ENTRECAMARAS 2º TRIMESTRE 2014 - REVISTA 6 by EntreCámaras Magazine

AÑO 1 • 2 TRIMESTRE 2014 • REVISTA NÚMERO 6

JAVIER VALLHONRAT “PARA MÍ, HA SIDO IMPORTANTE IR SILENCIANDO EL RUIDO MENTAL Y DEJAR SITIO A EXPERIENCIAS MÁS SUTILES”

FOTO: JORGE POZUELO

FOTOGRAFÍA DE AUTOR, EXPOSICIONES, HISTORIA, REPORTAJES...

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LA SEGUNDA REALIDAD

Editorial T

oda fotografía parte de una idea, de una inquietud o de un simple deseo del fotógrafo. A partir de ahí, se congela un determinado momento que se separa de lo aparentemente real, creando nuestra “segunda realidad”. En todo este proceso, entran en juego 3 aspectos esenciales. Uno sería el propio deseo o idea del fotógrafo que le lleva a inmortalizar un instante. El segundo, y muy importante, es la sensibilidad del propio fotógrafo: la sensibilidad a la hora de encuadrar, elegir una lente u otra, esperar el momento preciso para el disparo. Y el último sería la parte tecnológica, donde entraría desde el resultado propiamente dicho que te da tu equipo fotográfico, hasta los recursos de procesado digital.

fotografía de Kevin Carter del niño y el buitre. Una imagen icónica que hizo remover conciencias alertándonos de la hambruna que pasan muchos países africanos. Tenemos que trabajar no solo la parte técnica, sino también nuestra propia sensibilidad hacia todo lo que nos rodea e incluso hacia nosotros mismos. Perdamos el miedo a equivocarnos, olvidémonos de buscar la aprobación de los demás y hagamos fotografías para nosotros mismos. Disfrutemos del camino. Respetemos la profesión y sobre todo hagámonos respetar. jorge pozuelo

Son tres aspectos que, a mi modo de ver, van muy ligados entre ellos y que, alineados poéticamente, pueden generar imágenes capaces de hacer mover los cimientos de la sociedad. Recuerdo la

Edita: Jorge Pozuelo @jorgepozuelo Fotoaula: C/ Goya, 115 5º planta 28029 - Madrid www.entrecamaras.es comunicacion@entrecamaras.es

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Directora: Mónica Munera sugerencias@entrecamaras.es Redacción: David Roch @davidrochwm / Esther Casares @ecasvalen/ Jorge A. Astiaso @jorgearlitt/ Yashira Romo yashromo@gmail.com / Alfonso Sampedro http:// alfonsosampedro.com / Juan Ollero @juan_ollero / Pascual Serra @neotravis3S / Raquel Temiño @raqueltem / Almudena Plaza almu22@me.com/ Enrique F. Sicilia es1973@gmail.com @es1973_ / Yolanda Obra y-oa@hotmail.es / Marta Zarzalejos @martazarzalejos / Ges Rules estherut3@gmail.com / Maria Eugenia Espino eugespino@hotmail.com Maquetación: César Gómez cielab@me.com / espacio.gallery Foto y diseño de portada: Jorge Pozuelo @jorgepozuelo Publicidad: info@entrecamaras.es Esta revista es una idea original de Escuela de fotografía Fotoaula. Entrecámaras Magazine no se identifica necesariamente con las opiniones y criterios de sus colaboradores, tanto a nivel de redacción como en los mensajes publicitarios. Siendo responsabilidad únicamente de sus autores.

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Contenido 06

EDITORIAL

FASHIONISTA

por Marta Zarzalejos

EDITORIAL

DÁLMATA por Fher Pereiro

CONOCEMOS A

SOL VÁZQUEZ

WAR 18-460mm DIAGONALES CENTENARIAS EN NUESTROS OJOS.

ENTREVISTA

JAVIER VALLHONRAT

HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA DE MODA II

112 Película recomendada 100 Libro recomendado 104

REPORTAJE VIAJES

COLOMBIA

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FOTOGRAFÍA DE AUTOR

RAÍCES por Sylvie Puillet

Enlace Facebook 112 Retoque Fácil 118 Píldoras fotográficas 128 5

Fotografía de autor

FASHIONISTA Modelo: Ana Yanguas Estilismo: Lucía Villanueva (@TheFashionBrook) Fotografía Marta Zarzalejos

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Fotografía de autor

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Fotografía de autor

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Fotografía de autor

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Fotografía de autor

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Fotografía de autor

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Fotografía de autor

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Fotografía de autor

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Fotografía de autor

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Fotografía de autor

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Fotografía de autor

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Fotografía de autor

by Marta Zarzalejos entrecámaras

Fotografía de autor

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Fotografía de autor

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Camisa Blanc Nature+ pantalón Amaya Arzuaga + zapatos SugarMadrid

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Fotografía de autor

DÁLMATA

Mono

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Kling+pendientes

Agatha+bolso

Pantalón y jersey Kling+ collar Agatha

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Fotografía de autor

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Camisa Arquimedes Llorens+falda Lady Cacahuete+ Swarovski+anillo Agatha+ bolso Kling+ zapatos SugarMadrid

collar

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Fotografía de autor

Chaleco SugarMadrid+pantalón Amaya Arzuaga+pulsera Agatha

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Camisa Jennifer Mars+pantalón Amaya Arzuaga+gabardina Kling+ collar Swarovski

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Fotografía de autor Vestido Amaya Arzuaga+ tocado Ángeles Castro+ collar a modo de pulsera Agatha+zapatos SugarMadrid

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Desamor Fotos: Charo Navarro

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Fotografía de autor

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Fotografía de autor

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Fotografía de autor

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La Vida en un paso...

Fotos: Ramón Perea. Modelo: Lorena Martínez Rodríguez. Maquillaje: Laura Gayoso Recas 34

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Fotografía de autor

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Fotografía de autor

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Fotografía de autor

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Fotografía de autor

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Fotografía de autor

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Fotografía de autor

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Fotografía de autor

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Fotografía de autor

Lace Fotos: Marta zarzalejos Modelo: Ana Yanguas

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Fotografía de autor

por Marta Zarzalejos entrecámaras

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por Marta Zarzalejos entrecámaras

Entrevista

Javier Vallhonrat “El interés por la exploración de los mundos interiores me ha acompañado siempre” Por Esther Casares y David Roch. Fotos: Jorge Pozuelo

En este número, la revista EntreCámaras ha tenido el privilegio de entrevistar a Javier Vallhonrat. Nacido en Madrid y Licenciado en Bellas Artes y Psicología, es uno de los fotógrafos más reconocidos tanto a nivel nacional como internacional. Premio Nacional de Fotografía en 1995, sería imposible detallar los premios, exposiciones y las colecciones en las que se expone su obra. Pero todo tiene un principio… ¿Qué significa para ti la fotografía? ¿Profesión o forma de vida? Posiblemente, ni lo uno ni lo otro. Me formé en Bellas Artes entendiendo la fotografía ni siquiera como un lenguaje, sino como un medio expresivo susceptible de ser investigado y empleado en multitud 48

de contextos y de muchas formas. Para mí, significaba la posibilidad de investigar, explorar, expresar... En el ámbito de la creación artística, encontré el espacio para desarrollar al máximo esas potencialidades. Claro que también percibía sus posibilidades profesionales. ¿Recuerdas cuál fue, a nivel profesional, tu primera fotografía o trabajo fotográfico? Más que a nivel profesional, recuerdo modestos encargos con pobres resultados; me recuerdo llevando a cabo mis primeros experimentos, lleno de entusiasmo y compromiso, buscando una expresión personal. Estaba en Bellas Artes y debía tener unos 22 o 23 años. Realicé una sesión de trabajo con un compañero de clase, una especie

de performance con materiales y movimiento que se transformó en fotografías en blanco y negro que después pinté. Me interesaba mucho la experimentación, la mezcla, los terrenos fronterizos. ¿Has tenido oportunidad de revisar tus primeros trabajos? Desde tu perspectiva actual, ¿qué opinión te merecen? La mayoría me parecen propios de alguien con poca experiencia, con limitados recursos técnicos, poco conocedor de las posibilidades del medio. Pero a la vez, en algunos veo una fuerza de búsqueda, un potencial de expresión que aflora a la superficie y que es muy interesante en términos de proceso. También me gusta redescubrir, al mirar esos trabajos, unas enormes ganas de experimentar entrecámaras

Foto: Jorge Pozuelo

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Foto: Jorge Pozuelo

Entrevista

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Entrevista

y explorar sin importarme los límites del mercado, o de la lógica del medio, o de la tradición, o de lo que era correcto hacer. Estas dimensiones cobran mucha relevancia cuando me aparto de criterios de evaluación o de juicio, cuando no pienso si los resultados eran buenos o malos, sino qué procesos se ponían en marcha, hacia dónde apuntaba o qué puertas se abrían. ¿Cómo cambió tu vida profesional al recibir el Premio Nacional de Fotografía en 1995? Interpreto que cuando dices “vida profesional” te refieres a mi relación con la fotografía en sentido amplio. Es difícil saber si la forma en que se desarrolló mi vida como artista y como fotógrafo profesional se vio afectada después del Premio Nacional. En el ámbito profesional, ya era muy conocido a nivel internacional, y ahí lo que contaba era la consistencia, la audacia, la pertinencia y la calidad de tu presencia en el medio. En mi trabajo como fotógrafo profesional en el mercado de la moda o la cosmética internacional, mi sensación es que un galardón institucional en aquella época era totalmente irrelevante. Podía ser incluso contraproducente. Creo que muchos profesionales de ese ámbito tan particular, y más el de hace diecinueve años, se extrañaban de que un profesional de prestigio tuviera tiempo de dedicarse a hacer fotos que muchos consideraban raras e inútiles. La introspección o la investigación pura y dura no eran “cool”. Lo serio o lo “profundo”, menos. Lo curioso es que esto lo pensaran creadores de talento y prestigio. Era un mercado muy especializado, hasta la histeria, y a la vez muy ignorante de todo lo que no fuera “cool”. A nivel de mi trabajo como artista, en España influyó relativamente. Muchos actores del entorno del arte, incluso a día de hoy, desconfían mucho de la relación entre galardones e interés o calidad de la obra. Sin embargo, está claro que supone una legitimación muy entrecámaras

importante y un soporte para la difusión de la obra de un artista en el nivel del público general. Yo lo viví con ambivalencia, aunque honrado y agradecido.

como bisagra entre los mundos interno y externo, pero también como entidad, como realidad. Todo esto lo exploro con la fotografía, para mí es un medio privilegiado.

¿Y tu vida personal? En el pasado, tuve una dedicación tan absoluta a mi vida profesional y artística que influyó negativamente en mi vida personal. Eso no lo arregla un Premio así. Si acaso, lo puede empeorar. Ahora me dosifico mejor.

Desde hace unos años, estás completamente volcado en tus proyectos personales, desvinculándote del ámbito de la fotografía de moda. ¿Crees que en tu caso, para crecer como artista, era necesario un “cambio de ciclo”? Sin duda. La decisión fue llegando poco a poco, aunque el deseo estaba ahí desde hacía tiempo. Es muy difícil tenerlo claro en pleno éxito, pero me ayudó la intensidad del deseo de tener tiempo para mis relaciones personales, afectivas y para mis proyectos personales. Además, no me gusta nada el “ruido” del famoseo y el frivoleo, ni los fuegos artificiales, y eso lo facilitó todo.

