The Sergey Kuroykhin modern art award by Natasha Ergens

а н и х ё ея Кур

г р е С я и м е и р т П с а а в л т б о сс у 2011 в енного иск м е р в о с n i h o y r u k y e g r e s rd e a w th a t r a n moder

О центре

Центр Современного Искусства им. Сергея Курёхина создан в Санкт-Петербурге осенью 2004 года. Центр носит имя выдающегося музыканта и композитора конца XX века Сергея Курёхина. Основная цель — объединить талантливых представителей современного искусства, выступающих вне рамок мэйнстрима поп-культуры и предоставить им возможности презентации совместного и индивидуального творчества. Так же Центр активно работает над популяризацией современного искусства в России и за рубежом, охотно поддерживает инновационные программы и проекты в области современного искусства, расширяет Международные связи и сотрудничество, участвуя в различных крупных программах и проектах. Для достижения этих целей в 2010 году и была учреждена Премия Сергея Курёхина в области современного искусства. В состав жюри и попечительского совета Премии вошли виднейшие эксперты в области искусства. С первой же церемонии вручения Премия заслужила серьезную репутацию, как в российском, так и в мировом арт-сообществе, и получила множество положительных отзывов о репрезентативности номинантов, грамотной организации, и независимом выборе победителей. За прошедшие годы, лауреатами премии стали такие художники и творческие группы как мультимедийный проект «ДахаБраха», Петр Белый , Андрей Бартенев, Борис Райскин Специального приза «За заслуги в развитии современного искусства» был удостоен легендарный санкт-петербургский композитор Олег Каравайчук, творческое объединение Провмыза, куратор Gogol Fest Катя Бочавар, группа «Елочные игрушки». Начиная с 2008 года. проходит ежегодный фестиваль любительского кино «Мегаполис», пользующийся неизменным вниманием и любовью жителей и гостей Санкт-Петербурга. А в 2010 впервые состоялся Фестиваль видеоарта «Видеоформа» с участием Ольги Шишко и Карины Караевой из Москвы, Глюкли и Цапли, группы Provmyza, директора голландского фестиваля Impakt Арьена Донневинда. Таким образом, Центр Сергея Курёхина, предоставляет зрителям самые широкие возможности узнать больше об одном из самых актуальных направлений современного искусства в мире. На сегодняшний день в Центре проводится три уникальных по составу участников и организации ежегодных международных музыкальных фестиваля:

Международный Фестиваль Сергея Курёхина SKIF Международные фестивали SKIF проводятся Благотворительным Фондом Сергея Курёхина с 1997 года.

Первые два прошли в 1997 и 1998 годах в Нью-Йорке, с 1999-го фестиваль ежегодно проводится в СанктПетербурге. За время существования в SKIFе приняли участие как мировые звёзды авангардной музыки Terry Riley, Peter Broetzman, Keshavan Maslak, Frank London и многие другие, так и огромное количество молодых музыкантов из России и других стран, исполняющих необычную, экспериментальную музыку. Юбилейный пятнадцатый SKIF прошел 13-14 марта 2011 года. Серьезной удачей Фестиваля стало участие знаменитых рок-экспериментаторов из Нью-Йорка (США) SWANS, воссоединившихся только в 2010 году после четырнадцатилетнего перерыва с новым альбом “My Father Will Guide Me UP a Rope to the SKY”. Высокую хэдлайнерскую планку задали так же группа The EX (Нидерланды), за свою профессиональную карьеру удивившая зрителей более чем двадцатью уникальными альбомами. Свежую эмоциональную струю внесли представители нового американского андеграундного хип-хопа Gonjasufi.

Фестиваль электронного искусства «Электро-Механика» Международный мультимедийный фестиваль, представляющий различные грани электронного аудиовизуального искусства: экспериментальную и танцевальную музыку, видеоарт, инсталляции и перформансы. За шесть лет на фестивале выступили Amon Tobin, Mouse on Mars, Ryoji Ikeda, Gudrun Gut, Ben Frost и многие другие. В 2011 хедлайнерами Фестиваля стали Mulatu Astatke (Эфиопия), стоявшие у самых основ world-music, и прославившиеся тем, что одиними из первых начали процесс интеграции национальной музыки и мировых трендов.

World music фестиваль «ЭтноМеханика» Продолжая традиции SKIF, «ЭтноМеханика» приветствует в этнической музыке эксперимент и оригинальность: здесь отлично сочетаются алтайское горловое пение кай и саамский йойк, сибирский рок и французский хип-хоп, йоухикко и балканский бит, байлефанк, кумбия и узбекский поп. Участники фестиваля это и Orange Blossom, и Mari Boine, Alexander Balanescu в дуэте с Эвелиной Петровой, Alamaailman Vasarat и Socalled, Инна Желанная, Буготак, Чейнеш и др. В 2011 зрителей фестиваля порадовали своими выступлениями такие группы как Oval (Thrill Jockey/ Германия), Emika ( Ninja Tune/ Великобритания), Shigeto ( Ghostly International/США), Oneohtrix Point Never

(Software/США), Dieter Moebius (Klangbad/Германия), Maga Bo (Soot Records/Бразилия), Mimetic & Younnat (Швейцария, Украина), Raoul Sinier ( Ad Noiseam/Франция), DZA (Black Acre, Project:Mooncircle, Error Broadcast/ Москва). Все годы, на каждом из фестивалей особое внимание уделяется поддержке молодых талантливых музыкантов и групп. 2011 года зажег такие яркие молодые имена как санкт-петербургские группы «Есть Есть Есть» и IFWE, новосибирских The Taiga, новгородская группа Шира Лао. Начиная с 2008 года ежегодно проходит фестиваль любительского кино «Мегаполис». В 2010 впервые со-

стоялся Фестиваль видеоарта «Видеоформа» с участием Ольги Шишко и Карины Караевой из Москвы, Глюкли и Цапли, группы Provmyza, директора голландского фестиваля Impakt Арьена Донневинда. Также в 2010 году состоялась первая церемония вручения Премии Сергея Курёхина в области современного искусства за 2009 год. Помимо фестивалей, в Центре проводятся концерты, выставки, мастер-классы, кинопоказы. Особое внимание уделяется медиа-искусству. Центр Современного Искусства поддерживается Комитетом по культуре Санкт-Петербурга. Сайт: www.kuryokhin.net

About The Center

The Sergey Kuryokhin Modern Art Center was founded in St. Petersburg in fall 2004. The center is named after an outstanding musician and composer of the late 20th century — Sergey Kuryokhin. The main purpose is to unite talented representatives of the contemporary art performing beyond the pop culture, and to provide an opportunity for presentation of their collective and individual works. The center is deeply involved in promotion of the contemporary art in Russia and abroad, readily supports innovative programs and projects in the contemporary art area, broadens International contacts and cooperation through participation in various large programs and projects. With this aim in mind, the Sergey Kuryokhin Contemporary Art Award was established in 2010. The Award Judges and Board of Trustees include most prominent art experts. From the very first ceremony the Award earned a strong reputation in the Russian and international art community, and received a lot of favorable reviews on nominees’ representationism, good organization, and independent winner selection. Over the last years, artists and art groups such as the DakhaBrakha multimedia project, Petr Beliy, Andrey Bartenev, and Boris Rayskiy have become awardees. The legendary St. Petersburg composer Oleg Karavaychuk, PROVMYZA art group, GOGOL FEST supervisor Katya Bochavar, ELOCHNYE IGRUSHKI band have been awarded a special prize “For Merits in Development of the Contemporary Art”. The MEGAPOLIS Annual Amateur Film Festival was first held in 2008. The festival is truly popular with St. Petersburg city folk and visitors. The first VIDEOFORM Video Art Festival took place in 2010, with the participation of Olga Shishko and Karina Karavaeva from Moscow, Gluklya and Zaplya, PROVMYZA group, and the director of the IMPAKT Festival in the Netherlands Arjon Dunnewind. Thus, the Sergey Kuryokhin Center affords the audience ample opportunities to learn more about one of the most popular movements of the contemporary art in the world. To date, three annual international music festivals are held by the Center that are unique in their entry lists and organization, namely:

The Sergey Kuryokhin International Festival (SKIF) The SKIF International Festival has been held by the Sergey Kuryokhin Charity Fund since 1997. The first two took place in NYC. Since 1999, the festival has been held in St. Petersburg annually, during which time global stars of avant-garde music such as Terry Riley, Peter Broetzman, Keshavan Maslak, Frank London and many others, as well as a myriad of young musicians from Russia and other countries playing experimental music have taken part in SKIF. The fifteenth anniversary SKIF took place on March 1314, 2011. A performance by the renowned rock experimenters from NYC, USA — the SWANS who reunited after a fourteen-

year break to record their new album “My Father Will Guide Me UP a Rope to the SKY” only in 2010 was true luck. Also, the EX band (Netherlands) to have blown the audience away with more than twenty unique albums over years of work set a high headliner bar. The new American underground hip hop artists Gonjasufi added new zest.

The ELECTRO-MECHANICA Electronic Arts Festival An international multimedia festival presenting multi-faceted electronic audiovisual arts: experimental and dance music, video art, installations and performances. In six years, Amon Tobin, Mouse on Mars, Ryoji Ikeda, Gudrun Gut, Ben Frost and many others performed at the festival. In 2011, Mulatu Astatke (Ethiopia) — one of the originators of the world music famous for pioneering of the process of integration of the national music and world trends was the Festival headliner.

The ETHNO-MECHANICA World Music Festival To carry on the SKIF traditions, the ETHNO-MECHANICA welcomes experiment and unorthodoxy in ethnic music: it perfectly combines the Altay guttaral singing — Kay and the Lapp joik, Siberian rock and French hip hop, jouhikko and the Balkan beat, Baile funk, cumbia and Uzbek pop. The participants of the festival include Orange Blossom, Mari Boine, a duo of Alexander Balanescu and Evelina Petrova, Alamaailman Vasarat and Socalled, Inna Zhelannaya, Bugotak, Cheynesh and others. In 2011, the audience had a chance to enjoyed performances of bands like the Oval (Thrill Jockey/Germany), Emika (Ninja Tune/Great Britain), Shigeto (Ghostly International/ USA), Oneohtrix Point Never (Software/USA), Dieter Moebius (Klangbad/Germany), Maga Bo (Soot Records/Brazil), Mimetic & Younnat (Switzerland/Ukraine), Raoul Sinier (Ad Noiseam/France), DZA (Black Acre, Project:Mooncircle, Error Broadcast/Moscow). Annually, all the festivals place special emphasis on supporting young talented musicians and bands. Year 2011 proclaimed new names such as EST EST EST and IFWE — bands from St. Petersburg, The Taiga from Novosibirsk, and Shira Lao from Novgorod. In 2010, the first (2009) Sergey Kuryokhin Contemporary Art Awards ceremony took place. Apart from the festivals, the Center offers performances, exhibitions, workshops, and film shows. A special emphasis is placed on media arts. The Contemporary Art Center is supported by the St. Petersburg Committee on Culture. Website: www.kuryokhin.net

ABOUT THE CENTER

Реконструкция Центра современного искусства Сергея Курёхина

РЕКОНСТРУКЦИЯ Центра современного искусства Сергея Курёхина

Со дня своего основания в 2004 году Центр Сергея Курёхина располагается в бывшем кинотеатре «Прибой», типовом кинотеатре, построенном в 1966 году. Сегодня территория Центра включает: зрительный зал на 1500 человек с огромным экраном, оставшимся со времен кинотеатра, и клубную сцену (300 м2) с пятью экранами, которые также используются для видеоартвыставок, репетиционные помещения для музыкантов в цокольном этаже. В 2012 году планируется грандиозная реконструкция ЦСИ им. Курёхина. Площадь Центра будет увеличена практически в два раза, но, самое главное, что уникальная аккустика зала, оставшаяся нам в наследие от советских архитекторов и инженеров, останется прежней. В обновленном здании будут располагаться: • Большой концертный зал на 1000 мест, позволяющий проводить кинопоказы и работать с музы-

•

• • • • • • • • • •

кальными коллективами, большими театральными формами, современным балетом. Малый зал-трансформер, предназначенный для организаций концертов, спектаклей малой театральной формы, лекций и семинаров. Клубная сцена, оборудованная всем необходимым светом и звуком. Музей Медиа-механики. Музей ленинградской рок-культуры. Дополнительное пространство для выставок и экспозиций. Музейное фондохранилище. Кафе и буфет. Медиатека и фонды хранения звукозаписей. 6—8 репетиционных точек для музыкантов. Студия звукозаписи. Телевизионная студия.

• A small transformable hall for performances, small theatrical forms, lectures, and seminars. • A club stage with all necessary lighting and sound equipment. • A Media-Mechanics Museum. • A Leningrad Rock Culture Museum. • Additional spaces for expos. • A museum depository. • A cafe and canteen. • A mediatheque and audio recording depository. • 6—8 rehearsal rooms for musicians. • A recording studio. • A television studio.

RENOVATION of the Sergey Kuruokhin Contemporary Art Center

7 Renovation of the Sergey Kuruokhin Contemporary Art Center

The Sergey Kuryokhin Center has occupied the building of the former PRIBOY movie theater (a standard movie theater built in 1966) since its establishment in 2004. Currently, the Center comprises a 1500-seat audience hall with a huge remaining movie-theater screen, club stage (300m2) with five screens used for video art shows, and rehearsal rooms for musicians in the basement. The Kuryokhin CAC is planned to undergo a large renovation in 2012. The area of the Center will double, but the unique acoustics — a legacy of Soviet architects and engineers will remain. The renovated building will house: • A large 1000-seat concert hall admitting film shows, music bands, large theatrical forms, and modern ballet.

О премии

О ПРЕМИИ

Центр Современного Искусства им. Сергея Курёхина совместно с Благотворительным Фондом Сергея Курёхина представляет ежегодную Премию в области современного искусства. Премия вручается художникам, кураторам, музыкантам, которые в своем творчестве развивают революционные идеи, сформулированные еще в 1990-е годы Сергеем Курёхиным. Поиск новых форм взаимодействия искусств, провокационность, ориентация на перформанс, импровизацию и непредсказуемость творческого результата — на принципах «Поп-механики» и основана Премия Сергея Курёхина. Уникальность Премии заключается в развитии синтеза искусств, воплощенного в творчестве Сергея Курёхина, и в появлении таких номинаций, как «Гран-при «ПопМеханика», «Поэтический перформанс», «Искусство в общественном пространстве». Наряду с поддержкой музыкантов, художников и кураторов, Премия Сергея Курёхина реализует просветительскую миссию — это знакомство публики с наиболее яркими и художественными проектами, которые зачастую выпадают из поля зрения традиционных культурных институтов. Впервые Премия была вручена в 2010 году за проекты 2009 года и сразу же стала ярким событием в области современного искусства. Мультимедийные перфомансы и инсталляции номинантов превратили первую церемонию вручения Премии в фестиваль, который, наравне с прессконференцией с участием членов Попечительского совета и жюри Премии, привлекли к себе большое внимание общественности и СМИ.

Лауреатами Премии Сергея Курёхина за 2009 год стали: Мультимедийный проект «ДахаБраха», кураторы Агата Иордан и Елена Олейникова (проект «Б.У. Кашкин fest») , Петр Белый (инсталляция «Тишина»), Андрей Бартенев с перформансом по мотивам стихотворения К.Чуковского «Мойдодыр», музыкальный проект «Uniquetunes», певица Саинхо Намчылак, Борис Райскин. Специального приза «За заслуги в развитии современного искусства» был удостоен легендарный санкт-петербургский композитор Олег Каравайчук.

Лауреатами 2010 года стали: Гран-при «Поп-Механика» • Провмыза. Три струнных квартета для одного видео. Нижний Новгород, 2009—2010 гг. • Театро Ди Капуа. Медея. Эпизоды. Санкт-Петербург, 2010 г.

Лучший кураторский проект

• Бочавар Катя. Gogol Fest. VAP (Визуальная арт-программа). Москва, 2010 г.

Лучшее произведение визуального искусства • Свищев Максим. Зал Ожидания. Санкт-Петербург, 2010 г.

Искусство в общественном пространстве • Алексеева Марина, Казаков Борис. Маршрутка. Санкт-Петербург, 2010 г.

Специальный приз Жюри • Чиркин Игорь, Подкидышев Алексей. Жизнь насекомых. Москва, 2009 г.

Лучший поэтический перформанс • Першина-Якиманская Наталья (Глюкля). Последний рубеж. Санкт-Петербург, 2010 г.

Этно-Механика • Гурзуф

Электро-Механика • Ёлочные Игрушки

Премия за 2011 год вручается в следующих номинациях: • Гран-при «Поп-Механика» (синтетический проект, возможно с участием живой музыкальной составляющей, радикальный fashion performance, поэтический перформанс) • Лучший кураторский проект • Лучшее произведение визуального искусства (инсталляция, объект, живопись, скульптура) • Лучший медиа-объект (видеоарт, кино, анимация) • Искусство в общественном пространстве (проекты public art, land art, граффити) • Лучший текст о современной культуре (премия для журналистов, критиков и искусствоведов)

Наряду с номинациями будут присуждены следующие почетные премии: • Этно-Механика (лучший world music проект) • Электро-Механика (лучший проект в сфере электронной музыки) Проект поддерживает Комитет по культуре СанктПетербурга. Призы Премии Сергея Курёхина — авторские. В 2009 году их сделал Сергей Африка-Бугаев, потом возникла традиция: приз Премии делает лауреат предыдущего года. В 2010 году приз создал победитель в номинации «Лучший визуальный объект» Пётр Белый. В этом году приз готовят художники Марина Алексеева и Борис Казаков.

The Sergey Kuryokhin Contemporary Art Center presents the Annual Contemporary Art Awards in association with the Sergey Kuryokhin Charity Fund. Through their work awardees include painters, supervisors, and musicians developing revolutionary ideas stated by Sergey Kuryokhin in as early as 1990s. These are such POP-MECHANICA principles as a search for new forms of interplay of arts, provocation, and commitment to performance, improvisation and unpredictable results of artistic work that the Sergey Kuryokhin Award is based on. The unique nature of the Award lies in development of the synthesis of arts materialized in works of Sergey Kuryokhin, which consists in introduction of nominations such as POP-MECHANICA GRAND-PRIX, POETIC PERFORMANCE, and PUBLIC ART. While supporting musicians, artists, ands supervisors, the Sergey Kuryokhin Award is also dedicated to its educational mission — introduction of the best art projects that are often overlooked by traditional cultural establishments. The first 2009 project awards ceremony was held in 2010, which became a dramatic event in the world of contemporary art at once. Nominees’ multimedia performances and installations turned the awards ceremony into a festival that was much noticed by the public and mass media.

The 2009 Sergey Kuryokhin Award winners were:

The 2010 winners were: Pop-Mechanica Grand-Prix • Provmyza. Three String Quartets For One Video. Nizhniy Novgorod, 2009-2010 • Teatro di Capua. Medea. Pieces. St. Petersburg, 2010

Best Curator Project • Katya Bochavar. Gogol Fest. VAP (visual art program). Moscow, 2010

• Maskim Svishchev. The Waiting Room. St. Petersburg, 2010

Public Art • Marina Alekseeva, Boris Kazakov. The Minibus. St. Petersburg, 2010

Judges’ Special Award • Igor Chirkin, Aleksey Podkidyshev. The Life of Insects. Moscow, 2009

Best Poetic Performance • Natalya Pershina-Yakimanskaya (Gluklya). The Last Stand. St. Petersburg, 2010

Ethno-Mechanica • Gurzuf

Electro-Mechanica • Elochnye Igrushki

The 2011 awards ceremony nominations will include: • The Pop-Mechanica Grand-Prix (synthetic project, potentially with a live music component, radical fashion performance, and poetic performance) • Best Curator Project • Best visual art project (installation, object, painting, sculpture) • Best Media Project (video art, film, animation) • Public Art (public art, land art, graffiti projects) • Best Contemporary Art Text (journalist/critic/art expert awards)

Apart from these nominations, the following awards of honor will be presented: • Ethno-Mechanica (best world music project) • Electro-Mechanica (best electronic music project) The project is supported by the St. Petersburg Committee on Culture. Sergey Kuryokhin Award prizes are designed by wellknown Russian artists. In 2009 it was created by Sergey Africa-Bugaev, then such tradition appeared that prizes are made by the winners of the previous years. In 2010 the authorship belonged to the “The best visual object “ nomination winner Petr Beliy. This year the prize will be made by artists Marina Alexeeva and Boris Kazakov.

ABOUT THE AWARD

9 About the Award

the DakhaBrakha multimedia project, supervisors Agatha Jordan and Elena Oleynikova (B.U. Kashkin Fest project), Petr Beliy (the SILENCE installation), Andrey Bartenev with his performance based on the poem MOYDODYR by K. Chukovskiy, UNIQUETUNES music project, singer Sainkho Namchylak, and Boris Rayskiy. The legendary composer from St. Petersburg — Oleg Karavaychuk received a special award “For Merits in Development of the Contemporary Art”.

