VA D OS . A LL R I GH T S RE SE RV ED. © COPYR IG H T 20 20 . I S S N 21 4 5 - 1 4 27 © E S QU I R E . Marca Registrada. Año 12 N° 132. Fecha de publicación: 27-04-20. Revista MENSUAL, editada y publicada por E DITORI A L TE LEVI S A, S .A . DE C .V ., con domicilio

en Av. Vasco de Quiroga N° 2000, Edificio E, Col. Santa Fe, Alcaldía Alvaro Obregón, C.P. 01210, Ciudad de México, tel. 52-61-20-00, por Contrato celebrado con HEA R ST CO MMU NI CAT I ON S, IN C ., New York, USA. Editor responsable: Jorge Antonio Morett López. Número de Certificado de Reserva de derechos al uso exclusivo del Título ESQUIRE: 04-2002-062912590000-102 de fecha 11 de junio de 2019, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud No. 14597, de fecha 15 de septiembre de 2009; Certificado de Licitud de Contenido No. 12170, de fecha 15 de septiembre de 2009; ambos con número de expediente No. CCPRI/3/TC/09/18507 de fecha 10 de mayo de 2019, ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Distribuidor exclusivo en México: Distribuidora Intermex, S.A. de C.V., con domicilio en Calle Lucio Blanco N° 435, Colonia San Juan Tlihuaca, Alcaldía Azcapotzalco, C.P. 02400, Ciudad de México. Tel.: 52-30-95-00. Distribución en zona metropolitana: Unión de Expendedores y Voceadores de los Periódicos de México, A.C., con domicilio en Calle Guerrero N° 50, Colonia Guerrero, Alcaldía Cuauhtémoc, C.P. 06350. Tel.: 55-91-14-00. Impresa en: Servicios profesionales de Impresión S.A. de C.V. Mimosas 31, colonia Santa María Insurgentes, CDMX, C.P. 06430 TEL. 51170100.

EDITORIAL TELEVISA S.A. DE C.V. investiga sobre la seriedad de sus anunciantes, pero no se responsabiliza con las ofertas relacionadas por los mismos. ATENCIÓN A CLIENTES: HYPERLINK “mailto:suscripciones@editorial.televisa.com.mx” a toda la Republica Mexicana tel. 800 REVISTA (7384782). © Esquire. The Trademark and Tradename Esquire is owned by HEARST COMMUNICATIONS, INC. Published by permission of HEARST COMMUNICATIONS, INC., New York, N.Y., U.S.A. Reproduction in whole or in part without the consent of the copyright proprietor is prohibited. Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente reflejan la postura del editor de la publicación.

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ESTE ESPACIO CORRESPONDE A LA MARCA CUYOS LOAFERS SE HAN HECHO MUNDIALMENTE FAMOSOS POR SU COMODIDAD Y ESTILO.

#TELEVISATEACOMPAÑA #ESPACIORESERVADO

cultura & entretenimiento

Sofía, Rey-na del pop Comenzó en la música a los seis años en su natal Monterrey, cuando su abuela le dio clases de piano. Hoy es una de las más prometedoras figuras en la música latina.

F OTO S: A L Á N C O R T É S

Por ALFONSO PARR A

15

16 ESQUIRE: ESTÁS POR LANZAR DOS VIDEOS CORRESPONDIENTES A DOS CANCIONES NUEVAS, AMBAS IMPORTANTES PARA TI; ¿DE QUÉ SE TRATA CADA UNO Y QUIÉNES TE ACOMPAÑARÁN?

El primero es con Tinie Tempah y Farina. Lo grabamos en la Ciudad de México y es de los más coloridos que tengo.

Resalta mucho mi cultura mexicana y es una canción que, para mí, abarca una mezcla de culturas muy padre. Lo produjimos en lugares hermosos, estuve más de 22 horas en el set y se que disfrutarán mucho verlo. El segundo es “El tejano”, con Lauv. La canción ya salió en su disco y el video se grabó en el mismísimo Tejano [un bar en Noho Arts District, Los Ángeles]. Es muy random: fue una participación pequeña pero le da un twist interesante a la canción y al video. Además estoy enamorada de Ari –nombre Lauv– [risas], ¡y vienen más proyectos, pero son secretos por ahora!

SOFÍA REYES:

“SOY UNA CREYENTE ABSOLUTA EN EL TRABAJO EN EQUIPO. SOLA NO SE PUEDE”.

– SOFÍA A REY ES

ESQ: TE FUISTE A LOS 17 AÑOS A LOS ÁNGELES A TRABAJAR, A PERSEGUIR TUS SUEÑOS

NO TA S CORTA S M Ú SIC A

COMO ARTISTA. ¿EN QUÉ PARTE DE ESE PROCESO ESTÁS?

¡En un proceso divino! Siento L.A. como mi casa por fin. Tengo a un grupo de amigos increíble, vivo en mi casa soñada con mi mejor amiga, haciendo lo que amo, que es la música (entre tantas cosas más), en un momento de reencontrarme y descubrirme como persona y artista. Por ende, escribo canciones que me fascinan y tengo muchas ganas de seguir creando y compartiendo.

[Estoy] agradecida por todo y con todos los que me acompañan, FELIZ. Por ahora quiero disfrutar y esa es mi “meta” de vida, honestamente: seguir produciendo mucha música.

SR:

trategias, por supuesto, pero desde el querer siempre, no desde el deber ser. Y la imagen, por ese lado, creo que es lo mismo. Para mí, la salud es importante, pero salud real, desde el corazón. No impuesta ni tampoco por querer ser “parte de”, sino por amor propio.

ESQ: ¿CÓMO DEFINIRÍAS TU ESTILO, MUSICALMENTE HABLANDO?

Varía, la verdad. Sigo encontrándome y evolucionando y creo que la evolución seguirá; es pop. Amo jugar con sonidos e idiomas, un poco de todo porque experimentar me hace muy feliz.

SR:

ESQ: AHORA EN EL ÉXITO DE UN ARTISTA INFLUYEN VARIOS ELEMENTOS: LA MÚSICA, EVI-

ESQ: ¿CON QUÉ ARTISTAS, HOMBRE Y MU-

DENTEMENTE, TRABAJAR CON OTROS INTÉR-

JER, TE GUSTARÍA COLABORAR?

PRETES, EL MANEJO DE LA IMAGEN, DE LAS

SR:

REDES SOCIALES Y VARIOS MÁS. SI TUVIERAS

John Mayer (pero con muchos) y Rosalía (pero con muchas).

QUE PONERLE PORCENTAJES, ¿QUÉ IMPORTANCIA LE DARÍAS A CADA UNO DE ESOS

ESQ: ¿CÓMO HAS VIVIDO DESDE LOS

FACTORES EN LA FÓRMULA DEL ÉXITO?

ÁNGELES ESTOS DÍAS EXTRAÑOS DEL

SR: Ponerlo en esos términos se me complica

CORONAVIRUS?

un poco porque soy una convencida absoluta de que el trabajo en equipo es clave. Sola no se puede, un proyecto no es UNA persona. Sin todas las piezas clave no hay proyecto; hay que dejar el ego a un lado y hacer todo desde el amor. Las redes sociales, por ejemplo, son superimportantes. Aunque no soy la mejor en esto, también aprendo y trabajo con quienes son profesionales en ello. Eso sí, yo manejo todas mis redes porque es importante que mi conexión con la gente sea así. Siempre. Mi música claro que es auténtica, honesta y vulnerable. Con es-

SR:

En mi casa, tomando todas las precauciones. Cambiándola y arreglándola, no había tenido tanto tiempo para eso. Creciendo una huerta, conociéndome más, tratando de meditar, leyendo mucho, tocando el piano un poco más, con mi estudio listo aprendiendo a producir, aunque sean cosas básicas… taneándome, llamando más a mi familia y reconectando con amigos con los que hablaba poco.

Aprendiendo a usar TikTok, viendo “pelis” y usando cada rincón de la casa. Concientizándome más.

18

NO SOLO FORMA PARTE DEL EXCLU-

ESQ: ¿CÓMO TE SIENTES DE FORMAR PARTE

SIVO GRUPO de jóvenes canadienses

DE ESTA GENERACIÓN QUE VUELVE A DE-

que está levantando el tenis en su país junto a Denis Shapovalov y Vasek Pospisil, sino que también pertenece a la generación de jugadores a nivel mundial que destacan en un deporte dominado durante años por las mismas figuras. Con apenas 19 años de edad y dos años en el circuito profesional, Felix ya está en el peldaño 20 del ranking mundial del deporte blanco. Aprovechamos su presencia en el Abierto Mexicano de Tenis en Acapulco para conocer un poco más sobre él.

STACAR EL TENIS CANADIENSE?

Es increíble, honestamente no hay mejor sentimiento. El tenis en Canadá se veía como un deporte en el cual no éramos muy buenos, pero podíamos lograr ciertos resultados de vez en cuando, y ahora somos una verdadera amenaza. En Marsella éramos tres canadienses en los cuartos de final, la primera vez desde 1990. Es un gran logro para todos nosotros y estoy orgulloso porque el tenis en Canadá me ha dado muchas oportunidades, y ahora tengo la de ser embajador del tenis de mi nación y

FAA:

ESQUIRE: ¿EN QUÉ MOMENTO DECIDISTE SER TENISTA PROFESIONAL?

Comenzó por mi papá, es entrenador de tenis y tiene una academia en Canadá. Siempre tuvo una gran afición por este deporte y desde chicos nos enseñó a jugar a mí y a mi hermana, y nos transmitió su pasión. Desde los tres o cuatro años me encantaba jugar con él y con mi hermana y ver el tenis en televisión. Mi pasión fue creciendo y fui volviéndome bastante bueno, así que seguí.

ESQ: ¿CREES QUE LAS REDES SOCIALES HAN AYUDADO A POPULARIZAR EL DEPORTE ENTRE LAS NUEVAS GENERACIONES? FAA: Sí, tenemos mucha exposición hoy

en día. En la época en que Federer y Nadal comenzaban se hablaba de ellos en periódicos y revistas, pero ahora las redes sociales nos han llevado a otro nivel de atención, y eso nos ayuda de manera profesional. Pienso que es importante que nosotros mismos nos pongamos límites como personas, pero en cuanto al marketing y la atención al deporte, es notable porque atrae más fans y gente que quiere seguir tu carrera y tu día a día.

ESQ: ¿QUÉ DISFRUTAS MÁS DE LA VIDA EN EL TORNEO?

Sin duda, las competencias: me encanta ganar y competir. Muchas veces, aunque pierda, son grandes partidos y me fascina ser parte de ellos.

Es una gran oportunidad el jugar frente a multitudes; disfruto viajar y conocer sitios tan bonitos como Acapulco, por ejemplo.

FAA:

as Estrella en censo Felix Auger-Aliassime es uno de los jóvenes jugadores que pone de nuevo al tenis canadiense en el mapa internacional y a quien hay que tener en la mira.

Por CONSTANZA ALCOCER

F O T O : AT P / G E T T Y I M A G E S

NO TA S CORTA S DE P ORT E S

FELIX AUGER-ALIASSIME:

ser un ejemplo para las siguientes generaciones, lo que es un gran honor.

ESTE ESPACIO CORRESPONDE A LA MARCA ITALIANA QUE HIZO UNIVERSALMENTE CÉLEBRE EL “GANCINI”, LA EMBLEMÁTICA HEBILLAQUE ES SU SÍMBOLO Y ESTÁ PRESENTE EN TODOS SUS ZAPATOS Y PRODUCTOS DE PIEL.

#TELEVISATEACOMPAÑA #ESPACIORESERVADO

Por JUAN PABLO DORIA

A través de una selección de algunas de sus cintas más destacadas, festejamos a uno de los mejores actores y directores en la historia de Hollywood. ¡Felices 90, Mr. Eastwood!

TROUBLE WITH THE CURVE Una dósis de drama con una historia de amor padre-hija para hacer las paces con tus padres.

THE BRIDGES OF MADISON COUNTY ¿Tienes ganas de una buena historia de romance? Deja de buscar, la has encontrado.

GRAN TORINO Sigues en plan acción, pero tienes ganas de un twist en la historia, ¡algo emotivo para que no sea pura matanza!

¿Qué tipo de Clint Eastwood eres?

MILLION DOLLAR BABY ¿Te gusta el box? Esta historia va un poco más allá del deporte en una de las más conmovedoras historias de Eastwood.

SPACE COWBOYS ¿Te encantan las aventuras espaciales y las historias motivadoras? La edad es lo de menos.

UNFORGIVEN Nada refleja más a Clint Eastwood que esta obra maestra. ¿Qué pasa con tanta violencia en sus películas? Aquí la respuesta.

I LUS T R ACI O N E S: A L E T S K L A M ROT H

NO TA S CORTA S PE R S ONA J E

20

ESTE ESPACIO CORRESPONDE A LA PRESTIGIOSA CASA ALEMANA QUE PATROCINA EN EL MUNDO LAS PASARELAS MÁS IMPORTANTES DE LA MODA.

#TELEVISATEACOMPAÑA #ESPACIORESERVADO

Por ALFONSO PARR A

ESCUCHAR CANTAR A JAIME KOHEN es como sentarte frente a ese amigo al que podrías oir cantar durante horas, acompañado solo por una guitarra. Con su eterna cara de niño y siempre amable, está feliz de volver a producir música para un público que le ha sido fiel. Además se ha involucrado en el mundo de la moda, otra de sus

pasiones, a través de Merkabá, marca de chamarras y abrigos con mucho diseño. ¿Su tercera pasión? El trabajo que junto a Francisco Rocha, su pareja, llevan a cabo en “Los Amigos de la Esquina”, una fundación que desarrolla programas sociales de apoyo a pequeños en comunidades de escasos recursos en Tulum.

F O T O : S E R G I O VA L E N Z U E L A / C H A M A R R A : M E R K A B A , S O M B R E R O : K U E R N O

NO TA S CORTA S PE R F I L

a vida ndole a l Cantá

El 7 de mayo Jaime Kohem regresa a la música con Espejos y su primer sencillo, “Gigante”.

22

ESTE ESPACIO CORRESPONDE A UNA TIENDA DEPARTAMENTAL QUE ASEGURA SER LA CASA DE PRÍNCIPES Y PRINCESAS.

#TELEVISATEACOMPAÑA #ESPACIORESERVADO

FRANK TASSONE, un respetado superintendente del distrito escolar de

Roslyn, Long Island (uno de los 10 mejores en Estados Unidos), fue confrontado en 2002 cuando su asistente, Pamela Gluckin, fue descubierta tras desfalcar 250,000 dólares. Tassone quiso enterrar el asunto que podía poner en riesgo una escuela ESKY FACTS cuyo título era el pase más cercano que podía obtener 1 Además del guion, una de las un estudiante de Long Island para asistir a una univerbases para Bad Education fue el sidad Ivy League. El problema es que Frank no solo artículo “The Bad Superintendent”, cubría a su colega, sino a sí mismo. de Robert Kolker, publicado en A lo largo de su trayectoria, Frank y Pam particiNew York Magazine. paron en una malversación de alrededor de 11.2 millo2 Parte de la trama se filmó en el nes de dólares y fueron al fin condenados en 2006. lugar donde ocurrieron los Luego de que esta historia llegara a los titulares de hechos: Roslyn. noticias, un exestudiante de Roslyn, Mike Makowsky, 3 El guionista de la historia y decidió escribir el guion de la película dirigida por estudiante del colegio, Mike Cory Finley y ahora disponible en HBO. Makowsky, prestó su casa de la “Me cautivó la historia y lo original que el tono, infancia para algunas escenas de particular y complicado, implicaba un reto como direcla película. tor”, expresó Finley al presentar la cinta en el Festival 4 Tassone fue liberado de prisión Internacional de Cine de Toronto. en 2010 tras cumplir tres años de Además de llevar esta historia a la pantalla con una sentencia inicial de cuatro a Hugh Jackman y Allison Janney como protagonistas, 12 años. Gluckin fue sentenciada el también director de Thoroughbreds tuvo otra razón de cuatro a 12 años. para aceptar: “Vengo de una familia de maestros, mi papá y mamá eran maestros y yo mismo he trabajado como tutor del exámen SAT, así que tengo muchísimo respeto por los educadores. Creo que no reciben todo el respeto que merecen en nuestra cultura”, enfatizó.

F O T O S : C O R T E S Í A H B O © 2 0 2 0 H B O ® O L E PA R T N E R S . A L L R I G H T S R E S E R V E D

Por MARIANA MIJARES

Corrompiendo la educación Hugh Jackman y Allison Janney recrean en Bad Education el mayor escándalo de malversación de fondos en una escuela pública de Estados Unidos.

NO TA S CORTA S PE L ÍC U L A S

24

ESTE ESPACIO CORRESPONDE A LAS PLUMAS DE COLECCIÓN QUE OSTENTAN UNA ESTRELLA BLANCA.

#TELEVISATEACOMPAÑA #ESPACIORESERVADO

“Siento que he envejecido un poco. Ha habido un proceso de maduración, de asumir que tenemos un proyecto que cada vez se hace más grande”.

26 M AYO 2020

Virgilio

MARTÍNEZ

C H E F, E M P R E SA R I O, C H E F S ’ C H O I C E AWA R D 2 0 1 7 | L I M A , P E RÚ | 4 2 A Ñ O S

POR MARIANA MIJARES

• QUISE SER COCINERO PORQUE ENTENDÍ

que era algo que me permitiría aprender mucho de la vida, de otras culturas, de la gente, de otras realidades...

naturaleza, ecología o sostenibilidad, cosas sin las que hoy no concibo la cocina. El trabajo en un restaurante debe ir relacionado con el trabajo comunitario.

un lugar donde podíamos tener una base. Nos hemos adaptado a lo que hace la comunidad para nosotros saber qué cocinar.

• EN CENTRAL, por su parte, buscamos

• MÁS QUE VERME COMO CHEF, hoy me veo

como un coordinador, un conector y traductor de lo que sucede en mi entorno y con lo que hago.

• EN LIMA, los chefs de mi generación y

un poquito más para atrás venimos de una sociedad medio fracturada, confundida, con poca esperanza. A mí me pasaba, no quería vivir aquí, pero ahora pienso de manera distinta.

• SIEMPRE REVISO LA TRADICIÓN COMO UNA INSPIRACIÓN, como una raíz, pero mi

proceso fue trabajar de otra manera, buscar un camino distinto para tener mayor facilidad de expresar lo que había en un producto. Si un producto de la cocina peruana se veía en el área salada, ¿por qué no verlo en el área dulce?

• CUANDO ALGUIEN VIENE A DECIRME:

“Quiero ser chef”, le digo que no sé si darle el pésame o una felicitación. No soy alguien que crea demasiado en el talento, sino en la capacidad de trabajo, física y emocional.

FOTOS: J IM EN A AGOIS / CO R T E SÍ A CEN T R A L

• UNO LLEGA A UN RESTAURANTE para

no sentir esa agresividad que a veces permea en las calles. Un cliente viene a pagar su dinero y a darte su tiempo y tengo la responsabilidad de darle todo lo bueno que esté en mis manos. Eso inicia desde la producción, no quiero que nadie sienta mi estrés o angustias, sino al contrario: que sientan una cocina sana.

• EN LA GASTRONOMÍA PERUANA antes

no estábamos tocando temas de

• DEBEMOS PENSAR EN COLECTIVO, en

lo que nos une, en cuidar el medio ambiente y a las personas. Desde nuestro pequeño lugar hay que generar cambios y podemos empezar desde un mundo muy pequeño, que puede ser la familia o tu cocina.

• LA GENTE VIENE A CENTRAL, uno de

mis restaurantes, y no viene a comer en un restaurante sino a vivir una experiencia, resultado de un trabajo previo que tiene que ver con las relaciones de ida y vuelta que hemos construido con las comunidades amazónicas genuinas.

• EN UNO DE NUESTROS MENÚS puede

haber doscientos ochenta y tantos productos, nunca somos exactos porque dependemos de los productores, pero por ahí va. Por Central han pasado muchos platos y muchos productos. Han pasado tantos como se han ido.

• ESTOY EN UN CAMINO NUEVO, en el que

me toca liderar un movimiento de cocina distinto. Me toca aprender además aspectos que no había entendido que eran parte del “paquete” de ser chef en Perú. Al final, es el camino que me dibujé, tracé, y el que con prueba y error sigo recorriendo.

darles valor a nuestras tradiciones, a nuestra cultura, y a nuestra cocina.

Lo diseñamos con áreas de descanso donde podemos hacer nuestras experimentaciones, trabajar en equipo y que eso luego se traduzca en un buen servicio.

• CUANDO HABLAMOS DE COCINA PERUANA,

como chefs tenemos que hacerlo con responsabilidad, con conocimiento, debemos estar actualizados y para ello hablo continuamente con mis proveedores, con mi gente, y me gusta mucho leer, que es algo que había dejado de hacer.

• TRABAJAR EN PAREJA SÍ ES DIFÍCIL,

pero también saludable siempre y cuando mantengamos nuestras reglas, pasiones y armonía. En su propio restaurante, Pía, mi esposa, expresa su gastronomía de otra manera (Pía León es chef de Kjolle, que está en la lista de los mejores restaurantes de Latinoamérica en The Latin America´s 50 Best restaurants).

• COMO COCINEROS, le hemos dado mucho

tiempo a la cocina, tal vez nos hemos separado de la vida “normal”, de visitar a la familia, de domingos libres...

Ha sido duro encontrar un balance, máxime cuando tienes un hijo.

• AHORA VIVIMOS MUY CERCA DEL

• A MIL (NUESTRO RESTAURANTE DE CUSCO) lo veo como un centro de

interpretación y desarrollo de ideas.

Empezó como un taller de creatividad, de elaboración y producción de productos, pero se conceptualizó como

27 M AYO 2020

RESTAURANTE, asi que cuando quiero darle un beso a mi hijo lo tengo a segundos, y tal vez él esté jugando, pero cada vez que puedo me doy una escapada, lo agarro de los cachetes y regreso.

“La fama de las celebridades promueve la codicia, el egoísmo y el concepto de que eres una mejor persona si tienes mucho dinero. Es triste que ya no se trate del trabajo en sí”.

28 M AYO 2020

Joseph

GORDON-LEVITT AC T O R , D I R E C T O R , G U I O N I S TA | L O S Á N G E L E S , C A | 3 9 A Ñ O S

POR MARIANA MIJARES

• HE SIDO AFORTUNADO DE RECIBIR ATENCIÓN

juntos, que sea interesante y te deje algún mensaje.

GRACIAS A MI ACTUACIÓN, pero la emoción que siento

por mi profesión no es por las alfombras rojas o la fama.

Honestamente, esas cosas me generan ansiedad, lo que me causa alegría es el proceso creativo.

