Revista Eneritz Larrea · Simple by Eneritz Larrea

JUNIO 2016 · 2,80€

SUMARIO 05

CARTA DEL DIRECTOR cita con el arte

VIAJE AL PASADO Historia sobre diseño

DISEÑO ARTÍSTICO El arte del tatuaje

ENTREVISTA EXPRESS Sara Herranz: Ilustradora

DISEÑO GASTRONÓMICO Como comer

HABLAMOS CON... Ferran Adriá

CAJÓN DESASTRE Curiosidades sobre diseño DIRECTOR EDITORIAL ENERITZ LARREA

JEFA DE REDACCIÓN AMAIA SALABERRIA

EDITOR JEFE INAXIO GARMENDIA

ASISTENTE EDITORIAL ANTONIO FERNÁNDEZ

DISEÑO Y MAQUETACIÓN MANU IDIAZABAL Y ANNIE SMITH

DIRECTOR CREATIVO ROBERTO MONTINI

FOTOGRAFÍA ESTHER GARCÍA Y MARTA GONZALEZ

PERIODISTAS ANDREA MARTINEZ, OLATZ ARRIETA Y ALBERTO URKIOLA

CORRECTOR DE TEXTOS JULEN MUNGIA

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S_mple | CARTA DEL DIRECTOR

Cita con el ARTE GENOVEVA CASANOVA

ROMPIENDO muros

Esta revista ha sido diseñada para un trabajo de clase. Todos los textos e imagenes han sido cogidas de diferentes páginas de internet. La revista no tiene uso comercial.

n diciembre del año pasado realicé uno de los viajes más impactantes e mi vida, de los que te exprmen desde dentro, te sacuden entera y nunca vuelves a ver el mundo igual. Me uní a un grupo de profesores de la universidad Francisco de Vitoria y nos fuimos a Israel. Son muchísimos los momentos inexplicables que vivimos n esa tierra tan antigua y dolorida. Pero quiero relatar aquí uno en particular. Nos dirigíamos a Belén. En el autobús el sacerdote que nos levaba nos dio una serie de indicaciones para nuestra seguridad: no sacar la cámara al acercarnos a la frontera, tener el pasapore a mano, guardar silencio, mostrar respeto delante de los soldados... Algunas muy dificiles de seguir, siendo consciente de dónde estas. Lo que se siente al cruzar ese muro que separa Israel de Palestina no tiene adjetivos. La adrenalina, el asombro, la profunda tristez... La historia pea y te sigue con los ojos desde las piedras y las casas y el aire, ordenándote que no se te ocurra ni siquiera pensar, muchísimo menos juzgar. Uno mira por la ventana, sin posibilidad de emitir la má minima expresión sobre lo que hay ahí afuera, del otro lado del cristal. El muro de la vergüenza. Fue entonces cuando lo ví. Era un grito al mudo. Les dije a mis compañeros de viaje: “¡Miren! ¿Han visto lo que está pintado en el muro?”. Una niña intentaba cruzar al otro lado colgada de unos globos, dos niños miraban una playa paradisíaca a través de una rotura en los gigantescos bloques... El street art metido en la historia, elevándose obra tras obra desde el muro hacia la humanidad. Reclamando alma. Queriendo, en palabras del artista, “transformar la estructura más degradante del planeta en la galeía más grande del mundo, para fomentar el libre discurso y el mal arte”. No lo supe hasta mucho tiempo después, pero ahí metido en las entrañas de la historia, yo vi a Bansky.

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1953: Alcanzan la cima del Everest. Hillary y Tenzing

1914: Inicia la I. Guerra Mundial

venta dison in 1877: E o raf el Fonóg

1888: Ge orge Eastm an patenta la primera cámara d e mano.

1943: S e suiici da Adolf Hi tler

1939: T riu ción Cub nfa la r an por Fide a encabe l Castro

a tern Franci 1890: E orre Eiffel. T minan la

1860 1870 1890 1900 1930 1940 IMPRESIONISMO

POST IMPRESIONISMO

EXPRESIONISMO

CUBISMO

ÌÌ Nace en París y se extiende a Europa y América. ÌÌ S.XIX. ÌÌ Aplicación: Pintura. ÌÌ Autores: Claude Monet, Manet, Pissarro.

