Annexe Camping, présentation des écoles

LE CND CAMPING PLATEFORME CHOREGRAPHIQUE INTERNATIONALE 1ÈRE ÉDITION DU LUNDI 22 JUIN AU VENDREDI 3 JUILLET 2015 EN ÎLE-DE-FRANCE DU MARDI 7 AU VENDREDI 10 JUILLET 2015 EN RHÔNE-ALPES

ÉCOLES D’ART INVITÉES INTERVENANTS WORKSHOPS

LES ÉCOLES D’ART INVITÉES

THE ARTS & CO – Corée du Sud EXERCE - France ÉCOLE NATIONALE SUPÉRIEURE D'ARTS DE PARIS CERGY - France JUSTUS-LIEBIG-UNIVERSITÄT GIESSEN - Allemagne LA MANUFACTURE - Suisse LONDON CONTEMPORARY DANCE SCHOOL / THE PLACE – Royaume-Uni ÉCOLE DE RECHERCHE GRAPHIQUE - Belgique HOCHSCHULÜBERGREIFENDES ZENTRUM TANZ BERLIN HZT/HZT - Allemagne P.A.R.T.S - Belgique

THE ARTS & CO – Corée du Sud Fondé en 2010, THE ARTS & CO, est une structure pilote dans le champ de la danse contemporaine et de la performance interdisciplinaire en Corée. En partenariat avec de nombreux artistes, compagnies et organisations, THE ARTS & CO produit et organise des festivals et des projets d’art contemporain qui font dialoguer des genres artistiques différents comme la danse, la performance, le théâtre, le film, les arts média et les arts visuels.

THE ARTS & CO soutient également l’émergence de jeunes artistes en proposant des ateliers de recherche chorégraphique, des programmes d’accompagnement et de conseil, ainsi que des échanges internationaux.

DanceLAB Séoul propose chaque année une plateforme de recherche chorégraphique. Il s’agit d’un projet qui a débuté en 2012 à l’initiative de THE ARTS & CO en coopération avec le Conseil des arts de Corée. Cette plateforme offre pendant trois semaines des ateliers de pratique intensifs dispensés par des enseignants de renommée internationale afin de créer un environnement stimulant pour l’expérimentation et le développement artistiques.

EXERCE – France Le master exerce est un espace de recherche et d’expérimentation pratique et théorique lié à la création chorégraphique. Il vise à accompagner les étudiants dans leur devenir d’artiste-chercheur par l’exploration du chorégraphique dans ses modalités d’élaboration, de fabrication, de production, de diffusion et de partage public.

Exerce s’adresse à de jeunes artistes souhaitant tout à la fois étendre et préciser les enjeux d’une recherche personnelle en prise avec la création chorégraphique contemporaine et en dialogue avec les autres champs artistiques et de pensées.

La formation exerce a été initiée en 1998 par Mathilde Monnier, au sein du Centre chorégraphique national de Montpellier Languedoc-Roussillon (CCNMLR).

En 2011, elle devient le master exerce, études chorégraphiques « recherche et représentation » , en partenariat avec le département Arts du spectacle de l’université Paul Valéry de Montpellier.

Christian Rizzo, nommé à la direction du CCNMLR en janvier 2015, est le nouveau directeur artistique de cette formation supérieure et internationale, unique en France. ÉCOLE NATIONALE SUPÉRIEURE D'ARTS DE PARIS CERGY – France Créée en 1975, L’École nationale supérieure d’arts de Paris Cergy est un établissement public d’enseignement supérieur sous la tutelle du Ministère de la Culture et de la Communication.

Formant de jeunes artistes, l’école délivre un diplôme à bac+3, le Diplôme national d'arts plastiques (DNAP), et un Master en arts, le Diplôme national supérieur d'expression plastique (DNSEP). L'école se veut un laboratoire ouvert sur les différents champs des scènes artistiques contemporaines ; plaçant la pratique artistique au cœur de sa formation, elle a le souci de porter ses étudiants aux avant-postes de la création plastique et d'élargir le champ de l'expérimentation artistique. La danse, l'écriture, la vidéo, la performance, les pratiques algorithmiques, la musique, la peinture, le dessin ou encore le cinéma font notamment partie des pratiques enseignées à l'école.

