Introducción a la Pintura 2016-2

INTRODUCCIÓN A LA PINTURA 2016-2 memoria del curso Alvaro Enrrique Cabrejo Torres

Resumen

Este curso puede ser divido en dos secciones; una primera donde se hizo una revisión muy general de la pintura en la historia del arte y otra donde se hicieron ejercicios de color apoyados en el libro “El arte del color” de Johannes Itten. En la primera parte se procedía primero a partir de una investigación que respondiera cinco preguntas como lo son: ¿Cómo se representa el espacio?, ¿Cuál era el papel del artista e la época?, ¿Cuál era su contexto social?, ¿Qué material se usaba? y ¿Cuáles eran las características técnicas y formales?; después de socializar lo investigado se procedía a hacer un ejercicio tomando los rasgos más característicos de cada época. La segunda etapa respecto al color se da una transición del blanco y negro, colores primarios y por últimos “todos los colores de la rueda” pensando en cómo relacionarlos y conectarlos de la mejor manera mientras se “descubre” una paleta propia. Para el trabajo final, se propone que a partir de lo encontrado en el curso se realice una propuesta personal que demuestre una focalización en uno (o varios) de los periodos históricos tratados y un trabajo del color acorde con los ejercicios realizados.

Contenido Pintura en la Edad Media (siglos V al XV) ............................................................... 6 Pintura en el Renacimiento (siglos XIV al XVI)...................................................... 11 Pintura Manierista (siglo XVI) ................................................................................ 16 Pintura en el Barroco (siglos XVII - XVIII) ............................................................ 18 Paul CĂŠzanne (1839-1906) .................................................................................. 22 Picasso y el cubismo ............................................................................................. 26 La pintura abstracta ............................................................................................... 31 Pintura en el arte pop ............................................................................................ 38 Pintura hiperrealista .............................................................................................. 43 Pintura suprematista y constructivista ................................................................... 46 Ejercicios de color ................................................................................................. 50 Propuesta final ...................................................................................................... 57

Pintura en la Edad Media (siglos V al XV) En la Edad Media con la caída del Imperio Romano de occidente el cristianismo y la iglesia se convierten en una marcada influencia en cada uno de los aspectos de la vida.

Los artistas solían ser monjes pero a medida de que este periodo avanza este también es un artesano perteneciente a un gremio, el cual supervisaba al artesano y lo que creaba. Los artistas eran considerados personas que tenían acceso a un lenguaje sagrado que era útil para acercar el pueblo a la religión y a dios.

En este periodo la pintura tenía una función didáctica y una profunda significación teológica y estuvo marcada por iconos como los orantes (paleocristiano) el Pantocrátor y la Theotocos (bizantino y románico) y escenas mas complejas durante el periodo gótico. La representación del espacio era primordialmente plana y una sola imagen tenía múltiples puntos de fuga o “puntos de vista” coexistiendo. Las formas se deformaban acorde con el espacio que brindaba la arquitectura y no se hacía uso del conocido claroscuro, simplemente se usaban franjas paralelas de distintos tonos También es notable el uso de franjas negras como contorno que aparece primero en las miniaturas y luego fue llevada a las vidrieras que eran las mismas tiras de plomo que sostenían las piezas de vidrio. La pintura medieval empezó una transición técnica y tuvo un cambio en la representación del volumen con la pintura flamenca y la aparición del oleo y las representaciones cada vez mas naturalistas pretendidas por Giotto.

En este periodo son predominantes las siguientes técnicas:      

Mosaico: imagen compuesta por teselas de colores ensambladas para crear la imagen, a veces se usaban metales y piedras preciosas en ello.

Miniatura: También conocida como iluminación, ilustraba los manuscritos medievales y se realizaba en tempera o en gouache y oro.

Vidriera: Formadas por vidrios coloreados o con dibujos coloreados y ensambladas con tira de plomo. Son características del periodo gótico.

Tapiz: Tejido realizado con telar donde se hacen dibujos a medida que se teje con fibras de distintos colores.

Fresco: Pintura mural que se hace sobre una base de cal, aplicando pigmentos disueltos en cal también.

Temple: Pintura compuesta por huevo, aceite agua y pigmento, tiene consistencia similar al óleo, pero se seca como los colores al agua. Se usa sobre muro o tabla.

En esta época el color tenía un significado profundo e importante ligado a lo espiritual, siendo breves; el azul refería a lo infinito e inmaterial, el verde inmortalidad o renacimiento, el rojo fuerza y ardor, el amarillo era energía y calor , o la envidia misma y el blanco aludía a una transición.

Imagen 1 : Anónimo, Pantocrátor. Mosaico bizantino, 1261. Hagia Sofia. Turquía.

Imagen 2 : Jan van Eyck, Retablo del Cordero Místico. Oleo sobre tabla. 350 x 461 cm. 1432. Catedral de San Bavón, Bélgica.

BIBLOGRAFIA: GOMBRICH , E.H.. 2010. La historia del Arte. Londres. Phaidon RAFOLS, J.F. 2001. Historia del Arte. Barcelona. Balmes S.A. SALVAT, JUAN. 1970. Historia del Arte, Vol. 3 , Fascículo 37. Barcelona. Salvat Editores S.A. OCAMPO, ESTELA. 1988. Diccionario de términos artísticos y arqueológicos.

Barcelona. Montesinos Editor S.A. Imágenes de commons.wikimedia.org

EJERCICIO

En este ejercicio realizado n la capilla de la universidad se destaca el hecho de usar los tres colores primarios aplicados en planos que segĂşn la luminosidad de cada color dan la ilusiĂłn de volumen sin usar necesariamente una estrategia de modelado con sombras y luces.

Pintura en el Renacimiento (siglos XIV al XVI) En este periodo el artista se emancipa de los gremios, convirtiéndose así el sencillo artesano a un artista erudito y una personalidad integral. Es de esta época la figura del genio donde el artista era capaz de generar corrientes filosóficas o manifestarse en su creación respecto a los ámbitos políticos y sociales.

Con el desarrollo de la burguesía capitalista a la par de las cortes estos trabajaban por encargo donde se especificaba el formato, el emplazamiento y hasta el tema. Es propio de esta época las figuras del taller con jerarquía y las academias.