• CUANDO ESTOY EN UN SET JUNTO A OTROS ACTORES

• CADA UNO DE LOS PROYECTOS DE HITRECORD es una

oportunidad de involucrarte con gente creativa que busca conectar con gente como tú.

• LA TECNOLOGÍA HOY NO ES LA MISMA QUE TENÍAMOS

Y DIRECTORES, con un guion de un gran escritor y

HACE 10 AÑOS. Antes no era tan común que la gente

rodeados de un crew con el que trabajamos en algo que nos interesa, se pierde el sentido del tiempo y solo te enfocas. Eso me estimula.

empleara un teléfono para ser creativos. Con las nuevas herramientas, ahora cualquier colaboración puede ser más intuitiva y orgánica.

• LA FAMA DE LAS CELEBRIDADES promueve la codicia,

el egoísmo y el concepto de que eres una mejor persona si tienes mucho dinero. Es triste que ya no se trate del trabajo en sí.

• CONOZCO EL SISTEMA y por eso los grandes

• DESDE EL AÑO PASADO NOS HEMOS ENFOCADO en

atraer más gente a las iniciativas de nuestra plataforma y, sobre todo, en facilitarles a los creativos herramientas para que lideren sus propios proyectos.

• PIENSO MUCHO EN CÓMO AHORA VARIAS PÁGINAS

presupuestos ya no me impresionan. Quizá lo hacían cuando tenía 13 años, pero he estado trabajando en esto desde que tengo seis.

EN INTERNET se usan para implementar anuncios, sirviendo así a los intereses de los anunciantes y no de los usuarios. Ese modelo de negocio probablemente sea insostenible.

• UNO DE MIS LIBROS FAVORITOS y recientes es Ten

Arguments for Deleting Your Social Media Accounts Right Now, de Jaron Lanier, quien lleva muchos años hablando de esto, un tema del que todos deberíamos estar más conscientes. Si en redes quieres más likes y followers, una manera de hacerlo es siendo negativos, criticar a otros y polarizar posiciones. Decir algo con enojo seguramente te atraerá atención. Sin embargo, deberíamos evitar las plataformas que fomentan ese tipo de contenido.

• APRECIO LAS APPS que ofrecen algo valioso, algo que te

ayuda a mejorar o hacer tu vida mejor; como Headspace (para meditar) Strava (para mantenerte en forma) e incluso Netflix, que ofrece tanto contenido. Hubo un momento en que la gente no concebía la televisión sin anunciantes y hoy, con Netflix a la cabeza, tenemos HBO, Amazon Prime, Apple TV+ o Hulu: televisión de calidad que se hace de otra manera.

• ESTOY A PUNTO DE DIRIGIR algo de nuevo (tras su

• ES UN MITO QUE A LOS ACTORES con grandes números

de seguidores en redes les va a ir siempre bien en sus películas, o que para los músicos se traduce en altas ventas de sus álbumes. Para mí, el beneficio de tener gente que te lee es la plataforma que te da.

• LA MAYORÍA DE LOS GUIONES SON MALOS, leo muchos

• UTILIZO LAS REDES PARA INVITAR A LA GENTE A SER CREATIVOS, a hacer cosas diferentes o a sumarse

a HitRecord (plataforma que fundó hace 10 años y que busca ser una comunidad abierta para la colaboración creativa).

• PARA TENER CONEXIONES MÁS PROFUNDAS en línea FOTO: GE T T Y I M AGE S

debut en Don Jon). Se llama Mr. Corman, una serie de Apple TV+ que me emociona mucho.

hay que encontrar metas e ideas en común. No se trata solamente de socializar, sino de colaborar, de hacer algo

y no me cautivan, pero el de The Trial of the Chicago 7 (que estrena en octubre próximo) es tan bueno que me lo aprendí palabra por palabra. Solo había hecho eso con los de Rian Johnson (Brick, Looper, Knives Out).

• HOY ESTAMOS VIVIENDO EL PRINCIPIO de algo que

implica que en un futuro colaboraremos más a distancia, ya no a la usanza tradicional de Hollywood, sino con personas geográficamente dispersas que emplean la tecnología para conectar. Estamos apenas al principio de esto.

29 M AYO 2020

El primer álbum de Billie Eilish Pirate Baird O’Connell, que además hizo realidad con la producción de su hermano Finneas, es prácticamente un acto antiglobal, resultado de una desconexión temporal para estar enfocados mientras escudriñaban en el interior de la ansiedad adolescente, depositándola en un sitio separado de la toxicidad que puede generar la sobreinformación, así como el cúmulo de tendencias sin sustancia que llegan bajo la consigna de una efímera existencia.

FOTOS: CORTESÍ A UNIVERSAL MUSIC

EL ÁNGULO DESDE EL CUAL OBSERVÓ el mundo durante la composición y grabación de When We All Fall Asleep, Where Do We Go? fue uno donde la parafernalia del exterior parece haber sido encapsulada y lanzada muy lejos de casa.

Por BENJAMÍN ACOSTA

Sutil provocación

Sin pretensiones de superestrella, Billie Eilish nos ha propinado un contundente punch revelador.

NO TA S CORTA S M Ú SIC A

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31 Al ďŹ nal, lo que consiguieron fue una serie de baladas distĂłpicas y canciones de medio tiempo confesionales llevadas por el estilo sombrĂ­o de esta californiana nacida en 2001, deďŹ nido con una voz de aparente fragilidad que coloca encanto al misterio. He aquĂ­ nuestra conversaciĂłn.

ESQUIRE: ÂżCREES QUE EL Ă LBUM CONCENTRA UNA ENERGĂ?A TAN Ă?NTIMA POR HABER SIDO GRABADO EN CASA?

Es una de las bases para conseguir ese efecto de cercanĂ­a espontĂĄnea. Pensamos que se trataba de un proyecto tan personal que era la Ăşnica manera para evitar que esa sensaciĂłn se escapara, y tambiĂŠn fue resultado de las condiciones que tenĂ­amos para hacerlo, asĂ­ que las aprovechamos de esa forma.

Tenemos buena comunicaciĂłn y sabemos cĂłmo manejar los desacuerdos como la posibilidad de hacer mejor las cosas, de sumar en lugar de confrontar, y creo que no es comĂşn establecer ese nivel de comunicaciĂłn.

BILLIE EILISH:

ESPACIO CON EL TIEMPO?

No habĂ­a fecha de entrega, ningĂşn tipo de presiĂłn. Cuando compones y produces en esas condiciones es como si cada momento se expandiera, porque es tan intensa la forma en la que percibes el presente que logras sentir de manera distinta. Esas sensaciones al percibir el aquĂ­ y el ahora en verdad ayudaron a moldear cada canciĂłn. Es como descubrir una especie de mĂŠtodo para canalizar y concentrar la energĂ­a de cada idea que se ensambla para hacer realidad un todo con diferentes matices.

BE:

ESQ: ÂżPARA CONECTAR CON LOS DEMĂ S PRIMERO HAY QUE CONECTARSE CON UNO MISMO?

ÂżCĂłmo ser originales? En sus propias palabras, aquĂ­ algunos detonantes creativos de bandas que admiramos.

BOMBAY BICYCLE CLUB

“Creo que la conexiĂłn de ideas propias aparece con mĂĄs fuerza durante los lapsos de refrigerio. Sin presiones de ningĂşn tipo, sin la tensiĂłn natural cuando llevas trabajando muchos aĂąos como banda: fue en ese mood contemplativo que comenzĂł a tomar forma Everything Else has Gone Wrong. A la distancia, generamos de manera personal lo que nos pareciĂł relevante, sin tantos cuestionamientos y con la libertad que brinda la experimentaciĂłn a nivel individual.

DespuĂŠs solo fue cuestiĂłn de ensamblar las piezas mientras notamos que nos habĂ­amos UHIUHVFDGR OR VXĆ“FLHQWH SDUD H[WUDÂłDUQRV \ encontrarnos de nuevo con esa energĂ­a esencial, la que permite sacar belleza de la oscuridad en donde parece entrar el mundo HQWHURĹ? FRQĆ“HVD HO FDQWDQWH \ JXLWDUULVWD -DFN Steadman acerca de su quinto ĂĄlbum, el primero despuĂŠs de casi seis aĂąos de silencio como grupo.

DEATH CAB FOR CUTIE

“Me gusta ser pragmĂĄtico, presto atenciĂłn al regalo de la impronta, a eso que en un instante cruza tu cabeza como un pensamiento poderoso, lo atrapas como un diamante en bruto para pulirlo y formatearlo con tiempo y delicadeza; es algo que he descubierto con los aĂąos como compositor.

Todos los sentimientos funcionan como SODWDIRUPD SDUD FUHDU DXQTXH OD UHĹ´H[LÂľQ melancĂłlica esta vez lanzĂł varios dardos que dieron justo en el blanco que expandiĂł ondas melĂłdicas. La Ăşnica tendencia que me importa es la que podrĂ­a marcar mi discografĂ­a en sĂ­ misma. MĂĄs que un acto HJRÂŻVWD R HQVLPLVPDGR FUHR TXH VH UHĆ&#x201C;HUH DO hecho de habitar el mundo que estĂĄ poblado por tu propia mĂşsica, y en ese sentido, continuar explorĂĄndolo. Es ahĂ­ donde existe la bĂşsqueda constanteâ&#x20AC;?, reconoce Ben Gibbard, lĂ­der de la banda formada hace poco mĂĄs de dos dĂŠcadas y que ha llegado a VX QRYHQR ÂŁOEXP 7KDQN <RX IRU 7RGD\

Me parece fundamental si en realidad deseas transmitir desde el interior.

Es comĂşn que avancemos con un ritmo de vida en el cual evadimos los instantes.

En medio de tantos distractores es fĂĄcil perder el foco y seguimos mientras estamos desconectados de nosotros mismos; no solo se trata de un tema tecnolĂłgico, sino de hĂĄbitos de consumo y aprendizaje.

BE:

de papel y por los instrumentos musicales. Al juntar lo mejor de ambos mundos me siento mĂĄs integrada.

ESQ: ÂżTODO ESO ES PARTE DE TU DINĂ MICA COMO PER-

ESQ: ÂżESE NIVEL DE CONCENTRACIĂ&#x201C;N EVITA SABOTEAR

SONA Y CĂ&#x201C;MO ARTISTA?

LA INERCIA DE LA INSPIRACIĂ&#x201C;N?

BE:

Es lo mĂĄs probable. Estamos expuestos a estĂ­mulos visuales que nos entretienen, eso no estĂĄ tan mal siempre y cuando no nos dejemos llevar de manera que lleguemos al punto de no encontrar el retorno. Lo vivo como una nativa digital en el sentido de sorprenderme por lo opuesto, por lo tangible y anĂĄlogo, por los libros BE:

Siento que lo que me rodea me muestra el camino para percibir cada dĂ­a y la lecciĂłn que trae consigo. Si perdemos la capacidad de adquirir nuevas habilidades relacionadas con la creatividad se desvanecerĂ­a el componente de lo singular, lo que nos complementa y enriquece como seres humanos. Me gusta hacer mĂşsica porque siento que esa es mi pequeĂąa aportaciĂłn.

NO TA S CORTA S M Ă&#x161; SIC A

ESQ: ÂżDE QUĂ&#x2030; MANERA EQUILIBRAN EL

IMAGINACIĂ&#x201C;N AL PODER

moda, grooming & relojería

Spring LOOKS Desde casa no olvidamos las tendencias. Esta es una selección de los mejores outfits para la temporada.

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Chamarra y jeans Levi’s, camisa Etro, anillo y brazalete Demaldè, botas Prada.

Esta página: saco, camisa y pantalón Giorgio Armani, anillo y brazalete Demaldè. Página opuesta: saco, camisa y pantalón Dolce & Gabbana, anillo Demaldè, calcetines Pantherella, zapatos Dolce & Gabbana.

35 M AYO 2 02 0

Esta página: chamarra Sisley, pantalón y camisa Etro, sandalias Hermès. Página opuesta: gabardina, camisa, pantalón y tenis Valentino.

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Esta página: abrigo, traje y camisa Tod’s, corbata Gallo. Página opuesta: saco, camisa, t-shirt y pantalón DSquared2, anillo Demaldè, calcetines Pantherella, zapatos DSquared2.

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SMIDL @ UNOMODELS. ASISTENTE DE LUZ: ALESSANDRO VERGATA. OPERADOR DIGITAL: NICOLA PAGANO. DIRECTOR DE CASTING: SIMO BART. LOCACIÓN: @ERRECISTUDIOS.

ASISTENTE DE MODA: LUCA FALIERO. MAQUILLAJE: GIORGIA GERVASIO @MKSMILANO. PEINADO: GIOVANNI ERROI @GREENAPPLEITALY.COM. MODELOS: ANDREA QUARANTA @WHYNOTMODELS Y ANDREY

Esta página: suéter y pantalón Loro Piana, lentes de sol Celine, anillo Demaldè. Página opuesta: Chamarra, camisa y pantalón Prada, calcetines Pantherella, botas Prada.

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OD M

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Por IKERNE MESTRE

Lo Hecho en México se ha convertido en sinónimo de calidad y autenticidad. La escena nacional de moda ha crecido y cada vez tenemos más propuestas masculinas en el panorama. Te compartimos nuestra selección Esquire para que no tengas pretextos por no contar con una selección de sello nacional en tu guardarropa.

E S T I LO MODA

A

A LA

MÉXICO

THE PACK

Bajo la dirección creativa de PATRICIO CAMPILLO, THE PACK es un proyecto de indumentaria masculina desarrollado en la Ciudad de México. Las referencias estéticas nacionales son evidentes, pero también lo son la técnica de la sastrería y el streetwear. Su ropa es fabricada bajo normas de comercio justo y con la misión de utilizar materiales ecológicamente sustentables que aporten de manera positiva a la sociedad. @thepackbrand

43 LOS VLADIMIROVICH

Así como como los colectivos de artistas en la Revolución francesa o como el NSK, la idea de LOS VLADIMIROVICH se basa en la renuncia de la individualidad para resaltar

el trabajo en equipo. Se trata de un colectivo que trabaja de manera horizontal y sin un lugar de origen. Los integrantes son ciudadanos del mundo que hoy en día están en seis ciudades

GLIHUHQWHV \ OD ƓUPD FUHD piezas hechas a mano en México con tejidos naturales bajo procesos tradicionales basados en la calidad y confort de la cotidianidad. @ losvladimirovich

OCELOTE

La simplicidad es la forma más compleja de H[SUHVLµQ DV¯ OR PDQLƓHVWD &«VDU )ORYD D través de su propuesta fresca y accesible. De carácter urbano, arquitectónico y unisex, estas prendas parten del estudio de la proporción y geometría del cuerpo, siendo una gran adición a cualquier guardarropa. Su confección es de muy buena calidad, por lo que permanecerán ahí temporada tras WHPSRUDGD 2FHORWH UHDƓUPD TXH PHQRV HV más. @ocelotenet

F OTO S: C O R T E S Í A

KRIS GOYRI

Con su última presentación, SS20, hizo su debut en la moda masculina. Para la colección (llamada Balam) retomó aspectos de la simbología y representación visual de la cultura maya para transformarlas en piezas clásicas. La mezcla de materiales inesperados con cortes minimalistas, sumados a la atención a los detalles, dieron paso a una SURSXHVWD TXH UHŴHMD DO KRPEUH contemporáneo y su necesidad por diferenciarse. @krisgoyri

E S T I LO MODA

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MAISON MANILA

ROSSANA DĂ?AZ DEL CASTILLO , una diseĂąadora originaria de Veracruz, fundĂł en 2015

Maison Manila. La propuesta: ropa para hombres y mujeres cĂłmoda y de buena calidad que se adapte a muchas situaciones. Es ropa fĂĄcil de cuidar en casa que no se arruga, por lo que es ideal para viajar. LĂ­neas simples y depuradas en colores sĂłlidos con una notable omisiĂłn de FLHUUHV \ ERWRQHV HQ SLH]DV TXH EXVFDQ GXUDELOLGDG Ĺ´XLGH] \ IXQFLRQDOLGDG #PDLVRQBPDQLOD

DIEGO ZĂ&#x161;Ă&#x2018;IGA

El HEALTH GOTH â&#x20AC;&#x201C;literalmente, gĂłtico sanoâ&#x20AC;&#x201C; es una tendencia de la Ăşltima dĂŠcada basada en la combinaciĂłn de sportswear, el color negro y el minimalismo. Diego Zúùiga sigue la estĂŠtica de esta tendencia con resultados originales y relajados: looks monocromĂĄticos con detalles discretos y materiales como el neopreno le brindan a su propuesta un feel contemporĂĄneo distintivo que recuerda a diseĂąadores como +HOPXW /DQJ R $OH[DQGHU :DQJ # diegozunigamenswear

ANUAR LAYĂ&#x201C;N

El hombre detrĂĄs de la hoy cĂŠlebre chaqueta con la frase â&#x20AC;&#x153;Mexico is the shitâ&#x20AC;?, ANUAR LAYĂ&#x201C;N , es un diseĂąador con mĂĄs de 17 aĂąos en la industria de la moda y ahora estĂĄ al frente de varios proyectos. Es socio y director creativo de Mercadorama (con quienes realizĂł la dichosa chamarra), un colectivo dedicado a crear PHUFK RĆ&#x201C;FLDO SDUD DUWLVWDV FRPR Tame Impala, Metallica y CafĂŠ Tacvba; tiene su marca homĂłnima, con la cual ha FRODERUDGR FRQ RWUDV Ć&#x201C;UPDV como Nike, Amazon Fashion o %RPEHUJ DGHPÂŁV GH FRQWDU FRQ dos marcas de streetwear: Prima 9ROWD \ 6DG %R\ 3UHPLXP *RRGV #DQXDUOD\RQ

45 1/8 TAKAMURA

Un estudio de creación de indumentaria y accesorios basado en la Ciudad de México con una estética atemporal que dialoga con la escencia de México y Japón. El universo creado por GUILLERMO VARGAS se compone de cuatro líneas: industrial, artesanal, cuarto de juegos/playground y colaboraciones, cada una como exploración distinta que, en conjunto, asemejan todos los valores que hilan a la marca. @1.8takamura

SIMPLE BY TRISTA

Trista es una marca independiente con más 15 años en la escena nacional. A raíz de VX «[LWR WXYR TXH GLYHUVLƓFDU VXV líneas y así nació Simple by Trista, dirigida por Alexis Meza y Giovanni Estrada, cofundador de la compañía. Simple es la línea de difusión, una propuesta más casual, comercial y accesible entre lo artesanal y lo industrial. Sus procesos están orientados hacia la experimentación textil y la creación de diseños versátiles, aterrizados y fáciles de usar. @ simplebytrista

F OTO S: C O R T E S Í A

SAID HENAINE

Todas sus piezas están hechas a mano por artesanos en un taller familiar con materiales importados de gran calidad. A sus 23 años, Said es el joven detrás de su marca homónima con especialidad en prendas de cuero. La manufactura y el ajuste son impecables, con piezas exclusivas y estilo extrovertido. Las chamarras de piel con detalles originales se convierten de un básico a una declaración de moda y un objeto de deseo. @said_henaine

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UNO DE LOS MEJORES ACTORES de

Hollywood de su época, Paul Newman poseía diversas habilidades que se extendieron más allá de la gran pantalla: además de su carrera cinematográfica como actor, director y productor, Newman fue también piloto de carreras, emprendedor, filántropo, activista y hombre de familia.

Si bien es recordado por todas las facetas anteriores, también lo es por su forma de vestir. Tanto en sus papeles como en su dia a dia personificó el

nonchalance, haciendo suyas las tendencias de los años 50, 60 y 70, aunque siempre fiel a su manera de ser: relajado, sencillo y carismático. Amante de los clásicos y del preppy style estadounidense, Paul vestía de manera discreta, elegante y atemporal. Apostaba por lo seguro y prefería la comodidad… los resultados saltaban a la vista.

estadounidense

SUÉTER GRIS TEJIDO EN CUELLO V DE GUCCI EN FARFETCH.

Paul Newman encarnó la quintaesencia del estilo más puro de vestir, y hoy se mantiene como un inspirador referente.

CAMISA BLANCA DE ALGODÓN DE BROOKS BROTHERS.

Por IKERNE MESTRE

PANTALÓN ESTILO CHINO KHAKI DE NEUW EN FARFETCH.

CALCETINES DE BRUNELLO CUCINELLI EN FARFETCH.

TENIS EN LONA AZUL MARINO DE POLO RALPH LAUREN.

FOTOS: GE T T Y IM AGE S Y CO R T E SÍ A .

E S TIL O GE T TH E L O OK

Un clásico

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están hechos para durar por siempre, así que comprarlos de buena calidad es un factor determinante, aunque hay más que puedes hacer para disfrutarlos por más tiempo y en MANTENLO buenas condiciones. Te Dales damos seis claves para mantenimiento prolongar la vida de tu regular con un par favorito. especialista o en casa: hidrata la piel, cambia las agujetas o las suelas y límpialos a profundidad.

GUÁRDALOS

Piensa en un lugar fresco y seco. El exceso de humedad y calor son enemigos de los zapatos porque estimulan el crecimiento de bacterias.

Se hace camino al andar

POR DESGRACIA, la mayoría de los zapatos no

Algunos sencillos tips para alargar la vida de tus zapatos.

Por Ikerne Mestre

Nunca los guardes mojados o húmedos: permite que se sequen y asegurate de enjuagarlos con agua limpia si se mojaron en un charco.

MOLDÉALOS

Utiliza hormas de zapatos, pues son indispensables para mantener su forma.

Por ningún motivo los amontones, ya que es la manera más fácil de deformarlos.

LÍMPIALOS

Suena obvio, pero es algo que debes hacer siempre antes de guardarlos.

Limpia el cuero con un paño y cepilla el polvo de la gamuza.

Tenis, Sandro

F OTO S: C O R T E S Í A

RÓTALOS

No uses el mismo par durante varios días consecutivos.

Dales un descanso para permitir que se sequen y respiren entre cada uso.

LIMPIEZA PROFESIONAL Crep Protect ofrece productos para el cuidado y protección de los zapatos, como la Suede and Nubuck Eraser para, literalmente, borrar las manchas de las pieles. Además, tienen una tienda en la Colonia Roma donde limpian tus tenis para que queden como nuevos (Álvaro Obregón 128).

E S T I LO MODA

VENTÍLALOS

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Amor a México

El legado español

A nivel personal, México es de los países favoritos de Roberto Verino, y también es un mercado prioritario para su marca. Con Legado rinde homenaje a la cultura mexicana, tomando como inspiración el descenso de Kukulcán y la luz del equinoccio de primavera.

