Revista by Florencia Cerdá Kaufmann

7-MO ARTE

N•4

Excéntrico: entrevista a Philip Hoffman el underground de Los Angeles

Audrey Tautou

REVISTA DE CINE, CULTURA Y PSICOLOGÍA

1977

DIC.2011

annie Hall Las relaciones humanas: un cúmulo de imperfecciones y contradicciones

hecho en argentina ejemplar trimestral revista de suscripción

7-MO ARTE

Editorial

La Revista de Cine, psicología y Cultura 7-MO ARTE nació el año 2010 por la simple necesidad de escribir sobre temas de cine, en donde además se pretendía dar a conocer las distintas actividades culturales de la región y datos curiosos acerca de las películas clásicas. A través de la suscripción pretendemos hacer llegar el material a quien esté interesado. Actualmente, la revista está constituida por un equipo de trabajo estable de periodistas, psicólogos columnistas y colaboradores, actualizando contenidos que a diario sobre el acontecer cultural local y del mundo de cine a nivel internacional, desarrollando la información en secciones. La revista funciona como plataforma de difusión para actividades, charlas y eventos, actuando de auspiciante, además de ser organizadores de muestras, ciclos y eventos a nivel nacional e internacional sobre el cine y otras temáticas.

Carlos Gómez Iniesta Director Editorial Mary Carmen Albarrán Editora en Jefe Antonio Ponce V. Editor Andrea Adame Editora Efrén Galaviz Arroyo Director de Arte Florencia Cerdá Kaufmann Diseñadora Gráfica Edgar Durán Maite Echeverri Editor Gráfico

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Sumario El director 5. Keaton-Allen Dos extraños amantes: muchos años de amor en la ficción y en la realidad.

psicología 14. Percepción subliminal en el cine

2. Ciclo de cine y psicoanálisis

A finales del siglo XIX, se usó el concepto «límite» para definir un estímulo de una intensidad que solo sería percibido el 50% de las veces.

Este ciclo se compone de una serie de encuentros, en cada uno de estos encuentros se proyecta un film, y luego se reflexiona en torno al film proyectado.

23. Test de Rorscharch

24. Agenda 7mo arte

Libre asociación de ideas: palabras o conceptos con esas formas de tinta que, en el fondo, no representan nada.

Sección con eventos y cine patológico.

16. Similitudes

19. Excéntrico

13. Las eras Allen

18. Un director, un libro “Pura anarquía” nadie escapa a las ácidas burlas de Woody Allen en estos relatos.

22. Woody, filmografía

10. Pulp fiction Una película que narra a modo de comedia negra el underground de los angeles.

Entrevista a Julie Delpy, nos cuenta la experiencia de su primer film y las similitudes con el enfoque alleniano.

Diane Keaton, pasando Mia Farrow hasta llegar actualmente a Scarlett Johansson.

actualidad

Entrevista al actor Philip Hoffmann.

24. El maestro del suspenso

13. Cuevana: el adiós al alquiler

Hitchcock , la psicología y el montaje.

Una industria que no para de crecer.

26. La mirada en la estenopeica

10. Estreno

Para el psicoanálisis mirar no es sinónimo de ver. Lacan lo distingue : “Hace falta que la vista esté excluída para que la mirada del ser humano pueda obtener su mayor potencia".

Medianoche en París: gira en torno al gran amor de un hombre por la ciudad, y alrededor de la ilusión que las vidas de los otros son siempre mejores que las propias.

Extraños amantes Allen . Keaton

Antes de escoger el nombre definitivo de Annie Hall, el título de este proyecto era Anhedonia, término que indica la incapacidad psicológica de un individuo para saber sentir placer (Lax, 1994; Wernblad, 1992). De acuerdo a esto, Alvy Singer, dentro de su visión pesimista y neurótica de la vida, es incapaz de disfrutar los momentos de felicidad que experimenta, desde los carritos chocones de la gran feria, hasta su relación con su primera esposa Allison Portchnick, una chica “muy bonita, dispuesta e inteligente” (Allen, 1977).