Sin limitarte al ámbito fotográfico,

“La parte creativa de la fotografía es tan grande como lo sea la creatividad de quien maneja la cámara…” ¿cuáles han sido tus mayores influencias? La pintura barroca española, los Van der Weyden y los Fra Angélico de El Prado, los Uccello y Botticelli de la Galería de los Uffizi; ver en directo los maestros de las vanguardias europeas, Méliès, Stieglitz, Penn, Kertész, Walker Evans, Paul Outerbridge, Carl André, Hamish Fulton... En fin, muchas y variadas. Tu aportación a la fotografía es incuestionable, pero a ti personalmente, ¿qué te ha aportado la fotografía? Es un espacio de exploración único: exploración del mundo exterior, de las experiencias que en él vivimos y de sus potenciales sentidos y significados, exploración de nuestros mundos internos con sus complejidades, paradojas y abismos. Es, sobre todo, un espacio de exploración del universo del lenguaje, entendido como entidad a título propio. Me interesa el lenguaje

¿En algún momento has sentido vértigo por esa decisión? Sí, claro. Sobre todo a nivel económico. Lo de irte apartando y permitir voluntariamente que se olviden de ti a nivel profesional lo tenía algo más asumido, aunque no ha sido fácil. Además de volcarte en tus proyectos personales, has tenido tiempo para licenciarte en Psicología y formarte como psicoterapeuta humanista y gestáltico. ¿Tu experiencia como fotógrafo te ha impulsado a profundizar en el conocimiento del hombre y su experiencia, o este interés por la psicología te ha acompañado siempre? Ya en Bellas Artes, todos los temas ligados a percepción, representación y realidad me fascinaban. También estudié algo de Psicología del Desarrollo. Por otro lado, como artista estaba totalmente volcado al mundo de la sensación, de las imágenes internas, de las emociones y de su expresión. El interés por la 51

Entrevista

exploración de los mundos interiores, y sé que esta denominación es muy inespecífica, me ha acompañado siempre. Mi decisión de comenzar con casi cincuenta años un segundo ciclo formativo, centrando mi interés en distintos aspectos de la psique humana, está ligada a crisis y cuestionamientos personales. En otras entrevistas, has comentado: “La realidad es un lenguaje y, en el momento en que comunicamos esa realidad a través de la fotografía, la estamos transfigurando y convirtiendo en otra cosa. Ni la cámara ni la mirada fotográfica son neutras”. ¿Podrías explicarnos cómo es la mirada fotográfica de Javier Vallhonrat en la actualidad? Creo que nos meteríamos en una buena. Es un jardín complicado, más bien una selva; aunque, en las respuestas anteriores, creo que voy comentando parcialmente aspectos de esta pregunta. Por simplificar, diría que cada vez me interesan más las especificidades, intraducibilidades, fricciones, paradojas y universos de experiencia y de metáfora que se despliegan cuando intentamos traducir experiencia externa e interna a lenguaje. ¿Y qué realidad has querido transmitir a través de tu último proyecto, 42ºN? Más o menos eso. Experiencias internas y externas, universos de conocimiento, experiencia y sentido propiciados por la alta montaña, convirtiéndose en lenguaje. Hablemos de creatividad. Henri Cartier-Bresson dijo, en una entrevista: “La parte creativa de una fotografía es pequeña. Un pintor elabora, un escritor también, pero el fotógrafo que capta el momento, no tiene margen para la creatividad, ocurre algo, lo ve y lo capta”. ¿Cuál es tu opinión al respecto? La parte creativa de la fotografía es 52

tan grande como lo sea la creatividad de quien maneja la cámara o las técnicas fotográficas. La fotografía es muchas cosas, pero puedo entenderla como un conjunto de procedimientos e instrumentos circunscritos a un ámbito de relación con eso que llamamos realidad. Hablar de realidad es en sí todo un reto. Por tanto, la fotografía en sí misma ni es creativa ni deja de serlo. Por otro lado, no sé lo que es captar el momento, no sé a qué se refiere la frase, sea quien sea quien la haya dicho. Momento, ver, captar, ocurren cosas... son palabras que apuntan a conceptos muy complejos, resbaladizos. Resumirlos en frases pequeñas me parece arriesgado. Creo que en un momento ocurren infinitos fenómenos, que abren

“Considero que todos somos creativos, que la creatividad nos constituye” infinitas posibilidades perceptivas y, por tanto, expresivas. En fin, no sé en qué contexto dijo eso Cartier-Bresson, a quien respeto profundamente como fotógrafo. Habría que comprender a qué se refería, de qué hablaba. Seguramente, encontraríamos espacios de común interés.

¿En qué consiste para ti el proceso creativo? En realidad, lo percibo como una multiplicidad de procesos imbricados, interactuando. Me permite ampliar mi mirada, mis recursos, para relacionarme con mi experiencia interior, con el exterior y con el lenguaje que conecta ambas experiencias y que, en realidad, constituye el trabajo fotográfico mismo. Busco ampliar y, a la vez, concretar nuevos criterios de búsqueda. Me permite todo esto: ampliar, precisar, agilizar, conectar... Al final, el proceso creativo se despliega en acciones, en producciones, en cosas,

en frases, en fotografías. Deja rastros con capacidad o carga metafórica. Nos permite rastrear su existencia. Hablas de la experiencia como recompensa… ¿Qué te resulta más gratificante, el proceso de creación o la finalización de un proyecto? Ambas cosas. Creo que, con el tiempo, he ido focalizando mi atención en lo que va sucediendo, en el proceso. El resultado que se muestra es como un residuo del proceso, o una puerta de acceso al proceso. Muchas personas creen que la creatividad se tiene o no se tiene, pero desde hace años, tú impartes talleres de creatividad. ¿Consideras entonces que todos podemos ser creativos? Y si es así, ¿cuáles serían los ingredientes básicos a tener en cuenta, para llegar a serlo? Considero que todos somos creativos, que la creatividad nos constituye. Otra cosa es realizar actividades donde la aplicación de la creatividad sea particularmente deseable, como es nuestro caso. En ese caso, es necesario estar en contacto con nuestros recursos creativos. Algunos de nuestros recursos son la curiosidad, la capacidad de entusiasmarse y sorprenderse, el deseo de jugar, la sensibilidad, la apertura a nuevas situaciones y experiencias y, por encima de todos ellos, el estar en contacto con nuestra intuición. La inteligencia intuitiva está funcionando en nosotros las 24 horas, en todos los seres humanos. Siempre se ha dicho que los españoles somos muy creativos. Con la experiencia internacional que acumulas, ¿crees que es real o un simple tópico? En España, la gente puede ser muy espontánea, pero también tener mucho pudor a la hora de expresarse en público. A nivel educacional, estamos muy atrás de otros países de entrecámaras

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Foto: Jorge Pozuelo.

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Entrevista

nuestro entorno socioeconómico. Desde tu perspectiva, ¿qué fotógrafo/os consideras actualmente referente/s de creatividad? Mis referentes son más generales; incluyen criterios de creatividad, de potencia, coherencia, riesgo, calidad... Citaría artistas que trabajan con diferentes medios: Thierry de Cordier, Sonja Braas, James Casebere, Tacita Dean, Olafur Eliasson. Es una selección muy sesgada, son artistas que exploran su relación con procesos naturales a diferentes niveles. Como experto en el campo de la fotografía y a la vez en el de la psicología y la psicoterapia, ¿crees que hay características, o rasgos de personalidad, que facilitan el camino para llegar a ser un buen fotógrafo? No soy muy amigo de hablar de predisposiciones basadas en rasgos de la personalidad como factores facilitadores. La fotografía puede ser una herramienta fabulosa para una persona meticulosa y rigurosa hasta la extenuación, pero también en manos de alguien caótico e impredecible. No hay unos rasgos mejores que otros, sino constelaciones, combinaciones únicas y a veces inesperadas que, en interacción con acontecimientos relevantes y con entornos facilitadores, pueden augurar un recorrido exitoso en la fotografía. Es la acumulación y la interacción de numerosos factores lo que configura un marco facilitador o dificultador. Cuando estudiaba la carrera de Psicología, me preocupaba ver cómo se elaboraban “fórmulas” que buscaban predecir quién parecía tener más papeletas en la lotería de la vida para ser buen artista. Esto conducía a elaborar fórmulas o profecías que podían afectar muy negativamente a muchas personas. Sin embargo, es innegable que existen factores, como la curiosidad, la apertura a nuevas experiencias o la divergencia 54

cognitiva, que parecen predecir un mejor comportamiento creativo. Conocer el significado de esos factores no me parece inadecuado, pero suelen acabar siendo utilizados de manera sesgada en enfoques reductivos que no conducen a buen puerto. Parece que el silencio, la pausa y la quietud son importantes para ti. ¿Qué significado das a estos conceptos? ¿Los consideras importantes en el proceso de creación? En mi caso, sí. Para mí, ha sido importante ir silenciando el ruido mental y dejar sitio a experiencias más sutiles, tal vez de apariencia menos espectacular. En mi proceso, lo pequeño, el juego, el azar y el

Para mí, ha sido importante ir silenciando el ruido mental y dejar sitio a experiencias más sutiles…” error han encontrando espacio al lado de la bombillita que se enciende o del “eureka, lo encontré”. También has comentado que cogemos la cámara de fotos cuando “algo nos pasa por dentro”. ¿Has tenido alguna vez esos vacíos en los que nada pasa, nada te inspira? Y si es así, ¿cómo has salido de ahí? Sí, claro. Pero creo que no es tanto porque “nada pasa”, porque todo el tiempo pasan cosas por dentro y por fuera, sino que no estamos sintonizados con la observación, con el juego, con la expresión... También creo que es bueno recodar que no siempre estamos en ciclos productivos, que hay inviernos y que estos son necesarios, que hay

períodos en que uno necesita ser cuidado, estar en puerto seguro o taparse la cabeza con la manta y descansar. La tolerancia hacia estos estados es positiva. En creatividad, “hacer nada” es un tiempo productivo, aunque lo más seguro es que no veamos los frutos de forma inmediata. No es tiempo perdido porque pasar tiempo perdido es vivir tiempo creativo. En una sociedad ultrarrápida como la nuestra, que nos exige resultados ya y siempre, todo esto parece que va a contracorriente. En el momento en el que te encuentras de tu carrera y de tu vida, ¿qué te inspira para seguir creando? Fijarme en lo pequeño, lo inacabado, jugar, trabajar con los errores, dejarme sorprender, interesarme en explorar lo que parece que no vale. Todo esto me inquieta, me parece un riesgo, lo asumo como un reto personal. ¿En qué estás inmerso en este momento? Dirijo talleres de creatividad aplicados a la producción de obra fotográfica y trabajo en un proyecto a largo plazo que mostrará en 2015 el MUN de Pamplona. Para este proyecto, de título Interacciones, utilizo el territorio de la alta montaña para hablar de cómo nos relacionamos con las nociones de control e incertidumbre. ¿Qué papel te gustaría que jugara la fotografía en la sociedad actual? ¿Coincide con el que realmente tiene? Creo que la sociedad actual, en términos muy generales, genera dinámicas de consumir rápido y de estar siempre excitados. Esto influye muy negativamente en mucha gente que se acerca a la fotografía buscando el efecto inmediato o la espectacularidad. Nos venden la idea trágica de que no hay tiempo para otra cosa, o de que cualquier cosa que no sea excitante o espectacular entrecámaras

Entrevista

Serie Cajas. 1995 © Javier Vallhonrat.

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Entrevista

Foto: Jorge Pozuelo

“Es bueno recodar que no siempre estamos en ciclos productivos, que hay inviernos y que estos son necesarios”

Harpers Bazaar. © Gonzalo Machado.

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Entrevista

no vale nada. ¿Opinas que un fotógrafo tiene una responsabilidad especial a la hora de comunicar la realidad, a través de su obra? En la medida en que un fotógrafo adquiere visibilidad pública, e Internet ya nos da esa oportunidad a todos, adquiere responsabilidad. Creo importante observar la realidad externa e interna, tomar partido, intentar proponer crecimiento hacia una existencia con más sentido... La obra debería estar teñida de estas intenciones. ¿Cómo ves el panorama actual para desarrollar una carrera fotográfica en España? No estoy seguro de que mi visión sea objetiva. Percibo pros y contras. La actual democratización de la fotografía y la facilidad para utilizar herramientas e información especializada, cosas de las que carecíamos totalmente en mi generación, tiene su contrapunto en la enorme competencia y en la presión por hacerse visible que experimenta hoy el que comienza una carrera.

¿Y qué consejos les darías a nuestros lectores que quieren dedicarse al mundo de la fotografía? Si hablamos no de profesión, sino de crecer en la fotografía, les diría que no empiecen una carrera, sino un camino. Que si pueden, vayan encontrando su voz en el silencio y no a gritos. Y que vale la pena seguir adelante, aunque parezca

“Me inspira lo inacabado, jugar, trabajar con los errores, dejarme sorprender, interesarme en explorar lo que parece que no vale” que no hay éxito. Si somos sinceros y continuamos trabajando, siempre llegaremos a nosotros mismos, y eso siempre es exitoso. Sabíamos que entrevistar a Javier Vallhonrat, uno de los grandes, era un auténtico privilegio para cualquier amante de la fotografía. Pero lo que no sabíamos es que, al lado de este

gran artista, íbamos a encontrar a un hombre que es la representación de la coherencia más absoluta con uno mismo. “Cuando mi trabajo dejó de sorprenderme, cuando sorprendía más a mi cliente que a mí mismo, supe que lo tenía que dejar”. Y eso significó, nada más ni nada menos, que abandonar una carrera como fotógrafo de moda, cuando estaba en lo más alto, para centrarse en sus proyectos personales, fuera de los focos, del glamour y de grandes presupuestos. En una sociedad en la que prima la inmediatez, la mediocridad, el ganar dinero fácil, la fama a costa de lo que sea, en la que, a veces, la ética personal y profesional han perdido todo significado, encontrar personas así nos hace pensar que aún hay esperanza, que aún hay cosas que merecen la pena, como pararnos de vez en cuando y ser capaces de escucharnos a nosotros mismos y encontrar, como dice Javier, nuestra voz en el silencio, porque quién sabe, quizás esa, la que el ruido casi no nos deja oír, sea nuestra voz más auténtica.

