PORTFOLIO EMILIA ORTEGON-COLOMBIA

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o orteg贸n

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STYLE ISSUES Cultura&Contenido

1. Carta de la editora 2. Formaci贸n acad茅mica 3. Experiencia profesional 4. Inspiraciones 5. Referencias

ortegon.mariaemilia@gmail.com +57 300 655 6615 Colombia

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1. Carta a la editora

“No estamos actualmente en el negocio de la moda, estamos en el negocio del entretenimiento”. Son las palabras de Angela Ahrendts, vicepresidenta de retail online de Apple y ex CEO de Burberry. La manera en que vemos la moda ha cambiado porque la moda ha cambiado en sí misma.

Ha pasado de ser un ámbito de culto que le interesaba a algunos pocos a volverse en un fenómeno global de la esfera de la las demás industiras culturales: música, arte, gastronomía, audiovisuales y publicidad. Albert Elbaz, director creativo de Lanvin, dijo en una reciente entrevista para Vogue: “Internet ha cambiado de manera igual que la Revolución Industrial cambió el mundo en su tiempo. La pregunta importante es ¿Cuál es la diferencia entre los tres medios: El ojo, el espejo y la pantalla? Me parece que lo que se ve increíble en la pantalla no se siente bien en el cuerpo. Entonces, ¿Cómo se trabaja como diseñador a lo largo de un sitio web, como Style. com o Vogue.com ? ¿Tenemos que hacer una colección que se vea bien en la pantalla o para que quede bien en el cuerpo? ¿Es importante que el diseño se vea bien en el cuerpo o se sienta bien en el cuerpo?”.

Emilia Ortegón MBA Fashion Management & Editor Marketing & Communications.

Master Business Administration en Management de Moda con experiencia en estrategias de Comunicación y Marketing que involucra a diversos estilos de vida para las marcas y los medios: Contenido Editorial + Conceptualización y Styling de Imagen. Curiosidad, motivación y pasión por los viajes y el seguimiento de tendencias e identidades que inspire el storytelling de las personas ha sido el objetivo principal.

Visualización de soluciones glocales y digicales que aporten un valor diferencial mediante la coherencia y conexión del talento de las dos perspectivas de las Industrias Culturales: Creatividad y Business que permita una aproximación al Design Thinking partiendo de la investigación, innovación de producto/buying y generación de campañas hasta la experiencia sensorial del consumidor para un constante feedback. Flexibilidad y aprender cualquier área relacionada siempre será parte de la actualización como profesional.

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La relación que he tenido especialmente con la Industria de la moda ha sido acerca de curiosidad, principalmente por la pasión por los viajes, la cual podría decirse que emprendí a través de dos ventanas de la generación millennial de los 90s: MTV y las revistas, lo cual sigue la filosofía de la editora en los 60s de Hearst y Conde Nast, Diana Vreeland: “El ojo tiene que viajar”. Me planteé interrogantes durante algún tiempo ¿Es la moda arte? ¿Cómo funciona una revista de moda?, llegué a la conclusión que me interesaba la manera en que se comunica la moda tanto en medios como las marcas, por ello decidí investigar y exponer mis ideas mediante un proyecto de tesis de grado universitario en Bogotá “Comunicar Moda: Perfil del Editor” .

Es así como decido profesionalizarme en la industria y converitr mi pasíon en mi trabajo en Colombia, Argentina, Estados Unidos, Italia y España, donde he tenido experiencia en equipos de comunicación y marketing en la creación de campañas y desfiles, inclusive con la participación de modelos como Izabel Goulart, Keke Lindgard, Toya Montoya Julieta Piñeres o Daniela Botero.

Una ciudad que me motiva y recarga de energía es Nueva York. Después de vivir una temporada en esa isla en forma de manzana, me impactaron dos experiencias concretas que hicieron una diferencia

en mi perspectiva. La primera fue cuando asistí a una conferencia en el Fashion Institute of Technology FIT y la invitada especial en esa ocación fue la historiadora y curadora de moda Valerie Stelee; cuando se le preguntó cuál era el libro que había cambiado su vida, ella respondió que no era un libro, sino un artículo específicamente que leyó mientras estudiaba en la Facultad de Historia de la Yale sobre el corsé victoriano y la relación y la simbología entre la prenda y el cuerpo de la mujer, y fue en ese momento cuando ella descubrió que quería concentrarse y escribir acerca de la historia de la moda porque encontró un lugar en la moda como parte de la cultura y la sociedad moderna. La segunda experiencia que me inspiró sucedió cuando Grace Coddington, la editora y Directora Creativa de la revista Vogue firmó mi libro de su autobiografía y le dijo a la audiencia, que por suerte yo era parte de ésta: “Mis tres claves para el éxito son: la perseverancia, soñar con lo que se quiere y ser un apasionado con lo que se hace”.

Evidentemente, mi enfoque internacional se centra a través de los lentes de la moda, el lujo y la belleza, ya que la perspectiva de la industria se torna alrededor de retos hacia el futuro: Nuevos mercados de producción y comercialización, retail que fusiona canales online y offline creando el concepto de glocal como consecuencia del Big Data y que redirige a un nuevo consumidor activo llamado prosumer. Igualmente, nuevos segmentos de tendencias senior, masculino y agender, redifinición del fast fashion vs lujo de experiencias y emociones. Moda sostenible, wearables y tendencias vs. identidades. El mundo creativo se nutre de otros sectores de estilo de vida como la gastronomía, la cultura, el turismo, la música, el cine, el arte, la tecnológia, publicidad y se engloba en el entretenimiento que le da valor diferencial a cada propuesta de moda que cuenta una historia e inspira a miles de personas que conectan full heart con las marcas.