Por IKERNE MESTRE

LA PALABRA “MODA” NI SIQUIERA estaba en su imaginario, pero hoy es su mayor interés.

Roberto Verino, que en realidad se llama Manuel Roberto Mariño Fernández, fundó su marca homónima en 1982, después de estudiar Bellas Artes en París y haber trabajado varios años en la industria de la moda. “Verino” viene de su lugar de nacimiento, Verín, una pequeña localidad gallega a la cual volvió para establecer su firma. El quería que su familia formará parte del proyecto, y aunque permanecer en la capital de la moda habría sido lo más lógico, para él fue más importante dar empleo a gente de su entorno rural. “Fue un esfuerzo grande al principio, pero luego se vio recompensado con la capacidad y voluntad de las personas de dedicarme su tiempo, su arte y sus oficios”, nos cuenta mientras estamos sentados para conversar en la Ciudad de México. Casi cuatro décadas después, Roberto Verino presentó su colección PV 2020 bajo el nombre Legado. Cargada de significados, esta entrega es una mirada hacia el futuro que no olvida el camino recorrido. Para su firma, ese trayecto implica dedicación, trabajo y respeto por las cosas bien hechas. Con los años, la marca ha adoptado las nuevas tecnologías, pero siempre sumando el factor de la experiencia, colocando por encima su esencia humana, algo que el creador gallego reafirma: “Debemos sacarle partido a las personas, porque los oficios no se improvisan y tienen mucho que ver con el mundo de la artesanía”. Algo de suma trascendencia para la marca, pues las prendas de Roberto Verino (siempre prácticas y funcionales) son atemporales: no pasan de moda. Parecería frase de cajón, aunque en este caso sí que aplica lo de “son para toda la vida porque son de calidad”. En palabras del propio diseñador, “perduran en el tiempo”. Son un legado.

F OTO S: C O R T E S Í A

E S T I LO MODA

ROBERTO VERINO apuesta por la ética sobre la estética y la trascendencia sobre la tendencia.

ESTE ESPACIO CORRESPONDE AL TELÉFONO CELULAR DE LA CONOCIDA MARCA CHINA

CUYA IMAGEN INTEGRA OCHO PÉTALOS ROJOS.

#TELEVISATEACOMPAÑA #ESPACIORESERVADO

E S T I LO MODA

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CÓDIGOS CLÁSICOS

La sastrería como la mejor herencia y legado.

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Las prendas y accesorios tradicionales esenciales para la vestimenta cotidiana han sido traducidos por Virgil Abloh, director artístico masculino de Louis Vuitton, en esta colección Pre-Fall 2020, que toma como punto de partida la esencia de la sastrería con un ajuste a la silueta, que encuentra su mejor esencia a través de una técnica y fabricación impecables. “Los viejos hábitos tardan en morir” dice Virgil. Nada más cierto.

Por ALFONSO PARR A Fotos NORBERT SCHOERNER

AHORA

NUEVOS

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E S T I LO MODA

Las prendas y accesorios tradicionales para el dĂ­a a dĂ­a.

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E S T I LO MODA

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F OTO S: C O R T E S Ă? A . G E T T Y I M AG E S

Territorios contemporĂĄneos para un encuentro generacional esperado.

Herencia mexica

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CUATRO PLUMAS DE EDICIÓN LIMITADA elabora-

Montblanc encontró inspiración en este inmueble, recinto desde el cual Moctezuma gobernaba y que sirvió como referencia para la pieza de edición limitada a 87 plumas, cifra que refiere al año en que se añadió a la lista del Patrimonio Mundial de UNESCO. En ella se muestra un mosaico turquesa al estilo mexica elaborado a mano con incrustaciones de oro sólido y decorada con un motivo central que simboliza el mito de la creación de los Cinco Soles. Y fue justo dentro del Templo Mayor donde se encontró la Piedra de Moctezuma I, la única pieza remanente de las ruinas que sirve de inspiración para la cuarta pluma limitada a tan solo ocho piezas, que presenta un capuchón elaborado a partir de oro sólido Au 750 de tono champaña, adornada con diamantes, granates, tsavoritas verdes y zafiros de múltiples colores que acompañan un grabado con diferentes referencias a las deidades y cultura mencionada. El cuerpo de la pluma, de jaspe rojo oscuro con incrustaciones de oro, hace juego perfecto con esta única, histórica y especial pluma que porta en sí misma cientos de años de cultura.

F OTO S: C O R T E S Í A

Por JUAN PABLO DORIA

Una nueva límea de plumas, inspiradas en el HUEY TLATOANI MOCTEZUMA ILHUICAMINA, rinden homenaje al legado artístico y arquitectónico de México.

E S T I LO ACC E S OR IO S

das en el Montblanc Artisan Atelier rinden homenaje al quinto gobernador de la gran ciudad de Tenochtitlán, Moctezuma Ilhuicamina, líder de la misma durante casi 30 años. Las piezas cuentan con variedad de diseños en materiales preciosos y se realizaron en colaboración con el Instituto Nacional de Antropología e Historia de México; cada una de ellas busca homenajear al líder mexica desde diferentes perspectivas, como su lado guerrero (del cual parte la primera versión que se inspira en el átlatl, un arma utilizada para disparar dardos a largas distancias). Con detalles en plaqué de oro como reminiscencia de las empuñaduras y el cuerpo de color rojo carmín, evoca los colores de la cultura mexica, sobre todo el del manto real. El mismo tono carmín, mezclado con un color turquesa, hace referencia a los vestidos reales del guerrero prehispánico que se representan en una segunda pluma con grabados de armas y cráneos en el capuchón de plata, así como ornamentos tradicionales que de forma armoniosa acompañan el cuerpo turquesa embellecido con cuatro líneas de oro sólido en tonos champaña que evocan los puntos cardinales que irradiaba el Templo Mayor.

ESTE ESPACIO CORRESPONDE AL WHISKY QUE NOS HA ENSEÑADO A SIEMPRE SEGUIR CAMINANDO

#TELEVISATEACOMPAÑA #ESPACIORESERVADO

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Guía para “salvar” 11

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INTELECTUAL Esta mamá disfruta de un buen libro acompañado de una taza de té o café y puede tener largas pláticas, profundas y reveladoras, y recomendar las mejores películas. Para ella, que te dió los mejores consejos en momentos difíciles, esta es la guía definitiva.

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MAMÁ

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1. Libro, La sinfonía del azar. 2. Bolsa, Gucci. 3.

Reloj, Cellini Time en oro blanco, Rolex. 4.

Zapatos Viva, Salvatore Ferragamo. 5.Lentes, Boss. 6. Aretes, Chopard. 7. Perfume, The Only One 2 Dolce & Gabbana. 8. Shine Fever Lip Vinyl, Stila en Sephora. 9. Reloj, Millenary Audemars Piguet. 10. Cartera, Tory Burch. 11.

Crema, Diamond Coccoon Sheer Cream, Natura Bissé. 12. Pluma Meisterstück Le Petit Prince & The Planet, Montblanc. 13. Difusor, Jo Malone. 14. Cafetera Vertuo Plus, Nespresso.15. Vino rosado, Summer de Casillero del Diablo Rosé.

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TROTAMUNDOS

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Por CONSTANZA ALCOCER

Hay mamĂĄs de diferentes tipos y encontrar el regalo perfecto para consentirlas en su dĂ­a no siempre es tarea fĂĄcil. En la redacciĂłn de Esquire, â&#x20AC;&#x153;virtualâ&#x20AC;? en estos dĂ­as, nos dimos a la tarea de armar esta guĂ­a de regalos, dividida en cuatro tipos de personalidades. Ubica la que mĂĄs se asocia a ella y seguro acertarĂĄs.

F OTO S: C O R T E S Ă? A

el DĂ­a de las Madres Si siempre tiene una excusa para viajar y disfruta los lujos de la vida, entonces esta es su categorĂ­a. Te proponemos obsequios que le encantarĂĄn y sabrĂĄ que entiendes su estilo de vida y gustos a la perfecciĂłn.

1. Gomitas, But First, RosĂŠ, 6XJDUĆ&#x201C;QD %ROVD 6DLQW /DXUHQW E\ $QWKRQ\ 9DFFDUHOOR %ROVD 'ROFH *DEEDQD /HQWHV GH VRO %XOJDUL /LSVWLFN +HUPÂŞV &UHPD &DSWXUH 7RWDOH &HOO (QHUJ\ 'LRU 5HORM 0DLOORQ GH &DUWLHU $QLOOR )DQWLQD 3RPHOODWR 5HORM Â&#x2039;JHULH 9DFKHUR &RQVWDQWLQ 3HUIXPH 'LDQD 9UHHODQG 6PDVKLQJO\ %ULOOLDQW &DGHQD SDUD OHQWHV *XFFL 3HUIXPH 0RQ *XHUODLQ $XGÂŻIRQRV 0RQWEODQF $QLOOR &RFR &UXVK &KDQHO =DSDWRV 0LX 0LX &LQWXUÂľQ /RXLV 9XLWWRQ 3HUIXPH 0RQ *XHUODLQ 0DOHWD 7XPL $OSKD

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CREATIVA Es quien, cuando eras chico, siempre te ayudaba con los proyectos manuales para la escuela, y aún hoy siempre sigue entusiasmándose cuando piensa en pequeños proyectos que la llevan a explotar su creatividad. Para ella, apuesta por accesorios coloridos, fragancias florales y detalles inesperados.

1. Pluma, Paul Smith x Caran d’Ache. 2. Collar y aretes, Dodo. 3. Collar, Swarovski. 4.

Perfume, Gucci Bloom Ambrosia. 5. Cinturón, Loewe. 6. Bolsa Snap, Bottega Veneta. 7.

Bolsa Peekaboo, Fendi. 6. Jeans, Levi’s. 8.

Charm, Tane. 9. Lentes de sol, Missoni. 10.

Collar, Prada. 11. Aretes, Saint Laurent by Anthony Vaccarello. 12. Reloj, Mido. 13. Lip oil, Nars en Sephora. 14. Bolsa, Schutique. 15.

Jeans, Levi’s. 16. Vestido, AllSaints.

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1. Tenis, Docle & Gabbana.

2. Lentes de sol, Polaroid.

3. Libro, El camino del heartfulness. 4.Roller facial de cuarzo, Sephora. 5.

AirPods Pro, Apple. 6.

Cangurera, Marni. 7.

Crema, La Mer Blue Heart Limited Edition. 8. Reloj, Casio Vintage Premium. 9.

Chamarra, Asics. 10. Polo, Lacoste. 11. Sudadera, Calvink Klein. 12. perfume, Chance Eau Fraiche, Chanel. 13. Pulsera T1, Tiffany & Co. 14. Inhibit 9 1HFN 'HĆ&#x201C;QLWLRQ 6\VWHP natura BissĂŠ. 15. Tenis, Puma.

ACTIVA

Si tu mamĂĄ no sabe estar quieta, disfruta hacer ejercicio y siempre piensa en su siguiente actividad, estas son las mejores opciones. Por lo general le gusta salir, socializar y aprovechar cada dĂ­a al mĂĄximo; su dĂ­a no empieza sin cafĂŠ y estĂĄ lista para una aventura en todo momento. Puesto que no es el momento para consentirla con una experiencia fuera de casa, apreciarĂĄ cualquiera de estas ideas.

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F E

E S T I LO F R AG A NC I A S

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TODO SOBRE LOS

E R U M S

El accesorio invisible, secreto para la seducciĂłn, es asimismo un objeto de identidad.

Por IKERNE MESTRE

ORIGEN

FLORALES /DV Ĺ´RUHV GH OD QDWXUDOH]D FRQVWLWX\HQ HO WHPD central de estos perfumes (seĂąores, los favoritos para muchas mujeres), en los que el aroma estĂĄ compuesto por bouquets, FRPELQDFLÂľQ GH YDULDV Ĺ´RUHV R VROLĹ´RU XQD VROD Ĺ´RU â&#x20AC;˘ FLORAL: romĂĄntico, femenino y con olor D Ĺ´RUHV UHFLÂŤQ FRUWDGDV 0RQWEODQF

â&#x20AC;˘ FLORAL SUAVE: notas polvosas y con toques de aldehĂ­dos. (Le Labo Rose 31) â&#x20AC;˘ FLORAL ORIENTAL: con sutiles notas HVSHFLDGDV 5RFKDV 5RFKDV %\]DQFH

La palabra perfume proviene del latino per fumum, que se traduce como â&#x20AC;&#x153;a travĂŠs del humoâ&#x20AC;? para describir los antiguos rituales en los cuales se hacĂ­a una quema de hierbas, especias, inciensos y resinas como ofrenda a las deidades.

63 DE FAMILIA

Los aromas se categorizan segĂşn sus familias olfativas.

Aunque existen muchos PRGHORV GH FODVLĆ&#x201C;FDFLÂľQ HO mĂĄs comĂşn es el propuesto por Michael Edwards en 1983, llamado â&#x20AC;&#x153;rueda de las IUDJDQFLDVĹ? (O JUÂŁĆ&#x201C;FR FLUFXODU permite observar la relaciĂłn entre cuatro familias distintas (que a su vez se subdividen) y cĂłmo los aromas se complementan o chocan entre sĂ­.

PROLONGACIĂ&#x201C;N

La piel bien hidratada atrapa mejor las fragancias, haciĂŠndolas durar mĂĄs.

Algunas lociones tienen su versiĂłn en crema o tambiĂŠn puede utilizarse una sin fragancia ni alcohol.

F OTO S: C O R T E S Ă? A

ORIENTALES

Familia exĂłtica y seductora. Su composiciĂłn parte de esencias como la vainilla, ĂĄmbar, tabaco, resina, especias exĂłticas, incienso y maderas. Aromas pesados que sobre todo van bien durante la noche. â&#x20AC;˘ ORIENTAL SUAVE : evocan sensualidad y calidez. (Perry Ellis Bold Red) â&#x20AC;˘ ORIENTAL: opulentos y embriagadores, son perfumes fuertes y oscuros. (Paco Rabanne OlympĂŠa Eau de Parfum) â&#x20AC;˘ ORIENTAL AMADERADOS: son notas intensas, cĂĄlidas y envolventes.(Moschino Toy Boy)

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¡TU PIEL ES EL INGREDIENTE FINAL!

E S T I LO F R AG A NC I A S

La química de la dermis, pH, temperatura y alimentación VRQ IDFWRUHV TXH LQŴX\HQ HQ la forma en la que algunos perfumes huelen en ti, por eso es normal que la misma fragancia se perciba distinto en varias personas.

PULSACIÓN

El perfume debe aplicarse en los puntos del pulso (muñecas, cuello, detrás de las orejas y tras las rodillas), pues esos puntos tienen una temperatura corporal más alta, logrando que se vaporicen y liberen mejor los aromas.

AMADERADAS

Se caracterizan por su calidez y opulencia.

Aromas elegantes, cálidos y duraderos que se asocian mucho con perfumes masculinos.

• MADERAS: crudas y simples como el cedro, sándalo y vetiver. (Indian Sandalwood Dunhill) • MADERAS AROMÁTICAS: también conocidos como fougère, son más relajados y frescos. (Bleu de Chanel) • MADERAS MUSGOSAS: estilo Chypre, que enfatizan un aspecto terroso.

(Dsquared 2, Green Wood) • MADERAS SECAS: ardientes y ahumadas mezcladas con aromas de cuero. (Tam Dao, Diptique)

65 “VÍSTETE CON TU PERFUME” (O SHUIXPH UHŴHMD OD personalidad, pero al mismo tiempo la complementa o refuerza, por ello se recomienda elegir una fragancia tomando en cuenta lo que se desea proyectar.

PRESERVACIÓN

Guarda tus fragancias en un sitio fresco y oscuro, lejos de aires acondicionados para conservarlos mejor y por más tiempo. Como cualquier cosmético, tienen fecha de caducidad que suele ser tentativa, todo depende de su calidad, ingredientes, porcentaje de alcohol y lugar de almacenamiento.

F OTO S: C O R T E S Í A

FRESCAS

Ligeras, alegres limpias y brillantes, comúnmente utilizan moléculas sintéticas para agregar espacio a los perfumes. Son preferidos para el verano, en tiempos de calor y durante el dia.

• MARINOS: evocan la brisa del mar, la lluvia y los manantiales. (Creed, Virgin Island Water) • VERDE: pasto recién cortado y hojas verdes infundidas con frescor y viveza.

(High Line, Bond No.9) • CÍTRICOS: frescura y brillantez obtenida de la ralladura de la fruta. (Jo Malone London Yuja cologne)

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¿CÓMO LOGRARLO?

1. Atiende a tu cuerpo para comer de manera intuitiva.

Siempre pregúntate, antes de comer, si en realidad tienes hambre y deja de comer cuando te sientas satisfecho.

E S TIL O W ELLN E S S

2. Si comes de forma intuitiva no necesitas contar calorías o prohibir alimentos.

Comer intuitivamente es eliminar la mentalidad de dieta y volver a enfatizar las señales internas del organismo.

Alimentación intuitiva

(o la mejor manera de cuidarte sin sacrificios) Se basa en la teoría creada por Evelyn Tribole y Elyse Resch y es bastante sencilla: comer cuando tengas hambre, parar cuando estés satisfecho y no evadir el estrés con comida. ¿La adoptarías?

3. Analiza si es hambre o solo es estrés o ansiedad, y en caso de que detectes que es una de estas últimas, canaliza dichas emociones con una actividad física, por ejemplo. La que elijas, siempre y cuando te haga feliz y disfrutes.

La alimentación intuitiva te invita a moverte… ¡literalmente!

Por ALEX VILLATORO

sacrificio que puede implicar el diseñar un plan alimenticio estricto (o mal llamado “dieta”). “Este tipo de alimentación es un enfoque que busca honrar la salud física y mental de cada humano poniendo énfasis en las señales del cuerpo como medio para satisfacer las necesidades físicas y emocionales de las personas”, explica Pamela García, directora de consultoría del grupo de nutrición Healthy Me.

FOTO: GE T T Y I M AGE S .

LA ALIMENTACIÓN INTUITIVA es una de las formas más prácticas para mantener un peso ideal sin el

ESTE ESPACIO CORRESPONDE A LAS GAFAS DEPORTIVAS CUYO NOMBRE ES LA PRIMERA PALABRA DE LA COMPETICIÓN AUTOMOVILÍSTICA MÁS LARGA DEL MUNDO.

#TELEVISATEACOMPAÑA #ESPACIORESERVADO

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¿RECUERDAN LOS “MUSCLE CARS”, aquellos autos que se fabricaron en los años 70 con motores V8, cientos de caballos de potencia y una tradicional y especial mecánica que los hizo muy conocidos por reflejar la complejidad de cada pieza de deportivos “musculosos”? Pues en ellos se inspiró esta nueva línea que MIDO lanza al mercado.

Se trata de cuatro versiones distintas con correas de diferentes materiales bajo el nombre de Commander Gradient. Su cristal de zafiro abovedado ofrece una carátula transparente y con un sutil degradado que revela la belleza del movimiento dentro de

E S T I LO R E L OJ E R Í A

Un nuevo reloj para aquellos que van en busca

us

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REGLA NO. 573 TU RELOJ DEBE RFLEJAR TU PERSONALIDAD.

la caja satinada, bisel pulido, dial acrílico transparente e índices integrados con Super Luminova. Cuenta con hasta 80 horas de reserva de marcha (el doble de un calibre regular) y es resistente al agua hasta 5 bares. Vale la pena mencionar que los cristales de los relojes MIDO permiten una impecable legibilidad en diversas condiciones, a la vez que ese mismo elemento es el complemento ideal que hace elegante al reloj. A su vez, como piezas que han sido concebidas para perdurar, son fuertes y resistentes a los golpes. — Juan Pablo Doria

de la verdadera libertad y de vivir al límite.

F OTO : C O R T E S Í A M I D O

a e

l

Por CONSTANZA ALCOCER

J USARÍAN?

Si alguna vez te preguntaste qué reloj usarían tus personajes favoritos si vivieran hoy en día, nosotros (inquietos por naturaleza) nos dimos a la tarea de encontrar la novedad del mundo de la relojería para cada una de ellos, que marcaron la historia del celuloide, basándonos en algunos rasgos de su personalidad. Encuentra con quién tienes más en común… ¡y sabrás cuál puede ser tu próximo reloj!

REL

O O O

INDIANA JONES

NUESTRO AVENTURERO FAVORITO

¿QUÉ

E S T I L O R E L OJ E R Í A

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El trotamundos por excelencia, Indy no podría tener un reloj cualquiera tras haber realizado tantas hazañas para recuperar tesoros inimaginables. Por supuesto, su pieza de la actualidad sería de edición limitada, tal como el Montblanc Heritage Manufacture Pulsograph Limited Edition 100: clásico con aires vintage y, claro, en tonos cafés para combinar con el legendario atuendo del arqueólogo favorito.

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MR. DARCY (PRIDE & PREJUDICE) - EL CLĂ SICO CABALLERO

El personaje creado por Jane Austen es uno de los mĂĄs emblemĂĄticos de la literatura romĂĄntica y ha sido adaptado FLQHPDWRJUÂŁĆ&#x201C;FDPHQWH HQ YDULDV ocasiones. Fitzwilliam Darcy es UHVHUYDGR \ GH RSLQLRQHV Ć&#x201C;UPHV SRU OR que un caballero britĂĄnico como ĂŠl usarĂ­a una pieza elegante y clĂĄsica, tal como el Santos-Dumont XL de Cartier, una versiĂłn renovada de este clĂĄsico favorito de la maison con diseĂąo y proporciones retrabajadas.

NED LAND

F OTO S: C O R T E S Ă? A

(20,000 LEAGUES UNDER THE SEA) - EL VALIENTE

El arponero canadiense imaginado por Julio Verne que encarnĂł Kirk Douglas en VX YHUVLÂľQ FLQHPDWRJUÂŁĆ&#x201C;FD se encargĂł de inmortalizar un atuendo de jeans, t-shirt de rayas rojas y blancas y boina negra. Por la naturaleza de su profesiĂłn y la cantidad de tiempo que pasa en el mar no hay duda de que la pieza elegida por Land serĂ­a un Panerai Radiomir Mediterraneo, que invita a la exploraciĂłn marina y es el mejor referente de los ocĂŠanos con su color azul marino profundo.

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SHERLOCK HOLMES EL INTUITIVO

E S T I L O R E L OJ E R Í A

Es uno de los detectives más famosos de la historia literaria y de la pantalla grande. El personaje británico destaca por ser observador, inteligente y deductivo al resolver sus casos, por lo cual seguro portaría un reloj discreto pero elegante, que pudiera utilizar como herramienta de trabajo, así que lo vemos llevando The Longines Heritage Classic, una versión reinventada de un modelo típico de los años 30.