Best Visual Art Project

Попечительский совет, жюри, оргкомитет Попечительский совет, жюри, оргкомитет

Попечительский совет:

• Михаил Пиотровский, директор Государственного Эрмитажа • Владимир Гусев, директор Государственного Русского Музея • Альберто Сандретти, коллекционер русского искусства XX века • Николас Ильин, вице-президент по международному развитию GCAM GROUP • Михаил Царёв, президент клуба коллекционеров современного искусства, генеральный продюсер Фестиваля Актуальной Анимации и Медиа-искусства Linoleum, учредитель «Michael Tsarev Art Projects» • Леонид Бажанов, художественный руководитель ГЦСИ • Сергей Соловьев, режиссер • Елена Коловская, директор фонда культуры и искусства «ПРО АРТЕ» • Александр Полесицкий, генеральный директор «Европейской Медиа Группы»

ЖЮРИ: • Александр Боровский, заведующий отделом новейших течений Русского музея • Иосиф Бакштейн, комиссар Московской биеннале современного искусства • Василий Церетели, исполнительный директор

Московского музея современного искусства • Марат Гельман, член Общественной Палаты, директор музея современного искусства PERMM • Ольга Шишко, директор МедиаАртЛаб • Олеся Туркина, ведущий сотрудник Государственного Русского музея • Аслан Чехоев, учредитель проекта «Новый музей» • Андрей Тропилло, продюсер • Александр Кан, музыкальный критик • Михаил Трофименков, кинокритик • Александр Чепарухин, продюсер • Артемий Троицкий, музыкальный критик

ОРГ. КОМИТЕТ: • Сергей Бугаев (Африка), художник • Олеся Туркина, ведущий сотрудник Русского музея • Анастасия Курехина, художественный руководитель центра современного искусства • Дмитрий Озерков, куратор проекта «Эрмитаж 20/21» • Ирена Куксенайте, художник, галерист • Наталья Подобед, музыкальный продюсер • Виктория Илюшкина, куратор • Елена Олейникова, куратор

Board of Trustees:

JUDGES: • Alexander Borovskiy, head of the Contemporary Movement Department of the Russian Museum • Joseph Backstein, commissioner of the Moscow Biennale of Contemporary Art • Vasiliy Tseretely, executive director of the Moscow Museum of Contemporary Art • Marat Gelman, member of the Public Chamber, director of the PERMM Museum of Contemporary Art

• Olga Shishko, director of the MediaArtLab • Olesya Turkina, lead specialist of the State Russian Museum • Aslan Chekhoev, founder of the New Museum project • Andrey Tropillo, producer • Alexander Kan, music critic • Mikhail Trofimenko, film critic • Alexander Cheparukhin, producer • Artemiy Troitskiy, music critic

CONVENERS: • Sergey Bugaev (Africa), painter • Olesya Turkina, lead specialist of the State Russian Museum • Anastasia Kuryokhina, artistic director of the Contemporary Art Center • Dmitriy Ozerkov, supervisor of the Hermitage 20/21 project • Irina Kuksenaite, painter, art dealer • Natalya Podobed, music producer • Viktoria Ilyushkina, supervisor • Elena Oleynikova, supervisor

Board of Trustees, Judges, Conveners

11 Board of Trustees, Judges, Conveners

• Mikhail Piotrovskiy, director of the State Hermitage • Vladimir Gusev, director of the State Russian Museum • Alberto Sandretti, 20 c. Russian art collector • Nicholas Ilyin, GCAM GROUP International Development vice president • Michael Tsarev, Modern Art Collectors Club chairman, LINOLEUM Contemporary Animation & Media Art Festival general producer, founder of the Michael Tsarev Art Projects • Leonid Bazhanov, artistic director of the State Center of Contemporary Art • Sergey Solovyev, filmmaker • Elena Kolovskaya, director of the PRO ARTE Foundation for Culture & Art • Alexander Polesitskiy, general director of the European Media Group

ПЕРВОЕ ИНТЕРВЬЮ

Глава из готовящейся к изданию книги Александра Кана о Сергее Курехине

Первое интервью

В ноябре 1982 года я взял у Курехина большое интервью для американского джазового журнала Cadence. Это первое его интервью в западной прессе, да, и, пожалуй, и вовсе первое опубликованное его интервью. Курехин еще не придумал свою блестящую технику «стебового» интервью, так что перед нами — довольно редкий образец проникновения в сознание тогда еще вполне молодого музыканта.

АК: Как ты пришел к джазу? СК: Я начал играть в четыре года, дома. Потом я учился фортепиано в музыкальной школе, изучал хоровое дирижирование в музыкальном училище, а потом поступил в Институт культуры. Учебу я не закончил. У меня просто не хватило терпения учить то, что мне неинтересно. АК: Когда же ты начал играть, и что это была за музыка? СК: Все мы любили рок. Поначалу джаз мне не очень нравился, и я слушал просто из любопытства. Расписание программ «Голоса Америки» было составлено так, что джазовая программа шла непосредственно перед программой рокмузыки. Единственное, что привлекло тогда мое внимание — Джон Колтрейн и его квартет. Точнее даже не столько сам Колтрейн, сколько его пианист Маккой Тайнер. Я и не подозревал, что на фортепиано можно так играть. АК: Джазовые пуристы считают что для того, чтобы играть джазовый авангард — высшую математику джаза — необходимо пройти арифметику джаза традиционного. СК: Я не считаю авангард «высшей математикой», а более ранние стили джаза — арифметикой. Музыка любого вида принимает самые разные формы. Когда они достигают уровня гениальности, то эти формы сливаются. В каждой музыке есть свои пики и вершины, и я не понимаю, как можно играть только рок, авангард или еще что-нибудь. АК: Твоей школой был не столько джаз, сколько рок. Твоя музыка испытывает влияние рока? СК: Да. Рок — продукт европейской культуры, он развивался в рамках европейской традиции. Если в нем происходят новые открытия, почему ими не воспользоваться? АК: А как ты относишься к джаз-року? СК: Каждый гибрид недолговечен, а джаз-рок — гибрид.

АК: А не является и авангард таким же гибридом? СК: Авангард — это новая идея, а гибрид — не идея, а механическое слияние двух идей. Авангард был рождением новой музыкальной идеи. АК: В твоих и чекасинских программах все большую и большую роль играет театр. Это пощечина общественному вкусу? СК: Для нас поведение на сцене — продолжение музыкальной идеи. Слово может перерасти в музыкальную фразу, а фраза — в жест. Я люблю театр. Я хочу, чтобы на мои представления было бы интересно смотреть. АК: Представь, что у тебя неограниченные ресурсы. Что за проект ты придумаешь? СК: Я бы взял пять-шесть симфонических оркестров, выставил бы их на сцену площадью пять квадратных километров, все это усилил бы, добавил бы кучу электроники, пригласил бы 30—40 солистов. Я хочу действа на подлинно глобального масштаба, того, что Скрябин называл «тотальная гармония». АК: Согласен ли ты с Лео Смитом в том, что мир движется к единой, так называемой всемирной музыке (world music)? СК: Да. Но мне кажется, что эта универсализация — негативный процесс, который разрушает отличительные черты личности и приведет к дегенерации культуры. Но это не разговор для джазового журнала. Можем говорить о русской духовной традиции. АК: Тогда вопрос на тему, связанную с Россией. Джаз — явление чуждое для русской культуры? СК: Да. Особенно, если мы рассмотрим концепцию джаза. АК: Как ты рассматриваешь свою музыку и музыку других советских музыкантов — трио Ганелина, например, в контексте традиций русской культуры? СК: Трио Ганелина развивается в контексте русской культуры. Это не могло произойти на Западе с его прагматическим рационализмом. Но мы уже отходим от музыкальных проблем, переходим к вопросам нации, климата, который во многом определяет нашу жизнь (смеется и смотрит в окно, в темень и слякоть ленинградского ноября). Мы вынуждены жить в немыслимых условиях, и это формирует психику человека, его культуру. 1982 год

Гран-при «Поп-механика» 13

Grand Prix “Pop-mechanics”

Grand Prix “Pop-mechanics” 14

Гран-при «Поп-механика»

In November of 1982, I interviewed Kuryokhin for American jazz magazine “Cadence”. It was his first interview to run in the Western press, and, in all probability, his first interview to be published anywhere. At the time, Kuryokhin had not yet come up with his brilliant “parodical” interview technique, so before us we have a fairly rare example of insight into the mind of a then-youthful musician.

1982

The first interview

A chapter from a forthcoming book by Aleksandr Kan about Sergey Kuryokhin

15 The first interview

AK: Tell me, how did you begin your relationship with jazz? SK: I began to play at home at the age of four. Later, I studied the piano at music school, studied choral direction at a musical academy and then enrolled in the Institute of Culture. I didn’t graduate. I simply didn’t have the patience to learn things that weren’t interesting to me. AK: When did you begin to play, and what kind of music was it? SK: We all loved rock. At first, I didn’t like jazz very much, and I listened out of mere curiosity. The programming schedule of “Voices of America” was set up so that the jazz show was on right before the rock one. The only thing that caught my attention then was John Coltrane and his quartet. To be exact, it wasn’t so much Coltrane himself as his pianist, McCoy Tyner. I hadn’t even suspected that someone could play the piano like that. AK: Jazz purists always maintained that in order to play avant-garde music — the higher mathematics of jazz — it is necessary to go through the arithmetic of traditional jazz. SK: I don’t consider avant-garde to be “higher mathematics” and earlier styles of jazz to be arithmetic. Music of any kind takes on many different forms. When they reach the level of genius, then these forms all mix together. Every type of music has its own peaks and pinnacles, and I don’t understand how it is possible to play only rock, avant-garde, or some other style. AK: Well, what you do, your own music, is it influenced by rock? SK: Yes, definitely. Rock is a product of European culture, it evolved within the context of European tradition. If new discoveries are being made there, why not take advantage of them? AK: And how do you feel about jazz-rock? SK: Every hybrid is ephemeral, and jazz-rock is a hybrid. AK: But isn’t avant-garde jazz also a hybrid?

SK: Avant-garde is a new idea, whereas a hybrid is not an idea, but rather a mechanical combination of two ideas. Avant-garde was the birth of a new musical idea. AK: In your and in Chekasin’s programs, theater has been playing a greater and greater role. Is it a slap in the face to common culture? SK: For us, onstage behavior, the outward elements, they were all the continuation of a musical idea. Word can grow into a musical phrase, and a musical phrase can grow into a gesture. I love theater. I want my performances to be interesting to watch. AK: Imagine that you had unlimited financial and organizational resources. What kind of project would you put together? SK: I would take five or six symphony orchestras, put them on a stage measuring five square kilometers, turn up the volume, add a bunch of electronics, and invite 3040 soloists. I want to act on a truly global scale, with what Skryabin called “total harmony”. AK: Do you agree with Leo Smith that the world is moving towards one “world music”? SK: Yes. But I nonetheless think that this kind of globalization is a negative process that is destroying identifying features of personality and will lead to the degeneration of culture. But that’s not a conversation for a jazz magazine. We could talk about Russian spiritual tradition. AK: All right, then a question related to Russia: is jazz a phenomenon foreign to Russian culture? SK: Yes, it is. Especially if you look at conceptions of jazz AK: In that case, how do you see your own music and the music of the other Soviet musicians, for instance, the Ganelin Trio, in the context of traditional Russian culture? SK: I think that the Ganelin Trio is evolving within the context of Russian culture. This couldn’t happen in the West with its pragmatic, rational culture. But we’re already digressing from musical issues and transitioning to questions of nationality, climate, which determines a lot of things in our lives (laughs and looks out the window at the dark and slush of November in Leningrad). We are forced to live in absolutely unthinkable conditions and this shapes a person’s psyche, his culture.

и р п н » а а р Г к и н а х е м п о П « x i r P d n ” a s r c G i n a h c e m “Pop

Театр АХЕ

Депо гениальных заблуждений

Гран-при «Поп-механика»

Идея: Максим Исаев, Павел Семченко Взаимодействие с объектами: Максим Исаев, Павел Семченко, Максим Диденко, Наталья Шамина, Алиса Олейник, группа Эмптет 3D видеомеппинг: Олег Михайлов, Кирилл Маловичко, Георгий Маматов, Илья Старилов Музыка: Николай Судник Звук: Андрей Сизинцев

ДЕПО ГЕНИАЛЬНЫХ ЗАБЛУЖДЕНИЙ представляет собой уникальную инсталляционно-перформансную среду, основанную на научных заблуждениях последних ста лет. Основой для создания ДЕПО послужили теории, касающиеся мироустройства всех масштабов: от элементарной частицы до Вселенной. Все эти теории на протяжении XX века пользовались всеобщим признанием, но в итоге были бесповоротно опровергнуты. Авторами таких идей были не эксцентричные чудаки, сочиняющие свои законы Вселенной на досуге. Это были именитые ученые и Нобелевские лауреаты. Все опровергнутые теории были настолько научными, насколько это было возможно на момент их появления. Все отобранные теории интересны не только, как научные курьезы. Несомненно, они стали памятником эпохе. И это повод задуматься о судьбе тех идей, вокруг которых сосредоточена современная наука. Оттолкнувшись от этих заблуждений, Инженерный театр АХЕ создает ассоциативно-пространственные модели, которые, в свою очередь, служат «экраном» для 3D меппинг видеопроекций. В этой среде актеры театра АХЕ разыгрывают театральные перформансы, раскрывающие драматическую природу научных заблуждений.

«ДЕПО» включает в себя девять заблуждений: 1. «ТАХИОНЫ»: некоторые частицы движутся из будущего в прошлое. Если бы гипотеза была верна, можно было бы отправить письма нашим прапрадедам. 2. «КВАДРАТНЫЙ АТОМ»: атомы имеют форму кубов. Если бы гипотеза была верна, всех химиков учили бы играть в Lego на предмете «кубическая химия». 3. «МОЛЕКУЛА ПАМЯТИ»: для каждого воспоминания есть отдельная молекула. Если бы гипотеза была верна, можно было бы дарить воспоминания друг другу и обучать с помощью инъекций. 4. «ВОДНЫЙ ПОЛИМЕР»: капля водяного полимера уничтожит океаны. Если бы гипотеза была верна, океаны, реки и все живое превратились бы в студень. 5. «СЖИМАЮЩАЯСЯ ЗЕМЛЯ»: наша планета стынет и сжимается. Если бы гипотеза была верна, через какое-то время материки покрылись бы льдом и лопнули. 6. «НЕПОДВИЖНАЯ ЛУНА»: иллюзия осевого вращения луны. Если бы гипотеза была верна, то на Луне можно было бы наблюдать эффект Маятника Фуко. 7. «ПЛАНЕТА ИКС»: за орбитой Плутона спрятана планета-гигант. Если бы гипотеза была верна, в 2060 году туда прилетел бы аппарат с посланием Брежнева или Никсона. 8. «АНТИМАТЕРИЯ»: солнечная система наполнена антиматерией. Если бы гипотеза была верна, метеорит размером с яблоко уничтожил бы нашу планету. 9. «СТАЦИОНАРНАЯ ВСЕЛЕННАЯ»: большого взрыва никогда не было. Если бы гипотеза была верна, звезды рождались бы из пустоты.

The idea: Maxim Isaev, Pavel Semchenko Interaction with the objects: Maxim Isaev, Pavel Semchenko, Maxim Didenko, Natalia Shamina, Alice Olejnik, the group Emptet 3D video mapping: Oleg Mikhailov, Kirill Malovichko, Georgy Mamatov, Ilya Starilov Music: Nikolai Sudnik Sound: Andrey Sizintsev

1. “TACHYONS”: some particle move from the past to the future. Were this hypothesis true, we could send letters to our great-great-grandfathers. 2. “SQUARE ATOM”: atoms have cubic form. Were the hypothesis true, all chemists would be taught to play Lego on the subject “Cubic chemistry”. 3. “MEMORY MOLECULE”: for each recollection there is an individual molecule. Were the hypothesis true, we could present recollections to each other and teach people by means of injections. 4. “WATER POLYMER”: a drop of water polymer shall destroy oceans. Were the hypothesis true, the oceans, rivers and the whole biosphere would turn into jelly. 5. “CONTRACTING EARTH”: our planet is cooling and contracting. Were the hypothesis true, after a while, all continents would be covered with ice and burst out. 6. “MOTIONLESS MOON”: illusion of axial rotation of the Moon. Were the hypothesis true, we could watch an effect of the Foucault’s Pendulum on the Moon. 7. “X-PLANET”: behind the Pluto orbit a giant planet is hidden. Were the hypothesis true, in 2060, an apparatus with a message from Brezhnev or Nixon would arrive there. 8. “ANTIMATTER”: the planetary system is filled with antimatter. Were the hypothesis true, an apple-sized meteorite would destroy our planet. 9. “STATIONARY UNIVERSE”: there was no great explosion. Were the hypothesis true, the stars would emerge from vacuum.

The AXE Theater The shed of genius illusions

19 Grand Prix “Pop-mechanics”

THE SHED OF GENIUS ILLUSIONS represents a unique installation and performance medium based on the scientific illusions of the last century. The theories concerning world order of different scale: from an elementary particle to the Universe served as a basis for the creation of the SHED. Over the 20th century, all these theories have had general recognition but finally, they were rejected irreversibly. Those ideas were invented not by eccentric freaks composing their own rules of the Universe at leisure. They were suggested by distinguished scientists and Noble Prize winners. All the theories disposed of were as scientific as it was possible at the moment of their appearance. All the theories selected are interesting not only as scientific oddities. Certainly, they have become a memorial to the epoch. And this is a reason for pondering over the fate of modern scientific ideas. Starting out from these illusions, the Engineering Theater AXE creates association and space models, which in turn, serve as a “screen” for 3D-mapping video projections. In this environment, the AXE Theater actors play theater performances revealing dramatic character of scientific illusions.

The “SHED” includes nine illusions:

Андрей Бартенев

Гран-при «Поп-механика»

ИЗОБРАЗИТЕЛЬНЫЙ СПЕКТАКЛЬ ПО ПЬЕСЕ А. П. ЧЕХОВА «ТРИ СЕСТРЫ»

Математическое перечтение исторического контекста. Алгоритмизация традиций театрального конструктивизма и классики минимализма. Это история о том, может ли жертва обстоятельств переломить ход событий, история о честном человеке, который даже в бесчестных обстоятельствах проживает достойную жизнь. В современном постмодернистическом искусстве, в котором были уже отыграны все приемы по привлечению зрительского внимания, переосмысление классики становится единственным способом существования. И через это — возможность осуществить поиск неожиданных форм сохранения гуманизма, обнаружение его новых проявлений и... создание заповедных зон гуманизма. Дети из семей, проживающих в провинциальных городах, приезжают в Москву, где сталкиваются с жизнью большого города, с его трудностями, с его машиной по уничтожению мечтателей. Дети меняются, сдерживают напор трудностей, ломаются, гибнут... кончают жизнь самоубийством. Сталкиваясь с примерами таких историй, я задумался о трансформации 1 действия «Трех сестер» в лозунг: «...в Москву... вон из Москвы...» Перформанс-арт есть метод экспериментального исследования, в котором все новое — все неуловимое находит свои реализации, тем самым выявляя новые пути для развития изобразительного и театрального искусств. Путешествие по этому пути исследования твор-

чества — это всегда полный эксперимент — начиная с репетиций и заканчивая представлением финальной структуры спектакля. Спектакль в таком случае становится только конструкцией, рассчитанной на осуществление импровизации. Конструкция, поддерживающая импровизацию. Постановка каждого действия пьесы как отдельного перформанса... и каждый отдельный перформанс по пьесе — это самостоятельная инсталляция. Возможно полное изменение актерского состава, идеи режиссерского решения от одного действия пьесы к другому. Привлечь на сцену тот актерский состав, который никогда не воспринимался способным выступать на сцене... Связать происходящее в пространстве театра с тем, что можно увидеть в клубе, на улице, в музее, в галерее. Через трагизм чеховской ситуации достигнуть возможности проследить источники мотивации персонажей, продиктованных необходимостью современной жизни. Моделирование новой культурной среды, диалога между героями — носителями разных знаний, предполагающих обмен знаками, где объявление одного знака предопределяет будущность другого знака. Композитор перформанса «Три сестры. Действие 1» — американский композитор, пианист и дирижер Феликс Вентурас. Музыка написана в традициях раннего Прокофьева и Шостаковича.

always an experiment, from rehearsal to the presentation of the final structure of performance. In this case, a performance is just a construction designed to implement improvisation. In other words, this is a construction supporting improvisation. Every act of the play is staged as an individual performance… and every individual performance is an independent installation. The cast and stage manager’s decisions may change from one act of the play to the other. The author aims at engaging the cast that has been always considered unable to appear before the footlights… to connect what happens within the theater with what one can see in a club, in the street, in a museum, in a gallery. Through Chekhov’s drama to achieve the possibility to trace the sources of motivation of the personages dictated by the requirements of modern life. Simulating a new cultural environment, a dialogue between the personages carrying different experiences supposing exchange of signs, where announcement of one sign predetermines the futurity of another sigh. The composer of the performance “Three sisters. Act 1” is an American composer, piano player and conductor Felix Ventouras. Music is composed in keeping with the traditions of the early Prokofiev and Shostakovich.

andrey bartenev

REPRESENTATIONAL PERFORMANCE BY A.P. CHEKHOV’S PLAY “THREE SISTERS”

21 Grand Prix “Pop-mechanics”

Mathematical re-reading of the historical context. Algorythmization of the theater constructivism and minimalism traditions. This is a story based on the question: whether a victim of circumstances could break the course of events, a story about an honest man who lives decently even under dishonest circumstances. In modern post-modernist art where all techniques attracting attention of the audience were used, rethinking of classics becomes the only way of existence. Via rethinking, an artist has a chance to find unexpected forms of saving humanism, to reveal its new expressions, and… to create a preserved area of humanism. Children from provincial families come to Moscow where they face big city life, big city problems, and a machine eliminating dreamers. The children change, constraint pressure of difficulties, crack, die… commit suicide. Coming across such stories I’ve given thought to the transformation of the 1st act of “Three sisters” into the motto: “…to Moscow… get away from Moscow…” Performance-art is a method of experimental research where all the new and elusory demonstrates itself thus revealing new ways for the development of presentational and theater art. Traveling along this way of creative research is

Вероника Затула

Диптих. Музыкально-мобильные инсталляции “Suria”

Гран-при «Поп-механика»

«По своим размерам Солнце относится к типичным звездам-карликам спектрального класса G2 диаграммы Герцшпрунга — Рассела. Это означает, что солнечный свет, который мы привыкли воспринимать как белый, на самом деле слегка желтоватый. Suria — 10 человек = 10 музыкантов = 10 актеров = 10 импульсов, сведенных в единое тембровое пространство. Как единый Свет, проходя через витражи Собора, распадается на многоЛикость. Созерцайте и Вслушивайтесь... Главное не сам инструмент, но его внутренняя сущность, которой музыкант, играющий на нем наделяет другие предметы, которые отныне служат Музыке...»

