Emi Luque

Angelina Jolie “Siempre soy la mala de la película”

Arte Pop

Bali

Spotify

Premio

El Thyssen mitifica el movimiento más divertido y rentable. Pág. 10.

La joya de indonesia para hombres ocupados.

Pág. 18.

Descubre la playlist de Emma Watson.

Pág. 22.

Gana 2 abonos para el festival de Jazz de San Sebastian.

Pág. 4.

David Beckham Instinct Sport

Sumario e

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Colaboradores

Claudia Miranda “La dulce minimalista”

“Nuestro wikidani”

Daniel Graguera

Ana Marielina

Vicky Escolar

Diseñadora y escritora. Compagina su trabajo con el Master de Diseño Gráfico de Gauss Multimedia. Le encanta la cocina y hacer manualidades. En este número nos cuenta la resurección de Andy Warhol en el Museo Thyssen de Madrid.

Azafato de vuelo. Nos abandonó por Vueling y ¡le echamos de menos! También le gustan las manualidades, hace gorritos super chulos.

Le encantan las películas, de ahí que le hayamos dejado entrevistar a la mismisima Angelina Jolie.

Poeta en sus ratos libres. Le encanta escribir y nosotros escuhar sus presentaciones. Le gusta la fotografía. Estudia Diseño Gráfico y quiere ser grande en la vida. En este número se encarga de desmenuzarnos al artista Koons.

Coordinadora de proyectos en Factor ñ y profe de los Mongolitos Power de Gauss. A través de Neway ha conseguido entrevistar a los adorables gemelos Torres. Nos ha confesado que se puso como el “kiko”.

cmiranda@neway.es

dgraguero@neway.es

amarielina@neway.es

Vescolar@neway.es

Redacción Jefa de cierre

Director General

Fotografía

Administración Directora financiera

Alejandro Cinque acinque@neway.es

“La noventera más poética”

“La alegría de Gauss”

Staff

Editora y directora Emilia Luque eluque@neway.es

Redactor Jefe

Luis Manchego lmanchego@neway.es

Jefe de Arte

Lorena Marín lmarin@neway.es

Director de moda y belleza Pedro Fuentes pfuentes@neway.es

Asistente del director Victoria López vlopez@neway.es

Lidia Moncloa lmoncloa@neway.es Lourdes Contreras lcontreras@neway.es

Arte Editora gráfica Sabela Lara slara@neway.es

Jefe de Maqueta Esteban mench emench@neway.es

Moda Redactora de moda Silvia Solano ssolano@neway.es

Estilismo y producción

Icíar J. Carrasco icarrasco@neway.es

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Arturo Gil agil@neway.es

Gloria Romero gromero@neway.es

Contabilidad

Miqui Guerrero mguerrero@neway.es

Jessica Polar jpolar@neway.es

Pablo Fornés pfornes@neway.es

Josefina Andrés jandres@neway.es

Publicidad y Marketing Director de publicidad

María Lorenzo mlorenzo@neway.es

Enrique Godinez egodinez@neway.es

Jefe de publicidad Ana Morales amorales@neway.es

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Trend

APPS PARA LOCALIZAR TU MÓVIL Disgusto e impotencia con mayúsculas son algunas de las emociones que nos invaden cuando nos roban o perdemos el móvil.

EL MUSEO WHITNEY DE NY SE DESPIDE CON KOONS EL PRÓXIMO OCTUBRE, EL MUSEO WHITNEY DE NUEVA YORK SE DESPEDIRÁ DE LA QUE HA SIDO SU SEDE DURANTE 48 AÑOS. POR ANA MARIELINA. EL EDIFICIO DE HORMIGÓN diseñado por Marcel Breuer en el Upper East Side pasará a ser una extensión del Metropolitan y el Whitney se mudará, en la primavera de 2015, a un espacio nuevo, más amplio y adecuado para las grandes dimensiones (y ambiciones) del arte contemporáneo. Como un centro de exposiciones dedicadas al arte estadounidense, guarda cierta lógica que el canto del cisne del viejo Whitney sea una muestra de Jeff Koons, quintaesencia del creador americano de éxito, poseedor del récord en una subasta para un artista vivo, que logró el pasado noviembre cuando su escultura Balloon dog (Orange) se adjudicó en Christie’s por más de 58 millones de dólares (42,5 millones de euros). La muestra, titulada sencillamente Jeff Koons: a retrospective, se podrá ver hasta el 19 de octubre y viajará después al Pompidou y al Guggenheim de Bilbao.

Para que no decaigan los superlativos, la exposición quedará en los anales como la mayor retrospectiva dedicada a un único artista por el Whitney. Y es la primera consagrada a su legado en la ciudad en que vive. “No queríamos dejar el edificio mirando atrás con nostalgia. Queríamos hacer algo audaz que fuera nuevo para el Whitney, para Jeff y para Nueva York”, dice Scott Rothkopf, comisario de la antológica.

Cuatro años le ha costado organizar esta gran retrospectiva que recorre toda la carrera del artista, “desde su serie de 1978 hasta obras terminadas literalmente la semana pasada”, explica. Han hecho falta tres sema6

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nas, con equipos trabajando los siete días en turnos de 11 horas, para meter y colocar las más de 150 piezas que se exhiben, cuyo coste, “millones de dólares”, el museo prefiere no revelar. Espera, además, que marque un récord de asistencia.

La faraónica tarea de encapsular la trayectoria de Koons ya la emprendió el Guggenheim de Nueva York a finales de los noventa, pero fracasó por el excesivo coste y las elevadas exigencias de Koons. El artista, que ha tardado 20 años en acabar su última obra, Play-Doh, porque no daba con el material correcto que imitara la famosa plastilina, tiene unos altos estándares de calidad. Y siempre quiere más.

Como dice Adam D. Weinberg, director del Whitney: “Jeff Koons es el Andy Warhol de su tiempo”. Y no solo porque también eleve el objeto cotidiano y los motivos populares —una aspiradora, una colchoneta, un Popeye— a piezas (carísimas) de museo, sino porque, además, ha sido un adelantado a su tiempo, al influir, por ejemplo, en Damien Hirst. Y, como Warhol o Dalí, Koons ha hecho de él mismo su mejor obra.

“Esto es lo que quería en este momento de mi vida”, explicó el autor con su perenne sonrisa durante la presentación a la prensa.

“Tengo 59 años, y [con esta retrospectiva] puedo compartir mi diálogo con el arte con otros artistas jóvenes. Creo de verdad en el arte; me ha enseñado a ser mejor persona”, dijo. Cada serie de la obra de Jeff Koons corresponde a una etapa vital.

ESTOS EFICIENTES ALIADOS que nos ayudan a recuperar nuestros preciados gadgets se nos harán imprescindibles En ese instante en que nos llevamos las manos a la cabeza intentamos encontrar, bajo esa cascada desesperada de ideas, la solución para recuperar todo lo perdido junto a nuestro móvil.

Hasta hace poco tiempo, cuando perdíamos o nos robaban el móvil, la pérdida de datos, fotos e información privada estaba asegurada. En la actualidad, algunas aplicaciones extraordinarias nos asisten mejor que cualquier equipo de investigación para localizar nuestro móvil.

Entre las aplicaciones que se crearon para la localización de móviles a través de GPS, Buscar mi iPhone es la más reconocida, pero no la única. El dispositivo de localización se establece sobre un mapa que señala la zona geográfica en la que se encuentra el terminal extraviado o sustraído.

Pese al reconocimiento que se ha ganado Buscar mi iPhone, otras aplicaciones como Lockout Mobile Security ofrecen otros recursos de gran utilidad para que nuestro iPhone vuelva a nuestro bolso o bolsillo. Esta novedosa aplicación realiza una última fotografía de la posición de nuestro móvil sobre el mapa y antes de que se acabe la batería, de forma inteligente, envía la imagen a un dominio web para que dispongamos de la información más útil para la recuperación de nuestro terminal. Si tienes Android, Lockout Mobile Security también trabajará a tu favor.