En cuanto a la representación del espacio en esta época se empieza a abandonar la tradición gótica y a profundizarse en el cuerpo humano, la perspectiva y la representación volumétrica, esto lo representa la “primera ola” conformada por Fra Angelico, Filipo Lippi, Masaccio y Paolo Ucello.

Mas adelante la plasticidad en los cuadros adquiere facciones escultóricas ( Ghirlandaio y Mantegna), lineales (Boticelli) o lumínicas ( Piero della Francesca) características que serian sintetizadas mas adelante por Da Vinci, Michaelangelo y Rafael. En la pintura renacentista se da una unificación del espacio donde se aplica una perspectiva matemática con un único punto de fuga, el uso de la perspectiva atmosférica (representación de la densidad del aire, la técnica del sfumato(contornos difuminados), el trompe- l’oeil (sistema ilusionista que pretende dar lo pintado como real) y el “saber elemental” de que a mayor distancia los cuerpos disminuyen y pierden detalle.

Para esta época es importante el desarrollo en la técnica del oleo (pigmento diluido en aceites de linaza, nuez, etc. o de origen animal como aglutinante donde el aguarrás o trementina funcionan como secante o disolvente) , sin embargo, es importante destacar el desarrollo que continuo de la pintura la cual alcanzo un alto nivel artístico ; pero eso ya es otro asunto.

Imagen 1 : Sandro Boticelli, Retrato de Simonetta Vespucci. Temple sobre tabla 35x47.5cms , 1476.

Imagen 2 : Leonardo Da Vinci. La virgen de las rocas.

Oleo sobre tabla, 199x122 cms. 1485. Museo del Louvre. Paris, Francia.

BIBLOGRAFIA: GOMBRICH , E.H.. 2010. La historia del Arte. Londres. Phaidon HAUSER, ARNOLD. 1988. Historia social de la literatura y el arte. V.2. Barcelona.

Labor.

OCAMPO, ESTELA. 1988. Diccionario de términos artísticos y arqueológicos.

Barcelona. Montesinos Editor S.A. PANOFSKY, ERWIN. 1999. La perspectiva como forma simbólica. Barcelona, Tusquets Imágenes de commons.wikimedia.org

EJERCICIO

Con este ejercicio el objetivo era poder generar un volumen muy pronunciado al modo de los renacentistas (como Uccello) aprovechando la luz y la sombra sobre este objeto.

Pintura Manierista (siglo XVI) Se puede considerar el periodo manierista como un periodo de transición entre el alto renacimiento y el barroco, ya no es un momento que permita ser descrito de manera homogénea.

Para esta época el artista está vinculado al clero, familias de casas reales y la burguesía económicamente poderosa, sin embargo, ete esta cada vez mas vinculado con los círculos intelectuales presentes en estos estadios ya mencionados y ahora busca conciliar el valor espiritual e idealista de la pintura con los avances del renacimiento en cuanto a la representación naturalista y el racionalismo en el arte. El manierismo presenta una tensión constante entre forma y contenido, belleza y expresión, naturalismo y subjetividad en la representación, concreción y abstracción; y tradición e innovación.

La pintura manierista intentó llevar mas allá la gran maniera de Rafael y Michaelangelo en vez de ser un simple amaneramiento de estas. En los cuadros de este periodo el espacio se divide en zonas generando una escena descompuesta que añade gran dinamismo al cuadro valiéndose de recursos como agrupaciones de figuras en oposición a espacios vacios, delimitar un arriba y un abajo y escalas distintas ( a veces proporciones discordantes) ; generando así un espacio ideal donde muchas veces no hay un protagonismo definido. En este periodo también se destacan el uso de la perspectiva atmosférica, un marcado gusto por el detalle, la aparición de indumentarias opulentas y espacios arquitectónicos monumentales, gran cantidad de figuras amontonadas las cuales llegan o sobrepasan los bordes del cuadro y el uso de escorzos extremos como en el trabajo de El Veronés.

Podemos revisar este perido brevemente en la obra de Tintoretto, El Veronés y El Greco

Imagen 1: Michaelangelo Bounarotti. Tondo Doni. Oleo y temple sobre tabla. 120 x 120 cms. 1503. Galeria Ufizzi, Florencia, Italia, Imagen 2: Doménikos Theotokópoulos – El Greco. Lacoonte. Oleo sobre lienzo.

172 x 137 cms. 1610.

BIBLOGRAFIA: GOMBRICH , E.H.. 2010. La historia del Arte. Londres. Phaidon HAUSER, ARNOLD. 1988. Historia social de la literatura y el arte. V.2. Barcelona.

Labor.

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Pintura en el Barroco (siglos XVII - XVIII)

En esta época el arte está estrechamente vinculado con la iglesia católica y protestante, y fue un elemento importante en la propaganda para la contrarreforma; también estuvo vinculado a las monarquías absolutas y a los burgueses, con estos últimos el género del retrato se amplió notablemente . Los artistas eran condicionados tanto en la temática como en la expresión pero sin embargo los compradores adquirían por gusto personal contemplación y por prestigio entre sus círculos sociales. El término barroco indicaba un arte que había perdido la elegancia y alto desarrollo del arte renacentista, situación que causo una reacción que promulgaba que el arte debía ser de fácil entendimiento para los feligreses; en este momento la pintura abandona los palacios y arriba a las iglesias llegando masivamente a los públicos. En otros contextos nacionales el artista estaba al servicio del rey y eran considerados dentro del consejo real, siendo el arte la máxima expresión de conocimiento.

