Revista historia del diseño

e n e r o

R E V I S T A

DURERO

2 0 1 6

D I G I T A L

“Su otro lado a traves de la píntura.”

dibujo TECNICO

GRABADO Perspectiva “Su influencia en el periodo” Las técnicas de trazado y boceto

dibujo aRTISTICO

El Dibujo Técnico nació con la tecnología, y se ha desarrollado junto con ésta.

Nació con la necesidad de comunicar ideas que encerraban un contenido técnico, de tal forma que aquellos que fabricaban los dispositivos, los ejecutasen tal cual habían sido gestados.

Las exigencias actuales en los procesos constructivos e industriales, han hecho de Dibujo Técnico un instrumento de comunicación indispensable en las actividades productivas industriales hoy en día.

DEFINICIÓN El dibujo Técnico es el lenguaje gráfico utilizado en actividades industriales, para efectuar la comunicación de ideas que encierran un contenido tecnológico.

Se define como lenguaje gráfico, debido a que la comunicación que se ha de transmitir, se efectúa por intermedio de representaciones, esquemas y simbologías que se depositan o imprimen sobre una superficie de papel de dibujo o telas.

Fundamentalmente el Dibujo Técnico tiene dos objetivos principales; en primer término, comunicar la información en un momento dado y en segundo término, registrar la información para ser utilizada en cuanto sea necesario.

Es una característica muy importante del Dibujo Técnico, que la información depositada pueda ser leída e interpretada por cualquier persona ligada a las actividades industriales y productivas, e incluso siendo aquellas de diversas nacionalidades. El Dibujo Técnico es un lenguaje de tipo universal.

Factores que el Dibujo Técnico debe cumplir para ser considerado como medio de comunicación.

Que los elementos que lo componen ( simbologías, representaciones, etc. ), sean de formas claras y sencillas y rápida aplicación, de tal manera, que la preparación de la información no sea extremadamente dificultosa y tardía de ejecutar, y que la lectura e interpretación posterior sea rápida e inequívoca.

En segundo lugar, que todos estos recursos empleados en la preparación de la información, sean normalizados para mantener la calidad de medio de comunicación común entre todas las partes interesadas, y que asegure una intercambiabilidad expedita.

Y en tercer lugar, que sea de conocimiento general en la industria, tanto de los que preparan la información, como de las que la reciben.

Si nos detenemos por algún momento a meditar los aspectos anteriormente nombrados como requisitos indispensables para que el Dibujo Técnico sea considerado como medio de comunicación, entonces podemos darnos cuenta que la representación correcta de objetos o llámese prototipos, es una labor muy compleja.

Cuando observamos un objeto o elemento cualquiera, no podemos dejar de notar tres aspectos fundamentales en este: Alto, Ancho y Largo.

Si queremos entonces transmitir de forma rápida y clara debemos recurrir a las técnicas que el Dibujo Técnico o bien el Dibujante Técnico deberá dominar para no romper con los parámetros básicos que los medios de comunicación exigen.

Dibujo aplicado a la fachada de una estructura arquitectonica.

Ejercicios de practica de acotamiento en dibujo tecnico.

Tipos de dibujo técnico Con el desarrollo industrial y los avances tecnológicos el dibujo ha aumentado su campo de acción, los principales son: Dibujo arquitectónico Dibujo mecánico Dibujo eléctrico Dibujo geológico Dibujo topográfico Dibujo urbanístico Dibujo técnico de las instalaciones sanitarias Dibujo técnico electrónico Dibujo técnico de construcciones metálicas Dibujo técnico cartográfico[

Como es habitual en sus trabajos la aplicación didáctica en el aula de dibujo es digna de elogio y, si no lo han hecho ya, los editores deberían tomar nota para desarrollar sus materiales. Las aplicaciones que os mostramos se caracterizan, por la sencillez de manejo, atractivo visual e interactividad total. La fórmula es sencilla pero muy efectiva.