Por su parte, Dot Lock Security Protection es altamente efectiva a la hora de desenmascarar y ponerle trabas al ladrón en caso de robo. Esta aplicación se empeñará en poder retratar con la mayor definición posible al responsable del robo, y a su vez, bloqueará la pantalla adicional de nuestro aparato.

Los que tengan Android podrán disfrutar de una protección casi aérea mediante el B-Secure Tracker. El sistema hace un seguimiento de la trayectoria de nuestro móvil luego de habilitar el mapa mediante Google Maps. Además, durante la “persecución” virtual, pero a la vez real, toma imágenes y, aunque no lo creas, registra y graba los sonidos que se producen alrededor del terminal.

Todo indica que estos eficientes aliados que nos facilitan las pistas más importantes para recuperar uno de nuestros aparatos más preciados, serán imprescindibles para todos en un futuro muy próximo.

Ellos inciden en que estos eficientes aliados que nos facilitan las pistas más importantes para recuperar uno de nuestros aparatos más preciados, serán imprescindibles para todos en un futuro muy próximo.

CONVIÉRTETE EN UN "IT-BOY" “IT” SIGNIFICA “INCLUSO TÚ”. “INCLUSO TÚ, HOMBRE DE NEGOCIOS” PUEDES CONVERTIRTE EN UNO. TE DAMOS LAS CLAVES. POR PABLO FORNÉS. 1 | Haz que tu voz llegue al pueblo: Ábrete un blog. De moda. De fotos de tus outfits. De fotos a paredes de edificios.

De fotos a fotos polaroid. De poesía moderna picantona. De fotos de playas. Risas. Zapatos. Pelos de colores. Música. Chanclas con calcetines. Fiestas. Amigos. Sabes que vas en la dirección correcta si al meterlo todo en una batidora, te sale un anuncio de cerveza.

2 | Tu objetivo es ser icono. Icono de nuevas generaciones, con lo que, si hay que vestirse entero de negro con calcetines blancos y zapatos en pleno verano, se hace.

3 | Tienes que estar al menos once meses de vacaciones al año.

Los sitios paradisiacos y las verbenas no se llenan solos.

4 | Rodéate de cool people. Que se note que estás ahí. Cada foto colgada es una irrefutable prueba de que te encuentras en la cúspide de la alegría. Tu deber como blogger y próximo icono del lifestyle es compartir con el resto de los humanos a tu gente guapa y tu forma de vida guay.

5 | Hazte amigo de...David Delfín o Mario Vaquerizo.

6 | Hazte fotos con...David Delfín o Mario Vaquerizo.

7. Cuelga tus fotos con...David Delfín o Mario Vaquerizo.

8 | Juega al despiste con tu sexualidad. Que no se te vea demasiado gay ni demasiado hetero. Tienes que mantener a ambos públicos necesitados de tus actualizaciones.

9 | Cómprate un Mac o dos. Si ya tienes, cómprate un iPad. Si ya tienes iPad, cómprate una buena cámara de fotos de las caras. Si ya tienes cámara de fotos de las caras, cómprate una cámara desechable en los chinos.

10 | Nuevos oficios. Agujerea una camiseta. Ya eres diseñador.

11 | Hazte DJ. Un paso de lo más fácil y provechoso.

12 | Pinta y colorea. Necesitas un hobby, potenciar tu vena artística. ¿Dibujas como un niño de cinco años? ¡bien!

13 | Usa chándal. En serio, aunque no sea domingo. El chándal es lo más. Bueno, igual ya no, pero por eso vosotros lo tenéis que poner de moda, que a mi siempre me gusta ir a la moda y no sólo los domingos.

14 | Salte de Tinder. A no ser que quieras tener millones de matches todos los días. A mí me agobia.

15 | Ahora eres un maniquí viviente. Cuida tu cuerpo, hazte runner, haz deporte. Hazlo por tu followers. Hazlo por ti.

16 | Si has seguido hasta aquí estos cómodos y sencillos pasos doy por seguro de que ya te están llegando cajas y paquetes de ropa e invitaciones a todo.

Aquí empieza tu nueva vida en las redes sociales. Cada actualización irá dedicada a la marca que te ha agasajado o a batidos de soja.

Se aconseja aprender a doblar muy bien las prendas, ya que te va a tocar hacer una foto desde arriba, tipo bodegón.

17 | Ama a Ryan Gosling y a Joaquín Torres sobre todas las cosas. Pueden parecer incompatibles y puntos opuestos de la línea evolutiva.

18 | Ahora eres modelo. Sí, modelo. Te pueden llamar para una sesión de fotos para un artículo titulado “Jóvenes que darán de hablar” o “ Jóvenes iconos” o “Moda en la red”.

19 | Si quieres llegar lo antes posible a tu meta...escribe artículos para Neway, y tendrás millones de lectores y followers en Twitter.

“Hazte amigo de David Delfín o Mario Vaquerizo”

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Look

Hipster summer LA VERDAD es que el verano es una estación bastante hortera. Entre tanto look de turista guiri y la infinita presencia de prendas horribles como las chanclas de playa o las camisetas de tirantes, se hace hasta difícil encontrar a gente realmente bien vestida. Diseñadores y marcas han tomado nota y han ensalzado como nunca antes la figura de los ugly shoes, o sea, la de los zapatos feos. Que otra cosa no, pero cómodos y fresquitos son un rato.

Apúntate a la tendencia y ficha las prendas que más van a llevarse, ¡verás como tienen su punto!

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Cooltureta St.

Andy Warhol

RESUCITA EN EL MUSEO THYSSEN

EL CENTRO MADRILEÑO DESMENUZA EL ARTE POP, EL MOVIMIENTO MÁS DIVERTIDO Y RENTABLE DEL SIGLO XX, EN 104 OBRAS. POR CLAUDIA MIRANDA.

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l pop es un arte “popular, efímero, prescindible, barato, producido en serie, joven, ingenioso, sexy, divertido, glamuroso y un gran negocio”. La perfecta definición del movimiento más conocido de todos los tiempos fue hecha por Richard Hamilton, uno de sus precursores y el primero en introducir el término en una obra. Fue en su conocido collage Just what was it that made yesterday's homes so different, so appealing? (1956). La obra muestra a un culturista que sujeta un enorme chupa-chup, con la palabra pop (un fragmento de la marca de caramelos American Tootsie Roll Pop).

El hombre está rodeado de los objetos que garantizaban una vida de consumo placentera (televisor, aspiradora, magnetofón...). Una versión de esta histórica pieza de Hamilton, fechada en 1992, sirve de arranque de la exposición Mitos del pop, que el martes se abre al público en la Fundación Thyssen. Una versión de una histórica pieza de Richard Hamilton sirve de arranque Comisariada por Paloma Alarcó, es una muestra que enlaza con el final de la colección del museo y trata de desmenuzar el movimiento a partir de un centenar de obras prestadas por decenas de instituciones internacionales y nacionales. Están todos los grandes nombres profusamente representados: Warhol, Lichtenstein, Hockney, Richter o Claes Oldenburg, junto a los españoles que participaron en él: Arroyo, Genovés, Equipo Crónica, Equipo Realidad, Gordillo o Darío Villalba.

Ya desde el exterior del edificio se aprecia el carácter colorista y amable del movimiento con un luminoso en el que está escrita la palabra POP, en amarillo sobre fondo gris. Dentro, dos piezas de Andy Warhol dan una pista de lo que le espera al visitante. Son las 10 serigrafías repletas de deslumbrante colorido (Flowers, 1970) y Detalle de pintura renacentista (1984). Vienen luego los orígenes (collage, publicidad, cómic), los emblemas (latas de sopa, Coca-Cola, sellos), los mitos (Marilyn, Jackie, Mao, Brando, los Beatles), los retratos de los artistas (Andy Warhol, David Hockney), paisajes y naturalezas muertas, pinturas de historia, erotismo urbano y arte sobre arte.

