Dvorak by Outhere Music

ˇ ÁK VILLA-LOBOS DVO R

DVOˇ RÁK

CELLO CONCERTO IN A MAJOR, SERENADE FOR STRINGS IN E MAJOR

01 02 03

Cello Concerto in A major, B.10 (1865) (Orchestrated by Jarmil Burghauser) Andante. Allegro assai Andante cantabile Rondo: Allegro risoluto

04 05 06 07 08

Serenade for Strings in E major, op.22, B.52 (1875) Moderato Tempo di valse Scherzo: Vivace Larghetto Finale: Allegro Vivace

15’11 7’47 13’37

4’45 6’13 5’22 4’51 5’45

— Total time 63’31

Alexander Rudin, cello & direction Musica Viva

Recording: 14-18 June 2012, All-Russia State Television and Radio Broadcasting Company ‘Rossiya – K’, Studio 5, Moscow, Russia – Sound engineer, editing, mastering: Ilya Dontsov – Recording producer: Michel Stockhem – Cover picture: © Irène Lamprakou – Design: mpointproduction – Proofreading: Charles Johnston – Executive producer: Frederik Styns

Musica Viva

Flute Malika Mukhitdinova, Georgy Sychev Oboe Maxim Khodyrev, Valery Kalashnikov Clarinet Denis Myasnikov, Viatcheslav Karasev Bassoon Alexander Pulenkov, Gennady Matveenko Horn Valery Zhavoronkov, Sergey Vaskovich Trumpet Georgy Pleskach, Igor Prikhodko Timpani Vladimir Terekhov Artistic director Alexander Rudin Executive director Marina Butir www.musicaviva.ru

Concertmaster Natalia Ykhimchuk Violin 1 Natalia Ykhimchuk, Inna Zilberman, Tatiana Fedyakova, Elena Korzhenevich, Yana Neustroeva, Svetlana Gres, Alexander Dogadaev Violin 2 Liubov Zhigunova, Zhanna Nekrich, Munkh-Erdene Enkhbaatar, Anton Savchenko, Liudmila Bezverhova, Petr Chonkushev Viola Leonid Kazakov, Anna Burchik, Julia Shmeleva, Andrey Kolomoets, Lidia Kozhemyako Cello Olga Kalinova, Alexey Kropotov, Emin Martirosyan, Alexey Makarov Double bass Nikolay Gorshkov, Nikita Kekher, Dmitry Shumkov

ENGLISH

When Antonín Dvorˇák completed the score of his Cello Concerto in B minor op.104 in February 1895, the last year of his activity in the United States, he was extremely pleased with the results. He immediately wrote to his friends in Bohemia: ‘I must admit that I am exorbitantly satisﬁed with this work . . . this concerto far surpasses both my violin and piano concertos. . . And one of my students told me when I played it for him that the [New World] Symphony was the king and this concerto the queen.’ In addition to these enthusiastic passages, Dvorˇák’s correspondence from this period also reveals his undisguised astonishment at the choice of solo instrument. As late as 2 November 1894 he still had not decided which instrument he would write for: ‘I would like to write a concerto for piano or violin, or even for cello.’ A month later he then wrote: ’I have just written the ﬁrst movement of a cello concerto!! Don’t be too amazed at this, I myself was amazed and still am, that I have resolved to do this work.’ Why should this have been such a source of astonishment for the composer? First and foremost because of his opinion of the tonal quality of the cello. Even after his return from America he somewhat hyperbolically warned his students at the Prague Conservatory against using the cello as a solo instrument: ‘The cello’, he declared, ‘is a beautiful instrument, but its place is in the orchestra and in chamber music; as a solo instrument it is of little worth! Although its mid-range is beautiful, on top it twangs and on the bottom it drones! The most beautiful solo instruments are, and will remain, the piano and the violin. I also wrote a concerto for cello, but I regret it to this day, and will not make the same mistake twice!’ Dvorˇák the teacher obviously knew well how to instil the basics of composition in his students. Dvorˇák