Foto:Pilar Nieto

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Serie Casas de humo. 2004. © Javier Vallhonrat.

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Entrevista

Serie Acaso. 2001-2003. © Javier Vallhonrat.

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Entrevista

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Exposiciones

1. Mursi y mujeres Surma. Pueblo Mursi de Dargui en el Parque Nacional Mago, cerca de Jinka. Etiopía. 2007. © Sebastiao Salgado/Amazonas Images/Contacto

PROYECTOS FOTOGRÁFICOS, PROYECTOS DE POR VIDA. Por Raquel Temiño

Sebastiao Salgado es de esos fotógrafos con los que no me importaría sentarme a charlar durante horas para intercambiar ideas, opiniones y conocer sus experiencias. No tanto para hablar propiamente de fotografía: técnica, edición o cómo afronta sus trabajos (probablemente, surgirían 62

también esos temas). Sino para hablar de la vida, de cómo la entiende; cómo entiende las relaciones humanas y con nuestro entorno, cómo ha puesto la fotografía al servicio de estas ideas y, por supuesto, las experiencias que ha vivido al hacerlo. Salgado dedicó ocho años a Génesis,

un proyecto fotográfico con el que, en un principio, pretendía denunciar la desaparición de espacios únicos de nuestro planeta, tras varias décadas de trabajo dedicadas a documentar las transformaciones demográficas y culturales. Sin embargo, cuando Salgado regresa a su ciudad natal entrecámaras

Exposiciones

(en Brasil), su esposa, Lélia Wanick, emprende un gran proyecto que le lleva a dar un giro a Génesis: Wanick inicia la replantación de un bosque – víctima de un proceso de deforestación y erosión- con las mismas especies autóctonas para recrear su ecosistema original al que, poco a poco, fueron regresando los animales (actualmente, es un espacio protegido). Tras esta experiencia, Salgado se

replantea su proyecto fotográfico y afronta Génesis como una advertencia de esa majestuosidad de la tierra que podemos llegar a perder si no la protegemos. Y, en lugar de documentar cómo están desapareciendo y transformándose esos espacios únicos, Salgado decide apuntar su cámara fotográfica hacia paisajes, ecosistemas y comunidades humanas que han logrado mantenerse intactas.

Ahora podemos disfrutar de esos entornos intactos de Génesis en esta preciosa exposición, en la que recorremos las islas Malvinas, las islas Sandwich y las Galápagos, Botswana, Uganda, Congo, Alaska, Siberia, Kamchatka o el Amazonas. Son fotografías hermosas de paisajes irreales, formas geográficas caprichosas, retratos de la vida, fotografías de colectivos humanos tan

2.Pingüinos barbijos (Pygoscelis antárctica) en un iceberg situado entre Zavodovski e Islas Visokoi. Islas sureñas del archipiélago de Sandwich. 2009. © Sebastiao Salgado/Amazonas Images/Contacto

íntimas de las que se deduce un enorme respeto y un grado de confianza que logra ese fotógrafo que pasa mucho tiempo a su lado para lograr acceder a ellos. Mientras observo estas fotografías -es curioso-, mi mente no viaja a esos entornos, sino a la propia figura de Sebastiao Salgado. Me despierta 1

tremenda curiosidad aquello que puede rondar la mente de una persona que dedica ocho años de su vida, treinta y dos viajes, a un proyecto fotográfico de esta categoría. Pues este proyecto fotográfico revela, en realidad, un proyecto de vida. En palabras del propio Salgado, “La fotografía es mi vida, mi forma de vivir con coherencia”1.

SEBASTIAO SALGADO. Génesis CaixaForum, Madrid Finalizado el 4 de mayo de 2014.

RUIZ MANTILLA, Jesús: “Entrevista a Sebastiao Salgado”, El País Semanal, nº 1.952, 23 de febrero de 2014, p. 29.

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3.Iguana marina (Amblyrhynchus cristatus). Galápagos. Ecuador. 2004. © Sebastiao Salgado/Amazonas Images/Contacto

Otras exposiciones: • Allumar. Centro Cultural Conde Duque. Hasta el 20 de abril. • Antanas Sutkus. Daily Life Archives, 1952-1992. Galería Oliva Arauna. Hasta el 26 de abril. • Flickr: La fotografía de un bocado. Matadero Madrid, Central de Diseño. Hasta el 30 de abril. • Lynne Cohen. Fundación Mapfre, Sala Azca. Hasta el 11 de mayo. • Growth/Crecer, de Wilma Hurskainen. Matadero Madrid. Hasta el 31 de mayo. • Philip-Lorca diCorcia. Centro de Arte Alcobendas. Del 29 de abril al 5 de septiembre. • Huéspedes del presente. CentroCentro. Hasta el 20 de diciembre. 64

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WAR 18-460 mm

Diagonales centenarias en nuestros ojos. Por Enrique F. Sicilia Cardona. No podía escribir esta sección y no referirme

antes de quedar todos

al centenario de una contienda global y

impresionados

tridimensional que estalló hace 100 años, entre

escalable violencia, había

otras causas, por una política de contención

hasta

equivocada del primer imperio de la época,

partícipe de tan, a priori,

el inglés, algo que leí hace unos cuantos años

magno acontecimiento. El

en una reseñable obra que se preguntaba

pueblo, en sus comienzos,

por la preservación de la paz y firmada por

apoyó

Kagan. Si escogemos el ejemplo de la carrera

la entrada en la Gran

armamentística naval que hubo a finales del siglo

Guerra. En la foto 1, con

XIX, es indudable que la placidez política exterior

la base de un edificio

de Albión propició el ascenso y el desmesurado

en diagonal que aporta

afán de ese marcial II Reich Alemán, que ya se

perspectiva,

había coronado en la galería de los espejos de

enorme cola de varones

Versalles en 1871, como gran poder terrenal. En

canadienses con amplias

cambio, Hastings afirma que Alemania deseaba

sonrisas, antes de estampar su firma para entrar

Hay que decir que, en la misma Europa,

esa guerra y pensaba en ganarla en unas pocas

a formar parte del ejército. Esas desmesuradas

los principales actores de la guerra unidos

semanas.

esa

contemplación

por

alegría

casi

por

sin

la ser

fisuras

vemos

una

1.Army Recruiting Office in Toronto, Canada, in August 1914. Men volunteered from all parts of the Commonwealth. Photohistory-sussex.co.uk ©

victoriana,

ganas por participar tienen su lógica. Canadá,

en las Potencias Centrales (Alemania, Austria-

podemos imbricarle esas ambiciones kaiserianas

en 1914, era todavía un dominio de la Corona

Hungría y Turquía) o en sus rivales de la Triple

para conseguir una ligazón de elementos

británica y la política exterior era dictada desde

Entente (Gran Bretaña, Francia y Rusia) hacía

que condujeron más tarde a cuatro años de

Londres. Su población no había participado antes

décadas que estaban en tensa espera y también

planes, movimientos, estancamientos, trincheras

en una guerra general y, en ese sentido, estaba

quedaban algo lejanos los ecos de sus batallas,

y ametralladoras, que segaron generaciones

poco expuesta al trauma histórico o recuerdos

salvo sus expediciones punitivas coloniales. Su

enteras de empujada juventud hacia el fin

de alguna masacre cercana. Aunque de sus 8

participación en la I Guerra Mundial sería igual

prematuro.

millones de habitantes, alrededor de 620.000,

de entusiasta, más numerosa; y sus bajas, en

Innumerables fotografías plasman en toda su

partieron a la guerra (un 7,75%), muriendo en

números millonarios, mucho peores que en la

crudeza aquella guerra que debía acabar con

ella unos 57.000 soldados, esto es, un 9,1% de

hoja roja de arce. La gran matanza se generalizó

todas las demás, fatuo y candoroso título que

los reclutados. Parece asumible, pero si hicieran

tras el fallo del plan Schlieffen alemán -creado

los humanos de aquella época pretendieron

esa misma foto en 1918, encontraríamos

en 1905 y revisado en 1913-, que pretendía

etiquetar, por el horror experimentado en los

algunos elementos significativos claros dentro de

un movimiento masivo de envolvimiento sobre el

inhumanos campos de batalla. Claro que,

esa masa de reclutamiento.

teatro occidental, que se torció inoportunamente

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WAR 18-460 mm para ellos en el milagro del Marne, mientras en

Esta es la imagen gastada de esa guerra, la

vidas entrando a caballo. La diagonal que forma

el oriental se contenía a los rusos con fuerzas

que ha quedado en nuestra psique colectiva.

esa columna militarizada nos conduce hacia el

menores. Para finales de 1914, el estudiado

La defensiva prevaleciendo sobre la arrojada

arco de la puerta de la entrada, no tan triunfal, ni

plan teutón había funcionado curiosamente al

ofensiva. La muerte mecanizada llegando a

majestuosa como otras de la Antigüedad. Varias

revés: victorias en el Este y estancamiento en

“corredores” nacionales en pos de un minuto

ideas pueden confluir en esta conquista. El eterno

el Oeste, que no pudo evitarse tampoco con la

más de vida. Insensatez dirigida, frustración

retorno de los conflictos, en ciertas regiones, es

llamada “Carrera hacia el mar”, o aquel otro

soldado.

una de ellas. Purificadas (es decir, devastadas y

sangriento intento tudesco (ver batallas de Ypres),

Generales ubicados a decenas de kilómetros, en

arrasadas) por el fuego de la guerra como Irak

por volver a rebasar el flanco izquierdo de las

mansiones alejadas del desaguisado que habían

ahora, o antes Mesopotamia, que siempre ha

fuerzas aliadas en Bélgica.

desapasionada

heroicidad

del

premeditado. ¿Dónde había quedado aquel

tenido un imán para generar aspiraciones de

A partir de 1915, sucedió, en líneas

Aquiles homérico? ¿Aquel guerrero individual

dominación, igual que la península de Crimea,

generales, lo que vemos en la siguiente foto

de leyendas troyanas? En este singular conflicto

el Quersoneso de las amazonas, mundo mítico

(2). Choque frontal. Imaginad salir de una

del siglo XX, hubiera perdido su estatuario fulgor

imaginado por los conquistadores atenienses

trinchera o avanzar por terreno despejado

histórico en solo unos metros… y ni el émulo Brad

y ahora parece que recuperado, mediante

para enfrentarse a ese y otros pelotones de

Pitt le hubiera ayudado.

referéndum asistido de adhesión (eufemismo con

enemigos indeterminados, monstruosos detrás

Cuatro años de estupidez imperialista y con

retranca nuclear, aunque la Historia les acredita

de esas máscaras anti-gas, muchas veces

raíces decimonónicas dan para mucho. Y en

desde el siglo XVIII), a la Santa Madre rusa. Y

defendidos por cortantes alambradas y con el

muchas otras circunstancias geográficas, se

esto lo conectamos por evidencias diáfanas

repiqueteo constante del sonido de las balas

combatió terrenalmente. Tan exóticamente como

con el filósofo Heráclito y aquel devenir que

al salir de esa máquina infernal que apunta

en el África negra o en regiones tan noticiables

permanece, que se eterniza mediante la guerra

directamente hacia ti. Nuestros sensatos cuerpos

como el actual Irak. Aquí vemos (3) la entrada

como padre de todas las cosas, en una constante

hubieran esquivado, al correr en diagonal, esa

triunfal del ejército british en Bagdag durante su

lucha de opuestos que fluye de manera racional

agrupación militarizada, ¿verdad? O, como

ardua campaña de Mesopotamia. Para llegar

para dar sentido a esa irracionalidad ocasional

les ocurría a otros, ni siquiera hubieran salido

hasta ahí, tuvieron que sufrir dolorosas derrotas

y muchas veces reflexiva, que es la propia lucha

de su agujero. De resultas de esto, hasta hubo

ante el Imperio Otomano, como en el primer sitio

de voluntades e intereses opuestos.

motines en el frente francés durante la primavera

de Kut-al-Amara (1915-1916) donde se rindieron

Ahora quiero dejar esa interpretación para que

de 1917. Y si en el reclutamiento anterior

más de 11.000 soldados, por no hablar del más

surquemos todos un poco las aguas y veamos otra

canadiense u otros similares hubieran intuido

conocido y desastroso desembarco en Gallipoli.

diagonal mucho más mortífera. En esta imagen

a lo que se iban a enfrentar, los claros serían

El enfermo turco sabía escupir. Contemplamos,

(4), el acorazado austríaco SMS Szent István está

aún mayores en aquellos reclutas y las grandes

en este recibimiento, una estampa de tiempos

cerca de irse a las profundidades del Adriático.

levas voluntarias del principio hubieran sido por

lejanos, casi romana. Los curiosos ojos del

El causante fue el intrépido oficial italiano Luigi

necesidad forzosas.