Paloma Alarcó ha preferido dividir la exposición en temas, en lugar de por orden cronológico. Ha optado por recrear un movimiento que tiene sus raíces en Inglaterra, pero que crece y se desarrolla plenamente en Estados Unidos. “Es un arte”, explica la comisaria, “que quiere ser entendido por todo el mundo. No es elitista ni retorcido. Da la espalda a todo lo que signifique abstracción. Un arte rompedor que mira a toda la historia de la pintura, aunque se inspira en la publicidad, en el cine y en el cómic”.Es la peculiar crónica de unos años en los que los medios de comunicación inundan a los ciudadanos con marcas y productos que se repiten una y otra vez. Esos anuncios son asumidos como propios por los artistas. Desde las famosas dianas de Jasper Johns y Peter Blake hasta las marcas comerciales adquiribles en los supermercados, como hizo Andy de Warhol. Lichtenstein, Warhol, Hockney, Richter u Oldenburg están representados. Reconoce Alarcó que los seguidores de Mad men tienen en esta exposición un doble aliciente porque está todo el colorido, el ambiente y la escenografía que con tanta precisión reproduce la serie televisiva. Los personajes de Disney, Hollywood y del mercado se mueven a la perfección con la familia de Don Draper y los ejecutivos de Madison Avenue.

“Es un tipo de obra que sigue totalmente vivo”, prosigue Alarcó, “tal como lo demuestran los precios que estos artistas logran en las subastas y las muchas exposiciones y libros que se siguen produciendo.

Su vigencia es mundial”.Pese a ese interés y a las iniciativas dedicadas a estudiar partes del movimiento, desde 1992 no se organizaba una exposición tan importante como esta. “No falta ninguna pieza esencial”, asegura Alarcó. “Si no se ha podido traer una pieza muy concreta ha venido algo similar. Si tuviera que señalar algún vacío, diría que hubiera querido tener a Claes Oldenburg mejor representado. Solo hay dos piezas, y su papel es muy importante”.“No falta ninguna pieza esencial”, asegura la comisaria Paloma Alarcó ¿Es posible descubrir a estas alturas nuevos aspectos del pop? Paloma Alarcó cree que sí. “Me gustaría acabar con las dudas de quienes creen que es un movimiento banal repleto de oportunistas. No fue así. Casi ningún artista de aquellos años se sustrajo a su atractivo, aunque luego siguieran por otros derroteros. Fue un movimiento intelectualmente potente y estéticamente muy atractivo”.

Respecto a cómo los artistas españoles lo reinterpretaron, la comisaria lo resume en una palabra: intensidad. “En Estados Unidos se trata

de dulcificar una forma de vida, dar una versión atractiva de la realidad, aunque veamos una inmensa tristeza en los ojos de las mujeres de las viñetas que pinta Roy Lichtenstein. Pensemos en Vicky (1964) o La mujer en el baño (1963). Los artistas pop españoles están muy politizados, no hay superficialidad en su obra. El abrazo (1976), de Juan Genovés o Caín y Abel (1967), del Equipo Realidad, son obras cargadas de denuncia política”. El arte pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras,1 además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.1 El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste.

El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto. De cualquier forma, el arte pop también es la continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones. Del mismo modo, el arte pop era tanto una extensión como un repudio del Dadaísmo.3 Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento Dada. Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp, Kurt Schwitters, Man Ray, Max Ernst y Jean Arp. El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos. con diferentes motivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos» ) y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto.En contraste, el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular estadounidense, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad. El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular estadounidense vista desde lejos, mientras que los artistas estadounidenses estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura.

La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.

El Grupo Independiente, fundado en Londres en 1952, es reconocido como el precursor del movimiento artístico pop. Eran un grupo de jóvenes pintores, escultores, arquitectos, escritores y críticos que desafiaban la visión modernista de la cultura así como la perspectiva tradicional de ver las Bellas artes. Las discusiones del grupo se centraban en la cultura popular y la implicación de la aparición de dichos elementos de comerciales, películas , tiras cómicas, ciencia ficción

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y la tecnología. Durante la primera reunión del Grupo independiente en 1952, el co-fundador, artista y escultor Eduardo Paolozzi presentó una lectura utilizando una serie de collages titulado Bunk!, el cual había ensamblado durante su estancia en París entre 1947 y 1949.El material consistía en «objetos encontrados» tales como anuncios, personajes de tiras cómicas, portadas de revistas y material gráfico que representaba la cultura estadounidense. Una de las imágenes utilizada en dicha presentación fue un collage de 1947 de Paolozzi titulado I was a Rich Man’s Plaything, el cual incluye la primera vez en que se utilizó la palabra “pop!, que aparecía en una nube de humo que emergía de un revólver.4 8 Después de dicha presentación, el grupo independiente se enfocó principalmente en el uso de imágenes de la cultura estadounidense, principalmente aquellas que aparecían en los medios de comunicación masivos.

El término arte pop fue acuñado finalmente por John McHale en 1954 con la finalidad de describir el movimiento. Éste fue utilizado en las discusiones del Grupo independiente durante su segunda sesión realizada en 1955 y la primera aparición de dicho término en una publicación impresa tuvo lugar en 1956, en un artículo publicado en Arc por parte de los miembros del Grupo Alison y Peter Smithson.9 sin embargo el término generalmente es acreditado al crítico y curador británico Lawrence Alloway, quien en un ensayo titulado The Arts and the Mass Media (las artes y los medios masivos) de 1958 utilizó el término «popular mass culture» (cultura popular de las masas).

Aunque el movimiento comenzó a finales de 1950, el arte pop en Estados Unidos tuvo su mayor impulso durante la década de 1960.

En ese momento, la publicidad estadounidense había adoptado muchos elementos e inflexiones del arte moderno y funcionaban a un nivel muy sofisticado. En consecuencia, los artistas de América tenían que buscar más profundo para los estilos dramáticos que se distancia del arte de los materiales bien diseñados e inteligente comerciales. Por lo que los británicos consideraban a las imágenes de la cultura popular americana desde una perspectiva un tanto alejado, sus puntos de vista se inculca a menudo con romántico, connotaciones sentimentales y humorísticos.

Por el contrario, los artistas de América siendo bombardeados a diario con la diversidad de las imágenes producidas en masa, el trabajo que se producen en general más audaz y agresivo. Dos pintores importantes en el establecimiento del vocabulario del arte pop de Estados Unidos fueron Jasper Johns y Robert Rauschenberg. Mientras que las pinturas de Rauschenberg tener relaciones a los trabajos anteriores de Kurt Schwitters y otros dadaístas, su preocupación con las cuestiones sociales del momento. Su método consistía en crear arte con materiales efímeros y el uso de acontecimientos de actualidad en la vida de todos los días de América dio a su trabajo una calidad única. El trabajo de Johns y Rauschenberg de la década de 1950 está clasificado como Neo-Dada, y es visualmente distinta de la clásica Arte pop norteamericano que comenzó en la década de 1960. De igual importancia para el arte pop es Roy Lichtenstein. Su trabajo probablemente define la premisa básica del arte pop mejor que cualquier otro a través de la parodia. Selección de la tira cómica antigua como la materia, Lichtenstein produce un duro filo, la composición precisa que los documentos, mientras que las parodias de una manera suave. Las pinturas de Lichtenstein, como las de Andy Warhol, Tom Wesselmann y otros, comparten un vínculo directo a la imagen habitual de la cultura popular norteamericana, sino también tratar el tema de una manera impersonal, ilustrando claramente la idea-