Dvorˇák never mentioned his first Cello Concerto in A major from 1865, and most likely had himself long since forgotten about it. Not only was it never played in his lifetime, but after completing the work, he never even saw the manuscript again. His First Symphony in C minor, written just before the concerto in the early months of 1865, met with the same fate. The work was probably a direct commission from Dvorˇák’s friend and colleague from the Provisional Theatre in Prague, Ludevít Peer (1847–1904). At any rate, it was written specifically for him, as is evident from the inscription on the title page of the manuscript. The twenty-three-year-old composer was well aware of the technical perfection and spiritedness of Peer’s playing, and thus wrote a very challenging and extensive work for the performer (around 50–55 minutes!), whose three movements followed each other without pause. At the end of 1865, Peer left the theatre orchestra and went abroad, probably taking the manuscript with him; it was rediscovered only in the early 1920s. In many respects it is a remarkable work. Dvorˇák himself only wrote the version with piano accompaniment. Its first performance did not take place until 26 April 1929 in Prague, when it was played by František Berka (cello) and Otakar Vondrovic (piano). That same year, the publishers Breitkopf & Härtel issued an orchestral arrangement of the work by Günter Raphael; however, its structure was so radically modified that it is more representative of the arranger’s ideas than the composer’s. Jarmil Burghauser’s scoring published in 1977, on the other hand, attempted to preserve the authentic character of the work as far as possible, trying to bring it nearer to the manner in which the young Dvorˇák orchestrated his first two symphonies from that same

the composer, however, eagerly took on difﬁcult tasks, which stood apart from typical compositional practice. Precisely because of its difﬁculty, writing a concerto for cello must have presented him with a very appealing challenge. Paradoxically, for ‘the most beautiful solo instruments’, Dvorˇák wrote only one concerto each, while for the cello ‘a solo instrument of little worth’, he wrote two.

year, 1865. However, even this arrangement remains an unauthorised reconstruction of the work. Had Dvorˇák orchestrated the piano version, he would certainly have reworked the composition. Had he returned to the work at a much later date, in addition to a thorough revision, he would surely have significantly shortened it and rewritten many passages. Burghauser also suggested cuts to this lengthy composition in his edition. The performers on this recording, which uses his orchestration, have abbreviated the work, in places according to Burghauser’s recommendations, elsewhere on their own initiative. Unlike the Cello Concerto in B minor, Dvorˇák certainly never maligned his Serenade for Strings in E major op.2 in front of his students. Here, exquisite orchestration allows all of the instruments to come to the fore according to their natural tonal dispositions. In this very popular composition, written ten years after his first cello concerto, we can already hear the authentic Dvorˇák whom the music world soon began to recognise in Germany and elsewhere. Another decade had brought many changes to Dvorˇák’s life as compared with 1865, and not just as regards his musical language. He got married in November 1873. He graduated from poorly remunerated employment as an orchestral player to a better-paid position as an organist in the Prague church of St Adalbert. And in January of the same year that the serenade was written, Dvorˇák received, for the first time, the Vienna state scholarship for the sum of 400 gulden. After completing the opera The Stubborn Lovers, he wrote his String Quintet in G major, the Moravian Duets op.20, and the Piano Trio in B flat major op.21, following which he managed to write the Serenade in E major op.22 with its five movements in a mere twelve days! By the end of the year, he had written the Piano Quartet in D major, the Symphony in F major, and the entire opera Vanda. On December 10, 1876 Dvorˇák’s serenade, conducted by Adolf Cech, ˇ was first performed with great success on Prague’s Žofín (Sophia) Island. More, equally celebrated, performances followed in Prague and Brno (where the conductor was

We do not know what the direct impetus for Dvorˇák’s serenade was, but we do know who the composer himself spurred to write another serenade. During the holidays of 1892, one of his best students, Josef Suk (1874–1935), having graduated from the conservatory, received some advice from his teacher: ‘Suk, now it’s summer, you should make something joyful, not just these grandiose pieces in minor keys.’ Dvorˇák thus gifted us twice. In addition to his Serenade in E major, he stimulated the creation of another string serenade which is separated from his own by a mere semitone (E ﬂat major) and seventeen years.

Jan Kachlík Translated by Michael Fowler

Leoš Janáˇcek), but interest from publishers was still lacking. It was only thanks to Dvorˇák’s friends, led by V. V. Zelený, who could guarantee a subscription, that the composer’s four-hand arrangement of his serenade was issued by the Praguebased publisher Emanuel Starý in 1877. Only after the international successes of the Slavonic Dances and Moravian Duets in 1878 was there a sea-change in the interest of publishers. After the print edition of the orchestral score was issued by Bote & Bock in Berlin the next year, critics there praised its ‘naturalness and grace’, remarking they were characteristics ‘rarely encountered today’. These characteristics, like Dvorˇák’s music, are timeless and still speak to us nowadays.