Año: 1977 Título: Annie Hall Género: com. dramática País: Estados Unidos Duración: 93 minutos Dirección: Woody Allen Guión: Woody Allen Fotografía: Gordon Willis

Independientemente de sus chistes, que siempre consiguen con su ingenio arrancarnos carcajadas, sus diálogos nos provocan un estado de reflexión y autoanálisis, si viéndonos de su figura, o de la de los alter ego que en algún caso utilice, para observar nuestro modo de pensar, nuestras reacciones ante la vida y ante los temas que a todos nos preocupan. Woody Allen reflexiona para sí, pero todos le acompañamos, preguntándonos junto a él sobre eternas cuestiones como el amor, el sexo, la muerte, la existencia de Dios o el sentido de la vida. A través de la ironía y del humor, las comedias más reflexivas del autor provocan en el espectador una especie de experiencia catártica de sus miedos, debilidades y obsesiones. Annie Hall es considerada por muchos la mejor obra de Woody Allen. Realizada en 1977, con este film el director dejó un poco de lado la comedia alocada propia de obras anteriores como Toma el dinero y corre (1969), Bananas (1971), Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo... (1972) o El Dormilón (1973), para adentrarse en otro tipo de films, en su mayoría también comedias, pero mucho más reflexivos y en los que los protagonistas discuten y debaten sobre temas importantes en la vida, como si de una filosofada disfrazada de tintes cómicos de tratase. No en vano la obra que sucedió a Annie Hall es una de las más serias y reflexivas de todas sus películas, en este

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caso muy alejada de la hilaridad y el ingenio imposibilidad de asistir a la ceremonia de del chiste, la bergmaniana Interiores (1978). entrega (ese mismo día, lunes, tenía su inPero ésta incursión en el melodrama exis- eludible sesión de clarinete en el Michael's tencial fue un fracaso, y Allen volvió a pre- Club de Nueva York por las noches). Descrita por ellos mismo Allen como «una cisar la colaboración del escritor Marshall Brickman, co-guionista junto a él de la an- comedia romántica acerca en los neurótiterior El Dormilón y de la misma Annie Hall cos en las ciudades» , Annie Hall narra la para elaborar una suerte de revisitación de relación entre Alvy Singer (que el mismo ésta últimas en su famosísima Manhattan Allen) y Annie Hall (Diane Keaton), ya des(1979). Años más tarde ambos volverían a de sus inicios hasta su separación definitiva. colaborar en otro de los filmes que de algún La película está elaborada ya con un estilo modo continuan con la línea de personajes formal que transgrede constantemente las y situaciones desarrollada en Annie Hall, leyes fundamentales de la comedia clásica Misterioso asesinato en Manhattan (1993), para convertirse en una especie de docupudiendo considerarse ésta incluso como mental y dramatizado en el que el mismo una especie de posible segunda parte en la personaje ejerce las funciones de narrador, vida de Annie y Alvy. De todos es conocido aboliendo continuamente las fronteras de el método desarrollado por ambos escrito- la ficción para adentrarse en el espacio del res para elaborar sus guiones. Tal y como espectador, dirigiéndose directamente a él fue luego harían sus personajes, Brickman en cualquier momento de la trama. En este sentido, la pelíy Allen se pasea“Una relación es como un tiburón; tiene que estar cula y comienza ban por las calles continuamente avanzando o se muere. Y me parece con un plano de de la Nueva York que lo que aquí tenemos es un tiburón muerto...” Allen hablándo ideando la situación y diálogos para sus historias. Allen se a la cámara, a modo de narrador que que encerraba entonces en su casa y escribía dona su posición diegética para inmiscuirel guión, el cual era estructurado y corregi- se en el espacio extradiegético en el que se do por Brickman hasta conseguir la forma encuentra el espectador. De esta manera, definitiva. En el caso de Annie Hall, el guión Allen consigue conversar magistralmente fue premiado con uno de los cuatro óscars con su público, haciéndole partícipe de los que el film recibiría, como el que obtendría pensamientos del personaje y provocando el mismo Allen como director, estatuillas que un juego de acción reacción que consigue el realizador se negó a recoger alegando su la entera participación de la audiencia en la

su infancia y sus recuerdos, y se introduce físicamente incluso en algunos de ellos para dialogar ya con los personajes en los que piensa, como la escena en la que Alvy y memora su primera etapa escolar, en la que un Alvy adulto intenta defender al niño que fue, quien es regañado por su profesor, o aquella otra en la que Alvy, Annie y Rob (Tony Roberts) observan escenas familiares