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lización de la producción en masa. Andy Warhol es probablemente la figura más famosa del arte pop. Warhol intentó tomar Pop más allá de un estilo artístico a un estilo de vida y su obra a menudo se muestra la falta de afectación humana que prescinde de la ironía y la parodia de muchos de sus compañeros. unque en España, el estudio del arte pop se asocia con la “nueva figuración”, surgió de las raíces de la crisis del informalismo. Eduardo Arroyo se podría decir que encaja dentro de la tendencia del arte pop, en razón de su interés por el medio ambiente, su crítica de nuestra cultura, los medios de comunicación que incorpora los iconos de los medios de comunicación de masas y la historia de la pintura, y su desprecio por casi todos los establecidos artística estilos. Sin embargo, el español que podría ser considerado como el más auténtico artista pop fue Alfredo Alcaín, por el uso que hace de las imágenes populares y espacios vacíos en sus composiciones. También en la categoría de arte pop español es la “Crónica del Equipo” (El Equipo Crónica), que existió en Valencia entre 1964 y 1981, formado por los artistas Manolo Valdés y Rafael Solbes. Su movimiento puede ser caracterizado como Pop por su uso de los cómics y las imágenes de la publicidad y la simplificación de las imágenes y composiciones fotográficas.

El cineasta Pedro Almodóvar salió de Madrid “La Movida” subcultura (1970) haciendo de bajo presupuesto super 8 películas de arte pop y fue llamado posteriormente el Andy Warhol de España por los medios de comunicación en el momento. En el libro “Almodóvar en Almodóvar”, es citado diciendo que la película de 1950 “Funny Face “ es una inspiración central de su obra. Una marca pop en el cine de Almodóvar es que siempre produce un anuncio falso que se insertará en una escena.

En Italia, el arte pop fue conocido desde 1964 y tomó diferentes formas, como la “Scuola di Piazza del Popolo” en Roma, con artistas como Mario Schifano, Franco Angeli, Giosetta Fioroni, Tano Festa y también algunas piezas de arte de Piero Manzoni y Mimmo Rotella.

El pop art italiano se gestó con la cultura de los años 1950, con los trabajos de dos artistas en particular: Enrico Baj y Mimmo Rotella, considerados los líderes del movimiento. De hecho, fue entre los años 1958 y ‘59 que Baj y Rotella abandonaron sus anteriores carreras —las cuales podrían ser definidas en general como un género no representativo a pesar de pasar por el post-Dadaismo— para catapultarse hacia el mundo de las imágenes y reflejos que estaban brotando a su alrededor.

Los posters de Mimmo Rotella consiguieron un gusto más figurativo, a menudo explícitamente e intencionalmente refiriendose a los grandes íconos de la época. Las composiciones de Enrico Baj estuvieron inmersas en el kitsch contemporáneo, lo que terminaría siendo una mina de oro de imágenes y un estímulo para toda una generación de artistas.

La novedad se apoya en el nuevo panorama visual, tanto dentro de cuatro paredes como fuera: automóviles, señales de transito, televisión, todo el “nuevo mundo”. Todo puede pertenecer al mundo del arte, el cual es nuevo en sí mismo. Desde ese punto de vista, el arte pop italiano toma el mismo camino ideológico que la escena internacional; lo único que cambia es la iconografía y en algunos casos, la presencia de una actitud más crítica. Incluso en este caso, los prototipos pueden ser hallados originialmente en Rotella y Baj, ambos lejos de ser neutrales en su relación con la sociedad. Sin embargo este no es un elemento exclusivo; hay una larga lista de artistas, desde Gianni Ruffi hasta Roberto Barni, desde Silvio Pasotti hasta Umberto Bignardi y Claudio Cintoli que tratan la realidad como un juguete, como una vidriera de donde sacar material con desencanto y frivolidad, cuestionando los modelos lingüísticos tradicionales con un renovado espíritu de diversión al estilo Aldo Palazzeschi.

El arte pop en Japón es único e identificable como el japonés, debido a las materias regulares y estilos. Muchos artistas pop japoneses se inspiran en gran parte del anime, y en ocasiones ukiyo-e y el arte tradicional japonés. El artista más conocido del pop en la actualidad en Japón es Takashi Murakami, cuyo grupo de artistas, Kaikai Kiki, es mundialmente conocida por su propio movimiento de arte producidas en serie, pero muy abstracto y único superflat, un surrealista, movimiento post-moderno, cuya inspiración viene sobre todo de anime y la cultura callejera japonesa, es sobre todo para los jóvenes en Japón, y ha hecho un gran impacto cultural. Algunos artistas de Japón, como Yoshitomo Nara, son famosas por su arte del graffiti de inspiración, y

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algunos, como Murakami, son famosos por plástico producidos en serie o figuritas polímero. Muchos artistas pop en Japón utilizan surrealista u obsceno, imágenes impactantes en su arte, tomado del hentai japonés. Este elemento de la técnica llama la atención de los espectadores jóvenes y viejos, y es muy sugerente, pero no se toma como ofensiva en Japón. Una metTáfora común utilizada en el arte pop japonés es la inocencia y la vulnerabilidad de los niños y jóvenes. Artistas como Nara y Aya Takano los niños utilizan como materia en casi todos los de su arte.

Mientras Nara crea escenas de ira o de rebelión a través de los niños, Takano comunica la inocencia de los niños al retratar chicas desnudas.

Mientras que en los Países Bajos no había movimiento Pop Art formal, hubo un grupo de artistas que pasó un tiempo en Nueva York durante los primeros años de Pop Art y se inspiró en el arte pop internacional. Los principales representantes del arte pop de los holandeses son Asselbergs Gustave, Woody Van Aamen, Daan van de Oro, Bentley Rik, Jan Cremer, Wim T. Schippers y Frenken Jacques. Tenían en común que se opusieron a la mentalidad de la pequeña burguesía holandesa por la creación de obras humorísticas con un tono grave.

Los ejemplos incluyen Sexo en punto de Woody van Amén y Crucifijo / Meta de Jacques Frenken.Son multitud las obras de arte pop basadas en historietas. Román Gubern destaca con Flash (1963), Richard Pettibone con Tricky Cad (1959), Jess Collins con Dick Tracy (1960), Andy Warhol con Good Morning, Darling (1964) y Roy Lichtenstein con As I Opened Fire (1964). Con los años, algunos historietistas serían influidos a su vez por el Pop-Art. Es el caso del belga Guy Peellaert, autor de obras como Jodelle (1966) y Pravda la Survireuse (1968).

Andrew Warhol (agosto 6, 1928 hasta febrero 22, 1987), conocido como Andy Warhol, fue un pintor, grabador y director de cine que fue una figura destacada en el movimiento de arte visual conocido como el arte pop. Después de una exitosa carrera como ilustrador comercial, Warhol se convirtió en mundialmente famoso por su trabajo como pintor, cineasta de vanguardia, productor, escritor y miembro de los círculos sociales muy diversos que incluyen la gente bohemia de la calle, destacados intelectuales, celebridades de Hollywood y los ricos los clientes. Warhol ha sido objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, libros y películas y documentales. Él acuñó la expresión utilizada “15 minutos de fama.” En su ciudad natal de Pittsburgh, Pennsylvania, El Museo Andy Warhol existe en la memoria de su vida y obras de arte.

El precio más alto jamás pagado por una pintura de Warhol es de $ 100 millones para un lienzo de 1963 titulado Ocho Elvis. La transacción privada se informó en un artículo de 2009 en The Economist, que se describe Warhol como el “barómetro del mercado del arte.” $ 100 millones es un precio de referencia que sólo Jackson Pollock, Pablo Picasso, Vincent van Gogh, Renoir Pierre-agosto, Gustav Klimt y Willem de Kooning han logrado. Andrew Warhola (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos. no de los aportes más populares de Warhol fue su declaración: «En el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos». Esta frase de cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows.