populacho árabe viendo al nuevo señor de sus

Rizzo (la bota entró en la guerra en 1915, a

2. emersonkent.com ©

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WAR 18-460 mm (restándole inmortalidad) y bien pudo contemplar algo después y con inmodestia, el diagonal fuselaje de su pájaro de muerte, junto a su figura calmosa y confiada (fig. 5). En mi última elección (6), no busquen una diagonal tan directa y franca como en algunas imágenes anteriores, ni mucho menos el Método Diagonal con bisectrices de Westhoff. Podemos marcar el destruido vallado y esas cajas como tal, pero aquí los puntos de interés los situamos en dos figuras. Una es humana y está formando, en el tercio inferior, un ángulo con su cuerpo inerte sobre el suelo; otra, casi surrealista, es una escultura vertical sobreexpuesta del Cristo crucificado a 3.British and Indian troops under General Maude finally seized Baghdad on 11 March 1917. National archives.gov.uk IWM Q 24168 ©

media distancia. Yo la titularía como “Progresión geométrica de la barbarie controlada con una

favor de la Entente Cordiale) que, al mando de

diagonales, trufadas con espirales, persecuciones

cantidad finita de bajas”. Walter Kleinfeldt era

una flotilla de lanchas torpederas, denominadas

y otras maniobras propias del combate aéreo

un joven soldado alemán enrolado desde el año

MAS, impactó con dos torpedos en la obra viva

cerrado entre dos o más aviones. Sí, fue otra de

1915, suponemos que contento de ayudar a los

del titán que le produjeron su posterior voltereta

las grandes “novedades” de esta conflagración

suyos, y que con su cámara “Contessa” y sus ojos

y naufragio filmado. Murieron 89 personas, no

mundial, junto al zepelín, el submarino o al

captó desgarradoras imágenes de la realidad

demasiadas para un desastre naval, sobre todo

posterior tanque, por ejemplo. Eso sí, debemos

de la guerra en esos años. Estuvieron olvidadas

si lo comparamos con el hundimiento del HMS

buscar esa invención más en el uso estratégico

en un sótano hasta hace escasos días, en que

Queen Mary en la batalla de Jutlandia (1916),

de esas armas que en el táctico de una ocasional

salieron a la luz. De las mostradas al público tras

donde 1.266 hombres perecieron al instante en

aparición. Ya que estamos, nosotros, los españoles,

ese descubrimiento, destaca sobremanera, por su

la explosión final del crucero de batalla británico

utilizamos la aviación en combate por vez primera

simbología, esta que inserto de 1917, igualmente

de 26.500 toneladas de desplazamiento y

durante 1913 y, concretamente, en suelo marroquí.

con un encuadre magnífico. Le auguro un

unos 214 metros de longitud. En un instante, el

Bueno, dejémonos de nostalgias patrias y pasemos

respetable futuro comercial. Rezuma antimilitarismo

gigantesco buque había desaparecido de las

al siguiente personaje que era francés y fue otro

y sinrazón a raudales. O muerte y resurrección para

miradas atónitas de los ojos de sus compatriotas

as del aire. Su nombre era René P. Fonck y aquí

los creyentes (fig. 6).

y solo se elevaba una enorme columna de humo

posa junto a su Spad S.XIII C1 perteneciente al

Debía ser un artillero pintoresco este tal WK.

hacia el cielo. La espiral tecnológica, a veces,

Grupo de Caza de “Las cigüeñas”, posiblemente

Asiduo de la zona caliente, solo así se puede

mata mucho mejor. O como dijo el almirante

hacia mediados de 1917. Consiguió 75 victorias

tomar una foto de estas características, y como

inglés Beatty al contemplar esa escena relatada

confirmadas, es decir, derribos de aviones

todo un veterano del atroz Somme (1916),

y de forma más airada, “Hoy parece que algo va

enemigos en combate, y se quedó a solo 5 del

estaría bastante acostumbrado a los cuerpos

mal en nuestros puñeteros barcos”(fig. 4).

registro del mítico “Barón Rojo”. Al contrario que

sin vida de uno y otro bando. En ocasiones,

su conocido rival, Fonck sobrevivió a la guerra

retrataba la cotidianidad de su nuevo oficio

En el cielo, también se dibujaron algunas

4.Italian postcard, circa. 1920. Wikipedia.org ©

y, en otras, cuando la tormenta se calmaba, él visitaba los campos adyacentes sembrados de sangre e imágenes y empezaba su ritual de captador y cazador de alguna instantánea notable. Sus ojos quizás no veían diagonales, composiciones geométricas, ni seguían veraces leyes de la fotografía. Veían a la guerra tal cual es, reciente, sin modificaciones ni ficciones. Su espacio personal, su estudio “artístico” esa mañana de crucifixión, recogió los restos de la carnaza. Y esos recuerdos siempre permanecen, siempre retornan y retornarán en todos los combatientes que han pasado por este macabro invento humano. Por los siglos de los siglos. Amén.

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WAR 18-460 mm

A la izquierda: 5. Fonck. www.awm.gov.au ©

Debajo: 6. A bloody skirmish in 1917.BBC Walter Kleinfeldt ©

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1. Portadas de revistas de la época, Vogue y Bazaar

Historia de la Fotografía de Moda (II) Por Yashira Romo González. En el último número de la revista, EntreCámaras

como un modo de expresión artístico propio, con

social del papel de la mujer, que ya se estaba

quiso haceros participes, una vez más, de

un lenguaje personal y único en muchos casos,

empezando a experimentar en los años 1960, en

fragmentos de la historia donde la fotografía forma

propició un consumo por parte de las masas; y

la que los vestidos y faldas en forma de tubo y los

parte de actividades tan importantes como es, en

supuso una poderosa arma de comunicación.

corsés evocaban una imagen de elegancia más

este caso, la moda.

Técnicamente, la fotografía también evolucionó.

comprimida y encorsetada de esta.

Expusimos la idea de que la fotografía formaba

En los años 1950, se intensificó la creación de

Dedicaremos unas cuantas líneas a tres

parte de una actividad cambiante y evolutiva que,

cámaras réflex, más pequeñas, ligeras y de un

fotógrafos que nos proporcionan características

a principios del siglo XX, realizaba instantáneas

solo objetivo, a las que se les fueron incorporando

personales y nuevas propuestas, demostrando

que se afanaban por reflejar la imagen de “la

objetivos intercambiables o el uso del flash. Todo

trabajos de gran calidad creativa.

mujer perfecta”. Constataban un testimonio claro

ello daba movilidad y rapidez al fotógrafo,

del pensamiento y evolución de la sociedad. Atrás

favoreciendo la toma de las instantáneas.

Richard Avedon (1923-2004) fue un fotógrafo estadounidense que aportó

su visión de la

quedaba el estilo austero y simple de los primeros

Las imágenes empezaban a ganar terreno en

fotografía de moda y sus magníficos retratos. La

años antes de la guerra, donde el buen gusto,

los medios impresos, sobre todo en reportajes y

aparente simplicidad de sus instantáneas es un

imágenes muy naif, dosis de feminidad y mucho

publicidad, propiciando la aparición de revistas

complejísimo trabajo, resultado de su obsesión por

glamour catapultaron la imagen femenina.

de moda. Entre las más conocidas y destacadas

mostrar la elegancia de las modelos, transcribiendo

Retomándolo a partir de aquí, nuestra pequeña

del momento se encontraban: Vanity Fair, Vogue y

así su propia visión del glamour. Abandonó el

aportación historiográfíca de la fotografía aterriza

Harper`s Bazaar. Estas revistas fueron, en muchas

estudio para llevar a sus modelos a las calles, los

aproximadamente partir de los años 1950:

ocasiones, las propulsoras de nuevos talentos

cafés y los paseos de París; fueron lugares insólitos

tiempos difíciles, donde el mundo soportaba la

fotográficos, ya que compaginaban trabajos

para la moda. En sus fotografías, los modelos

cruda convivencia de los años de posguerra y la

de autores consagrados con los de jóvenes que

eran personajes libres y creativos en sus gestos. La

posterior tensión de la Guerra Fría, que estaba

estaban comenzando. Existía una lista numerosa

fotografía pasa a ser una composición narrativa,

teniendo lugar en muchos países.

de fotógrafos relevantes: Man Ray, Robert Frank,

una pequeña historia visual.

En aquel momento, existía un optimismo y una necesidad de cambio y progreso. La moda siguió siendo reflejo de esa nueva actitud

Richard Avedon, Lisette Model, Norman Parkinson, Irving Penn, Eugene Smith, William Klein, etc.

Irving Penn (1917- 2009) hizo que la fotografía ofreciera una interpretación muy personal del

Las sesiones fotográficas serán muy influyentes

mundo de la moda. A diferencia de Avedon,

obviamente, la fotografía plasmó el testimonio

en el periodo contemporáneo. Serán vehículos de

nunca se interesó por las tomas exteriores y las

de todo aquello. La aceptación de la fotografía

difusión del nuevo modelo de liberación y avance

escenas callejeras; permaneció fiel a las tomas de

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Historia de la fotografía

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Historia de la fotografía estudio, trabajadas en sus más mínimos detalles bajo determinadas condiciones de luz. Para apreciar sus fotografías, es necesario reconocer en él su talante como retratista, que combina la simplicidad y franqueza del siglo XIX con una sofisticación moderna formal, su empleo de las líneas, de la belleza de las formas, la elegancia de las siluetas y el juego abstracto de líneas y volúmenes. William Klein nació en 1928. Es reconocido tanto por sus trabajos en el campo de la fotografía sobre moda como por sus reportajes de ciudades. Los primeros le hicieron célebre a través de la revista Vogue; los segundos son un testimonio de su certera visión de los lugares que visitó y muestran su habilidad para el reportaje, gracias a su especial percepción psicológica. En resumen, la descripción de los fotógrafos hasta la década de 1960 presentó la época dorada de la fotografía de moda. Este fenómeno vino de la mano del triunfo del culto a lo joven, a lo moderno. El significado pleno que hoy tiene para nosotros la palabra “moda” en gran parte se compuso en esta época, escribiendo la historia del “vestir” de mundo. La nueva sociedad que había surgido tras las cenizas de la II Guerra Mundial llegó a su máximo apogeo y la fotografía optó por ser la protagonista, encargada de no dejar nada de lado y retratar todo aquel triunfo

3. Richard Avedon. Renee, The New Look of Dior, Place de la Concorde, Paris, 1947 (homage to Munkacsi)

artístico.

Bibliografía. - Historia de la fotografía de la moda. 2012. FotoAula www.cursosfotoaula.es - CASAJUS, C.: Historia de la fotografía de la moda. Tomo I. Madrid, 1993 - SOUGEZ, M.: Historia general de la fotografía. Cátedra. Madrid, 2007.

4. Norman Parkinson. The Italian Collections, Three Little Black Dresses, Florence, Queen, 1961.

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La esencia de Eliot Erwitt por Luis Caparrós

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ázquez (NANIHTA)

Por Ges Rules.

Psicología, fotografía... ¿Qué fue primero y cómo compaginabas ambas cosas? Pues... bueno, de forma oficial, lo primero fue la psicología. Empecé la carrera con 18 años y aún no me había metido en el mundo de la fotografía de forma seria. Pero si hablamos de cuándo empecé a ir con una cámara por la vida... bueno, creo que debería remontarme a cuando tenía 14 o 15 años y llevaba siempre, en la mochila, una analógica de usar y tirar (porque adoraba el efecto que tenía en las fotos reveladas). Compaginar psicología y fotografía estos últimos años fue algo complicado. Durante el curso, he de admitir que iba poco a clase y podía estar en casa y trabajar en el autorretrato, aunque tenía poco tiempo para sesiones más serias. Y, al llegar los exámenes... bueno, tocaba encerrar la cámara en un cajón y darlo todo con los apuntes. Así que ha habido, durante estos años, periodos de mucha actividad y periodos de echar mucho de menos la cámara. En tu trabajo, ¿hay intención de mostrar estados de ánimo? Esta pregunta es algo compleja. Creo 74

que hay dos partes muy diferenciadas en mi fotografía: una sí está más vinculada a sentimientos y emociones, que trabajo sobre todo en el autorretrato (me siento de una forma, cojo la cámara y lo plasmo lo mejor que puedo); pero también es cierto que gran parte de mi trabajo es planificar sesiones, planificar escenarios y momentos y para mí es imposible planificar un sentimiento. Si tengo algo que expresar, tengo que coger la cámara y hacerlo ahora. Ya. Inmediato. No puedo dejarlo para el fin de semana. Sin embargo, cuando quiero abandonarlo todo y crear algo más allá de mí, más allá de un instante concreto y hago sesiones artísticas, me centro más en crear “la atmósfera perfecta”. Una idea aparece y hay que darle forma, hay que buscar el sitio perfecto, el maquillaje perfecto, la modelo perfecta, la ropa perfecta... que todo esté en una estrecha armonía, que cuando alguien vea el resultado quede atrapado, que primero piense “qué colores”, “qué lugar”, “qué precioso gesto” y luego pueda profundizar en los pequeños detalles, transportarse... hacerla, por un momento, suya.