ALEXANDER RUDIN Alexander Rudin, People’s Artist of Russia, winner of the State Prize of Russia and Prize of the Mayor of Moscow, President of the ‘Musical Assemblies’ charitable foundation, is professor of the chamber ensemble class at the Moscow Conservatory. He also gives masterclasses all over the world. Alexander Rudin graduated in cello (class of Lev Evgrafov) and piano (class of Yury Ponizovkin) from the Gnessin Music Academy of Moscow in 1983. He went on to study conducting with Dmitry Kitaenko at the Moscow Conservatory, from which he received his diploma in 1989. While still a student he won the highly prestigious Leipzig International Bach Competition in 1976; this award was followed by further successes at the Gaspar Cassadó International Competition (Florence, 1979) and the Tchaikovsky Competition (Moscow, 1978 and 1982), which securely launched his international artistic career. Today Alexander Rudin is one of the leading Russian musicians. He appears with the world’s major orchestras and at the most prestigious festivals. He has made more than thirty recordings as a cellist and with his orchestra Musica Viva, of which he became director in 1988. Under his leadership, Musica Viva has given the ﬁrst Moscow performances of many works by the sons of Bach, Salieri, Dussek, Ditters von Dittersdorf, Kozlovsky, Pashkevich, and Alyabyev, but also Golovin, Silvestrov, Artyomov, Denisov, and other modern composers. His interest in authentic performing practice has not led him to neglect modern instruments: Alexander Rudin has gradually established a perfect balance combining modern instruments and the viola da gamba, traditional interpretations and new practices using period instruments.

Musica Viva consists of top-class soloists with a highly adaptable profile. The orchestra’s trademark is its extremely broad repertoire: it tackles with equal success classical interpretations of the masterpieces of the repertoire and a wide range of initiatives marked by a search for authenticity in performance. It also presents both first performances of new works and forgotten pieces from the history of music. Musica Viva is a regular guest in the leading Russian concert halls. The orchestra presents two subscription series in the most prestigious Moscow venues (the Conservatory and the International House of Music), as well as a highly exclusive series of chamber concerts at the Tretyakov House, and the Dedication festival held each year at the State Tretyakov Gallery and more recently at the Kremlin Armoury. Musica Viva also gives numerous concerts with front-rank soloists including the pianists Boris Berezovsky, Elisso Virsaladze and Alexei Lubimov, the violinists Victor Tretyakov, Vadim Repin, Sergei Stadler and Isabelle Faust, the cellist Natalia Gutman, and the flautist András Adorján, under the direction of Alexander Rudin or guest conductors such as Christopher Hogwood and Sir Roger Norrington. Musica Viva celebrated its thirtieth anniversary in 2008. The ensemble can boast a discography of more than twenty CDs released on the principal Russian labels and important European labels. Fuga Libera has already issued a world premiere recording of symphonic works by Alyabyev (FUG539) and a live recording of Beethoven’s First and Sixth Symphonies (FUG564).

MUSICA VIVA The Moscow-based chamber orchestra Musica Viva is one of the most highly regarded Russian ensembles both at home and abroad. It was founded at Vladimir in 1978 by the violinist and conductor Victor Kornatchev; since 1988 it has been headed by Alexander Rudin.

FRANÇAIS

Ce fut en février 1895, au cours de la dernière année qu’il passa aux États-Unis, qu’Antonín Dvorˇák mit le point ﬁnal à l’écriture du Concerto en si mineur pour violoncelle et orchestre opus 104 (B 191). Il était à ce point satisfait du résultat de son travail, qu’il écrivit immédiatement à ses amis, en Bohême : « Je dois dire que cette œuvre me procure une joie démesurée, […] ce concerto dépasse de loin mes deux autres concertos, aussi bien celui pour violon, que celui pour piano […] Et, lorsque je le lui ai joué, l’un de mes élèves m’a dit que si la Symphonie [du Nouveau Monde] était le roi, alors le concerto était la reine. » À côté de passages exprimant son enthousiasme, on trouve dans les lettres que Dvorˇák écrivit à cette époque, l’expression non dissimulée de son étonnement quant au choix de l’instrument soliste. Ainsi, le 2 novembre 1894, il n’avait toujours pas décidé de l’instrument pour lequel il allait écrire. « J’aimerais un concerto pour piano, ou bien pour violon, ou alors pour violoncelle. » Un mois plus tard, il écrivit : « Je viens de terminer l’écriture du premier mouvement du concerto pour violoncelle !! Ne soyez pas étonnés ; moi-même j’ai été surpris et je m’étonne encore de m’être décidé à un tel travail. » Que se cachaitil donc derrière l’étonnement du compositeur ? Avant tout, les questions qu’il se posait sur les qualités tonales du violoncelle. Ainsi, après son retour des États-Unis, il mit en garde, avec une certaine emphase, ses élèves du Conservatoire de Prague contre l’utilisation du violoncelle en tant qu’instrument soliste. « Le violoncelle », disait-il, « est un bel instrument, mais sa place est dans l’orchestre ou dans la musique de chambre. En tant qu’instrument soliste, il ne vaut pas grand-chose. Les registres médiums sonnent magniﬁquement, mais cela nasille dans les aigus