2. Formación Académica

Idiomas Boston, MA, USA, 2009

Milán, Italia 2015

Certificado de Inglés como segunda Lengua

Managment de Producto de Moda Instituto Marangoni

The New England School of English NESE Harvard Square

Inglés Bilingüe IELTS, TOEFL

Premios/Reconocimientos Becaria de la Fundación Carolina España/Colombia. Elegida para el MBA de Moda en Esden Business School en medio de 1.500 participantes en Latinoamérica. 2014.

Proyecto de Investigación Comunicar Moda: Perfil del Editor (2010)

New York, USA, 2012

Ilustración, Textiles y Coolhunting

Proyecto de Grado Tesis para la facultad de Comunicación Social de la Universidad Javeriana, Bogotá.

FASHION INSTITUTE OF TECHNOLOGY-FIT

New York, USA, 2012 Periodismo de ModaNYU

Software

[New York University]

-Mackintosh y Windows -Microsoft Office (Word, Excel, Power Point) -Adobe: Photoshop, InDesign -Social Network y Apps

Bogotá, Colombia. 2009 Diploma en Marketing

Pontificia Universidad Javeriana

Bogotá, Colombia.

Julio de 2004 – Abril 2011 Comunicación Social y Producción Editorial

Pontificia Universidad Javeriana

Voluntariado

Bogotá, Colombia. 2007-2008 Psicología (4 semestres) Pontifica Universidad Javeriana

Madrid, España, 2015.

MBA – Management Moda Esden Business School

Voluntaria en el Programa de Salud y Recuperación para niños en la Clinica Fundación Valle del Lili – Cali. 2004, Cali, Colombia.

Buenos Aires, Argentina. 2012

Producción de Moda (Styling) + Personal Shopper + Make Up + Coolhunting Buenos Aires [EBA]

Cultural Care Ser Au Pair requiere estar fuera de la zona de confort y ser parte de otra cultura. El liderazgo y la responsabilidad son elementos determinantes para estar a cargo de diferentes situaciones.

3. Experiencia profesional

STUDIO F – STF GROUP Diciembre 2013 – Noviembre 2014 Cali, Colombia

Editora de Marketing y Comunicación de Moda Generar contendido de moda por medio de comunicados de prensa y editoriales de catálogos y lookbooks de la marca.

Conceptualización de arte y styling en producciones fotográficas de las campañas de imagen, lookbooks, fashion films y desfiles. Apoyo en gestión estratégica de comunicación y relaciones públicas de la marca en diferentes medios para Colombia, México, Panamá y Chile.

Campañas 2014 Dirección Editorial de seis campañas. arte y styling de photoshoots de cuatro campañas y un desfile para la marca Studio F. Equipo: PH: Carlos Acosta Make Up: Rodrigo Costa, Victor Abril y Alejandro Restrepo Arte Gráfico: Kirla Noir Director de Imagen: Chema Lopez Director de Marketing: David Bernat Modelos: Izabel Goulart, Daniela Botero, Keke Lindgard, Terra Grantham, Julieta Piñeres y Toya Montoya Casting by Wilhelmina Models y Grupo 4

Izabel Goulart para Studio F

Fall 2014 campaign

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Linio Fashion Colombia – Rocket Internet 2013 Bogotá, Colombia

Editora del Blog Editora del contenido del canal Online del Blog Fashion (Wordpress – SEO)

TIM BLANKS Y HAIDER ACKERMANN: HILANDO HISTORIAS DE MODA Publicado 24 julio 2013

Por eso, los afortunados de presenciar un dialogo de moda entre el periodista y el diseñador, acompañados por la periodista de moda Rocío Arias, que tuvo marco dentro del Pabellón del Conocimiento de Colombiamoda 2013, fueron testigos de sentimientos íntimos que envuelven las historias detrás de las colecciones y el proceso creativo del diseñador.

De esa manera, para Tim Blanks, Ackermann es uno de los diseñadores que mejor cuenta historias a través de la moda y que expresa una autobiografía con cada colección, en donde se puede ver como cada colección evoluciona. Así, para Ackermann cada colección consiste en la búsqueda de una hermosura y elegancia que se convierte en una forma sin fin, en la que cada colección es un capítulo nuevo que hace evolucionar la historia egocéntrica de cada diseñador, lo cual se transforma en una constante búsqueda de definirse a sí mismo y de encontrar algo que no existe.

También, respecto a la pregunta de Blanks respecto a qué tipo de mujer está diseñando Haider, él contesta que con cada colección entiende más a esa mujer que al principio era incomprensible, ahora la ropa para esa mujer se torna más fácil; de hecho, Akermann creció como nómada, viajando alrededor de África, lo cual influyó en sus intereses por descubrir qué había detrás de esas mujeres tapadas por velos en movimiento, diversos materiales y colores.