JUSTUS-LIEBIG-UNIVERSITÄT GIESSEN – Allemagne Le master international « chorégraphie et performance » est un diplôme crée et géré parl’Institute for Applied Theatre Studies à l’Université de Giessen et le département de danse contemporaine à l’Université des arts du spectacle de Francfort. Ce partenariat entre une université et une académie d’art donne accès à un savoir global dans les domaines des études de la danse, de la chorégraphie et de la performance avec une approche pratique et théorique.

Le programme combine pratique et réflexion permettant aux étudiants d'acquérir une vision élargie de la chorégraphie et de la performance. Les cours ses concentrent sur l’étude des corps et du mouvement en lien avec une esthétique contemporaine et une approche philosophique et politique. Chorégraphies et performances sont enseignées comme des pratiques incarnées qui ne peuvent se développer que par un échange permanent et un esprit critique. Divers modules explorent et encouragent à la fois le travail pratique et l’expérimentation artistique. Une attention spéciale est portée à l’analyse des modes de production actuels dans un contexte international, ce qui encourage les étudiants à trouver leur propre personnalité artistique et méthode de travail.

LA MANUFACTURE – Suisse Véritable « école-laboratoire », La Manufacture offre aux jeunes artistes un espace de création et d’expérimentation leur permettant d’acquérir et de développer les bases de leur métier tout en explorant les enjeux théoriques et pratiques de la création artistique contemporaine.

En réunissant en un même lieu des formations dans les domaines de la danse et du théâtre, La Manufacture offre un contexte d’enseignement supérieur aux arts de la scène unique en Europe francophone.

La transmission des savoirs et des savoir-faire fondamentaux s’accompagne d’un apprentissage de la créativité et de l’autonomie grâce à des formations modulaires composées de cours, de séminaires et d’ateliers pratiques et d’expérimentation animés par des professionnels reconnus sur la scène internationale.

Par ses exigences et ses mises en conditions réelles de création et de représentation, La Manufacture permet à ses diplômé(e)s, danseurs, acteurs, metteurs en scène, de devenir à leur tour des professionnels actifs, prenant toute leur place sur la scène contemporaine et participant de sa transformation.

La Manufacture est intégrée à la HES-SO Haute école spécialisée de Suisse occidentale.

Elle délivre des diplômes accrédités au niveau supérieur, mène des projets de recherche et propose une offre de formation continue dans le domaine des arts scéniques.

L’institution favorise activement l’égalité des chances et l’insertion professionnelle.

LONDON CONTEMPORARY DANCE SCHOOL / THE PLACE – UK London Contemporary Dance School / The Place prépare de jeunes artistes aux carrières artistiques et créatives depuis quarante-cinq ans. L’école s’assure que leurs étudiants acquièrent les compétences et savoirs nécessaires pour réussir une carrière professionnelle en tant qu’artiste danseur sous toutes ses formes. Un apprentissage à la London Contemporary Dance School est fondé sur une culture qui encourage l'expression artistique, lui donne l’espace nécessaire et reconnaît tout particulièrement le travail de chacun pour développer son originalité.

Les danseurs de la compagnie EDge sont engagés dans un programme d’un an à plein temps. La compagnie travaille avec des artistes de tout univers chorégraphique, créant de nouveaux projets et reproduisant des chorégraphies existantes. Les danseurs ont la chance de travailler avec des chorégraphes venus d'Europe et d'ailleurs, avec des talents émergents et des artistes confirmés. EDge part en tournée de mars à juillet et encourage ainsi les danseurs à faire la transition entre l'artiste étudiant et l'artiste professionnel.

London Contemporary Dance School / The Place a élu domicile au sein du centre national de développement de la danse contemporaine : The Place, lieu majeur de la pratique artiste, de la création et de la performance depuis quarante-cinq ans. C’est une institution pour la danse en Europe où des artistes du monde entier viennent dépasser les limites de la créativité pour expérimenter et interpréter de nouveaux projets avec un public qui attend d’être surpris et inspiré. The Place héberge également la compagnie Richard Alston Dance company, le Robin Howard Dance Theatre. L’école propose parallèlement des cours et des formations pour un public jeune et adulte ainsi qu’un programme de développement pour les artistes professionnels. ÉCOLE DE RECHERCHE GRAPHIQUE – Belgique Le projet prospectif de l’École de recherche graphique (ERG) consiste à proposer une série d’outils pratiques et discursifs pouvant être l’objet d’une libre appropriation par les étudiants, et ce en accord avec les futures orientations de leurs pratiques artistiques.