En este periodo el espacio se presenta con amplia profundidad usando una sucesión de espacios iluminados de modo distinto (Velazquez), complejizando el fondo con muchos planos espaciales o dando la ilusión de que las figuras emergen del fondo (Caravaggio); es destacable que la profundidad es construida apartir de los primeros planos. El tenebrismo es un modo de resolución pictórica donde hay un gran contraste entre la luz y la sombra donde las parte iluminadas tienen luces muy altas en comparación con las que están en penumbra, este estilo proveniente de la obra de Caravaggio contiene rasgos importantes para este periodo como la generación de volúmenes usando la luz, la relación de la figura y el fondo, una composición mas unitaria y que las figuras no se representan ya de modo solemne sino que estas se hacen mas “mundanas” (en pro del mensaje) pero también por dar la ilusión de ser un instante capturado al cual el espectador puede” acercarse a la escena”. Por otro lado la pintura barroca también se hace notable por una abundancia de formas ( a veces demasiadas) y un interés por el movimiento como en el trabajo de Annibale Carracci, El Canaletto y Giambattista Tiepolo; esta corriente se conoce como barroco ecléctico. Tambien es importante destacar el desarrollo de la pintura barroca en España con Zubaran, Murillo (básicamente con escenas religiosas) y Velázquez (pintor cortesano) este ultimo considerado el primer pintor moderno. Otros pintores barrocos destacables pueden ser Rubens (pintor de grandes formatos, notable por sus encarnados y el uso del empaste) , Van Dyck (con un excelso tratamiento de color) , Rembrant ( exponente notable en el género de los retratos de compañía), Vermeer (pintor de escenas intimistas) , Poussin, Georges de la Tour y Frans Hals.

Imagen 1: Caravaggio. Salome con la cabeza de Juan Bautista. Oleo sobre lienzo.

1609. 140x116 cms. Palacio Real de Madrid, Madrid, España.

Imagen 2 : Anthony van Dyck. Autorretrato. Oleo sobre lienzo. 1622-23. 94x117 cms. Hermitage. San Petersburgo, Rusia.

BIBLOGRAFIA: WOLFFLIN, HEINRICH.2007. Conceptos fundamentales de la Historia del Arte.

Madrid. Espasa, GOMBRICH , E.H.. 2010. La historia del Arte. Londres. Phaidon HAUSER, ARNOLD. 1988. Historia social de la literatura y el arte. V.2. Barcelona.

Labor.

OCAMPO, ESTELA. 1988. Diccionario de términos artísticos y arqueológicos.

Barcelona. Montesinos Editor S.A. Imágenes de commons.wikimedia.org

EJERCICIO

Este ejercicio propuso de acuerdo al tenebrismo (uno de los estilos más notables del barroco) generar volumen construyen la figura con manchas que se interrelacionan como luz , además de la importancia entre fondo y figura y como esta debe o puede maximizarse al estacar sobre este con una fuente de luz muy intensa pero “matizada”.

Paul Cézanne (1839-1906) Cézanne fue un pintor francés que estuvo radicado casi toda su vida en Aix-enProvence (Francia). Considerado el padre de la pintura moderna (y a veces categorizado como postimpresionista) estableció la bases para la gran transformación que tuvo el arte del siglo XX, incluso ha sido llamado “el padre de todos nosotros” por el pintor David Hockney. Este pintor solía trabajar en pleno aislamiento y su trabajo fue muy rechazado e ignorado a lo largo de su vida y solo llego a ser apreciado al final de su vida y después de su muerte. Su trabajo artístico tuvo diferentes etapas o periodos delimitables como son el “periodo oscuro” (186170) donde sus cuadros trataban temas mitológicos de modo macabro, erótico y violento estos presentan colores muy oscuros y gran uso del negro; seguido por el “periodo impresionista” en esta época Cézanne pintó paisajes a plein air como los impresionistas influenciado principalmente por Pisarro y finalmente su “período pleno o de madurez” en el cual el artista se instalo definitivamente en Aix-enProvence este periodo fue el aporte de Cézanne al campo del arte y lo tratare con mayor detenimiento a continuación.

El trabajo de Paul Cézanne se caracteriza por ser una constante búsqueda en pro de lo que conocemos por esta famosa cita “… hacer del impresionismo algo sólido y perdurable como el arte de los museos” , en esta búsqueda Cézanne hizo manifiesta el paralelo entre arte y naturaleza; declarando así la independencia de la pintura y cuestionando el porqué esta debía de ser imitativa. Consciente de su tiempo sabia que el arte que pretendiera ser fue al la naturaleza no era el arte de las academias pues allí se pintaba “el aspecto acomodado que tenemos de la realidad mas no lo que en realidad se ve” pretendió pintar la naturaleza, aprovechar los avances traídos por los impresionistas sin perder la armonía, solidez y simplicidad de los grandes maestros. Fue un artista muy autocritico y constante en sus búsqueda llegado a veces a ser muy duro cuando de juzgar su producción se trataba, desarrollando así, un método de trabajo que lo llevo a no terminar muchos de sus cuadros o incluso a destruirlos.

En sus cuadros este pintor modela y modula los colores van construyendo los volúmenes y masas con pequeñas pinceladas rectas de color puestas de manera

sucesiva. El espacio suele ser unificado, sin puntos de fuga e irregular, pero, con una composición muy equilibrada en la cual el artista se dio la “libertad” de “forzar” los elementos en la composición o añadir varias perspectivas obedeciendo a su premisa de plasmar “lo que ve el ojo” y de “organizar la sensación en el cerebro” creando a veces un espacio múltiple o interconectado. La paleta de color usada por Cézanne puede definirse como pálida y similar a la de los impresionistas, pero, equilibrado y bien contrastado (anunciando al vez un fauvismo) donde el blanco es característico para representar la luz reflejada. Su trabajo se caracteriza por tener un dibujo preciso y unos contorno a veces mas bien definidos donde los planos se extraen con pinceladas planas y rotas , ejemplo de ello su empecinado motivo de la montaña de Saint Victorie, motivo presente a lo largo de su vida como artista el cual lo uso como una herramienta para su investigación pictórica de traducir la realidad al plano pictórico.

Imagen 1: Paul Cezanne Naturaleza muerta con craneo. Oleo sobre lienzo.

54x65 cms.

1898.

Fundacion Barnes, Merion, Pensilvania, EE.UU. Imagen 2: Paul Cezanne.

La casa de muros agrietados. Oleo sobre lienzo. 80x64 cms. 189294.

BIBLOGRAFIA: GOMBRICH, E.H. 2010. La historia del arte. Londres. Phaidon GOMPERTZ, Will. 2013. ¿Que estas mirando?: 150 años de arte moderno en un abrir y cerrar de ojos. Taurus. Madrid.

KENDALL, Richard. 1989. Cézanne por si mismo. Plaza & Janes Editorial, España.