ÌÌ Ubicación geográfica: Europa. ÌÌ Finales S. XIX y principios del XX. ÌÌ Aplicación: Pintura. ÌÌ Autores: Paul, Gauguin, Vincent Van Gogh.

ÌÌ Ubicación: Se desarrolla en Alemania, luego se extiende a Europa y América. Principios del S.XX. ÌÌ Aplicación: Pintura. ÌÌ Autores: Eduard Munch.

ÌÌ Ubicación geográfica: Francia. ÌÌ 1914. ÌÌ Aplicación: literatura, arquitectura, escultura y pintura. ÌÌ Autores: Picasso, Albert geizes, Léger.

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SURREALISMO

ÌÌ Ubicación geográfica: Europa y Latinoamérica. ÌÌ 1930. ÌÌ Aplicación: Literatura y pintura. ÌÌ Autores: Joan Miró, Dalí.

CONSTRUCTIVISMO

ÌÌ Ubicación geográfica: Unión Soviética. ÌÌ Principios del siglo XX. ÌÌ Aplicación: cerámica, arquitectura, tipografía. ÌÌ Autores: Gabo.

revoluezada

S_mple | VIAJE AL PASADO l ser lega e a (N. L : 9 196 lun o a la human ) ng Amstro

s o de la d a t n e t A en NY. 2001: melas e G s e Torr

rt ere Ku e la u M : 4 9 d 19 Lider irva. n i a b Co al N music banda na. 1995: Primera película realizada por ordenador: Toy Story

1963: M uere ase sinado Jhon F. Kennedy

a el estren ical: e S : 1983 video mus r e m pri ler. l i Thr

1950 1960 1970 1980 1990 2000 ESCUELA DE NY

ÌÌ Ubicación geográfica: EEUU. ÌÌ A mediados del S. XX. ÌÌ Aplicación: Pintura. ÌÌ Autores: Anhie Goffy, Jackson Pollock.

ESTILO INTERNACIONAL

ÌÌ Ubicación geográfica: EEUU y Europa. ÌÌ 1930-1960. Aplicación: Arquitectura, inmobiliario, diseñadores…

CONTEMPORANEO

ÌÌ Ubicación geográfica: Reino Unido. ÌÌ 1945-1960. ÌÌ Aplicación: Escultura, mobiliario, diseño, artes, tipografía. ÌÌ Autores: Joan Miró, Lamé.

FOTOGRAFÍA

ÌÌ Ubicación geográfica: Reino Unido. ÌÌ 1939. ÌÌ Aplicación: Documental, artístico, publicitario. ÌÌ Autores: William Henry Fox, Daguerre.

CINE

MINIMALISMO

ÌÌ Ubicación geográfica: Europa y América del norte. ÌÌ Aplicación: documental, cortos, independiente. ÌÌ Autores: Tarantino, Woody Allen.

ÌÌ Ubicación geográfica: EEUU y Europa. ÌÌ XXI. ÌÌ Campos de aplicación: arquitectura, decoración, pintura… ÌÌ Autores: Ludwig Vander, Muhe.

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EL ARTE DEL TATUAJE

Dejarse la piel en el museo Motivos religiosos, maridos que van y vienen, una juventud alocada, una borrachera en Amsterdam, impulsos y arrepentimientos, un souvenir de Tailandia, el amor de madre... El cuerpo en vitrinas

Paula Rosas El tatuaje, la tinta aplicada con dolor bajo la piel, acompaña al hombre desde el Neolítico, le ha ayudado a curar dolencias, a convertir a los niños en hombresy a recordar que todo en la vida pasa, pero que el amor de madre es una marca imborrable. Por primera vez, una exposición en el magnífico museo etnográfico del Quai Branly parisino, pone en perspectiva la dimensión artística e histórica de aquello que une a Erik Sprague, el hombre lagarto, con la Yakuza japonesa. Hombres y mujeres han sentido a lo largo de la historia la necesidad de grabar de manera indeleble en el lienzo de su piel un recuerdo o una marca. Ötzi vivió hace 5.300 años y fue encontrado en los Alpes con 57 tatuajes, en su mayoría realizados con una función mágico-curativa. Angelina Jolie no ha llegado a tal número, pero ha dejado su piel marcada con un diario vital abierto al público:maridos que van y vienen, una juventud alocada, una borrachera en Amsterdam, impulsos y arrepentimientos, un souvenir de Tailandia a modo de tigre, un recuerdo de sus numerosos hijos... Incluso Winston Churchill tiene cabida en el brazo de la actriz. “La gente se tatúa por diferentes motivos, culturales, íntimos”, explica a El Confidencial Julien, la media naran-