Fue personaje polémico durante su vida —algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas— y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y documentales, además de ser recreado en obras de ficción como la película I Shot Andy Warhol (Mary Harron, 1996). Al margen de la fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX debido a su revolucionaria obra. Fue el tercer hijo del matrimonio eslovaco que emigró a Estados Unidos. Sus padres eran Andrej y Julia Warhola, originarios de Miková, una ciudad muy pequeña por aquel

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entonces perteneciente al Imperio austrohúngaro y hoy al distrito de Stropkov, República Eslovaca. En 1914 Andrej Warhola emigró a Estados Unidos para trabajar en minas de carbón, mientras que su mujer emigró siete años después con sus dos hijos mayores.

Mientras cursaba tercero de primaria, Andy empezó a sufrir el popularmente conocido como baile de San Vito, es decir, la corea de Sydenham. Esta enfermedad provoca una afección del sistema nervioso que causa movimientos incontrolados de las extremidades y desórdenes en la pigmentación de la piel. Desde entonces fue hipocondríaco y desarrolló pavor a médicos y hospitales. Pasó buena parte de su infancia postrado en una cama y se convirtió en un proscrito entre sus compañeros de clase, desarrollando una fuerte fijación hacia su madre. Mientras estaba en la cama dibujaba, oía la radio y coleccionaba imágenes de estrellas de cine que colocaba alrededor de su cama. Más tarde, definió esta etapa como muy importante en el desarrollo posterior de su personalidad, sus habilidades y sus gustos. Decidió estudiar Arte comercial en la actual Carnegie Mellon University (Pittsburgh). En 1949 se trasladó a Nueva York para iniciar una carrera como ilustrador de revistas y publicista. Durante los años 1950 ganó cierta reputación gracias a sus ilustraciones para un anuncio de zapatos. Dibujos a tinta, bastante sueltos y emborronados que fueron expuestos en la galería Bodley de Nueva York.

Con la difusión de las nuevas tecnologías del vinilo y la alta fidelidad, las empresas discográficas se encontraron en un contexto comercial completamente nuevo que no tardarían en explotar. RCA contrató a Warhol y a Sid Maurer, entre otros artistas freelance, para el departamento de diseño de portadas de discos, cartelería y material promocional.Su primera exposición individual fue en la galería californiana Ferusel. Era el 9 de julio de 1962 y marcó el debut del movimiento pop art en la costa oeste.6 Cuatro meses más tarde, entre el 6 y 24 de noviembre, inauguró su primera exposición en Nueva York. Exactamente en la galería Stable, propiedad de Eleanor Ward. Allí incluyó El díptico de Marilyn, 100 latas de sopa, 100 botellas de cola y 100 billetes de dólar. Y fue allí donde conoció a John Giorno, con quién después coincidiría en la primera película warholiana: Sueño (1963).

En esa época empezó a pintar sus famosos dibujos de la sopa Campbell y de las botellas de Coca-Cola, a los que consideraba tan iconos estadounidenses como Marilyn Monroe, Troy Donahue o Elizabeth Taylor. También fundó su estudio The Factory, por donde pasaron artistas, escritores, modelos, músicos y celebrities underground del momento. El taller, decorado con hojas de papel de aluminio color plata, estaba inicialmente en la calle 47. Después se mudaría a Broadway. Su obra empezó a ser muy conocida y desató ciertas polémicas sobre el papel del artista y la finalidad del arte.

Desarrolló unas imágenes personales a partir de objetos completamente impersonales, como billetes de dólar o nuevos productos de moda. Utilizaba imágenes propias de los periódicos, los carteles y la televisión para definir un olimpo particular, compuesto de símbolos de la cultura estadounidense: la silla eléctrica, las fotografías de cargas policiales contra manifestantes por los derechos civiles o los retratos de celebridades del momento. La botella de Coca-Cola se convirtió, para él, en un tema pictórico. El MOMA organizó un simposio sobre arte pop en diciembre de 1962 y algunos artistas, entre ellos Warhol, fueron atacados por «rendirse» al consumismo.

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Angelina

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La malvada más deseada

LA ACTRIZ PROTAGONIZA Y PRODUCE LA VUELTA DE TUERCA DE DISNEY AL CUENTO CLÁSICO DE «LA BELLA DURMIENTE».

POR DANIEL GRAGUERA.

PROBABLEMENTE EL MENSAJE más importante que uno recibe de «Maléfica» es que los villanos se hacen, no nacen. El dolor y la traición provocan a la malvada protagonista de una de las películas más esperadas del año su sed de venganza. En manos de Angelina Jolie la maldad acaba siendo una lección de interpretación. Sin invitación para la fiesta ella se presenta como protagonista de una historia que promete convertirse en franquicia sin haber sido creada con ese fin. «Una de las razones por las que me convertí en productora de la película fue para tener control sobre el personaje. Quería participar en el diseño de su imagen, en el vestuario, en el doblaje, en los efectos especiales. Maléfica es el personaje más importante de mi carrera», confiesa Jolie.

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Estamos sentadas en una mesa del hotel Four Season de Los Angeles. Ella, una de las actrices más perseguidas del planeta, sorprende por su naturalidad, por su franqueza, por la facilidad con que se ríe al hablar de su hija Vivian, que interpreta a la princesa Aurora cuando es niña. «Reconozco que me costó perseguir a mi hija como Maléfica, pero ensayamos y lo convertimos en un juego para que ella no se sintiera acosada. Cada vez que me acercaba, ella tenia que sonreír, así se sentía cómoda. Para mí fue más difícil porque tener a tu hijo en brazos y decir "No me gustan los niños" no es agradable. Espero no haberle causado una fuerte impresión con mis palabras» (se ríe).

LA MEJOR VILLANA DEL CINE Para Angelina la crueldad es algo natural en el mundo que vivimos, los villanos son gente normal que han sufrido y destilan su dolor en todos los que les rodean. «Mis hijos saben que mi lucha es contra la injusticia. He viajado alrededor del mundo, entrevistando a presidentes y jueces, buscando terminar con la impunidad que existe en los países más pobres. La venganza se origina cuando la gente sufre y ve a los que atacan vivir sin ningún tipo de consecuencia. Nosotros, todos, debemos involucrarnos por detener este tipo de injusticias. Trato de que mis hijos entiendan la diferencia entre lo que está bien y lo que está mal. Esa es mi lucha», confiesa apasionadamente Jolie.

Disney reinventa el personaje de Maléfica, la elegante malvada creada por los hermanos Grimm, que luego Disney llevó a la gran pantalla en La Bella Durmiente y por la que Angelina siente especial debilidad.

«Es un papel que siempre ha llamado mi atención, incluidos los cuernos. Cuando me lo ofrecieron me sentí halagada. Maléfica es elegante, encantadora, no hemos tratado de reinventar el personaje sino de adaptarlo». Dirige Robert Stromber, el diseñador de producción que ganó un Oscar por «Avatar» y ahora se pone tras las cámaras. «Hemos tratado de brindar al personaje de Maléfica una profundidad que antes no tenía», resume la actriz.

PRINCESA DISNEY Junto a Jolie en pantalla aparece la joven Elle Fanning en el papel de La Bella Durmiente, la joven destinada a pincharse con una aguja.

«Siempre he querido ser una princesa de Disney. Sé que son muchos los admiradores de la película animada y no queremos defraudarles, pero es la primera vez que Aurora se convierte en carne y hueso y para mí es algo maravilloso, un gran honor. El director tenía una idea muy específica de cómo debía moverse, de cómo movía sus manos. Antes de involucrarme tuve que estar segura de ser capaz de incorporar todos

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estos detalles».