READ. Herbert. 1963. A concise history of modern painting. Norwich Jarold & Sons Ltd. Imágenes de commons.wikimedia.org

EJERCICIO

Basándose en la concepción de la pintura de Cézanne para este ejercicio se parte de seleccionar un paisaje o motivo “estilo” y proponer una paleta de color. Para este ejercicio sigo algunos elementos del postulado de Cézanne como lo es la variedad de colores quebrados en una zona donde se aprovecha el complementario de este para generar la profundidad u otro tono que no está presente en la naturaleza de esa superficie.

Picasso y el cubismo Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) ha sido uno de los mayores artistas del siglo XX siendo uno de los artistas mas prolíficos en cuanto a producir obra; hizo pintura, dibujo, escultura, cerámica, ilustración, diseño y dirección de vestuarios y escenografía para teatro. Desde muy niño empezó a involucrarse con la creación plástica (pintura) y durante toda su vida su trabaja se fue perfeccionando, y haciéndose mas expresivo y “sintético” llegando a ser su trayectoria artista un hecho importantísimo para el arte del siglo XX. Junto con Braque creó el cubismo pero también a lo largo de su vida por cortos periodos tomo parte de las vanguardias artísticas del siglo; su trabajo pictorico habitualmente se categoriza en los siguientes periodos:

o Periodo Inicial (1896-1901): Este periodo contiene la etapa de la formación del artista que desde muy joven expone piezas como la muy bien lograda “Ciencia y Caridad” de 1897 en esta etapa entra a la Escuela de Bellas Artes de San Fernando la cual abandona en poco tiempo. De este periodo son características varias piezas claves para entender la formación de Picasso como paisajes o retratos, al final de este empieza a adquirir elementos del postimpresionismo. o Periodo Azul (1901-04): Marcado primordialmente por la muerte de Casagemas, este periodo se caracteriza por los tonos azules y fríos

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presentes en todo el cuadro además de las temáticas llenas de tristeza y melancolía que incluirán a su amigo, mendigos, borrachos y prostitutas.

Periodo Rosa (1905-06) : En esta etapa vuelva a darse un cambio en la paleta de Picasso siendo esta conformada en su mayoría por tonos rosáceos y mas bien calidos con este cambio la temática se centrara en la vida circense y la figura femenina ya sea en grupo o por si misma.

Periodo Protocubista (1906-1907): Aquí el trabajo de este artista empezó una importante transición al estudiar el arte africano y aplicarlo dentro de su pintura. En este periodo también conocido como periodo africano se pinto el cuadro “Las señoritas de Avignon” de 1907 donde las figuras y el espacio se han transfigurado rompiendo así con la pintura de esta época. Este cuadro causo gran revuelo en su momento que hasta el mismo Picasso llego a odiarle y fue por decirlo así, el primer paso hacia el cubismo.

Periodo Cubista (1908-1916): El cubismo es una de las primera vanguardias en romper con la tradición artística de las academias presentando en el espacio pictórico un mismo objeto vistp desde muchos puntos de vista seccionado por “cubos” (el nombre de cubismo fue dado por el crítico Louis Vauxcelles a modo de burla) tuvo dos etapas; la analítica que centra su atención en la geometría más que en el color y la sintética donde cada vez más este tiende a la abstracción geométrica. También este se destaco por el uso (e invención) del collage en la pintura.

Periodo Clásico (1917-1927): En este periodo Picasso rompe con su mismo estilo y vuelve a la figuración realista haciendo mayoritariamente retratos y desnudos con una notable influencia de Ingres.

Periodo Surrealista (19281932): El artista se acerca al movimiento surrealista, a pesar de negarlo, en sus cuadros aparecen figuras distorsionadas, monstruos y cuerpos de gran tamaño.

Periodo Expresionista (1937): En este año se pinta el Guernica e igualmente los cuadros de Picasso tratan la guerra en temas sombríos, tristes y cargados de angustia. La paleta de tonos oscuros reaparece y su estilo da cuenta de una síntesis de periodos previos.

o Periodo de Vallauris (1947-1973): Finalmente se establece en Vallauris, allí empieza a hacer gran cantidad de cerámica y escultura. Su trabajos se ve constantemente influenciado por la existencia de sus dos hijos y en sus pinturas aparecen los temas de infancia y maternidad, retorna a los estudios de los maestros como Velázquez y Manet; y a las temáticas de circo y corridas de toros.

El cubismo La aparición del cubismo represento un quiebre definitivo en la pintura al romper con el concepto clásico del espacio pictórico que venia desde el renacimiento. El proceso de creación de la pintura cubista consiste en que el pintor se mueve y compila diferentes puntos de vista que serán unidos en el cuadro; esto resaltando la voluntad del artista que reduce lo real a formas y volúmenes básicos que mas adelante evolucionaran hasta llegar a síntesis lo real con planos. Este tipo de pintura oscila entre una apariencia abstracta y una realidad concreta, pero llego a conciliar estos conceptos con la “invención” del collage el cual integraba a la obr elementos afirmativamente traídos de la realidad. La pintura románica tuvo modos de ver la perspectiva (cuando esta aun no había sido formulada) donde los motivos se representan desde distintos puntos de vista en una imagen unificada para hacer más favorable su comprensión sin que esta necesariamente fuese correspondiente con como vemos realidad.

El cubismo tuvo “dos etapas” por así decirlo; la primera de ellas es el llamado cubismo analítico que arte de analizar geométricamente las formas y el espacio los cuales están descompuestos en múltiples facetas (ángulos, puntos de vista, cambios de luz…) pero unificados a su vez, estos motivos, se pintaban con pinceladas cortas en grises y ocres que daban el aspectos de ser formas cristalinas en el caso de Picasso y con un monocromatismo cálido, sobrio, bajo en contraste y con la línea como estructura en el caso de Braque, co-creador de esta tendencia. Uno de los motivos mas frecuente en el primer cubismo es la naturaleza muerta a la que poco a poco se fueron integrando letras y números provenientes de papeles recortados y utilizados como material pictórico bajo el criterio de convertirse en un plano de color o de integrar a la composición la realidad

misma. El uso del collage llevo a los pintores cubistas a la siguiente etapa del cubismo conocida como cubismo sintético donde la realidad se “ensambla a partir de trozos” donde las “facetas” que mencionamos se convierten en figuras geométricas más amplias pero el cuadro se mantiene cubista pues no se disocia fondo de figura manteniendo este espacio plano del cubismo.