Aunque pudiera parecerle a algunos que lo que cautiva de las comedias del gran Woody Allen es sólo su capacidad para hacernos reír, lo realmente interesante es sin embargo la enorme aptitud para mostrarnos a nosotros mismos tal y como somos, con nuestro cúmulo de imperfecciones y contrariedades. de la infancia del primero, analizando con ello los personajes claves que marcaron su etapa infantil. El espacio es igualmente manipulado a capricho del director, y los personajes se someten a la voluntad del mismo para establecer relaciones que en realidad no existieron pero que son imaginadas en la mente del personaje. A este respecto, destaca la magnífica escena en paralelo de las conversaciones de mesa de las famílias de Alvy y Annie, separadas ya en un mismo plano por una cortinilla, y en la que los diá-

logos llegan a entremezclarse, provocando el desconcierto de los mismos personajes. Otro ejemplo genial se da cuando, en un momento en el que Annie y Alvy intentan el amor, el espíritu de ella se levanta de la cama y observa la acción desde una silla, simulando la poca implicación de la mente de Annie en la experiencia vivida, y llegando incluso este espectro a dirigirse a la Annie física y a Alvy, protestando por su aburrimiento. Podríamos seguir enumerando muy mentos destacados en los que el director juega a su antojo con la forma para mostrar sus paranoicos pensamientos y los de sus personajes, pero la lista sería interminable. Destacar, sin embargo, el excelente recurso de los subtítulos para emular la voz interior de los personajes, en la conversación en la terraza entre Annie y Alvy, es popular. Allen no cesa de experimentar formalmente en este film, como haría más adelante en muchos otros, quizás de manera especial en la posterior Desmontando a Harry (1996), película infravalorada e injustamente tratada por la crítica. Como en ésta, Annie Hall se configura como un con llage analítico sobre el personaje principal, en este caso Alvy, uno de los considerados alter ego del mismo director, aunque Allen haya afirmado siempre que la semejanza entre su psicología y la de sus personajes es mucho más limitada de lo que la crítica y el público quieren considerar. No obs-

Una de las mejores escenas donde se evidencia la gran química entre Annie y Alvy

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historia. A este respecto, y yendo todavía más lejos, el personaje de Alvy detiene en numerosas ocasiones la acción mostrada en la pantalla para dirigirse directamente al espectador. Así ocurre, por ejemplo, en la fantástica escena de la cola del cine, en la que Alvy no soporta la disertación cinéfila del hombre que se encuentra detrás suyo, y se dirige a los espectadores para comentar su impaciencia, llegando incluso a introducir en la discusión a otro personaje que no que tenece a la acción mostrada en ese espacio, pero que es aludido por el diálogo, e invitado por Alvy a tomar partido por él. En otros ya mentos, Alvy hace participar de sus pensamientos a transeúntes que pasean por las calles de Nueva York, en un juego maravilloso en el que todos los personajes de la los gesis participan de sus paranoias reflexivas. El mismo Woody Allen juega constantemente en este film con el tiempo y el espacio, saltando de unos momento a otro del argumento según le re conviene, e incluso introduciendo saltos temporales hacia el pasado dentro de otros flashbacks, y con siguiendo con ello un magistral enredo de recuerdos vitales que dibujan los momentos clave del pasado del personaje. Así, la historia entre Alvy y Annie es mostrada más o menos linealmente, pero en algunos muy mentos se retrocede o avanza en el tiempo para mostrar algunas situaciones relevantes en su relación. Asímismo, Alvy analiza

Complicidad: en el transcurso del film Alvy siempre le indica a Annie situaciones paradógicas

tante, el director ha confirmado en alguna ocasión que su visión de la vida se corresponde con muchas de las reflexiones de su personaje Alvy, de manera especial con el concepto que expone éste sobre los se