Presentación teórica, justo lo necesario, sin exceso de información que podrá completar el profesor en clase o el propio alumno con los enlaces que el autor le proporciona.

Evaluaciones finales, para comprobar los conocimientos generales del tema.

Aplicaciones de los ejercicios en la vida cotidiana o en el diseño industrial, algo muy agradecido por los alumnos que constantemente se preguntan para qué sirve aquello que están dibujando de una forma un tanto abstracta.

Guías didácticas, tanto para alumnos como para profesores, muchas veces necesarias para aquellos que lo utilizan por primera vez y que les ayudarán a entrar en el aula con más seguridad.

AVANCES TEGNOLOGICOS EN EL DIBUJO TECNICO Que la materia de dibujo técnico ha cambiado en los últimos años no es una novedad, hemos aparcado los estilógrafos y sus desesperantes manchas de tinta gracias a que también han avanzado las técnicas de diseño en los estudios de arquitectura o ingeniería.

Desde hace tiempo el plóter y el CAD han sustituido las interminables mesas de dibujo y aunque no debemos descuidar la práctica del trazado manual, la comprensión de las construcciones y los trazados los podemos visualizar mejor y más rápidamente con herramientas como estas.

Ya presentamos en Educacontic una entrega de aplicaciones online para el aprendizaje del dibujo técnico; hoy aumentamos la oferta con tres más, del ya citado José Antonio Cuadrado Vicente*: Tangencias, curvas cónicas y curvas técnicas y cíclicas.

Deliniante en la practica dibujo tecnico.

El dibujo artístico es la disciplina del trazado y delineado de cualquier figura, abstracta o que represente algún objeto real, una forma de expresión gráfica. El dibujo artístico es un lenguaje alternativo de ámbito universal que permite la transmisión de información de toda índole: ideas, descripciones y sentimientos.

CONCEPTOS EN DIBUJO Dibujante: Aquel que tiene un propósito estético, el de transmitir una idea o sentimiento surgido de la subjetividad del autor.

Dibujo: Es la representación gráfica de lo que se ve, percibe, recuerda o se

imagina.

Dibujo Lineal: Es la representación de algo ya sea real o imaginario con distintas técnicas para plasmarlo. La característica principal es que se realiza con trazos o un delineado, no tiene color ni valoración tonal, es decir no está "sombreado". El dibujo lineal podría ser muy sugerido o bien detallado, pero no posee efecto de volumen.

Psicología del dibujo artístico: El artístico dibuja lo que no puede expresar con palabras: "tele transporta su imaginación y pensamientos" a un lienzo que puede ser de papel u otro material. Todos los trazos hechos sobre el lienzo, en conjunto representan la idea del dibujante, la cual alcanza bastante aceptación si todo el delineado fue trazado con técnica, soltura y originalidad.

Dicho delineado implica el saber manejar tanto el instrumento de trazo con que se está trabajando, como los trazos que se pretenden realizar, pues un buen dibujo se caracteriza por sus trazos seguros y sueltos. No existe un procedimiento establecido para aprender a dibujar, cada dibujante perfecciona su dibujo a su forma de pensar, pero el arte del dibujo a mano alzada solo se consigue con práctica y dedicación.

Dentro del campo del dibujo artístico, algunos críticos dividen dos grupos: aquellos que solo copian un dibujo o modelo ya existente, los cuales hacen uso de su capacidad de observación y motricidad para copiar la imagen tal cual es; y aquellos que dibujan a partir de su capacidad imaginativa y creadora, los cuales desarrollan una alta relación entre cerebro-mano para poder plasmar las imágenes que conciben.

Este último grupo es considerado como el de los verdaderos dibujantes, ya que abarcan famosos personajes de la historia y a aquellos que crean famosos personajes animados, mundos irreales, paisajes y seres de fantasía e incluso artefactos que podrían ser útiles en la vida real, aunque también son los más criticados y señalados a diferencia del primer grupo que es bien aceptado, sobre todo a aquellos dedicados al dibujo del retrato y paisajista.