Grand Prix “Pop-mechanics”

“КO:AN’s” для 5 и больше исполнителей САТОРИ (буквально — «душевное спокойствие», «ощущение небытия», «внутреннее просветление») — теория “внезапного озарения” (и само состояние), которая является основой учения школы Риндзай, занимавшейся распространением дзэн-буддизма в Японии. Чтобы достичь подобного состояния, наставники этой школы ввели систему различных стимулов, среди которых особое место занимают коаны — вопросы-загадки, вопросы-головоломки. «Внезапное озарение», «внезапное постижение смысла бытия», по утверждению наставников, может наступить, если ученик, усиленно сосредоточившись на разгадке коана, перейдет от формально-логического мышления к подсознательно-ассоциативному.

“Suria” “For its dimensions, the Sun belongs to the typical starsdwarfs of spectral class G2 of the Hertzsprung-Rassel diagram. This means that sunlight that we traditionally perceive as white light, actually is yellowish” Suria consists of 10 persons = 10 musicians = 10 actors = 10 impulses integrated into a single timbre space. Like single Light passing through stained-glass windows falls into many faces. Contemplate and listen attentively… The key point is not an instrument itself yet its inner essence imparted to the other objects that now serve to the Music…

“КO:AN’s” for 5 and more than 5 performers SATORI (literally — “inward piece”, “feeling of not-being”, “inner enlightenment”) is a theory of “sudden enlightenment” (and the state itself) which represents fundamentals of the Rinzai school distributing Zen-Buddhism in Japan. To achieve this state, the school gurus introduced a system of different stimuli, with an especial role played by koans, questions-puzzles. “Sudden enlightenment, “sudden insight into sense of being” according the teachers may come if a pupil concentrated on unveiling of a koan proceeds from formally logical thinking to unconsciously associative one.

Veronika Zatula Diptych. Music mobile installations

Константин Колесник Пробуждение элементов

Гран-при «Поп-механика»

Синтетический проект с участием живой музыкальной составляющей, поэтический перформанс. Создано по стихам, дневникам и письмам известного писателя Даниила Хармса. Артисты проигрывают эти тексты на языке музыки, живописи, декламации, клоунады и многого-многого другого, что объединяется словом «театр». Это часовое действо, похоже скорей на концерт, чем на спектакль. Странные люди выходят на сцену и начинают настраивать инструменты. Звякают колокольчики. Погромыхивают тарелки. Вступает аккордеон. Вступает бас-гитара. Вступает голос. Он выпевает-вычитывает Хармса, он завораживает, он гипнотизирует, ведет историю одинокого, издерганного, загнанного человека, который думает стихами, разбивающими стекло в окне, и одухотворяет самые обыкновенные предметы.

Grand Prix “Pop-mechanics”

24 Synthetic Project with Bright Music Component, Poetical Performance It is created on the ground of poems, diaries and letters of the well-known writer Daniil Kharms. The actors play these texts using the language of music, art, recitation, clownery and much more in the same strain, combined by the word “theater”. This hour long performance looks more like a concert, than a spectacle. Strange human beings appear on the stage and start to tune musical instruments. The bells are jingling. The cymbals are rumbling. The accordion starts to play. The bass guitar begins its part. The voice starts to sound. It sings and reads poems of Kharms; it dazzles, hypnotizes, tells the story of a single, nervous, entrapped man who thinks using rhymes which break the window glass and inspires even the most ordinary objects.

Konstantin Kolesnik Awakening of Elements

Гран-при «Поп-механика» 25

Grand Prix “Pop-mechanics”

ЧЕЛОВЕК.DOC

Театр «Практика»,театр и клуб «Мастерская»

Гран-при «Поп-механика»

Проект документального театра «Человек.doc» представляет 10 героев современной культуры. У каждого спектакля есть свой режиссер и драматург, на сцене — сам герой:

Олег Кулик. Игра на барабанах. Текст Евгений Казачков, реж. Эдуард Бояков, Светлана Иванова. Владимир Мартынов. В конце было слово... Текст Владимир Забалуев, Алексей Зензинов, реж. Эдуард Бояков. Смоки Мо. Круги на полях. Автор Юрий Муравицкий. Александр Петлюра. Театр-хуятр на славянский, блядь, манер. Текст Владимир Забалуев, Алексей Зензинов, реж. Владимир Агеев. Андрей Родионов. Красилка поэта Андрея Родионова. Автор и режиссер Борис Павлович. Бронислав Виногродский. Исцеление переводом. Текст Евгений Казачков. Александр Гельман. Последнее будущее. Реж.: Эдуард Бояков, Виктор Алферов. Олег Генисаретcкий. Внутренняя одиссея. Автор Герман Греков. Ольга Дарфи. Смутный объект разведки или чистая вата. Текст Ольга Дарфи, реж. Руслан Маликов. Гермес Зайготт. Удивительное путешествие Гермеса Зайготта в Америку, рассказанное им самим. Текст Владимир Забалуев, реж. Юрий Муравицкий

Эдуард Бояков: Этот проект — развитие идей, связанных с документальным театром. Мы пытаемся предъявить нечто не имитационное, настоящее. Мы не пытаемся говорить о каких-то теоретических аспектах, препарировать возможности и перспективы этой идеи. Я испытываю огромное уважение к этим людям. Это главный момент. У наших героев есть душа, ценности, идеи и опыт. Вот об этом проект. И ни о чем другом. Владимир Забалуев, Алексей Зензинов, драматурги: «Человек.doc» — первый опыт создания горизонтального вербатима. В отличие от классических, вертикальных вербатимных проектов «нулевых» годов, где в центре внимания оказывались социальные группы, сверхзадача «Человека.doc» — возвращение героя. Используя аналогии из мифов, это не рассказ о профессиональных болезнях, привычках, привязанностях и предрассудках древнекритских гастарбайтеров, строивших лабиринт, а история Тесея, победителя Минотавра. Наши герои — состоявшиеся личности, которые осознают, что не до конца совпадают сами с собою и готовы говорить об этом со зрительным залом. Зоны умолчания, табу, внутренние запреты, комплексы и страхи, — все это будет отброшено и изжито в сценическом действии, где каждый играет самого себя. Александр Петлюра: Проект выдвигает людей, как знамена, предлагает героев, предлагает их слушать и одновременно заставляет героев раскрываться перед зрителем. Это непростая задача. Олег Кулик: «Человек.doc» отличается от всего того, что было раньше, тем, что требует некоего внутреннего взгляда на себя, без посторонних глаз, взгляда медитирующего человека, абстрагировавшегося от реакции остальных людей. Этого очень трудно добиться. Новая драма всегда пытается показать реальность, но в основном через крайности: показать наркомана или алкоголика — одно, а показать реального человека, который находится в спокойном состоянии самосозерцания — гораздо сложнее.

The project of documentary theater “Chelovek.doc” presents 10 heroes of the modern culture. Each performance has its own stage director and playwright, the hero himself is on the stage

Vladimir Zabaluev, Aleksey Zenzinov, screenwriters: “Chelovek.doc” is the first experience in creating a horizontal Verbatim. In contrast to classical, vertical Verbatim projects created during “zero” years, where the centre of attraction was assigned to social groups, the hyper task of “Chelovek.doc” is returning of the hero. Using the analogues taken from fables, it is not a narration about diseases, affections and superstitions of the ancient Crete gastarbeiters constructing the labyrinth, but the history of Theseus, the winner of Minotaur. Our heroes are accomplished individuals, who sense that they are not absolutely in line with themselves and ready to talk about it with spectators. The zones of non-disclosure, taboo, inner prohibitions, complexes and fears — all of them will be discarded during this stage performance where everybody plays himself. Alexander Petlyura: The project presents individuals like banners; it presents the heroes, proposes to listen to them and simultaneously makes the heroes to open their minds for spectators. This task is nor simple. Oleg Kulik: “Chelovek.doc” is different from everything that was created before, because it requires a kind of inner look at yourself, without eyes of strangers, the look of meditating individual who abstract himself from the reactions of other people. It is very difficult to achieve. A new drama is always trying to demonstrate the reality but basically through the extremities: it is easy to show a drug addict or a drunkard, but it is more difficult to show a real person who stays in the calm condition of self-contemplation.

CHELOVEK.DOC

Theater “Practice”, Theater and Club “Workshop”

27 Grand Prix “Pop-mechanics”

Oleg Kulik. Playing on drums. Text of Evgeniy Kazachkov, dir. Eduard Boyakov, Svetlana Ivanova. Vladimir Martynov. At the end there was a word… Text of Vladimir Zabaluev, Aleksey Zenzinov, dir. Eduard Boyakov. Smoki Mo Rings on the fields. Author Yuri Muravitskiy. Alexander Petlyura Theater –”dickater “ in Slavic, whore, manner. Text Vladimir Zabaluev, Aleksey Zenzinov, dir. Vladimir Ageev. Andrei Rodionov Color maker of poet Andrei Rodionov. Author and director Boris Pavlovich) Bronislav Vinogorodskiy Curing by translation. Text of Evgeniy Kazachkov. Alexander Gelman Last future. Dir. Eduard Boyakov, Viktor Alferov. Oleg Genisaretskiy. Internal Odyssey. Author German Grekov. Olga Darfi Shadowy object of intelligence or clean cotton wool. Text of Olga Darfi, dir. Ruslan Malikov. Hermes Zaigott. Amazing travel of Hermes Zaigott to America, narrated by himself. Text of Vladimir Zabaluev, dir. Yuri Muravitskiy.

Eduard Boyakov: This project is the development of ideas connected with the documentary theater. We try to present something real, not imitation. We try to talk about some theoretical aspects, to prosect the possibilities and perspectives of this idea. I feel great respect to these individuals. It is the most important moment. Our heroes have soul, values, ideas and experience. This project is about them. It is not about anything else.

ARIAS

Московский ансамбль современной музыки (МАСМ)

Гран-при «Поп-механика»

Автор проекта: Кирилл Серебренников Дирижер: Максим Емельянычев Музыкальный руководитель: Арина Зверева Свет: Елена Перельман Soundart: Валерий Васюков Архитекторы: Игорь Чиркин и Алексей Подкидышев

Визитная карточка всего проекта в целом, заявка на сотворение нового пространства, сделанная людьми, которые и будут строить «Платформу». 12 постановщиков (среди них и режиссеры драматического театра, и хореографы, и художники) превращают 12 арий (Шуберт и Перселл оказываются в связке с Кейджем и Эрингом) в инсталляции на перекрестке искусств. Музыка классическая и современная, танец и видеоарт, все виды театра, включая театр кукол и physical theatre, драматическое и оперное искусство — в проекте участвуют как дебютанты, так и профессиональные исполнители, рискнувшие ступить на неизвестное поле экспериментов, — все соединяется в тотальный перформанс. «Лесного царя» Франца Шуберта ставит Галя Солодовникова, известная прежде всего как театральный художник, работавший с Филиппом Григорьяном, Эдуардом Бояковым и Кириллом Серебренниковым. Дуэт художников Дмитрия Врубеля и Виктории Тимофеевой интерпретируют арию Бориса Годунова «Достиг я высшей власти» — с использованием метафизическисатирического опыта соц-арта. Алексей Шульгин, ху-

дожник и музыкант, создатель проекта «Electroboutique», предпочел арию Баха «Erbarme dich, mein Gott» из «Страстей по Матфею», которую исполнит дуэт человека и машины. Артист в самом широком смысле слова, художник Андрей Бартенев, в театре работавший над «Елизаветой Бам» Даниила Хармса, обратился к Игорю Стравинскому. В «Ариях» заняты и режиссеры драматического театра, работающие на границе жанров: Владимир Панков, нашедший свой стиль в студии «SounDrama», ставит одну из самых забавных арий в истории русской оперы, — арию Фарлафа из «Руслана и Людмилы». В проекте участвуют европейские режиссеры: немец Николас Штеманн, привозивший в Россию поставленные в Ганновере «Страдания юного Вертера», взялся за разоблачение одной из самых прославленных оперных героинь Флории Тоски, француз Давид Бобе — за барочный опус Генри Перселла. Хореографы отдали предпочтение современной музыке: концептуалист Джон Кейдж привлек внимание японского танцовщика буто Такетеру Кудо, Александр Пепеляев выбрал произведение, созданное Ирис тер-Шипхорст и Хельмутом Эрингом, авангардистом из Восточной Германии, осмысляющим опыт глухонемоты и язык знаков. Анна Абалихина поставит творение радикального австрийского композитора Ольги Нойвирт, сочинявшей вместе с Эльфридой Елинек оперу по мотивам «Шоссе в никуда» Дэвида Линча. Только Ксения Петренко и «LIQUID theatre» остановились на классическом Генделе.

Author of project: Kirill Serebrennikov Conductor: Maxim Emelyanychev Music director: Arina Zvereva Light: Elena Perelman Soundart: Valeriy Vasyukov Architects: Igor Chikin and Aleksey Podkidyshev

ARIAS

Moscow ensemble of modern music (MACM)

29 Grand Prix “Pop-mechanics”

The visiting card of the project as a whole is a call for creation of a new space, made by people who will construct the “Platform”. 12 stage directors (among them directors of legitimate drama, choreographers and painters) transform 12 arias (Schubert and Purcell appear in the bunch with Cage and Oehring) in the installations at the crossroad of arts. Classical and modern music, dance and video art, all kinds of theater including the puppet theater and physical theatre, drama and opera — the debutants and professional performers take part in the project who dare to step on the unknown field of experiments — everything is combined in the total performance. Galya Solodovnikova directs the “Erlking” of Schubert, she was known earlier as a theater painter who worked with Filipp Grigorian, Eduard Boyakov and Kirill Serebryannikov. The duet of artists, Dmitriy Vrubel and Victoria Timofeeva interpret the aria of Boris Godunov “I achieved the supreme authority” — using the metaphysical-satirical experience of soc.- art . Aleksey Shulgin, a painter and a musician, the creator of “Electroboutique” project

has preferred the aria of Bach «Erbarmedich, meinGott» from the St. Matthew Passion, which will be performed by the duet of a human being and a machine. The artist in the widest sense of word, the painter Andrei Bartenev, who directed «Elisabeth Bam» of Daniil Kharms, refers to Igor Stravinsky. The «Arias» are also directed by the stage directors of legitimate theatre who work on the border of genres: Vladimir Pankov who found his style in the studio «SounDrama» directs one of the most amusing aria in the history of Russian opera, — the aria of Farlaf from «Ruslan and Lyudmila». The European artists take part in the project: the German Nicolas Stemann, who brought to Russia «Sufferings of young Verter», has had a dig at one of the most famous opera heroine Floria Tosca, the Frenchman David Bobe — at baroque opus of Henry Purcell. The choreographers preferred the modern music: the conceptualist John Cage has attracted attention of the Japanese dancer Taketeru Kudo, Alexander Pepelyaev has chosen the work created by Iris Ter-Shiphorst and Helmut Oehring, the avant-gardist from the Eastern Germany who makes sense of the experience in deaf-dumbness and the language of symbols. Anna Abalikhina will direct the composition of radical Austrian composer Olga Neuvirth, who created the opera together with Elfriede Jelinek after the “Highway to Nowhere” of David Lynch. Only Ksenia Petrenko and «LIQUID theatre» have chosen the classical music of Handel.

Сергей Чернов

Гран-при «Поп-механика»

Серия перформансов 2010/2011

Grand Prix “Pop-mechanics”

Сергей Чернов, известный альтернативный модельер, художник и актер, исторически связан с двумя явлениями жизни Ленинграда и Петербурга последней четверти ХХ века: некрореализмом и «Поп-механикой». Чернов — один из основных перфомансистов Евгения Юфита и Сергея Курехина, изысканный творец атмосферы безумия и абсурда, без которой местная культура сама не своя. Непоказное безумие с его помощью становится показным и приобретает волнующую оболочку искусства. В искусстве Чернова (модных коллекциях, графике и живописи, актерской игре) всегда ощутим ветер свободы, сквозящий через общепринятые нормы видения. Когда культурные герои 1980-х и 1990-х годов стали мэтрами современного искусства, Чернов продолжал жить духом альтернативной культуры, не поддающейся консервированию. Веяние этого духа присутствует и в интимной графике художника, посвященной эстетике 1920-х и 1930-х годов. Эротический соблазн арт деко и тоталитарного стиля Чернов представляет в традиции романтичного петербургского понимания 1980-х и начала 1990-х как соблазн красоты, а не идеологии власти. Причем красота почти бестелесна: девушки-эльфы отдаются любви в цветущих садах, краски подобны таинственному мерцанию зари в белую ночь, и лишь намеченные силуэты парковых павильонов указывают на приземистые формы сталинской классики. Чернов — ландшафтный дизайнер своего воображения, и открытый пейзаж бесконечного творческого мира делает его независимым от стандартных манипуляций властью и сексуальностью. Способность годами не покидать фантастические пространства превратила Сергея Чернова в одно из воплощений петербургского гения места. Такие как он могли шить кафтаны Ксении Блаженной и туники Ольге Спесивцевой, невредимыми проходить сквозь бюрократические зоны всевозможных режимов, предаваться безумствам и медлить с кисточкой в руке над едва намеченным плечом Сильфиды и Далиды или девочки из комиксов манга — кому когда повезло воплотиться в плотных слоях истории.

Sergey Chernov, the known alternative fashion designer, the artist and the actor, is historically connected with two phenomena of life of Leningrad and Petersburg in the last quarter of the XX century: necrorealism and “Pop Mechanics”. Chernov is one of the core performanists of Evgeny Jufita and Sergey Kuryokhin, the refined creator of madness and absurdity atmosphere, without which the local culture missing its self. Not ostentatious madness with his help becomes ostentatious and obtains exciting shell of art. In Chernov’s art (fashion collections, graphics and painting, actor’s role playing) always the wind of freedom is felt penetrating through the standard norms of vision. When cultural heroes of 1980-s and 1990-s became masters of the modern art, Chernov continued to live spirit of the alternative culture that is opposed to conservation. This spirit influence is present in the artist’s intimate drawings devoted to esthetics of 1920-s and 1930-s. Erotic temptation of art deco and totalitarian style is presented by Chernov in the traditions of romantic Petersburg comprehension of 1980-s and early 1990-s as temptation of beauty and not the ideology of power. At the same time the beauty is almost incorporeal: elf girls are giving themselves to love in blossoming gardens, the paints are similar to mysterious blinking of dawn in white night, and only lightly shown silhouettes of park pavilions indicate bulky forms of Stalin classics. Chernov is the landscape designer of his own imagination, and the open landscape of the infinite creative world makes him independent of standard manipulations with power and sexuality. The ability for years not to leave fantastic spaces has made Sergey Chernov to be one of the embodiments of Petersburg genius of the place. The ones like him could sew Ksenia Blissful garments and tunics for Olga Spesivtseva, safely pass through bureaucratic zones of all kinds of regimes, indulge in madnesses and hesitate with a brush in hand over vaguely outlined shoulder of Sylphida and Dalida or a girl from manga comics — who and when was lucky to be embodied in dense layers of history.

Sergey Chernov A series of performances 2010/2011

Кети Чухров Афган-Кузьминки

Гран-при «Поп-механика»

Автор и исполнитель: Кети Чухров Куратор синтетического действия: Андрей Паршиков Постановка синтетического действия: Ксения Перетрухина

Человеческая оратория, музыкально-поэтической перформанс. Мелодекламационное исполнение поэмы на сцене, совмещенное с музыкой и саунд-артом и перемежаемое показом работ известных художников (живопись, фото, видео). Премьера проекта состоялась в Театре. doc, 25 сентября 2011 С точки зрения актуального театра, осознающего себя как «постдраматический», и делающего шаги в различные стороны от традиционного драматического театра, проект «Афган-Кузьминки» является важным экспериментом. «Афган-Кузьминки» — проект, направленный на зрителя, дающий ему возможность ощутить, почувствовать себя участником художественного акта. Можно сказать, что проект направлен на обнаружение

зрителя самим себя в художественном пространстве. Он горизонтален по отношению к зрителю, и в отличие от выставочного пространства, он максимально сокращает дистанцию между транслируемым опытом и субъектом. Театр сейчас нуждается в осмыслении современного искусства внутри себя самого. Для театра приход современного искусства в поле сцены означает попытку мощной инъекции визуальной культуры, которая там практически отсутствует. Зритель готов к емкости и актуальности языка, на котором говорит современное искусство, но оно недостаточно интегрировано в театр. С другой стороны и современное искусство претерпевает очередной этап дегуманизации, часто оказываясь, даже несмотря на социальную злободневность, опытом внешним, отчужденным. В свою очередь, драматическое действие способно приблизить современное искусство к событию. Поэтому, многомерная, синтетическая композиция проекта «Афган-Кузьминки» претендует на то, чтобы быть действительно нужным экспериментом не только в формальном, но и в исследовательском ключе.