JIM STARK (REBEL WITHOUT A CAUSE) - EL REBELDE CON ESTILO

Tal vez no hayas visto esta cinta todavía, pero es difícil no ubicar a este personaje interpretado por James Dean. Su look de chamarra roja, jeans y t-shirt es característico (y replicable aún ahora) y no queda duda de que Jim mantendría tan acertado estilo, quizás accesorizando con un reloj de estilo deportivo pero elegante, justo como el Mille Miglia GTS Azzurro de Chopard.

Este nuevo integrante de la colección Mille Miglia es versátil, igual al estilo de Stark, y aporta un toque de diversión y color al día a día.

75 RICK BLAINE (CASABLANCA) - EL CĂ?NICO

Quien hizo popular la frase â&#x20AC;&#x153;Weâ&#x20AC;&#x2122;ll always have Parisâ&#x20AC;? enfrentĂł una difĂ­cil decisiĂłn durante Casablanca entre el amor de su vida y hacer lo correcto. Rick tal vez sea uno de los personajes mĂĄs reconocidos de la Meca del Cine, tanto por sus memorables frases como por su impecable estilo, asĂ­ que es bastante seguro que lucirĂ­a XQD SLH]D HOHJDQWH \ UHĆ&#x201C;QDGD como un Sky-Dweller con 5ROHVRU DPDULOOR GH 5ROH[ SDUD complementar sus atuendos sencillos y distinguidos.

DOC BROWN

F OTO S: C O R T E S Ă? A . G E T T Y I M AG E S

(BACK TO THE FUTURE) - EL ADELANTADO A SU TIEMPO

Si de algo podemos estar seguros es que la mente detrĂĄs del DeLorean viajero en el tiempo no podrĂ­a tener un reloj convencional.

Al imaginar a Doc en el presente, lo suponemos con una pieza novedosa y diferente en la muĂąeca, y una creaciĂłn inspirada en el universo de Alessandro Michele serĂ­a mĂĄs que perfecta. El Gucci Grip con efecto titanio va perfecto con la personalidad ingeniosa del GLYHUWLGR FLHQWÂŻĆ&#x201C;FR

JAY GATSBY (THE GREAT GATSBY) - EL MILLONARIO EXCĂ&#x2030;NTRICO

En la cĂŠlebre historia, Gatsby hace todo para impresionar a Daisy Buchanan, desde comprar la casa mĂĄs grande y lujosa de Long Island hasta organizar las Ć&#x201C;HVWDV PÂŁV H[WUDYDJDQWHV SDUD atraer la atenciĂłn del amor de su vida. Y aunque en gestos era H[FÂŤQWULFR OR FLHUWR HV TXH VXV gustos en moda eran clĂĄsicos y elegantes, por lo que es obligatorio pensarlo con un Octo Finissimo Repetidor de Minutos Oro Rosa de Bulgari, una pieza que es reloj y joyerĂ­a por igual.

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Para muchos jóvenes en Ketchikan, Alaska, los sueños se limitan a unas cuantas profesiones. Rudy Pankow, uno de los protagonistas de Outer Banks, recién estrenada en Netflix, venció los miedos y llegó para triunfar.

Por JUAN PABLO DORIA Fotos: KELLY BALCH

Suéter, vintage.

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tuar, pero al final llegué a un punto en el que me dije: “Rudy, puedes tomar todo lo bueno que quieras de estos actores, pero debes probarte y hacerte a ti mismo y trabajar con tus propias habilidades para ser igual de bueno que ellos algún día”.

ESQ: ¿QUÉ RETOS HAS ENFRENTADO EN TU CARRERA?

Por un lado, tener suficiente confianza en mí para seguir adelante a pesar del rechazo y el fracaso. Superar las dudas de la gente respecto a mí, pero que con trabajo, dedicación y confianza puedo superar.

También alejarme de mi familia al comienzo me costó, pero es un paso importante a tomar.

RP:

ESQUIRE: ¿POR QUÉ DECIDISTE DEDICARTE A LA ACTUACIÓN?

Crecí en un ambiente donde estamos muy aislados. Ketchikan, en Alaska, es un pueblo de 13,000 personas y el tema de la actuación no es algo que se dé ni que se apoye mucho, pero pensé en por qué no intentarlo. No soy uno de esos actores que desde chico sabía que quería dedicarse a esto, pues a pesar de que siempre me interesaron las artes y el entretenimiento, nunca fue una opción real para mí hasta el fin de mi último año de preparatoria. La única forma en que se espera que alguien salga de Ketchikan es siendo aceptado en alguna gran universidad en otro estado o si quieres dedicarte al turismo. Sin embargo, así como muchos otros jóvenes, me sentía inseguro sobre lo que quería hacer en la vida, así que convencí a mis padres de tomarme un año para “descubrirme”. Tomé la decisión de moverme a Los Ángeles y encontré un lugar con una renta muy barata. Y ahí empezó todo.

RUDY PANKOW:

ESQ: DE NO HABER SIDO ACTOR, ¿QUÉ TE HUBIERA GUSTADO SER?

Mi plan en algun momento fue ir a la escuela culinaria. Siempre me interesó la cocina y estaba dispuesto a aprender, pero si soy honesto no creo tener tanto talento para ello. También jugaba (y aún lo hago) soccer, pero ganó la actuación.

RP:

ESQ: ¿CUÁL FUE ESA PELÍCULA O SERIE QUE TE INSPIRÓ A SER ACTOR?

Remember the Titans, con Denzel Washington, y hasta el día de hoy me encanta por la forma en que está hecha y por las actuaciones. Por supuesto que hay muchas personas que me inspiraron a querer ac-

F OTO S: C O R T E S Í A

RP:

Izquierda: chamarra, Burberry. Arriba: chamarra Proenza Schouler.

ESQ: C U É N TA N O S S O B R E T U P E R S O N A J E , J J , E N T U M Á S R E C I E N T E P R OY E CTO, O U TER BANKS.

Si fuera un líquido, sería un café negro, que cuando lo bebes quedas lleno de energía. JJ es un non stop, pero de forma positiva. Siempre está en constante movimiento y tiene puesta una máscara. Es algo que me llamó la atención porque siento que hoy la gente lo hace con mucha frecuencia. Si te encuentras vulnerable o cabizbajo lo puedes olvidar o distraerte haciendo bromas, siendo risueño y poniéndote la máscara. Es algo que JJ sabe hacer muy bien.

RP:

ESQ: ¿QUÉ PODEMOS ESPERAR DE OUTER BANKS? RP: La serie tiene lugar en los idílicos Outer

Banks de las costas de Carolina del Norte, en un ambiente soleado y con hermosas playas, pero donde se vive una gran división de clases. Es la historia de un grupo muy unido de adolescentes locales. Cuando un huracán acaba con todos los planes que tenían para el verano, se desencadena una serie de eventos que los obligarán a tomar decisiones radicales: la búsqueda del padre desaparecido de su líder, romances prohibidos, rastrear un tesoro en condiciones peligrosas y mucho más. Para mí es una verdadera mirada hacia las emociones, al dolor, pero sobre todo a las relaciones y amistades que te ayudan a superar situaciones difíciles. No todo es equitativo en este mundo, y es algo que Outer Banks tiene: muestra los problemas y emociones de quienes no gozan de los mismos privilegios para luchar contra la inequidad.

S ÍG UE NOS CO MEN TA CO MPART E /EsquireLat @esquirelat esquire_la

alegría & cosa buena

Bajo el mar No es una escena de El planeta de los simios, sino el primer restaurante submarino de Europa. Se llama Under y está en Noruega. Por DA NIEL CA LDERÓN

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CINCO METROS Y MEDIO. Esa es la pro-

V I DA PA DR E R E S TAU R A N T E S

fundidad a la que se sumergen en el frío mar del Norte los comensales que acuden a “Under”, el primer restaurante submarino (de verdad, nada de esos que están en los acuarios) de Europa, que está en Båly, una localidad situada al sur del país. Su nombre no deja lugar a equívocos, porque under en inglés significa “bajo”, y en noruego, “maravilla”. Y sí, este sitio es una maravilla por fuera y por dentro. Obra de la firma de arquitectura Snøhetta (artífice de proyectos como el edificio de la Ópera de Oslo o la remodelación de la zona peatonal de Times Square), Under es tres cosas en una: un restaurante dónde tener una experiencia única, un proyecto de innovación marina (alberga conferencias y charlas) y un ejemplo de integración medioambiental (véase pie de foto).

¡INMERSIÓN! El local cuenta con tres espacios: la recepción (por encima del nivel del mar), el Champagne Bar (a nivel de mar) y la sala (sumergida). Con capacidad para 100 comensales, las mesas más codiciadas son las que están pegadas al enorme ventanal acrílico de 11 metros desde el cual se pueden disfrutar unas vistas increíbles. El menú, llamado Inmersión, se centra en el producto del mar y se puede maridar con vinos o con jugos (muy escandinavo esto). Más información en under.no

La parte exterior del HGLƓFLR HVW£ GLVH³DGD FRQ XQ DFDEDGR £VSHUR SDUD TXH SXHGDQ DGKHULUVH ORV PHMLOORQHV \ FUHDU XQ DUUHFLIH DUWLƓFLDO

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V I DA PA DR E ¡ PRU E BA E S T O !

QUEJARSE DE LA COMIDA BRITÁNICA ha sido una pasión capaz de unir

no solo a los viajeros por las islas, sino incluso a los mismos locales: si para George Orwell la mejor cocina inglesa era “por supuesto, la francesa”, según W.S. Maugham, “para comer bien en Inglaterra hay que desayunar tres veces”. Entre tanto vituperio, el del anglómano Voltaire, sin embargo, derrapa al escribir que en las islas solo hay dos salsas, aunque para compensar haya 42 religiones. Es un error: los ingleses tal vez no hayan exportado el pastel de carne y riñones, pero raro será el lugar del orbe civilizado en que no haya un botecito de Perrins, siquiera sea para corregir el Bloody Mary, e incluso en lugares poco o nada civilizados se sabrá del contrapunto de las salsas –ellos las llaman gelatinas– de grosella o arándano con la caza.

Merecida o no, la mala fama de la cocina inglesa es de las cosas más sólidas de este mundo, y quizá por eso incluso las salsas han sido víctima de haters.

El español Julio Camba habla de “una serie de papillas, cremas, sopas de leche, confituras y mermeladas, que nos revela al pueblo inglés como un pueblo que no ha alcanzado aún la mayoría de edad”. Añádanse a la enumeración las jellies y las custards. Para Alberto Denti, tanta salsería se debe a que los ingleses, “incapaces de dar sabor a su comida, recurren a ellas para aportar a sus platos lo que estos no tienen”. Y menciona todavía los chutneys, los kétchups o los extractos enlatados de todo tipo.

Es llamativo que la salsa más patriótica, la más inglesa, no haya un inglés que se atreva a probarla. Cuando llega el roast-beef y el camarero, solícito, se nos acerca con el recipiente de la mostaza francesa, tenemos la certeza de que ni Wellington o Churchill hubieran dudado en elegir french mustard. No es una cuestión de cosmopolitismo: se trata del potencial de devastación de la mostaza inglesa, que abrasa al paladar inconsciente como el chile más rencoroso. Sí, es una pena: a todos nos encantan las latitas tan bonitas de la mostaza

Colman’s, ese pantone amarillo… pero, al final, french mustard. Y ojo también al rábano picante, al horseradish: hay que tener mucho ojo para saber de un golpe de vista cuándo, como consuelo, tenemos, por lo menos, esa noble creación angloindia del espíritu: el piccalilli, una “mostaza con cosas” –en concreto, una mostaza amansada con cúrcuma y con tropezones de encurtidos de coliflor, pepinillo, etc. Si suena raro, tómese con un buen jamón dulce.

Si la mostaza inglesa es tan célebre como temida, la Marmite es tan famosa como divisiva. Esta porquería –bien, ya se sabe dónde milito– es un extracto de levadura muy salado que se toma untado en el desayuno, por lo que no califica como salsa, seguramente, pero sí entra en el archivo de cosas británicas incalificables. También, justo es decirlo, forma parte del cosero sentimental de lo inglés, junto a la tipografía clásica de la BBC o los buzones rojos: a uno le resulta llamativo que siga vendiéndose en tiempo de paz, pero no hay duda de que es hermoso que exista. Y puesto que hemos hablado de controversias, ¿no habrá que mirar de cerca la salsa de menta, la salsa de menta para el cordero? El recurso a tan conocida especie solo se explica cuando el bicho tiene más trienios que Sagasta: cuando es un buen borrego. La salsa de menta es de esas cosas que no son buenas ni cuando son buenas. Arrasa el vino.

La salsa de menta ha mantenido un cierto bon ton viejuno, como esa otra pervivencia de las viejas cocinas afrancesadas de hotel: la salsa Cumberland, en aquellos tiempos en que una galantina se podía comer sin ironías. Y es curioso que, quizá por no poder reducirse a latas, la salsa de pan, tan medieval, tan querida por los británicos, tan necesaria y espléndida con una buena perdiz escocesa, haya tenido menos éxito en el extranjero que la carrera en solitario de Ringo Starr. Otra salsa cuya contemplación alegra el corazón del británico es la HP Sauce, así nombrada por su popularidad en las Houses of Parliament: cada domingo se consumen hectolitros de

esta salsa barbacoa –dulzona, poco sofisticada, convincente– con el desayuno inglés. Es llamativo: es de las pocas ideaciones británicas que lo mismo gustan al duque de Norfolk que al tornero fresador de Stockton-on-Trent. Quizás aquí también pudieran incluirse el Braxton pickle –clásico de esa segunda cena ocasional de algunos borrachos– o la pasión por la gravy, el jugo de carne, de bote: ese gran invento que alimentó a los soldados en el campo de batalla, hoy es –¡ay!– una pasta cargada de espesantes para la peor pub grub…

La primacía en el salserío inglés, sin embargo, se la lleva una salsa que nadie sabe bien para qué sirve: la salsa Worcestershire o Worcester, también llamada Lea and Perrins por sus inventores. Hay quien ha querido encontrar en ella una reminiscencia del garum romano: ambas salsas tienen como base el pescado – en el caso de la inglesa, las anchoas–. Sus orígenes más ciertos, están en un lugar más esquinado: la Bengala colonial. De

Con todo regreso a Inglaterra, un viejo gobernador de la región, aún poseído por los sabores exóticos de aquellas tierras, encargó a los farmacéuticos John Lea y William Perrins –años 30 del siglo XIX– reproducir una mezcla con base de pescado, vinagre y azúcar y la adición dulceamarga del tamarindo. La copia resultó un engrudo agridulce y los farmacéuticos lanzaron el barril en un sótano y se olvidaron del asunto. Se olvidaron literalmente: años después, en un día de limpieza del sótano, se disponían a tirar el barril cuando –por azar– probaron su contenido. La impresión fue de maravilla. Más o menos como cada vez que alguien nos pone un Welsh rarebit delante y hacemos lo que hace todo buen británico: inundarlo en salsa Perrins.

“LOS INGLESES TAL VEZ NO HAYAN EXPORTADO EL PASTEL DE CARNE Y RIÑONES, PERO RARO SERÁ EL LUGAR DEL ORBE CIVILIZADO EN QUE NO HAYA UN BOTECITO DE PERRINS”.

y con nada Una aproximación a las salsas británicas.

Por IGNACIO PEYRÓ*

*Ignacio Peyró es director del Instituto Cervantes de Londres.

Periodista y escritor, es autor entre otros de Comimos y bebimos (2018, Libros del Asteroide) y Pompa y circunstancia. Diccionario sentimental de la cultura inglesa (2014, Fórcola).

Mostaza Colman’s

desde 1814. Un mito, una leyenda. En este botecito ya viene ‘hecha’, pero también se vende en polvo, a la que se debe añadir agua, cerveza o leche. Se deja reposar 10 minutos y listo.

V I DA PA DR E ÂĄ PRU E BA E S T O !

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Salsa Cumberland

Una de las pocas salsas que han triunfado allende las islas britĂĄnicas. Se toma frĂ­a y para carnes de caza y ave va realmente bien, aunque nosotros nos quedamos con su uso junto al jamĂłn cocido.

Lea & Perrins

desde 1837. La mĂĄs mediĂĄtica. Su lista de ingredientes es tan eclĂŠctica que parece mentira que todo IXQFLRQH 6XV XVRV VRQ LQĆ&#x201C;QLWRV SHUR XQ WRTXH HQ OD salsa de tomate es gloria bendita.

Marmite

desde 1902. Dicen de ella que la odias o la amas.

Aunque la mayorĂ­a la odia, para quĂŠ engaĂąarse. Es el extracto (desecho) de levadura que queda tras la fermentaciĂłn de la cerveza. AhĂ­ lo dejamos.

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Bovril

desde 1886. Extracto de carne (de buey, en concreto) que hay que diluir para su uso en otras salsas. Aunque hay algún loco que todavía la toma como bebida, diluida en agua caliente.

Salsa de menta

en un mundo en el que la menta se usa primordialmente para los chicles y decorar algunos postres... ¿qué hacemos con esto?

Pues para aderezar un cordero, si no hay más remedio...

HP sauce

desde 1896. Picante, parecida a una barbacoa pero sin serlo. Con un steak tartar, por ejemplo, va perfecto (unas gotitas).

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Un coctel en casa

HAY QUIENES SON EXPERTOS en preparar cocteles al estilo de los mejores bartenders,

FOTO: CUA HU TÉMOC GA RCÍ A

V I DA PA DR E DR I N K S

pero si eres como algunos de nosotros, que preferimos el trago ya preparado, aquí una muy buena alternativa: Maison Artemisia, uno de los bares más acogedores de la ciudad, nos compartió una de sus bebidas más frescas para esta época de calor en México. Se llama China Fresa y su sabor a fresa aporta justo la frescura que anhelamos. Mantiene ese kick de alcohol con Vermouth macerado con la frutilla y un toque de bitter de naranja. Lo mejor de todo es que estos días complicados en que estamos en La bebida perfecta para disfrutar casa, te hacen llegar sus cocteles a domicidurante estos días de calor. lio @maisonartemisiamx Por JUAN PABLO DORIA

– DALÁI LAMA

FOTO: CORTESÍ A

Casa Hoyos

Un viaje al pasado en una casona con toques de modernidad en la hermosa San Miguel de Allende. Por JUAN PABLO DORIA DESDE FEBRERO PASADO, este lugar abrió sus puertas con 16 habitaciones que, además de ser muy cómodas, poseen piezas de diseño mexicano como lámparas de Editora Nacional o sillones calaca de Comité de Proyectos. Se pueden disfrutar vistas increíbles del centro de San Miguel de Allende mientras bebes un coctel y una tapa en Bekeb, el restaurante liderado por Fabiola Padilla que se localiza en la terraza del recinto con un esplendoroso atardecer de fondo.

Su decoración fue comisionada a AG Interior Studio, que utilizó elementos del modernismo mexicano (como el concreto puro o vidrio texturizado). Una invitación a descubrir la historia de la casona estilo colonial perteneciente a la familia Hoyos durante cuatro generaciones y que establece un diálogo entre la arquitectura colonial y el vibrante diseño contemporáneo en México.

V I DA PA DR E HO T E L

“UNA VEZ AL AÑO VE A UN LUGAR EN DONDE NUNCA HAYAS ESTADO ANTES”.

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DADO QUE HAN CERRADO SUS PUERTAS por el momento, varios de los recintos

U E O PA LOUVRE, PARÍS

El Museo del Louvre cuenta con varios recursos en línea: caricaturas, videos, podcasts y hasta una mirada al palacio a través del tiempo utilizando imágenes en 3D que revelan cómo fue su construcción.

Para una mirada cercana a la Mona Lisa puede consultarse focus.louvre.fr/en/mona-lisa y, si posees un set de realidad virtual (VR), puedes descargar la experiencia virtual. También hay app para Android y Apple. En Petite Galerie hay un recorrido virtual de su exhibición “Advent of the Artist” con obras de Dürer, Rembrandt o Delacroix.

Según cifras del Museo, los visitantes del sitio crecieron de 40,000 a 400,000 al día. www.louvre.fr/en

PA R I S C O N V E N T I O N A N D V I S I T O R S B U R E A U / M U S E O D E O R S AY / VA N G O G H M U S E U M

PRIMERA PARADA:

F O T O S : C O R T E S Í A © T R U S T E E S O F T H E B R I T I S H M U S E U M / © T H E M E T R O P O L I TA N M U S E U M O F A R T / M U S E O G U G G E N H E I M B I L B A O / M M C A / M U S E O P I C A S S O D E B A R C E L O N A / N AT I O N A L G A L L E R Y /

más importantes del planeta han trabajado a marchas forzadas para crear o mejorar sus experiencias virtuales para que gente de todo el mundo disfrute sus exhibiciones a distancia. Aquí, un tour a través de algunos de los mejores recorridos virtuales para disfrutar del arte desde el sofá de tu hogar.

R

SILLÓN

Por MARIANA MIJARES

DESDE EL

V I DA PA DR E C U LT U R A

Las mejores maneras de viajar por el arte del mundo sin salir de casa.

MUSEOS

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VAN GOGH MUSEUM, ÁMSTERDAM

Su sitio presenta información muy completa sobre la vida y obra de Vincent van Gogh y la historia de este recinto, inaugurado en 1973 con más de 200 pinturas, 500 dibujos y 750 cartas personales del artista. El complejo puede explorarse también mediante video 4K con música compuesta en

PICASSO, BARCELONA

Este lugar creó una visita virtual a los patios del Museu mediante un modelado en 3D y un renderizado en 360º de las imágenes.

Además, puedes realizar un recorrido virtual por las exposiciones “Post-Picasso.

Reacciones contemporáneas”, “Picasso ante Degas”, o “La Barcelona de Picasso”. museupicasso.bcn.cat/es museupicassobcn.org/origens/ part-1?lang=es

NATIONAL GALLERY, LONDRES

Mientras la Galería en Trafalgar Square permanezca cerrada, su colección está disponible en el sitio web. En sus redes sociales hablan de las pinturas y sus respectivas historias, y para una experiencia inmersiva, con VR puedes pasear por el ala Sainsbury, hogar de una colección de 270 pinturas del Renacimiento (con opción de verlas también por computadora o celular).