Ce projet peut être compris comme suivant une double logique. La première prolonge les dynamiques déjà existantes dans le cadre du programme de l’ERG. La seconde, quant à elle, fournit et génère une série de processus d’enseignement traitant de la question des pratiques artistiques en privilégiant leur part expérimentale. En ce sens, il s’agit d’abord pour l’ERG de ne pas considérer l’histoire et la théorie comme des entités séparées des pratiques artistiques, mais bien au contraire comme une part nécessaire et inhérente à tout projet pertinent dans le contexte artistique d’aujourd’hui. L’ERG inscrit donc la recherche en son cœur, en considérant tout autant ses méthodologies, ses projets, ses discours et ses économies, que sa capacité à nourrir les dialogues trans-artistiques qui ont structuré l’histoire de la modernité.

HOCHSCHULÜBERGREIFENDES ZENTRUM TANZ BERLIN HZT/HZT – Allemagne Le HZT – Centre interuniversitaire pour la Danse à Berlin repose sur un partenariat entre l’université des arts de Berlin (Universität der Künste) et de l’école supérieure d’art théâtral Ernst Busch (HfS), en coopération avec TanzRaumBerlin, un réseau de professionnels de la danse.

Le HZT Berlin propose trois cursus : le cursus « Danse, Contexte, Chorégraphie » (niveau Licence), le cursus « Solo / Danse / Auteur » (niveau Master), le cursus « Chorégraphie » (niveau Master).

Le HZT Berlin propose des parcours qui s’inspirent de la pratique et qui s’alimentent de la recherche en danse contemporaine, chorégraphie et performance. La combinaison d’un parcours académique allié à une pratique artistique professionnelle caractérise l’enseignement dispensé par le HZT qui propose une approche expérimentale des études, et qui associe à un parcours universitaire des orientations pratiques de développement de la carrière professionnelle. Le cursus s’articule autour du suivi personnalisé du développement artistique, de la mise en contexte et d’une réflexion critique sur l’art et la pratique artistique. L’enseignement vise à questionner le sens de la danse, de la performance et de la chorégraphie d’un point de vue créatif et critique, et sur leur portée en tant que formes artistiques dans l’environnement social et culturel d’aujourd’hui.

P.A.R.T.S – Belgique P.A.R.T.S est une école de danse contemporaine pour danseurs et chorégraphes. Fondée en 1995, elle est avant tout un projet artistique, qui tente de traduire trente ans de pratique – celle d’Anne Teresa De Keersmaeker ainsi que d’autres chorégraphes – en un programme de formation. Il s’agit en même temps d’un laboratoire orienté vers l’avenir.

La dimension de l’école est résolument internationale avec des étudiants et des professeurs provenant plus de 30 pays différents.

P.A.R.T.S propose aux étudiants danseurs et chorégraphes un entraînement technique solide et la possibilité de se développer en tant qu’artistes autonomes. Le dialogue est constant avec la musique et le théâtre, et la formation offre également une formation en théorie et en histoire des arts.

Dans le cycle Training (d’une durée de 3 ans), l’étudiant développe une technique pointue de danse, une conscientisation du corps, une sensibilité théâtrale et musicale ainsi que des concepts théoriques. Le développement créatif individuel est présent dans toutes les phases du programme. Dans les Research Studios (d’une durée de 2 ans), les étudiants ont l’occasion d’approfondir leurs connaissances et de les appliquer dans leur pratique de chorégraphes.

LES INTERVENANTS DES WORKSHOPS

BRUNO BENNE FANNY DE CHAILLÉ BERTWIN D’SOUZA SIMONE FORTI PATRICIA GREENWOOD KARAGOZIAN MIGUEL GUTIERREZ DAVID HERNANDEZ VERA MANTERO ROBYN ORLIN PHYSS LIA RODRIGUEZ MICHEL REILHAC ESZTER SALAMON JONE SAN MARTIN NOÉ SOULIER MARK TOMPKINS LOÏC TOUZÉ JEREMY WADE

Interprète et chorégraphe spécialisé en danses baroques, BRUNO BENNE développe une approche contemporaine de ce style pour le ré-inventer aujourd'hui sous de nouvelles formes et proposer ainsi une vision moderne de l'art baroque.