Elementos considerados en el dibujo artistico.

"Cualquiera puede ser dibujante, pero no cualquiera puede ser un buen dibujante", es un dicho muy conocido entre los artistas, esto es debido a que quien quiera dibujar, debe conocer muy bien no solo las técnicas y procedimientos sino su entorno y cada elemento que hay en él, por eso hay que ser muy observador, sobre todo paciente, pues no todo dibujo sale a la primera.

Entre los elementos que se debe dominar para ser un dibujante artístico están los siguientes.

Proceso en el dibujo artístico

Apunte: es el dibujo rápido que se usa para captar y recordar las características de lo que se va a dibujar. Es útil cuando se dibujan si exteriores o figuras en movimiento.

Boceto: es la prueba del dibujo en un papel aparte. Sirve para ayudar a decidir el encuadre, la composición, qué elementos se incluyen…

Encajado: son las líneas generales que se trazan en el papel definitivo (se tapan o borran después) que sirven como base del dibujo.

Línea: es el dibujo de los contornos. Se dibuja primero lo más general y después el detalle.

Valorización: para conseguir más realismo y volumen, se sombrean las zonas más oscuras. Las zonas de luz se pueden aclarar borrando o usando un lápiz de color blanco o similar.

Color: un dibujo puede llevar color, en especial si está destinado a ser una ilustración (dibujo que acompaña a un texto en libros, carteles, etc.). El color se puede aplicar con varias técnicas: acuarela, tinta, lápiz de color, ordenador El color puede ser plano (homogéneo) o con textura (apariencia irregular que se puede conseguir con el material, el papel, la técnica, etc.).

Correcciones: los errores se pueden corregir, borrando, cubriendo una zona del dibujo con pintura o un trozo de papel y dibujando sobre él, o escaneando el dibujo y modificándolo en un programa de retoque fotográfico (ej.: Photoshop). Con estos programas de retoque se pueden eliminar, añadir o resaltar cosas, mejorar contrastes y colores.

Un modo de dibujo a mano alzada es el realizado sobre la marcha, sin correcciones, por viajeros, exploradores, científicos. A este tipo de dibujos se les conoce como cuadernos de campo. Se pueden citar al colombiano Juan José Gutiérrez, al alemán Wilhelm Filchner y al español Julio Caro Baroja.

Proporción: la proporción en el dibujo es muy importante, ya que dará al objeto representado la armonía necesaria al relacionar todos los elementos. Un consejo útil y práctico al momento de realizar el encuadre del dibujo, es colocarlo frente a un espejo, de esta manera se descubrirá si la obra se encuentra bien proporcionada y si guarda la simetría; esto es muy útil en especial con los dibujos del rostro y en retratos.

En ocasiones nuestro ojo suele "engañarnos" al momento de dibujar y resulta que al terminar un trabajo, desde nuestra mirada puede parecernos correcto y bien encajado, más al colocarlo frente al espejo se descubren errores de proporción y, es conveniente no olvidar que es así como lo verá el espectador.

Esto se corrige con la práctica constante y recordando que es muy importante la observación para que podamos relacionar todos los elementos del objeto a dibujar y lograr así una representación correcta. Otras formas de evaluar es colocarlo al revés, mirarlo a contraluz por el reverso de la hoja o colocar la hoja un poco más abajo para cambiar la perspectiva al mirarla.

Instrumentos tecnica y materiales Las técnicas del dibujo son diversas y han variado con el tiempo; en general,los instrumentos más utilizados son el lápiz, la pluma (tinta china o sepia), el carbón, el pastel, el óleo, etc.

El hombre prehistóricoadornaba los muros de las cavernas o ciertas figuras de marfil, hueso, de hasta de reno o esteatita utilizando buriles y raspadores desílice, clavos, alfileres, etc. Las pinturas primitivamente las hacían con los dedos, pasando luego a realizarlas empleando pinceles deplumas o de madera astillada. Los colores consistían en tonos negros, rojos, amarillos y pardos, obtenidos mediante la pulverizaciónde arcillas rojas, de trozos de ocre amarillo y rojo mezclados con grasas o con jugos vegetales.