¿Cómo pones en marcha cada una de tus ideas? ¿Alguna vez cambias o improvisas? Una cosa curiosa, que no sabe mucha gente, es que, a veces, las ideas de las sesiones o ideas de fotos concretas son cosas que sueño. No hablo de soñar despierta y dejar volar la imaginación, sino de sueños reales. Anoto las ideas al despertar para que no se me olviden. Otras veces son como un fogonazo: veo un lugar y pienso “aquí podría hacer... y sería de esta manera... y llevaría esta ropa... y quedaría así” y la imagen ya está terminada en mi mente quizá días antes de poder llevarla a cabo. Algo parecido me pasa con muchas y muchos modelos. Les miro y, automáticamente, mi mente les coloca en diferentes escenarios donde sé que encajarán a la perfección y... lo cierto es que ¡sí ocurre! Una vez hechas las fotos que tengo en la cabeza, que suelo intentar hacer al principio de la sesión para, digamos, dejar constancia de que la foto soñada está hecha, entonces improviso. Sigo paseando con el modelo (o yo sola) por la zona en la que estemos y, como si fuera una pieza de un puzzle, voy entrecámaras

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buscando los “huecos donde encaje” y continúo hasta que la tarjeta me dice basta. Las localizaciones, atrezzo, maquillaje y vestuario están muy bien preparados. ¿Cuentas con ayuda o lo haces todo sola? Cuando preparo las sesiones de autorretrato, siempre las preparo sola: maquillaje, caracterización, entorno, estilismo... todo corre de mi cuenta y creo que son más personales. Tengo mis manías en cuanto a los colores, al tipo de gesto, a cómo combinar todas las partes y a cómo crear una atmósfera. Sin embargo, cuando tengo sesiones preparadas con modelos, pueden pasar dos cosas diferentes: la primera, modelos que en realidad no son modelos, son amigos y amigas míos que me dicen “me pongo en tus manos, vísteme, dime cómo me maquillo, dime dónde voy y soy todo tuyo”; o la segunda, modelos que ya se dedican a esto de una forma profesional o semiprofesional con los que busco algo intermedio. Hacemos una tormenta de ideas, vamos puliendo la sesión de forma que sea mi estilo, pero ellos salgan favorecidos para aumentar su portfolio.

En este caso, muchas veces son ellos los que tienen acceso al estilismo o las localizaciones, o las buscamos en equipo; si es un maquillaje sencillo, casi siempre ellos mismos suelen apañarse bien y, cuando he hecho sesiones con maquillajes muy complejos, mi amiga, colaboradora y maquilladora Noe Luna, ha conseguido hacer trabajos espectaculares. ¿Destacarías el color en tus fotos como una parte importante y característica de tu trabajo? Absolutamente. Las fotografías tienen que transmitir muchas cosas, tienen que tener algo que atrape tu mirada y para mí, en el resultado final, en la imagen ya terminada, pulida, creada... el color es la magnífica guinda que termina de hacerla perfecta. Creo que es mucho más importante de lo que la gente pueda pensar. El color, cuando se trabaja con esmero y se cuida para que nada quede al azar, hace que el ojo humano, que la mente, no pueda dejar de mirar. Cuando estudias la percepción de la visión, como yo hice: colorimetría, círculos cromáticos... y cuando estudias el color desde ya no una perspectiva más física

sino, incluso, psicológica, te das cuenta de cuántas sensaciones produce el color, cuánto hipnotismo si está bien trabajado. Es un pilar fundamental en mi trabajo fotográfico. Hasta en el blanco y negro es importante el color que hay debajo. ¿Qué te da la fotografía y qué esperas a partir de ahora? Me da libertad, me da posibilidades y me da poder, control sobre mi vida. Creo que, de todas las cosas que he hecho, la fotografía es aquella donde el trabajo se ve recompensado. Donde la ilusión, la creatividad, las ideas y las horas y horas y horas tras la cámara y frente al ordenador dan verdaderas recompensas. Espero, sinceramente, poder vivir de esto, poder vivir de algo a lo que puedo echar mil horas y seguir sintiéndome afortunada. Un ámbito donde cada persona que conozco puede ser parte de una obra que durará para siempre. Donde nada caduca, todo se renueva una y otra vez. Donde puedo tener la libertad de plasmar lo que siento, lo que quiero de lo que hay o lo que quiero que haya. Y algo donde vale la pena invertir mi vida. Web: http://nanihtacek.wix.com/solvazquez Perfil en 500 px: http://500px.com/nanihta Filckr: https://www.flickr.com/photos/nanihta/

Facebook: https://www.facebook.com/pages/Nanihta-Fotoografía/230025720357320

Foto: Sol Vázquez 78

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Foto: Sol Vázquez entrecámaras

COLOMBIA otro punto de vista Por Alfonso Sampedro.

¿Cómo definir Colombia, un país tan extenso y variado y tan lleno de contrastes? Marta Granados, diseñadora gráfica colombiana, nos lo resume en uno de sus libros: “Colombia es agua, Colombia es energía, Colombia es verde, Colombia es esperanza, Colombia es fauna, Colombia es flora, Colombia es libertad…”. Colombia es todo eso y mucho más. El país del café

y de las esmeraldas es realismo mágico. Nuestro recorrido por estos lugares es un pequeño ejemplo de lo mucho que podrá descubrir el viajero que se decida a visitar estas tierras tropicales, en donde la temperatura del lugar está íntimamente relacionada con la altura sobre el nivel del mar en el que se encuentre, así que cuanto más alto se suba más frío se siente.

Niño en la puerta de su casa en Puerto Nariño, a tres horas en lancha desde Leticia. Foto: Alfonso Sampedro

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Viaje fotográfico

El viaje nos llevó a recorrer una mínima parte de ese inmenso territorio suramericano desconocido para muchos, visitando zonas tan distantes unas de otras, pero a la vez unidas en un común denominador: Colombia. Cartagena de Indias, Santa Fe de Bogotá y la selva amazónica serían en esta ocasión nuestros destinos, dejando para un futuro, esperemos próximo, otras zonas de este gran país. La ciudad heroica Cartagena de Indias fue fundada en 1533 por Don Pedro de Heredia y declarada Patrimonio de la Humanidad en 1984. Ciudad señorial y legendaria fue una de las más importantes de cuantas poseyó España en sus dominios. Desde este puerto partían los barcos cargados con el oro de las colonias y arribaban los que volvían con produ ctos europeos.

Fue lugar codiciado por piratas y filibusteros, razón por la cual los reyes españoles decidieron amurallarla y rodearla de castillos o fortalezas para convertirla en un lugar inexpugnable. Entre esas fortalezas destaca el castillo más importante construido por los españoles en el nuevo Reino de Granada: San Felipe de Barajas, ubicado en el cerro de San Lázaro y considerado obra maestra de la ingeniería militar de todos los tiempos. Fue teatro de grandes hazañas bélicas como la vivida en el año 1741, cuando una flota inglesa, mucho mayor que la famosa Armada Invencible, se estrelló frente al coraje de un puñado de hombres comandados por Don Blas de Lezo, marino y estratega español al que le faltaba medio cuerpo pero al que le sobraba mucho valor. Otro hecho de gran transcendencia para la ciudad, y

por el que recibió el apelativo de “La Heroica”, fue el ocurrido tras su Declaración de Independencia de España en 1811, cuando el general Pablo Morillo, en su afán de reconquistarla, la asedió manteniéndola aislada durante más de 100 días, en los que sufrió los efectos epidémicos del hambre y la enfermedad y llevaron a los sitiadores a alzarse con la victoria. Se calcula que durante este asedio murió la tercera parte de la población. En la ciudad antigua, como se conoce a toda el área urbana confinada entre las murallas y baluartes, se aprecia un conjunto arquitectónico homogéneo donde casi todas las const rucciones nos recuerdan la arquitectura andaluza de grandes portones y balcones volados e interiores con jardín central. Fuera de sus murallas bulle una ciudad moderna con maravillosas playas en las que poder refrescarse de

Atardecer sobre el río Amazonas. Foto: Alfonso Sampedro

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Arriba, Bogotá en hora punta.

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Abajo, Cartagena de Indias. Castillo-Fortaleza San Felipe de Barajas. Fotos: Alfonso Sampedro

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85 entrecámarasCartagena de Indias: Muralla y cúpula de la iglesia de San Pedro Alejandrino. Foto: Alfonso Sampedro

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ese calor intenso con el que a diario conviven sus habitantes. Muy cerca de Cartagena y lugar digno de ser visitado se encuentran las islas del Rosario, un archipiélago paradisiaco de formaciones coralinas y aguas transparentes ideal para el descanso y para la práctica de actividades acuáticas. Santa Fe de Bogotá. A 2.600 metros, más cerca de las estrellas y asentada en una extensa sabana perteneciente a la cordillera oriental andina, se encuentra la “muy noble y leal ciudad de Santa Fe de Bogotá”, capital de la República. Urbe con cerca de ocho millones de habitantes, fue bautizada por el humanista Menéndez Pelayo como la “Atenas sudamericana” en honor a la cultura que desde esta ciudad se emana y donde los bogotanos se jactan y enorgullecen de hablar el mejor

español del mundo. Bogotá presenta un desarrollo urbanístico dinámico y en permanente cambio, donde centros financieros o industriales y grand es franjas residenciales se mezclan entre sí dando lugar a un cong lomerado de contrastes. A pesar de este crecimiento, se ha logrado, no sin grandes esfuerzos, conservar y restaurar parte de la arquitectura colonial; un ejemplo de ello es el céntrico barrio de la Candelaria, un oasis con sabor a historia pasada rodeada de modernidad. Barrio en el que coloridas casas conviven con modernas bibliotecas como la Luis Ángel Arango o museos como el de Botero, enclavado en una casona colonial que funcionó hasta 1955 como Arzobispado de la ciudad. Como explica el propio museo en su página web, “en el año 2000 el artista Fernando Botero donó al Banco de la República

una colección de arte de 208 obras, 123 de su propia autoría y 85 de artistas internacionales”, siendo para el propio artista “un placer infinito saber que estas obras pertenecen hoy a Colombia…”. A pocos pasos del Museo Botero se encuentra la Plaza de Bolívar, centro de la ciudad donde se conjugan pasado y presente y donde lo religioso se mezcla con lo político. Plaza rodeada de formidables construcciones neoclásicas como la Catedral Primada, el Palacio Arzobispal o el Capitolio Nacional (sede del Congreso de la República), edificios todos ellos que le imprimen al lugar una aire de grandeza. Cierran el contorno de la plaza el edificio Liévano, sede de la Alcaldía, y el Palacio de Justicia. Este Palacio fue destruido el 6 de noviembre de 1985 como consecuencia de la toma que la guerrilla del M-19

Cartagena, calle de la ciudad antigua. Foto: Alfonso Sampedro.

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Palenquera (vendedora de frutas). Foto: Alfonso Sampedro.

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Cartagena de Indias, Plaza de la Aduana. Foto: Alfonso Sampedro.

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Cartagena de Indias, vistas desde las murallas (al fondo, zona residencial de Bocagrande).Foto: Alfonso Sampedro

Bogotá, vista panorámica desde el cerro de Monserrate, a 3.150 metros. Foto: Alfonso Sampedro.

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llevó a cabo, y la posterior retoma por parte del Ejército, dando lugar a una cruenta batalla que se prolongo por más de 28 horas y que se cerró con cerca de 100 muertos y 12 desaparecidos, entre militares, guerrilleros y civiles. Muy cerca de allí, la leyenda del Dorado toma vida en el Museo del Oro, que alberga la colección más grande de piezas de oro del mundo y cuyo grupo de piezas de orfebrería precolombina es la más importante también del mundo. Nadie que visite

la ciudad puede dejar de admirar este compendio de historia. No se puede abandonar la ciudad sin antes darse una vuelta por la población de Zipaquirá, localizada a unos 45 kilómetros de la capital. Es famosa no por sus plazas o sus casas coloniales, que también, sino por las salinas que ya explotaban los indios del lugar antes de la llegada de los españoles, y por la Catedral de Sal labrada sobre la misma roca de la mina, verdadera joya de la ingeniería que la hace única. Amazonía Colombiana.

En el otro extremo del país, a 730 kilómetros al sur de Bogotá e incomunicada por carretera, se encuentra Leticia, capital del departamento del Amazonas y puerto fluvial sobre el rio del mismo nombre. La amazonia colombiana es un destino increíble para todos aquellos que busquen tener contacto extremo con la naturaleza y conocer algunas de las culturas más representativas del país. Leticia, puerto pesquero sobre el río Amazonas Leticia, ciudad hospitalaria y

Bogotá, moderno edificio en el centro internacional. Foto: Alfonso Sampedro.

confortable, es además un activo centro de comercio rodeado por caminos que conducen a la espesura de la selva. En sus muelles se encuentra la línea imaginaria que divide, en lo que se conoce como trapecio amazónico, las fronteras de Colombia, Brasil y Perú. La actividad económica de toda la región gira en torno a la pesca, la explotación de la madera, la extracción del caucho, el comercio y, por supuesto, el turismo ecológico y de aventura. entrecámaras

Son muchas las cosas que pueden sorprender a quienes visitan esta apartada región del país. Aquí habita el mono más pequeño del mundo, conocido con el sobrenombre de “titi”, y florece la victoria regia, el loto más grande del mundo. Incluso navegando por el ancho río o por sus afluentes, puede uno tener la inmensa suerte de tropezarse con el delfín rosado y verlo emerger airoso de las oscuras aguas del Amazonas.