Human oratorio, musical-poetical performance. The melody declamation performance of the poem on stage, combined with music and sound-art and interlaced by demonstrations of works created by well-known artists (oil painting, photo, video). The first performance of this project took part in the Theater.doc in September 25, 2011. From the perspective of actual theater, perceiving itself as a “post dramatic” and taking steps to various sides from the traditional dramatic theater, the project “Afghan — Kuzminki” is an important experiment. “Afghan — Kuzminki” is a project focused on spectators providing them with a possibility to feel themselves as participants of the artistic action. We may say that the project is focused on revelation

of spectators in the artistic space. It is horizontal in relation to spectators and in contrast to the exhibition space it maximally shortens the distance between the translated experience and a subject. The theater is in need to apprehend modern art inside it now. Appearance of modern art on the stage means existence of the attempt to make a powerful injection of visual culture which is practically absent in the theater nowadays. Spectators are ready for capacity and actuality of language used by the modern art, but it is insufficiently integrated in the theater. On the other hand, the modern art experiences the next stage of dehumanization, turning out to be an external, alienated experience even in spite of social importance. In its turn, the dramatic action can bring the modern art to the event. That is why the multidimensional, synthetic composition of the “Afghan-Kuzminki” project pretends to be a really necessary experiment not only in formal but in the research sense.

Keti Chukhrov Afghan -Kuzminki

Grand Prix “Pop-mechanics”

Author and performer: Keti Chukhrov Curator of synthetic action: Andrei Parchikov Staging of synthetic action: Ksenia Peretrukhina

й и ш луч й и к с р о т Кура т к е о пр r o t a r u c best t c e j pro

Если бы я только знал! Практическое пособие по современному искусству

Лучший кураторский проект

Кураторы: Екатерина Зайцева, Екатерина Кузьмина. Художественное оформление экспозиции: группа художников «Only Brothers». Идея: Алексей Трегубов. Экспозиция: Этель Йошпа, Елизавета Дзуцева, Анна Карцева, Константин Терентьев, Алексей Трегубов.

Новая экспозиция «Если бы я только знал!..» задумана как интерактивный проект для широкой аудитории, призванный рассказать зрителям о новых формах и актуальных тенденциях в современном искусстве. В данном случае термин «современное искусство» понимается широко, но прежде всего в значении contemporary art — то есть как искусство, которое создается «здесь и сейчас», буквально на наших глазах. Основу экспозиции составляют произведения из коллекции Московского музея современного искусства, но вместе с тем будут привлечены работы из других собраний. Большинство работ — это самые свежие образцы последних лет; некоторые ключевые понятия также проиллюстрированы экспонатами второй половины XX века из фондов музея. Среди экспонатов — работы группы «Escape», Никиты Алексеева, Владислава Ефимова и Аристарха Чернышева, Анны Желудь, Константина Звездочетова, Ирины Кориной, Олега Кулика, Влада Кулькова, Оксаны Мась, Анатолия Осмоловского, Дмитрия Александровича Пригова, Ираиды Юсуповой, Александра Долгина, группы «Синие носы», Виктора Скерсиса, Ивана Чуйкова, Сергея Шеховцова, и других авторов. *** Мир современного искусства до сих пор остается непонятным, вызывая недоумение у широкого круга зрителей. Язык, на котором говорят современные художники, менялся на протяжении всего XX века, но российская аудитория не имела возможности наблюдать за его эволюцией. Поэтому пришла пора начать все сначала! «Что такое Черный квадрат?», «Малевич не умеет рисовать?», «Так может и пятилетний ребенок — почему это висит в музее?», «Зачем этот художник кривляется?», «Старые коробки есть и у меня, разве это произведение?», «Но ведь это просто эпатаж?..» Такие вопросы возникают каждый раз, когда зритель впервые приходит в музей современного искусства. Чтобы ответить на них и разрушить башню из слоновой кости, Московский музей современного искусства организует проект «Если бы я только знал!..», который позволит зрителю не только теоретически, но и практически изучить язык современного искусства. Часто музейное пространство оставляет зрителя наедине с произведениями, никак не помогая осваивать представленный материал. Поэтому задача проекта заключается не только в том, чтобы доступно разъяснить те или иные воп-

росы, но и в том, чтобы создать условия для практического закрепления знаний, только что полученных посетителями. У каждого зала есть комната-дублер — своего рода мастерская, где зритель может представить себя современным художником, познакомиться с материалами, распространенными в искусстве сейчас, почувствовать пластические возможности этих материалов. Каждый зал посвящен той или иной группе понятий, проблеме или форме в современном искусстве. А начинается все с «Черного квадрата», который до сих пор остается камнем преткновения не только для широкой аудитории, но даже для профессионалов. В этом проекте он рассматривается как произведение символическое и чрезвычайно важное, как поворотный момент в искусстве начала XX века, как источник смыслов и вдохновения для искусства будущего. Зал «Традиция» представляет работы современных художников, предлагающих новый взгляд на классическое наследие. Раздел «Фотография» посвящен аналоговой фотографии и судьбе этого вида искусства в исторической перспективе, ведь в разные времена фотография служила воплощению совершенно разных задач. Здесь представлены видео, описывающие все этапы работы над аналоговым изображением, а также экспонаты из коллекции музея. Следующая зона дает представление о новых технологиях в искусстве — здесь и видео, и медиа-арт, и интерактивные инсталляции. А в зале-мастерской у зрителя будет возможность с помощью новых технологий самому стать создателем синтетического произведения. Далее — территория перформанса, где посетители сначала осваивают непривычные и, казалось бы, похожие термины (перформанс, акция, хэппенинг), а потом пробуют себя в роли художников-перформансистов. Следующий зал отдан пространственным объектам: здесь можно увидеть разницу между ассамбляжами, объектами и инсталляциями, и почувствовать их специфику, попытавшись сконструировать что-то свое из разнообразных предметов. Наконец, последний зал позволит зрителю почувствовать себя знатоком современного искусства: взойдя на кафедру и нажимая кнопки на пульте, он сможет услышать о новых тенденциях в искусстве на примере размещенных в зале работ, а заодно — выступить в роли лектора. Проект ориентирован не только на взрослых, но и на самых маленьких зрителей. В залах есть специально написанные для детей пояснительные тексты, а в «мастерских» — материалы, из которых юным посетителям будет интересно и удобно создавать свои композиции. Интерактивность проекта дает возможность зрителю любого возраста и уровня подготовки получить разносторонний опыт взаимодействия с произведениями, преодолеть непонимание и страх перед неизвестным, принципиально «иным» искусством.

Administrators: Ekaterina Zaitseva, Ekaterina Kuzmina. Artistic design of the exposition: the group of artists “Only Brothers”. The idea: Alexey Tregubov. Exposition: Ethel Joshpa, Elizaveta Dzutseva, Anna Kartseva, Konstantin Terentiev, Alexey Tregubov.

Every hall is devoted to one or another group of concepts, problems or forms existing in the modern art. The exhibition starts with the “Black Square”, which still remains a stumbling block not only for general audience but for the experts as well. In our project, it is regarded as a symbolic and extremely significant piece of art, as a turning point in the art of the early 20th century, as a source of senses and inspiration for the art of the future. In the hall “Tradition”, the works of contemporary artists suggesting a new view of classical heritage are presented. The section “Photography” is devoted to the analogous photography and fate of this kind of art in historic prospect, for at various times photo served to realization of absolutely different tasks. Here, the video describing all stages of work at analogous image, and exhibits from the museum collection are presented. The next area gives an idea of new techniques in the art: here are video, and mediaart, and interactive installations. In the hall serving as a workshop, the spectator will be able to become a creator of a synthetic piece of work himself. Next, is the territory of performance, where the spectators first master unusual, and, seemingly alike terms (performance, action, happening) and try oneself in a role of artist-performers. The next hall is devoted to space objects: here, one can see the difference between assemblages, objects and installations and feel their specifics trying to construct something out of diverse items independently. Finally, the last hall let the spectator feel an expert of the modern art: having mounted the lecturing desk and pressing buttons on the console, he could hear of new trends in the art in terms of the works placed in the hall, and at the same time, to act as a lecturer. The project applies not only to adults but also the youngest spectators. In the halls, there are explanatory texts written specially for children, while in the “work-shops” there are materials the young visitors could create their own compositions from. Interactivity of the project enables a spectator of any age and level of training to obtain diverse experience of interaction with the pieces of work, overcome incomprehension and fear of the unknown, essentially “different” art.

If only I had known!.. Practical guide for modern art

37 Best Curator Project

A new exposition “If only I had known!..” was designed as an interactive project for the mainstream audience in order to tell the spectators about new forms and actual trends in modern art. In this case, the term “modern art” is used in a broad sense, but first of all, it means “contemporary art”, that is the art created “here and now”, literally in front of your very eyes. The exposition is based upon pieces of work from the collection of the Moscow Museum of Modern Art, yet, alongside with these, works of other collections will be presented. Most of the works are represented by the newest exponents of the latest years; some of the key concepts are also illustrated with the exhibits of the second part of the 20th century from the Museum funds. Among the exhibit items are pieces of work by the group “Escape”, Nikita Alexeev, Vladislav Efimov and Aristarch Chernyshev, Anna Zhelud’, Konstantin Zvezdochetov, Irina Korina, Oleg Kulik, Vlad Kulkov, Oksana Mas’, Anatoly Osmolovsky, Dmitry Alexandrovich Prigov, Iraida Jusupova, Alexander Dolgin, group “Blue noses”, Viktor Skersis, Ivan Chuikov, Sergey Shekhovtsov, and other authors. *** The world of contemporary art is still incomprehensible, it making inexperienced spectators perplexed. The language contemporary artists speak has been changing over the 20th century, however, the Russian audience had not a chance to keep trace of its evolution. So, it’s high time to start all over again! “What is the Black Square?”, “Couldn’t Malevich paint?”, “A five-year child could do this, why is it hung in the museum?”, “Why is this artist mocking?”, “I have old boxes too, is this a piece of art?”, “But this is just the outrageous, isn’t it?..” Such questions arise every time when a spectator comes to the museum of modern art for the first time. To answer these questions and destroy a tower of ivory, the Moscow Museum of Modern Art is organizing the project “If only I had known!..” that will let a spectator study the language of contemporary art not only theoretically, but also in practice. Very often, in the museum space, a spectator leaves alone with the pieces of art, not assisted in mastering the material presented. So, the project is designed not only to explain some or another issues in layman’s terms but to create certain conditions for reinforcement of learning the visitors just gained. Each hall has a backup room, a sort of a work-shop, where the spectator could imagine himself a modern artist, make acquaintance with the materials widely spread in the present art, or feel plastic properties of these materials.

Жизнь.Версия науки Ирина Актуганова, Дмитрий Пиликин, Дмитрий Булатов

Лучший кураторский проект

Кураторский выставочный проект. Гибридные медиа (sci-art, media-art, sound-art) 17 художников, 28 инсталляций, 21 видеоработа, 9 мультимедийных работ. Экспозиционная площадь — 750 квадратных метров. Москва, Центр Современного Искусства ВИНЗАВОД, Цех Белого, 1—17 апреля 2011 года. По заказу Фонда «Династия» (Москва) и при организационной поддержке Агентства 21 (С-Петербург).

Выставка «Жизнь. Версия науки» — это кураторский выставочный проект, разместившийся на площади 750 квадратных метров, и представляющий собою тотальную инсталляцию, выполненную в жанре Гибридных медиа. Перед кураторами проекта стояла внутренняя задача создать гибридную среду, несущую современное культурное сообщение. Сообщение у нас было следующее: мы, люди, в своих попытках познать реальное, докопаться до онтологических оснований, всякий раз упираемся в самих себя, в свои культурные и биологические пределы. В данном проекте авторы, пересказывая научную версию Мифа о Происхождении, констатируют: мы по-прежнему знаем очень мало о мире, в котором мы живем — и потому для нас жизнь это чудо. Также авторы предполагает, что какие бы силы не запустили это кино под названием жизнь, кино это собственно, только началось. Все самое интересное еще впереди. А Мы, наш разум — один из инструментов эволюции.

В проекте использованы все доступные медиа, технологии, жанры и способы мышления. Живые существа, наглядные пособия, музейные экспонаты, объекты с биообратной связью, интерактивные панели, 3-д анимация, просто анимация, видеомэппинг, роботы, клеточные автоматы, электроника, дополненная реальность, сайнс-арт, ячейки бенара, человеко-машинные интерфейсы, микровидеосъемка, и прекрасная архитектурно-дизайнерская работа. В работе над проектом были заняты ученые, художники, архитекторы, инженеры, журналисты, музейщики. Зарубежные и российские художники, работающие в жанре science art: Leonel Moura (Португалия), Ralf Baecker (Германия), Byeong Sam Jeon (США), Julian Oliver (Германия), Masato Sekine (Япония), Karolina Sobecka (США), Jamie O’Shea (США), Louis-Philippe Demers (Сингапур), Дмитрий Булатов (Калининград), Дмитрий Каварга (Москва), Владимир Григ (Санкт-Петербург), Евгений Стрелков (Нижний Новгород). Дизайнеры, архитекторы, видеохудожники: Ольга и Александр Филимоновы (Самара), Ева Дегтярева, Максим Лущик (Санкт-Петербург). Ученые: Константин Анохин, Михаил Бурцев, Тимур Щукин (Москва), Александр Ефремов, Павел Гурин, Дмитрий Жуков (Санкт-Петербург). Журналисты: Любовь Стрельникова, Ася Казанцева, Елена Кокурина. А также: инженеры Воронежского госуниверситета, петербургский музей почвоведения, Институт общей генетики, кроме того, некоторые видеоролики были предоставлены нашими французскими партнерами. Также контент и оборудование предоставили 3-д лига и ДНК-технологии.

The curator exhibition project. Hybrid media (sci-art, media-art, sound-art) 17 artists, 28 installations, 21 videoworks, 9 multimedia works. Exposition area — 750 square meters. Moscow, the Center of Modern Art WINERY, White Workshop, April, 1-17, year 2011. On the order of «Dynasty» Fund (Moscow) with the organizational support of Agency 21 (St.-Petersburg)

Life. The science version Irina Aktuganova, Dmitry Pilikin, Dmitry Bulatov

39 Best Curator Project

The Exhibition «Life. The science version» was the curator exhibition project that has occupied the area of 750 square meters and represented the total installation performed in the genre of Hybrid media. The project curators were faced with an internal problem to create the hybrid environment bearing the modern cultural message. We had the following message: we, people, in our attempts to learn the real, to get to the bottom of the ontologic grounds, each time we’ve got stuck in ourselves, in our cultural and biological limits. In the given project the authors, retelling the scientific version of the Origin Myth, ascertain that we still know very little about the world in which we live — thta is why the life for us is the miracle. The authors as well assume that whatever forces have triggered this movie known under the name of life, this movie in fact has just begun. All the most interesting is still ahead. And We, our mind — is one of the evolution tools.

In the project all accessible media, technologies, genres and ways of thinking were used. Live beings, visual aids, museum pieces, objects with biofeedback, interactive panels, 3D animation, ordinary animation, video-mapping, robots, cellular automats, electronics, enhanced reality, science-art, Benar’s cells, human-machine interfaces, microvideo shooting and fine architectural-design work. In the project implementation scientists, artists, architects, engineers, journalists, museum specialists were involved. The foreign and Russian artists performing in the genre of science art: Leonel Moura (Portugal), Ralf Baecker (Germany), Byeong Sam Jeon (USA), Julian Oliver (Germany), Masato Sekine (Japan), Karolina Sobecka (USA), Jamie O'Shea (USA), Louis-Philippe Demers (Singapore), Dmitry Bulatov (Kaliningrad), Dmitry Kavarga (Moscow), Vladimir Grig (St. Petersburg), Evgeny Strelkov (Nizhni Novgorod). Designers, architects, video artists: Olga and Alexander Filimonovy (Samara), Eva Degtyaryova, Maxim Lushchik (St. Petersburg). Scientists: Konstantin Anokhin, Michael Burtsev, Timur Schukin (Moscow), Alexander Efremov, Pavel Gurin, Dmitry Zhukov (St. Petersburg). Journalists: Liubov Strelnikova, Asya Kazantseva, Elena Kokurina. And also: the engineers of Voronezh State University, Petersburg museum of pedology, Institute of the general genetics, besides, some videoclips were provided by our French partners. Also the content and the equipment were provided by 3D league and DNAtechnology.

Заложники пустоты Кирилл Алексеев, Кирилл Светляков

Лучший кураторский проект

Государственная Третьяковская Галерея 23.09—13.11.2011

Тема «пустоты» — фундаментальная тема в искусстве ХХ века. Влечение к пустоте и боязнь пустоты равным образом стимулировали художественное мышление на всем протяжении столетия, что позволило критикам говорить о кризисе визуальности и расценивать «пустоту» или «ничто» как основную среду обитания современного человека, несмотря на мнимое заполнение пустот с помощью масс-медиа и новых коммуникаций. Тем не менее, при всем интересе к пустым пространствам и неверии в зрение, художники ХХ века обнажали пустоту, чтобы актуализировать момент зрительного восприятия и сделать видимым процесс наблюдения за художественным объектом. Так «пустотный канон» стал единственным условием для включения зрителя в пространство рефлексии и саморефлексии. В русском искусстве ХХ века тематизация «пустоты» также стиму-

лировалась за счет литературных интенций, начиная от «философических писем» Чаадаева до произведений Соллогуба и Хармса. Цель проекта «Заложники пустоты» — проследить возникновение и историю пустых пространств в русском искусстве ХХ века от 1920-х годов (постсупрематический период) до современного искусства 2000-х, обнаружить внутренние структуры «пустот» в контексте перехода от традиционных искусств к новым медиа, от иллюзорных живописных и графических пространств к перцептивным пространствам инсталляций и видеопроекций. Это первая попытка нащупать нерв, описать эстетическое бессознательное русской культуры и смоделировать целостную историю отечественного искусства ХХ века, которая до сих пор в зрительском сознании распадается на отдельные эпизоды, фрагменты и «проекты».

The subject of “emptiness” is a fundamental topic in the art of the 20th century. Both leaning towards emptiness and fear of emptiness equally have been provoking artistic thinking over the century, which let critics talk about crisis of visual perception and regard “emptiness” or “nothingness” as the main environment of a contemporary man in spite of illusory filling up blanks by means of mass-media and new communications. However, with all due interest to empty spaces and unbelief in visual sense, the artists of the 20th century bared emptiness in order to actualize the moment of visual perception the process of watching an artistic object. So, the “canon of emptiness” has become the only condition for integrating a spectator into the space of reflection and self-

reflection. In the Russian art of the 20th century, thematic fronting of “emptiness” was also motivated at the cost of literature intentions, starting with “philosophic letters” by Chaadaev to the works of Sollogub and Kharms. The project “Victims of Emptiness” aims at watching how empty spaces in the Russian art were emerging and evolving in the 20th century, from 1920s (post supreme period) to the contemporary art of 2000s, revealing internal structures of “empty spaces” in the context of passage from traditional arts to the new media, from illusory painting and graphic spaces to the perceptive spaces of installations and video projections. This is the first attempt to feel for a nerve, describe the aesthetic unconscious of the Russian culture and simulate integral history of the native art of the 20th century, which is still falling into separate episodes, fragments and “projects” in the consciousness of the audience.

Victims of Emptiness Cyril Alexeev, Cyril Svetliakov

Best Curator Project

The State Tretyakov Gallery 23/09/2011 — 13/11/2011

COLLECTI@N

Сергей Братков и Владимир Юданов

Лучший кураторский проект

Организаторы: photohub_Manometr, REGINAGALLERY За последние годы практика показа частных коллекций в публичных пространствах стала хорошим тоном. Достаточно вспомнить выставку из собрания Чарльза Саатчи в «Государственном Эрмитаже» или показ коллекции греческого магната Дакиса Иоанну в «Новом Музее» Нью-Йорка. Следуя этому веянию, photohub_Manometr и REGINAGALLERY рады представить уникальную фотоколлекцию Сергея Браткова. Около 200 фотографий были собраны С.Братковым в глобальной сети в первой половине 2005 года. Это произведения 75 фотохудожников стран СНГ, объединенных темой телесности. Все 200 фоторабот разбиты на 16 направлений в искусстве. Зрителю предоставляется возможность увидеть ошеломляющую палитру пост-модернизма ХХ века, обнаружить и проследить рефлексии авторов на историю мировой фотографии.

Best Curator Project

Organizators: photohub_Manometr, REGINAGALLERY The practice of public private collection exhibiting has become a good form recently. Suffice it to mention an exhibition of a Charles Saatchi’s collection in the “State Hermitage Museum” in St. Petersburg or a Greek magnate Dakis Joannou’s collection in the “New Museum” of NYC. Following the trend, photohub_Manometr & ReginaGallery are glad to present Sergey Bratkov’s unique photo collection. In the first half of a 2005 Sergey has collected around 200 photos in a World Wide Web. These are the works of a 75 CIS artists united by a theme of a flesh. All 200 works are divided into 16 art trends. The spectator is given a possibility to see a stunning palette of 20th century postmodernism. To discover and track out the authors’ reflections on a world history of photography.