Para vistas panorámicas del HGLƓFLR SXHGHV H[SORUDU Google Street View en nationalgallery.org.uk/ visiting/virtual-tours

HVSHF¯ƓFR SRU 1R]HP HQ HO FDQDO RƓFLDO GH YouTube; además, uno de los curadores y expertos en el pintor responderá preguntas frecuentes en una serie de videos. vangoghmuseum.nl/en/ we-bring-the-museum-to-you youtube.com/

Este recinto ha puesto en marcha #GuggenheimBilbaoLive, una iniciativa digital que, en web y redes sociales, difunde nuevos

contenidos relativos a las exposiciones y otros aspectos desconocidos de la actividad del reconocido museo concebido por Frank Gehry, que se diseñó como homenaje al

patrimonio naval e industrial de la ciudad española. También se compartirán videos en los que diferentes áreas desgranarán su experiencia y perspectiva “a pie de obra”, anécdotas y

curiosidades y una recopilación de varias de las exposiciones más populares desde la apertura del museo. guggenheim-bilbao.eus/

MUSÉE D’ORSAY, PARÍS

Este recinto se construyó originalmente como una gran estación de tren y hotel, y hoy alberga la mayor colección de obras impresionistas y postimpresionistas del mundo. Puedes experimentarlo a través de un recorrido virtual con Google, que ofrece una historia completa de la era impresionista y otra más sobre la historia del inmueble. artsandculture.google.com/partner/ musee-dorsay-paris

BRITISH MUSEUM, LONDRES

La mayor parte del museo está cubierto por Google Street View y ofrece una extensa galería en línea de objetos con opción de zoom para verlos de cerca. La famosa pintura Admoniciones de las Institutrices (Admonitions Scroll) está disponible como una imagen que alcanza varios gigapíxeles a través de Google Arts and Culture. Otro recurso es emplear VR para observar African Rock Art en 3D y hasta una herramienta para apreciar arte maya en conjunto con el doctor en antropología Genner Llanes-Ortiz. wb.britishmuseum.org/ sketchfab.com/britishmuseum

PA R I S C O N V E N T I O N A N D V I S I T O R S B U R E A U / M U S E O D E O R S AY / VA N G O G H M U S E U M

GUGGENHEIM, BILBAO

F O T O S : C O R T E S Í A © T R U S T E E S O F T H E B R I T I S H M U S E U M / © T H E M E T R O P O L I TA N M U S E U M O F A R T / M U S E O G U G G E N H E I M B I L B A O / M M C A / M U S E O P I C A S S O D E B A R C E L O N A / N AT I O N A L G A L L E R Y /

V I DA PA DR E C U LT U R A

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93

AI A

S

SIGUIENTE ESTACIÓN:

NATIONAL MUSEUM OF MODERN AND CONTEMPORARY ART, SEÚL

Desde su apertura en 1969, el MMCA ha vivido la historia del arte coreano. En la actualidad presenta su primera exposición solo de caligrafía y la primera nueva exposición del año “The Modern and Contemporary Korean Writing”, a través de su canal de YouTube. mmca.go.kr/eng/

V I DA PA DR E C U LT U R A

A U

E

ÚLTIMA PARADA:

THE METROPOLITAN MUSEUM OF ART, NUEVA YORK

Mediante 26 exhibiciones virtuales y más de 200,000 obras documentadas, los espectadores digitales pueden explorar arte de casi cualquier época, desde el Templo egipcio de Dendur hasta el legendario traje de Chanel. Una galardonada serie de seis videos cortos invita a espectadores de todo el orbe a acercarse al arte y arquitectura del recinto mediante tecnología esférica de 360º. metmuseum.org/blogs/now-at-the-met/2020/digital-digest metmuseum.org/art/online-features/met-360-project

Dejándo a un lado las identidades de un arquero Sindarin y enigmático alguacil, en una optimista conversación sobre su papel real en este mundo

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Por: JOY LING Fotografías: CHARLIE GRAY Styling: LIV HARDING

Orlando Bloom

en la obscuridad

Traje y suĂŠter tejido, ambos de Ermenegildo Zegna

NO ES SORPRESA que el acompañante preferido de Or-

lando Bloom estuviera con él durante la sesión de fotos.

“Me sigue a todos lados”, ríe. “Es un perro feliz y dulce, ¿sabes?”. Ah, y lo sabemos. El mundo no es un extraño para el adorable Mighty, un poodle de nariz roja que se asoma desde la bolsa de Orlando como si fuera de paseo.

Lo hemos visto disfrutar de un corte de pelo o con el mismo atuendo que Nugget, de Katy Perry; pero aparte de la increíble presencia de Mighty y el encabezado ocasional, parece que sabemos poco sobre Bloom, el actor.

“Pienso que mi generación —mis padres, al menos— fue criada con la idea de la privacidad. No sobre compartir. Como actor, quieres llegar a un personaje y sorprender a la audiencia, así que si saben mucho de ti es más difícil”, explica Orlando, “pero siento que me expusieron mucho allá afuera, para empezar. Había mucho ruido a mi alrededor, con quien salía cuando era joven por la imagen que presentaba, pero no era mi intención”.

Entonces volteó hacia las redes sociales, batallando con algunos sobre la exposición de su propia vida hacia el resto del planeta. Si Instagram es el carrete más importante para la gente en general, opera en dirección opuesta para la celebridad regular. Para Bloom es una forma en que las personas pueden entender un poco más allá de lo que los tabloides publican: “Es agradable tener la oportunidad de compartir mi idiosincrasia, así como los temas más serios con personas a las que les interesa saber en qué ando”. Evita jugar con los algoritmos de las redes sociales; el número de seguidores es tan orgánico como se puede (hoy en día tiene 3.8 millones de seguidores). Después de tres años de su inducción al mundo de Instagram, ¿cómo cree que le va hasta ahora?

“SÍ, SIENTO QUE ME VA BIEN. ¿O cómo crees que me

va?”, responde con una risa.

Oye, cualquier foto con un perro es genial. “Los cachorros en internet son bastante tiernos, estoy de acuerdo,” continúa, “pero en serio, es una forma increíble para llegar a los fans porque tengo seguidores tan leales y dedicados a lo largo de los años, que no sabía cómo acercarme a ellos más que con el fan mail, que era muy complicado”. Aunque no esperaba recibir un fan mail en específico que cambiara su vida.

“Es una historia graciosa”, cuenta. La madre de Bloom se encargaba de su fan mail (ya se retiró de esta labor) y recibió una de alguien en la Unicef que sentía que Bloom sería un buen candidato de campaña. Eso fue hace unos 10 años, cuando trabajaba muy fuerte y no se había preguntado si utilizaba todo el impacto que producía con su trabajo para algo más grande y bueno. Algunas conexiones y reuniones más tarde, el actor fue por primera vez a Nepal.

“Vi la importancia del trabajo de Unicef; salvar

vidas de mujeres y niños en los países más pobres del globo. Su enfoque en el agua, inoculación, reconstruir y educar comunidades, proveer cuidado psicosomático para los niños que sufren los horrores de la guerra… Nunca he dejado de asombrarme por lo que hacen y cómo lo logran”.

RELATA EL ASOMBRO de su tiempo en Liberia durante el fin del brote de ébola. En su momento, la organización ya había movilizado a muchos niños en Monrovia por el inicio de precauciones sanitarias previas al riesgo. O cuando trataron con la falta de confianza de algunas comunidades. Debemos entender que esas personas veían a gente en trajes de baño que iban y venían mientras se llevaban a sus seres queridos sin saber para qué. Otra vez, Unicef se había anticipado y envió pastores y líderes espirituales a hablar con ellos.

Hay otros casos que no menciona, como cuando visitó Diffa, Nigeria, durante la violencia provocada por Boko Haram. Tomó tres aviones para llegar y se quedó como invitado en la casa de Naciones Unidas en un ambiente de seguridad. Entonces tuvo que pasar buena parte de su tiempo escuchando historias de los jóvenes afectados —que despertaban por disparos y presenciando la mutilación y asesinato de amigos y miembros de su familia, traumas impensables que nadie, y mucho menos un niño de 12 años, tendría que presenciar—.

“Es en extremo consciente y sensible en relación a esas situaciones”, cuenta Marissa Buckanoff, jefa del UNICEF’s Goodwill Ambassador Programme, con quien ha trabajado Bloom desde hace años. “Él anhela estar con las familias y con los protocolos de no tocar que se establecieron cuando el ébola, recurriendo al saludo de codos. Incluso intentó comprender mejor lo que los médicos tenían que soportar día a día al pasar por el mismo proceso para ponerse los atuendos de seguridad y equipos que usaban”.

ADEMÁS DE SU HABILIDAD para conectarse con las per-

sonas de todas las edades y con todo tipo de antecedentes, nos dice que siempre es uno de los primeros soportes voluntarios (el año pasado, Bloom reorganizó su agenda para viajar a Mozambique tras dos ciclones desastrosos).

Intenta hacer un viaje al año y aún con todo ese esfuerzo, no se considera altruista.

“Es como el acto egoísta de dar porque la experiencia de primera mano y lo que me ha enseñado es masivo. Es difícil, pero quizá es lo más satisfactorio fuera de mi trabajo, que es lo que más me apasiona”. Bloom se aproxima entonces al tema de su prolífica carrera. “Cuando eres afortunado en hacer más de lo que te hubieras imaginado desde una corta edad, se crea el deseo de dar algo al prójimo. Ahora intento capitalizar la plataforma

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Trench Coat por Celline

“Pienso que mi generación—mis pares por lo menos—fuimos criados bajo la idea de la privacidad. No sobrecompartir. Como actor, quieres llegar a un personaje y suspender la realidad de la audiencia, así que, si saben mucho de ti, es más dificil.”

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â&#x20AC;&#x153;Pienso que nunca voy a sentir

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Traje y suĂŠter tejido, ambos de Ermenegildo Zegna

Chamarra, pantalones, suéter tejido y botas, todas por Ermenegildo Zegna

que haya hecho lo suficiente.”

Chamarra, pantalones, suĂŠter tejido, arete y broche, todo por Dior Man.

que ese periodo me dio”.

“No creo que alguna vez me vaya a sentir como si hubiera hecho lo suficiente”, admite. “La vida no es solo de 100 yardas, es un maratón. He estado en esta industria alrededor de 25 años y creo que es muy difícil para triunfar y mantenerse sin perder tu mente o quien eres”.

La práctica budista de Bloom es su balance: el constante cambio en el mundo. La enseñanza del filósofo budista japonés Daisaku Ikeda, a quien considera como su mentor, mantiene efectos positivos en su vida.

A S I S T E N T E D E S T Y L I N G : M I C H A E L TO N G . G R O O M E R : K R I S TA N S E R A F I N O A S I S T E N T E S D E F OTO G R A F Í A : E R I C B O U T H I L L E R Y A D A M K AT ZO W I T Z . T É C N I C O D I G I TA L : C H A D M E Y E R

“AUNQUE ES UNA PRÁCTICA ESPIRITUAL, casi no se

siente de esa forma. Hay algo científico y directo al respecto. Y es estricto”, agrega con naturalidad. “Ayuda a discernir que mi vida es mi responsabilidad, lo cual no siempre es el caso para algunas personas de hoy, sugeriría”. Y regresa a una de las causas que más le apasionan, el clima.

“No existe un plan”, insiste. Algo con lo que se queda de su tiempo en la Unicef es ver tantos conflictos surgiendo por pura desesperación cuando las personas no pueden alimentar a sus familias o satisfacer necesidades básicas, a veces algo tan sencillo como un pozo. Hace su trabajo para resaltar el desastre inmediato, pero la raíz de la causa proviene del ambiente.

No está muy alejado de la escena de Carnival Row donde el detective Philo es frenado por su superior al mostrar compasión por el fae (las hadas). ¡No los puedes salvar a todos! A lo cual, sin pausa, Philo golpea sobre la mesa y exclama: “¡Maldición, puedo salvar a uno!”.

En la actualidad está a media grabación de la segunda temporada de la cada vez más reconocida serie de Amazon Prime por sus atinados mensajes sobre la crisis de refugiados. Con fae (hadas) escapando de un régimen imperial opresivo solo para encontrarse atrapado en una sociedad intolerante en The Burgue, evidentemente no es ficción de lo que se intenta disfrazar la trama.

“Es una fantasía, pero también una historia aumentada con un mensaje de conciencia social que me parece muy intrigante”, reflexiona. “Me parece genial que puedan tocarse tales temas de forma que también sea entretenida”. Tal vez por eso es que al dramático inglés le atrae el género. No es algo que busca a propósito, pero haber nacido y crecido en el histórico pueblo de Canterbury, además de contar con una imaginación activa desde pequeño, le ayuda con uno de sus personajes más prominentes como elfo y capitán maldito.

DURANTE ESTE TIEMPO INTERPRETANDO al detective

humano Philostrate junto a la faeria Vignette de Cara Delvingne, hay mucho más debajo de la superficie, sobre todo por lo complicado que su personaje guarda. “Pensé en la clase de trayectoria que se desarrollaría en la vida de Philo, mantener el secreto que le causaría no solo el ridículo, sino perder toda la seguridad que su familia tiene por parte de los militares y las instituciones policiacas que fueron formadoras en su vida”.

Sorprendentemente, el show no se basa en un libro, sino en el guion de A Killing on Carnival Row escrito por Travis Beacham hace casi dos décadas, que es bastante relevante hoy en día. Tal vez ahora más que antes. “Lo que sucede en el mundo con algunos de los líderes está ciertamente creando momentum entre los jóvenes”, acota Orlando. “A las personas les ha entusiasmado a darse cuenta de que tienen un deber si quieren que el gobierno mejore sus medios de vida y los impulsa a la acción”.

El incremento de protestas y posibilidades de tener voces escuchadas en tiempos recientes indica un progreso en la sociedad, pero no siempre tienen una respuesta, pues en todo momento hay tres lados en cada historia. “Es encontrar un balance”, opina. “Dependiendo de qué noticiero veas, tendrás ese lado de la historia; pero si te permites otras perspectivas de los temas y tienes empatía para ambos lados, es una forma de mantenerte empoderado y menos reactivo”.

“Internet es una gran fuente de información y de muy amplio uso. En verdad es un tiempo crucial para los jóvenes para estar conscientes de los problemas más grandes y de las consecuencias no solo económicas, sino sobre la humanidad como un todo”. Bloom se desvía antes de romper con el flujo del momento. “¡Esta es una conversación de verdad altruista para Esquire!”.

Apoderarse, ya sea de las relaciones con tu hijo de nueve años, exesposa, prometida o solo contigo mismo, es algo en lo que nuestro entrevistado ha crecido para ser más realista al respecto. “Supongo que tengo todo en orden de manera más madura. He dedicado mucho tiempo asegurándome de conservar los pies en la tierra y que no me afecten las trampas del dinero y otros impulsos”.

SU CONCIENCIA ENTRA y pronto se percata de que suena

como un cretino. Pero no es así. Es fácil adoptar un estado pesimista con el panorama global, es como empujar contra la abrumante oscuridad, pero el intérprete ofrece un mejor punto de visa. “Dirígete afuera, rompe los patrones de comportamiento que son influenciados por los hábitos de cómo te educaron”, aconseja. “Cambia tu rutina, haz pequeños ajustes para tu salud física y mental”.

Orlando gusta de caminar por la naturaleza para apreciar su belleza o nada más por sudar un poco. “Me meto a mi cuerpo y salgo de mi cabeza porque me perturba tanto lo que le pasa al mundo como a la persona de al lado”. Es aterrador, como él lo pone, que la vida en algunas partes del orbe puede ser tan barata, mientras que resulte preciosa y reservada en otras. No se garantiza a sí mismo ninguna autoridad en las circunstancias, sino que tiene oportunidades.

“Tenemos que reconocer la volatilidad y fragilidad, pero forjamos un futuro robusto y sin miedo en nuestra determinación por hacerlo mejor”, sostiene.

“No puedes ser responsable por los demás, pero puedes serlo por ti mismo. Cuando todos toman ese primer paso en aceptar la responsabilidad propia, ahí es cuando de verdad puede marcarse una diferencia”.

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Por BENJAMÍN ACOSTA

Hace 50 años, el ciclo de The Beatles como grupo terminó con Let it Be para dar vida a… su propia leyenda.

EL

PRIMER REALITY REPASAR CON DETALLE SU OBRA impli-

ca reconocer la evolución artística con la que impactan en la historia de la música.

La visible genialidad de Lennon y McCartney despegó con la propulsión de Harrison y su guitarra, apoyados en la plataforma rítmica diseñada por Starkey, un fino constructor percusivo. Ellos eran quienes manejaban esa maquinaria de constante reinvención e ideas trascendentes por su gran influencia.

Let it Be marca el final del cuarteto: álbum envuelto por una polémica particular derivada de desacuerdos y del cambio de dirección señalado desde que pensaron llamarle Get Back. A partir del inicio de su grabación, en enero de 1969, hasta su salida en mayo de 1970, se desvaneció la idea de hacer el disco portador de un sonido directo, en el cual deseaban abandonar aquellos procesos complejos de producción que habían experimentado sobre todo desde Revolver (1966). Días en los que además estaban distantes de su productor de cabecera, George Martin, y en los que solicitaron al final el apoyo de Phil Spector.

La idea consistió también en filmar el desarrollo de composición y grabación como antesala de un espectacular concierto en algún lugar exótico; pero los planes cambiaron, terminando con la emblemática presentación en la azotea del edificio de su compañía Apple, un material que de cualquier forma contiene arreglos orquestales y un documental que los muestra, más que relajados, tensos.

Cinco décadas después de su lanzamiento nos encontramos ante el umbral de lo que será la reedición especial del disco y un nuevo documental dirigido por Peter Jackson, el cual se perfila hacia el lado hasta ahora desconocido de esas sesiones de grabación. Es decir: la cara más entrañable de una dinámica de trabajo que no estuvo protagonizada nada más por un ambiente de hartazgo. Esta es la voz de cuatro de los más destacados estudiosos del tema Beatle.

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FOTO: GE T T Y I M AGE S

“CREO QUE AYUDARÁ EN ROMPER EL MITO DE UNA TENSIÓN DE TIEMPO COMPLETO QUE MUESTRA EL DOCUMENTAL ORIGINAL. EN TODOS ESTOS AÑOS HE TENIDO LA OPORTUNIDAD DE VER ESCENAS QUE NO SE UTILIZARON EN LET IT BE Y HAY IMPROVISACIONES INCREÍBLES DONDE ESTÁN RIÉNDOSE, INCLUSO SESIONES EN LAS QUE ESTÁN TODOS, HASTA YOKO ONO, BERREANDO CON TODO SU CORAZÓN. LA NUEVA EDICIÓN DEL ÁLBUM TAMBIÉN ME PARECE MUY INTERESANTE, PORQUE EN ESAS SESIONES SE REGISTRARON MUCHOS TEMAS QUE VOLVIERON A INTERPRETAR. A MANERA DE ENSAYO, PARA CALENTAR CADA DÍA RETOMABAN ‘LOVE ME DO’ O ‘PLEASE PLEASE ME’, ENTRE OTRAS VIEJITAS DE ROCK AND ROLL; CANCIONES QUE TODOS CONOCÍAN Y QUE HABÍAN DEJADO DE TOCAR”.

–Ricardo Calderón

“ES UN PROYECTO QUE, SIN HABERLO PLANEADO, MUESTRA A UN GRUPO QUE EMPIEZA A SENTIRSE CLARAMENTE FRACTURADO. ES SIGNIFICATIVO PORQUE TODO SE DOCUMENTÓ HASTA CONCLUIR EN EL CONCIERTO EN LA AZOTEA, AHORA REFERENCIA ICÓNICA, UN EJERCICIO PARA RETOMAR ESA QUÍMICA QUE HABÍAN PERDIDO DESDE QUE CANCELARON SUS GIRAS. LO QUE VEREMOS PRONTO SERÁ UNO DE LOS LANZAMIENTOS MÁS INTERESANTES DE LOS ÚLTIMOS AÑOS. SE SABE QUE SEGUÍA RESULTÁNDOLES DOLOROSO VER ESA PARTE DE SUS VIDAS HASTA HACE NO MUCHO TIEMPO. SERÁ REVELADOR Y MOVERÁ MUCHAS MENTES EN TODO EL MUNDO”.

–José Antonio Martínez

“LA IDEA DE MCCARTNEY ERA DAR UN CONCIERTO Y DOCUMENTAR CÓMO ESTABA TRABAJÁNDOSE HASTA LLEGAR A ESE PUNTO, ALGO QUE SE CONVIRTIÓ EN UNA ESPECIE DE REALITY CON DISCUSIONES, DIVAGACIONES Y CÓMO DE LA NADA SURGIÓ ALGO: ASISTIR TEMPRANO PARA GRABAR EN UN LUGAR QUE NO LES GUSTABA GENERÓ PRESIÓN, Y PARA DISTENDER UN POCO, HARRISON LLEVÓ AL TECLADISTA BILLY PRESTON. EN SU MOMENTO SE MOSTRÓ EL LADO MÁS NEGATIVO DE ESOS DÍAS, AUNQUE TAMBIÉN SE OBSERVA CÓMO SE DIVERTÍAN CUANDO PESCABAN EL HILO DENTRO DE LA UNIDAD QUE CONFORMARON. LA IDEA ERA PROYECTARLOS AL NATURAL Y CON LA INTENCIÓN DE VOLVER A LAS RAÍCES, GRABAR UNA SERIE DE CANCIONES SIN TANTA ELABORACIÓN, AUNQUE AL FINAL NO FUE ASÍ.

EL CONCIERTO QUE PLANEABAN TENÍA COMO POSIBLES SEDES EXÓTICAS UN COLISEO, UN CRUCERO O UN LUGAR EN ÁFRICA, ¿PARA QUÉ IR TAN LEJOS?”.

–Manuel Guerrero

“FUE UN PROYECTO ACCIDENTADO QUE TUVO COMO PROPÓSITO HACER UN ESPECIAL PARA LA TELEVISIÓN. EN LOS ESTUDIOS DE FILMACIÓN TWICKENHAM, EN LONDRES, COMENZARON LOS ENSAYOS PERO LAS CONDICIONES NO RESULTARON SER LAS ADECUADAS. JOHN COMENTÓ QUE HACER MÚSICA A LAS 8 DE LA MAÑANA EN UN LUGAR FRÍO, FRENTE A LAS CÁMARAS Y CON GENTE FILMANDO NO ERA LA MEJOR FORMA DE HACERLO. AÑOS MÁS TARDE, RINGO SEÑALÓ QUE ERAN DÍAS MUY ABURRIDOS, LARGOS Y QUE ESE ENORME ‘GRANERO’ DE FILMACIÓN NO GENERABA UNA ATMÓSFERA APROPIADA. GEORGE DEFINIÓ ESAS SESIONES DE ENSAYO COMO ‘FRUSTRANTES’. DESPUÉS GRABARÍAN EN UN ESTUDIO INSTALADO EN EL SÓTANO DE SUS OFICINAS EN EL EDIFICIO DE APPLE. AL FINAL HUBO MÁS EJERCICIOS CREATIVOS QUE PELEAS. EL DISCO APARECE CON EL GRUPO DISUELTO, EN UN CONTEXTO EN EL QUE CADA QUIEN QUERÍA SU PROPIO ESPACIO, SU PROPIA VIDA”.