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ja deAnne & Julien, duo de creadores y comunicadores, fundadores de la revistaHEY! (de Arte moderno y cultura pop) y comisarios de esta exposición que reúne más de 300 obras entre fotografías, instrumentos, vídeos e inclusopieles humanas curtidas. Se trata, dice el autor, de una relación muy personal, tanto con el artista que marcará la piel para siempre, como con el acto de tatuarse. Suele -y debe- ser una decisión meditada y consciente, que se toma para sí mismo, porque “el que se tatúa para destacar o por moda se arrepiente muy rápido”, advierte. Aunque común en todas las culturas y tan antiguo como el hombre, el tatuaje ha evolucionado de forma distinta en las diferentes esquinas del planeta. En Europa, por ejemplo, el cristianismo reprimió esta práctica durante cientos de años, y hasta el siglo XIX perduró principalmente como marca criminal. A partir del siglo XV, el tatuaje -cuya etimología procede del vocablo polinesio “tatau” (grabar)- se redescubre en Occidente gracias a los exploradores que viajan a Asia, Oceanía o América, y que traen fantásticos dibujos y grabados de nativos adornados con figuras geométricas, con fascinantes e intrincados diseños que indican su rango dentro de la tribu o su estado civil.

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LOS EXPLORADORES RECUPERARON el tatuaje para Europa,

pero los misioneros acabaron con él allende los mares. “Un decreto papal prohibió formalmente el tatuaje. Cuando llegaron los misioneros al Pacífico, una de las primeras cosas que hicieron fue acabar con los rituales, el tatuaje, la poligamia... los únicos que se resistieron y continuaron con este arte fueron los samoanos”, explica a este diario Sébastien Galliot, especialista en tatuaje oceánico y consejero científico de la exposición. Su resistencia ha permitido que el archipiélago polinesio de Samoa quede como reducto de una continuidad entre el periodo premisionero y la actualidad. Pero ni siquiera las sociedades donde el tatuaje es entendido como un rito iniciático de pasaje a la vida adulta, con formas estandarizadas,

son ajenas a las modas. “Desde el siglo XXI, cada vez más gente se tatúa en Oceanía por motivos personales. Hay personas que vuelven a tatuarse diseños antiguos para evitar que la tradición se pierda, pero también hay un componente de moda, porque son motivos popularizados por los medios de comunicación, los deportistas, las estrellas”, explica Galliot. La historia de esta técnica es tan extensa como heterogéneos sus usos. Hoy quizás se compran imanes para la nevera, pero los peregrinos coptos, sirios, abisinios o armenios que viajaban a Jerusalén en el siglo XVII o XVIII volvían a sus tierras con un souvenir en la piel de su paso por la ciudad santa, que acabaría, como ellos, convertido en polvo al fin de sus días. En Myanmar, Tailandia, Camboya y Laos los tatuajes se apli-

“El que se tatúa para destacar o por moda se arrepiente muy rápido”

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“La relación entre tatuador y tatuado es una “relación de intercambio” caban -y se aplican- en medio de una ceremonia ritual religiosa para proteger a su portador. En la Roma antigua se marcaba a los esclavos, en la China imperial a los delincuentes y el infame “Code Noir” (código negro) de Colbert en Francia estigmatizaba a prostitutas y criminales con la marca de la tinta. En Japón, otra de las culturas en las que el tatuaje ha pasado a ser un laborioso arte muy reconocido, aún hay saunas en las que no dejan entrar a los hombres tatuados por la asociación que se hace con la peligrosa Yakuza, la despiadada mafia nipona. Nietos de supervivientes del Holocausto se tatúan hoy en Israel o en Alemania o en Estados Unidos, el número que llevaron sus abuelos para prolongar su memoria en el tiempo y explicar, con esa tinta bajo la epidermis, un horror que las palabras jamás podrán expresar. LOS MOTIVOS, RELIGIOSOS, sociales y puramente personales, son muchos, y su historia, larga, compleja y diversa. Conocemos gracias a Alexandre Lacassagne, padre del