Tecnicas: Palotes ,Figuras básicas geométricas,Texturas ,Claroscuro, Distancia y Posición, Perspectiva, Escala ,Proporción ,Volumen ,Encuadre ,Contraste Armonía y unidad ,Objetos y detalles .Cuadros sencillos ,Objetos Arquitectónicos ,Paisajes ,Medios de transporte , Efectos Especiales Animación e Historieta ,Antropometría, Manos y pies. Escenas,Teoría del color.

Un trazo es una línea o raya. El término se utiliza para nombrar a las rectas y curvas que forman un carácter o que se escriben a mano sin levantar el instrumento de escritura (lápiz, birome, etc.) de la superficie.

- Goma de borrar : antes de entintar un dibujo es necesario realizarlo por completo a lápiz y hacer todas las correcciones necesarias, por lo cual es de gran utilidad la goma de borrar de lápiz.

TECNICA DE TRAZADO

- Regla y escuadra : estos instrumentos se utilizan para el trazado de rectas, perpendiculares, paralelas y oblícuas. Se hacen de madera, metal o material plástico. Estos últimos son utilizados con mayor frecuencia debido a que, por su flexibilidad, se adaptan fácilmente a la superficie donde se dibuja y a que por su transparencia permiten ver los trazos realizados con anterioridad.

En la tecnica del trazado las líneas a lápiz deben ser nítidas, uniformes y precisas en toda su longitud.

- Para trazar, sostenga el lápiz firmemente, con comodidad y soltura. Mantenga una presión uniforme sobre el instrumento y simultáneamente haga rotar la punta a medida que trace la línea. De esta manera, se conservará por más tiempo la punta y la línea resultará de un grosor uniforme.

- Las líneas preliminares se trazan muy débiles para que puedan ser borradas con facilidad, mientras que las definitivas deben ser fuertes y destacadas.

- Al trazar, la posición correcta del lápiz es de unos 60º aproximadamente, en la dirección en que se hace el trazo. Esta inclinación se debe mantener a todo lo largo del trazado.

- Las líneas horizontales se trazan de izquierda a derecha y por la orilla superior de la regla. Las personas zurdas deberán trazar de derecha a izquierda. Las líneas verticales se trazan de abajo hacia arriba. Si el dibujante es derecho, colocará la escuadra hacia la derecha de la línea y en sentido contrario si es zurdo.

J.P Lineas, arte con trazados by Madarius.

-Trazos finos (Lineas delgadas que conllevan una figura) - Trazos Gruesos (Que levan lineas gruezas y un poco toscas) - Trazos Gruesos (Que lelvan lienas gurzas y un poco toscas) Los trazos finos (invisible, cotas, etc.) con HB. Los trazos normales (visible, rayados, etc) con B. Los trazos gruesos (líneas de corte, rótulos) con 2B

Mano alzada:

motricidad física.

Es la que se realiza a pulso y sin regla para mejorar la

Zig-zag: Se utiliza para indicar que hay interrupciones, en una pieza o en un

elemento.

Discontinua: Se utiliza para indicar en contornos ocultos en un dibujo isométrico o en volúmenes irregulares.

Líneas según su forma: Curva: Es aquella en la que los puntos están unidos entre si conservando diferentes distancias.

Recta: Es aquella en la que formamos 2 puntos conservando una misma división.

Línea quebrada: Es una linea formada por secciones de lineas rectas que se van cortando cambiando de dirección.

Linea mixta: Son aquellas que convinan el uso de lineas rectas y curvas.

Líneas según su posición en el espacio.

Paralelas: Son aquellas que se encuentran en un mismo plano, conservando la misma distancia entre sus puntos de manera que nunca pueden unirse.

Convergentes: son aquellas que parten de un punto diferente y se van uniendo al proyectar sus extremos.