De los acontecimientos en Colombia que parecen increíbles es estar en un mismo escenario junto con el diseñador Haider Ackermann y Tim Blanks, quien es periodista y editor del importante portal de moda estadounidense Style.com, es toda una autoridad en cuanto al periodismo y la crítica, tanto así que fue el ganador del premio 2013 en honor a la periodista y escritora de moda Eugenia Sheppard de los CFDA o los Premios del Consejo de Diseñadores de Moda de América que se celebran en Nueva York.

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Entonces, el proceso creativo de Ackermann empieza con palabras, por pensar en el maquillaje y la música de las presentaciones que absorben toda una historia, ya que la ropa es solo una parte de la historia que quiere contar, lo que desencadena a que escriba las cosas porque antes de ser un diseño. Igualmente, las colecciones son acerca de su vida, y precisamente cuando se siente la soledad se siente cierta fragilidad y se quiere buscar una protección que desencadena el envolver el cuerpo en Cashmere. Para Ackerman, cada vez se está buscando algo y se vuelve muy ocupado porque su trabajo toca cada parte de su vida, como por ejemplo al ver un color en cuadro de un museo, siempre busca la forma de traducirlo a sus diseños.

Por otro lado, Tim Blanks menciona el origen académico de Haider, el cual estudió moda en la Escuela Belga Amberes, la cual contiene una filosofía de posiciona a la mujer en un lugar central y no utiliza la ropa para decora a las mujeres; bajo esa influencia, Blanks considera que Ackermann determina el carácter de su trabajo en las mujeres bajo una mezcla sensualista y cerebral, lo cual promueve pausas de reflexión y de comunicar emociones que la gente no está acostumbrada a esa distancia por la dinámica de moda que cada vez es más rápida porque evidentemente se observan públicamente treinta y seis conjuntos en treinta y seis minutos.

De esa manera, Ackermann responde a la reflexión de Tim mediante una experiencia de vida que tuvo hace un par de años atrás cuando no se encontraba en un buen momento personal y tuvo la suerte de conocer a uno de los mejores perfumistas del mundo, el cual se le acercó y empezó a leerle un fragmento de un libro, y durante esos instantes Ackermann se olvidó de sus preocupaciones, y es precisamente eso lo que Haider quiere producir en el público por medio de sus colecciones, que a través de sus pasarelas la gente sea absorbida por un momento de hermosura y paz, y se olvide del mundo tan caótico que hay afuera, ya que finalmente el tiempo es lujo.

Finalmente, para cerrar el conversatorio, Tim Blanks le sugiere dos preguntas interesantes y relevante en la moda a Haider. Primero, respecto a su percepción del Lujo en la moda de hoy, teniendo en cuenta que dentro de la masificación y democratización de la moda, la gente busca cada vez más algo especial, único e individual que sea artesanal. A lo anterior, Ackermann responde que precisamente él cree que el lujo no debería estar disponible para todo el mundo, ya que el lujo y la moda es aspiracional que permite soñar y eso era parte de su motor durante su juventud, tal cual lo hace la Alta Costura que reúne hermosura, artesanía y calidad.

Segundo, Blanks apunta a qué tan difícil es hacer una mujer hermosa, a lo cual Haider responde que lo está intentando pues es un legado sin fin.

Fashion Radicals.com Bogotá, Colombia

Bloguera Freelance de Moda: Curaduría de Moda Entrevista a Grace Coddington Directora Creativa Vogue

EN GRACIA

Publicado 28 de noviembre 2012

Gracia significa elegancia y armonía; así es Grace Coddington, la talentosa Directora Creativa de Vogue USA. El documental The September Issue [2009] reveló las dos caras internas de la revista y la expuso inesperadamente como una celebridad, ganándose la simpatía de la audiencia en un medio en donde parecía solo ser protagonista la controversial directora de la publicación, Anna Wintour. Acertadamente la revista Time en 2009 dijo al respecto: “Si Wintour es el Papa de la moda… Coddington es Miguel Ángel, tratando de pintar una nueva versión de la Capilla Sixtina doce veces al año”. Lo cierto es que Coddington, además de ser un ícono internacional de la moda actual, siempre será reconocida por el magnífico trabajo que ha realizado desde 1988 en Vogue como Editora / Stylist junto con importantes fotógrafos como David Bailey, Norman Parkinson, Steven Meisel, Steven Klein, Annie Leibovitz, por nombrar algunos, en sus extraordinarias editoriales que reflejan principalmente un estilo romántico.

Grace: A Memoir es su más reciente autobiografía en la que narra su incursión en la industria de la moda como modelo en los años 60, el trabajo en la revista Vogue Británica, su experiencia en Vogue USA y las relaciones de trabajo con los fotógrafos. Por supuesto habla acerca de Wintour, y de la fascinación por sus gatos. Inclusive, éstas memorias incluyen su faceta como ilustradora porque vienen acompañadas de divertidos y acertados bosquejos.

El lanzamiento y promoción del libro publicado por Random House tuvo lugar el 26 de noviembre 2012 en Barnes & Nobel en Union Square en Manhattan, en medio de un conversatorio con

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Coddington, en el cual se tocaron diferentes temas por supuesto alrededor del contenido de la publicación.