COLLECTI@N

Sergey Bratkov, Vladimir “voff “ Youdanov

МОДЕРНИКОН

Современное искусство из России

Лучший кураторский проект

Художники-участники проекта: Виктор Алимпиев, Саша Ауэрбах, Сергей Братков, Александра Галкина, Алина Гуткина, Дмитрий Гутов, Арсений Жиляев, Яков Каждан, Елена Ковылина, Андрей Кузькин, Владимир Логутов, Обледенение архитекторов, Анатолий Осмоловский, Анна Паркина, Павел Пепперштейн, Анастасия Рябова, Сергей Сапожников, Давид Тер-Оганьян, Ольга Чернышева, Стас Шурипа.

Фонд Виктория — Искусство быть Cовременным (Москва) и Фонд Sandretto Re Rebaudengo (Турин) в сотрудничестве с фондом открывают выставку, посвященную современному русскому искусству МОДЕРНИКОН. Современное искусство из России. Кураторы проекта — Франческо Бонами и Ирене Кальдерони. Выставка проходит под патронажем Министерства иностранных дел Италии и анонсирует программу культурных событий, организованных в рамках перекрестного года культуры и языка в России и Италии, которым станет следующий 2011 год. Проект исследует молодое искусство в стадии становления и представляет наиболее интересные новые художественные высказывания, созданные в стране, которая только недавно появилась на международной арт сцене. Система современного искусства в России сформировалась в 90-ые годы одновременно с политическими и социальными событиями, связанными с распадом Советсткого Союза. Тогда многие художники использовали искусство как инструмент прямого взаимодействия с действительностью. В то время, когда на Западе искусство представляло собой лабораторию — художественное поле для экспериментов; в России новое искусство имело более радикальную эстетику, отличавшуюся провокационностью и скандальностью, соединяло концептуальную поэтику с традициями авангарда. Сегодня в России современное искусство вступило в новую фазу своего развития, считает Анатолий Осмоловский — один из самых интересных и влиятельных русских художников. Идея художественной практики как формы прямого действия уступила место более рефлексивному подходу, ориентированному на произведение искусства, пересмотр наследия модернизма и его эстетических амбиций и социальное обновление. Связь между современностью и самой традиционной русской художественной формой заложена в названии выставки — МОДЕРНИКОН; в нем отразилось состояние искусства между настоящим

и прошлым, между образом, стремящимся к вечной новизне и текучести, и мифологией уже завершенного культурного проекта. Художники проекта МОДЕРНИКОН представляют свое видение этой точки развития российского искусства, создают образы c характерно сильной внутренней рефлексией. Некоторые из них, в том числе Анатолий Осмоловский, Дмитрий Гутов, Виктор Алимпиев, Владимир Логутов, Стаc Шурипа отстаивают позицию автономии художественного дискурса независимого произведения искусства, свободного от представления о реальности, путем экспериментов с потенциалом разных художественных средств — от живописи и скульптуры до видео и инсталляции. Другие художники выбирают иной путь — заряжают образы прошлого новой энергией и материальностью. Александра Галкина, Яков Каждан, Анна Паркина, Давид Тер-Оганьян присваивают узнаваемые художественные приемы супрематизма, конструктивизма и советской кинематографии, чтобы создать совершенно новый образный язык, на котором можно говорить об актуальных политических и социальных проблемах. Ольга Чернышева, Сергей Братков, Алина Гуткина пользуясь разными повествовательными средствами и инструментами, создают образдокумент, подвергают исследованию реальность постсоветского общества, молодежных субкультур, повседневной жизни, ставя под сомнение подлинность ее и самих себя. Работа, созданная Арсением Жиляевым, символически кратко резюмирует эти процессы. Выстраивая мемориальный архив-монумент радикальных девяностых годов, художник создает мифологии художников прошлого и в то же время открывает новое пространство для дискуссии и революционного творчества. В выставку вошли работы 20 художников; некоторые из которых уже известны на международной художественной сцене, другие — только появляются; ониработают в различныхтехниках — живопись,скульптура, видео, инсталляция. Проект включает в себя несколько новых работ, созданных специально для выставки. В обширный каталог войдет документация художественных произведений, а также критические тексты итальянских и русских авторов. Во время проведения выставки будут организованы встречи, дискуссии, конференции, кинопоказы, образовательные меро-приятия для взрослых и детей.

Artists: Victor Alimpiev, Alexandra Auerbakh, Sergey Bratkov, Olga Chernysheva, Alexandra Galkina, Dmitri Gutov, Alina Gutkina, Iced Architects, Yakov Kazhdan, Elena Kovylina, Andrey Kuzkin, Vladimir Logutov, Anatoly Osmolovsky, Anna Parkina, Pavel Pepperstein, Anastasia Ryabova, Sergey Sapozhnikov, Stanislav Shuripa, David Ter-Oganyan, Arseny Zhilyaev.

MODERNIKON Contemporary Art from Russia

45 Best Curator Project

Fondazione Sandretto Re Rebaudengo in Turin, in collaboration with Victoria — The Art of Being Contemporary foundation in Moscow, are delighted to present a major exhibition of Russian contemporary art, entitled MODERNIKON. Contemporary Art from Russia, curated by Francesco Bonami and Irene Calderoni. The exhibition has been organized with the support of The Ministry of Foreign Affairs and the Ministry of Cultural Heritage and Activities. 2011 marks a year of reciprocal exchange between Italy and Russia and the exhibition anticipates an extensive programme of cultural events to celebrate the Year of the Italian Culture and Language in Russia and of the Russian Culture and Language in Italy. The exhibition explores Russia’s young and still-evolving art scene of today, presenting the public with the newest artistic research from a country that has only recently presented itself on the international art scene. The contemporary art system in Russia was formed in the Nineties, concurrent with the extreme

political and social upheaval following the collapse of the Soviet Union. Many artists at that time considered art to be an instrument of social reform, a means with which to directly address the reality that had come out of the great traditions of their avant-garde history. The new art had political connotations and a radical aesthetic, characterized by a taste for provocation and scandal. Contemporary art in Russia today has entered a new phase, as stated by one of Russia’s most interesting and influential artists Anatoly Osmolovsky. The idea of artistic practice as a form of direct action has paved the way for a more reflective approach that focuses more on the work of art itself, reconsidering its modernist inheritance and ambitions of social and aesthetic reform. The title of the exhibition, Modernikon, merges its reference to modern with the most classical of Russian art forms; it is a word that is suspended between the present and the past, between the idea of an image that aims to transmit all things new and, at the same time, the mythology of an outdated cultural trend. The exhibition features the work of 20 artists, some of whom are already established on the international art scene and others who are still emerging. All the artists work with a wide range of media, from painting and sculpture to video, photography and installation. As well as existing works, there will be many new pieces especially commissioned for the exhibition. The show will be accompanied by a fully illustrated catalogue, featuring texts by both Italian and Russian art critics.

Спальный район Открытый урок

Лучший кураторский проект

Марина Звягинцева, Юрий Самодуров

Best Curator Project

«Спальный район. Открытый урок» — это тотальная инсталляция, размещенная на всех этажах школы. А фактически — мастер-класс современного искусства для учащихся, учителей, родителей и жителей спального района на Юго-Западе Москвы, где расположена знаменитая школа № 109, и для всех интересующихся актуальным искусством жителей нашего мегаполиса. К участию в проекте, основанном на принципах public art, были приглашены 58 современных художников. Среди авторов — Татьяна Антошина, Анна Броше, Александр Бродский, Владислав Ефимов, Константин Звездочетов, Марина Звягинцева, Юрий Злотников, группа «Синие носы» (Вячеслав Мизин, Александр Шабуров), Николай Полисский, Леонид Соков, Леонид Тишков, Игорь Шелковский и многие другие. Около 200 экспонатов выставки (живопись, скульптура, инсталляция, арт-объект, фотография, видеоарт, книга художника), каждый по отдельности и все вместе вступали в спор и перекличку с тем, что привыкли видеть в школе учителя и ученики.

“Bedroom suburb. Open lesson” is a total installation placed on all school stages. Actually, this is a master class of modern art for pupils, teachers, parents and habitants of the bedroom district in the South-West of Moscow, where the famous school 109 is situated, as well as for all citizens of this metropolis involved in actual art. Fifty eight contemporary artists were invited to take part in the project. Among the authors: Tatiana Antoshina, Anna Broche, Alexander Brodsky, Vladislav Efimov, Konstantin Zvezdochetov, Marina Zviagintseva, Jury Zlotnikov, the group “Blue Noses” (Viacheslav Mizin, Alexander Shaburov), Nikolai Polissky, Leonid Sokov, Leonid Tishkov, Igor Shelkovsky and many others. Approximately 200 exhibits (painting, sculpture, installation, art-object, photo, video-art, artist’s book), each one individually and all together argue and resonate with what teachers and pupils got accustomed to at school.

Bedroom suburb. Open lesson Marina Zviagintseva, Jury Samodurov

Неоакадемизм

Лучший кураторский проект

Аркадий Ипполитов, Александра Харитонова

Фонд культуры «ЕКАТЕРИНА» продолжает программу показа выставок, посвящённых отечественному искусству второй половины XX — начала XXI века. По инициативе и при поддержке Фонда в недавнем времени были осуществлены такие проекты как «Поле действия» и «К вывозу из СССР разрешено...», демонстрировавшие и исследовавшие такие явления в искусстве 1960-1980-х годов как московский нонконформизм и концептуализм. В ноябре 2011 — январе 2012 года в рамках 4-й Московской биеннале современного искусства в залах Фонда будет показан новый проект, посвящённый одному из самых интересных художественных явлений, сформировавшемуся в 1990-е годы в Санкт-Петербурге. Екатерина и Владимир Семенихины, учредители Фонда, рассказывая о проекте отметили следующее: «Идея показать в фонде выставку, посвящённую Новой Академии Изящных Искусств, созданной Тимуром Новиковым, пришла к нам несколько лет назад. На фоне происходящих сегодня как в российском, так и в мировом искусстве процессов — возвращению к картине, скульптуре, объекту, традиционным материалам, стремлению к «сделанности», техническому совершенству и красоте произведений, в том числе и в среде радикальных художников и сторонников нонспектакулярного искусства, такая выставка представляется нам особенно любопытной и актуальной». На выставке впервые собраны вместе произведения и совместные проекты четырнадцати художников — создателей и деятельных участников Новой Академии. Проект, включающий также объёмный каталог, можно назвать своего рода парадным шествием петербургского неоакадемизма — экспозиция разворачивается в залах здания, построенного по проекту петербургского архитектора Леонтия Бенуа в неоклассическом стиле. На выставке будет пред-

ставлено около 200 произведений, собранных из 40 российских коллекций, большую часть которых московская публика увидит впервые. Отдельный зал посвящён своеобразному манифесту неоакадемизма, проекту 1994 года «Passiones Luci» или «Золотой Осёл» по мотивам романа Апулея «Метаморфозы». В зале представлены костюмы и иллюстрации к роману, выполненные в революционной для своего времени технике компьютерной графики, а также другие произведения, тематически с проектом связанные. (Авторы: К. Гончаров, А. Соколов, О. Тобрелутс, Е. Андреева). Также в экспозиции показаны знаменитые видео, снятые неоакадемистами, в том числе «Манифест неоакадемизма» и «Золотое сечение». Организаторы выставки стремились к тому, чтобы продемонстрировать провозглашённый Тимуром Новиковым неоакадемизм во всём его многообразии: с момента основания Академии, первых манифестов, остроумной и ироничной игры с античностью, экспериментами с внедрением пластических образов классической скульптуры и живописи в контекст современности, и до перехода художников к так называемой Новой Серьёзности. Одной из самых интересных и сложных задач было показать своеобразие и оригинальность каждого из участников, в контексте общего вектора развития Новой Академии, который профессор НАИИ Ольга Тобрелутс остроумно определила как «архаика — классический период — эллинизм». Список художников: Георгий Гурьянов, Денис Егельский, Виктор Кузнецов, Ирена Куксенайте, Станислав Макаров, Владислав Мамышев-Монро, Олег Маслов & Виктор Кузнецов, Белла Матвеева, Андрей Медведев, Тимур Новиков, Егор Остров, Юлия Страусова, Ольга Тобрелутс, Андрей Хлобыстин

works assembled from 40 Russian collections, many of which the Moscow audience will see for the first time. A separate hall of the exhibition is devoted to a peculiar manifesto of neo-academism — the 1994 year project “Passiones Luci” or “The Golden Ass,” based on Apuleius’s novel “Metamorphoses.” The hall will expose costumes and the novel illustrations created in a revolutionary for that time technique of computer graphics technology as well as the other works thematically related to the project. (Authors: K. Goncharov, A. Sokolov, O. Tobreluts, E. Andreeva). On display will also be the famous videos, created by NeoAcademism artists, including “Manifest of Neo-Academism” and “Golden Ratio.” Having conceived the project, the organizers tried to portray the Neo-Academism as proclaimed by Timur Novikov in all its diversity since the Academy had been founded, the first manifestos, the witty and ironical play with antiquity, experiments incorporating the images and forms of classical sculpture and painting in the context of modern day, up to the artists’ transition to what they described as “New Seriousness”. One of the most interesting and challenging tasks was to show the uniqueness and originality of each of the participants in the context of the overall direction of development of the New Academy, which Professor of The New Academy of Fine Arts Olga Tobreluts cleverly described as “Archaic — Classical Period — Hellenism”. List of Artists: Georgy Guryanov, Denis Egelsky, Viktor Kuznetsov, Irena Kuksenaite, Stanislav Makarov, Vladislav Mamyshev-Monroe, Oleg Maslov & Viktor Kuznetsov, Bella Matveeva, Andrei Medvedev, Timur Novikov, Egor Ostrov, Julia Strausova, Olga Tobreluts, Andrei Khlobystin

The New Academy Arkady Ippolitov, Alexandra Kharitonova

49 Best Curator Project

The Ekaterina Cultural Foundation continues to show the exhibition program dedicated to the Russian art of the latter half of the 20th century — the beginning of the 21st century. In recent times, such projects as “Field of Action” and “Authorized for Export from the USSR…” were held on the initiative of and with the support of the Foundation. The projects demonstrated and investigated such phenomena in the Russian art life of the 1960’s through 1980’s as Moscow non-conformist art and Moscow Conceptualist Scholl. From November 2011 to January 2012 as a part of the 4th Moscow Biennale of Contemporary Art, the Foundation halls will display one more project dedicated to one of the most interesting artistic trends that developed in Saint Petersburg in the 1990s. The Ekaterina and Vladimir Semenikhin founders described the project by noting the following: “The idea of showing an exhibition dedicated to Timur Novikov’s New Academy of Fine Arts at our Foundation first occurred to us several years ago. Given the processes unfolding in Russian and world-wide international art today — return to the painting, sculpture, objects, traditional materials, “completeness” of the artwork, technical perfection and beauty — the principals shared by radical and “non-spectacular” artists, among others, such an exhibition seems to be of special interest and significance.” For the first time the exhibition will bring together the artworks and joint projects of fourteen artists — creators of the New Academy and its active participants. The project, including publication of a voluminous catalog, can be described as a type of ceremonial procession of the St. Petersburg Neo-Academism — the exposition takes place in the halls of the building designed in the neo-classical style by St. Petersburg architect Leonty Benois. The exhibition will show approximately 200

Домашнее видео

Лучший кураторский проект

Карина Караева, Виталий Пацюков

Домашнее видео — это обнаженное, пронзительное представление нас о самих себе, летопись наших личных и одновременно исторических состояний . Будучи извлеченным из «архива», оно невольно становится оппозицией социальной действительности. Вся его образность содержится в попытке удержать в памяти ускользающую жизнь, закрепить, зафиксировать то, что практически невозможно обозначить. В этом стремлении его технологии могут превратиться в навязчивую идею, как это произошло с героем фильма Бэнкси «Выход через сувенирную лавку». Разграничение пространства на личное и общественное в последние десятилетия становится ведущей темой современного искусства. Ее феноменальность обозначалась в проектах Виа Левандовского, в пластических размышлениях Вито Аккончи, в объектах Маурицио Кателлана. В отечественной культуре она обнаруживается прежде всего в инсталляциях Ильи Кабакова, определяемых законами коммунальной кухни, сводом правил выноса помойного ведра или регулярностью поведения ее обитателей. Инструментальность и философия домашнего видео уже жила в этих расслоенных пространствах, накапливая свою критическую массу, и не нуждаясь в акте отделения.

home video

Karina Karaeva, Vitaly Patsjukov

51 Best Curator Project

The home video is our naked shrill visualization of ourselves, chronicle of our personal, yet simultaneously historical states. Being taken from «archive», it involuntarily becomes an opposition to the social reality. All its imagination is rooted in the attempt to keep the escaping life in memory, to secure and fix that that is almost impossible to outline. In that aspiration its technology can turn into obsession as it happened with the hero of Banksy movie «The Exit through a souvenir shop». Space demarcation into personal and public in recent decades has become the leading theme in the modern art. Its phenomenon was taking shape in the projects of Via Levandovsky, in plastic reflections of Vito Akkonchi, in objects of Mauritsio Katellana. In our culture it is found first of all in Ilya Kabakov's installations that are defined by rules of joint kitchen, the code of rules for carrying out garbage bin or the regularity of its inhabitants’ behaviuor. Instrumentality and philosophy of home video already was part and parcel of those stratified spaces, accumulating its critical mass and not needing the act of separation.

Невозможное сообщество

Лучший кураторский проект

Виктор Мизиано

Исходно настоящий проект призван был быть персональной выставкой. Возникшая в Москве в конце 1990-х годов группа ESCAPE, получила приглашение ознаменовать десятилетие своей творческой деятельности монографическим показом в Московском музее современного искусства. После интенсивной дискуссии с приглашенным ею к сотрудничеству куратором Виктором Мизиано родилась идея — открыть эту выставку для других участников. Реляционное и диалогическое искусство художников ESCAPE предопределило, что юбилейная выставка для них — это не столько повод показать собственные произведения, сколько — вернуться к широкому обсуждению тем и проблем, занимавших их многие годы. Программа «искейпа» — ставка на «исход», родилась из сомнения в возможности реализоваться в рамках господствующей системы искусства, донести смыслы в рамках господствующих каналов репрезентации и коммуникации, обрести Другого в рамках господствующих социальных взаимодействий. Однако, что значит сегодня «исход»? Возможно ли создание иных альтернативных программ и социальных ниш? Возможно ли выстроить автономные зоны подлинной аутентичной коммуникации? Возможно ли ныне, в эпоху омассовленной коммуникации и потребления, вести разговор адресно, интимно и исповедально? Если же признать, что искусство обречено оставаться частью глобальной сети дистрибуции, «исход» может связываться со стратегией вируса, паразита, трикстера. Но можем ли мы сохранить автономность послания, обживая чужие места, структуры и языки? Или же подлинное послание способно трансцендировать транслирующие его средства и структуры? А может проблема не столько в структурах и языках, а в самом слепом доверии к акту коммуникации? К его мотивации, функции и прагматике? Может истинное сообщение — это то, которое лишено адресата? Может истинное действие — это то, которое лишено рациональной мотивации и находит в самом себе свои истинные основания? Наконец, не видя человеческих смыслов в господствующих социальных взаимодействиях, уверены ли мы, что сами способны создать связи и общности иного типа? Ведь столь часто попытки обрести Другого или построить сообщество оборачиваются нестер-

пимой мукой и кончаются неудачей. Может ничто нас не сплачивает столь безусловно, как общая неспособность быть друг-с-другом? Или может ностальгия по утраченной или никогда не имевшей места общности и есть наша единственная общая ценность? Или, может быть, радикальный аутизм и есть подлинный способ открыться Другому? Хотелось бы только понять, способны ли мы на диалог с самими собой? Все эти вопросы родились не сегодня, и не сегодня на них давали ответы. С ними вошли в искусству несколько поколений работающих ныне художников, продолжающих искать ответы на те же вопросы. Проект этот не претендует на то, что бы сказать нечто новое и окончательное, хотя и нет у него аргументов, отговаривающих от подобных усилий. Не претендует проект и на то, чтобы подводить итоги, хотя обобщение пройденного — неизменно залог движения к новому опыту. Скорее, мы хотели бы поставить вопрос: можно ли вновь отвечать на эти вопросы? Можно ли вновь отвечать на вопросы, на которые уже отвечал многократно, так и не найдя окончательного ответа? Особенно если вопросы были заданы тобой самим…

the translating means and structures? But what if the problem is not in structures and languages, but in blind belief in the act of communication? In the motivation, function and pragmatics? What if a true message is the message addressed to nobody? What if a true action is the action deprived of rational motivation and finds its true foundations in itself? Finally, with no human senses in dominating social interactions, are we sure that we are able to create communications and communities of a different type? In fact, the attempts to gain the Other, or form a community often turn into unbearable suffering and fail. What if there is nothing but general inability to be with one another that pull us together? Or, it is nostalgia for the lost community that is the only general value. Or, it is radical autism that is the true way to confide in the Other. I just would like to know, could we talk to self? All these questions were born not today, and not today they were answered. Several generations of artists working now enter the art with these questions and keep on searching answers. This project does not pretend to something new and conclusive, although there are no opposite arguments. It also does not pretend to draw up the results, though generalization of the completed is a true guarantee of movement to some new experience. I would rather put a question: can I answer these questions again? Can I answer the questions answered repeatedly with no definite answer? Particularly, if the questions were asked by self…

Impossible community Viktor Misiano

53 Best Curator Project

Initially, this project was designed to be a personal exhibition. A group ESCAPE which emerged in Moscow in late 1990s, received an invitation to commemorate the tenth anniversary of its creative activity with monographic show in the Moscow museum of the modern art. After the lively discussion with the invited administrator Viktor Misiano, a new idea was born: to open this exhibition for other participants. Relational and dialogical art of the ESCAPE artists has predetermined that the milestone exhibition for them is not so much an occasion to show their own pieces of work as to return to in-depth discussion of topics and issues that have excited them for years. The “Escape” program — stake on the “result” — was born from the doubt: is there is a chance to be realized within the limits of the dominating system of art, to bring home the ideas within the existing channels of representation, to gain the Other within prevailing social interactions. Still, what does the word “result” mean today? Is it possible to create different alternative programs and social niches? Is it possible to construct independent areas of true authentic communications? Is it possible now, under the epoch of massed communication and consumption, to hold a targeted, intimate and confessionary conversation. If we recognize that art is doomed to being a part of a global net of distribution, the “result” might be associated with a strategy of virus, parasite, trickster. But could we preserve independent nature of the message settling in alien places, structures and languages? Or, a true message can transcend

Space:open

Лучший кураторский проект

Евгения Никитина, Алексей Шевчук Проект “Space: open” был задуман как попытка осознания гуманитарной составляющей освоения космоса, вовлечения в разговор о значимости первого полета человека в космическое пространство молодой аудитории. Ресурсом, позволяющим эмоционально постичь всю глубину человеческих свершений в области космонавтики, влияния освоения космоса на расширение границ человеческого сознания, может стать современное искусство, которое, с одной стороны, является крайне привлекательным для молодого зрителя, с другой, — позволяет нетрадиционными методами проникнуть в суть мироздания. Искусство световой инсталляции до сих пор было представлено в Екатеринбурге достаточно слабо, поэтому привлечение к проекту молодого, но уже известного художника из Германии усилило интерес к проекту.