Danseur pour Béatrice Massin et Marie-Geneviève Massé depuis 2005, il collabore également avec Lucinda Childs en 2012 pour la création des chorégraphies du spectacle Alessandro.

Régulièrement invité à l'international (États-Unis, Norvège, Grèce, Pologne, Canada...), il partage avec passion ses connaissances lors de workshops et collaborations.

En 2013, Bruno Benne fonde la compagnie Beaux-Champs, création baroque pour poursuivre son propre questionnement de la création à partir de l'héritage baroque, sa transmission et son rayonnement.

Parallèlement à ses recherches universitaires sur la poésie sonore, FANNY DE CHAILLÉ travaille avec des chorégraphes et metteur en scène : Daniel Larrieu, Rachid Ouramdane, Emmanuelle Huynh, Alain Buffard, Gwenaël Morin.

Depuis 1998 elle réalise des installations (La Pierre de Causette…), mais aussi des performances (Le Robert…), des pièces chorégraphiques (Underwear, Ta ta ta…).

Artiste associée au Théâtre de la Cité Internationale à Paris pendant trois ans, elle y a monté La bibliothèque, Je suis un metteur en scène japonais, Passage à L’Acte, en collaboration avec Philippe Ramette, et Mmeellooddyy Nneellssoonn avec Grégoire Monsaingeon. En 2014, elle écrit un duo avec Pierre Alferi dans le cadre du festival Concordans(e) 2014, intitulé Répète.

Elle est actuellement artiste associée à la Scène nationale de Chambéry et de la Savoie, où elle a créé Le Groupe en octobre dernier.

Né à Mumbai en Inde, BERTWIN D'SOUZA fait de études de commerce avec le désir d’être libre sans connaissance ni penchant pour la danse. C’est plus tard dans ma vie, par un coup du sort, qu’il découvre la danse ou plutôt qu’elle l’a découvert. Il rejoint la Terence Lewis Contemporary Dance Company (TLCDC) à Mumbai en 2002. C’est à ce moment-là que son voyage dans l’univers de la danse commence.

Il fait partie de la TLCDC depuis 12 ans ce qui lui permet d’acquérir des connaissances sur la danse contemporaine, jazz, classique, classique indienne (Kathak et Bharatnatyam), Kallaripayetu (ancien art martial indien), hip-hop et les danses d'Amérique latine.

Il a travaillé avec la chorégraphe Susanne Linke (Berlin) et étudié avec David Zambrano, Laura Aris, Inyaki Azpillaga...

Danseuse, chorégraphe, artiste et écrivain basée à Los Angeles, SIMONE FORTI commence à danser en 1955 avec la pionnière de l'improvisation Anna Halprin. Arrivée à New York en 1959, Simone Forti étudie la composition et notamment le travail de John Cage au Merce Cunningham Studio avec le musicologue Robert Dunn et se familiarise aux pratiques aléatoires. Elle y rencontre Trisha Brown, Lucinda Childs, Yvonne Rainer et Steve Paxton. Elle collabore activement aux premiers happenings, notamment avec Robert Whitman, Jim Dine, Claes Oldenburg, Allan Kaprow tout en concevant ses premières constructions de danses conceptuelles d’esprit minimaliste. En 1961, elle présente ses Dance Constructions, lesquelles ont influencé la formation du Judson Dance Theater qui révolutionna la dance à New York dans les années 1960 et 1970. Depuis le début des années 1980, Simone Forti interprète des News Animations mêlant mouvements et paroles se référant à l'actualité mondiale.

PATRICIA GREENWOOD KARAGOZIAN a commencé sa carrière aux États-Unis au sein du Pittsburgh Ballet Theater. Avec le Civic Light Opera de Pittsburgh, elle a dansé et joué dans pas moins de dix-huit comédies musicales, dont West Side Story (rôle de Anybodys), Kiss Me Kate, My Fair Lady, Brigadoon, Applause…

Parmi ses pièces chorégraphiques, figurent la partie jazz du Cygne, etc. solo écrit pour Pedro Pauwels en 2000, sous forme de concert-spectacle ; deux projets qui réunissaient des artistes professionnels ainsi que des élèves de lycées parisiens ; West Side Story (2000) et Cats (2004) présentés au Théâtre du Châtelet.