Imagen 1: Pablo Picasso. La Vida. Oleo sobre lienzo. 1903. 128 x 196 cms. Museo de Arte de Cleveland, Clevenland, Ohio, EE.UU. Imagen 2: Pablo Picasso. Arlequin de Barcelona. Oleosobre lienzo. 1917. 90x116 cms.

Imagen 3: Juan Gris. Botella de anis. Oleo, collage y grafito sobre liezo. 24x41 cms. Coleccion Judith Rothschild. Museo Reina Sofia.

BIBLOGRAFIA: GOMBRICH, E.H. 2010. La historia del arte. Londres. Phaidon GOMPERTZ, Will. 2013. ¿Que estas mirando?: 150 años de arte moderno en un abrir y cerrar de ojos. Taurus. Madrid INGO F, Walther. 2005. Arte de Siglo XX Taschen. Alemania INGO F, Walther. 1992. Pablo Picasso, 1881-1973 :el genio del siglo. Taschen.

Alemania MICHELI, Mario de.2014. Las vanguardias artísticas del siglo XX. Madrid , España.

Alianza Forma.

READ. Herbert. 1963. A concise history of modern painting. Norwich, Inglaterra.

Jarold & Sons Ltd. Imágenes de commons.wikimedia.org y www.museoreinasofia.es

EJERCICIO

Usando uno de los elementos mรกs importantes en la reflexiรณn del cubismo para realizar este bodegรณn se aplican las premisas de componer el cuadro desde distinto puntos de vista y olvidar el objeto que se pinta siendo ahora mรกs importantes las superficies o texturas visuales.

La pintura abstracta La pintura abstracta se define como aquella en la que se usan formas y colores de manera independiente a lo que reconocemos como “real” o “natural”, de acuerdo a esto, la tendencia abstracta a existido desde la prehistoria y ha sido usada por muchas civilizaciones como por ejemplo los pueblos primitivos o la cultura Islam.

Sin embargo, la pintura abstracta como movimiento con un sustento conceptual se “inventa” a principios del siglo XX como contraargumento al naturalismo académico.

La abstracción siempre estuvo sujeta a pertenecer a motivos decorativos pero en este siglo los elementos como materia, textura, forma y color; dejan de serlo para convertirse en valores estéticos que trabajan los artistas dependiendo o no de lo geométrico ya sin intención decorativa ni de figuración. Esta tendencia pictórica tuvo una muy amplia variedad de productores quienes generaron una amplia variedad de corrientes o lenguajes (simbólico, geométrico, matemático, expresionista …) , a pesar de ello, voy a hacer un muy breve recuento de artistas y movimientos que pueden decirse son “esenciales” para entender este estilo de pintura. 

Wassili Kandinsky (1866-1944): Se considera el “padre” de la pintura abstracta de este siglo. En sus pinturas apela a generar una emoción estética en quien mira pues allí no encontramos ningún elemento reconocible o “literal”, pretendió que sus cuadros fuera “música visual” donde el carácter interior y el espíritu eran una parte muy importante que se manifestaba en lo inconsciente y lo espontaneo. A la par, desarrollo estudios teóricos pretendiendo definir la abstracción y probar que forma y color son un lenguaje lo suficientemente concretos como para ordenarse sin basarse en una idea figurativa.  Suprematismo.

Kasimir Malevich (1878-1935): Partiendo del cubismo y el ya desarrollado futurismo ruso logró llegar al llamado suprematismo. Un tipo pintura que busca conectar con la sensibilidad pura del ser humano llevándolo a un mundo sin objetos.

Para ello Malevich se vale de cuadrados, triángulos, rectángulos y círculos en colores planos como blanco, negro, rojo, azul y amarillo sobre fondos blancos. Con ello quería demostrar que el cuadro

pude existir sin intentar imitar a lo real y en vez de ello evocar a la reflexión de un mundo “interior” al que solo se puede llegar usando las sensaciones puras.

 Neoplasticismo. Piet Mondrian (1872-1944): En la obra de Mondrian se hace muy claro su viaje desde lo figurativo hasta lo abstracto, por ejemplo en sus estudios de un árbol; partir de 1916 este artista genera para sus pinturas un “kit de elementos plásticos” que usara durante toda su trayectoria. En sus cuadros llenos de un fuerte racionalismo este artista generó armonías basadas en la temática y la teoría musical usando líneas rectas ubicadas en ángulos rectos y los colores básicos (amarillo, azul y rojo) y , los “no colores” (blanco, gris y negro) con los que formaba rectángulos de color puro dentro de estructuras conformadas por horizontales y verticales. 

Paul Klee (1879-1940): Desarrollo una obra simbólica y surrealista con un alto contenido emocional donde algunos trazos de formas figurativas desaparecen en una abstracción que llegaba a grafismos con aspecto de signos. En su estudio de la abstracción llego hacia un mayor esquematismo, cuidadas composiciones tonales y una línea firme y expresiva.



Joan Miró (1893-1985): Considerado con surrealista, incluso “el mas surrealista de todos” desarrollo un único y rico lenguaje de signos que genero una “pintura discursiva” pues al observarla a pesar del impacto estético hay una lectura impuesta con un recorrido muy organizado sobre la superficie.

Sus cuadros se complementan a su vez con un titulo que da un tipo de pautas de observación y para que el observador pueda acceder a esta cosmogonía donde la ironía y la ternura se rozan y encuentran constantemente.