Best Curator Project

The project “Space:open” was design as an attempt to comprehend a humanitarian constituent part of space exploration, involving a young audience in the conversation about significance of the fist human space flight. Modern art that, on the one hand, is extremely attractive for a young spectator, while on the other hand, it gets an insight into the essence of the universe by untraditional means, may become a resource for emotional penetration into the depths of human achievements in the field of cosmonautics. Luminous installation art has been presented in Yekaterinburg poorly up to date, so participation in the project of a young still famous German artist enhances interest in this project.

Space:open

evgeniya nikitina, alexey shevchuk

Орден нищенствующих живописцев

Лучший кураторский проект

Владимир Назанский, Нодар Джобава

Подготовка проекта «Орден нищенствующих живописцев»(Арефьевский круг) заняла около года. Проект включает в себя подготовку и проведение выставки и составление и издание альбома. Выставка «Беспутные праведники. Орден нищенствующих живописцев» открылась 4 ноября в Новом музее. В экспозиции представлено около 200 работ легендарных художников ленинградского андеграунда — Александра Арефьева, Рихарда Васми, Шолома Шварца, Владимира Шагина и Валентина Громова. Уникальный проект реализован в сотрудничестве с Государственным Русским музеем, Государственной Третьяковской галереей, американским Jane Vorhees Zimmerli Art Museum, получившим в дар коллекцию Нортона Доджа (Нью-Джерси), ЦВЗ «Манеж», Государственным музеем «Царскосельская коллекция», Музеем нонконформистского искусства, Музеем истории города СанктПетербурга, а также с участием целого ряда российских и зарубежных частных коллекций. С творчеством художников этого круга связывают возникновение ленинградского андеграунда и одну из устойчивых линий его развития на протяжении не-

скольких десятилетий. Нищие, но внутренне свободные художники, жившие вне системы, создали в течение десятилетий достоверную, пластически выразительную картину питерской жизни. При жизни их почти не показывали, но они оставили разнообразное наследие, разобранное по многим государственным и частным собраниям. Парадоксально — но у них не было ни одной музейной выставки. Это первая коллективная ретроспектива такого формата. В течение почти года Новый музей собирал из многих источников материалы для альбома и выставки, вдохновляясь фундаментальностью задачи. К открытию выставки издан альбом (об Арефьевском круге, 376 стр.)- «Орден непродающихся живописцев», в котором представлены также и работы не вошедшие в экспозицию, часть из них (из американских коллекций) впервые публикуются в России. Авторы текстов к альбому: Екатерина Андреева, Любовь Гуревич, Владимир Назанский, Дмитрий Шагин, Елизавета Шагина. Альбом включает около 400 репродукций. На выставке представлена 3d инсталляция по сюжету серии картин Александра Арефьева «Бреды», авторы инсталляции — Нодар Джобава и Дмитрий Грошиков.

inwardly free artists living outside the system, over decades created an authentic, plastically expressive picture of St. Petersburg life. During their life their works haven’t been shown, but they left varied heritage, parsed by many public and private collections. Paradoxically, but they didn’t have a single museum exhibition. It is first collective retrospective in that format. For nearly a year the Novy Museum was collecting material from many sources for the book and exhibition, inspired by the fundamental idea. The book “The Order of Mendicant Artists” was published by the opening of the exhibition. It includes the works of the artists, which are not shown on the exhibition, and some of them (from American collections) are published in Russia first time. Authors of the texts are Ekaterina Andreeva, Ljubov Gurevich, Vladimir Nazansky, Dmitry Shagin, Elizaveta Shagina. Book includes about 400 reproductions. The exhibition shows 3D installation on the subject of series of paintings by Aleksandr Arefiev “Delirium”, the authors of the installation are Nodar Dzhobava and Dmitry Groshikov.

The Order of Mendicant Artists

vladimir nazanskyi, nodar dzhobava

57 Best Curator Project

“The Order of Mendicant Artists” (Arefievsky Circle) was prepared in one year. It includes preparation of the exhibition, compilation and publication of the book. The exhibition “Dissolute Righteous. The Order of Mendicant Artists” was opened on 4th of November in the Novy Museum. There is about 200 works of legendary artists of the Leningrad underground, such as Aleksandr Arefiev, Richard Vasmi, Sholom Shvarts, Vladimir Shagin and Valentin Gromov. This unique project was realized in cooperation with the State Russian Museum, the State Tretyakov Gallery, the American Jane Voorhees Zimmerli Art Museum, which received a collection of Norton Dodge (New Jersey) as a gift, the Central Exhibition Hall “Manege”, the State Museum “Tsarskoselskaya Collection”, the Museum of Nonconformist Art, the Museum of the History of St. Petersburg, as well as with a number of Russian and foreign private collections. The emergence of the Leningrad underground and one of the stable lines of its development over several decades are linked to creativity of the artists of this circle. Mendicant, but

ВИДЕО ПАРАД: 89 СЕКУНД В АЛЬКАСАРЕ

Лучший кураторский проект

Фонд ПРО АРТЕ

Best Curator Project

Видеоинсталляция: цифровое видео, цветная прямая проекция, звук, размер изображения 2,5 х 4,5 м, закольцованное видео 10 мин. Режиссер: Ив Сассман. Хореография: Клаудиа де Серпа Соарес. Костюмы: Карен Янг. Звук: Джонатан Беплер. В ролях: Король Филипп IV — Джефф Вуд, королева Мариана — Хелен Пикет, Диего Веласкес — Вальтер Сипсер.

Video installation: digital video, colored direct projection, sound, image size 2.5 х 4.5 m, 10 min loop video. Director: Eve Sassman. Choreographer: Claudia de Serpa Soares. Costumes: Karen Young. Sound: Jonathan Bepler. Cast: King Philipp IV — Jeff Budd, Queen Marianne — Helen Piquet, Diego Velasquez — Walter Sipser.

Отправной точкой для проекта послужила знаменитая картина Диего Веласкеса «Менины» — портрет испанской королевской семьи, написанный в 1656 году и находящийся в Музее Прадо, Мадрид. Видео представляет собой фантазию художницы о том, что могло происходить до и после момента, запечатленного на картине: королевская семья в присутствии нескольких придворных позирует художнику. Для того чтобы снять «89 секунд в Алькасаре», художнице потребовалось собрать команду из 35 человек, включая архитектора, декоратора, хореографа, костюмера, актеров и съемочную группу. Панорамная видеосъемка заняла 4 дня, для осуществления проекта потребовалось три года. Художница о своей работе: «89 секунд в Алькасаре» — это видеоработа, тщательно сконструированная по знаменитой картине Веласкеса и снятая в жанре cinema verite. Видео выглядит совершенно барочным, но вдохновение черпалось из абсолютно другого источника — из интереса к повседневному… Соединяя единственную сцену, которую мы видим на картине, с цепью событий, предшествовавших и последовавших ей, я попыталась скорее придумать сценарий и хореографию для человеческого тела, чем просто задокументировать какие-либо движения.

The starting point of the project is a famous painting by Diego Velasquez LAS MENINAS depicting the Spanish royal family, dating back to 1656 and exhibited at the Prado Museum, Madrid. The video is an artist’s idea of what might have happened before and after the moment in the painting: the royal family posing for the painter in the presence of some court nobility. To shoot 89 Seconds in Alcazar the artist combined a team of 35 persons, including an architect, decorator, choreographer, costume artist, actors, and production team. The panoramic video took 4 days to shoot, and it took three years to complete the project. The artist about her work: My piece, 89 Seconds at Alcazar (2004), is a carefully constructed video that takes Diego Velazquez’ famous painting... as a point of departure, treating it as the seminal cinema verite film still (a style of documentary filmmaking, combining naturalistic techniques with stylized cinematic devices of editing and camerawork, staged set-ups, and the use of the camera to provoke subjects). The piece ultimately looks baroque but was inspired by the opposite — an interest in the everyday... By linking the singular scene of the painting with a continuity of events I attempted to script and choreograph body language, instead of simply obser-ving it in everyday life.

VIDEO PARADE: 89 SECONDS AT ALCAZAR PRO ARTE Fund

Concept art confession group (CAC)

Лучший кураторский проект

Изабелла Тарасова, Олег Шобин

Concept art confession group (CAC) — это объединение живописцев, скульпторов, фотографа и кураторов. Группа единомышленников, которые несмотря на яркую художественную индивидуальность каждого участника, создают симбиоз различных видов искусств, мыслят, ищут направления и создают работы вместе на протяжении длительного времени. Что отличает их от многих арт-групп, где соединение художников и разных видов искусств происходит для одноразовой акции,инсталляции, создания одного арт-объекта, САС существует по иному принципу, что делает их схожими,скорее с творческими объединения начала 20 века. САС отличает также проектное мышление. Авторы создают не просто отдельно взятые объекты, картины, скульптуры, но разрабатывают концепцию, объединяющую все работы в единую экспозицию,поэтому не представляется возможным выделить одну работу или одного автора. Все реализованные группой проекты необходимо рассматривать в целом. Проекты,созданные САС при разнообразии техники, стиля, и художественного языка, мнений и взглядов художников объединены единым посылом и общим вектором. Это вторая причина по которой

представляется затруднительным выделить один проект. САС — объединение, группа, работающая совместно и совместно реализующая творческие идеи. CAC на актуальном и современном своему зрителю художественном языке затрагивает заглавные темы искусства на протяжении всего его существования: человек, его слабости, страхи,духовная сознательность и подсознание, смерть, самоидентификация в окружающем мире и попытки определения себя через работу умственную, а порой просто интуитивное ощущение своего внутреннего «Я». Одно из основных положений группы — создавать искусство в чистой форме, без подмены на дизайн ,на смелость экспонирования объектов, чье достоинство лишь в том, что ранее подобное не выставлялось в залах , эпатаж итд. Каждый автор, реализуя собственное видение и используя разные стили, экспериментируя с техниками и методами, стремится к сохранению смысловой нагрузки, эмоциональной напряженности, подтекстов, драматургии, использованию символов и метафор. А поэтика, мастерство, стиль и оригинальность идей и являются основными характеристиками творчества проекта Сoncept/Art/Confession Group.

«Красное»

Concept art confession group (CAC) Isabella Tarasova, Oleg Shobin Concept art confession group (CAC) is an association of painters, sculptors, photographers and curators. This group of like-minded fellows who, despite of their bright artistic individuality, create a symbiosis of various art forms, think, look for directions and create their art works together over a long period of time. The CAC group is distinguished from many art groups, which combine painters and performers of other art forms only for one-time action, installation, art object, by the other principle of existence, and this principle makes it similar to the creative associations existed at the beginning of the 20th century. The CAC group is distinguished by its project thinking. The authors create not only individually taken objects, pictures, sculptures but develop the conception combining all art works in the integrated exposition, hence it is unpractical to separate one work or one author. All projects realized by the group must be analyzed as a whole. The projects created by the CAC group combining the variety of techniques, style and artistic language, opinions and judgments of artists are united by the common send and the whole vector. It is the second reason why it seems difficult to separate one project. CAC –is a group working conjointly and realizing creative ideas collectively. Using the actual and modern artistic language, well known to spectators, the CAC group touches the capital themes of art during the whole period of its existence: human being, his weaknesses, fears, spiritual consciousness and subconsciousness, death, self identification in the outworld and attempts to define himself through brain work and occasionally his intuitive sensation of his inner self. One of the main aims of the group is to create the art in absolute form, without substitution by design, by boldness of objects exposure whose dignity was only the fact that similar things were not exhibited earlier, the outrageous and etc. Each author realizing his own vision and using various styles, experimenting with techniques and methods, tends to keep the notional load, emotional tension, subtexts, dramaturgy, usage of symbols and metaphors. At the same time, the poetics, mastership and originality of ideas are the basic characteristics of the Concept/Art/ Confession Group project creative work.

«Реконструкция № 1»

«Собственность сознания»

Brain fashion

Киберфест

Лучший кураторский проект

Анна Франц, Марина Колдобская, София Кудрявцева, Виктория Илюшкина

Мы можем восхищаться искусством, не задумываясь и не вполне понимая его источники и цели. Зигмунд Фрейд в сочинении «Моисей Микеланжело» отметил «очевидно пародоксальный факт, что наиболее грандиозные и впечатляющие произведения искусства представляют собой неразрешимые загадки для понимания. Мы восторгаемся ими, испытываем перед ними благоговейный трепет, но не можем сказать, что в точности они для нас представляют». Фрейд высказал предположение, ставшее хрестоматийным, что наш ответ на искусство должен быть порожден балансом интеллектуальной оценки и эмоциональных установок, зависящих от предыдущего личного и коллективного опыта. Кибер-искусство бросает вызов этой общепринятой идее, поскольку использует технологии как материал, который является для нас наименее эмоционально окрашенным и очень слабо прописанным в историческом опыте. Более того, этот парадокс не разрешается, а углубляется по мере накопления опыта медиаискусства. В то время как живопись и скульптура вневременны (во всяком случае, по замыслу), составляющие

медиаискусства — программы, технологии и (в первую очередь) аудитория — подвергаются постоянным переменам, и чем дальше, тем быстрее. Поэтому использование новых технологий обязывает художника вырваться из детерменистской природы традиционных видов искусства и изобрести свой язык. Несмотря на кажущуюся холодность киберпространства, не имеющего телесно-эмоциональных привязок, таких, как запах масляной краски или пластичность глины, оно является одним из самых выразительных художественных медиумов, подчистую разрушающих наше представление о критериях творчества. Хотя до сих пор современнику трудно поверить в то, что программирование — одна из самых завораживающих профессий в современном искусстве. Новые возможности накладывают и новые обязательства. Медиа-художник, изобретая новый язык, несет ответственность за то, что он на нем говорит. Я хотела бы процитировать поэта времен прошлой технологической революции: «Да отсохнет язык у колокола, если он трезвонит зазря!»

CYBERFEST

media art-programs, technologies and (first and foremost) audiences — are subject to constant changes, and the further the faster. Therefore, the use of new technologies calls for the artist to break away from the deterministic nature of traditional art forms and to invent a new tongue. Despite an apparent coldness of the cyber space that has no corporalemotional references such as the smell or oil colors or the plasticity of clay, it is one of the most expressive artistic media that razes to the ground our notion of the creative criteria. Notwithstanding, our contemporary still finds it hard to believe that the computer programming is one of the most spellbinding professions in the contemporary art. New possibilities impose new responsibilities. The media artist that invents a new tongue is held accountable for what he says in it. I would like to quote the poet from the times of the past technological revolution: “Let the tongue of a bell fall out if it does its ringing in vain!”

aNNA FRANZ, MARNA KOLDOBSKAYA, SOFIA KUDRYAVTSEVA, VICTORIA ILYUSHKINA

63 Best Curator Project

We can admire art without giving it much thought and without fully understanding its sources and goals. In his essay The Moses of Michelangelo, Sigmund Freud noted “the apparently paradoxical fact that the grandest and most overwhelming works of art are unsolvable riddles to our understanding. We feel admiration and awe before them, but we are unable to formulate their precise meaning for us”. Freud offered a suggestion, which since became a classic, that our response to art should be engendered by the balance of an intellectual evaluation and emotional attitudes that rely on the previous personal and collective experiences. Cyber art challenges this generally-accepted notion because it uses technologies as the material that, to us, is the least emotionally-tinted and barely articulated in the historical experience. Furthermore, not only this paradox does not get solved, it deepens as the experience of media art accumulates. While painting and sculpture are timeless (in any event, in their conception), the components of

е е ш е Луч и н е д е в з и о р п о г о н ь л а визу ва т сс у иск ект бъ

йо ы в о к стан

t r a l a u s

i v t bes t c e j pro

Пластиковая живопись Полина Афейчук

Лучшее произведение визуального искусства

Родилась во Владивостоке. 1995–2000 г. — Владивостокское художественное училище. 2001–2006 г. — Санкт-Петербургская Государственная Художественно-Промышленная Академия им. В.И. Мухиной, отделение монументальной живописи.

Best Visual Art Project

По своей природе искусство Полины Афейчук по настоящему — искусство 21 века — технологическое, индустриальное, урбанистическое, и даже экологическое. Искусство Полины Афейчук технологично и индустриально по своей природе, поскольку использует материал, активно функционирующий в промышленном производстве — пластик. Ее искусство урбанистично — так как пластиковые предметы в своем множестве и разнообразии обитают в крупных мегаполисах, с большим населением, имеющим постоянную необходимость упаковывать множество аксессуаров в пластик для их потребления и освоения. Но при этом искусство Полины — экологично, ведь художница использует уже пустые упаковки, выброшенные и ненужные. Тем самым художница утилизирует отходы, превращая их через трансформацию в искусство. Художница ищет красоту в обыденном мире, который нас окружает, и использует его части для своих произведений. Произведения Полины Афейчук, органично вписываются в общий контекст искусства, работающего с мусором («мерц-живопись» Курта Швиттерса, «комбинированная живопись» Роберта Раушенберга, «аккумуляции» АрмаShe was born in Vladivostok 1995–2000 — Vladivostok art school. 2001-2006 — St. Petersburg State Art Industrial Academy named after V.I. Mukhina, department of monumental painting. The art of Polina Afeichuk in itself is really the art of 21 century — technological, industrial, urbanistic and even ecological. The art of Polina Afeichuk is technological and industrial because she uses the material which is used actively in the industrial production — plastic. Her art is urbanistic since plastic objects live in big megapolises in great numbers and varieties, they are used by residents who have permanent necessity to pack in plastic dozens of accessories intended for usage and consumption. At

на), но ее искусство лишено имитаций уже существующих моделей и техник. В своих работах она упорно ведет поиск собственного языка. Художница выявляет новые формы и цвета, фактически пишет пластиком как маслом — пастозно, мощно и смело. Кроме живописания пластиком, в арсенале Афейчук имеется конструирование пластикатовых рельефов, а также совмещение традиционных материалов и новой техники.

the same time, the art of Polina is ecological because the painter uses empty, discarded and unneeded packs. So, the painter reclaims waste products transforming them into the art. The painter is searching for beauty in the ordinary world which surrounds us, and she uses its parts for creating her art works. The art works of Polina Afeichuk fit well into the overall context of art dealing with waste products (Merz-art of Kurt Schwitters, combined pictorial art of Robert Rauschenberg, accumulations of Arman), but her art is free of imitations of the existing models and techniques. She is searching insistently for her own language in her works. The painter discovers new forms and colors, in practice, she paints with plastic like with oil — pastous, powerfully and boldly. In addition to painting with plastic, Afeichuk constructs plastic profiles and combines traditional materials and new technique.

plastic art Polina Afeichuk

северсталь

Лучшее произведение визуального искусства

Стас Багс

Best Visual Art Project

Проект состоит из 5 живописных холстов с изображением подводной лодки Северсталь; инсталляции, состоящей из 6 резиновых механических конструкций, аудиоисталляци со звуком, имитирующем звуки внутри подводной лодки. И скульптуры человека в ванной в натуральную величину. Проект «Северсталь» обращен к мифам и реальности атомной подлодки ТК-20 «Северсталь», шестому кораблю топ-секретного проекта «Акула». Крупнейший на свете ракетоносец длиной почти 200 метров с экипажем в полторы сотни человек стремительно уходит под лед Северного Ледовитого океана и за полгода автономного плавания на глубине в несколько сот метров уходит от преследования вражеских спутников. А потом вдруг, прямо из-подо льда, выпускает ракету, которая за долю секунды пронзает инертную массу океана и поражает цель на другом континенте. Сегодня гигантский герой флота, лебединая песня СССР томится и гниет в засекреченном порту. Мощь его, отраженная в названии, в котором звучит героический штурм льдов севера, где поют стальные мускулы и нервы, никому не нужна. Огромная стальная махина помнит свою силу, слышит гул моторов, ощущает толщу воды над собой. Вновь и вновь, в сомнамбулическом трансе вселенной, она плавно и стремительно идет подо льдами, движимая своими двигателями и бережно храня стук сердец матросов-подводников, новых героев-Ион, заточенных в ее стальном чреве. Их души мерцают на глубине, запретив себе вспоминать слово «Курск». Стас Багс действует вроде бы простыми средствами. Он оперирует с эластичными мифами советского строя, докапывается до стальной сути героического. С одной стороны, он не пробуждает духи и мифы. С другой, не уходит в педантичный формализм. Поэтика проекта «Северсталь» находится совсем в иной плоскости, ставя зрителя лицом к лицу с жесткой реальностью универсума как такового. Проект констатирует суровое здесь-и-сейчас идей прошлого, одухотворяет их историю, артикулирует ужас их постбытия. Сегодня только художник способен дистанцироваться от истории настолько, чтобы, восприняв ее как «другое-чужое-не свое», заставить услышать дребезжание ее хода. Развенчать миф просто, поддерживать его — еще проще. Сложно приостановить его ход и посмотреть на него прямо и не мигая.