La Amazonia es, de por sí, una zona poco poblada en la que habitan grupos indígenas como los ticuna, huitotos o los mayuranas, que aún conservan sus mitos, rituales y tradiciones ancestrales y a los que es interesante, por no decir obligatorio, visitar. Guiados por un indio ticuna y tras una larga marcha de más de tres horas por la tupida selva, en la que nos iba enseñando cosas inverosímiles (una rana que apenas se distinguía del suelo, 91

Viaje fotográfico

enormes arañas que hacía salir de su escondrijo o extraños árboles que se ocultaban tras otros más extraños), llegamos a un poblado también ticuna en el fuimos recibidos entre sonrisas por parte de los adultos y una gran algarabía por parte de los niños. Fue una tarde agradable en la que nos enseñaron orgullosos lo mucho o poco que tienen, que más bien es mucho. Nos explicaron las jerarquías del poblado, las formas de educar a los niños, los trabajos de los que viven

y nos obsequiaron con pulseras de la buena suerte que una india nos iba colocando en nuestras muñecas. Nos ofrecieron, a unos precios irrisorios, pequeños objetos de artesanía que gustosamente compramos y que hoy exhibimos con orgullo. La verdadera aventura la tuvimos al regreso. En medio de esa selva tan tupida no nos enteramos que llovía; se escuchaba su ruido, pero nada más. Fue nuestro guía el que nos alertó y nos aconsejó protegernos porque, en cuestión de segundos, lo

que antes era solo ruido se convirtió en una verdadero torrencial. Lo bueno se termina, pero nos quedan los recuerdos en forma de fotografías: retratos, paisajes, platos típicos… Podemos afirmar, como muchos ya lo han hecho, que “Colombia es, sin duda, el secreto mejor guardado” y, como reza el eslogan del Ministerio de Turismo, el “verdadero riesgo” de este país “es que te quieras quedar”.

Bogotá, barrio de La Candelaria (Fachada del Museo Botero). Foto: Alfonso Sampedro. Zipaquirá, Catedral de Sal. Foto: Alfonso Sampedro.

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Arriba, Leticia, puerto pesquero sobre el río Amazonas. Abajo, Amazonas, victoria regia Fotos: Alfonso Sampedro.

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Bogotá, Capitolio Nacional. Foto: Alfonso Sampedro entrecámaras

Amazonas, turistas en la Isla de los Micos. Foto: Alfonso Sampedro.

Amazonas, Isla de los Micos. Foto: Alfonso Sampedro.

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Chamán. Foto: Alfonso Sampe-

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Amazonas, familia del poblado ticuna. Foto: Alfonso Sampedro.

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THOMAS NEWTON SIGEL

Por Yolanda Obra.

Nació en Detroit, Michigan, en 1955. Miembro de la Sociedad Americana de Directores de Fotografía desde el 2000. Empezó su carrera siendo pintor, estudió pintura en Detroit y Nueva York, y cineasta experimental en el Museo Whitney de Nueva York. Sigel: “Cuando salí de la secundaria, fui invitado a programas de becas en el museo Whitney, yo solía pintar y hacía videos que solían llamarse “experimentales” o “personales” o peor aún “avant-garden”. Fue una época de gran inspiración creativa. Había días que me pasaba horas en el Museo Metropolitano de Arte, simplemente mirando las Vernnerrs. Por ese tiempo yo estaba enamorado de los cineastas de la Nueva Ola, como Fellini, Antonioni, Resnais, y similares, todo lo que hacían tan fresco y vigorizante, tan 100

impredecible, me hicieron que dejara la pintura para centrarme en el cine”. Sus películas tomaron un giro periodístico cuando, en la década de 1980, fue a cubrir las guerras centroamericanas. Este trabajo documental incluye “Witness to War: Dr. Charlie Clements”, obra premiada con un Oscar; y “When the Mountains Tremble”, que cosechó gran éxito. Habiendo atraído la atención del director Haskell Wexler, tuvo su primera oportunidad de aventurarse en la ficción con “Latino”, drama basado en las experiencias del propio Sigel en el campo de batalla. Durante más de tres décadas, la fotografía de Sigel ha aparecido en documentales experimentales, drama indie, telefilms y películas de Hollywood. Tras adquirir experiencia responsabilizándose de la

fotografía de segunda unidad para Oliver Stone en “Platoon” y “Wall Street”, Sigel se convirtió rápidamente en un renombrado Director de Fotografía. El clásico de culto “Sospechosos habituales” (The Usual Suspects) premiada por Independent Spirit Award 1996, cuenta con una elegante fotografía que ha inspirado a toda una nueva generación de películas policíacas. Premios Cable ACE 1988 por “Incendios Caseros”, premio de la Sociedad de Críticos de cine on line por “Tres Reyes” 2000. Películas como “Sangre y vino” (1977), “Fallen” (1998), “Tres Reyes” (1999), “Sueños rotos” (2000), “Ella es el partido” (2008), “Valkiria” (2009), “Tenía que ser tú” (2010), “La conspiración” (2011), “Drive” (2011), “Superman returns” (2012), “Jack el Caza Gigantes” entrecámaras

Recomendaciones

(2013) y la saga de los X-Men (2000-2014) a cargo del director Bryan Singer, etc…

DRIVE

Película dramática y thriller “Neo- Noir” estrenada en el 2011. Del cine americano independiente, dirigida por Nícolas Winding Refn y Director de Fotografía Newton Thomas Siegel. Ganadora y candidata a múltiples premios como los Premios Goya 2011 a Mejor Sonido, Globo de Oro 2011 a Mejor Actor de Reparto Albert Brooks, Premios Bafta a 4 candidaturas: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz de reparto Carey Mulligan, Mejor Montaje; Premios Cesar 2012 Mejor Película Extranjera. Festival de Cine de Cannes 2011, candidata Palma de Oro y Ganador al Mejor Director Nicolas Widing Refn. Premios Independent Spirit Awards, 4 candidaturas Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor de Reparto y Mejor Actor Ryan Gosling.

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Neo-Noir: del griego neo: nuevo y del francés noir : negro, es un estilo de cine que utiliza gran parte de los elementos del cine negro, pero que trata temas con contenidos actuales, y estéticamente actual o con ciertas reminiscencias de épocas pasadas en películas de cine negro de las décadas de 1940 y 1950. Las películas Neo-Noir son conscientes de las circunstancias modernas y la tecnología, los elementos visuales incluyen iluminación discreta, destacando luz y sombras, y colocación de cámaras en lugares inusuales, contrapicados, o reflejos de las imágenes en sitios curiosos, encuadres de sombras, etc… Este carácter y estilo independiente lo podemos ver a lo largo de una extensa filmografía, por ejemplo en grandes obras maestras, sin olvidar el trabajo de los Directores de Fotografía, que es lo que nos ocupa, “Blade Runner”, “Chinatown”, “Pulp Fiction”, “El Gran Lebowski”, “Memento”, “Blue Velvet”, “American Ganster”, etc. En “Drive” destacable la

utilización de una paleta de colores vibrantes: ocres, naranjas, dorados, verdes, azules y toques de rojo, que hacen referencia a las miradas fotográficas retro, como kodackome o ektrachrome, según comentarios del propio Sigel. Referencia visual La Ira como influencia de Scorpio Rising. El uso de luz ambiente, natural; pero también el contraste es un elemento importante, el juego de luces y sombras para enfatizar la escena y darle profundidad e intensidad a las emociones. Encuadres espectaculares donde se rompe la “la ley de la mirada” y crea un vínculo directo entre el espectador y la escena, donde la emoción se apodera de la imagen. Primeros planos contenidos, es decir, se mantiene la imagen por un par de segundos, un ligero zoom que provoca una contención brutal (casi puedes sentir cómo se corta tu respiración); encuadres con “espacios vacíos” donde la música entabla una conversación íntima y subliminal con el espectador, y te lleva de la mano a recorrer un sinfín de emociones y sensaciones, por cada uno de

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los rincones de las imágenes y la historia del film. De estética Neo – Noir, con un estilo poético de las escenas. Los personajes se abstraen de la realidad creando una atmosfera única entre ellos, bellísima, poética y sublime donde la realidad ha dejado de existir por un instante. Protagonizada por Ryan Gosling, Carey Mulligan (actuales actores de moda, Ryan Gosling por “The Ides of March”, Carey Mulligan por “El Gran Gatsby”) y Bryan Cranston, reconocido actor y ganador de múltiples premios por su participación en la espectacular

serie “Breaking Bad”. Basada en el libro homónimo escrito por Javier Sallis. Sinopsis: Un “conductor” sin nombre (Ryan Gosling), cuyas habilidades al volante son evidentes, trabaja en el garaje de Shannon (Bryan Cranston), y ocasionalmente realiza trabajos como especialista en escenas de riesgo en producciones de cine o como conductor de huída en peligrosas misiones nocturnas. Sus reglas son que siempre trabaja de forma anónima y nunca dos veces para la misma persona. Aunque es un hombre solitario

por naturaleza, no puede evitar enamorarse de su bella vecina Irene (Carey Mulligan), una vulnerable joven madre que se ve arrastrada a un peligroso mundo debido a la salida de prisión de su marido Standard (Oscar Isaac). Después de un atraco con el que pretende pagar la protección de Standard, se suceden una serie de giros impredecibles y no cobra por su trabajo. Sin previo, aviso el “conductor” se ve conduciendo para salvar a la mujer que ama, perseguido muy de cerca por dos peligrosos criminales, Nino (Ron Perlman) y Bernie Rose (Albert Brooks). Critica: “Drive” representa una película de acción de arte y ensayo. Roger Ebert, crítico cinematográfico norteamericano más reconocido a nivel mundial, escribió: “he aquí otra muestra del viejo principio del Noir en Hollywood, que dice que una película vive no a través del héroe, sino de sus sombras”. Luis Martinez, señaló para El Mundo: “brutal y voraz, no se limita a copiar un modelo, sino que intenta poner en pie lo que queda de un recuerdo cuando se olvida”. A.O. Scott, The New York Times: “Drive es sombría, crispada y honesta, pero también prisionera de su propio vacío, sustituyendo la atmosfera por las emociones, y un estilo prestado por un verdadero atrevimiento”. La banda sonora de la película está compuesta por Cliff Martínez y es predominantemente electrónica con reminiscencias retro de los años 1980. “A real Hero” de College & Electric Youth , y una de las canciones más representativas de la película, “Nightcall” del músico Kavinsky. Ahí os la dejo…

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Recomendaciones

Iluminar, disparar y retocar. Conseguir fotos de máxima calidad. Scott Kelby. Ed. Anaya Multimedia. Photo Club Después de unos números en los que me alejé algo de los libros de estilo manual, vuelvo con uno de los primeros que leí y que he vuelto a recuperar ahora, que estoy más dedicado al retoque con Photoshop. En esta ocasión, el libro que presento sí puede entenderse como un manual de trabajo, pues explica con detalle los pasos a seguir en cada momento. Scott Kelby puede considerarse un “clásico” entre los autores de libros especializados en fotografía. Si buscáis en intenet, 104

encontraréis libros específicos sobre Photoshop, Lightroom, o más genéricos sobre fotografía digital. No los he leído todos, pero he visto alguno y, sin duda, son libros interesantes que pueden ayudar a mejorar la técnica fotográfica de cada uno de nosotros. Pero si uno ya conoce más o menos los conceptos básicos, desde mi punto de vista, este de “Iluminar, disparar y retocar” es el idóneo para ir avanzando en fotografías y estilos específicos que nos ayuden no solo a mejorar, sino a desarrollar nuestro estilo propio. Y todo porque, en mi opinión, te permite ir descubriendo ideas que pueden ayudarte (al menos, ese es mi caso) a recuperar fotografías que ya dabas por terminadas y a mejorarlas de

manera notable. Como decía al principio, en este libro, están explicados los procesos completos de iluminación y retoque de cada una de las fotografías que en él aparecen. De hecho, puede observarse con precisión la colocación de todos los elementos que el autor utilizó en cada sesión: desde dónde se dispara la fotografía, el modelo, el fondo, las fuentes de luz, la potencia… Como veis, es difícil perderse en el proceso. Incluso el libro incluye un link desde el que descargarse las fotografías utilizadas, todas ellas en alta resolución, para poder seguir las explicaciones paso a paso. Todo esto hace del libro un verdadero manual de consulta. Obviamente, al estar cada uno de ellos referido a una imagen específica, con su esquema de iluminación y proceso de retoque “propio”, no tiene porqué leerse en orden. Se puede consultar directamente una fotografía concreta, pues en cada una de ellas, y aunque se repitan pasos de un proceso ya utilizado en otra, se explican todos los detalles que son de aplicación. Con esto me refiero, por ejemplo, a opciones del menú o atajos de teclado. Sin lugar a dudas, para mí fue en su momento, y lo ha sido al releerlo, un libro fundamental en mi aprendizaje. Por una razón muy sencilla: en él se incluyen fotografías que me llamaron la entrecámaras

Recomendaciones

atención desde el primer momento (en mi caso, el que habla de un esquema de iluminación de fotografía de moda con dos luces) y que he podido replicar (o al menos intentarlo) con mis propios medios; y no me refiero únicamente a seguir el proceso de edición en Photoshop. Lo dice el propio autor al principio del libro: no se trata de fotografías realizadas con herramientas o equipos que resultan inalcanzables a la mayoría de fotógrafos aficionados. Aunque él las realiza en su estudio, obviamente perfectamente equipado para todo tipo de fotos, incluye la opción de construir el mismo esquema de iluminación con flashes de mano, lo que puede simplificar notablemente el trabajo del lector.