Considerada como una de las actrices más bellas, Elle reconoce que no fue fácil representar la belleza. «Aurora no pretende ser bonita, no se maquilla, no se peina, vive en una granja con sus tres tías poniéndose flores en el pelo. Para mí representar la belleza natural es muy importante».

Pero volvamos a Angelina Jolie, la actriz que tiene a sus 38 años la oportunidad de interpretar al mejor villano del cine desde que Danny DeVito nos regalara al Pingüino de Batman. «Espero que el publico me identifique con Maléfica porque se parece a mí. Su vida es como la mía. De niña yo era confiada, ingenua, siempre abierta a las sorpresas de la vida. Luego, por mis circunstancias, me volví huraña, desconfiada, cuidadosa, y gracias a Brad y a mis hijos regrese a ser como era antes: una mujer divertida, amorosa, traviesa. No soy una princesa pero soy capaz de dar mucho amor».

DIRECTORA Y MADRE Jolie es, además, una de las pocas mujeres que triunfa como directora y aprovecha su tiempo para confesar su fascinación por el proceso de edición de su nuevo filme, «Unbroken». «He descubierto que editar me divierte tanto como dirigir o interpretar, tengo muchas ganas de estrenar mi nuevo filme y que el público descubra a Louis Zamperini, protagonista de "Unbroken" y un héroe para mí».

La media naranja de Brad Pitt y madre de sus hijos se asegura de hacer entender a sus pequeños que la belleza y la frivolidad no lo es todo en la vida. «Como madre una no puede proteger todo el tiempo a sus hijos, tratas de evitar que cometan errores, de equilibrar su mundo.

No dependo de una película para enseñarles, pero es bueno que la vean porque pueden aprender algo y al mismo tiempo divertirse con ella».

En su familia el equilibrio forma parte del día a día: «Intentamos que nuestros hijos entiendan de dónde vienen, cuál es su cultura, quiénes son sus profesores, las horas que deben trabajar en la casa. Es importante formarles como individuos y luego como amigos».

Para Elle Fanning trabajar con Angelina ha sido una experiencia inolvidable. «Es una mujer diferente, maravillosa. La historia de la Bella Durmiente está llena de imágenes icónicas con Maléfica y Aurora, y si hay una actriz capaz de representarla en su máxima expresión esa es Angelina. Como ser humano es cariñosa, accesible, siempre dispuesta a una gran conversación. La considero ahora una de mis mejores amigas».

Escasas novedades con tirón comercial el pasado fin de semana en las pantallas españolas, y el añadido del inicio de los mundiales del futbol o las altas temperaturas que invitan a desplazarse más a la playa que a la sala de cine. Las recaudaciones fueron bajísimas, a excepción de Maléfica y X-Men: Días del futuro pasado. La vencedora, por los pelos, fue Maléfica con 840.000 euros, según datos de Rentrak Spain.

Imágenes 1 Foto A nivel internacional, los ‘X-Men’ llevan recaudado más que ‘Maléfica’ La producción Disney protagonizada por Angelina Jolie, que fue la más taquillera en su primer fin de semana, cedió el primer puesto en la pasada semana a los mutantes para volver a recuperarlo en ésta. En 2 semanas y media lleva ingresados casi 7 millones de euros; mientras que X-Men: Días del futuro pasado baja a la segunda posición con unos 830.000 euros y en semana y media acumula 3,5 millones. Está claro que, al menos en las salas españolas, la villana de La Bella Durmiente se impondrá con claridad al peculiar grupo de superhéroes de Marvel. A nivel mundial, éstos llevan recaudados más de 488 millones de euros, Maléfica 321. En cuanto al resto del box office español, más allá de estos dos títulos el resto de largometrajes deben de conformarse con recaudaciones muy discretas. Así, en el tercer puesto encontramos la comedia No hay dos sin tres, con Cameron Diaz, que sólo obtuvo en su debut unos 300.000 euros. Cifra similar a la que cosechó, en la cuarta plaza, otra de las novedades del pasado viernes, la de Las dos caras de enero, protagonizada por Viggo Mortensen y Kirsten Dunst.

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BALI, LA JOYA DE INDONESIA

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LA ISLA DE BALI es una isla y una provincia de Indonesia. Es la más occidental de las islas menores de la Sonda, y se encuentra ubicada en una cadena, con Java al oeste y Timor al este. La isla es un popular destino turístico y es conocida, al igual que Java, por sus delicadas artes, que incluyen danza, escultura, pintura, orfebrería, peletería y un particular estilo musical, especialmente el interpretado durante el gamelan. Aparte de ser un destino turístico, es un punto de encuentro de mayoristas; moda, joyería, calzado, muebles o decoración de todo el mundo, que compran en la isla para exportar después a sus países de origen. Bali junto con la capital indonesa ha sido sede de Miss Mundo 2013.

Bali es parte de las Islas menores de la Sonda. Tiene apenas 140 km de longitud este-oeste y 90 km de norte a sur, y una superficie de 5.636 km². Está situada aproximadamente a ocho grados al sur de la línea del Ecuador. Al oeste el estrecho de Bali, de 2,4 a 3,2 km de ancho, la separa de Java. Al este el profundo estrecho de Lombok, de entre 18 y 40 km de ancho, la separa de la isla de Lombok. El estrecho de Lombok coincide con el paso de la línea de Wallace que separa la ecozona Indomalaya de la ecozona Australasia. La isla se compone de una cadena montañosa que se extiende de este a oeste. El punto más alto de la isla es el monte Agung con 3.142 m de altura, un volcán en actividad, que entró en erupción por última vez en marzo de 1963. La ladera norte es abrupta, con una estrecha llanura costera, mientras que la ladera sur baja suavemente hacia una llanura aluvial, regada por ríos poco profundos, seca en las estaciones secas e inundada durante períodos de fuertes lluvias.

La isla se encuentra rodeada por arrecifes de coral. Las playas en el sur son de arena blanca mientras que las del norte son de arena negra.

Bali tiene un clima tropical monzónico, con una estación lluviosa de octubre a marzo y una estación seca de junio a septiembre. Durante el día la temperatura media es de 20 a 33° C, pero las zonas montañosas tienen temperaturas nocturnas más frías debido a la altitud.

Su población cuenta 3 millones de habitantes. Las ciudades principales son la capital, Denpasar, de 491.500 habitantes en 2002 y situada en la llanura sur, y la antigua capital colonial y puerto de Singaraja, de 100.000 habitantes, al norte. El pueblo de Ubud (al norte de Denpasar), con su mercado de arte, museos y galerías es conocido como el centro cultural de Bali. Los principales puntos turísticos son el pueblo de Kuta (junto con su playa), Sanur, Jimbaran y el reciente desarrollo de Nusa Dua. El aeropuerto de Ngurah Rai se encuentra ubicado cerca de Jimbaran, sobre el istmo que une la parte sur de la isla con su parte central. No existen líneas de ferrocarril en la isla. Existen carreteras costeras importantes a la vez que carreteras que cruzan la isla, principalmente de norte a sur. La mayoría de los habitantes de la isla de Bali se dedican a la agricultura, principalmente al cultivo de arroz. Se cultivan otros productos, como café, frutas y verduras, aunque en menor medida. Una importante cantidad de balineses son también pescadores. La isla de Bali es también famosa por sus artesanos, que producen telas y vestimentas batik e ikat, tallas en madera y piedra y objetos de orfebrería.

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CREATIVIDAD CULINARIA

LOS GEMELOS SERGIO Y JAVIER TORRES CANALIZAN A DÚO DESDE SU TALLER ILUSIÓN, EN BARCELONA, TRES NEGOCIOS: EL RODAT, EN JÁVEA, DEL QUE SON SOCIOS; EÑE, EN SAO PAULO; Y DOSCIELOS, EN EL ESTABLECIMIENTO DE MELIÁ EN LA CIUDAD CONDAL. POR VICKY ESCOLAR.