Du premier de ces concertos, le Concerto pour violoncelle en la majeur, de 1865, Dvorˇák ne soufflait mot à personne et peut-être l’avait-il lui-même oublié. En effet, cette œuvre n’a non seulement jamais été jouée du vivant de Dvorˇák, mais, de plus, le compositeur n’avait jamais revu son manuscrit après l’avoir écrit. Un destin similaire avait frappé la Symphonie n°1 en do mineur, écrite juste auparavant, dans les premiers mois de 1865. Le Concerto avait probablement été commandé à Dvorˇák par l’un de ses proches amis, membre avec lui de l’Orchestre du Théâtre national tchèque provisoire, Ludevít Peer (1847–1904). Dvorˇák avait en tout cas composé cette œuvre directement pour celui-ci, ainsi qu’en atteste la dédicace qui figure sur la feuille de titre du manuscrit. Le compositeur, alors âgé de vingt-trois ans, connaissait bien le jeu techniquement parfait mais aussi plein d’esprit de Peer, et c’est pourquoi il n’avait pas épargné son interprète, en choisissant d’écrire une œuvre particulièrement difficile et ample (de 50 à 55 minutes!), dont les trois mouvements se succèdent sans aucune pause. À la fin de l’année 1865, Peer avait quitté l’Orchestre du Théâtre national pour aller à l’étranger ; il avait probablement

et cela grommelle dans les graves ! Les instruments solistes les plus beaux sont et resteront, malgré tout, le piano et le violon. J’ai, moi aussi, composé un concerto pour violoncelle, mais c’est une chose que je regrette, aujourd’hui encore, et que je ne referai plus ! ». En tant que pédagogue, Dvorˇák savait de toute évidence très bien comment enseigner les bases de la composition à ses élèves. D’un autre côté, en tant que compositeur, il aimait à relever des tâches difficiles qui pouvaient parfois sortir des pratiques habituelles de la composition. Écrire un concerto pour violoncelle devait représenter, à ses yeux, un défi très attirant, en raison justement de la difficulté que cela impliquait. Il est d’ailleurs paradoxal qu’il n’ait écrit qu’un seul concerto pour chacun des deux « instruments solistes les plus beaux » à ses yeux (un pour le piano et un pour le violon), alors qu’il en écrivit deux pour le violoncelle qui « ne vaut pas grand-chose en tant qu’instrument soliste ».

emporté le manuscrit avec lui et celui-ci ne fut redécouvert que dans les années 1920. Cette œuvre, remarquable à plus d’un titre, que Dvorˇák avait écrite dans une version avec accompagnement au clavier, fut donnée pour la première fois le 26 avril 1929 à Prague, avec František Berka au violoncelle et Otakar Vondrovic au piano. La même année, était parue aux éditions Breitkopf & Härtel une version avec arrangement pour orchestre, due à Günter Raphael. Mais cette version intervient à un tel point dans la structure même de l’œuvre qu’elle est plus représentative du travail de l’arrangeur que de celui du compositeur. L’instrumentation publiée par Jarmil Burghauser en 1977 essaie, au contraire, de respecter autant que possible le caractère authentique de l’œuvre, en restant au plus près de la façon dont le jeune Dvorˇák avait lui-même conçu l’instrumentation, par exemple, de ses deux premières symphonies de l’année 1865. Mais même un tel arrangement ne reste jamais qu’une reconstitution de l’œuvre, sans l’imprimatur de l’auteur. Ainsi, si Dvorˇák avait luimême conçu l’instrumentation, à partir de cette version pour piano, il aurait sans doute modiﬁé l’œuvre. De même, s’il avait repris l’œuvre après un certain laps de temps, il aurait certainement procédé à une profonde révision, fait quelques coupes et réécrits certains passages. Certaines coupes de cette longue composition ont d’ailleurs été proposées dans l’édition de Jarmil Burghauser que nous avons mentionnée. Les interprètes du présent enregistrement, qui a été réalisé d’après son instrumentation, ont, eux aussi, raccourci le concerto, parfois selon les propositions de Burghauser, parfois selon leurs propres choix. À la différence du Concerto en si mineur pour violoncelle et orchestre, Dvorˇák n’aurait certainement jamais critiqué devant ses élèves sa Sérénade en mi majeur pour orchestre à cordes op. 22. À travers une remarquable instrumentation, le compositeur a fait ressortir chacun des instruments, dans le cadre de ses dispositions tonales propres. Dans cette composition très populaire, écrite dix ans après le premier Concerto pour violoncelle, nous pouvons déjà entendre un Dvorˇák pur, tel que