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“CSI” del siglo XIX, la iconografía de los delincuentes franceses de su época, documentada y fotografiada para la posteridad por este criminólogo, que retrata a hombres feroces marcados por imágenes obscenas, amenazantes o tan ingenuas como un cachorrito. Danzig Baldaev, funcionario del ministerio del Interior soviético documenta las marcas que los “zek”, los prisioneros de los gulag, se tatúan en el cuerpo, que hacen de ideario político y que les sirven para reafirmar su valentía en un medio hostil. Pero si el tatuaje se asoció durante mucho tiempo al crimen, también ha sido motivo desde el siglo XIX de espectáculo con los conocidos como “Sideshows”,el circo de los horrores o de las curiosidades ambulante que acompañaba a los circos propiamente dichos y en los que la mujer barbuda convivía con el gigante, el forzudo y como no, el hombre tatuado. Erik Sprague, el hombre lagarto, que además traga sables y duerme sobre una cama de pinchos, ha cogido el testigo de esa tradición. Hoy, aunque banalizado por la pro-

S_mple | DISEÑO ARTÍSTICO

liferación de estudios a los que a veces se acude a comprar un tatuaje como el que se compra unos zapatos, una nueva generación de artistas ha llevado el arte de la tinta a una nueva etapa, en la que se distinguen dos corrientes principales: aquellos que reinterpretan la tradición, y los que exploran las posibilidades estilísticas ligadas a las artes gráficas, a la tipografía o a los píxeles. Con el tatuaje entendido como un arte que utiliza el cuerpo como lienzo, la relación entre tatuador y tatuado pasa a ser una “relación de intercambio”, asegura Julien, uno presta su cuerpo a una persona que tiene una forma de entender el mundo y que va a dejar una marca para

toda la vida. “Tiene que seruna relación de confianza, una relación elegida, íntima, artística, y que continuará a lo largo de los años si uno se sigue tatuando”, explica el comisario. Documentar una muestra tan ambiciosa ha llevado dos años y mucho trabajo de investigación. “Había una historia del tatuaje desde el punto de vista antropológico o teológico, pero del tatuaje moderno, digamos desde principios del XIX hasta hoy, esa historia nunca se había escrito”, asegura el comisario de Tatuadores, tatuados, que puede visitarse hasta el 18 de octubre. Y esa historia está en constante evolución.

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S_mple | ENTREVISTA EXPRESS

SARA

He r r a n z Verónica Martín Descubrir los dibujos de Sara Herranz es una experiencia magnífica. Cuando eres capaz de reconocer que suscribirías cada una de sus irónicas frases de mujer doliente pero moderna, entonces no puedes dejar de adorarla. Es lo que me ocurrió cuando, de casualidad, visitando la tienda Atelier8 de La Laguna encontré unas láminas con sus trabajo. Luego, indagué algo más sobre esta dibujante canaria, me hice amiga, seguidora de todas sus redes y no pude hacer otra cosa que convertirme en fan incondicional de su trabajo.

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¿Cómo y cuándo empiezas a dibujar? S.H: Creo que mi generación se ha sentido un poco decepcionada con las expectativas profesionales y personales que se nos habían prometido. La inestabilidad de ese momento, desencadenó en mí una crisis de identidad que canalicé dibujando. Ahora se ha convertido en mi profesión, he trabajado para marcas como Ron Barceló y editoriales (Mondadori, Alfaguara) y mi obra ha pasado por las páginas de El País Semanal, Grazia y VICE.

Tus dibujos reflejan una mujer moderna, irónica y casi desesperada, ¿por qué? S.H: Dibujo a la mujer que me gustarían ser. En general, personas independientes que a pesar de su cinismo e ironía siguen queriendo enamorarse.