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acieron en un lugar bautizado hoy como Taller Ilusión, que funciona como laboratorio de ideas y en el que, además, vive este dúo culinario.

Hiperactivos e inseparables cocineros, los gemelos Sergio y Javier Torres (Barcelona, 1970) representan la creatividad culinaria al cuadrado, bajo una especie de equilibrio zen en el que ambos parecen compensarse mutuamente. A estos risueños hermanos les llegó, con 14 años, la vocación culinaria a la par y, tras seguir diferentes trayectorias profesionales, se reencontraron, pasados los años, en tres proyectos: El Rodat, Eñe y Doscielos, el restaurante que se abrirá en septiembre en el Hotel ME Barcelona, de la cadena Meliá. ¿Consecuencia? Los gemelos Torres deben gestionar esta ristra de negocios. "La gestión la llevamos de dos maneras: una a nivel interno, porque cada casa tiene su gestión; y otra de forma externa, apoyados en una asesora que revisa y nos consulta todos los movimientos".

Sergio Torres se encarga de llevar la gestión financiera de los negocios. Aún así, añaden que "delegar en nuestros asesores la parte económica y financiera, y nos centramos en la cocina, que es lo que nos llena". Y, como la mayoría de sus colegas, su papel como empresarios es la parte de su trabajo que "menos nos gusta", confiesan los gemelos, que afirman no estar notando la crisis en sus negocios. Doscielos es ahora su obsesión. "Pasamos la mayor parte del tiempo en el Doscielos y en el taller, que es donde vivimos", explica Sergio Torres. "Al ser dos, es más fácil planificar que uno de los dos se escape para los cambios de carta de El Rodat y de Eñe, que suele ser unas cinco o seis veces al año".

Los gemelos Torres, representantes de la figura del chef globalizado con negocios en distintos puntos geográficos, comparten una multifaceta investigadora, técnica y buscadora de productos nuevos. "Nos llamamos

“Nosotros mismos buscamos en los pequeños huertos para encontrar las mejores hierbas y verduras” 20

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cien veces al día", reconocen entre risas. Su trayectoria conjunta arrancó en 2001, con la apertura del restaurante Cap Sa Sal, en Begur (Gerona). "Aquello no cuajó, pero nos enseñó a trabajar juntos", admite Javier Torres. En su opinión, "ahora, se fomenta más el trabajo en equipo en una cocina. Son fundamentales los vínculos de amistad en un trabajo con tanta tensión como éste; si no, el negocio no funciona".

Los gemelos volvieron a encontrarse en El Rodat, en Jávea (Valencia). Sergio Torres llegó a este restaurante, donde se convirtió en jefe de cocina. Más tarde, él y su hermano Javier se convirtieron en socios del establecimiento. "En El Rodat, no hago cocina, tengo una historia de amor con la cocina", afirma Sergio Torres. Su hermano Javier se incorporó a este negocio, después de trabajar con Santi Santamaria, en Sant Celoni (Barcelona) y Madrid. En el hotel-restaurante El Rodat, con 14 empleados (los gastos de personal suponen el 40% de presupuesto de gastos) y 22 plazas, los gemelos dicen "estar apostando por la calidad". Por el establecimiento, que ofrece dos menús degustación (uno corto a 65 euros y otro largo por 85 euros), pasan 13.300 clientes al año.

Con este objetivo, en los dos últimos años, se ha realizado una inversión de dos millones de euros, para mejorarla cocina y la sala, y construir un nuevo spa. "En el hotel, además de dos restaurantes, tenemos salones de congresos, donde recibimos a grandes empresas en pequeñas y exclusivas reuniones. También organizamos pequeñas bodas de lujo". A la compra de materias primas, los hermanos Torres dedican el 30% del presupuesto de El Rodat. "El pescado lo traemos de la Lonja de Jávea. Nosotros mismos buscamos en los pequeños huertos para encontrar las mejores hierbas y verduras. También tenemos contacto con agricultores locales, que nos proveen de quesos y carnes de la zona", señala Sergio Torres.

La aventura brasileña es otro de los proyectos con el sello Torres. A partir de una visita al país sudamericano, surgió el proyecto Eñe. Viajaron a Brasil para presentar una ponencia en la Universidad de Sao Paulo y allí les propusieron hacer elaborar un libro basado en un viaje de un mes por el Amazonas para conocer los productos de la zona.

Allí, convivieron con los pueblos indígenas y

se enamoraron de la cultura brasileña. Después, el empresario asturiano afincado en Brasil, Arcadio Martínez, y su socio, Guillermo Prieto, les propusieron montar un restaurante en Sao Paulo. "Tuvimos que organizar el proyecto a distancia. Nos enviábamos los planos del local por email y discutíamos los detalles del restaurante por teléfono", apunta Javier Torres. Eñe abrió su puertas en marzo de 2006. Con un equipo de 35 empleados para una capacidad de 80 plazas, unos 25.000 comensales visitan cada año este restaurante, que ofrece una carta de tapas y algunos de los platos de El Rodat, con un precio del menú degustación de 130 reales (52 euros). i.

Las actividades de los Torres se completan con su taller: Ilusión. Ubicado en la casa de su abuela en Barcelona, donde los chefs vivieron en su infancia, este espacio, situado enfrente del Parque Güell, les actúa como oficina-laboratorio. "Todo nuestro trabajo y las asesorías parten del taller, aunque también hacemos muchas pruebas en las cocinas de los diferentes restaurantes", explica Sergio Torres. En Ilusión, canalizan su labor investigadora, que ha llevado, por ejemplo, a Sergio Torres a desarrollar (a través del proyecto Indaga, en colaboración con la Universidad de Valencia) la Gastrovac, una olla que permite cocer o freír a baja temperatura. Este artilugio está comercializado en 120 países, a través de la firma catalana ICC. En el taller,

también organizan fiestas gastronómicas, a las que asisten colegas de profesión, empresarios y políticos.

A través de estas relaciones, conocieron, por ejemplo, a algunos directivos del grupo hotelero Habitat (filial de la inmobiliaria), lo que fue el germen del restaurante Doscielos, su proyecto de inminente apertura. Habitat fichó a los gemelos Torres para dirigir el restaurante del que iba a ser el proyecto emblemático del grupo inmobiliario: el Habitat Sky Hotel, diseñado por el arquitecto francés Dominique Perrault. Finalmente, Habitat, afectada por la crisis inmobiliaria, vendió el establecimiento a Sol Meliá. La cadena lo convertirá en el Hotel ME Barcelona, que previsiblemente se inaugurará el próximo septiembre. Tras la adquisición del hotel, valorada en 103 millones de euros, Meliá confirmó a los gemelos Sergio y Javier Torres como responsables del restaurante Doscielos.

Situado en el piso 24 del rascacielos barcelonés Doscielos, con 50 plazas, tendrá una cocina integrada con la sala. "Los clientes podrán ver en directo a un equipo de 16 personas trabajando en completa organización y cambiarán de espacios desde el aperitivo a la sobremesa, con espacios rotatorios en el restaurante". Y, en la planta 30, habrá un huerto de hierbas silvestres y flores comestibles (parecido a la que los gemelos Torres tienen en Jávea), que podrán visitar los clientes y que

pretende "traer la naturaleza a la ciudad".

El precio medio del restaurante Doscielos "está por definir". "Ahora, al restaurante Doscielos es a lo que dedicamos más tiempo; es un proyecto que necesita toda nuestra energía en estos momentos", admiten los gemelos. Convertidos en auténticos expertos en la gestión de restaurantes de alta cocina, Sergio y Javier Torres admiten que "es difícil obtener beneficios a corto plazo en este tipo de establecimientos. Lo que se intenta es no llegar a perder dinero". Sin embargo, creen que "un restaurante de este nivel puede dar grandes frutos a largo plazo".