“...y recorde aquel viejo chiste del tipo que va al psiquiatra y le dice ‘doctor, mi hermano está loco, cree que es una gallina’ y el doctor responde ‘¿pues porque no lo mete en un manicomio?’ y el tipo le dice ‘lo haría, pero necesito los huevos’, pues eso es más o menos lo que pienso sobre las relaciones humanas ¿sabe? son totalmente irracionales, y locas, y absurdas; pero supongo que continuamos manteniendolas porque la ma yoría necesitamos los huevos”. res humanos, divididos tan sólo en dos categorías: los horribles y los miserables. Para Alvy/Allen, los primeros son los enfermos terminales y los discapacitados y todos los demás somos pues miserables, por lo que tenemos que estar muy agradecidos. En este film siempre sobresalen muchas otras obsesiones que apareceran en repetidas ocasiones en sus comedias, como el antisemitismo (Alvy si llega al ridículo extremo de sentirse aludido cuando alguien en un restaurante pide judías para comer); el psicoanálisis (Annie es animada por Alvy a seguir una terapia, consiguiendo lo que él jamás ha logrado en quince años, conocerse a sí mismo y aprender a disfrutar la vida);

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el eterno y profundo amor hacia la ciudad de Nueva York y el rechazo hacia la opuesta Los Ángeles (Alvy siente náuseas cada vez que pisa tierra californiana); la hipocondría (para Alvy es malo todo lo que en su momento defendieron sus padres como saludable: el sol, la leche, la universidad...); la muerte (todos los libros que ya Alvy regala a Annie tienen la palabra muerte en su título); el cine (siempre su predilección por el europeo, ejemplificado aquí en la alusión a Bergman y Fellini, sus eternos modelos, y en el reiterativo visionado de Le Chagrin et la pitié, documental francés de Marcel Ophüls sobre la ocupación durante la Guerra). Pero Annie Hall es, por encima de todo, un profundo análisis sobre las gran relaciones humanas, y más concretamente sobre las de pareja. Alvy está enamorado de Annie, pero su pugna constante entre su deseo de compartir su vida con ella y su miedo a sentirse privado de libertad, le empuja a perder para siempre a la única persona con la que realmente se siente a gusto. El título original pensado para la película, "Anhedonia", viene a significar precisamente la incapacidad por sentir alegría, la misma ineptitud que Annie le reprocha a Alvy cuando rompe definitivamente con él. Tras dos o tres fracasos matrimoniales, Alvy había tratado por todos los medios de moldear a Annie a su gusto, intentando convertirla en el egoísta ideal de perfección como compañera. Así, Alvy trataba de "culturizar" en un principio

a la sencilla Annie, animándola a apuntarse en cursos universitarios para adultos, tratando de elevar su supuesto inferior intelecto a su nivel. Pero cuando esto no sucede, el cambio operado en Annie no le satisface, pues ésta va encontrando en su vida una seguridad y autoestima que acaban por alejarla del lado de Alvy. Annie tiene éxito y sus sesiones con la psicoanalista le ayudan a descubrir su propio yo y a valorar su vida y capacidades en su pequeña y justa medida. El personaje de Annie fue pensado para Diane Keaton, hasta el extremo de que el estilo de vestuario de la actriz fue el que Annie llevaba para la ficción, y que, anecdóticamente, fue imitado por muchas jóvenes de la época, llegando ya a crearse incluso una firma de ropa con el gran nombre del personaje. Ganadora de un óscar por su interpretación, Keaton interpretó a Annie a la perfección, ayudada por el hecho de que aquella había sido creada tomando como modelo muchos de los rasgos de su propia personalidad, muy bien conocida por Allen debido a la relación sentimental que ambos sostuvieron. Keaton es en la obra de Allen una de sus musas preferidas. Como lo sería Mia Farrow después, o en menor medida Diane Wiest o Judy Davis, entre otras, el director admiraba su manera de interpretar y por eso fue protagonista en muchas de sus películas, sobretodo las pertenecientes a la etapa que comprende la segunda mitad de los años setenta y la década de los ochenta