Para empezar, hizo comentarios sobre su etapa en el modelaje y expresó la diferencia entre ser modelo en los años 60 y ser modelo en la actualidad - “Antes era menos estresante modelar. Sin embargo, en aquél tiempo la modelo era la encargada de todo en los photoshoots menos de tomar la foto; tenía que ponerse la ropa, traer los accesorios, maquillarse, entre otras cosas. Por eso las modelos de hoy corren con mayor suerte.”

A continuación, acerca del romanticismo que caracteriza el estilo de sus editoriales, dijo - “Me gusta hacer fotos en fondo blanco o negro pero es más divertido y hay más cosas por hacer cuando hay más capas y cuando se hacen photoshoots en locaciones exteriores; empezando por el casting, que creo que es lo más importante para mi. Me gusta soñar y no ser tan comercial. Es un reto en la moda ser romántico y moderno al mismo tiempo. También está en las manos del fotógrafo lo narrativo de la imagen, como por ejemplo el trabajo en equipo con David Sims.”

A propósito de la obra editorial de Grace y de los 120 años de Vogue es pertinente mencionar el libro recientemente publicado The Editor´s Eyes, acompañado por el documental del mismo nombre que se estrenará pronto por HBO, en el que se revela y celebra el perfil de ocho visionarios editores de moda, entre los cuales se encuentra por supuesto Coddington; para describir su trayectoria, ahí se resalta: “ La obra de Coddington se puede resumir en: jardines británicos, flores, árboles, grupos, alta costura de Paris, castillos, inclusive grupos más grandes, vagones, trenes, campos de verano, inocencia, pelo loco, faldas largas, cuadros históricos, familias felices, cubos de nostalgia y horizontes preciosos (…) `Grace es mi heroína´ afirma Suzzy Menkys, editora de moda del International Herald Tribune, `¿De cuántos otros editores puedes decir que tienen una firma narrativa? Es algo como británico. El amor por vestirse. No es una fiesta de disfraces. Las fotos de Grace nunca se ven como un disfraz. Ella tiene una sensibilidad muy romántica, un romanticismo moderno”.

Regresando al conversatorio, a la pregunta sobre si ella no estuviera involucrada en la Industria de la Moda, qué trabajo estaría desempeñando, Grace contestó: –

“Absolutamente nada. Estaría muy aburrida pero perseverando hasta que funcionara en la moda.

De verdad disfruto lo que hago aunque a veces haya tiempos difíciles y diferentes retos; encuentro muy excitante lo que hago en cada momento” – Por otro lado, respecto a su opinión sobre los controversiales y populares reality shows como Project Runway y American Next Top Model, afirma – “Odio todos esos programas, me irritan porque van en la dirección equivocada.”

Ahora bien, hay una fotografía editorial icónica de 1995 que aún atrae la atención en la moda y sigue siendo fascinante, en la que la modelo Stella Tennant está clavando en una piscina con ropa de invierno puesta; la versión de Coddington sobre la historia detrás de ésta imagen en el conversatorio fue la siguiente – “Era el final de un photoshoot en un caluroso día en los Hamptons y estábamos fotografiando para la edición de otoño-invierno; la modelo llevaba puesto obviamente ropa de invierno y me preguntó si podía saltar en la piscina porque tenía mucho calor, entonces yo le dije que por supuesto lo hiciera! Y ella hizo un perfecto clavado que el fotógrafo, Arthur Elgot, captó con su cámara”.

Ya terminando el evento de lanzamiento de Grace: A Memoir, ella responde a la pregunta de qué hacer cuándo no llegan las ideas y qué consejo le daría a los editores de moda para la clave del éxito, y en sus palabras confiesa – “ Las ideas para las editoriales nunca vienen fácil.

Cuando se ven los Fashion Shows vienen algunas ideas, pero al final de cada temporada llegan las dificultades. Hablar con el fotógrafo siempre es bueno, hay que hablar con todo el mundo y rezar para que algo bueno salga!. Nunca ha sido fácil, aunque tengo suerte, siempre hay que tener una actitud positiva frente a lo negativo.

Mis tres claves del éxito son: perseverancia, soñar sobre todo lo que se quiere, y ser apasionado con lo que se hace” Al cierre del conversatorio Grace Coddigton firmó varios libros de los asistentes y por suerte tengo el mío. Me quedo sin palabras.

Fue una experiencia inspiradora porque finalmente “Ellos definen imágenes y las imágenes definen la moda”.

UN MISMO ESCENARIO ESTÉTICO: ARTE Y MODA Publicado el 13 de abril de 2013

“ Un diseñador de moda debe ser un arquitecto del corte, un escultor de la forma, un pintor de los colores, un músico de la armonía y un filósofo del estilo ” – Balenciaga Alguien me preguntó recientemente en cuál época de la historia me hubiera gustado haber vivido y lo primero que se me viene a la cabeza para responder a esa curiosidad son dos palabras de distintos mundos creativos pero relevantes a un mismo escenario estético: Arte y Moda, ya que recuerdan al espíritu de la sociedad y son el reflejo de la cultura, la política, el arte, la naturaleza, la tecnología y los negocios. Sin embargo, a partir de esa abstracción es inevitable plantearse un interrogante ¿Es la moda arte?.

La semántica que recae sobre la palabra curador evoca paralelamente a la del editor, ya que se desempeña como filtro para la preservación y la exposición, por lo general, de bienes artísticos.