Tus personajes y tus dibujos surgieron de un momento de crisis personal muy fuerte… ¿Logró curar su herida así? S.H: Comencé a dibujar como una válvula de escape y fue una buena terapia. Ahora la inspiración está más centrada en la vida cotidiana y lo que me rodea. Las crisis son buenas siempre y cuando sepas canalizarlas y aprender de ellas.

El amor actual puede vivirse por WhatsApp pero ¿es tan diferente a de la novela romántica de antaño? S.H: En eso soy muy antigua. No suelo estar muy pendiente del móvil en general. Prefiero una llamada a perderme en conversaciones de mil mensajes. Quizás las redes han acabado como el romanticismo clásico.

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S_mple | ENTREVISTA EXPRESS

Es tinerfeña pero vive en Madrid, ¿no es profeta en su tierra. como suele decirse? S.H: Vivo en Madrid desde hace

Mis ilustraciones son reflejo de mi personalidad

seis años y ha sido la ciudad que me ha visto crecer como ilustradora. Pero no me olvido de mis raíces. Hace un año expuse en Plastic People (calle Viana, 25, La Laguna) con muy buena acogida.

Creo que nunca discutiremos por un hombre… yo adoro a los depilados y afeitados, creo que no es lo mismo que usted… ¿verdad? adora los barbudos, ¿por qué? S.H: Las barbas son para mí un símbolo de masculinidad. Dibujo al hombre con barba porque es el hombre que me atrae.

Sus historias son esencialmente femeninas, ¿se siente identificada con Maitena pero en hipster y con 20 años menos? S.H: Ambas hablamos de mujeres, pero son diferentes perfiles. Obviamente, los problemas de mis personajes no son los mismos dada la diferencia de edad. La clave de

mi trabajo es que dibujo lo que me gusta, sin preocuparme en si va a tener éxito, o si va a encajar dentro de determinado público. Soy fiel a mí misma y a mi univers

Y a estas ganas de vomitar las llamaré estar enamorada”, ¿de dónde saca estas frases? S.H: A veces surgen de repente, mientras estoy tomando algo con mis amigos, en el metro, al escuchar una canción... Otras veces la idea de la frase aparece, y tardo algunos días en construirla para que funcione. Pero intento apuntarlo en el momento.

¿El desamor es una gran fuente de inspiración? S.H: El drama es un buen vehículo para la creación pero debe saberse aprovechar, y el desamor es una de esas experiencias que todos tenemos que vivir y superar.

¿Qué buscan sus mujeres en el amor? S.H: Mi mujer busca el amor como algo necesario en su vida, pero no necesariamente tenemos que hablar de un amor romántico. ■

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D I S E Ñ O Gastronómico

CÓMO COMER:

Diseño y gastronomía Inma Flor

NENDO Detrás de este estudio está Oki Sato, diseñador del año en los Wallpaper* Design Awards 2012 y uno de los grandes iconos del diseño contemporáneo. En su trabajo prima la sencillez, la flexibilidad y la reinvención, pero también el relato detrás del objeto frente a su funcionalidad, sin dejar atrás su característico toque de humor. Ha trabajado para Camper, Starbucks, Louis Vuitton, Baccarat… diseñando productos muy diversos y sus piezas forman parte de museos como el MoMA. Este cruce de disciplinas, puede crear un nuevo estilo de

vida. Ahora el diseño no es sólo forma, es también emoción. ¿Prima más una buena presentación que la calidad? En Japón tratamos todos estos elementos por igual. Cuando nos piden diseñar un restaurante, normalmente piden que diseñemos todos lo demás (diseño interior, uniformes, platos...). ¿Qué papel juegan las nuevas tecnologías? Uno importante. Siempre han cambiado las reglas del juego. Siendo diseñador, ¿utiliza sus propios diseños o los de otros en su cocina o en su mesa? Mi cocina está prácticamente vacía y no estoy especialmente interesado en tener algo diseñado por mí. www.nendo.jp/en

JULI CAPELLA Es arquitecto, pero también desarrolla su actividad dentro del diseño y el urbanismo. Con una mención honorífica en los Premios Nacionales de Diseño (2000), ha comisariado además numerosas exposiciones, la más actual es TAPAS. Spanish design for food, realizada en colaboración con AC/E. ¿Qué aporta este cruce de disciplinas? En realidad “cocinar es diseñar platos”, como ha dicho Adrià. En la cocina, el diseño nos aporta instrumentos para transformar los alimentos, en la mesa nos ofrece objetos para servirla

Chocolatinas diseñadas por Nendo con forma de tubo de pintura rellenas de licor.