A todo lo anterior, se une que el libro está escrito de una forma natural y directa, lo que hace (para mí es una premisa fundamental) que se lea de una forma rápida y en ningún caso aburrida. Da la impresión de que uno está en una clase informal con un experto que le va contando cada cosa que hace. Empieza con unos consejos sencillos, pero que hablan de cosas que se apenden con la experiencia y que, como dice el autor, uno hubiera agradecido que se los dieran cuando empezaba en esto de la fotografía. Consejos como acercarse todo lo posible al sujeto (sencillo, ¿verdad?), ser práctico a la hora de elegir los flashes y no perderse en buscar potencias que normalmente no utilizaremos o, en el colmo

de lo simple, ponerle ruedas a los soportes que utilizamos para realizar las fotografías. No son más que un ejemplo, pero pueden darnos una idea de lo que quiero decir con la sencillez, practicidad y claridad con que el libro está escrito. Como resumen, os diría que es un libro imprescindible para una biblioteca de fotografía. Tanto para principiantes como para los más expertos, que pueden encontrar en él una referencia para hacer determinado tipo de retoque a un retrato, o una inspiración para esa sesión a la que llevan dándole vueltas algo de tiempo.

HUMOR por Almudena Plaza

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Modelo Valeria Cuba Foto: J. R Molinos

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MADRID se resiste Por Rosario Recio

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RAI

por Sylvie Puillet

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ICES

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Enlace Facebook

“Lo que vemos, depende principalmente de lo que buscamos”. John Lubbock

El grupo de Facebook ENTRE CÁMARAS se crea para difundir, disfrutar y criticar constructivamente todas las fotografías que queríais subir. Cada semana se propondrá un tema y se podrá SUBIR UNA SOLA FOTOGRAFÍA POR DIA y usuario. Se agradecerá una critica: 1- TÉCNICA; 2- COMPOSITIVA; 3- EMOCIONAL. ¿Quieres saber como hacer una crítica fotográfica? Entra en Archivos del grupo y léelo. ¿Te has parado a pensar qué buscas cuando coges la cámara? En EntreCámaras, te ayudamos con un tema semanal a que, antes de coger la cámara, pienses qué es lo que quieres. Imagina tu foto y búscala. De esa forma, seguro que la encuentras y además podrás ver tus fotos publicadas en la revista. Para este número, se han seleccionado las siguientes fotos, entre las más votadas. Óscar Primo. Tema: Blanco y negro Nikon D3100, 24 mm, ISO 100, f/11, 15 seg. “El Templo de Debod, para mí, es un lugar especial de bonitos recuerdos y quise representar el lugar de forma especial. Entendí que la foto pedía simetría, por la situación del entorno y la forma del monumento. El mayor reto para conseguirlo era poder obtener un reflejo en el agua lo más nítido posible. Realicé unas 90 tomas hasta conseguir lo que tenía en mente desde el principio. Utilicé tabla hiperfocal y la medición es puntual a la zona iluminada del monumento. Recorté la foto en la parte izquierda de los árboles, por carecer de interés. La elección de blanco y negro fue a posteriori”.

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Enlace Facebook Ges Rules. Tema: Retrato Canon 60D, 35 mm, ISO 400, f/5.6, 1/90 “En realidad, esta foto creo que no la habría hecho nunca si no fuera por Álvaro Sanz. Cada cierto tiempo, crea un evento muy bonito que se llama “Despierta”. Propone un día y una hora, y todos aquellos que quieran participar fotografían el amanecer. Ese día, me animé a participar. Me levanté a las 6:30 y estaba nublado. David Sagasta, fotógrafo y amigo, me había enseñado a hacer este tipo de fotografía, a través del cristal. Él es quien aparece en la imagen. Abrí las ventanas para intentar sacar algo interesante, pero no me gustaba lo que veía fuera, no transmitía nada. Y de pronto vi cómo se reflejaba el amanecer en su sueño. Ahí ya había una historia”.

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Enlace Facebook David Sagasta Mora. Tema: Luces urbanas. Nikon D90, 50mm, ISO 3200, 1.8, F/ 2, 1/60 seg, “La foto fue tomada una noche, en un parque cercano a Cuatro Caminos, mientras paseaba con mi amiga Esther (Ges Rules), y habían plantadas hierbas aromáticas por toda la zona del parque. Esther y yo hicimos un alto junto a un arbusto de lavanda y ella, instintivamente, comenzó a acariciar los brotes. Entonces, me fijé en que era una imagen bonita, que además estaba iluminada por una farola muy cercana a nosotros y que también a lo lejos, tras la mano de Esther, se veían parpadear luces de automóviles y de algún edificio cercano... y al enfocar, en primer plano la mano y la lavanda, las luces de fondo crearon un Bokeh muy bonito y de variado color”.

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Crítica fotográfica. Autor: María Eugenia Espino. Tema: Blanco y negro Nikon D7000, 8 mm, ISO 200, f/22, 6 seg. Cámara sobre trípode, revelada en LT y tratada en blanco y negro con PS y Silver efex pro. 2013.

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ENFOCAR O RESALTAR DETALLES POR FILTRO PASO ALTO Paso Alto es un filtro de detención de bordes de una imagen, como cualquier enfoque. Lo que hacemos es aplicar contraste, ¿qué puede pasar? Que la foto nos revela colores que estaban escondidos, pero que, al aplicarse contraste, se pueden saturar contaminando el color. Para solucionar esto, hay que desaturar la capa en la que hemos aplicado el filtro y así eliminamos ese color parásito. La ventaja de este filtro es que obtenemos mucho control sobre el resultado, pero hay que tener mucho cuidado con los halos. Para evitarlos, se suele usar un radio entre 1 y 3, pero hay que ir probando. El enfoque debe ser el último paso de la edición. Se hace después de haber combinado todas las capas con Cmd+Alt+May+E. En esta foto, le voy a aplicar el filtro Paso Alto solo al sombrero y al jersey, y le voy a poner un radio de 8 píxeles para que se vea bien la diferencia:

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Foto Nº1: Abrir imagen y duplicar la capa fondo con Ctrl/ Cmd+J. También se puede duplicar dándole clic al botón derecho del ratón sobre la capa fondo_duplicar capa.

Foto Nº2: Selecciono esta capa recién creada y cambio el modo de fusión de normal a superponer. Según el efecto que queremos conseguir, después de hacer el enfoque, podemos probar también con otros modos de fusión como luz suave o luz fuerte.

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Foto Nº3: En la capa nueva, voy a FiltroOtro-Paso Alto.

Foto Nº4: Solo hay un control disponible en el cuadro de diálogo. Aquí pongo el radio que crea mejor, en este caso de 8 píxeles. Todo dependerá del tamaño de la imagen con la que trabajemos. Según vayamos aumentando el valor, lo iremos apreciando en la imagen en modo previsualizar.

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Retoque fotográfico

Fotos Nº5 y 6: Si lo que queremos es dejar el efecto del enfoque solo sobre una zona en concreto, crearemos una máscara en la capa, para enseñar o esconder el efecto en la zona deseada. Para crear una máscara de capa directamente en negro, con la tecla pulsada “alt”, hacemos clic en “añadir máscara de capa”. Ahora solo tendremos que ir pintando sobre ella, con un color blanco en las zonas donde queremos descubrir el efecto. Recuerda que puedes trabajar con diferentes opacidades de pincel para enseñar el enfoque con diferentes potencias.

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Foto Nº7: Con el pincel a más baja opacidad, he pintado el jersey. Acoplo y guardo.

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CONTRASTES

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de Ana Molinos

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MOVIMIENTO de Lourdes Barreñada

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Inspiración

por Javier Sada

Modelo:Sara Pardo 126

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Modelo:Sara Pardo entrecámaras

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LOS NÚMEROS Y LAS SIGLAS DE LOS OBJETIVOS (II) Por Pascual Serra.

Al plantear este artículo, me he acordado mucho de la serie de éxito The Big Bang Theory y de su protagonista Sheldon Cooper. En algunos capítulos, Sheldon habla en el idioma klingon (lengua vernácula de la raza klingon en el universo de Star Trek). Pues bien, pretender traducir las siglas de los objetivos me ha parecido, en ocasiones, estar estudiando el idioma klingon.

nos ayudará a elegir un objetivo en función de nuestras necesidades.

Las siglas de los objetivos.

Canon EF (Electro Focus): La montura EF es la estándar en la familia de cámaras SLR y DSLR Canon EOS. Se trata de una montura de bayoneta en

Así pues, en esta continuación del artículo anterior, intentaremos explicar lo que significan las siglas de los distintos objetivos. Será casi una hazaña porque cada fabricante utiliza diferentes formas para describir las características de sus productos. Sería mucho más sencillo para el usuario final si las marcas se pusiesen de acuerdo y configurasen una tabla estandarizada de siglas. Es importante conocer el significado de estas siglas porque, cada vez más, los fabricantes perfeccionan su ingeniería óptica, dotando a las lentes actuales de una mayor sofisticación para ofrecer mayores prestaciones. Su conocimiento nos hará sabedores de sus características principales y 128

Imagen frontal de un objetivo Canon. entrecámaras

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la cual toda la comunicación entre cámara y objetivo se realiza a través de contactos electrónicos. El elemento clave de este objetivo es que el autofoco es manejado por un motor eléctrico incorporado en el objetivo. Son lentes que funcionan en cámaras con sensores Full Frame y APS-C. EF-S: Esta montura es una variación de la montura EF. La diferencia radica en que está creada únicamente para cámaras réflex digitales con sensores de formato APS-C. La letra “S” significa en inglés “short back focus” (enfoque corto trasero) y hace referencia al hecho de que, en estos objetivos, el lente posterior del objetivo está más próximo al sensor de la cámara que en una de 35 mm o Full Frame. Este hecho permite fabricar objetivos gran angulares más pequeños, más ligeros, con mayor apertura y más baratos. Es por ello que la mayoría de los objetivos Canon EF-S son objetivos angulares. Estos objetivos no pueden montarse en cámaras de sensor Full Frame. EF-M: Objetivos creados exclusivamente para su uso con cámaras EOS M. Una línea de cámaras sin espejo de objetivos intercambiables, con un sensor de mayor tamaño que las compactas avanzadas. Algunos modelos de esta línea de cámaras vienen equipados con un sensor de formato APS-C. IS (Image Stabilizer): Objetivos con estabilizador de imagen que reducen las vibraciones producidas por el pulso del fotógrafo al presionar el botón disparador. Es un mecanismo que detecta la fuerza y dirección de las vibraciones de la cámara, para así compensarlo desplazando algunos de sus elementos ópticos internos en dirección contraria, consiguiendo una imagen más nítida. L (Luxury): Objetivos de gama alta por estar construidos con materiales y procedimientos que garantizan una óptima calidad física, resistencia y rendimiento óptico. Son objetivos robustos, lo que implica un mayor peso y un relevante sellado que proporciona una mayor resistencia al polvo y la lluvia. Los distinguirás entrecámaras

enseguida por su alto precio y por el aro rojo que incorporan alrededor de la parte delantera del objetivo. USM (UltraSonic Motor): Sistema de enfoque muy rápido y silencioso basado en ultrasonidos. DO (Diffractive Optical): Objetivos que tienen elementos ópticos difractivos junto con una lente convexa reflectiva para compensar las aberraciones cromáticas. Los objetivos DO son significativamente más cortos y ligeros que cualquier otro objetivo de su misma focal. UD (Ultra Low dispersion): Objetivos que emplean elementos ópticos de baja dispersión para mitigar las aberraciones cromáticas que se suelen dar, fundamentalmente, en los teleobjetivos. IF (Internal Focus): Estos objetivos enfocan mediante el movimiento interno de las lentes con lo que las dimensiones del objetivo no se alteran. Se busca con ello una mayor estabilidad en el enfoque debido a la reducción del peso del grupo de lentes. MP-E (Macro Photo Extreme): Objetivo de calidad muy alta, de alta definición y unfoque muy fino, de uso exclusivo para macrofotografía. TS-E (Tilt and Shift): Esta familia de objetivos descentrables hace referencia a dos tipos de movimientos que puede hacer el objetivo. Tilt indica la rotación del plano de la lente en relación con el plano de la imagen y shift se refiere a la inclinación y el movimiento de la lente paralelo al plano de imagen, para evitar la convergencia de líneas paralelas como sucede, por ejemplo, en los edificios altos. RF (Rear Focus): Objetivos equipados con un sistema que mueve el grupo de lentes de la parte posterior del objetivo de forma silenciosa, buscando un mayor rendimiento óptico.