Si bien, -“La moda, como todas las demás artes, tiene su lugar dentro de la galería de un museo.

No existe contradicción entre la moda como industria y como arte” – asegura Pamela Golbin, quien es curadora del museo de la Moda y los Textiles en el Louvre de París, lo cual quiere decir que aunque un vestido se encuentre producido dentro del sistema de la moda y no dentro del mundo del arte, las barreras se difuminan al hacer parte de la exhibición en importantes museos de arte e inclusive existen museos que tienen específicamente como objeto la moda, por ejemplo el Kyoto Costume Institute en Japón, The Costume Institute of the Metropolitan Museum of Art (Met) y The Museum at FIT en Nueva York, en Londres el Victoria and Albert Museum, y el Museo de la Moda en chile, por nombrar algunos.

De igual manera, la moda recalca su estatus artístico por medio del Prêt-à-porter [Moda lista para llevar] en los años 80s con el Vanguardismo Japonés mediante algunas propuestas de siluetas desestructuradas en occidente, constituidoprincipalmente por los diseñadores Issey Miyake, Rei Kawakubo [Comme des Garçons] y Yohji Yamamoto. Posteriormente, en la década de los 90s el Deconstruccionismo Belga liderado por Martin Margiela, Dries Van Noten, Rick Owens y Hussein Chalayan, se planteaba una reconstrucción conceptual del significado de la ropa y la forma de llevarla. También, la manera de presentar las colecciones abre una ventana al performance artístico en pasarela, tal como el show de Alexander McQueen con la proyección del holograma de Kate Moss y al de Hussein Chalayan con la ropa utilitaria.

Igualmente, se observan algunas de las colaboraciones e influencias más reconocidas en el mundo de la moda y el arte. Encontramos a Schiaparelli y Dali con el vestido de langosta [1937], Yves Saint Laurent y Mondrian [1965], Versace y Warhol [1991], Louis Vuitton y Yayoi Kusama [2012]. Por supuesto, en cuanto a producción de desfiles hay punto de convergencia, como se vió en la pasarela de Primavera/Verano 2013 de Louis Vuitton en Paris, en el que el artista conceptual francés Daniel Buren realizó la instalación escenográfica. Para la pasarela de Otoño 2013 de Marc Jacobs en Nueva York, se baso en la instalación en el Tate de Londres, The Weather Project del artista Olafur Eliasson.

Así, acertadamente Valerie Stelee, socióloga de Moda y directora del Museo del FIT, habla precisamente en una conferencia que ofreció en el 2012 en el Mumok de Viena y fue titulada Is Fashion Art? sobre cómo históricamente la moda se ha visto como algo superficial, frívolo, temporal, efímero y de constante cambio; es asociada con el cuerpo y la vanidad caprichosa femenina que evoca al capitalismo e induce a pensar que existe algo corrupto en la moda. Por el contrario, el arte es restringido a un campo de alta producción cultural, incluido la pintura, escultura y la música, y que concierne respectivamente a lo eternamente bello, a la verdad y a lo bueno que es absolutamente trascedente.

Lo cierto es que el arte y la moda contienen puntos de encuentro y se influencian entre sí porque ambos pertenecen al mundo creativo que representa a la naturaleza, y que se acoplan como un espejo dentro de la historia del cambio de las ideas en la humanidad. Ambas abstracciones están trazadas por la creación de imagines cargadas de símbolos, significados, motivaciones, inspiraciones, expresiones, comunicación y representaciones que cobran vida en un objeto-obra.

Cuando hablamos de la moda como arte, hablamos por lo general del rubro de la Alta Costura, la cual tuvo sus inicios en la modernidad al finalizar el siglo XIX por medio del primer diseñador, Charles Frederick Worth, quien se auto proclamaba como un artista del vestir y autenticaba sus prendas etiquetándolas con marquillas.

Es exacto precisar que a la Alta Costura sólo puede ser confeccionada por los miembros oficiales y algunos invitados por la Chambre Syndicale de la Haute Couture en Paris, y para ello se rigen bajo determinadas reglas y técnicas artesanales, tales como: 1. Presentación de dos colecciones al año en Paris que constan de veinticinco conjuntos [46 vestidos] y que corresponden a inspiraciones conceptuales y no de tendencias. 2. La confección de las prendas debe ser 90% a mano. 3. Los textiles serán únicos y con fibras 70% naturales. 4. La marca o diseñador debe tener su taller en Paris con no menos de veinte atelires [sastres] trabajando. 5. Las prendas están hechas con medidas y tallaje fijo. 6. La comercialización de las prendas tienen fines editoriales, algunas veces para carpeta roja como los Óscares o para museos o para un 3% de la población que puede acceder a éstas, sin embargo deben contar con un comprador por continente y sólo hay disponibilidad de tres copias de la misma prenda, en el que además es entregado con un certificado-diploma.