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S_mple | DISEÑO GASTRONÓMICO Chocolatinas diseñadas por Arzak

Chocolatinas diseñadas por Nendo

Servilletas con corbata diseñadas por Héctor Serrano

Bol de diseño para nachos, diseñado para MyDesign Group

y degustarla. No se está inventado nada, simplemente se enfatiza. ¿La cocina española se ha convertido en referente gracias al diseño? El referente es la alta cocina española. El auge viene de la mano de Ferrán Adrià y la gente más experimental y sofisticada. elBulli fue el primer lugar del mundo donde se contrató a un diseñador industrial, Luki Huber, para crear los recipientes y utensilios. Por primera vez contenedor y contenido se ideaban simultáneamente. Este fenómeno ha arrastrado a una mejora de la comida popular. También dentro de esta revisión, se ha incorporado una responsabilidad medioambiental y social. ¿Prima más una buena presentación que la calidad? Una buena presentación ensalza la comida, pero jamás puede sustituir al producto. ¿Qué papel juegan las nuevas tecnologías? Mucha y, a veces, innecesaria (exceso de chips, leds…). Pero, si se consigue una buena integración, me parece interesante y necesario. Siendo diseñador, ¿utiliza sus propios diseños o los de otros en su cocina? No he diseñado productos, pero sí varios restaurantes, y es horrible estar en ellos, no puedo comer en paz, porque estoy todo el rato viendo los fallos. www.capellaweb.com

MARTÍN AZÚA Como “diseñador de objetos y espacios”, se interesa por la experimentación, “la incorporación de los procesos naturales en la vida cotidiana y la utilización de recursos artesanales para salvaguardar la diversidad cultural y tecnológica”. Ha recibido numerosos premios: Premio Delta de Plata, Premio FAD de Arquitectura / Efímeros 2008, Premio AD mejor diseñador 2010... ¿Qué aporta este cruce de disciplinas? Se intenta provocar una experiencia que abarque todos los sentidos y también al intelecto, que emocione. En la alta cocina se cuidan todos los detalles. El cocinero no llega a todo, necesita de otras disciplinas: interioristas, diseñadores... ¿La cocina española se ha convertido en referente gracias al diseño? La nueva cocina se ha creado también una nueva imagen y el diseño ha sido, en gran medida, responsable. Pero los buenos proyectos tienen que ser de verdad, hay una gran tendencia a colgarse etiquetas.¿Qué papel juegan las nuevas tecnologías? Seguramente podremos compartir experiencias y conocimientos. Siendo diseñador, ¿utiliza sus propios diseños o los de otros en su cocina o en su mesa? Cocino muy poco. De mis diseños, mi preferido es una panera. www.martinazua.com

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S_mple | HABLAMOS CON...

Ferran Adrià Ferran Adrià podría haber sido un excelente arquitecto o diseñador, pero le dio por la comida en vez de por los ladrillos. Usa fogones en vez de lápiz, pero, a fin de cuentas, hace lo mismo: proyectos creativosque deben ejecutarse de una manera innovadora.

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«Cocinar es diseñar la comida» Juli Capella J.C ¿Hay alguna relación entre la gastronomía y el diseño? F.A: Total. Una manera de definir qué es cocinar podría ser «diseñar la comida». Los cocineros tenemos un sistema de trabajo muy parecido. Los diseñadores utilizan un tipo de materiales, y nosotros, otros distintos, pero en ambos casos los combinamos de forma creativa. Aunque quizás el hecho diferencial más relevante de la cocina respecto a cualquier otra tarea creativa sea su carácter efímero, lo que hace que todo sea más difícil. El diseñador puede concebir algo extraordinario y repetirlo en serie: una silla, una vivienda; nosotros, no. En un restaurante no se puede repetir, cada uno de sus platos es único, sale de la cocina y se consume al instante. Quizás esta sea la singularidad que hace que no podamos relajarnos cuando hablamos de alta gastronomía de verdad. Yo siempre digo que la cocina es cocina porque tiene unos

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condicionantes muy especiales y estrictos; en un 90 por ciento se parece al diseño, pero el restante 10 por ciento la hace muy diferente y la aleja de otras disciplinas. Para asegurar la reproducibilidad de los platos de elBulli, hacíamos una muestra con plastilina. Como no teníamos ni planos ni moldes, preparábamos estas formas con plastilina de diversos colores que representaban cada componente del plato. La diferencia de la cocina con el diseño es que este es industrial y aquella es artesanía.