Dos cielos Se trata del restaurante de los chefs gemelos, Sergio y Javier Torres, ubicado en la planta 24 del Hotel ME Barcelona (de la cadena Meliá). Desde noviembre de 20120, cuenta con una estrella Michelin. La oferta de Dos Cielos, en un espacio precioso, se basa en un recetario catalán con algunos ingredientes y toques de la gastronomía brasileña, como consecuencia de la experiencia adquirida por los gemelos Torres a través de sus negocios en Sao Paulo y Río de Janeiro, donde tienen los locales Eñe. Ambos ofician a dúo en la cocina abierta a la sala de este restaurante con impresionantes vistas a la ciudad.

Lo mejor es elegir la mesa del chef, ubicada en la barra de pase de la cocina a la sala, donde podrás ver a Sergio y Javier Torres en

”Los clientes podrán ver en directo a un equipo de 16 personas trabajando” un coordinado trabajo con su equipo. Los gemelos también tienen en la casa de su familia un taller privado de trabajo, el Espacio Ilusión. En la piso 28 del Hotel ME Barcelona, cuentan con biohuerto en construcción y, en la planta baja, regentan su concepto DOS, con una oferta informal a un precio medio de 40 euros.

No son los cocineros más sonados, pero Javier y Sergio Torres se han ganado un puesto en el podium de la cocina y la gastronomía española por su capacidad y su empeño y es que estos gemelos, además de ser iguales, viven de lo mismo, la cocina.

Sergio Torres es un chef que combina muy bien los elementos naturaleza y tecnología.

Aunque no es uno de los chefs que aboga más por la cocina molecular, Sergio ha conseguido mediante un largo proceso de investigación, elaborar proyectos e inventos culinarios de lo más interesantes :una olla o cazuela que crea en su interior una atmósfera artificial que permite cocer o freír a determinadas temperaturas; también ha conseguido perfumar alimentos con diferentes esencias.

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Emma

Watson

Semisonic Secret Smile Sarah McLachlan Building A Mystery Jone Mitchell A Case Of You Jason Mraz I’m Yours Frédéric Chopin Nocturne in C# Minor Daniel Hammersley Dance with Me Isam Bachiri Aicha Joseph Arthur Honey and the Moon Justin Nozuka After Tonight Vanessa Paradis Jackadi

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Little by little

1ª Fase del

Mundial

Brasil 2014 BRASIL 2014 INICIA LA SEGUNDA ETAPA DEL TORNEO CON SIETE SELECCIONES LATINOAMERICANAS EN OCTAVOS DE FINAL (BRASIL, MÉXICO, COLOMBIA, CHILE, URUGUAY, ARGENTINA Y COSTA RICA), MIENTRAS QUE LAS TRES GRANDES FAVORITAS Y EXCAMPEONAS ESPAÑA, INGLATERRA E ITALIA FUERON ELIMINADAS EN LA PRIMERA RONDA.

DATOS GENERALES

Partidos

Goles

Goles latinoamericanos

48

136

43

Autogoles

Goles/partido

4

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El campeonato com más goles

GRUPO CON MÁS GOLES Grupo B

España

Holanda

Australia

Chile

22 goles // 6 partidos

MEJORES EN

Ataque

Defensa

Francia

Irán

62 intentos

92 intentos

Pasadores

Goleadores

Alemania

Holanda

1792 pases

10 goles

FALTAS Y PENALES

127 Amarillas

9 Rojas

10 penales

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Ana Pastor

EN TWITTER ME LLAMARON “ROJA, PUTA Y CERDA” “ESCUCHAS AL MINISTRO QUE INVESTIGARÁ TWITTER PORQUE ES UN LUGAR DONDE SE INSULTA Y AMENAZA… DEBE SER QUE SE ACABA DE ABRIR UNA CUENTA EN LA RED”

LA PERIODISTA ANA PASTOR se ha sumado a la lista de quienes reprochan al ministro de Interior, Jorge Fernández Díaz, por anunciar ahora que investigará los insultos y amenazas en Twitter, a raíz de los dedicados a la política del PP asesinada Isabel Carrasco. En su cuenta de Twitter la directora y presentadora de El Objetivo de La Sexta ha remitido a su artículo en El Periódico de Cataluña, donde recuerda cómo tuvo que soportar que le llamaran desde “roja”, “entregada al poder” hasta “hija de la grandísima puta”, y que Interior entonces no consideró que se tratara de “insultos” o “amenazas”.

‘Puta’ no es insulto y pedir que te corten el cuello, no es amenaza “Un día festivo, aprovechando que no trabajas y que esas amenazas e insultos han ido a más, decides ir a una comisaría y denunciarlo. Y ahí se queda el tema. Te olvidas y sigues a lo tuyo. No eres la primera persona a la que le ocurre ni serás la última. Meses después te llega a casa una carta certificada donde te comunican que la justicia ha decidido que ‘puta’ no es un insulto y que pedir que te corten el cuello no es una amenaza. Y no te queda otra que aceptar”, escribe la periodista.

Ana Pastor, que fue directora y presentadora de Los Desayunos en la etapa en la que el PP estaba en la oposición tuvo que hacer frente a ataques desde las filas populares por parte de algunos de sus dirigentes, incluida su número dos, María Dolores de Cospedal, por sus críticas a su partido.

Ahora la periodista recuerda que en Twitter le han dicho de todo. “Roja, facha, vendida, entregada al poder, puta, hija de la grandísima puta, cerda”, y que le han insultado y amenazado con frases como éstas: “cállate zorra”, “no tienes ni puta idea de hacer entrevistas”, “en una esquina serías mucho más eficiente”, “deberían degollarte las tropas moras de Franco”, “solicito permiso para meterte en un campo de concentración 26

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en el ala de violadores inmigrantes”. Ana Pastor recuerda los ataques que ha recibido por sus entrevistas incómodas a políticos. “Un día trazas una línea. Ni siquiera es el día en el que te llaman ‘puta’ porque has entrevistado a un político y le has apretado en algunas preguntas relacionadas con la corrupción. Ese día muestras tu amargura por la falta de argumentos y el exceso de machismo. Pero nada más. Semanas después te empiezan a llegar amenazas de muerte directas a las que no das importancia porque piensas que cualquier persona en Twitter desde el anonimato puede escribir ese tipo de cosas”.

“Escuchas al ministro del Interior decir que hay que investigar Twitter porque es un lugar donde se insulta y amenaza. Y lees que detienen a un joven por insultar e ‘incitar a la violencia en las redes sociales’». Debe ser que el ministro se acaba de abrir una cuenta en la red. Y por eso no ha podido leer cosas anteriores contra Pilar Manjón, Irene Villa y mucha otra gente. Es posible. O debe ser que no todos somos iguales”, reprocha Ana Pastor.

Lo recordaba elplural.com la semana pasada. La agilidad del ministro del Interior contrasta con la pasividad con la que el PP ha respondido durante años a los insultos y amenazas contra, por ejemplo, la presidenta de Afectados por el Terrorismo, Pilar Manjón. En 2012, el miembro de Nuevas Generaciones Luis Gutiérrez escribió en Twitter: “Lo de Pilar Manjón es infame. Cada día dudo más que el hijo de esa tipeja fuese el 11 M en 1 tren… deplorable su actitud”.

En abril pasado, Pilar Manjón denunció ante la Policía el acoso y los insultos que sufre desde la red social con mensajes como éste: “Eres una puta zorra oportunista que brinda con quienes desmembraron a tu hijo”. No se escuchó al ministro del Interior hacer nada al respecto.

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