le monde musical, d’Allemagne et d’ailleurs, allait le découvrir peu de temps après. Par rapport à l’année 1865, les choses ont changé, non seulement au niveau du langage de la composition, mais aussi dans la vie de Dvorˇák elle-même. En novembre 1873, Dvorˇák s’est marié. Du statut de musicien d’orchestre mal payé, il est passé à celui, plus rémunérateur, d’organiste de l’église Saint-Adalbert, à Prague. Et c’est en janvier de l’année où il écrivit la Sérénade, qu’il obtint pour la première fois une bourse d’État, d’un montant de 400 florins (gulden), afin d’aller à Vienne. Après avoir achevé l’écriture de l’opéra Les Têtes dures, il écrivit le Quintette à cordes en sol majeur, les Duos moraves op. 20, le Trio en si bémol majeur pour piano op. 21, puis une sérénade en cinq mouvements : la Sérénade en mi majeur pour orchestre à cordes op.22, œuvre qu’il rédigea en douze jours ! Avant la fin de l’année 1875, il parvint encore à écrire un Quatuor avec piano en ré majeur, la Symphonie n°5 en fa majeur, ainsi que tout un opéra, Vanda. La Sérénade fut donnée pour la première fois, sous la direction d’Adolf Cech, ˇ le 10 décembre 1876 à Prague, sur l’île de Žofín et obtint un grand succès. D’autres présentations, tout aussi acclamées, suivirent à Prague et à Brno (sous la direction de Leoš Janáˇcek), mais cela ne fut pourtant pas suffisant pour provoquer l’intérêt des éditeurs. Ce fut ainsi grâce à la ferveur de quelques amis de Dvorˇák, en particulier de V. V. Zelený, qui lança une souscription, que la Sérénade put être publiée en 1877, chez l’éditeur pragois Emanuel Starý, du moins dans un arrangement du compositeur pour quatre mains. Ce ne fut qu’après le succès international des Danses slaves et des Duos moraves, en 1878, qu’un retournement de l’intérêt des éditeurs se produisit. Après la publication des partitions, par les éditions berlinoises Bote & Bock en 1879, les critiques locaux louèrent le « côté naturel et le charme » de l’œuvre, et y virent des caractères « que l’on trouve rarement de nos jours ». Tout comme la musique de Dvorˇák, ces caractéristiques semblent être intemporelles et demeurent totalement actuelles.

Nous ne savons pas ce qui constitua l’impulsion première pour cette Sérénade de Dvorˇák, mais nous savons, par contre, qui, de son côté, l’auteur incita à écrire une autre sérénade. Durant les vacances de 1892, alors qu’il venait de terminer ses études au Conservatoire, Josef Suk (1874-1935), le meilleur élève de Dvorˇák, reçut ce conseil de la part de son professeur : « Mon cher Suk, c’est maintenant l’été, alors faites quelque chose de joyeux, pour changer de ces pièces grandioses en mode mineur ». C’est ainsi que Dvorˇák nous a fait un double cadeau. À côté de sa propre sérénade en mi majeur, il a aussi le mérite d’avoir œuvré à la naissance d’une autre sérénade, elle aussi pour cordes, qui est séparée de celle de Dvorˇák d’un demi-ton (mi bémol majeur) et de 17 années.

Jan Kachlík Traduit du tchèque par Anna Pravdová et Bertrand Schmitt

Aujourd’hui, Alexander Rudin est un des musiciens russes les plus reconnus. Il se produit avec les orchestres les plus célèbres et participe aux plus prestigieux festivals. Il a enregistré plus de trente cd, tant comme violoncelliste qu’avec son orchestre Musica Viva, dont il a pris la tête en 1988. Sous sa direction, Musica Viva a introduit à Moscou de nombreuses œuvres des ﬁls de Bach, de Salieri, de Dussek, de Ditters von Dittersdorf, de Kozlovsky, de Pachkevitch, d’Alyabiev, mais aussi de Golovine, Silvestrov, Artemov, Denisov et d’autres compositeurs modernes. Son intérêt pour les pratiques d’exécution authentique ne l’a pas éloigné des instruments modernes: Alexander Rudin a progressivement établi un équilibre parfait en combinant instruments modernes et viole de gambe, interprétations traditionnelles et nouvelles pratiques sur instruments anciens.