J.C ¿Y la relación entre el plato y la comida? F.A: Un tema muy interesante es la relación entre contenido y continente. Trabajamos en los límites arriesgando mucho. ¿Hasta qué punto el continente puede comerse el contenido? Si me traes

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una obra de Giacometti y le pones algo de comida, ya te importa poco lo que haya encima. Nosotos, al principio, comenzamos buscando los platos más raros que había en el mercado, pero enseguida nos resultó insuficiente; fue cuando empezamos nuestra propia investigación.

Si me preguntaran: ¿cuál es tu comedor preferido?, seguramente elegiría los salones japoneses J.C Dentro de la experiencia que supone comer, hay también un espacio, un interior, iluminación, muebles y utensilios. ¿Cuál crees que es la influencia de toda esta periferia respecto a la comida?

S_mple | HABLAMOS CON...

F.A: Muchísima, es de gran importancia. El entorno forma parte de la experiencia gastronómica, a no ser que la comida sea tan potente que lo monopolice todo, que te puedas abstraer y concentrarte en ella, como sucedía en elBulli, donde teníamos un comedor muy normal y clásico, pero casi no te dabas cuenta, porque estabas pendiente del plato. Sin embargo, la zona de cocina era única en el mundo; a pesar de los avances de los últimos años, nunca se superó, no había otra más revolucionaria.

J.C ¿Y no sentiste nunca la necesidad de un cambio en la sala? F.A: Mi sueño sería hacer un comedor para una sola mesa y que cada año le pidiéramos a un diseñador diferente que lo cambiara todo. Si me preguntaran: ¿cuál es tu comedor preferido?, seguramente elegiría los salones japoneses, con 50 u 80 metros cuadrados para una mesa y una gran privacidad; pero también me gusta la juerga. Probablemente, lo ideal sería tener restaurantes individuales, pero el lugar previo para el aperitivo y el posterior del café, plurales, con más gente, para compartir de forma distendida.

los restaurantes actuales que pertenecen a chefs de 30 años son muy modernos y atrevidos, pero los de alta cocina, paradójicamente, son más convencionales J.C El buen chef, ¿debe cuidar personalmente el entorno de su comida, o es mejor que se lo confíe a un diseñador? F.A: Yo quizás no sea un buen ejemplo; se ha aplicado muy poco el buen diseño en los restaurantes de alta cocina del mundo. Creo que el mejor, en este aspecto, es el de Michel Bras. Pero, en general, vamos retrasados; los restaurantes actuales que pertenecen a chefs de 30 años son muy modernos y atrevidos, pero los de alta cocina, paradójicamente, son más convencionales. No se entiende muy bien por qué no apuestan. Michel Bras es el restaurante por antonomasia, como tiene que ser, en las mesas no hay manteles, solo muletones, con gomas que los sujetan, porque el mantel es superincómodo cuando cuelga. ¿Qué demuestra esto? Que todavía se puede evolucionar; seguramente es muy difícil revolucionar, pero sí se puede avanzar.

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J.C Pero ¿por qué deben revisarse los utensilios de sobremesa si llevan siglos empleándose? F.A:La verdad es que es muy difícil intervenir en este sector, pero siempre es un reto excitante. Es lo que intentamos en el proyecto Faces, donde coordiné a un grupo de diseñadores para crear utensilios de cocina y de sobremesa. La línea de elBulli la desarrollamos durante varios años con Luki Huber, con propuestas muy radicales, en las que se planteó cómo se debe comer, no solo el tipo de comida, sino cómo manipularla e ingerirla. Pero, por otro lado, en Faces también me interesaba hacer propuestas más realistas, con piezas de Martín Azúa, Antoni Arola, o como la cubertería muy bien estudiada por el arquitecto Xavier Claramunt. No se puede empezar un proyecto únicamente con las piezas vanguardistas, había la necesidad de decir: oigan, señores, que también hacemos cosas normales, no solo locuras, como una cuchara agujereada para tomar los Kellogg’s colados. No pretendimos hacer un proyecto de lujo, porque a elBulli ya no podía ir casi nadie. Si, además, todo lo que hago no lo puede comprar nadie, vaya gracia; me interesa hacer cosas a un precio asequible.