–Miguel Carrera

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ASÍ ES COMO GIORGETTO GIUGIARO SE CONVIRTIÓ EN EL DISEÑADOR DE COCHES MÁS INFLUYETE DE TODOS LOS TIEMPOS.

Por RICHARD BENSON Fotos BENEDICT REDGROVE

L SEÑOR DE LAS LÍNEAS RECTA

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EL BMW M1, con motor trasero y carrocería

de fibra de vidrio, fue obra de Giugiaro. Se lanzó en 1970 como un coche de carretera del cual solo se fabricaron 453 unidades.

UN DÍA DE OTOÑO DE 1969, un joven diseñador de automóviles italiano se reunió en Wolfsburgo con unos hostiles ingenieros alemanes y cambió la historia de la industria automotriz. Volkswagen tenía problemas porque su famoso Escarabajo (beetle/ vocho), un fenómeno con 36 años de edad cuyo éxito simbolizaba no solo el apogeo de la marca, sino la reinvención de Alemania tras la Segunda Guerra Mundial, vendía cada vez menos y amenazaba con hundir la empresa. Buscando un sucesor, el director general, Kurt Lotz, envió a un equipo al Salón de Automóvil de Turín para elegir los seis mejores diseños e invitaran a sus creadores a una entrevista. Cuando seleccionaron, cuatro de esos seis modelos habían sido diseñados por la misma persona: un joven de 31 años, afable pero nervioso y un tanto intelectual, que estaba ahora sentado frente a 15 ingenieros alemanes muy serios. Todos los germanos compartían la opinión generalizada de que los italianos creaban vehículos bonitos, pero que no podía confiarse en ellos para los “serios”. Le explicaron que los planes iniciales de Volkswagen para su nuevo vehículo se basaban en el Fiat 128, recién lanzado, e incluso le contaron que habían desmontado uno para calcular las medidas de su producto futuro. Cuando estaban mostrándole el espacio del motor, él los interrumpió sin complejos: “Esas no son las medidas del Fiat 128”.

Este diseñador, a diferencia de la mayoría de sus colegas, tenía un interés obsesivo en los detalles técnicos y una memoria increíble. Los ingenieros protestaron, pero él les dio otras cifras que resultaron ser las correctas. Pasaron a preguntas técnicas cada vez más agresivas sobre los procesos de fabricación y él las respondió todas. Más que una reunión de negocios parecía el tiroteo de un spaghetti western.

EL JOVEN CONSIGUIÓ EL TRABAJO e hi-

zo historia: el vehículo que diseñó para Volkswagen, el Golf, supuso la reinvención del coche deportivo y todo un referente de varias generaciones. Este modelo, que se llamó Rabbit en EE.UU. y Caribe en México, vendió más de 33 millones de unidades solo de su versión GTi, lo que ayudó a los de Wolfsburgo a convertirse en uno de los mayores fabricantes de vehículos del planeta.

“Sí, al final fue todo un éxito”, afirma Giorgetto Giugiaro desde su estudio de Moncalieri, al sur de Turín. El creador del Golf tiene ahora 81 años y viste impecable al estilo italiano (traje de lana azul muy bien

confeccionado, camisa azul pálido y gafas de concha), y lleva su pelo blanco peinado hacia atrás. Es, por consenso general, el mejor diseñador de automóviles del mundo, y quizás el que mejor ha vivido. No en balde, en sus 60 años en activo ha diseñado 200 modelos, de los cuales se han vendido más de 60 millones de unidades. En 1999, un

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panel de respetados periodistas internacionales y líderes de la industria automóvil lo nombraron “diseñador de coches del siglo”.

Entre sus creaciones más célebres en la ficción se encuentra el DeLorean de Volver al futuro y el Lotus Esprit de La espía que me amó, además de utilitarios míticos como el Fiat Panda y varios concept cars

que siguen siendo punto de referencia para otros diseñadores.

En 2015, cuando vendió las últimas acciones de su empresa Italdesign, parecía poner fin a una producción que en los últimos años había sido sólida, pero poco espectacular. Sin embargo, últimamente ha resurgido de sus cenizas, tanto en términos

Giugiaro con su Chevrolet Corvair Testudo, su concept car presentado en el Salón del Motor de Ginebra en 1963 y uno de sus diseñadores más LQŶX\HQWHV

de trabajo como de interés del público en él.

Muestra de lo anterior es que su Maserati Boomerang (presentado en el salón de Turín de 1971) coprotagonizó una publicidad del fotógrafo Juergen Teller para Louis Vuitton en 2014. Por otro lado, sus admiradores le siguen rindiendo todo tipo de homenajes: la semana previa a nuestro encuentro, una pareja de fotógrafos alemanes había acudido a visitarlo en su Fiat Panda, venerado por algunos como una obra maestra del diseño utilitario, para que se los autografiara. Eso seguro se debe a que el pensamiento radical, como el que se le atribuye a Giorgetto Giugiaro, vuelve a estar de moda. La industria del automóvil atraviesa tiempos extraños: los vehículos eléctricos y autónomos son cada vez más importantes, el mercado de la gama alta prefiere los modelos pequeños, innovadores e hiperlujosos y, según los expertos, a los millennials les interesa más el renting que tener coches en propiedad.

Giugiaro, desde la nueva compañía que ha montado con su hijo Fabrizio, GFG Style, ha estado a la altura del desafío volviendo a crear, como en los años 60 y 70, modelos muy locos, atractivos y que invitan a la reflexión y al respeto por el medioambiente en esta era de tecnología.

La primavera pasada presentó Sibylla, un concept car eléctrico de cuatro puertas que recordaba a su Chevrolet Corvair Testudo (un diseño de 1963). “Creo que en el futuro los coches se compartirán más. Incluso se alquilarán según la necesidad: si quieres salir con tus amigos, conducirás un Jaguar o un BMW, para la montaña usarás un todoterreno y quizás alquilas un Rolls Royce eléctrico en ocasiones muy señaladas. Así que el estilo será más importante, no menos”, asegura gesticulando como solo hacen los italianos.

Los expertos en marketing aseguran que a los millennials y a la generación Z no les interesan las posesiones y cosas materiales tanto como a sus padres, pero Giugiaro se muestra escéptico. Cree que se compran coches por razones psicológicas que nadie puede medir. “En el pasado, para muchos hombres el coche era su gran amor, mientras que la generación actual tiene otros muchos intereses: son fans de un actor o un cantante, adoran la tecnología… Aun así, el coche sigue siendo algo que muestra quién eres. Es como la moda. Tu auto es un símbolo de estatus y dice quién eres, qué piensas y qué te gustaría ser. Los humanos no cambian: un hombre siempre querrá presumir, gastarse el dinero y mostrar sus gustos a través del vehículo que conduce”.

GIUGIARO COMENZÓ SU CARRERA en la

oficina de diseño de Fiat en Turín en 1955,

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En 1966 Giugiaro se incorporó al estudio Ghia de Turín, donde creó el innovador y llamativo De Tomaso Mangusta.

Su nombre, “mangosta”, se considera en italiano una burla del diseñador de los Shelby Cobra, los coches superrápidos y angloamericanos de la época.

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a los 17 años. Era un buen momento y lugar para ser un joven diseñador de automóviles.

Citroën había lanzado ese año el DS, un coche que inspiró tantos modelos de vehículos europeos en los años 50 y 60, y Turín, la ciudad del motor italiana, estaba llena de fabricantes, ingenieros y diseñadores. En aquel entonces, la metrópoli vivía al ritmo de las líneas de producción del grupo Fiat, en su mejor momento, y era un hervidero de nuevas ideas.

A los dos años, el legendario diseñador y fabricante de automóviles Nuccio Bertone le contrató para que se uniera a su equipo y, como prueba, le encargó que dibujara un nuevo Alfa Romeo. Fue tan bueno que Bertone le vendió aquel diseño a Alfa. Allí comenzó a experimentar con diferentes bocetos y se centró (como otros diseñadores de la época) en los faros. “En aquel momento, los ingenieros estaban descubriendo los faros.

Si te fijas, verás que casi todos los cambios a partir de los años 60 consistían en colocar las luces en diferentes sitios”, acota. Se le adjudicó el proyecto Testudo cuando General Motors encargó a Bertone una versión más audaz y deportiva de su popular Chevrolet Corvair. Al joven Giugiaro se le ocurrió algo tan audaz que cuando lo probó en los Alpes, una noche de 1962, los vecinos creyeron que era un ovni y llamaron a la policía.

El Testudo dio paso al primer coche deportivo de los años 60. Era muy bajo: los faros estaban incrustados en el capó y no tenía puertas, sino una cabina de cristal de media cúpula que se abría para dejarte entrar en su increíble interior. Lo mejor es que se reconocía que provenía del Corvair.

“La gente tiene que entusiasmarse con algo nuevo”, asegura, “pero también ser capaz de ver de dónde vienes. Si el cambio es excesivo y no percibimos la evolución, puede parecernos feo”.

La prensa que vio el Testudo en el Salón del Automóvil de Ginebra de 1963 lo calificó como una obra maestra. Al final, General Motors no lo incluyó en su producción pero tuvo una gran influencia. Fue un poco como la versión en coche del álbum Smile de los Beach Boys. Sin él, tal vez nunca habrían existido los Lamborghini Miura, el Ferrari Daytona o el Porsche 928, que fue básicamente una versión sesentera del Testudo.

De Bretone, Giugiaro se trasladó a Ghina, donde diseñó, entre otros, el Ghibli y el De Tomaso Mangusta (el coche de David Carradine en Kill Bill: Volumen 2 y de Kylie Minogue en el video Can’t Get You Out of my Head). A pesar del aspecto llamativo de sus automóviles, Giugiaro se forjaba una reputación como creador diligente, metódico y eminentemente práctico. Los primeros diseños de creadores jóvenes suelen ser como concept cars que nunca podrían fabricarse:

con ruedas demasiado grandes o carrocería excesivamente larga y baja. Son los ingenieros los que tienen entonces que hacer el trabajo duro de convertir esos bocetos en algo viable y por eso muchos ingenieros desprecian a los diseñadores. A Giugiaro, sin embargo, le gusta pensar en sí mismo como ingeniero y por eso sus diseños siempre se ajustan a las medidas y proporciones del informe previo.

“Es muy poco común encontrar a un diseñador cuyo principal foco de interés no es la belleza, sino resolver los problemas

de fabricación. Eso y que tuviera en cuenta los costos de producción fue toda una novedad”, explica su biógrafo, Giuliano Molineri.

Hay principios básicos en el diseño de coches: ratios de altura y anchura, de cristal y metal, colocación de la cabina según la carrocería, las ruedas y el maletero. A muchos diseñadores les encanta hablar de cómo intervienen en el diseño de la imaginación y la emoción pero, si se le pregunta a Giugiaro, él desvía la conversación hacia los detalles técnicos más propios de la ingeniería. Cuando le interrogo, por ejemplo, sobre

la forma sensual del Mangusta, explica que tuvo la idea de fijar las ventanas de vidrio al acero con juntas de goma en lugar de cromo porque este era un elemento de lujo, no algo necesario. Para mostrármelo saca su portaminas azul de Staedtler y hace un dibujo sobre una hoja que su ayudante le arrebata con prontitud porque es el boceto original del Mangusta.

Aunque haya leído a Umberto Eco y diga que le habría gustado ser diseñador de moda, Giugiaro lo sabe todo sobre el mundo del automóvil y no se le caen los anillos por mancharse las manos de grasa. Me cuenta que las ideas se le ocurren cuando sale en su bici de montaña por los alrededores de Garessio, el pueblo alpino donde nació y se crio, y donde él y su mujer pasan la mayoría de los fines de semana. Cuando está allí se mueve con muchos agricultores que, según comenta, lo dejan perplejo por su afición a los Audi A4. “Yo les pregunto qué tiene que ver un Audi A4 con su trabajo y estilo de vida, y me contestan: ‘Nada, pero si llevo ropa limpia y conduzco un A4 por la ciudad, la gente se cree que soy médico o abogado, no agricultor’”.

EL PADRE DE GIUGIARO, llamado Mario,

El Giulia Sprint GT de 1963, el primer Alfa Romeo diseñado por Giorgetto cuando trabajaba con Bertone.

1 1 2 M AYO 2 02 0

su abuelo y su bisabuelo eran artistas. Realizaron frescos y pinturas decorativas en iglesias y palacios, y en Garessio, cuando era niño, Giorgetto siempre andaba con ellos, atento. Lo que hacían era duro: las superficies eran desiguales, a menudo curvadas, y tenían que hacer todo tipo de ajustes para conseguir plasmar madonnas y escenas pastorales. Aprendió de su padre a hacer retratos a mano alzada y de su abuelo a trazar líneas claras sobre cualquier superficie y en toda circunstancia. La conexión es evidente. Para un diseñador de automóviles, la superficie y la luz son fundamentales.

De hecho, de niño Giugiaro quería ser pintor. Lleva toda la vida pintando retratos y paisajes. Su padre, sin embargo, le aconsejó que dejara el arte y lo envió a Turín a estudiar diseño de vestuario y dibujo técnico para que aprendiera a trabajar en tres dimensiones, algo que él consideraba más rentable que en dos. Así que resulta tentador comparar los coches de Giugiaro con obras de arte, pero a él no se le parecen. El arte es arte y un coche “es un producto de ingeniera”, asegura. Eligió la vida comercial siguiendo los sólidos consejos de su padre: “La vida bohemia satisface solo cuando eres joven. Termina siendo deprimente”, le inculcó Mario desde niño.

Giorgetto fundó Italdesigns con Aldo Mantovani en 1968 tras dejar Ghia.

Según el escritor Tony Lewin, Italdesign “fijaría la agenda de diseño de la industria

automovilística durante los siguientes 40 años”. También le permitió a Giugiaro trabajar en otros campos y convirtió su lápiz azul en cientos de artículos diferentes, desde cámaras, relojes y máquinas de coser hasta trenes y estadios de futbol. En 1983 se dedicó a la pasta: creó para Barilla un penne de doble tubo estriado, lo cual le hizo apreciar el ingenio de los diseñadores de pasta

El lujoso interior del Chevrolet Corvair Testudo se deja ver a través de su techo futurista.

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del siglo XIX y el interés que la gente tiene en la comida. Todo el mundo le pregunta por su pasta: “A veces pienso que será por eso por lo que de verdad me recuerden”, suelta sonriendo.

En realidad no, porque si hay algo por lo que pasará a la posteridad no será por un trozo de masa, sino por una pieza de acero.

En 1972, su concept car para Maserati, el

Boomerang, inspiró modelos automovilísticos basados en líneas rectas y afiladas de origami japonés. El ejemplo más famoso fue el Volkswagen Golf MK1, pero el efecto se nota en el diseño de todos los coches que le siguieron. En parte lo hizo así porque “luego de dejar a Bretone y Ghia necesitaba un estilo propio y distintivo para que la gente no pensara que estaba usando el de mis empleadores”. Pero es que además era un diseño muy práctico. Como él sabía, es más fácil y más barato unir dos componentes de bordes rectos que dos curvos, con lo que se ahorra tiempo y dinero.

Ese aspecto de origami se aprecia en modelos de gran belleza concebidos en Italdesign durante los años 70 y 80 como el Esprit, el M1 de BMW de 1978 (“una evolución del Mangusta”), el DeLorean de acero inoxidable (“así se ahorraba dinero en la pintura”) de 1981 y el Audi 80 de tercera generación de 1978. Su eficacia permitió a Giugiaro liderar un cambio de enfoque en el diseño automovilístico.

Cuando los automóviles empezaron a comercializarse en los años 20 y 30, los fabricantes se dieron cuenta de que cambiando la carrocería podían crear nuevas modas sin tener que rediseñar todo el vehículo. Sin embargo, esa tendencia cambió en los años 70, cuando la crisis del petróleo de Oriente Medio hundió las economías occidentales.

Giugiaro recurrió a la antigua idea que inspiró los coches que habían alcanzado categoría de mito, como el Ford T, el Volkswagen Escarabajo, el Fiat 500 o el Citroën 2CV. Para él, en los vehículos del futuro apenas importaría la apariencia: se basarían en un buen diseño a bajo costo, lo que significaba replantearse para qué servían los autos. Eso hizo que se crearan nuevos modelos, no solo sedanes, sino coches familiares y deportivos de dos plazas.

ITALDESIGN también fue responsable del Lancia Megagamma de 1978, que fue pionero del monovolumen años antes de que Renault sacara su Espace, y de una sucesión de modelos asequibles y bien diseñados como el Fiat Panda (concebido como el “equivalente a un par de vaqueros”), el Fiat Punto (1993), el Seat Ibiza (1984) y el influyente AlfaSud de Alfa Romeo (1971). Sin embargo, hoy en día Giugiaro no está tan seguro. Ha aprendido de la forma más dura que “en la vida real, en vez de estrenar un Panda bueno y barato, muchos prefieren gastar el dinero en un BMW de tercera mano”.

Durante 30 años, Italdesign mantuvo estrechas relaciones con Volkswagen, Fiat y fabricantes asiáticas, y se convirtió en un elegante gigante internacional. Hubo menos innovaciones radiales aunque seguía

produciendo diseños. Fue el caso del Maserati 3200GT de 1998 o el Lamborghini Gallardo de 2003, que podían hacer que una marca cuya popularidad había disminuido recuperara el atractivo. Italdesign llegó a la gran escala en la primera década del siglo XXI y diseñó el nuevo estadio del Juventus

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El Sybilla GG 80, un concept car eléctrico realizado por GFG Style y Envision, el especialista chino en energía inteligente que se presentó en el Salón del Automóvil de París de 2018, año del octogésimo cumpleaños de Giugiaro.

de Turín y el mobiliario de la Estación Espacial Internacional. En 2010 Volkswagen hizo una gran apuesta por el diseño y compró 90.1% de Italdesign. En 2015, cuando hubo rumores de desacuerdo con la dirección alemana, Giugiaro vendió sus acciones y se marchó. Giorgetto es un espíritu independiente y no es hombre para estar dependiendo de otros en una gran corporación.

Su creatividad necesita vía libre para volar sin trabas.

Llegando a las oficinas de GFG Style, donde hay una sala de exposición con una bella colección de sus vehículos, al centro está el Sibylla, un sedán desarrollado con Envision, una empresa energética china (sus nuevos clientes con más potencial). Es grande (cinco metros de largo) y, como el Testudo, tiene un techo de vidrio que se desliza hacia adelante para permitir la entrada.

Giugiaro dijo una vez de sus diseños conceptuales que “los coches de ensueño son los mejores”, y el Sybilla es la prueba. Tal vez es demasiado caro para lanzarlo al mercado, aunque todavía no ha sido descartado por Envision, y desde luego funciona. Hay dos prototipos fabricados y Giugiaro conduce a menudo uno de ellos.

Me lleva a verlo, me lo enseña con pasión y gesticula sin parar, entusiasmado. “¿Ves esas luces en la parte delantera? ¡Es para que los peatones en los cruces sepan que estás frenando! Y mira la cúpula de cristal: ¡te da una visibilidad perfecta! ¿Y los asientos traseros? Lleva dos pasajeros extras porque en un coche eléctrico el suelo es plano, ¡lo que te da más espacio! ¿Has visto las salpicaderas?”.

Sigue argumentando sobre sus posibilidades: nuevos plásticos que permitirán darle distintas formas al capó, luces led que mostrarán diferentes colores, patrones e imágenes por dentro y fuera. A sus 81 años habla con la misma pasión que cuando estaba empezando. Desde luego, es admirable.

Solo el hecho de que haya vuelto a empezar cuando tendría que estar jubilado es notable, pero los genios no se retiran nunca. Le pregunto si cree que ya ha logrado bastante. “¿Por qué no se relaja o da algunas ideas y deja que otras personas hagan el trabajo?”, le digo.

“No”, responde sin pestañear y, soltando el volante como el de una nave espacial, termina: “Siempre me interesó la constructibilidad del producto. Cualquiera puede dibujar un coche, pero es solo un dibujo a menos que pienses en lo que los ingenieros deben hacer para convertirlo en un vehículo de verdad. Ahí radica la emoción, en diseñar algo que se pueda fabricar. Nunca me interesó solo dibujar algo fantástico”.

1 1 5 M AYO 2 02 0

egan

illiams un ángel en toda la extensión Megan May Williams es una de las mujeres más hermosas del mundo. ¿Quién lo duda? Ha desfilado para Victoria’s Secret y Calzedonia, y ha sido el rostro de Guess. Además es una persona preocupada por el planeta, a través de su proyecto personal llamado “We Are Hunu”, con el cual busca evitar que más plástico llegue a los océanos. Platicamos con ella después de esta exclusiva sesión de fotos.

116 M AYO 2020

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JEANS, LEVI’S VINTAGE; CINTURÓN, WHAT GOES AROUND COMES AROUND.

de la palabra

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¡Nueva York, Nueva York! Siempre es un sueño vivir aquí.

HOMETOWN:

Guernsey, Reino Unido. Una pequeña isla en el Canal de la Mancha entre Inglaterra y Francia.

RESIDENCIA ACTUAL:

ESTA PÁGINA: SACO, ACNE STUDIOS; JEANS, APC. PÁGINA OPUESTA: TANK TOP, TOMMY; JEANS, VINTAGE WHAT GOES AROUND COMES AROUND. ¿CUÁL FUE TU PRIMER TRABAJO COMO MODELO?

Fue realmente increíble como nuevo rostro, ¡fue una campaña de pelo 118 M AYO 2020

para Wella! Una experiencia maravillosa estar en un gran set como ese.

ARRIBA: SACO, MATERIAL LINEN; BRA, ALBRIGHT FASHION LIBRARY VINTAGE. PÁGINA OPUESTA: CAMISA Y SOMBRERO, VINTAGE WHAT GOES AROUND COMES AROUND.

Gimnasta profesional. Debes saber que entrenaba cuatro o cinvo veces a la semana, ¡así que me encantó!

LO QUE QUERÍAS SER CUANDO TENÍAS 10 AÑOS:

¡Un shooting en el London Eye cuando tenía 18 años! El cliente para el que estaba modelando en realidad no tenía permiso para shootear ahí, así que para tener todo el pod para nosotros, tuvimos que fingir que estaba celebrando mi compromiso con el fotógrafo. Fue muy incómodo ya que teníamos la cápsula para nosotros ¡con un camarero que nos estaba sirviendo champagne! Sutilmente tuvimos que hacer las fotos. ¡Fue una experiencia muy divertida!