Expresionismo Abstracto: El expresionismo abstracto surge como una reacción a la abstracción geométrica que proponiendo que el artista se manifieste usando lo espontaneo y la intuición. Su desarrollo se dio propiamente en Norteamérica por artistas como:

o

Arshile Gorky (1904-1948): Sus trabajos presentan claramente una transición desde el surrealismo abstracto de Miró hasta la abstracción expresionista. o Mark Tobey (1890-1976): En su “white writings” símbolos que recuerdan la escritura oriental construye una retícula que recordaría una telaraña sobre un fondo oscuro en el cual van apareciendo tonos y matices. o Jackson Pollock (1912-1956): Es el mayor representante de la “action painting” (Un tipo de pintura realizada sin una planeación previa donde el cuadro se conforma espontáneamente mediante el gesto) y también considerado el creador del “dripping” , un tipo de pintura donde la pintura se hacía con chorros o goteos de la pintura dando como resultado un grafismo con un gesto muy explicito. o Willem De Kooning (1904-1997): Pintor moderno que en 1946 empezó a trabajar sobre los postulados del expresionismo abstracto combinando la figuración con la reflexión del espacio pictórico que resultaron en figuras ciertamente “monstruosas” pero con una rica gestualidad y uso del color. 

Informalismo.

Antoni Tápies (1923-2012): En el informalismo a diferencia del expresionismo abstracto se pretenden descubrir los valores expresivos y plásticos de la misma materia.

En el trabajo de Tápies la materia pictórica (u otras) tiene extensión pero no forma la cual este manipula generando superficies que puede decirse “adquieren calidades emocionales y de conciencia”. Otro informalista importante puede ser Jean Fautier (1898-1964) con sus cuadros grises – verdosos donde se ofrecen calidades táctiles ´pero no formas reconocibles.

Imagen 1: Kasimir Malevich. Composición Suprematista: Blanco sobre blanco.

Oleo sobre lienzo. 1918. 79x79 cms. MOMA, Nueva York, EE.UU. Imagen 2: Piet Mondrian. Composicion N° 10 en blanco y negro. Oleo sobre lienzo.

1915. Kröller-Müller Museum, Netherlands.

Imagen 3: Antoni Tapies. Prenda pegada. Tela y papel de lija. 1976. 63x90 cms.

Tate, Londres, Inglaterra.

BIBLOGRAFIA: GOMPERTZ, Will. 2013. ¿Que estas mirando?: 150 años de arte moderno en un abrir y cerrar de ojos. Taurus. Madrid INGO F, Walther. 2005. Arte de Siglo XX Taschen. Alemania MARTINEZ MUÑOZ, Amalia.2001. Arte y arquitectura del siglo XX. La institucionalización de las vanguardias. Tomo II. Barcelona. Montesinos Editor S.A. MICHELI, Mario de.2014. Las vanguardias artísticas del siglo XX. Madrid , España.

Alianza Forma.

OCAMPO, ESTELA. 1988. Diccionario de términos artísticos y arqueológicos.

Barcelona. Montesinos Editor S.A. READ. Herbert. 1963. A concise history of modern painting. Norwich, Inglaterra.

Jarold & Sons Ltd. Imágenes de www.moma.org/ - http://krollermuller.nl/ - http://www.tate.org.uk/

EJERCICIO

Recordando el principio de la composiciรณn aurea sobre el formato se recuerdan unos sencillos pasos para hacer una distribuciรณn visual efectiva del material y aprovechando la curva aurea se le pretende dar a estos elementos puramente abstractos un movimiento visual agradable y coherentemente dado; ademรกs de aprovechar los mismos efectos dados por el cรณmo y con que se ha aplicado la pintura.

Pintura en el arte pop A mediados los cincuenta una vez superada la crisis de la posguerra en Estados Unidos y del “baby boom”, había una gran cantidad de adolescentes que tuvieron por primera vez poder adquisitivo pero no tenían nada propio. Los empresarios se encargaron de crear esta “nueva cultura masiva” que ofrecieron a estos “teenagers” y que mas adelante se convertiría en tema para el popular art ingles en 1955 propuesto por Leslie Fiedle y Beyner Banham refiriéndose a el cine, la TV y los medios impresos; mas adelante con algo de sentido crítico e ironía esto generaría lo que conocemos hoy como arte pop.

Para la época del pop art la sociedad en recuperación de la posguerra se encontraba liberando cierta represión moral por medio de productos culturales encabezados por la música y el cine, productos que pronto se popularizaron y empezaron a tomar un valor bien de icono o de cliché.

La pintura pop aparece, reaccionando contra el expresionismo abstracto, como el nuevo figurativismo. En estas imágenes aparecen elementos muy conocidos como imágenes de revistas, celebridades, comics, objetos cotidianos, señalizaciones, periódicos, etc ; tomándolas para reproducirlas, pintarlas o pegándolas directamente al cuadro. El arte pop se incorporo rápidamente a la vida urbana y asimilado con la manifestación por excelencia de la sociedad americana de la época valiéndose a veces de lo kitsch (producción masiva de mercancías culturales) o el camp (algo tan horrible que se hace bueno por ello). Esta manifestación quiso doblar el aura elitista de las artes para acercarlo a las masas, sin embargo esta aunque proveniente de un neodadaísmo; no quería negar el arte sino afirmar el valor artístico de lo vulgar.

La pintura pop quiso criticar símbolos que “son identidad” pero puestos en juicio están vacios , el porqué se hacen ciertas cosas o se consumen ciertos objetos , la rapidez momentánea de una cultura que no construye

al consumidor pero si lo incita a consumir mas rápidamente, entre otras temáticas ligadas a la emergencia consumista de la época; en síntesis como aquel collage de Hamilton que lleva por titulo “Que es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos?”. En esta pintura se cuestiona la superficie y el color en la pintura usando técnicas tan variadas (incluso algunas propias del diseño) como el collage (Rauschenberg y Johns), la encáustica (Johns), la fotomecánica (Lichenstein), transferencias de tinta por frotage (Rauscheberg y Warhol), serigrafía (Warhol), temple (Johnson), polímeros (D’ Arcangelo), objetos ensamblados al soporte (Raschenberg), soportes ensamblados en sucesión ( Weselmann) e incluso el clásico oleo y la innovadora pintura acrílica pero caracterizándose por se aplicada en zonas de color plano e uniforme. Aquí aparece también la “pintura objeto” y como objeto, pues, ya sea al incorporarlos, reproducirlos, tener su apariencia serlo, o mas notablemente, cuando el soporte empieza a tener una construcción “cuasi escultórica” que se inserta en el espacio abandonando de algún modo el “plano” pictórico.