J.C O sea, ¿el objetivo final es llevar la experimentación al ámbito doméstico? F.A: Una cuchara de café de plástico que pasa a reproducirseen

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metal nos abre un camino, sorprende, es singular. Yo creo que nos tenemos que plantear, como dice la gente, que el diseño tiene que servir para algo funcional, debe ser realista, lo he escuchado decir mil veces y estoy de acuerdo. Pero estoy convencido de que este componente artístico que tiene el diseño no tiene por qué olvidarse. Lo que odio es cuando se compra una pieza funcional y no funciona; pero si se regala un cuadro, ¿por qué no se pueden regalar piezas de menaje decorativas?

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J.C Lo sensato es que el objeto no te engañe. Si se llama sacacorchos, que los saque; si, además, sirve de escultura, pues mejor, ¿no? F.A: Pero todo lo que se pone en producción debe funcionar. Un tenedor tipo pinza para acompañar olores es genial. O los palillos, mucho más cómodos que los chinos y muy elegantes. Y la cucharilla para el café es un planteamiento racional, ¿por qué servir el café con cuchara, si se bebe? Tan solo se necesita disolver bien el azúcar. No son cosas frívolas, sino que están pensadas, podríamos decir que son muy bullinianas en el sentido de que innovan, pero que no se habían hecho.

oigan, señores, que también hacemos cosas normales, no solo locuras, J.C La colaboración entre dos egotrips suele ser muy difícil. F.A: Bueno, esta fue mi primera condición en Faces, que formásemos un equipo. Por eso fue un proyecto muy bonito. Y el que no sepa integrarse en el equipo, que se marche. Cada uno tenía autonomía y libertad en su proyecto, pero de vez en cuando tocaba una brainstorming sobre las piezas del otro. Tuvimos reuniones en las que cada uno podía hablar de las propuestas de los demás, era fantástico. Yo creo que para ellos fue una experiencia bastante marciana, porque esto no es habitual en el diseño, ¿no? En la cocina es más normal hacer reuniones, talleres, ir a los congresos, los cocineros repartimos mucho la información, se socializa enseguida. Fue un proyecto muy interesante

J.C Los diseñadores saben desenvolverse en el ámbito culinario. F.A: Sí, y ha sido muy divertido, aunque también difícil. Hemos indagado para ver qué ofrece esta nueva generación mixta de cocineros con diseñadores. Se habían probado otras combinaciones: grafista con industrial, arquitecto con interiorista, …, pero no con el mundo de la cocina, y se ha demostrado que se aporta algo nuevo y que podemos trabajar juntos, ¿no? .■

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Cajón desastre C U R I O S I D A D E S

7 profesionales y 6 agencias McDonals ha rediseñado su packaging, protagonizado exclusivamente por un diseño tipográfico y colorido. Ha sido el resultado del trabajo de 7 profesionales de 6 agencias diferentes.

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La tipografía de los carteles del metro de Londres cumple 100 años. Para homenajear a su creador, Edward Johnston, organizaron una exposición que cuenta la historia, su obre y la evolución de este calígrafo.

+ 40 % El tinder de las tipografias

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Ante la tesitura de combinar dos tipografías suele haber una duda recurrente y es si realmente una irá bien con la otra. Casi del mismo modo que las plataformas de encontrar pareja, Type Connection analiza y selecciona parejas tipográficas ‘perfectas’ según sus características.

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Los datos son rotundos. Cuatro de cada diez diseñadores que han respondido la encuesta (+1.900) poseen un iPhone como teléfono. Parecía lógico ya que cada vez que nos reunimos con los colegas de profesión ya son muy pocos los que no desenfundan un iPhone. ‘¿Cuál es el mío?’ suele ser la frase.

Simple.