M AQ U I L L A J E : S T E P H A N I E P E T E R S O N . P E I N A D O : J H O N ATA N R E N D Ó N O B L I P H I C A / R & C O . A S I S T E N T E D E F O T O : J O S É M A N U E L O R OZC O .

MOMENTO MÁS DIVERTIDO COMO MODELO:

Esta página: traje, camiseta, reloj y lentes, Dolce & Gabbana. Página opuesta: suéter y lentes, Dolce & Gabbana.

1 2 2 M AYO 2 02 0

David Gandy,

CAMPAÑAS INTERNACIONALES, ES EL MODELO MÁS CONOCIDO EN EL ORBE. UN NIÑO NACIDO EN EL CONDADO DE ESSEX, INGLATERRA, CON 150 TRAJES EN EL CLÓSET Y EL ESTILO

DE QUIENES (TAMBIÉN) EN LA VIDA PREFIEREN LO ESENCIAL.

DICE QUE ERA GORDO Y TORPE DE NIÑO PERO HOY, TRAS 18 AÑOS DE

Por ENRICA CARETTA Fotos: GIOVANNI COR ABI Styling: DEBOR AH DE GROOT

1 2 3 M AYO 2 02 0

Esta página: traje, camisa, reloj y lentes, Dolce & Gabbana. Página opuesta: traje, lentes y zapatos, Dolce & Gabbana.

(La entrevista acaba de comenzar, pero el caballero en cuestión parece haber entendido algunas cosas, debemos admitirlo.

El señor Gandy es hermoso. Un metro 91 en un físico seco donde el verdadero atractivo es su tranquilidad y compostura, y más: absolutamente afable y natural, alguien que sabe lo que hace pero ni siquiera lo tira por error. No es la braga genial que esperábamos y eso nos preocupaba incluso un poco. Un punto, o más bien tres, a su favor).

1 24 M AYO 2 02 0

FUIMOS A CONOCER A UNA de las caras mĂĄs conocidas de la moda de prin-

cipios de este siglo. Se trata de David Gandy, de 40 aĂąos, el supermodelo que en los Ăşltimos 18 aĂąos ha sido la imagen de Dolce & Gabbana en el mundo, caracterizando los ideales del hombre mediterrĂĄneo.

Lo encontramos en MilĂĄn. El motivo, el lanzamiento de la campaĂąa Primavera-Verano 2020 de la lĂ­nea de lentes de la ya referida marca italiana.

Estuvimos allí para atestiguar la calidad de los refinados marcos ultraligeros, el diseùo esencial de los lentes, las patillas extradelgadas y la belleza de un clåsico elegante que nunca es formal combinado con la cara de Gandy, lo que resulta, de hecho, una mezcla irresistible. Todo se materializa en un momento dado. Bueno, caballeros: si es cierto que la masculinidad (tambiÊn) se encuentra en un estado de crisis y necesita nuevos códigos de referencia, se puede asegurar que hay mucho por aprender de este personaje.

Lo recordamos en una de sus campaùas mås exitosas, acostado con una mirada hipnótica en un bote en Capri, amablemente explícito y macho, con descaro, envuelto solamente en un sexy traje de baùo blanco. Hoy aparece frente a nosotros de frente, de pies a cabeza en pantalones y camiseta negros, sin querer notarse demasiado. Convincente y sobrio como si hubiera salido de una foto de Êpoca con Paul Newman. Llega a un ritmo råpido sin hacer ruido.

No lleva zapatos durante la entrevista, sino un par de calcetines tambiĂŠn negros. Lo saludo con gusto y se sienta cĂłmodo en un sillĂłn, como si se estuviera preparando para conversar frente a la chimenea con una cantidad de tiempo exagerada. Hablamos de ĂŠl, de Dolce & Gabbana y de ĂŠl con ellos; de la reuniĂłn que hizo su fortuna, la de la foto de Capri, de la campaĂąa del perfume Light Blue fotografiada por Mario Testino, una pequeĂąa cosa de casi 12 millones de visitasâ&#x20AC;Ś ESQ: UNA COLABORACIĂ&#x201C;N TAN DURADERA COMO LA QUE TIENES CON DOLCE & GABBANA ES MUY RARA: ÂżCĂ&#x201C;MO SE ENCENDIĂ&#x201C; LA CHISPA, QUĂ&#x2030; TIENEN EN COMĂ&#x161;N? DG: Lo curioso es que conocĂ­ a Domenico y Stefano antes, durante una Fas-

hion Week. Me habĂ­an elegido, pero para trabajar con ellos tenĂ­a que afeitarme y en ese momento tenĂ­a un contrato inmediatamente despuĂŠs, por lo cual hubiera necesitado mucho tiempo, y tuve que rechazarlos. Luego nos encontramos en una fiesta de Steven Meisel. Hay un sentimiento entre nosotros, siempre lo ha habido y entonces dijimos: â&#x20AC;&#x153;Intentemos de nuevoâ&#x20AC;?, y todo comenzĂł desde allĂ­. Para la campaĂąa Light Blue, los otros tipos en la carrera eran chicos andrĂłginos. D&G tenĂ­an un fĂ­sico en mente y lo convirtieron en un ideal del MediterrĂĄneo.

ESQ: $+25$ 78 120%5( 7$0%,Â&#x2039;1 (6 81$ 0$5&$ b &Â&#x2022;02 /2 '(),1,5Â?$6 < 48Â&#x2039; 7(

guien me pregunta cuånto tiempo me lleva prepararme para un evento o proyecto, cuåntas personas tengo en mi equipo, y respondo: 15 minutos, mi equipo soy yo. De Domenico y Stefano aprendí un control total sobre cada fase del trabajo, sobre cada detalle. Un gran compromiso. Creen en la artesanía y la tradición, tienen un sentido de todas estas raíces. Y tambiÊn amo Italia, desde que era niùo, para mí es un segundo hogar aunque me siento muy britånico: mi ídolo es Churchill.

ESQ: $'(0Â&#x192;6 '( 02'(/$5 (6&5,%(6 3$5$b7+( 7(/(*5$3+b ',6(Â&#x201C;$6 < 7,(1( 78 3523,$ /Â?1($ '( 523$ b 48Â&#x2039; (6 /$ (/(*$1&,$ 3$5$ 7," DG: No tengo una definiciĂłn. â&#x20AC;&#x153;Eleganteâ&#x20AC;? tambiĂŠn puede ser una mesa, una

silla o un automóvil. Una camiseta: tengo 150 trajes en el clóset pero vivo con una camisa. La elegancia autÊntica es algo diferente. Es empatía, es cuidar a los demås, ser solidario y capaz de comportarse bien. Es un estilo de vida (este inglÊs comienza a pasar un mal momento; lo verificamos y dice la verdad: ha estado involucrado en organizaciones benÊficas durante aùos y fundó una, su referencia de estilo es de verdad Paul Newman y, como si fuera poco, felizmente no le importa exagerar en las redes sociales).

ESQ: (1 )(&+$6 5(&,(17(6 1$&,Â&#x2022; 78 +,-$ 0$7,/'$ b 48Â&#x2039; 9(6 (1 /$ 0$Â&#x201C;$1$ &8$1'2 7( 0,5$6 (1 (/ (63(-2 81 3$'5( 81$ (675(//$ 81 +20%5( &21 /26 PIES EN EL SUELOâ&#x20AC;Ś?

DG: En la vida hay diferentes oportunidades y roles. Tienes que saber có-

mo adaptarte a ser muchas cosas.

ESQ: Â (6 &,(572 48( '( 1,Â&#x201C;2 (5$6 7253( < 7Â?0,'2 (/ 3$<$62 '( /$ &/$6(" DG: Es verdad, y soy naturalmente tĂ­mido, odio ser el centro de atenciĂłn.

Por supuesto, cuando era niĂąo se burlaban de mĂ­, no cumplĂ­a con ciertos estĂĄndares y mis compaĂąeros me intimidaban (pensarlo asĂ­ no me gustaba en absoluto, pero era â&#x20AC;&#x153;tan seguro de sĂ­ mismoâ&#x20AC;? con ese discreto hilo tostado, que no se adivinarĂ­a. Pero es un hecho: la lucha contra el bullying es una de las causas cercanas a su corazĂłn). Entonces soy un solitario, alguien a quien le encanta perderse a pie en el campo. Y de mi vida privada, incluso en las redes, trato de no compartir casi nada.

ESQ: Â (6 $*27$'25 0$17(1(5 81 &8(532 $6Â? &Â&#x2022;02 (67Â&#x192;6 $+25$" DG: En realidad hago lo que siempre he hecho: mucho deporte, entrena-

miento físico o lo que en la pråctica me hace sentir bien. Cuando era niùo practiquÊ rugby y cricket muchos aùos, ahora camino, paso varias horas en el gimnasio y me regularizo para comer, pero son reglas båsicas que seguiría de todos modos.

+$ 75$Â?'2 /$ (;3(5,(1&,$ ,7$/,$1$" DG: En

realidad tengo dificultades para definirme, no me gusta. Siempre he tratado de ser yo mismo y no sigo las tendencias. De vez en cuando al-

ESQ: Â &8Â&#x192;/(6 621 786 35(1'$6 '( 9(67,5 )$925,7$6"

Tengo una debilidad por los accesorios, amo todos: zapatos, relojes... pero quiero tocar lo que compro, no me gusta comprar en lĂ­nea.

DG:

ESQ:  < /$6 *$)$6"b &Â&#x2022;02 &20%,1$5Â?$6 /26 02'(/26 (1 (67$ 18(9$ COLECCIĂ&#x201C;N?

Son cuadros clåsicos, con líneas limpias y versåtiles. Piezas bonitas que combinan con todo.

DG:

ESQ: ÂżHAY ALGUNA PRENDA QUE TE OBSESIONE DE D&G DE LA QUE NO PUEDAS SEPARARTE?

Un abrigo cruzado príncipe de Gales de hace cinco aùos. Estoy loco.

Todos siempre quieren saber de dĂłnde lo saquĂŠ.

DG:

Pensamientos finales: hemos visto los lentes y nos han gustado, y de súbito al chico de Essex tambiÊn. Aunque para el uso de los eventuales seguidores de última hora que vayan a comprar uno de estos armazones, nos gustaría expresar lo siguiente: si desean adquirir unos de los lentes ya mencionados, excelente; sin embargo, hay otros aspectos del seùor Gandy que estaríamos encantados que siguieran de igual manera.

1 2 5 M AYO 2 02 0

EL TATE MODERN A LOS 20

1 2 6 M AYO 2 02 0

Por RICHARD BENSON

Hitos como “The Weather Project”, de Olafur Eliasson (2003), hacen que el Tate Modern sea el museo de arte moderno más popular a nivel mundial.

1 2 7 M AYO 2 02 0

PUEDE SER UN MUSEO DE ARTE SUPERESTRELLA a nivel internacional

hoy en día, pero cuando abrió en el 2000, los críticos odiaron el Tate Modern. “La trivialidad de estos conceptos y la arbitrariedad con que se aplican pueden ser irritantes, y las yuxtaposiciones a menudo son visualmente discordantes”, leía un editorial en The Burlington Magazine, el venerado diario artístico. “La falta general de continuidad desorienta [y] no somos reorientados, no se ofrece una visión fresca: las salas temáticas tienden a alentar un paseo sin sentido a través de un patio curatorial”.

A tales jueces no les gustó la ubicación (un pedazo sucio del banco sur del Támesis), criticaron el diseño del edificio (una central eléctrica renovada, con gran parte del interior mantenido intacto) y se fueron lanza en mano contra la primera exposición temporal, Century City, que mostraba escenas del arte de diferentes urbes del mundo (“la sección dedicada a Lagos es tan débil que te sientes como un cerdo racista, imperialista y colonialista por atreverte a decirlo”, decía The Guardian).

Las objeciones más importantes eran contra el agrupamiento del arte por temas en lugar de por periodos y por la cantidad de obras de sitios de fuera de Europa y América. A decir verdad, los curadores del Tate Modern esperaban las reacciones, pero creían que su forma de hacer las cosas era justa e interesante.

Frances Morris, actual directora del recinto, estuvo ahí al principio y recuerda como “genuinamente creíamos que iba a ser increíble, pero no nos sentíamos confiados de que la prensa o el público estaría de acuerdo con nosotros. Y claro, la prensa lo odió. Al final terminaron por aceptarlo, pero les tomó 15 años”.

El público, sin embargo, lo aceptó de inmediato, con 5.25 millones de visitantes el primer año, convirtiéndolo en el museo de arte moderno más popular del orbe. Para Ekow Eshun, director del Insitute of Contemporary Arts en los años 2000 y ahora curador independiente, “eso atrajo después nuevas galerías a Londres y llevó a la expansión del mercado del arte en la ciudad, que era un remanso incluso en los 90.

Se podría decir que la historia del Tate Modern tomó un poco de teoría del arte de los años 70 y lo convirtió en un mercado de 10 billones de dólares”.

ESTE PRÓXIMO 11 DE MAYO se cumplen 20 años desde que el Tate Modern abrió sus grandes puertas de cristal sin costo de admisión. El año pasado, para marcar el inminente aniversario, desplazó al British Museum como la atracción más popular del Reino Unido, con casi 5.9 millones de visitantes anuales. También se convirtió en el quinto museo de arte más visitado a nivel mundial, justo detrás del Vaticano en cuarto lugar, fácilmente el punto dedicado al arte contemporáneo más popular (el Louvre de París es el número uno en todo el planeta).

En el ambiente del arte puede ser difícil que un museo atraiga números grandes mientras sigue aportando nuevas ideas interesantes e influyentes. Estas ideas son importantes porque los mejores artistas y coleccionistas quieren mostrar su trabajo en instituciones destacadas y con referencia; además de satisfacer el hambre intelectual, ser visto en los sitios correctos hace que el arte valga más y el Tate Modern ha logrado eso. Ahora es, como señala Tania Bruguera, artista y académica cubana, “la institución que establece el tono a nivel internacional para muchas discusiones y conversaciones entre artistas y otros sectores”.

En una tarde entre semana de esta primavera se puede sentir un poco de eso en el zumbido bajo y tranquilo de las altas galerías de concreto pulido alrededor del famoso Turbine Hall. También es ahí, en las oficinas del personal, donde se realizan los preparativos para sus próximos éxitos taquilleros de la temporada (entre ellos una exposición de Andy Warhol que destruye los estereotipos, cuyas fechas se anunciarán una vez que el inmueble reabra sus puertas tras la contingencia mundial del COVID-19). A decir verdad, estas habitaciones son bastante ordinarias y, si no fuera por las pilas de grabados, libros y revistas por todos lados, podrías confundirlas por las oficinas de un centro de ocio de lujo.

Aunque las paredes del área de recepción tienen mejor presentación;

minimalistas excepto por un cartel blanco con las siguientes palabras escritas en tinta roja:

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Cómo trabajar mejor: Hacer una cosa a la vez Conocer el problema Aprender a escuchar Aprender a hacer preguntas Distinguir el sentido del sinsentido Aceptar el cambio como inevitable Aceptar los errores Decirlo simple Mantener la calma Sonreír

Los aniversarios del Tate Modern normalmente están acompañados de artículos de periódico sobre cómo ha “cambiado a Gran Bretaña” desde el año 2000. No hay duda de que haya alterado las cosas, pero para realmente entender qué y cómo, necesitas regresar mucho más atrás que al cambio de milenio.

La primera Tate Gallery, patrocinada por una donación de 80,000 libras por parte del magnate del azúcar y coleccionista de arte Henry Tate, abrió en la zona de Pimlico en Londres en 1897. Albergaba una colección mayoritariamente compuesta por arte británico moderno (victoriano), pero comenzó a coleccionar artistas extranjeros después de 1915, desarrollando una especie de colección doble de obras modernas británicas e internacionales. Para los años 70 era evidente que el Tate necesitaba más espacio para albergar su creciente colección. Se añadieron extensiones en 1979 y 1987 y una sucursal abrió en Liverpool en 1988, seguida de otra en St. Ives, Cornwall, en 1993. Aliviaron un poco la presión en el espacio, pero para entonces el problema era que las ambiciones del personal y directores del Tate no iban en realidad sobre dónde colocar todos los viejos cuadros y estatuas.

Hasta los 60, la idea básica de los museos y galerías era que los artistas hacían arte que representaba algo –un retrato, por ejemplo, o una escultura que evocaba a un pájaro en vuelo– y los curadores lo colocaban en una pared o pedestal. Visitantes de mediana edad y clase media venían a mirarlo y luego se iban, enriquecidos de alguna manera. Llegaron los 60 y algunos artistas y curadores comenzaron a preguntarse si podría haber más diversión que eso en hacer y ver el arte, ¿podría su atracción extenderse más allá de la mediana edad y de la clase media? ¿Podrían interactuar más con ella? Los artistas y curadores radicales comenzaron a hacer y mostrar objetos que la gente pudiera tocar, caminar a su alrededor y a montar actuaciones. Muchos artistas estaban interesados en alentar a la gente a pensar en qué significaba el arte para ellos personalmente en lugar de un enfoque más didáctico.

Es cierto que mucho de ese arte era terrible, pero mucho no lo era: una generación de gente joven se inspiró en él. Se acordaban de cuando se iban fuera a estudiar arte y luego tomaban trabajos como, por ejemplo, curador del Tate Gallery. Frances Morris, una niña de escuela estatal del sur de Londres, estudió historia del arte en Cambridge en los 70 y se convirtió en curadora de la Modern Collection en el Tate en 1987, cuando “el modelo de una institución de arte que tiene una visión autoritaria que enseña, y luego todos los demás lo cuestionan, simplemente se derrumbaba”.

Hubo una acumulación de presión para repensar el modelo de un museo de arte con la generación más joven de curadores que pensaban que algo debía suceder. En el Tate, durante los 80, ya existía la idea de que no había suficiente espacio para una colección en crecimiento ni para el tipo de ambiciones que comenzábamos a desarrollar en torno al aprendizaje y la experiencia de la audiencia. Se elaboró un plan maestro que reflejaba la idea de que no podía tenerse todo concentrado en su capital y que el público era más que un simple receptor pasivo de obras

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de arte.

La interacción que Frances Morris quería con el arte era humana y emocional. Sentada en una sala de reuniones grande, llena de grabados y libros, dice que estaba “increíblemente emocionada” de hacer un museo que se sintiera lo bastante abierto para recibir a familias que por lo general descartarían el arte. “Me parece por demás emocionante pensar en una familia cruzando la puerta por primera vez porque puede ser en verdad trascendente. Esa familia no necesariamente tiene que comprometerse al momento con la filosofía de compromiso de un artista”.

En esa atmósfera, un nuevo director con ideas afines se unió al Tate en 1988. El delgado y austero Nick Serota era otro veterano de las humanidades de los años 70 y liberal de Londres cuya madre se desempeñó como ministra de Salud durante el gobierno de Harold Wilson. Serota había tenido éxito en la Whitechapel Gallery de Londres, donde promovió el arte contemporáneo de vanguardia y supervisó una extensión.

En 1969, cuando tenía poco más de 20 años, se convirtió en presidente de la nueva organización Young Friends of the Tate, con 750 miembros, y dirigió la toma del grupo de un edificio del sur de Londres en el que ofrecían conferencias, clases de pintura y sus propias exposiciones de arte, hasta que los Tate Trustees intervinieron y los hicieron detenerse.

Luego de largas discusiones, Serota y los fideicomisarios decidieron que la expansión debería ser en una ubicación diferente, donde hubiera más espacio y las colecciones pudieran dividirse en componentes británicos e internacionales. Quería que el proyecto no solo fuera sobre encontrar espacio para el arte, sino para experimentar con formas de presentarlo que cambiaran la manera en que la gente lo pensaba. Para hacer eso correctamente necesitaban un edificio mucho más grande. Al separar lo internacional, los fideicomisarios sintieron una oportunidad de expresar apertura hacia el mundo, algo que se sintió muy atractivo en una metrópoli que sufría una resaca de los años insulares del Britpop.

Poco después llegó un golpe de suerte: la Lotería Nacional, lanzada en 1993, fue acompañada por un programa de nuevos edificios para el milenio, donde las organizaciones podían solicitar fondos para proyectos públicos emblemáticos. Sintiendo una oportunidad, Serota y sus administradores fueron a buscar un sitio.

Encontraron Bankside Power Station, diseñada en los años 40 por sir Giles Gilbert Scott y dejada en silencio y oxidación en la orilla sur del Támesis desde su desmantelamiento en 1981. Los artistas, como Serota sabía, disfrutan poner su trabajo en viejos edificios industriales porque los espacios se ven más interesantes y la autenticidad reafirma (“Los artistas son trabajadores y su trabajo es trabajo”, asevera Miroslaw Balka, el polaco que creó How It Is: cuevas de metal negras profundas en el Turbine Hall en 2009. “La gente olvida eso. Es una de las razones por las que las raíces industriales de Tate Modern eran importantes”).

El Tate compró Bankside en 1994, utilizando 50 millones de libras de efectivo de la lotería y recaudando 83 millones que necesitaban para completar a través de donaciones privadas. Los arquitectos –la compañía suiza poco conocida en esa época, Herzog & de Meuron– dejaron mucho del interior industrial intacto, algo que fue significativo. La visión del gobierno de Blair, electo en 1997, era de una nueva “economía creativa” basada en ideas, levantándose de las cenizas de la era industrial, que dividió el viejo y nuevo trabajo. El equipo de Tate Modern también habla explícitamente en esos términos. “Había sido una estación que creaba energía para los hogares”, recuerda Donald Hysop, jefe de regeneración y asociaciones comunitarias en Tate. “Ahora iba a ser un museo creando ideas para conducir la ciudad”.

“Que era el punto”, completa Eshun, “de esa decoración de estilo industrial, de ladrillo desnudo y vigas a la vista y muebles Scandi que Tate Modern ayudó a cruzar a la corriente principal. Se trataba de la evolución hacia un futuro basado en la creatividad, la inventiva y sillas realmente geniales”.

Los fideicomisarios reclutaron a un director de proyecto (Dawn Austwick de la firma de contabilidad KPMG) y tres curadores (Morris, la

The Seagram Murals, parte de la exposición del museo sobre los cuadros tardíos de Mark Rothko, 2008-2009.

especialista en educación Caro Howell e Iwona Blazwick, que recién había descubierto y montado la primera exposición individual de un joven artista británico llamado Damien Hirst), y los instaló en una oficina en John Islip Street, detrás del Tate Britain. En términos de arte, la ciudad era muy diferente a como es hoy. Londres era la capital mundial más grande sin un museo de arte moderno y apenas algunas galerías comerciales. Frieze Art Fair aún no sucedía y los YBA (Young British Artists) como Hirst y Tracey Emin comenzaban a llamar la atención a Londres, pero la idea de que su mercado de arte compitiera con París o Nueva York era motivo de risa.