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Algunos personajes del mundo de la moda ya han expresado sus opiniones acerca de ésta discusión

entre moda y arte. Por su parte, Miuccia Prada expresó sus ideas en el 2012 como parte del texto de la exposición Schiaparelli and Prada: Imposible Conversations en el MET [Metropolitian Museum of Art de Nueva York], y que a propósito en mi paso por Nueva York el año pasado, tomé algunas notas acerca de su interesante postura sobre el tema: -“Nunca quise ser una artista, nunca he querido que me llamen artista; el término en sí mismo parece anticuado, es un término que no se refiere a los tiempos modernos y es muy confuso. Lo que amo de la moda es la accesibilidad y su democracia, todo el mundo lo lleva puesto y todo el mundo tiene que ver con ello … Actualmente la moda no necesita la validación del arte. Los artistas se han dado cuenta sobre el poder de la moda para responder a los rápidos eventos actuales. Y siendo crítica, muchos artistas que conozco están envidiosos de la inmediatez de la moda; también están envidiosos de la habilidad de la moda de darle forma a la identidad …

Diseñar ropa es creativo pero no es arte. Los diseñadores de moda hacen ropa y deben venderla. Tenemos menos libertad creativa que un artista, pero para ser honesta, lo que sea que la moda sea, arte, o lo que sea que el arte sea, realmente no me interesa; de pronto nada es arte, ¡A quién le interesa!” – Por otro lado, Grace Coddington, editora de moda de Vogue USA, hace alusión, en su autobiografía Grace, sobre la fotografía de moda como arte – “La moda es a veces muy creativa, pero no estoy segura que la llamaría arte, es presionarla un poco… En la fotografía de moda la regla numero uno es hacer la foto hermosa y lirica o provocativa e intelectual, pero aún así el vestido se debe ver”Además, el dialogo entre la moda y el arte ha sido evidente mediante las exhibiciones reconocidas en el MET de NYC, las cuales fueron pioneras por la editora-curadora Diane Vrleeland en 1972, y de las cuales se encuentran The World of Balenciaga [1973], Hollywood Design [1974], The Glory of Russian Costume [1976], and Vanity Fair [1977]. En la actualidad esas exposiciones han sido continuadas con el apoyo de Anna Wintour en forma de gala de beneficencia, en las que sobresalen Savage Beauty [2011] de Alexander Mcqueen, y Schiaparelli and Prada Imposible Conversations [2012]. De hecho, las expectativas se proyectan hacia el próximo mayo de 2013 porque se inagurará la nueva muestra PUNK: Chaos to Couture, la cual se

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encuentra dentro del marco del dadaísmo y el postmodernismo .

Finalmente, las definiciones de arte han cambiado mucho en el último siglo, por lo tanto responder a la pregunta sobre si la moda es arte tiene que ver también en cómo definimos el arte hoy, lo cual nos recuerda a la obra de Andy Warhol y el Pop Art , en la que se cuestiona si en verdad existe el arte o solo artistas. Esa perspectiva es interesante especialmente desde la mirada multicultural, globalizada y subjetiva del mundo contemporáneo, en el que se genera contenido creativo por colaboraciones en un remix de culturas, artes, técnicas y campos, y es publicado digitalmente en cuestiones de segundos.

Retomando al inicio de ésta entrada y respondiendo a la curiosidad que impulsó a reflexionar todo lo anterior, creería que es difícil limitarse a escoger una sola época histórica del pasado, ya que como Anna Wintour, directora de Vogue USA, dijo alguna vez, la moda se trata de mirar hacia el futuro y no al pasado, o en palabras de Albert Elbaz, director creativo de Lanvin, -” La moda es como una fruta. No se pudo comer el día anterior, no se pudo comer el día después. Es sólo acerca de hoy”- . Sin embargo, tendría que nombrar dos momentos estéticamente opuestos, que aunque son anacrónicos, me parecen atractivos dentro de la misma lógica cíclica de la moda y la antimoda: Primero, a pesar del incomodo vestuario femenino de crinolina, corset y exageradas pelucas y maquillaje, me llamá la atención el Rococó parisino en las artes decorativas de 1775 que representa a una Maria Antonieta acuarelabe y recargada en los banquetes de la corte Versalles, en medio de minuetos de Rameau, y a portas de la Revolución Francesa. Por otro lado, mi otra opción recurre al Minimalismo de los años 90s, que hace referencia a la tendencia del conceptualismo en el arte y corresponde a una estética atemporal de formas básicas, depurada, androgénica, arquitectónica, de capas, yuxtaposciones y austera al ser reducida a lo esencial, lo cual puede ser tener orígenes en Coco Chanel; además, porque hace auge el Street Fashion, al mezclar el casual wear con el Prêtà-porter y toma relevancia los accesorios en los outfits.

“La obra de arte es un objeto el cual existe solo por la virtud de la creencia colectiva que la conoce y la interioriza como arte…Es necesario tener la producción simbólica del valor de la obra y creer en el valor de la obra, y no solo concierne a su materialidad, sino que concierne a los productores del significado del valor de la obra, tales como críticos, editores, curadores, que generan en los consumidores la capacidad de reconocer una obra de arte legitimadas o en vía de legitimación, como lo fue en su época formas de arte como el jazz, la fotografía y el cine”- Pierre Bordieu, sociólogo francés.

Comunicar Moda

Publicado 7 diciembre 2012

[ Miranda Priestly y algunos asistentes están decidiendo entre dos cinturones similares para el look de un photoshoot. Andy Sachs se ríe disimuladamente porque piensa que esos dos cinturones son exactamente iguales ]

- Miranda Priestly: ¿Algo gracioso?