Depuis 2006, elle est présidente du Collectif pour la Danse Jazz : CodaJazz.

Directrice et chorégraphe de la compagnie pgk, sa création, Unfinished Fragments, a été programmée au CND en 2012.

MIGUEL GUTIERREZ est un artiste chorégraphe bénéficiant de la bourse Guggenheim.

Il vit à Brooklyn et a créé des performances tel que Age & Beauty, And lose the name of action, HEAVENS WHAT HAVE I DONE, et Last Meadow. Son travail à été présenté au BAM’s Next Wave Festival, AMERICAN REALNESS, au ImPulsTanz, au Festival D’Automne, Walker Art Center... Il a gagné le Bessie Award à trois reprises. Miguel Gutierrez a chorégraphié des clips musicaux pour Diane Cluck, Holcombe Waller et Le Tigre. Il a chanté avec Antony and the Johnsons et réalisé la musique pour ses propres projets. Il a également publié un livre WHEN YOU RISE UP et créé un blog stargayze.com. Il a inventé la Deep Aerobic et s’entraîne aujourd’hui pour devenir professeur de Feldenkrais.

Né à Miami, DAVID HERNANDEZ fait des études de musique, de jazz et d'opéra à l'Université de Miami et de danse à la New World School of the Arts. En 1998, David Hernandez fonde sa propre compagnie de danse Edwardvzw, pour laquelle il créé plusieurs pièces parmi lesquelles Blueprint (2002), nommée parmi les 10 meilleures pièces de l'année par De Standaard. David Hernandez a développé et dirigé The Performance Education Program (PEP) à Louvain, en résidence au Klapstuk festival. Au début des années 2000, il commence à développer ce qu'il appelle la chorégraphie élastique : une façon de construire, dans le champ de la danse, des structures de jeu qui font de la danse à la fois une chorégraphie figée et un moment d'improvisation. Il a également créé des installations et des expositions d'art visuel (BOX, Spaces Within Spaces, Filter, Innersections, Performance Hotel).

VERA MANTERO a étudié la danse classique et travaillé pour le Ballet Gulbenkian à Lisbonne entre 1984 et 1989. Elle a commencé à créer ses propres chorégraphies en 1987 et depuis 1991 elle présente ses œuvres et son travail de groupe à travers l’Europe, l’Argentine, le Brésil, le Canada, Singapour, la Corée du Sud et les États-Unis.

Son travail chorégraphique comprend notamment : Perhaps she could dance first and think afterwards (1991), one mysterious Thing, said e.e.cummings* (1996), What can be said about Pierre (2011), et en groupe, Under (1993), For Boring and Profound Sadnesses (1994), We are going to miss everything we don’t need (2009) et plus récemment The Caldeirão highlanders, exercises in fictional anthropology (2012) et Maximum Wage (2014).

En 2013 et 2014, elle crée les performances installations Shadows being offered et More for Less than for More.

En 1999, le Culturgest à Lisbonne a organisé pendant un mois une rétrospective de l’ensemble de ses œuvres intitulée Month of March, Month of Vera.

ROBYN ORLIN est née en 1955 à Johannesburg. Elle a suivi les cours à la London Contemporary Dance School de 1975 à 1980, puis ceux de la School of the Art Institute of Chicago de 1990 à 1995. Surnommée en Afrique du Sud « l’irritation permanente », elle révève, à travers son œuvre, la réalité difficile et complexe de son pays. On lui doit notamment Daddy, I’ve seen this piece six times before and I still don’t know why they’re hurting each other (1999) qui a obtenu le Laurence Olivier Award de la réalisation la plus marquante de l’année. Sa pièce sur Sara Baartman la Venus noire (2011), …have you hugged, kissed and respected your brown Venus today ? (2011) a fait l’objet d’une grande tournée internationale. Beauty remained for just a moment then returned gently to her starting position... (2012) fut le spectacle d’ouverture de la saison Sud-Africaine en France en mai 2013. En 2014, elle crée dans le cadre du festival d’Avignon At the same time we were pointing a finger at you, we realized we were pointing three at ourselves… une pièce avec les danseurs de l’École des Sables de Germaine Acogny.