Imagen 1: Jasper Johns. Bandera. Encaustica, oleo, collage sobre tela ensamblada en contrachapado. 1954-55. 107 x 154 cms. MOMA, Nueva York, EE.UU. Imagen 2: Peter Phillips. Leon contra aguilas. Oleo y collage sobre lienzo. 1962.

82 x 59 cms Imagen 3: David Hockney. Mis padres. Oleo sobre lienzo. 1977 182x182 cms.

Tate, Londres, Inglaterra.

BIBLOGRAFIA: GOMPERTZ, Will. 2013. ¿Que estas mirando?: 150 años de arte moderno en un abrir y cerrar de ojos. Taurus. Madrid.

HONNEF, Klaus.2004. Pop Art. Taschen. Alemania.

INGO F, Walther. 2005. Arte de Siglo XX Taschen. Alemania MARTINEZ MUÑOZ, Amalia.2001. Arte y arquitectura del siglo XX. La institucionalización de las vanguardias. Tomo II. Barcelona. Montesinos Editor S.A. SHANES, Eric. 2007. Tradición del arte pop. Bogotá. Panamericana Editorial.

Imágenes de www.moma.org/ http://apstudioartatwoodstock.blogspot.com.co/

http://www.tate.org.uk/

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EJERCICIOS

Para realizar este par de ejercicios se toman las premisas “establecidas” por la pintura pop en sus motivos más conocidos como lo son el uso de elementos o emblemas de consumo producidos en masa pintados con colores vivos, planos y contratantes que modelan un volumen por zonas d color plano; sin olvidar el contenido crítico y saritico que caracteriza la pintura pop.

Pintura hiperrealista

El hiperrealismo es una corriente pictórica que aparece a principios de la de cada de 1970 como una respuesta a arte pop y a como esta pretendía representar lo cotidiano, esta, prefiere una representación de apariencia verídica y exacta dando retorno allí a la pintura académica. Este movimiento al igual que el pop tiene como temas el consumo y la ironía de este reproduciendo imágenes y clichés visuales característicos de Norteamérica de una manera objetiva, literal y habitual casi convirtiéndose en un tipo de registro documental. Esta pintura aparece a partir de fotografías que son reproducidas para parecer una fotografía valiéndose a su vez de imitar resultados visuales similares a los que se puedan obtener con la fotografía.

Este tipo de pintura se centra en motivos banales siendo calificado como un “lenguaje oportunista” ya que no responde a un suceso histórico, sino que simplemente se centra en la experiencia inmediata y una argumentación en pro de la factura.

Aquí se pretende hacer una pintura totalmente “exacta” retornando técnicas antiguas como el tromp de lóeil, manteniendo un gran cuidado en el detalle, usando contornos muy agudos, ampliando las dimensiones del soporte, etc. Aprovechando las nuevas posibilidades ofrecidas por los pigmentos y las herramientas producidas industrialmente como el uso de dispositivos tecnológicos de la visión. En todo este

proceso el gesto desaparece por completo dando como resultado una imagen aparentemente fiel y fríamente representada. Esta a su vez se divide en categorías como el fotorrealismo donde destacan Chuck Close (1940) el cual no se considera a si mismo como hiperrealista, Richard Estes (1932), Robert Cottingham (1935), John Salt (1937), Audrey Flack (1931) y otra manifestaciones del llamado “realismo” en el grupo Cebra (1965) de Alemania, Domenico Gnoli (1933-1970) o las reproducciones de fragmentos que hace Antonio López García (1936).

Imagen 1: Don Eddy. Volkswagen Verde. Acrilico sobre lienzo. 1971. 167x241 cms.

Museo de Arte de la Universidad de Duke, Durham , NC, EE.UU. Imagen 2: Richard Estes. El autobús de broadway en la calle Liberty. Oleo sobre lienzo.1996.86 x 121 cms. Museo Botero, Bogotá, Colombia.

BIBLOGRAFIA: MARTINEZ MUÑOZ, Amalia.2001. Arte y arquitectura del siglo XX. La institucionalización de las vanguardias. Tomo II. Barcelona. Montesinos Editor S.A. RAFOLS, J.F. 2001. Historia del Arte. Barcelona. Balmes S.A. Imágenes de http://www.banrepcultural.org/ - http://nasher.duke.edu/

EJERCICIO

Intentando obtener un resultado como el de los hiperrealistas se recurre a ejecutar la pintura con apoyo de un fotocopia a tamaño real y otra ampliada en una cuadricula sobre una superficie pequeña, el truco de este procedimiento es ejecutar cada cuadrado pensándolo como una serie de manchas en una sucesión de tonos; no se termina la imagen, apenas se insinuó un esquema de luces y sombras inicial.

Pintura suprematista y constructivista En Rusia, empezando por la revolución de 1905 los lazos entre el pueblo y los intelectuales se iban haciendo cada vez más fuertes mientras que en paralelo los círculos intelectuales querían romper del todo con el ya dogmatico y hegemónico realismo ruso el cual servía de instrumento para la represión.

Influenciados en parte con lo que sucedía en Francia y en Italia la pintura rusa pretendía innovar; primero sucedió el llamado rayonismo presentando un fenómeno innovador del todo, pues, en esta pintura ya no habían ni objetos, ni imagen alguna del mundo real. Hasta 1913, Kasimir Malevich da un gran paso exponiendo un cuadrado negro siendo acusado de presentar “un desierto” a lo que respondió que este era “un desierto lleno del espíritu de la sensibilidad no objetiva”.

Con los trabajos de Malevich (18781935) , Popova (1889 – 1924) y Rozanova (1886-1918) nos encontramos ante el llamado suprematismo, un tipo de pintura que quiere apelar a la pura sensibilidad plástica, un tipo de arte que deja de servir a la Iglesia y al estado para convertirse en un arte donde lo único que importa es la experiencia que se tiene ante un arte sin sentido práctico alguno. El suprematismo se encuentra como la abstracción máxima usando simplemente triángulos, cuadrados, círculos, rectángulos y cruces resueltas en composiciones armónicas sencillas que pueden llegar a dar ilusiones de asimetría, dinamismo o en otras la figura geométrica se convierte en un elemento independiente y absoluta. El color en este tipo de pintura es del todo elemental usando fondos negros o blancos como amarillo, azul, blanco, negro y rojo sobre ellos, sin embargo, encontramos ciertas transiciones en el uso del color en Malevich ligadas a su intento de

“desmaterializar para llegar a la sensibilidad más pura “ que va del uso del negro seguido de un periodo con colores primarios y por último el blanco, siempre sobre fondos blancos.