The project consists of 5 painting canvases depicting the submarine “Severstal’”; an installation containing 6 rubber mechanic constructions, audio installation with a sound imitating the sounds inside a submarine. Apart from this, there is a life-sized sculpture of a man in the bathroom. The project “Severstal’” is addressed to myths and reality of the atomic submarine TK-20 “Severstal’”, the sixth ship of the top-secret project “Shark”. The largest in the world missile carrier of almost 200 meters in length with the crew numbering a hundred and a half persons rapidly goes under the ice of the Arctic ocean, and during a half-year independent sailing at the depth of several hundred meters is shaking off the pursuer of enemy satellites. Then suddenly, straightforward from under the ice, she launches the missile, which in a fraction of a second, thrusts through the inert mass of the ocean and hits a target on the other continent. Today, the giant hero of the fleet, a swan song of the USSR is rusting and rotting in a secure port. Her power reflected in the name that sounds as heroic storm of northern ices, as a song of steel muscles and nerves, is castaway now. The huge steel sockdolager remembers her power, hears the drones of motors, and feels the blue… Time and time again, in the universe somnambular trance, she goes under the ice steadily and rapidly, moved by her engines, treasuring the beating of hearts of sailors-submariners, new heroes-Jonahs, imprisoned in her steel belly. Their souls are gleaming at the depth having enforced a taboo on the word “Kursk”. Stas Bags seems to deal with simple means. He manipulates elastic myths of the Soviet regime, gaining an insight into the steel essence of heroism. On the one hand, he does not excite spirits and myths. On the other hand, he does not sink into pedantic formalism. Poetics of the project “Severstal’” is in an absolutely different dimension, making the spectator face severe reality of the universe. The project states rough here-and-now state of the past ideas, spiritualizing their history and articulating their horrible post-existence. Today, only an artist can distance himself from the history so that having perceived it as “differentalien-not mine” object, could make us hear rattling of the cavalcade of history. To dispel a myth is easy, and to hold it up is even easier. It is hard to stop it course and look it broadly in the face.

Severstal’ Stas Bags

Игра

Лучшее произведение визуального искусства

Владимир Григ Инсталляция состоит из пяти тонированных скульптур, выполненных в технике армированного полистирола. Игра одна из главных и древнейших форм эстетической деятельности, т. е. неутилитарной, совершаемой ради нее самой и доставляющей, как правило, ее участникам и зрителям эстетическое наслаждение, удовольствие, радость. Принципиально непродуктивный и внерациональный характер игры издревле связал ее с сакральными и культовыми действами, с искусством, наделил таинственными, магическими смыслами. Художник погружает нас в амбивалентный мир, в котором попеременно сменяют друг друга рай и ад отчасти сознательных и подсознательных ассоциаций.

Best Visual Art Project

The installation consists of five tinted sculptures made in the technique of reinforced polystyrene. Game one of the major and oldest forms of aesthetic activity, ie, non-use which is performed for its own sake, and delivering, as a rule, its participants and spectators of aesthetic pleasure, the pleasure and joy. Fundamentally unproductive and non-rational nature of the game from ancient times linked it with sacred and cult activities, the arts, gave the mysterious, magical meanings. Artist puts us in an ambiguous world in which alternately succeed one another heaven and hell kind of conscious and unconscious associations.

The Game Vladimir Grig

Россия — страна возможностей Лучшее произведение визуального искусства

Ольга Житлина

Настольная игра «Россия — страна возможностей» — это способ рассказать о возможных сценариях судеб миллионов мигрантов, ежегодно приезжающих на заработки в Российскую Федерацию из бывших советских республик Центральной Азии. Наша цель — дать возможность играющим ощутить себя «в шкуре» мигранта, прочувствовать все риски и варианты, понять соотношение игры случая и личной ответственности, и таким образом ответить на такие вопросы-обвинения в адрес мигрантов, как например: «Почему они работают нелегально?», «Зачем они соглашаются на такие условия?». С другой стороны, только описав лабиринтообразную схему правил, обманов, бюрократических препон и ловушек, по которой устроена миграция в сегодняшней России, мы получаем общее видение того, как можно действовать внутри этой схемы, и того, что в ней необходимо изменить. Больше всего мы надеемся на то, что вскоре эта игра станет документом историческим.

Russia — The Land of Opportunity board game is a means of talking about the possible ways that the destinies of the millions of immigrants who come annually to the Russian Federation from the former Soviet Central Asian republics to earn money play out. Our goal is to give players the chance to live in the shoes of a foreign worker, to feel all the risks and opportunities, to understand the play between luck and personal responsibility, and thus answer the accusatory questions often addressed to immigrants — for example, “Why do they work illegally? Why do they agree to such conditions?” On the other hand, only by describing the labyrinth of rules, deceptions, bureaucratic obstacles and traps that constitute immigration in today’s Russia can we get an overall picture of how one can operate within this scheme and what in it needs to be changed. We would like most of all for this game to become a historical document.

Russia — The Land of Opportunity olga Zhitlina

Усталые вещи Денис Ичитовкин, Егор Ичитовкин

Лучшее произведение визуального искусства

Техника: Пастель (пастель/обои) Проект реализован в галерее «Modernariаt» в рамках выставки «Обнуление» в апреле 2011 года. Пространство, вдохновившее братьев Ичитовкиных на этот проект, представляет собой коммунальную квартиру, сохранившуюся без изменений с 70-х годов., таким образом являющуюся артефактом советского коммунального быта. Именно артефакты, а не просто вещи советского времени становятся героями цикла работ «Усталые вещи». Они, многое повидавшие, многие даже войну, достойны по мнению авторов на «увековечивание» и возвеличивание в портретах, не смотря на то, что фоном, да собственно и материалом для портретов становятся родные им, потрепанные обои, на которых провели они свою, полную событий, жизнь.

Best Visual Art Project

The technique: (pastel/wallpaper) The space that has inspired the Ichitovkin brothers to this project represents a multifamily flat unaltered since the 1970s, and thus being an artifact of the Soviet communal everyday life. The artifacts rather than mere things of the Soviet period become personages of the cycle “The Tired Things”. They, which have seen a lot, even war, in the authors’ opinion are worth “perpetuation” and magnification in portraits in spite of the fact that the shabby wallpaper where these things got through their eventful life serve as the background, and, more than that, the material for the portraits.

The Tired Things Denis Ichitovkin, Egor Ichitovkin

Личные письма

Лучшее произведение визуального искусства

Энвиль Касимов

В проекте «Личные письма» Энвиль Касимов дает волю своей неугомонной тяге к социальному активизму и самопознанию. Художник написал письма людям, которые в той или иной степени повлияли на него, приняли участие в его жизни: Эйнштейн, Че Гевара, Владимир Маяковский, Мэрлин Монро…. Когда принесли письма на почту, то, несмотря на смерть адресатов, письма были приняты сотрудниками почтового ведомства и отправлены по адресам жительства друзей Энвиля Касимова. Большая часть из них вернулась с отметками «адресат выбыл». Эти письма привели автора ко многим размышлениям — о том, что такое смерть и что такое память. Реанимируя утраченную культуру рукописного письма, художник менял и образ своих мыслей, и самого себя. Премьера проекта состоялась в июле 2011 г. в 11 почтовом отделении связи столицы Удмуртии.

Best Visual Art Project

In the project “Personal letters”, Envil Kasimov let loose his restless craving for social activism and self-cognition. The artist wrote letters to people who, more or less, have affected his life: Einstein, Che Guevara, Vladimir Majakovsky, Marilyn Monroe… When brought to the post office, the letters were received by post men despite the people addressed were dead, then the letters were sent to the addresses of Emil Kasimov’s friends. Many of them were returned with a mark “Undeliverable”. Those letters made the author ponder what the death and what the memory are. Breathing new life to the lost culture of the handwritten letter, the artist was changing both his way of thinking and himself. The first night of this project was performed in July, 2011, in the 11th post office of the Udmurtian capital.

Personal letters Envil Kasimov

Вечные ценности

Лучшее произведение визуального искусства

Владимир Козин

Best Visual Art Project

Владимир Козин родился в 1953 в г. во Львове. Окончил Ленинградское высшее художественнопромышленное училище им. В.И. Мухиной Член Союза художников. С 1996 — участник художественного товарищества «Новые Тупые». Директор альтернативного музея современного искусства «Мышеловка современного искусства», один из учредителей галереи «PARAZIT». Работает в жанрах инсталляции, перфоманса, фото, видео, авторской книги. Живет и работает в СанктПетербурге.

вдруг оборачиваются колючей проволокой. Тяжеловесные и хрупкие, страшноватые и трогательные, нелепые и безупречно логичные, объекты Козина становятся памятниками самим себе. Художник превращает в черные силуэты то, что должно быть живописно-цветным, в скульптуру — то, что должно быть плоским, делает мизерное — монументальным, величавое — смехотворным, полузабытое — незабвенным, мертвое — еще более мертвым. Марина Колдобская.

Резиновые изделия Владимира Козина — одновременно и мемуары и монументы. До боли знакомые бытовые предметы — из советского детства, из прежней жизни — пистолет Макарова, лампочка с патроном, унитаз с бачком, ботинки с коньками, орден Ленина, «Черный квадрат». Художник воспроизводит их в гигантском размере из проволоки, обтянутой, как шкурой, автомобильной резиной. Резина — материал загадочный. Грязновато-черная, шершавая и в то же время нежная, в почти человеческих рубцах, потертостях и порезах, со следами тысяч километров, намотанных по российским дорогам. Она воняет и пачкает руки. Издалека смахивает на мемориальный гранит. Торчащие скрепы каркаса

Vladimir Kozin was born in 1953 in Lviv. He graduated from Mukhina Leningrad Higher School of Art and Industry. Since 1996 he has been a member of the artistic group «The New Dumb». He is a member of the Union of Artists of Russia, the director of an alternative museum of contemporary art «Contemporary Art Mousetrap» and also one of the founders of the PARAZIT Gallery. Kozin works in the genres of installation, performance, photo, video, and books d’auteur. He lives and works in St.Petersburg. Vladimir Kozin’s rubber items are memoirs and monuments at the same time. Everyday objects are painfully familiar — they are from the Soviet childhood, from the previous life — a Makarov

gun, a socket, a toilet bowl with a flashing tank, skating boots, the Order of Lenin, the «Black Square» by Malevich. Rubber is a mysterious material — dirty black, rough and tender at the same time, covered with almost human scars, scuffs and cuts, with traces of thousands of kilometers of Russian roads. It stinks and makes your hands dirty. Braces, sticking out from the frame, suddenly turn into barbwire. Heavy and fragile, scary and touching, absurd and perfectly logical, Kozin’s objects become monuments to themselves. The artist turns things that should be brightly colourful into black silhouettes, things that are supposed to be flat — into sculpture; he makes the miserly- monumental, the majestic — ridiculous, the forgotten — unforgettable, and the dead — even more dead.

eternal Values Vladimir Kozin

Фундамент

Лучшее произведение визуального искусства

Вадим Комиссаров

Проект состоит из блоков, состоящих из залитых цементом компьютерных микросхем и других технических деталей. Блоки располагаются ниже уровня пола под витриной в виде фундамента. Функционально и идейно проект связан с Музеем связи в Петербурге, где он располагается в атриуме, связанным с космической эрой новейшего времени. Расположен проект под стеклянной витриной ниже уровня пола. Так есть ассоциации с музейной практикой оставлять первоначальную часть фундамента в исторических объектах. Идея проекта соотносится с археологией, когда в окаменелостях находят мелкие ракушки и останки насекомых, живших миллионы лет назад. Большинство современных технических устройств очень хрупкие и имеют достаточно короткий срок службы. Залив их бетоном, создаётся прочный фундамент для будущего. Также это, своего рода, консервация сегодняшнего дня для грядущих поколений.

Best Visual Art Project

The project consists of the blocks, consisting of computer chips and other technical details in the cement. The blocks are located below the floor level under a showcase in the form of a foundation. Functional and conceptual design of the museum context in St Petersburg, where he is located in the atrium spacerelated era of modern times. The project is located under glass case below the floor level. So is the association with the museum’s practice of leaving the initial part of the foundation in historical sites. The project idea is related to archeology, when the fossils are the remains of tiny shells and insects that lived millions of years ago. Most modern technical devices are fragile and have a fairly short lifespan. Gulf of them with concrete, creates a solid foundation for the future. This is also a kind of conservation today for future generations.

foundation Vadim Komissarov

Чистая формальность

Лучшее произведение визуального искусства

Михаил лёзин

Best Visual Art Project

Михаил Лёзин, родился в 1974 г., с 1988 г. включается в художественную проектную деятельность, занимается самообразованием как художник и музыкант, выступает организатором творческого объединения «Внедры», состоит в творческом союзе «Солярис». Живёт и работает в Тольятти. Приступая к созданию новой работы, Михаил Лёзин не стремится к какому-то заранее намеченному результату. Художника интересует сосуществование и конфликт начальной бесформенности и геометрических структур, а также процесс «старения», движения работ во времени — изменения красочного слоя, пожелтения бумаги, приобретения новых, ранее невидимых свойств. Почти все свои работы автор оставляет неназванными, и почти все они выполнены на дешевой бумаге, хот в качестве исходного материала используется и брезент, и строительные краски и дерево. Каждая работа не несёт в себе ничего, кроме того, что она есть в физическом смысле — бумага, краска. Это просто работы на бумаге. И всё. Без концептуальных и философских нагромождений. Случайность, процессуальность является основополагающим принципом. Mikhail Lezin was born in 1974. Since 1988 he has been a part of artistic project activity, self-educating as an artist and musician. He has organized the artistic union «Vnedri» and is a member of the union «Solaris». He lives and works in Togliatti. When he starts working on his new piece, Mikhail Lezin does no try to reach a pre-defined result. The artist is interested in the existence and conflict of initial shapelessness of geometrical structures, as well as the process of «ageing», the movement of works in time — the changes of the colour layers, yellowing of the paper, acquisition of new qualities, which have not been seen before. The artist leaves almost all of his works unnamed, almost all of them are made on cheap paper, although he also uses such materials as tarpaulin, building paint, and wood. Each work does not mean anything other than what it is in the physical sense — paper and paint. They are just works on paper. That’s it. Without any conceptual or philosophical agglomerations. Contingency and process are the core principals.

A Pure Formality Mikhail Lezin

Лучшее произведение визуального искусства 83

Best Visual Art Project

Иллюзия исчезновения заполненности Лучшее произведение визуального искусства

Иван Плющ и Ирина Дрозд

Инсталляция Ивана Плюща и Ирины Дрозд представляет некоторое количество объектов, которые в совокупности организуют пространство, но и по отдельности могут рассматриваться как некие символы нового объективистского мира. В центре инсталляции располагается стол, словно вытянутый, расплавившийся с одного края. На стенах в золоченых рамах вытекшие или полыхающие картины, выползающие своей угрожающей массой из рамок на стены. Выход за рамки. Меняется привычное понимание картин, деформируется, разрушается. Но в то же время это разрушение и есть рождение нового объекта, нового мира. Когда исчезает одно, на смену ему приходит другое, причем процесс перерождения или перехождения одной материи в другую не обязательно последовательный или ступенчатый. Чаще всего(мы просто не замечаем это)

–это процесс гармоничный и единый. Как человеческие страхи, надежды, любовь( все что угодно) разбиваются об обстоятельства и , кажется, мир потерян, почва ушла из-под ног, но проходит время и мы, анализируя прошлое, понимаем, что именно эта деструкция и привела к иным результатам, не мене захватывающим, а часто даже предвосхищающим все прошлые мысли и веру. Художники словно проецируют эту идею на такие важные предметы культурного обихода человеческой жизни, как то картины-духовная пища и столнасыщающий каждый день нас материальной пищей. В этом и есть вся проза и гениальность жизни- говорить о вечной и сложном с помощью простых вещей. Только тогда рождается новый виток спирали человеческого мироощущения, и на смену старой воде всегда приходит новая.

More frequently (we just cannot see this fact), this is a harmonious and organic process. Human fears, hopes, love (whatever you like) may wreck against circumstances, and the world seems to be lost, the bottom falls out; but time passes, and when analyzing the past, we understand that it was this destruction that led to the new results, no less exciting but sometimes even anticipating all previous thoughts and belief. The artists as if projected this idea on such important articles of daily use as pictures (spiritual food) and table, every day feeding us with material food. Therein lays the prose and genius of existence — to speak about the eternal by means of simple things. It is only then that a new spiral turn of human mental outlook emerges, and new water substitutes the old one.

The illusion of disappearing occupancy Ivan Plusch and Irina Drozd

85 Best Visual Art Project

The Ivan Plusch and Irina Drozd’s installation represents some objects that together organize the space, yet individually they could be regarded as certain symbols of the new objectivist universe. In the center of the installation, there is a table with an outstretched and melted edge. On the walls, there are paintings, flaring, flowing and threateningly creeping out of the gold-plated frames onto the walls. Step over the bounds. Habitual comprehension of the paintings is changing, distorting, destroying… At the same time, this destruction is nothing else but the birth of a new object, a new world… When one thing is disappearing, it is replaced by another one, metamorphosis and transformation of one matter into another one being not necessarily a subsequent or staged process.

Динамические структуры Лучшее произведение визуального искусства

Виталий Пушницкий

Название проекта «Камеры: Solitary Confinement» родилось как ассоциативная интерпретация созданных форм. Объектами исследования являются пространство и мышление. Метод работы — визуальный синтез систем из предварительно подготовленных блоков или модулей разного типа. Изначальный толчок заключается в отборе протостуктур, своеобразных первоэлементов, из которых впоследствии «вырастают» скульптуры-башни. Говоря о пространстве, художник имеет в виду не только его интуитивное определение как арены действия, но и представляет пространство как общий контейнер для рассматриваемых объектов, саму сущность некой системы. С геометрической точки зрения, термин «пространство» без дополнительных уточнений обычно обозначает трёхмерное евклидово пространство. Однако этот термин может иметь иной, более широкий смысл, вплоть до метафорического. Именно в этом

месте идея пространства смешивается у Пушницкого с идеей мышления и восприятием его как структуры. Понимание эстетики пространства переходит в исследование ее поэтики. Скульптурные модели в своем основании просты. Они напоминают звезды, колодцы, внутренние дворы зданий, могут воспроизводить форму химической формулы, морской звезды, молекулы (как ее представляют себе ученые), кристалла льда, ДНК... То есть форму предлагается использовать именно как образ, предлагается сменить масштаб восприятия. Здесь речь идет не о чертеже или плане сооружения, у скульптур не может быть эскиза, как не может быть наброска кровеносной системы или формулы русла реки. Пространство объема просто переходит в пространство образа и мысли — через структуру, через своеобразную ленту Мебиуса, в которой пространство все еще геометрическое уже давно стало метафизическим.

nitskiy with the idea of thinking and perception of it as a structure. Understanding of the space aesthetics passes into researching of its poetics. The sculpture models are simple in their basis. They look like stars, wells, internal courts of buildings, they may reproduce the form of chemical formula, starfish, molecule (as it supposed by scientists), crystal of ice, DNA… Which is to say, the form is proposed to be used as a visualization, it is proposed to change the scale of perception. We do not talk about a draft or a structure plan, the sculptures cannot have a sketch, as well as you can’t have a sketch of blood circulatory system or the formula of river-bed. The space of volume simply passes into the space of visualization and thought — through the structure, through the unique Mobius ribbon, where the space which is still geometrical became a metaphysical one long time ago.

dynamic Structures Vitaliy Pushnitskiy

Best Visual Art Project

The title of project “Chambers: Solitary Confinement” was born like an associative interpretation of created forms. The objects of research are space and thinking. The method of work — is a visual synthesis of systems consisted of preliminarily prepared units or modules of various types. The initial push consists in selection of proto-structures, unique arches, which serve for growing sculpture-towers. Talking about the space, the painter means not only his intuitive definition of arena for action, but presents the space as a common container for examined objects, the essence of some system. From the heometric perspective, the term “space” without additional clarifications usually means the Euclidean three-dimensional space. However this term may have another, wider meaning, up to metaphoric one. Right here the idea of space is mixed by Push-

Leskray.ru

Михаил Павлюкевич, Ольга Субботина

Лучшее произведение визуального искусства

Инсталляция,настенные композиции и объекты (ватин на марле, ткань, ноутбук)

Взяв за основу реальную интернет-историю о современном отшельнике, сбежавшем от всех благ цивилизации в дремучий лес, Павлюкевич и Субботина являют нам второй план ультратехнологичной экранной культуры. На нем отчетливо прослеживается связь клиповой картины мира человека с ноутбуком и патриархальной ментальности жителей лесного пограничья, героев вэб-паутины и персонажей из таежной глухомани. А хай-тековские амбиции наших современников кажутся столь же наивными и далекими от сути вещей, что и просветительский миф о Робинзоне Крузо, рассказанный на наречии сталинского кинематографа.