BOCETO La palabra boceto reconoce en el italiano “bozzetto” su origen etimológico, que a su vez constituye el diminutivo del vocablo “bozzo” que alude a una piedra en bruto, falta de pulido. Es por ello que un boceto es un esquema, guía o borrador que antecede a un trabajo en general artístico, pero puede también aplicarse a mapas o ideas.

Concepto de boceto El boceto tiene un trazado rápido, sin requerir elementos especiales (bastan un papel, un lápiz y una goma de borrar), y sin entrar en detalles que sienta las bases de lo que será la obra terminada, dibujándolo en forma rápida y a mano alzada, para determinar formas, ubicaciones, medidas y controlar espacios.

Además de los bocetos monocromos (carboncillo, sanguina, sepia, bistre y otras tintas, con o sin aguadas, o con toques de creta -que resaltan por su blancura-), también hay bocetos polícromos que incluyen el color mediante cualquier técnica de pintura, desde los lápices, ceras o tizas de colores hasta la acuarela y el gouache e incluso el temple y el óleo (boceto al óleo). Además del papel, también puede utilizarse para un boceto cualquier otro tipo de soporte pictórico, especialmente si se está acometiendo el esbozo directamente sobre el soporte proyectado para la obra definitiva.

El boceto, en el ámbito de las artes gráficas, no es muy diferente del concepto de borrador de un documento escrito. Permite la realización de un estudio para otro tipo de trabajos, como arquitectura, escultura o pintura mural, anticipándose a complicaciones que puedan surgir al artista en el momento de finalizar un trabajo, o muestran los errores de planteamiento que haya podido tener, y le permiten estudiar los puntos principales o los ejes de sus diseños y creaciones; de modo que tanto arquitectos como escultores tienen el el dibujo sobre superficies bidimensionales un imprescindible elemento para la planificación de su trabajo, particularmente en el planteamiento de las vistas en diferentes planos, planta y alzado de sus creaciones tridimensionales.

No obstante, también es muy común la realización de maquetas tridimensionales, que concretan una imagen a escala de la obra proyectada antes de emprender su ejecución.

En escultura se realizan bocetos escultóricos, que también se identifican con la palabra francesa maquette y la italiana plastico.

Boceto de trigre en lapiz.

Los bocetos se van a ir perfeccionando desde uno primero, burdo, y realizado sin ningún tecnicismo, plasmando en el papel lo que se nos aparece en la mente como idea, hasta llegar al boceto final perfeccionado, que es casi un reflejo de lo que será la obra final. Este boceto final se denomina “dummy”, que simula lo más fielmente posible lo que finalmente se hará.

El boceto cumple en el arte la misma función que un borrador que realizamos antes de realizar un trabajo escrito, que también muchas veces lo llamamos boceto, por extensión.

Un boceto puede estar ejecutado a mano alzada sobre papel, utilizando instrumentos de dibujo básicos (como la pluma o el lápiz y la goma de borrar), generalmente sin instrumentos de dibujo auxiliares; ser un apunte rápido de lo que luego llegará a ser un dibujo definido o la obra de arte final en sí; o plantearse como una primera aproximación o "ataque" de la obra ya planteada, pero aún no totalmente definida, que se realiza ya con materia pictórica usando pinceles, brochas o espátulas.

A pesar de lo rudimentario que se supone a la traza de un boceto o esbozo, la habilidad del pintor o dibujante le puede permitir aprovechar todo tipo de recursos compositivos y usar todo tipo de técnicas visuales, como el color, la luz

Ciertas técnicas escultóricas, como la fundición en bronce, exigen el modelado previo de un "modelo" (de dimensiones iguales a la obra proyectada) en arcilla, greda o cera (moldeo a la cera perdida) para la confección de un molde donde se vierta el metal fundido. También es muy común que se realice en algún tipo de pasta de modelar11 un modelo previo (que sí puede ser realizado a cualquier escala) para servir de boceto o estudio de las futuras tallas en madera o piedra (materiales más caros y arduos de trabajar, y que no son reutilizables en caso de arrepentimiento, error o accidente); pero tales bocetos escultóricos12 también pueden realizarse a través de la talla o del ensamblaje de cualquier tipo de materiales rígidos más accesibles.