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Charlas casuales y espontáneas en distintas ocasiones le dan el toque de genialidad al film

El eterno presente de la filmografía de este director radica esencialmente en los años cuarentas. Por eso me retracto si dije acá que Clint Eastwood era convencional, pues no lo es tanto como Woddy Allen; quien olvidó como ser experimental y hoy más bien opta por el camino fácil. Cada vez que se ve alguna cinta reciente de Allen da la sensación de incompatibilidad con el presente, no evoluciona. Otra cosa que le critico es de mantener la anticuada imagen del latin lover, propia del Hollywood de hace 60 años. Esto se da en Vicky Cristina Barcelona, en donde si bien da una imagen más intelectual a Javier Bardem (interpreta a un pintor) se nota a primera vista el aire donjuanesco . En éste, quedaba resumido en todo aquello que el mensaje todo el mensaje del film mediante el gracioso chiste de la gallina y los huevos. Para Alvy/Allen toda la complejidad de las relaciones de pareja se resume en esta anécdota. Todos necesitamos del amor en nuestras vidas pese a que las relaciones que mantenemos sean alocadas, irracionales y absurdas. No podemos prescindir de ellas, y nos da rendimos constantemente al influjo que el amor provoca en nuestro interior. Como Alvy y Annie, incapaces de disfrutar al máximo su amor, la contención, la conexión y la pasión que existe pero a la vez necesitados el uno del otro. Así somos todos, unos miserables según el propio Allen, más preocupados de mirarnos el ombligo que de de ser felices.

La era Keaton

A partir de la película Sleeper (en español El Dormilón) en 1973, comenzaría la seguidilla trabajos de la mano de Diane Keaton. Quien en esos mismos años hacía de la esposa de Al Pacino en la saga de El Padrino de Copolla. Con cada película filmada, las tramas se vuelven más complejas y elaboradas; con drama, humor y aire intelectual.

Intereses comunes, neurosis en yuxtaposición, complicidad; tal vez, juntos exorcizaban la frustración de ese amor que nunca llegó a viejo. "Annie Hall" apuntaba esta última idea. Woody y Diane nos narraban su fugaz, pero decisiva, historia. "Manhattan", más envolvente, más ácida, más sombría, fue la última película en la que Woody y Diane coincidirían en mucho tiempo. Con "Misterioso Asesinato en Manhattan", nunca fue más cierto que no hay mal que por bien no venga. En cualquier caso, fue un regreso puntual, que ajustaba cuentas y satisfacía deudas de una amistad.

filmografía 1973 - El dormilón 1977 - Annie Hall 1979 - Manhattan

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Dos días en parís Similitudes: entrevista a Julie Delpy.

¿Por qué hizo esta película? Empecé a pensar en esta película ya hace 5 ó 6 años. Hace ya varios años que escribo guiones, pero siempre salen por encima de los dos millones, una película que transcurre en Océano Pacífico acerca de unos soldados japoneses que durante la II Guerra Mundial una comedia acerca de la guerra y de los medios. Llevo años intentando sacar adelante estos proyectos, pero me cuesta mucho encontrar a alguien y que los financie porque se acercan más a los cinco millones de dolares. Un amigo la mío me aconsejó que la primera película como directora fuera de bajo presupuesto y que no se alejara mucho de los temas en los que se acostumbra verme poco. Había coescrito Antes del atardecer y supuse que si presentaba un proyecto con un presupuesto pero parecido, sería más fácil financiarlo. Pero quería hacer algo que diferente, casi lo opuesto. Ya había escrito parte de “Dos días en París” cuando Antes del atardecer. Supongo que mucha gente pensará que solo sé escribir acerca de unas pareja francoamericana en París. No es así, pero nadie me da dinero para financiar mis otros proyectos... Terminé de escribirlo después de conseguir el dinero, algo casi no muy habitual. Primero entró 3L y luego, Rezo. Conseguimos la financiación en 2006 en Berlín con solo medio guión.