ALEXANDER RUDIN Alexander Rudin, Artiste d’Honneur de Russie, lauréat du Prix d’Etat et du Gouvernement de Moscou, Président de la Fondation caritative “L’Assemblée Musicale”, est professeur de classe d’ensemble au Conservatoire de Moscou. Il donne également des classes de maître dans le monde entier. Alexander Rudin obtint des diplômes de ﬁnalité de violoncelle (classe de Lev Evgrafov) et piano (classe de Youri Ponizovkine) à l’Académie de Musique Gnessine à Moscou en 1983. Il a poursuivi ses études de direction auprès de Dimitri Kitaïenko au Conservatoire de Moscou, dont il fut diplômé en 1989. Encore étudiant, il gagna le très prestigieux Concours International Bach de Leipzig en 1976 ; cette récompense fut suivie de succès au Concours International Gaspar Cassadó (Florence, 1979) et au Concours Tchaïkovski (Moscou 1978 et 1982) qui devaient donner son élan déﬁnitif à sa carrière artistique.

MUSICA VIVA L’orchestre de chambre de Moscou, Musica Viva, est l’un des ensembles russes les plus prestigieux, aussi bien dans son pays d’origine qu’à l’étranger. Il a été fondé en 1978 à Vladimir par le violoniste et chef d’orchestre Victor Kornatchev; depuis 1988 il est place sous la direction d’Alexander Rudin. Musica Viva est constitué de solistes de tout premier rang au proﬁl très ouvert. La marque de fabrique de l’orchestre est son répertoire extrêmement large : il s’attaque avec un succès égal aux interprétations classiques des chefs-d’œuvre du répertoire et à des initiatives très diverses marquées par la quête d’authenticité dans les exécutions. Il présente également des créations, ainsi que des pages oubliées de l’histoire de la musique. Musica Viva est un hôte régulier des meilleures salles de concert russes. L’orchestre a deux séries d’abonnements dans les salles les plus prestigieuses de Moscou (le Conservatoire et la Maison Internationale de la Musique), auxquelles s’ajoute une série très exclusive de concerts de musique de chambre à la maison Tretyakov, ainsi que le festival « Dedication » qui se tient chaque année à la Galerie d’Etat Tretyakov et plus récemment au Palais des Armures du Kremlin. Musica Viva donne également nombre de concerts avec des solistes de tout premier rang comme les pianistes Boris Berezovsky, Elisso Virsaladze et Alexei Lubimov, les violonistes Victor Tretyakov, Vadim Repin, Sergei Stadler et Isabelle Faust, la violoncelliste Natalia Gutman, le ﬂûtiste András Adorján, sous la direction d’Alexander Rudin ou de chefs invités tels que Christopher Hogwood ou Sir Roger Norrington. In 2008, Musica Viva a célébré son 30e anniversaire. L’ensemble s’enorgueillit d’une discographie de plus de 20 cd, parus aussi bien sous les principaux labels russes que sous d’importants labels européens. Fuga Libera a fait paraître leur enregistrement d’œuvres symphoniques d’Alyabiev, en première mondiale (FUG539), ainsi qu’un enregistrement « live » des 1e et 6e Symphonies de Beethoven (FUG564).

Alexander Rudin

www.outhere-music.com

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FUG 714

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The labels of the Outhere Group: Outhere is an independent musical production and publishing company whose discs are published under the catalogues Æon, Alpha, Fuga Libera, Outnote, Phi, Ramée, Ricercar and ZigZag Territoires. Each catalogue has its own well defined identity. Our discs and our digital products cover a repertoire ranging from ancient and classical to contemporary, jazz and world music. Our aim is to serve the music by a relentless pursuit of the highest artistic standards for each single production, not only for the recording, but also in the editorial work, texts and graphical presentation. We like to uncover new repertoire or to bring a strong personal touch to each performance of known works. We work with established artists but also invest in the development of young talent. The acclaim of our labels with the public and the press is based on our relentless commitment to quality. Outhere produces more than 100 CDs per year, distributed in over 40 countries. Outhere is located in Brussels and Paris.

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