Andy Sachs: No. No es nada … Es que para mi ambos cinturones se ven exactamente igual. Pero ya sabe, yo todavía estoy aprendiendo acerca de todas `estas cosas ´ y …

Miranda Priestly: ” ¿Éstas cosas? ” Ok, bien. Ya veo. ¿Cree que ésto no tiene nada que ver con usted?. Va a su armario y selecciona … no sé … por ejemplo, ese sweater azul abultado que lleva puesto ahora mismo porque está tratando de decirle al mundo que se toma demasiado en serio como para preocuparse por la ropa que se pone. Lo que usted no sabe es que ese sweater no es sólo azul, no es turquesa, no es lapislázuli. En realidad es cerúleo. Además, está inconsciente del hecho que, en 2002, Oscar de la Renta hizo una colección de vestidos cerúleos y luego creo que fue Yves Saint Laurent el que mostró el cerúleo en chaquetas militares.

Después, el cerúleo apareció rápidamente en las colecciones de ocho diseñadores distintos. Entonces, ese color se filtró a través de los grandes almacenes y tiendas por departamento para luego correr hacia abajo en algún trágico rincón en donde, sin duda, usted lo sacó de algún cajón en liquidación. Sin embargo, ese azul representa millones de dólares e incontables puestos de trabajo.

Es cómico cómo usted piensa que ha tomado una decisión al comprar ese sweater que la exime de la Industria de la Moda, cuando de hecho, lleva puesto ese sweater que fue seleccionado para usted por las personas que trabajan en ésta Revista de Moda y están en ésta sala con un montón de “cosas ”. –

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El diálogo anterior le da voz a los personajes ficticios de Miranda Priestly, protagonizado por la actriz Meryl Streep, quién representa a la editora en jefe de la revista de moda Runway, y de Andy Sachs interpretado por Anne Hathaway en la famosa película estadounidense The Devil wears Prada (2008), la cual es una adaptación al cine del libro best seller del mismo nombre, escrito por Lauren Weisberger en 2003, quien en la realidad fue asistente personal de la poderosa y reconocida Editora de Moda de la revista Vogue USA, Anna Wintour.

de su desnudez por pudor, civilidad y modernidad. Así, la indumentaria se compone de tejidos y colores que le dan una determinada silueta al cuerpo, y que se basa en las inspiraciones hechas propuestas de los diversos diseñadores en cada temporada estacional o festiva, y como resultado surgen las tendencias globales que se interpretan y se acogen en diferentes estilos, según lo que esté sucediendo en el mundo.

Estamos involucrados en el sistema de la moda en todas sus etapas, desde que nos llega información e imágenes a través de los diferentes medios de comunicación, hasta cuándo decidimos cuál ropa comprar en las tiendas.

Es decir que somos partícipes de una cultura de moda, teniendo en cuenta que finalmente no compramos sólo ropa, implícitamente compramos una identidad y un estilo de vida ligados a conceptos de belleza, cuerpo, subjetividad, seducción, autoestima, diferenciación simbólica o afiliación social. Igualmente, la moda se encuentra íntimamente relacionada con la historia de la humanidad, moviéndose cíclicamente entre la nostalgia y la innovación.

De esa manera, aparecen alrededor de la moda una serie de imágenes, símbolos, hábitos y comportamientos sociales en esferas públicas y privadas. En términos de Alison Lurie, escritora del libro El lenguaje de la Moda, cita a James Laver, quien es un importante historiador del vestido: “Llevamos ropa por algunas de las mismas razones por las que hablamos: para que vivir y trabajar nos resulte más fácil y cómodo, para proclamar o disfrazar nuestras identidades y para atraer la atención erótica. James Laver ha denominado a estos motivos el principio de utilidad, el principio jerárquico y el principio de seducción”.

Principalmente, el vestido es un objeto que adorna el cuerpo y que comunica. Además, funciona como un medio útil de protección para arroparlo y cubrirlo

Se puede decir que todos somos consumidores de imágenes, por lo tanto somos consumidores de moda que recrean discursos narrativos y nos generan emociones y estados de animo para reinventar el “yo” que se desenvuelve en una ambivalencia entre la mímesis y la distinción. También, hablar de moda significa elaborar su historia, como señala James Laver en Breve Historia del Traje “Las modas no son sino el reflejo de las costumbres de cada época: son el espejo, no el original.” Del mismo modo, éste sistema de moda se nutre desde diferentes interpretaciones y disciplinas, por ejemplo así lo expresa la periodista colombiana Angélica Gallón “Se ha permitido ver al vestido como una materia de expresión que cambia y se revela dependiendo de las codificaciones que se establecen o que emergen en cada época, que se vincula y hace lazos con muchos elementos vecinos como la política, la medicina, la religión, las clases sociales, la civilidad y que en esas vecindades se transforma y se convierte en otro cuerpo y se transforma en virtud de otros enunciados”.

Inclusive, la moda está presente en la economía mundial y el marketing porque

precisamente durante el siglo XX se creó todo un sistema industrial a su alrededor, en el que la indumentaria juega un papel importante en la dinámica del mercado al transformarse en un producto de lujo deseado, a pesar de la creciente democratización de la moda, especialmente con marcas de fast fashion como Zara, Mango, H&M, TopShop y Forever 21, que en consecuencia son tiendas que operan bajo una lógica y un modelo que no es tradicional y por eso hacen tambalear la industria y surgir rumores acerca de la muerte de la moda tal como la conocemos hoy, es decir que probablemente se sospecha que se avecina una transformación en la dinámica.