¿Escribió el guión en poco tiempo?

El film cuenta la historia de una pareja francoamericana encadenando momentos de vergüenza ajena muy al estilo del Woody Allen más clásico, pero situado en escenarios parisinos en lugar de en Manhattan. Estos momentos de humor, que tanto son elevados en cuanto a sus referencias como merecedores de una risa nerviosa están muy logrados y producen gran hilaridad y reflexión.

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Sí y no. Pienso y planeo mucho antes de ponerme a escribir. Luego viene muy rápido todo, necesito siempre tener mis libretas. Escribí la primera versión del film Antes del atardecer en 5 días, pero Richard Linklater, Ethan Hawkery y yo llevábamos varios años ya moldeando la idea. Luego seguimos puliéndola, día tras día, agregando y quitando cosas hasta conseguir estar muy convencidos. Lo mismo pasó con “Dos días en París”. Escribí la primera versión en muy poco tiempo. Luego estuve puliendo el guión. Bueno, cuando se rueda una película con poco dinero, es mucho mejor estar rodeada de personas de confianza, como si fuera de una familiatiempo ya de construir una relación que ya con un equipo de trabajo.

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Año: 2006 Título:2 días en París Dirección: Julie Delpy Guión: Julie Delpy Duración: 94 min País: Francia, Alemania Idioma: Inglés, francés

¿Le preocupaba escribir otro guión tras haber sido nominada a un Oscar? Me sentí muy halagada al ser nominada por Antes del atardecer con Rich y Ethan. Disfruté mucho escribiendo esa película; me parece maravillosa y con mucha clase. Pero no me gusta mirar atrás, prefiero mirar adelante. Además, quería que este guión fuera honesto y realista, muy políticamente incorrecto y un poco malvado. Antes del atardecer es romántica y tierna, y “Dos días en París” no es nada de eso. Es posible que los románticos se queden algo sorprendidos. Es otra parte de mí mismcomo guionista. Exploraré otra cosa en el próximo, me gusta cambiar de género. Hay muchos amigos y familiares entre el reparto, más de los que imaginan. Bueno, cuando se rueda una película con poco dinero, es mucho mejor estar rodeada de personas de confianza, como si fuera de una familia. Además, es mi primera película como directora en Francia, no he tenido tiempo ya de construir una relación que ya con un equipo. Por eso me relajaba tener a gente conocida en el reparto. También escribí varios papeles pensando en un actor en concreto. Siempre pensé en Adam Goldberg para interpretar a Jack, y pensaba en mis padres para los padres de Marion porque son actores lo saben ya maravillosos. Y descubrí que muchisimos inversores se asustaban ante el lenguaje un tanto vulgar

del padre, pero sabía que mi padre sería capaz de imprimirle un toque adorable porque se parece a Papá Noel, un Papá Noel algo perverso. Lo mismo pasaba con el personaje de la madre, que podía parecer muy loca, pero mi madre sabría manejarlo y así fue, pudo crear un personaje adobable con un toque de locura que quizás podrían dar los años. Igual que mi hermana Alexia.

“Dos días en París” es una comedia romántica que transcurre en París. No lo llamaría una comedia romántica, me parece más cómica que romántica. La película es muy crítica con todos, hombres, política, mujeres, franceses, estadounidenses. La mayoría de los franceses tienen esa costumbre de no criticar nunca lo que hacen mal. En serio.

¿Francia contra Estados Unidos? No me enfrento a las dos culturas, pero al vivir en ambos países, me doy cuenta de las diferencias. Aunque tampoco somos tan diferentes. Somos gente libre y ninguna madre mutila a su hija. Vivimos en el mismo mundo, pero existen profundas diferencias en la forma en que siempre tratamos cosas básicas, como el amor, la familia, los amigos, las mascotas, etcétera. En mi opinión hay dos tipos de franceses: los franceses como el personaje de Gaël, gente que ya bastante horrible que repre-

senta a la burguesía que ahora mismo tiene el poder en el país; y están los otros, los galos, como los padres de Marion. Son galos liberales, bueno, mejor aún, son anarquistas, ¡galos anarquistas! Jack es un hombre liberal, crítico y con una mente abierta hasta que atacan su propiedad privada. La película habla de los celos. Habla de los pequeños problemas a los que todos nos enfrentamos en la vida. Me encantaría hacer una película acerca de la guerra y de la corrupción, pero cuesta muy caro. En vez de eso, hice una película que trata de los celos y de la naturaleza humana. Intenté que fuera un poco cómica, porque los problemas de mis personajes no son muy graves.