El término perspectiva es usado en múltiples ocasiones, y en la mayoría de esas ocasiones, se refiere el concepto a cuestiones diversas, por lo cual intentaremos poner un poco de claridad a cuáles usos puede darse a este término y cómo es usado en diferentes situaciones y contextos.

Empecemos entonces por el ámbito del diseño o de la representación por medio de gráficos: en este caso, la perspectiva es una técnica por la cual se pueden representar objetos en tercera dimensión pero en una superficie que es plana, como por ejemplo un papel o una tela (lienzos).

A partir de esa perspectiva de tercera dimensión, al objeto se le atribuye una sensación de profundidad y de volumen. Es utilizada de este modo la perspectiva cuando necesitamos dibujar cubos por ejemplo, y en arquitectura se utiliza mucho cuando se deben realizar representaciones de obras en tercera dimensión (en la actualidad, mucho puede contribuir a esto la utilización de programas informáticos que facilitan la tarea de dibujar).

Perspectiva vista desde abajo edificios.

Es en el Renacimiento cuando los pintores florentinos comienzan a investigar en serio la perspectiva como una ciencia, con sus leyes y sus principios matemáticos. Genios como Mantegna, Ghiberti, Massaccio y otros establecieron ciertos principios necesariamente observables para reproducir la distancia.

Estos principios fueron posteriormente perfeccionados por Leonardo, Miguel Angel, Giorgione y Rafael.

Vamos al grano, ¿cuáles son los engaños necesarios para lograr la tridimensionalidad en un plano?. Ahí los tienes:

La perspectiva o tridimensionalidad, que también tiene que ver con la corporeidad y la volumetría es por tanto un fraude a nuestros sentidos, es una apariencia falsa, pero nosotros caemos en la trampa y nuestra vista resulta burlada.

Perspectiva lineal. El cuadro se estructura como si mirásemos una pirámide desde dentro de su base. Vemos así un punto de fuga imaginario al fondo sobre el que convergen una serie de líneas de fuga, a veces imaginarias y a veces reales (pavimentos, techos, personajes, etc.)

En la antigüedad y durante la Edad Media no se sabía representar la distancia ni la profundidad. Todo aparece en el mismo plano, los colores no están gradados, los contornos son claros y marcados y no hay fondo. Durante el gótico se elabora una jerarquización perspéctica o perspectiva teológica, los personajes son más grandes cuanta mayor significación poseen, caso de Jesucristo, la Virgen o algún santo.

Perspectiva menguante. A medida que aumenta la distancia, disminuye la nitidez, los contornos se van haciendo borrosos y desdibujados, al igual que ocurre en la realidad.Perspectiva de color. En este caso, cuanto más lejos aparece representado un objeto, más tenues son sus colores. Existe también en el mundo real un desvaimiento de los tonos al aumentar la lejanía. (Vemos las montañas azules desde lejos).

Además de estas tres perspectivas generales hay otros recursos añadidos para subrayar la tridimensionalidad como por ejemplo el punto de vista alto (perspectiva caballera) aumenta el campo visual y por tanto la sensación de profundidad. También la alternancia de planos iluminados y otros en penumbra; o un fondo ilimitado e infinito; o disminuir el tamaño de los objetos progresivamente según se alejan del espectador, etc.

A la perspectiva que toma en consideración las tres citadas anteriormente se la suele conocer como perspectiva aérea.

.

.

Entendemos por grabado el resultado del trabajo realizado sobre una superficie de madera o metal, llamada plancha, por medio de instrumentos cortantes, punzantes o de ácidos que atacan la superficie metálica.

El resultado es la estampa, soporte generalmente de papel al que se ha trasladado la imagen por medio de la tinta, al poner en contacto la hoja con la plancha grabada entintada y ejercer presión con un tórculo o una prensa vertical.