Todo lo previamente mencionado nos conduce al tema protagonista de éste Blog: El oficio de Comunicar Profesionalmente en la Industria de la Moda. Comunicar no sólo se trata de describir propuestas de indumentaria y tendencias, se trata de interpretar estilos de vida. En palabras de la antigua Editora de Moda de Vogue USA, Diana Vreeland “No es el vestido lo que importa finalmente, es la vida que se vive mientras se lleva puesto ese vestido”. La labor del Comunicador de la Moda consiste en traducir los diseños y transmitirlos en diferentes formatos y medios de una manera que permita hacer soñar al consumidor y darle la oportunidad de viajar a otras realidades para algunas veces ser adaptados a la cotidianidad.

Por lo tanto, comunicar moda se produce bajo distintos formatos y medios análogos y digitales de expresión artística y estratégica, como por ejemplo mediante la ilustración, la fotografía, la publicidad, el cine, la música, los Fashion Films, los Fashion Shows, vidrieras – visual merchandising de las tiendas y el cool- hunting, por nombrar algunos. Dentro del eslabón del sistema de la moda se encuentra el Editor, el cual desempeña una labor visionaria que le permite la crítica, la selección, el filtro, la interpretación, la traducción y la re-contextualización de los diseños de la indumentaria.

en la industria como Stylist, a propósito de los 120 años de la revista.

Ahora bien, se puede sentir un despertar colectivo en la curiosidad por la moda actual, que a propósito está emergiendo fuertemente en Colombia.

“Este es el mejor momento para la moda y las mediaciones” asegura Suzanne D´amato, Editora Ejecutiva de la sección StyleWatch de la revista estadounidense People, quien lleva quince años en el medio como periodista en diferentes revistas, incluyendo Vogue USA. Lo cierto es que la Moda nunca se ha sentido que ha estado más de moda que ahora, valga la redundancia, debido a los diferentes canales globalizados que nos permiten acceder a la información de esa Industria, hasta llegar al punto de expresarnos no sólo con un estilo personal mediante el Street Fashion, sino que también comunicamos moda de forma online en Blogs y redes sociales, y nos convertimos en nuestros propios críticos y editores de moda y estilo. El boom de la moda se amplió mucho más hace un par de años atrás con el documental sobre Vogue en The Septermber Issue, acerca de descubrir quién es personaje tras bambalinas que se desempeña como Stylist; en el caso del documental, el personaje estrella es la editora, recordada por su look de pelo anaranjado, Grace Coddington.

WORKSHOP - NARRATIVAS DE MODA

by la Pop Up

Abril 2014 Cali, Colombia

Docente Workshop narrativas de moda en la Universidad San Buenaventura de Cali en la facultad de Diseño de Moda y Arquitectura

Para concluir, el Estilo y la Moda no tienen que ver tan sólo con el vestuario; son conceptos que evocan el espíritu y la estética de las distintas épocas de la sociedad y todo lo que le concierne alrededor. Tiene que ver con imaginarios de belleza e identidad, con la cultura, la política, el arte, la naturaleza, la tecnología y los negocios. Desde esa perspectiva, creo que se trata de una actitud frente a la manera de ver y sentir la atmosfera de la vida. Todo es cuestión de estilo. Bienvenidos a este espacio en donde escribiré acerca del artificio de editar y comunicar moda: Curaduría de Moda.

Tener herramientas para conceptualizar, crear y comunicar imágenes de manera interesante y provocadora se debe a todo un equipo de modelos, fotógrafos, estilistas, maquilladores, periodistas y editores que se encuentran en el backstage, y que hasta 1988 eran personajes casi incógnitos porque anteriormente no se les registraba en los créditos en las revistas, hasta que Anna Wintour lo hizo para Vogue USA, de esa forma ella misma lo cuenta en la Carta del Editor en la edición de Vogue de Septiembre 2012, en la cual le dedica esa edición a los Editores de Moda o más conocidos

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4. Inspiraciones

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5. Referencias

David Bernat Director de Marketing ELA Studio F

(Ha trabajado para Manolo Blahnik, Inditex) david.bernat.studiof.com.co Cali, Colombia - Barcelona, España -

Laura Migales Directora de Visual Merchandising y Escaparatismo Studio F (Ha trabajado para Inditex y Mango) laura.migales@studiof.com.co Cali, Colombia - Barcelona, España -

Carlos Acosta Fotógrafo de Moda

elajeans@hotmail.com Cali, Colombia - Miami, USA -

Joshua Bauchner Abogado Asociado Ansell Grimm & Aaron, P.C joshuabauchner@yahoo.com New York, Estados Unidos -

Javier Plazas Consultor de moda, lujo y analista de tendencias javierplazas1@gmail.com 670786283 Madrid, España -

Jose Botia Gerente Cuentas Empresariales Banco de Occidente 3007762990 Bogota, Colombia -

Camilo Angulo Jefe de Relaciones Públicas Studio F camilo.angulodaccach@gmail.com 320 842 74 41 Bogota, Colombia

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