Nikon AF (AutoFocus): Esta fue la primera generación de objetivos con autofoco de Nikon. A través de un engranaje mecánico entre la cámara y el objetivo, se enfoca la imagen. Todas las cámaras SLR con autofoco de Nikon son compatibles con los objetivos AF de Nikon que cuenten con una CPU (unidad central de procesamiento). Aunque si dispones de cámara digital de nivel intermedio, como las D40 o D60, y montas un objetivo de este tipo, tendrás que enfocar de forma manual. AF-D (AutoFocus with Distance data): Nikon lanzó los objetivos de la serie AF-D en 1996. Aunque estos objetivos tienen un aspecto parecido al de los objetivos AF, contienen un microchip de codificación que transmite la información de distancia de enfoque al cuerpo de la cámara. Esta información se utiliza para mejorar la precisión de los sistemas de medición del flash y de la exposición de las cámaras. AF-I (AutoFocus Internal): La diferencia que hay entre estos objetivos y los anteriores es que cuentan con un motor de enfoque incorporado en el objetivo, en lugar de utilizar el motor de enfoque automático incorporado en el cuerpo de la cámara. Este sistema permite realizar un enfoque más rápido. AF-S (AutoFocus with Silent wave motor): Es una evolución del AF-I y realiza un enfoque automático prácticamente mudo. AF-G (AutoFocus Gelded): Gelded significa castrado y hace referencia a que este tipo de objetivos carecen de anillo de diafragmas, por lo que un objetivo de esta línea no funcionará en una réflex antigua, pues no habrá forma de ajustar la abertura. DX: Estas siglas hacen referencia a los objetivos cuyo tamaño del sensor es15,8 x 23,6 mm. Son objetivos diseñados para emplearse en cámaras de formato APS-C y aunque sí podrán utilizarse en cámaras Full Frame, el 129

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Imagen donde se puede apreciar varias de las siglas que Nikon utiliza.

Frame, el resultado será una imagen viñeteada. FX: Son objetivos exclusivos para cámaras con sensores Full Frame, cuyas medidas son 24 x 36 mm. Si utilizamos un objetivo FX en una cámara de sensor DX, el círculo de imagen que produce el objetivo es mayor que el área del sensor, por lo tanto, el campo de visión se corta y la imagen aparece ampliada. Esto significa que el objetivo tiene una ampliación aparente de la distancia focal de 1,5 veces la cifra mencionada. ED (Extra-Low Dsipersion), LD (Low Dispersion), UD (Ultra-Low Dispersion): Estas lentes son fácilmente identificables por su banda dorada alrededor del objetivo. Los objetivos que llevan impresas estas siglas consiguen reducir las aberraciones cromáticas que se dan especialmente en los teleobjetivos por encima de los 300mm. IF (Internal Focus): Sistema por el cual se enfoca mediante el movimiento interno de las lentes, 130

manteniendo las dimensiones del objetivo. RF (Rear Focus): Sistema idéntico al anterior, solo que en este caso es el elemento trasero o de grupo el que se desplaza para conseguir el enfoque. DC (Defocus Control): Son objetivos optimizados para un enfoque mucho más fino y selectivo. Lo utilizan usuarios más avanzados que buscan variaciones muy sutiles en las áreas fuera de foco. Son objetivos excelentes para la fotografía de retrato. VR (Vibration Reduction): Estabiliza la lente y la vibración motivada por el pulso del fotógrafo. Característica muy útil para disparar a pulso con poca luz, además de ahorrarte el trípode en algunas situaciones. SWM (Silent Wave Motor): Sistema de enfoque muy rápido y silencioso basado en ultrasonidos N (Nano): Estos objetivos incorporan un revestimiento antirreflectante con lo que elimina posibles flares y efectos ghost,

además de dar más contraste y saturación a las imágenes capturadas. PC (Perspective Control): Objetivos como los TS de Canon, capaces de cambiar el ángulo de incidencia de la imagen mediante la rotación de la lente. Idóneos para exagerar la perspectiva o mantener líneas paralelas en edificios. MICRO: Lo que el todo el mundo llama macrofotografía, Nikon lo denomina Micro. UW (Under Water): Objetivos diseñados para ser utilizados bajo el agua.

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Sigma DC (Digital Compact): La serie DC está diseñada por Sigma específicamente para los sensores de imagen de tamaño APS-C. Su uso en cámaras Full Frame provocará el viñeteado. DG (Digital Grade): Serie diseñada para ofrecer el máximo rendimiento en las SLR digitales Full Frame. DN (Digital Neo): Objetivos de alto rendimiento, diseñados exclusivamente para cámaras de lentes intercambiables sin espejo. APO (Apochromatic): En busca de una óptima calidad, estos objetivos se construyen utilizando cristales de baja dispersión, con el objetivo de minimizar las aberraciones cromáticas. ASP (Aspherical): Las lentes asféricas ofrecen una mayor libertad de diseño, aumentan el

rendimiento, permiten el uso de un menor número de elementos de lentes y permiten un tamaño más compacto. OS (Optical Stabilization): Un mecanismo estabilizador óptico ayuda a asegurar una imagen nítida, mientras que ofrece libertad de movimiento y más flexibilidad en la configuración de la cámara. HSM (Hiper-Sonic Motor): Hace uso de un motor impulsado por ondas ultrasónicas. Estas lentes ofrecen un rápido enfoque automático y un funcionamiento silencioso. RF (Rear Focus): Los elementos de enfoque están localizados en la parte trasera de la lente, lo que contribuye a un enfoque más rápido y a una reducción de ruido sustancial. IF (Inner Focus): Para aumentar la estabilidad de la lente, estos objetivos utilizan elementos

móviles internos que ajustan el enfoque sin cambiar la longitud del tubo del objetivo. EX (Excellence): Objetivos de gama alta que mantienen su máxima apertura de diafragma, independientemente de la posición del zoom. HF (Helical Focus): Objetivos en los cuales el elemento frontal no rota. Especialmente útiles cuando se usan filtros ópticos frontales, como el polarizador. ELD (Extraordinary Low Dispersion): Estos objetivos poseen las características necesarias para reducir las aberraciones cromáticas.

Tamron Di (Digitaly Integrated): Los objetivos DI proporcionan un rendimiento excepcional en las cámaras Full Frame y la de sensores de formato APS-C, así como en la película de 35mm. Di II: Diseñadas expresamente para cámaras SLR digitales con sensores APS-C, por lo que no podrán utilizarse en cámaras Full Frame. Di III: Objetivos diseñados para las cámaras de lentes intercambiables sin espejo. If (Internal Focus): Foco interno que proporciona numerosos beneficios prácticos, incluyendo un anillo no giratorio frontal que facilita la colocación de filtros de polarización y su manipulación al mantener la longitud del objetivo, pues esta no varía durante el enfoque. AD (Anomalous Dispersion): En estos objetivos, una de sus lentes es un vidrio óptico especial que logra un control más preciso de las aberraciones ópticas, mejorando así el rendimiento global de formación de imágenes. LD (Low Dispersion): Se compone

Imagen de un objetivo Sigma.

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de elementos de vidrio de baja dispersión en las lentes, que le ayudan a reducir la aberración cromática. ASL (Aspherical Lens): Tamron utiliza diversos elementos asféricos híbridos en muchos de sus objetivos. Estas ópticas innovadoras permiten alcanzar la máxima calidad de imagen, y al mismo tiempo, producir lentes que ofrecen rangos de zoom notables en paquetes extraordinariamente compactos. SP (Super Performance): Esta es una línea de lentes de ultra-alto rendimiento, diseñados y fabricados con las especificaciones exactas exigidas por los profesionales y otros que requieren la más alta calidad de imagen posible. VC (Vibration Compensation): Mecanismo que detecta la amplitud y dirección de la vibración y lo compensa moviendo grupos ópticos dentro del objetivo, consiguiendo así una imagen más nítida. FEC (Filter Effect Control): Anillo diseñado para girar el filtro frontal a la posición deseada, mientras el parasol está anclado. Esto se consigue girando el FEC, que a su vez gira la parte del filtro que está montado en el objetivo. USD (Ultrasonic Silent Drive): Sistema de enfoque de alta velocidad. XR (Extra Refractive): El cristal XR mejora el rendimiento fotográfico, minimizando las aberraciones ópticas. Con este sistema, Tamron ha sido capaz de acortar la longitud de todo el sistema óptico y producir objetivos más ligeros.

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Cómo habréis comprobado, en la mayoría de los casos, los fabricantes se empeñan en personalizar las siglas sin llegar siquiera a parecerse a sus competidores; pero, al final, el concepto sigue siendo el mismo en casi todos. Por último, deciros que, después de leer este artículo, os será mucho más fácil estudiar el idioma klingon; aunque no os lo recomiendo porque, si ya de por sí los fotógrafos somos algo “raritos”, imaginaos que os convertís en una especie de Sheldon Cooper fotógrafo.

Imagen de una lente Tamron.

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Preguntas del lector

No sé que hago mal en mis fotos de retrato que todas las caras salen extrañas, antinaturales. Me refiero al color, todas tiran a rojizos o amarillos muy poco estéticos. Trabajo con Nikon. He leído por ahí algo sobre nikon y los rojos pero no sé cómo solucionarlo :( Gracias La verdad es que el color en digital es algo que no es muy complicado de manejar pero si hay que tener un poco de conocimiento del tema. Nuestros dispositivos de entrada (cámaras de fotos) interpretan los colores de manera individual y cada uno de manera diferente. Con el fin de estandarizar esa interpretación se crearon los perfiles ICC que nosotros podemos seleccionar desde la cámara desde un menú que dice algo como “profundidad de color”. Nos encontramos con el “adobe RGB 1998” y con el sRGB donde el primero es un poco mas amplio. Si disparamos en RAW ese problema no lo tenemos porque el sensor captará la máxima profundidad de color que pueda. Aun así, la mayoría de las cámaras dejan unos colores poco naturales y necesitamos de un programa de edición para poder dejar más neutra la entrecámaras

fotografía. También si estamos tirando en jpeg podemos entrar en los menús de cámara y cambiar opciones de interpretación a una más “vívida”, “paisaje”, “retrato”... donde los ajustes de tono, saturación, nitidez y contraste se pueden variar y ajustarlos a nuestro gusto. Estoy pasando, como muchos, por “una baja fotográfica”, que consejo nos tienes y que puedes decir al respecto. Los bajones fotográficos son ley de vida en cualquier persona que haga fotografías. Son esos días donde te planteas si realmente lo que haces es bueno, si realmente te llena la fotografía, etc... Por experiencia creo que es una buena oportunidad para cambiar de forma de hacer las cosas. Si por ejemplo hago paisajes y llega un momento en el que estoy estancado y de bajón, rompo con todo y me pongo a hacer retratos o fotografía artística. Deja la cámara una semana en casa y cámbiala por papel y boli. Apunta inquietudes y escribe historias. Historias donde dejes parte de tus vivencias y una vez que tengas eso, intenta recrearlas en fotografías. Pásate al lado de la

fotografía artística, experimenta, no te quedes con un simple paisaje. Pon de tu parte y rompe las reglas. Y sobretodo...relativizar esos bajones y relajarnos nos hará llevarlo mejor. Espero haberte ayudado, y sino, escríbeme y nos vamos de cañas. ;) Gracias x tu pregunta amigo! Que cámara me recomiendas para tomar fotos geniales? estoy comenzando en la fotografía y me gustan las reflex pero no tengo mucho dinero Jajajaja, me hace gracias eso que dices de “una cámara para tomar fotos geniales”. Todo va a depender del que maneje la cámara. Si que es cierto que la cámara ayuda mucho (para que engañarnos) pero lo que realmente hace las “fotos geniales” es el fotógrafo. Tenemos una gran ventaja en este sentido porque ahora por poco dinero podemos conseguir equipo realmente decente para empezar (incluyendo réflex)

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