De 1998 à 2001, Philippe Almeida (alias PHYSS) débute avec la Cie Boogi Saï de Max Laure Bourjolly et Alex Benth. Francis Keopaz M’Bida l’initie au new style et Physs devient ainsi membre du collectif Section C. Avec Paul Ereck Njonga, il remporte ses premiers battles dont le Juste Debout dans la catégorie hip-hop en 2005. La même année, il collabore avec Sébastien Lefrançois en intégrant la Cie Trafic de Styles. Dans le milieu de la télévision, Physs danse pour différents artistes et collabore avec des chorégraphes tels que Kamel Ouali, Stéphane Jarny et Norma Claire. Riche de ses expériences, il met à contribution ses compétences dans des projets collectifs comme Section Show Time, ceux du crew Pro Phenomen et de diverses actions de transmission (cours réguliers, masterclasse à l’international, accompagnement et relecture pour de jeunes groupes chorégraphiques).

LIA RODRIGUEZ, née en 1965 à São Paulo où elle a suivi une formation en ballet classique et une Licence d’histoire à l’Université de São Paulo. Après avoir participé au mouvement de la danse contemporaine à São Paulo dans les années 1970, elle intègre la compagnie de Maguy Marin entre 1980 et 1982.

De retour au Brésil, elle crée la Lia Rodrigues Companhia de Danças en 1990, à Rio de Janeiro. Lia Rodrigues a également été la créatrice et la directrice artistique de Festival Panorama de Dança en 1992, qu’elle dirige jusqu’en 2005. Depuis 2004, faisant suite à l’invitation de Silvia Soter, dramaturge de la compagnie, la Lia Rodrigues Companhia de Danças développe des actions artistiques et pédagogiques dans la Favela de Maré à Rio de Janeiro. De ce partenariat, sont nés en 2009 le Centre des arts de la Maré et en 2012 l’École libre de danse de la Maré.

MICHEL REILHAC est architecte narratif de récits interactifs. Il est également un pionnier des formats de récits hybrides et d’expériences immersives, participatives et interactives.

Il est par ailleurs Directeur des Études au College Cinéma de la Biennale de Venise, directeur du College Cross Media à la Scuola Holden à Turin, Conseiller et programmateur de contenus interactifs pour le Sunny Side of the Doc entre autres. Il est fréquemment invité à enseigner et s’exprimer lors d’événements internationaux (Festival de Cannes, SXSW Austin, Tribeca Film Festival,Pixel Lab, Dixit, FEMIS,…).

De 2002 à 2012, Michel fut Directeur du Cinéma à Arte France, et Directeur Général d’Arte France Cinéma. En 2012, en reconnaissance de son travail chez Arte, Michel fut nommé Homme de l’Année dans la catégorie film par le magazine « Le Film Français ».

Le parcours de Michel comprend des créations en tant que danseur contemporain et producteur de tournées internationales pour de grandes compagnies de danse ; la direction pendant 10 ans du Forum des Images à Paris et avant cela du Centre National de Danse Contemporaine ; la conception et la production d'événements et de spectacles innovants basés sur ses concepts originaux ; et la réalisation de documentaires et de longs métrages.

ESZTER SALAMON est chorégraphe et performeuse. Depuis 2001, elle crée des solos et des pièces de groupe. Son travail est régulièrement présenté dans le monde entier et elle est aussi fréquemment invitée à intervenir dans des musées. Depuis 2005, son intérêt pour le documentaire et l’autobiographie féminine l’a amenée à une multiplicité de formats, tels qu’une conférence dansée, une vidéo-chorégraphie ou un monodrame. Ses recherches sur la spéculation et la fiction l’ont conduite à créer Tales of the Bodiless, un opéra futuriste sans interprète, qui imaginait les modes d’existence possibles après la disparition des hommes.

Eszter Salamon est artiste associée au CND jusqu’en 2017.