“En realidad muy parroquial”, recuerda el exeditor adjunto de la revista Frieze, Dan Fox. “La escena artística en Londres se estaba volviendo un poco más prominente internacionalmente, pero muchos artistas de esa generación estaban intercambiando cierto tipo de provincialismo de la era del Britpop, que comenzó a sentirse cansado muy pronto”.

Achim Borchardt-Hume, director de exposiciones del Tate y previo curador de arte moderno y contemporáneo en el Tate Modern de 2005-2009, comenta que fue “una cultura en esencia literaria, no visual”, donde los novelistas, no artistas, representaban la cultura intelectual y el “arte contemporáneo” era más visto como las cosas escandalosas que causaron controversia en las revistas a través del Turner Prize.

Lo primero que hizo el equipo fue comenzar a trabajar con artistas del área de Bankside para tener lazos genuinos con la ubicación cuando el museo abriera. La segunda fue definir las primeras exposiciones temporales. La tercera era ver cómo exponer la colección del Tate Modern de la mejor manera, y su solución ultimadamente crearía la reputación del museo y cambiaría la manera en que se viera el arte moderno alrededor del globo.

EL ARTE DE TODO TIPO por lo general se discute como si todo fuera sobre significados y verdades atemporales, pero en realidad nuestras opiniones tienden a formarse por cómo se nos presenta el arte. En los 30, la opinión pública sobre el arte moderno se generó por un curador llamado Alfred H. Barr, que era empleado por el adinerado socialité y coleccionista Abby Rockefeller como director fundador del Museum of Modern Art en Nueva York.

En el momento, la mayoría de los críticos y coleccionistas no tomaban muy en serio el arte moderno de artistas como Pablo Picasso o Vincent van Gogh, pues se veía raro y el estilo era muy cambiante, así

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La escultura Embankment, de Rachel Whiteread, en el Turbine Hall, 2005.

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que, ¿cómo iba uno a saber qué era atemporal y qué era moda? Barr cambió eso con un diagrama hoy famoso que muestra el arte que evoluciona del realismo del siglo XIX al arte moderno y abstracto a través de varias escuelas como el expresionismo, el cubismo y el futurismo.

Sin importar que los artistas en realidad no pensaran o trabajaran así: de repente todo tenía sentido y podía resumirse en un par de oraciones en una cena.

El diagrama, impreso en la portada del catálogo de la exposición Cubism and Abstract Art del MoMa en 1936, favorecía al presente y a América porque hacía ver como si la historia completa del arte había estado conduciendo a ese lugar y momento (eventualmente, hasta la CIA se volvió fan, canalizando dinero hacia el modernismo y arte abstracto como ejercicio de propaganda durante la Guerra Fría). También creó valor para comerciantes y coleccionistas porque significó que los cuadros y esculturas podían ser vistos en términos de nuevas categorías fáciles de entender. Las señoritas de Avignon de Picasso pudo haberse visto raro cuando lo pintó, pero ¿a quién le importaría eso cuando Barr lo nombró “la pintura que comenzó el cubismo”?

Para su retiro en 1967, Barr había hecho del MoMa el museo de arte moderno más influyente del mundo. Cambió los museos de ser meros edificios que preservaban importantes obras de arte a lugares donde las audiencias aprendían. Los museos alrededor del planeta siguieron el ejemplo del MoMA colgando colecciones que sugería evoluciones cronológicas suaves de un estilo a otro: para la mayoría de nosotros, la idea del arte moderno como una cadena de “-ismos” se quedó tan grabada que influyó en cómo pensábamos sobre la cultura, como la música y el diseño.

Sin embargo, no estaba arraigado en la oficina de John Islip Street en los años 90. Incluso si creías que algo de arte se desarrolló de tal manera, no podrías escapar del hecho de que Barr solo había contado una historia limitada a los tipos blancos y occidentales. Desde el final de la Segunda Guerra Mundial existía un reconocimiento creciente de que muchas personas que habían hecho arte importante e interesante no se ajustaban a ninguna de esas categorías, y ahora, dice Morris, “sabíamos que íbamos a abrir un museo para el siglo XXI y teníamos la oportunidad de repensar el modelo. Como principio fundamental tomamos que al principio del siglo XXI ya no era deseable, necesario o posible contar una única historia del arte. Fue muy enfocado en la misión”.

La misión era anular el modelo de Barr. Después de un año de pensamientos de cielo azul le presentaron sus ideas a Serota, un nuevo tipo de sitio en el que las obras de diferentes eras se agruparían en cuatro temas: Desnudo/Acción/Cuerpos; Bodegón/Objeto/Vida real; Historia/Memoria/Sociedad; Paisaje/Materia/Entorno. Con algunos mínimos cambios, Serota lo aprobó. Este acercamiento puede haber ayudado a cubrir huecos cronológicos en la colección. La arquitectura del edificio también dictaba naturalmente cuatro áreas principales y, como la mayoría de los visitantes de las galerías pasan de 15 minutos a una hora viendo arte antes de tomar un descanso, cuatro áreas tomarían alrededor de medio día.

Tomó otro año traer a todos los curadores y decidir qué obras irían dónde, pero aun así, aunque la noche de apertura fue un éxito –Dan Fox recuerda al equipo sorprendido de Frieze en la oficina al día siguiente “hablando de la actuación Acid Brass de Jeremy Deller y el tamaño del Turbine Hall”–, hubo una desaprobación crítica para la organización temática y, más tarde, para la diversidad de Century City. El público, sin embargo, adoptó una opinión diferente.

“La gente disfrutó discutir la manera en que las cosas estaban puestas”, considera Morris. “Disfrutaron la experiencia de desbaratar y volver a armar y el estar horrorizados por la yuxtaposición de Claude Monet y Richard Long. Les gustó el sentimiento de descubrir viejos amigos y cosas nuevas al mismo tiempo”.

Y así, después de haber esperado dos millones de visitantes en el primer año, Tate Modern logró más del doble. Toda la organización

quedó desconcertada; un trabajo de emergencia tuvo que hacerse en las escaleras que se estaban desgastando, mientras había problemas con los suministros. Un contrato de papel higiénico tuvo que ser renegociado, el suministro de un año se agotó en unos pocos meses. La verdadera sorpresa llegó en los siguientes dos años, cuando los números no cayeron como se predijo. “Había un chiste aquí”, explica Hyslop. “Nos preguntábamos cuándo terminaría la luna de miel, cuando disminuirían las multitudes. Nunca lo hicieron”.

“Al principio sabíamos que la gente vendría por el edificio”, añade Morris. “Había vistas increíbles desde la azotea y se sentía como si se estuviera abriendo una nueva área de Londres. Pero después fue claro que estaban pasando tiempo en las galerías y tuvimos una realización profunda de que realmente el público británico estaba interesado en el arte moderno contemporáneo”.

CASI 20 AÑOS DESPUÉS, en 2019, el recinto disfrutaría de la máxima

reivindicación cuando el MoMA reacomodó su colección temáticamente, mostrando también más trabajo de tipos no blancos occidentales.

“Cuando lidias con una institución”, detalla Miroslaw Balka, “es bueno saber cuál es su corazón. Y el del Tate Modern es el Turbine Hall. Un espacio que les pertenece a los trabajadores”. El Turbine Halle, la enorme y cavernosa entrada/espacio de exhibición del Tate Modern, se ha convertido en su área mejor conocida, famosa por las enormes comisiones específicas para el sitio que se instalaron a lo largo de los años: las cajas de acero de Balka, las Marsyas en forma de trompeta de Anish Kapoor y Cecil Balmond y las diapositivas de Test Site de Carsten Höller. No estaba realmente intencionado para obras de arte, más como un camino que permitiera a la gente caminar por el edificio.

El museo comenzó a comisionar obras de artistas muy al principio, pero nadie esperaba el momento en 2003 cuando The Weather Project de Olafur Eliasson se convirtió en un acontecimiento de buena fe y cristalizó en lo que se convertiría el Tate Modern. Esa obra, compuesta de un espejo en el techo y una luz amarilla semicircular colgada del mismo techo, creaban un efecto de un sol esférico. Eliasson agregó una niebla brumosa y eso fue todo: en la noche de inauguración el personal estaba preocupado de que todo fuera algo aburrido.

Entonces la gente comenzó a hurgar en el suelo, haciendo formas en el espejo de arriba. Eliasson quedó desconcertado por la forma en que los visitantes se volvieron muy explícitos físicamente: “Los imaginé mirando hacia arriba con los ojos, pero estaban acostados, rodando y saludando. Una persona trajo una canoa inflable. Hubo clases de yoga que vinieron y extraños cultos de poesía haciendo eventos fatalistas.

Cuando el presidente de Estados Unidos, George Bush, visitó Londres, algunas personas se acomodaron en el piso para escribir “Bush Go Home”, y hacer eso en reversa para que se leyera en el espejo es bastante difícil. Me gustó cómo todo se volvió sobre conectar tu cerebro y cuerpo. Eso no lo vi venir”.

The Weather Project se convirtió en una instalación que había que ver. La gente se sentaba y platicaba con extraños de alrededor del mundo; la BBC instaló un estudio y realizó sus pronósticos del clima en el edificio durante una semana; una pareja búlgara nombró a su bebé Tate después de su visita. Como Lionel Barber, editor recién retirado del Financial Times y presidente de los Fideicomisarios del Tate, expresa que después de The Weather Project, el Turbine Hall creó “un nuevo tipo de espacio cívico vivo. Trabajé en el área por 35 años porque el FT está ubicado allí, y vi cómo transformó el área. Ha sido algo bastante nuevo”.

LA ESCALA DEL TURBINE HALL y su popularidad con los visitantes es

parte de la razón por la que, cree Barber, Tate Modern ha atraído inversionistas; al entrar, de inmediato “se siente como algo de aventura en lo que quieren estar involucrados”. Además, los CEO modernos están interesados en asociarse con organizaciones con grandes ideas sobre asuntos complejos porque ellos deben lidiar con ese tipo de asuntos:

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La escultura de araña gigante de acero y mármol de 10.2 m de altura y 3,658 kg, Maman, de Louise Burgeois, en exhibición en el Tate Modern en 1999.

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“La tecnología es disruptiva. El medio ambiente ha disparado la agenda.

Están bajo presión para pensar en la diversidad, la inclusión y la desigualdad. Si un museo puede abrir nuevas vistas e ideas, las empresas querrán estar conectadas a eso. Tate Modern se las arregla para tener una perspectiva internacional pero mantenerse muy conectado con su área local, que es algo en lo que están muy interesados”.

Esto podría explicar en parte por qué la organización Tate tuvo éxito con sus diversas membresías y comités de adquisición internacional, establecidos para que las colecciones pudieran seguir creciendo.

Debido a que los precios del arte han estado tan inflados en las últimas dos décadas, se ha vuelto cada vez más difícil para los museos realizar el tipo de compras que necesitan. Las diferentes áreas de miembros, las tardes y los viajes al extranjero, así como las tiendas de regalos, son parte de la respuesta de Tate Modern. Como, por supuesto, lo son las enormes donaciones de filántropos como el multimillonario ucraniano Leonard Blavatnik, quien aportó 50 millones de libras, la mayor donación económica a un museo del Reino Unido, para ayudar a financiar una extensión en 2016.

Otros negocios atraídos en número fueron las grandes galerías comerciales de arte. Es cierto que comenzaban a llegar a Londres en la década de los 90, alentados también por el éxito del lanzamiento de Frieze Art Fair en 2003, pero no hay duda de que Tate Modern ayudó a traer a Londres a coleccionistas y galerías internacionales como Gagosian (2000), Hauser & Wirth (2003) y David Zwirner (2012). Eso a su vez impulsó a las casas de subastas, que solo comenzaron a vender obras de artistas vivos a fines de los 90.

“Además del prestigio, lo que el Tate Modern agregó desde el punto de vista de un galerista y un coleccionista fue la erudición”, amplía Eshun. “Las galerías comerciales quieren estar en ciudades donde los coleccionistas vienen a comprar en un mercado sofisticado, pero también les gustan las ciudades donde hay conocimiento y erudición porque eso aumenta el potencial de que alguien diga cosas creíbles y complementarias sobre el trabajo que muestran. Eso puede impulsar su reputación y valor. Tate Modern puso, en nombre de la ciudad, un marcador en términos de ambición, ética y estética. Debido a que era tan internacional y contemporáneo, fue visto como abierto al mundo”.

Tras ser un jugador insignificante a principios de los 90, con un puñado de galerías comerciales en Mayfair y Shoreditch, Londres ahora cuenta con el segundo mercado de arte más valioso del mundo después de Nueva York, con ventas anuales de alrededor de 10,000 millones de libras. No se puede atribuir todo a una sola institución, pero el Tate Modern ciertamente jugó un papel crucial.

“Hizo que Londres pareciera una ciudad de gente abierta, conocedora y rica”, subraya Eshun. “Que resulta ser justo el tipo de ciudad en la que coleccionistas y galerías de primera línea quieren ser vistos.

Y el efecto que tuvo en el mercado del arte y su área local es una razón clave por la que hemos visto la creación de otras galerías de arte contemporáneo como el Baltic (Centre for Contemporary Art) en Newcastle o el Turner (Contemporary) en Margate”.

SI EL MUSEO TENÍA UN DESAFÍO pasado por alto, era hacer bien las grandes exposiciones temporales. Los grandes museos tienden a necesitar espectáculos de gran éxito para sus figuras y perfil de audiencia, pero si quieren ser vistos como lugares creativos que fijan la agenda, necesitan nuevos ángulos y novedosas formas de mostrar las obras. Así, los críticos se mantienen felices y los coleccionistas y museos que prestan obras permanecerán bien dispuestos sobre la base de que las obras están obteniendo una exposición deseable.

Habiéndose propuesto ser un nuevo tipo de museo, el Tate Modern tuvo que ser cuidadoso en particular para evitar retrospectivas aburridas de grandes nombres. Mirando hacia atrás, Borchardt-Hume cree que adoptaron un nuevo enfoque con la exitosa exposición Rothko 2008-2009, que se concentró en el trabajo tardío de Mark Rothko en

lugar de sus pinturas anteriores, más populares. El equipo de Borchardt-Hume colgó las obras en habitaciones blancas y grandes en vez de hacerlo en espacios oscuros e íntimos donde algunos se exhibieron en Tate Britain, y los hizo parecer como lo hicieron en el propio estudio de Rothko. Permitió que los visitantes los vieran con ojos nuevos y, según Borchardt-Hume, “estableció una nueva forma de pensar sobre las exposiciones que no eran solo personas que miraban la obra, sino que las personas estaban en un espacio con la obra. Uno estaba allí experimentarlo, no nada más aprendiendo algo”.

Tate Modern es ocasionalmente criticado por su dependencia de exposiciones de renombre, pero Borchardt-Hume no tiene mucho tiempo para tales comentarios. Después de todo, es en parte el dinero que generan lo que mantiene la admisión general gratuita, a través de la venta de entradas. “Si tienes un teatro”, compara, “¿dejarías de mostrar a Shakespeare o interpretarías y revisarías sus obras para tu momento? El punto es que el gran trabajo es multifacético y puede ser re-explorado y re-representado. Cuando presentamos a Warhol, lo vemos como un extraño y el extraño hijo de un migrante, y en la oscura resaca del consumismo estadounidense. Se preguntará qué lo hace atractivo e interesante para la gente en nuestro momento particular”.

Tate Modern también fue criticado a principios de la década pasada por ser, en palabras de un crítico de arte, “Alton Towers para adultos”.

Algunas personas pensaban que las comisiones para el Turbine Hall eran demasiado espectaculares, el salón en sí mismo era más un lugar para que los turistas vinieran a tomar una foto para Instagram que cualquier otra cosa. Algunos críticos de arte se quejaron de que Tate Modern lo estaba haciendo demasiado fácil para los visitantes o, en términos artísticos, “legitimaba una respuesta emocional”. Morris se sintió lastimada porque “al mismo tiempo estábamos haciendo un trabajo increíblemente serio en torno a la construcción de una colección más internacional y presentando artistas que habían sido ignorados por completo en la historia. Estaban diciendo que no puedes ser serio y popular”.

Esa escuela de crítica fue negada por las nuevas direcciones de los proyectos y comisiones de Tate Modern, en especial la importancia que le dio a la nueva ola de performance en la última década. Catherine Wood, curadora senior de arte de performance internacional, fue contratada originalmente en 2001 para desarrollar colaboraciones entre artistas y músicos, pero comenzó a notar “una generación joven de artistas, incluidos Mark Leckey, Monster Chetwynd y otros que estaban volteando a una nueva ola de performance o evento como una forma de compartir el trabajo en sus medios de video, sonido o pintura. Sentí firmemente que necesitábamos espacio para compartir este tipo de trabajo y que aún no existía en el museo”.

Nick Serota y la curadora en jefe Sheena Wagstaff apoyaron a Wood, lo que condujo a la apertura en 2012 de The Tanks, espacios de actuación que utilizan los viejos tanques de petróleo de Bankside, y convirtieron al museo en el primero en el mundo en tener una galería dedicada permanentemente a películas y videos, interactivos y performance art (si, por cierto, sientes que este nuevo movimiento te ha pasado, recuerda que en diciembre el performance nos dio la mayor historia de noticias de arte de los últimos meses cuando el artista David Datuna, con sede en Nueva York, tomó y comió el plátano de 120,000 dólares de Maurizio Cattelan en Art Basel en Miami).

The Tanks respaldaron el programa de arte de performance que en 2015 nos dio otro momento The Weather Project. Al principio podría ser difícil hacer que algunas actuaciones funcionen como ella quería, rememora Wood, pero recuerda una sensación de transformación cuando vio cientos de personas participando en un taller de baile en el Turbine Hall y luego reuniéndose una vez más el mismo día para una sesión de “antro” abajo de una bola de discoteca gigante que transformó el Turbine Hall en un rave de almacén.

“Terminaron reunidos en círculos alrededor de una profunda coreografía titulada “Manger”, algunos lloraron como parte de la obra de

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Boris Charmatz (coreógrafo francés), If Tate Modern was Musée de la danse? fue un momento extraordinario en el que sentí que el público, nuestros visitantes, se convirtieron en parte del museo”, comparte ella.

Tania Bruguera piensa que “en algún momento, Tate Modern generó un “arte del espectáculo”, porque surgió de una respuesta a la pregunta: ¿cómo complacer a todos? Pero hicieron cambios y se convirtió en la primera gran institución que conozco en llevar la interpretación a su programación, tratándola tan en serio como la pintura y la escultura. Cambió el mundo del arte y los colocó en la posición de liderazgo”.

Ahora ve a Morris llevando al Tate Modern hacia lo que se conoce como “socialmente comprometido” o “arte relacional”. Este, el movimiento artístico más comentado del momento, es una obra de arte que puede no tener apariencia física, sino que se basa en interacciones sociales organizadas por el artista (como parte del trabajo del ganador del Premio Turner 2019, Lawrence Abu Hamdan, por ejemplo, ha estado entrevistando a exdetenidos de la prisión militar de Sednaya del régimen sirio).

Para su más reciente comisión para el Tate Modern, Bruguera reunió a un grupo de personas que viven cerca del museo y emprendió varios proyectos con ellos; logró que uno de los edificios del museo lleve el nombre de Natalie Bell, una activista y voluntaria local. La cuestión de cómo grabar y archivar el trabajo de esta manera aún está abierta y en curso, es una de las cosas que lo hace interesante (Bruguera ahora trata de hacer trabajo que no se pueda fotografiar para que no se cuelgue en Instagram, porque cree que “el arte debe ser un gesto, no una imagen”).

LA GENTE DEL TATE MODERN puede ser muy intelectual y el arte con-

temporáneo muy teórico y complicado, pero lo que es sorprendente es la frecuencia con que los curadores y artistas hablan sobre la comunidad local y los pequeños detalles del funcionamiento del museo. Lionel Barber menciona a Stanhope, la compañía de gestión de proyectos que supervisó la construcción de la extensión: “¿Has visto lo complicado que es el ladrillo? ¿Te imaginas el trabajo que se hizo para realizarlo bien?”. Nick Serota habla sobre los parques de bolsillo y las áreas de descanso instaladas alrededor de la zona local. Para la noche de apertura, en mayo de 2000, enviaron invitaciones a 300 taxistas de Londres para que supieran adónde acudir para dejar a los visitantes. Tanto Balka como Bruguera señalan que la competencia del personal técnico es una razón importante por la que muchos artistas quieren las comisiones del Tate Modern.

“Nunca tienes que tener un plan B con ellos porque siempre intentan hacer que el plan A suceda”, confía Bruguera. “No importa cuán loco sea tu proyecto, se sentarán contigo y los abogados, los productores, el personal de seguridad e intentarán que funcione. Cuando estaba trabajando en Tatlin’s Whisper #5 (una pieza de 2008 que incluyó ‘oficiales de policía’ que controlan las multitudes) tuve la idea de usar caballos, pero pensé que era un sueño que en realidad no me atrevía a decirle a nadie. Luego fui al Tate Modern y pensé: ‘Mira, esto no va a suceder, es una idea soñada, pero...’. Escucharon y desaparecieron. Asumí que eventualmente dirían ‘no’. De hecho, volvieron y contestaron: ‘Está bien, lo solucionamos.

Puedes tener los caballos’. Siempre es ‘averigüemos primero’. Respetan al artista y de verdad se preocupan por las relaciones con las personas”.

Morris, hija de madre maestra y padre arquitecto, creció en Greenwich con el Museo Marítimo Nacional al final de su calle. La forma más rápida de llegar a las tiendas de Greenwich High Street era atravesar el museo. Utilizándolo como un camino, comenzó a notar sus artefactos y arte, y en los días lluviosos retrocedía y los miraba. Quedó fascinada por una pintura de 1807 de Arthur William Devis, La muerte de Nelson, 21 de octubre de 1805, sin ninguna idea de que fuera una obra famosa. Durante su infancia, cada vez que se sentía triste, iba sola al museo y miraba la pintura de Devis, y eso la hacía llorar.

“Odio la idea de que cualquier niño del vecindario (del museo) no sienta que puede simplemente entrar al edificio y pararse frente a algo que no entiende y disfrutarlo”, concluye Morris. “En serio creo que el arte es útil, ¿ves?”.

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Arriba: la fachada perforada única de la extensión del Tate Modern construida entre agosto de 2014 y febrero de 2016 utilizó 336,000 ladrillos de 212 tipos diferentes. Abajo: Frances Morris, actual directora de Tate Modern, es nativa del sur de Londres y se unió a la organización en 1987.

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