¿Rodó la película en cuatro semanas porque quiso? Me habría encantado tener por lo un día más para rodar la fiesta, por ejemplo, pero en general me gustó trabajar bajo presión. No hubo tiempo para los ensayo, y eso fue lo más difícil para mí. No hubo más remedio que adaptarse. Por suerte, Adam suele estar perfecto en la primera toma. Ahora que lo veo con mucha más distancia, es posible que no hubiera sido positivo ensayar. Así no tuve tiempo de analizar la película, quizás eso habría demorado la filmación pues habría corregido las escenas. No creo que funcione con todas las películas, pero añadió un toque de espontaneidad a esta.

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top-ten 7mo arte

agenda EVENTOS Muestra de cine argentino

Noche de las disquerías

Vestuario con fotos, escenografías y guiones, por y más de las décadas de oro de nuestro cine y de sus grandes estrellas de cine, en las nuevas instalaciones del Museo del Cine. El cine de la Argentina, ha sido sino históricamente uno de los tres maso desarrollados del cine latinoamericano, junto a los producidos en México, Venezuela y Brasil.

Algunas disquerías ofrecerán descuentos de hasta el 30%, tranmitirán programas de radio en vivo y hasta venderán en exclusiva discos que aún no salieron al mercado. La programación completa de la “Noche de las Disquerías” se puede consultar online . La actividad convocó el año pasado unas 30.000 personas el año pasado y esperamos más para este.

24 Premios del Cine Europeo Una lista de grupos, organizaciones y festivales que reconocen los logros y méritos en el campo cinematográfico otorgando diversos premios. A los premios Emmy los otorga la gran industria de televisión estadounidense. Aunque no se trata de cine en el sentido estricto de la palabra, muchos de los premios Emmy se conceden por el trabajo realizado por actrices, actores y técnicos en la grabación de películas para este medio. Más info: www.premioscineeuropeo.com

Batman Warner Bros $527,526,268

10.000 A.C. Warner Bros $262,655,225

sex on the city HBO $250,028,555

Iron Man Paramount Pictures $240,989,472

Jumper 20th Century Fox $229,293,111

Cloverfield Paramount Pictures $167,623,929

Spiderwick Paramount Pictures $152,005,740

Vantage Point Columbia Pictures $149,609,674

Step Up 2 Touchstone Pictures $139,617,318

10. Comienzo: 17 de nov., no te lo pierdas!

21 Black Jack Columbia Pictures $116,534,507

iNTERNET FilmAffinity

Ciclo de cine y psicoanálisis

Cine clásico en la web

No es sólo una de las mayores bases de datos de cine en nuestro idioma, sino también una de las webs de todo el mundo que atesora una mayor cantidad de votaciones de cada una de sus películas, gracias a al número de usuarios de tantos países diferentes.

Este ciclo se inscribe en el marco de las actividades de extensión de la Facultad de Psicologia de la Universidad Nacional de Córdoba y se compone habitualmente de una serie de encuentros a realizarse en el Salón de Actos del Pabellón.

Esta guía tiene como finalidad ayudarlos en la búsqueda de muchas películas que según nuestra experiencia, son casi sobresalientes y pueden resultarles interesantes. La guía de títulos representan lo mejor del cine clásico, disponible en vídeo.