JONE SAN MARTIN est née à San Sebastian en Espagne. Elle a étudié avec Mentxu Medel à San Sebastian, à l’Institut du Théâtre à Barcelone et à la Mudra International à Bruxelles. Elle travaille avec plusieurs compagnies : le Ballet national d’Espagne à Madrid, le Théâtre Ulmer en Allemagne et le Ballet royal de Wallonie en Belgique. Elle rejoint le Ballet de Francfort en 1992 sous la direction de William Forsythe. Elle fait maintenant partie de la Forsythe Company depuis 2004. Jone San Martin a participé à de nombreuses créations aux côtés de William Forsythe pour le Ballet de Francfort ainsi que pour la Forsythe Company. En parallèle, elle développe son propre travail chorégraphique et collabore avec des artistes tels que Carlotta Sagna.

NOÉ SOULIER, né à Paris en 1987, a étudié au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris, à l'École nationale de ballet du Canada, et à P.A.R.T.S – Bruxelles. Noé Soulier interroge la manière dont on perçoit et dont on interprète les gestes à travers des dispositifs multiples. Dans Mouvement sur Mouvement (2013) et Signe blanc (2012), il introduit un décalage entre le discours et les gestes qui l'accompagnent afin de questionner la manière dont ils contribuent à l'élaboration du sens. Dans Petites perceptions (premier prix du concours Danse Élargie) et Corps de ballet (2014), la tension se situe entre l'intention et le mouvement du danseur. À l’automne 2014, il met en espace Movement Materials pour l’inauguration de la Fondation Vuitton, et travaille actuellement sur une pièce qui sera créée au PACT Zollverein à Essen début octobre 2015. Noé Soulier est artiste associé au CND jusqu’en 2017.

Chorégraphe et metteur en scène américain, MARK TOMPKINS fonde la Compagnie I.D.A. en 1983. Mêlant danse, musique, chant et texte, sa manière unique de fabriquer des objets performatifs non identifiés est devenue sa signature. Il mène aussi une recherche sur la composition en temps réel avec des danseurs et des musiciens. Reconnu pour sa pédagogie, il enseigne dans le monde entier. Ses spectacles, inspirés par le music-hall, le cabaret, le vaudeville, la comédie musicale, évoluent vers le théâtre musical : SONG AND DANCE, ANIMAL, kings&queens, BLACK’N’BLUES, OPENING NIGHT, SHOWTIME, STARDUST avec Jeremy Wade, A POWER BALLAD avec Mariana Tengner, UN VENT DE FOLIE avec le Théâtre Mladinsko de Ljubljana, Slovénie. En 2008, il reçoit le Prix SACD de la chorégraphie pour l’ensemble de son œuvre.

LOÏC TOUZÉ est danseur et chorégraphe. Il développe aujourd’hui son activité dans le cadre d’ORO implantée à Nantes depuis 2010. Il a initié de nombreux projets en collaboration avec des artistes du champ chorégraphique mais aussi de la musique et des arts visuels.

Depuis le début des années 2000, il a créé entres autres Morceau, LOVE, La Chance. De 2001 à 2006, il codirige les Laboratoires d’Aubervilliers avec Yvane Chapuis et François Piron. Il cosigne Nos images avec Mathilde Monnier et Tanguy Viel, GOMME avec Yasmin Rahmani et accompagne les acrobates de la compagnie XY pour leurs deux derniers spectacles.

La formation et la circulation de la culture chorégraphique occupent une place primordiale dans son travail, il enseigne régulièrement en France et dans le monde.

JEREMY WADE est diplômé de la School For New Dance Development, à Amsterdam en 2000. Il interprète sa première création Glory au Dance Theatre Workshop à New-York en 2006 pour laquelle il obtient le Bessie Award. Jeremy Wade vit à Berlin et travaille en étroite collaboration avec le Théâtre Hebbel. Il a récemment travaillé sur Dark Material avec la sculptrice Monika Grzymala et le groupe Xiu Xiu dirigé par Jamie Stewart. Sa dernière œuvre Death Asshole Rave Video a été jouée au American Realness Festival en janvier 2015. Cet automne, Jeremy Wade va inaugurer Drawn Onward un projet sur le futur homosexuel, une critique utopique qu'il développe avec le jeune écrivain de sciencefiction John Eric Jordan.