Por extensión también recibe el nombre de grabado la estampa así realizada, de manera que se confunde el proceso con el resultado.

Grabado sobre plancha de cobre firmado y enmarcado 39,5 x 27 verlo

GRABADO EN MADERA

La grabado en madera fue desarrollado por el artista gráfico Inglés Thomas Bewick (1753-1828). Su nueva técnica de impresión, en la que utilizaba un buril en lugar de cuchillo, sustituyó el grabado de cobre porque era mucho más simple y más barato.

El grabado en madera es una técnica de grabado que experimentó un gran apogeo en el siglo XIX.1

GRABADO EN COBRE

Hay diferencias esenciales de características entre un grabado en madera y una xilografía. Mientras que una xilografía se realiza sobre una plancha de madera blanda usando gubias u otros elementos de corte, en un grabado en madera el artista realiza la "matriz" "esgrafiando" un bloque de madera con un buril en lugar de usar las mencionadas herramientas de corte, llegando a crear un dibujo muy sofisticado (dentro de lo posible), produciendo por lo general un resultado de trazo más grueso.

El grabado de cobre es un tipo de arte de metal el cual es muy adecuado para los artistas principiantes.

Las láminas de cobre artísticas, disponible en rollos en las tienda de artesanía, son láminas delgadas de cobre que se cortan relativamente fácil para adaptarse a cualquier proyecto.

No son necesarias las herramientas especiales para hacer algún diseño de impresión en el cobre, es probable que tengas todo lo necesario para hacer los proyectos llamativos en tu caja de herramientas. Coloca los proyectos terminados de grabado de cobre al aire libre o dentro de tu casa para años de decoración.

Martillado de cobre

Panel tallado en madera de tilo copiado de un original de gótico tardío aleman

Corta una hoja de lámina de cobre artística de 10 a 20 por ciento más grande que las dimensiones deseadas del proyecto terminado de martillado de cobre. Las dimensiones totales del cobre se contraerán con cada golpe del martillo.

Más golpes igual a más contracción. Se trabaja mejor para cortar el cobre con tijeras de hojalatero.medida que trabajas.

Durante los últimos años de su vida, Durero se centró en la ejecución de un retablo para su ciudad natal: Los cuatro apóstoles.

Esta obra, de grandes dimensiones e intenso colorido, refleja el trabajo de toda una vida, en particular los numerosos estudios que había hecho sobre las proporciones y la monumentalidad de la figura humana.

Se recuerdan también como obras de un maestro algunos de sus dibujos de plantas y animales, así como las acuarelas pintadas por puro placer a partir de paisajes que había contemplado durante sus viajes, y los dibujos de gentes y lugares de los Países Bajos, que constituyen un testimonio histórico inapreciable. Erasmo de Rotterdam le dedicó la mejor alabanza que un humanista podía hacer de un pintor, al definirlo como el «Apeles de las líneas negras».

Las obras más conocidas de Durero son: Autorretrato a punta de plata (1484, Albertina) Cementerio del San Juan (acuarela y gouache, h. 1489, museo de Bremen) Retrato de Albrecht Dürer el viejo (1490-1497, Florencia, Uffizi) Autorretrato (1493, París, Museo del Louvre) Acuarelas (1495): Wehlsch Pirg (Oxford, Museo Ashmolean), Col alpino (monasterio del Escorial), Estanque en el bosque (Museo Británico), Vista del Arco (Louvre)

Liebre joven de Alberto Durero (1502)