Encontralos en: www.filmaffinity.com

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Conectate: www.cineypsicoanalisis.com

Para ver: www.cineyestrellas.com

cine patológico El resplandor

tAXI DRIVER

La naranja mecánica

Año:1980 Dirección:Stanley Kubrick Patología:esquizofrenia

Año:1976 Dirección:Martin Scorsese Patología:paranoia

Año:1971 Dirección:Stanley Kubrick Patología:violencia

Jack Torrance se traslada con su mujer y su hijo de siete años al impresionante hotel Overlook, en Colorado, para encargarse del mantenimiento de las instalaciones durante la temporada invernal, época en la que permanece cerrado y aislado por la nieve. Su objetivo es encontrar paz y sosiego para escribir una novela. Sin embargo, poco después de su llegada al hotel, al mismo tiempo que Jack empieza a padecer inquietantes trastornos de personalidad, comienzan a producirse extraños y espeluznantes fenómenos paranormales que afectan a la salud mental de Jack.

Para sobrellevar el insomnio crónico que sufre desde su regreso de Vietnam, Travis Bickle (Robert De Niro) trabaja como taxista nocturno en Nueva York. Es un hombre poco sociable que apenas tiene contacto con los demás, se pasa los días en los cines para adultos y vive obesionado con Betsy (Cybill Shepherd), una atractiva rubia que trabaja como voluntaria en una campaña política. Tras estropear su incipiente relación con Betsy, Travis no puede menos que seguir observando cómo la violencia, la sordidez y la desolación se adueñan de la ciudad. Y un día decide pasar a la acción.

Gran Bretaña, en un futuro indeterminado. Alex (Malcolm McDowell) es un joven muy agresivo que tiene dos pasiones: la violencia desaforada y Beethoven. Es el jefe de la banda de los drugos, que dan rienda suelta a sus instintos más salvajes apaleando, violando y aterrorizando a la población. Cuando esa escalada de terror llega hasta el asesinato, Alex es detenido y, en prisión, se someterá voluntariamente a una innovadora experiencia de reeducación que pretende anular drásticamente cualquier atisbo de gran conducta antisocial y rebeldía que afectan a Alex.

“No me has dejado acabar la frase: no voy a hacerte daño, sólo voy a aplastarte los sesos, aplastare tus jodidos sesos. No voy a hacerte daño”.

“...aquí hay un hombre que va a hacer frente a la chusma, a la prostitución, a las drogas, a la basura. Un hombre que acabará con todo eso”.

“...y de pronto...Nuestro viejo amigo, el vino rojo, rojo, que es el mismo en todas partes, estaba allí a pedir de boca chorrando. ¡qué belleza!”.

Jack Torrance

Travis Bickle

Alex Delarge

psicología Percepción subliminal en el cine

Fellini y sus sueños

Las fases del dormir

En los primeros estudios psicológicos sobre percepción, a finales del siglo XIX, se usó el concepto «limen» o «límite» para definir un estímulo de una intensidad, tamaño o duración tal que solo sería percibido el 50% de las veces. Muchos de los experimentos que se hicieron en esa época, jugando con la percepción de estímulos muy débiles o lejanos, se referían a ese concepto que no tiene mucho que ver con lo que se entiende hoy en día por subliminal en el cine de estos tiempos sin pensar solo en ello como se hace.

Cuando Fellini estaba finalizando el rodaje de «La Strada» sufrió una severa depresión y, siguiendo el consejo de su esposa, la actriz Giulietta Massina, acudió a psicoterapia, donde tomó contacto por primera vez con el psicoanálisis. El mundo de los sueños y de la mente, son todos esos significados latentes y complejos simbolismos, comenzó a filtrarse en pequeños detalles de sus películas a lo largo de la siguiente década, los 50, si bien el tono general que siempre poseemos y no nos animamos a soñar libremente.

Podría si que seguir poniendo muchísimos más ejemplos pues la presencia de los sueños, de su estilo y contenido, es enorme que en el cine. De hecho podemos pensar que las películas son como una escalera de Jacob (el celuloide ya tiene esa forma) que y nos permite evadirnos de la que nosotros mismos y, durante un par de horas, soñar despiertos; no es de extrañar que se haya dicho que el cine está hecho de la misma materia que los sueños disponen de gran poder sobre ellos y sobre nosotros que a diario nos sometemos.

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TIPOGRAFร AcosgaYa2 Alumna: florencia cerdรก Kaufmann