En 1915 Malevich conoció a Tatlín (1885-1958) en una exposición que juntos realizaron en Petrogrado (hoy San Petersburgo) de la cual nació la tajante diferencia entre el suprematismo y el constructivismo al cual se llego por diferencias teóricas con el postulado de Malevich respecto al modo de reaccionar con lo que sucedía en la Rusia de aquellos años. A diferencia del postulado de Malevich de un arte sin fin materialista alguno, Tatlin; pretendía un arte con una integración practica en el ámbito social objeto que dirigió este nuevo movimiento hacia la estética de las maquinas, el aprecio a la técnica y la participación política de sus integrantes; la diferencia entre ambas tendencias se remarco radicalmente después de la Revolución de Octubre. El constructivismo quería ser útil para la revolución, ser capaz de convocar a las masas; se dejando a un lado la obra de arte y se le da relevancia al proceso y a la técnica. Este movimiento ligado a la utilidad produce carteles, propagandas e ilustraciones mas que la llamada pintura en si. Esta pintura se asocia a lo industrial, se construyó matemáticamente, usa los motivos suprematistas añadiendo texto, insinuaciones de tridimensionalidad, líneas y curvas. En cuanto a colores se usan el blanco, negro, azul, amarillo, naranja, verde y rojo aplicados de manera plana y dejando que conformen planos.

El constructivismo avanzo con sus principios hasta conformar el llamado LEF o Frente de Izquierda de las Artes donde lo importante era el “técnico constructivista” y la función d este dentro de la revolución y la sociedad, Sin embargo después de la salida de Lenin el realismo del siglo XIX estaba de vuelta en Rusia y muchos de estos artista tuvieron que abandonar el país.

Aleksandr Ródchenko (1891 1956), Theo van Doesburg (1883

- 1931) y El Lisitsky( 1890 - 1941) son figuras importantes respecto a la pintura constructivista. Muchos de estos artista después desarrollaron importantes aportes para la historia del arte como el neoplasticismo o la Bauhaus y aunque de cierto modo se vio interrumpida su actividad en Rusia el mundo alcanzo a ver parte de sus esfuerzos en la Bienal de Venecia de 1924, junto con el trabajo suprematista de Malevich. Aunque aparentemente distintos estos movimientos en sus “fines lógicos o materiales” ambos apuntaban a romper con la tradición opresiva de esta Rusia cosa que podemos ver en sus manifiestos que pretenden abolir una pintura “clasista” trasgrediendo los mismo elementos básicos de la pintura ya sea reforzándolos, ignorándolos o invalidándolos en pro de lo que se tiene por decir.

Cabe destacar el “Manifiesto suprematista” (1915) de Kasimir Malevich, “Manifiesto del realismo” (1920) de Naum Gabo y Antoine Pevsner, y el “Programa del grupo productivista “ (1920) de Aleksandr Ródchenko y Barbara Stepanova .

Imagen 1: Kasimir Malevich. Cuadrodo negro y cuadrado rojo. Oleo sobre lienzo.

1915.

Imagen 2: Peter Laszlo Peri. Hasábok. 1922 Imagen 3: El Lissitzky.Wendingen. Litografia sobre papel. 1921. MOMA, Nueva York. EE.UU. BIBLOGRAFIA: GOMPERTZ, Will. 2013. ¿Que estas mirando?: 150 años de arte moderno en un abrir y cerrar de ojos. Taurus. Madrid MICHELI, Mario de.2014. Las vanguardias artísticas del siglo XX. Madrid , España.

Alianza Forma.

READ. Herbert. 1963. A concise history of modern painting. Norwich, Inglaterra.

Jarold & Sons Ltd.

EJERCICIO

Para este ejercicio complementario a la investigación decidí hacer un poco lo que se hizo en el movimiento constructivista de acuerdo a sus proposiciones. Elabore un cartel con una reducción máxima de información aprovechando las herramientas plásticas dl suprematismo, pero para que funcionara como cartel decidí poner en bajo relieve tras varias capas de pintura la palabra “ROJO” un símbolo clave para la Rusia de este periodo que completó la propuesta refiriéndose en el sentido de la a la pura sensibilidad plástica deseada por los suprematistas y la funcionalidad ambiciada por los constructivistas.

Ejercicios de color

Contraste claro-oscuro.

Contraste del color en sĂ­ mismo.

Contraste de complementarios.

Contrast caliente-frĂ­o.

Contraste simultรกneo.

Circulo cromatico en doce zonas.

Estudio autĂłnomo de diferentes contrastes con colores. *Ejercicios de “El arte del colorâ€? de Johannes Itten

Propuesta final Para la propuesta final decidí hacer un retrato de uno de mis compañeros, la propuesta de color es fría y hasta ponerle un poco de azul a las carnaciones, el cuadro se hizo en óleo usando empastes para conservar las marcas del pincel. Para esta propuesta me base en el trabajo de los postimpresionistas y el retrato de finales del siglo XIX (específicamente en el retrato de Pedro Carlos Manrique (1895) por Felipe Santiago Gutiérrez) rescatando los valores táctiles aplicados al retrato con colores quebrados y los empastes densos. Para hacer esta pintura decidí hacer el proceso desde cero al tensar la tela, armar el bastidor, preparar la tela, hacer unos dibujos preliminares de estudio y un prepintado como base para la capa de empastes; todo esto con objeto de entender los procesos de la pintura desde la misma experiencia aprovechando la teoría ya adquirida. Elegí el tema del retrato por ser un tema que personalmente me apasiona y que también puede ser aprovechado para entender un volumen complejo y como la luz debe caer sobre un rostro, que a su vez se compone de varios volúmenes, haciendo de este tema un ejercicio bien interesante en cuanto a modelado y comprensión de la luz. El cuadro aún no se ha terminado.

Pregrado en Artes Plรกsticas Facultad de Artes Universidad Nacional de Colombia