El Cangrejo (h. 1495, Rótterdam, Museo Boymans Van Beuningen) Retablo de Wittenberg (1496-1497, Dresde, Gemäldegalerie) La Virgen adorando al Niño o Virgen en adoración delante del Niño (1496-1497, Dresde, Gemäldegalerie) Retrato de Federico el Sabio (1496, Berlín, Staatliche Museen) Grabados: Apocalipsis (1498, ejemplos en el Louvre, Fondo Rothschild; Londres, Palacio de Buckingham) Madonna Haller (1498, Washington, Galería Nacional de Arte) Autorretrato (1498, Madrid, Museo del Prado) Retrato de Oswolt Krel (1499, Múnich, Alte Pinakothek) Autorretrato o Autorretrato «cristológico» (1500, Múnich, Alte Pinakothek) Retablo Paumgartner (1502-1504, Múnich, Alte Pinakothek) la Gran mata de hierba (1503, Albertina) Adoración de los Magos o La adoración de los Magos (1504, Florencia, Uffizi) Retrato de una joven veneciana (1505, Viena, Kunsthistorisches) Fiesta del Rosario (1506, Praga, Galería Nacional; originariamente en Venecia) Virgen del canario (1506, Berlín, Staatliche Museen) Jesús entre los doctores (1506, Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza) Adán y Eva (1507, Madrid, Museo del Prado) El martirio de los diez mil cristianos (1507-1508, Viena, Kunsthistorisches) Adoración de la Trinidad (1511, Viena, Kunsthistorisches) la Corneja azul (1512, Viena, Albertina)

Los 4 Apostoles de Alberto Durero (1526)

e n e r o

R E V I S T A

J o s e l i

2 0 1 6

D I G I T A L

P a r e d e s

Durero (Albrecht Dürer; Nuremberg, actual Alemania, 1471-id., 1528) Pintor y grabador alemán. Fue sin duda la figura más importante del Renacimiento en Europa septentrional, donde ejerció una enorme influencia como transmisor de las ideas y el estilo renacentistas, a través de sus grabados.

Se formó en una escuela latina y recibió conocimientos sobre pintura y grabado a través de su padre, orfebre, y de Michael Wolgemut, el pintor más destacado de su ciudad natal.

Como era habitual en la época, al concluir sus estudios realizó un viaje, que lo llevó a diversas ciudades de Alemania y a Venecia (1494), ciudad a la que regresaría entre 1505 y 1507 y en la cual recibiría las influencias de Mantegna y Giovanni Bellini, además de asimilar los principios del humanismo. Previamente había contraído matrimonio y abierto un taller en su Nuremberg natal, donde se dedicó a la pintura (Retablo Paumgärtner) y sobre todo al grabado. .

A esta época pertenecen las series de grabados El Apocalipsis, La Gran Pasión y la Vida de la Virgen, convencionales en cuanto a temática pero revolucionarios por lo que se refiere a su concepción y su complejidad técnica. Las figuras, plenas de expresividad, son esculturales y están definidas por una multitud de detalles. La minuciosidad es precisamente uno de los rasgos destacados del estilo de Durero, carácter que es probable que heredara del oficio paterno.

Después de su segunda estancia en Italia, pintó algunas obras de grandes dimensiones como El martirio de los diez mil, en las que incorporó la riqueza del colorismo veneciano en composiciones de gran dinamismo y repletas de figuras. También por entonces pintó las figuras de tamaño natural de Adán y Eva, pieza clave de su creación artística.

Tal era su fama que fue nombrado pintor de corte del emperador Maximiliano I (1512); también Carlos I lo reclamó. De Maximiliano realizó retratos de carácter, animados por la riqueza y variedad de las texturas, que rivalizan en perfección con los Autorretratos, quizá lo más conocido de su obra pictórica.

Alberto Durero gustó de retratarse a sí mismo desde la temprana edad de trece años y mantuvo siempre esta costumbre, reflejo del nuevo interés renacentista por el hombre, y en especial el artista.

Sin embargo, son los grabados las realizaciones en que dio una muestra más cabal de su genio; destacan los de 1513-1514, sobre temas imaginativos y que permiten varios niveles interpretativos: El caballero, la muerte y el diablo, San Jerónimo en su estudio y la triste Melancolía I, su obra cumbre como grabador, que constituye una compleja alegoría sobre las dificultades con que tropieza el artista en la realización de su obra creativa.

Adán y Eva (1507), de Durero