Виртуозно владея привычными техниками, такими, как акварель или роспись по ткани, Михаил Павлюкевич и Ольга Субботина уже несколько лет экспериментируют с нетрадиционными художественными материалами. В проекте Leskray.ru, кажется, им первым удалось раскрыть потенциал выразительных возможностей ватина на марле. Подкладка, утеплитель — вспомогательное портновское средство из эпохи, когда костюмы не покупали на один-два сезона, а «строили» на всю жизнь, в этом проекте приобретает новые пластические и символические свойства. Нетканая графическая структура и объем задают не только технику работы с материалом, но и смысловые коннотации (ватин на марле — это изнанка, то, что скрыто, прячется за атласной подкладкой).

Taking the real Internet history about a modern hermit who retired from all benefits of the civilization to the primeval forest as a basis, Pavlykevich and Subbotina present us the second plan of ultratechnological screen culture. It provides us clearly with a connection of the clip picture of the man’s with a notebook world and patriarchal mentality of the forest area residents, the heroes of web and characters living in the taiga wilderness. The high-tech ambitions of our contemporaries seem so naive and removed from the essence of things as the educating myth about Robinson Crusoe narrated using the dialect of Stalin era cinema.

Mastering virtuously such familiar techniques as water color or painting on cloth, Mikhail Pavlykevich and Olga Subbotina have already experimenting for several years in non-traditional art materials. It seems that they were the first painters who succeeded in developing the expressive power of padding on gauze in the Leskray.ru project. The lining and warmth-keeping jacket — additional sartorial means taken from the epoch when the suits were not bought for one or two seasons but were “built” for life — acquire new plastic and symbolic features in this project The non-woven graphical structure and the volume assign not only the operation technique with material but notional connotations (the padding on gauze is a seamy side, a side which is hiding under the satin lining)..

Leskray.ru

Mikhail Pavlykevich, Olga Subbotina

Best Visual Art Project

Installation, wall compositions and objects (padding on gauze, cloth, notebook computer)

Вы, конечно, шутите, мистер Фейнман Лучшее произведение визуального искусства

Ольга Трейвас

Скорость света быстрее скорости мысли. Визуальное появляется и распространяется быстрее вербального. Современный глаз различает тончайшие нюансы цветов, фактур, формы, выражений лица или пейзажа. Мозг и память, безнадежно отстав от глаза, едва ли воспроизведут имена авторов. Увиденное не может быть классифицировано по видам искусства. Ведь любой объемно-пространственный объект сведен к небольшой плоской картинке на мониторе. В пространстве — несколько объектов из стекла, хрусталя, дерева и картона, наклеенные на стену распечатки из интернета, текст и зритель, оглушенный ревущей космической пустотой и готовый к будущему.

Of course, you’re joking, Mr. Feynman Olga Treyvas

91 Best Visual Art Project

The speed of light faster than the speed of thought. Visual appears and spreads faster than verbal. Modern eye distinguishes the subtle nuances of colors, textures, shapes, facial expressions or landscape. The brain and memory, which is hopelessly behind the eyes, hardly reproduce the authors’ names. Image can not be classified by type of art. Because any three-dimensional object is reduced to a small flat image on a monitor. In the space — objects made of glass, crystal, wood and cardboard, prints from the Internet pasted on the wall, text and audience, stunned by the cosmic roaring emptiness and ready for the future.

Марки

Лучшее произведение визуального искусства

Катя Флоренская «Марки» — это находящийся в разработке проект, состоящий из картин различного размера, изображающих марки разных стран. Кроме тематически независимых «марок» в проекте есть и отдельные серии — «Марки про космос», «Марки с картинами известных художников», «Марки с птицами» и т.д. Марки в этом проекте представлены как объект восхищения и источник вдохновения для художника. Все марки нарисованы с натуры.

Best Visual Art Project

«Stamps» — is developing project consisting of various sizes paintings, representing the stamps of different countries. In addition to thematically independent «stamps» there are separate series — «Stamps about Space,» «Stamps with pictures of famous artists,» «Stamps with birds,» etc. Stamps in this project are presented as an object of admiration and inspiration for the artist. All marks are draw from life.

stamps katya Florenskaya

Молиться своим рекам Лучшее произведение визуального искусства

Максим Холодилин

Best Visual Art Project

Максим Холодилин родился в 1968 г. в Уфе, окончил Киевское высшее зенитное ракетное инженерное училище и юридический факультет Башкирского государственного университета, кандидат политических наук. Как актуальный художник работает в различных графических техниках, жанрах анимации и видеоарта. Участник графических биеннале в Новосибирске, Уфе, Санкт-Петербурге (Россия); СантНикласе (Бельгия); Варне (Болгария) В проекте «Молиться своим рекам» раскрывается тема человеческой плоти как носителя неких текстов, символов и значений. Эпоха пост — с ее нарушением всех границ проникает и в наше тело. Обнажить, исследовать, проникнуть внутрь, разложить на атомы — все эти манипуляции направлены на то, чтобы найти хотя бы минимальную самость, такую, чтобы ее можно было держать под контролем своего сознания. Поиски исчезающей телесности заставляют нас наносить на тело схемы метро, оставляя на нем зримые отпечатки нашего существования.

Maksim Kholodilin was born in 1968 in Ufa. He graduated from Kiev Higher Zenith Rocket Engineering School and Law Department at Bashkir State University, has a PhD in Political Science. Being a contemporary artist he works with different graphic techniques, animation and video art genres. He has participated in biennales in Novosibirsk, Ufa, St.Petersburg (Russia), St.Nicolas (Belgium) and Varna (Bulgaria). Worshipping Your Rivers project develops the theme of human flesh as a bearer of some texts, symbols and meanings. The Post- epoch, breaking all the boundaries, penetrates our body as well. Stripping, researching, penetrating, breaking into atoms — all these manipulations are aimed at finding any remnants of the Self, so it can be controlled by our conscience. The search for disappearing physicality makes us cover our body with subway schemes, leaving visible traces of our existence on it.

Worshipping Your Rivers Maksim Kholodilin

Лучшее произведение визуального искусства 95

Best Visual Art Project

проект «НЕФТЬ» Антон Чумак

Лучшее произведение визуального искусства

Сталь, сварка, сборка. 9х0.9х1 м

Best Visual Art Project

Проект, представляет из себя, масштабную инсталляцию, поддержанную много канальной видео инсталляцией совмещенной с объектами. Сегодня важнейший для отечественной экономики ресурс может будоражить не только рыночные котировки. Визуальная эстетика нефти находит отражение в творчестве современных художников. В своем персональном проекте Антон Чумак, известный петербургской публике не только как актуальный художник, но еще и как куратор ряда масштабных экспозиционных проектов, обращается к теме, с которой работает уже несколько лет. Проект «НЕФТЬ» — это размышление на тему социального и сакрального значения «черного золота» для последних десятилетий, попытка эмоционального анализа данного явления. Нефтяные эшелоны, бесконечные поезда, размеренно отбивающие ритм своего движения, напоминают собой животных, приносимых в жертву ради процветания человека. В выставке «НЕФТЬ» сакральная составляющая данного ресурса становится основой экспозиции. Воспоминание о семи слониках на счастье, милом украшении советских сервантов, совмещенное с мощью и неподвластностью стихии, создают яркий образ, вызывающий ряд новых ассоциаций. Это национальная идея «без купюр». Нефть, газ и прочие углеводороды — боги из пантеона новейшего язычества. Сегодня нефтяные караваны связывают континенты, как в древности их связывал «шелковый путь». В мультимедийном проекте «НЕФТЬ» представлены объекты и видеоинсталляции. Проект экспонировался на уникальной площадке бывшей текстильной фабрики «Красное Знамя», знаменитом памятнике архитектуры конструктивизма.

Steel, welding, assembling. 9х0.9х1 m The project consists of a large-scale installation supported by multi-channel video installations and combined with objects. Today, the most important resource for the domestic economy stirs up not only markets. The visual aesthetics of oil is reflected in the work of contemporary artists. In his personal project, Anton Chumak, well-known to St. Petersburg audience not only as an artist focusing on current issues, but also as a curator of a number of largescale exhibition projects, returns to the subject, which he has been working on for several years. The OIL Project is a reflection on the social and sacred value of the “Black Gold” for the last few decades and an attempt to view the phenomenon from an emotional point of view. The endless oil trains that beat the rhythm as they move are reminiscent of animals sacrificed for the sake of the prosperity of man. In the OIL Exhibition, the sacred component of this resource is the basis of the exposition. The memories of seven lucky porcelain elephants nicely decorating Soviet sideboards combined with the power of the nature create a vivid image that conjures new associations. This is the “uncut” national idea. Oil, gas, and other hydrocarbons are the gods of the modern pagan pantheon. Today, oil caravans link the continents, just as the Silk Road used to connect countries in ancient times. The OIL Multimedia Project also boasts objects and video installations. The project was exhibited at the unique site of the former textile factory “Red Flag”, the famous constructivist building.

The OIL Project Anton Chumak

Лучшее произведение визуального искусства

Евгений Юфит

Художник, фотограф, кинорежиссер. Родился в 1961 г. в Ленинграде. В 1984 г. окончил технический ВУЗ. Один из основателей «параллельного кино». В 1987—1988 годах проходил стажировку на киностудии Ленфильм в киношколе Сокурова. В 1991 году на Ленфильме снял полнометражный дебют — «Папа, Умер дед Мороз», получивший Гран-при на кинофестивале в Римини (Италия). В последующие годы работал на киностудиях «СТВ» и «НиколаФильм». Выставки живописи, фотографий и киноретроспективы Е. Юфита прошли на ведущих международных музеях современного искусства и кинофестивалях. В 2005 году на Роттердамском кинофестивале он был избран режиссером в фокусе, где он представил специальную кинопрограмму своих кинофильмов и фотовыставку. Работы Е. Юфита находятся в коллекциях Государственного Русского Музея, Нидерландского Киномузея, Музея Современного Искусства в НьюЙорке (МОМА). Кинокритики давно причислили Е. Юфита к классикам мирового кино. Его часто сравнивают с кинодеятелями немецкого экспрессионизма и французского сюрреализма, с выдающимися режиссерами Андреем Тарковским и Джорджем Ромеро, который лично представлял фильмы Юфита во время ретроспективы в американском Питтсбурге . Творчеству Юфита посвящены многие монографии, диссертации, эссе и публикации как отечественных, так и зарубежных специалистов в области кино. В числе авторов: Сергей Добротворский, Олеся Туркина и Виктор Мазин, исследователь Тарковского и куратор гарвардского киноархива Джон Джанвито, Томас Кэмпбелл, Хосе Аланиз и Сет Грэхем . ФИЛЬМОГРАФИЯ 1984 — «Санитары-Оборотни» к/м 1985 — «Лесоруб» к/м 1987 — «Весна» к/м 1988 — «Мужество» к/м 1988 — «Вепри суицида» к/м 1989 — «Рыцари поднебесья» к/м 1991 — «Папа, умер Дед Мороз». 1994 — «Воля» к/м 1995 — «Деревянная комната». 1997 — «Серебряные головы». 2002 — «Убитые молнией». 2005 — «Прямохождение».

many leading museums of the world: the State Russian Museum, St. Petersburg; the Museum of the Modern Art (MoMA); New York, Netherlands Film Museum, Amsterdam. FILMOGRAPHY 1984 — Werewolf Orderlies 1985 — Woodcutter 1987 —Spring 1988 — Fortitude 1988 — Suicide Monsters 1989 — Knights of Heaven 1991 — Papa, Father Frost is Dead 1994 — Will 1995 — The Wooden Room 1998 — Silver Heads 2002 — Killed by Lightning 2005 — Bipedalism

Evgeny Yufit

Best Visual Art Project

Evgeny Yufit was born in Leningrad (St.Petersburg) in 1961. He has been working as a painter, photographer and filmmaker since the early 1980s. In 1985 Yufit set up the first Soviet independent film studio “Mzhalalafilm” which became a center for radical experiments in art. In this studio Yufit shot seven of his first films, which were influenced by the aesthetics of the early German kino-expressionism, French surrealistic cinema and pathetic of the 1930-50’s Soviet official propaganda. As of 1989 Yufit has made five full-length 35mm films. Each of his new films became an important international event. Yufit’s films were shown at all the major festivals of independent artistic cinema. His first feature film “Papa, Father Frost is Dead” (1991) was awarded the Grand Prix at the International Film Festival in Rimini. In 2005, the 34th Film Festival in Rotterdam included a special program dedicated to Yufit’s works — exhibition of his photos and the world premiere of his last film “Bipedalism”. Yufit’s paintings, photographs and films can be found in

е е ш е Луч и н е д е в з и о р п о г о н ь л а визу ва т сс у иск кт

ъе б о а еди

t r a l a u s

i v t bes t c e j pro

Лучшее произведение визуального искусства 102

СВЯЩЕННАЯ АЛЛЕГОРИЯ AES+F

Картина ALLEGORIA SACRA (Священная Аллегория) Джованни Беллини хранится в галерее Уффици во Флоренции. Сюжет этой картины загадочен для историков искусства. Самые разные персонажи из христианской и античной мифологии и истории собраны на балюстраде на берегу озера или широкой реки, окруженной холмами, на которых в отдалении видны сельские дома и палаццо. Святой Себастьян, Мадонна, Кентавр, маленькие дети, играющие у дерева в центре, сарацин-мусульманин, мужчина с мечом в руке, похожий на апостола Павла, крестьянин с мулом на заднем плане, две прекрасные дамы, в одной из которых узнают свя- тую Екатерину, нагой старик, напоминающий Иова — и это далеко не все герои, которых соединил Беллини в этой картине. Одна

из версий этой картины, то что он изобразил Чистилище, где души праведников, добро- детельных язычников и умерших до крещения младенцев ждут решения, куда они будут направлены высшим судом — на небеса или в ад. Эта картина всегда была притягательна и для нас. И когда мы стали думать о третьем проекте, который нам хотелось бы сделать после Последнего Восстания и Пира Трималхиона, показанных на двух последних Венецианских Биеннале в 2007 и 2009 гг., то решили, что загадочный образ ALLEGORIA SACRA очень созвучен нашим мыслям об образе современного мира. Мы видим героев Беллини в случайно встретивших друг друга пассажирах международного аэропорта, которые ожидают своих рейсов.

103

the heroes who Bellini brought together in this picture. One interpretation of this painting is that it showed Purgatory, where the souls of the righteous, of virtuous pagans and of unchristened children await their fate — heaven or hell. This painting has always intrigued us. When we started to think of a third project after Last Riot and The Feast of Trimalchio, shown at the Venice Biennale in 2007 and 2009 respectively, we decided that the mysterious image of the Allegoria Sacra was in keeping with our view of the modern world. We see Bellini’s heroes in those passengers who meet accidentally while awaiting their flights at international airports.

ALLEGORIA SACRA AES+F

Best Visual Art Project

Giovanni Bellini’s Allegoria Sacra (Sacred Allegory) hangs in the Uffizi in Florence. The subject of this painting is a mystery to art historians. The earliest figures of Christian and ancient mythology are gathered together on a balustrade by a sea or a wide river, surrounded by hills on which can be seen, in the distance, village huts and a palazzo. St. Sebastian, the Madonna, a centaur, small children playing by a tree in the centre, a Saracen-Muslim, a man somewhat like the Apostle Paul with a sword in his hand, in the background a peasant with a mule, two beautiful ladies one of whom is St. Catherine, a naked old man reminiscent of Job — this is a far from a complete list of

Тверской эксперимент

Лучшее произведение визуального искусства

Инга и Алексей Аксеновы

Best Visual Art Project

104

Инга Аксенова родилась в 1968 г. в семье художников в г. Саратове, выпускница Московского художественнопромышленного училища им. Мухиной по специальности «керамист». Живёт и работает в Твери. Алексей Аксенов родился в 1971 г., учился в СанктПетербургском художественно промышленном училище. Живет и работает в Твери Инга и Алексей с середины 1990-х гг. активно участвуют в выставочной жизни Санкт-Петербурга, Москвы, Твери, были лауреатами всероссийского фестиваля «Культурные герои XXI века», сотрудничают с культовыми журналами «Столица», «Пионер», ELLE и другими изданиями. В «Тверском эксперименте» эстетика и психология страха, увлечение которыми Аксеновы демонстрировали уже в первых своих резонансных проектах «Тибетская книга мертвых игрушек» и «Про уродов для детей», разворачивается в одновременно завораживающем и отталкивающем пространстве. Зал — как чёрный ящик. Освещение — тусклое, точечное. Посредине на подиуме — аквариум-шар. Под водой в луче света — две живые рыбы. Вокруг них — из мрака хороводом вырастают, словно страшные видения, 2-метровые фото чудищ, коллажно собранных рукой Экспериментатора из свежее разделанных рыбьих тел, являя собой ужасающий противовес гармонично сложенным чешуйчатым тушкам живых рыб из аквариума. Словно раскрывают неведомый потенциал, что хранят всем известные и вроде бы безопасные на вид природные формы. Странной подводной пульсацией гудят в колонках зловещие стоны глубоководных созданий. Фактически в рамках этой натур-готики художники ставят над зрителем психологический эксперимент по ограничению личного пространства, конструированию чувства тоски, страха, бессилия, ощущения произвола и полной подконтрольности власти чужого.

Inga Aksenova was born in Saratov in 1968 in a family of artists. She graduated from Mukhina Moscow Higher School of Art and Industry as a ceramist. She lives and works in Tver. Aleksei Aksenov was born in 1971 and studied at St.Petersburg School of Art and Industry. He lives and works in Tver. Since the mid-1990s Inga and Aleksei have been actively involved in the art life of St.Petersburg, Moscow, Tver. They are laureates of the Cultural Heroes of the XXI Century national festival. They work with iconic magazines such as Stolitsa, Pioneer, ELLE and others. In Tver Experiment the aesthetics and physiology of fear, which have been of special interest to the Aksenovs as seen from their first resonant works Tibetan Book of the Dead and About the Freaks for Children, takes place in a fascinating and at the same time appalling space. The hall is like a black box. The lights are dim and sporadic. In the centre on a podium you see a fish bowl. In the water under a beam of light there are two live fishes. In the darkness around them there is a round-dance of two-meter photographs of monsters, put together as a collage by the hands of the Experimentator, made of freshly cut fish bodies, like a terrifying counterbalance to the harmonically arranged scaly bodies of the live fishes in the aquarium. It is as if an unknown potential, which has been hiding in well-known and seemingly safe natural forms, has been revealed. The ominous moaning of deep-dwelling creatures in the speakers sounds like a strange underwater pulsation. Actually, within the framework of this Nature-Gothicism the artists are conducting an experiment on the viewers — an experiment of limiting personal space, constructing the feelings of anxiety, fear, helplessness, arbitrariness and being totally under control of the other.

Tver Experiment Inga and Aleksei Aksenov

105

Дрезденская рука Нено Белчев

Лучшее произведение визуального искусства

«Все до сих пор бессвязно. Я чувствую себя безмолвным куском пенопласта, который волны разбили о скалы».

106

107 Best Visual Art Project

â&#x20AC;&#x153;Everything until now is rambling. I feel myself as a speechless piece of styrofoam, crashed against the rocky coast by the wavesâ&#x20AC;?.

Dresden hand Neno Belchev

Световые пираты

Лучшее произведение визуального искусства

Рико Чарнтке

108

Освещение пространства, перемещаясь по городу, создавая атмосферу, в которой людям нравится находиться. Предоставление возможности участия для каждого, кто окажется в нужном месте в нужное время. Создание открытых коммуникационных пространств в городской среде с 2005 г. по настоящее время совместная работа с Адамом Ридом, танцором и исполнителем из Австралии. С того момента создание танцевальных шоу в качестве звуко- и светорежиссера, помощника режиссера, с гастролями по всему миру «закат пигмея» номинированный как лучшее физическое представление на получение награды «total theatre award» в Элинбурге в 2007 г., «c venue award» в 2007 г., приза театрального фестиваля в Пуле, Хорватия в 2008 г., премии Zadar snova, Хорватия в 2009 г., «Катук» с Анат Григорио, приза театрального фестиваля в Пуле, Хорватия в 2009 г., «Сад» со Спиросом Патаракисом, Базией Праджинской, «Booroloola» с Ахилеасом Харискесом. С 2006 г. по настоящее время создание и разработка пати-интерьеров в силе андерграунд. К основным проектам относятся «Schleuse» на фестивале Fusion и откры-

тие заведения для проведения вечеринок и выставок «Sisyphos» в Берлине. Уличное искусство рулит... С 2006 г. по настоящее время создание «Световых пиратов» как художественной проекции с Карен Мюллер. С того момента выведение проекта на международный уровень. Организовал бизнес по продаже видео- и проекционной техники. На самом деле мы сдавали проекторы в наем, когда они больше не использовались. Создание видео инсталляций в Европе, Израиле, Египте, России, Новой Зеландии. Мы очень гордимся тем, что наши работы пользуются уважением в художественной и театральной среде. Также мы занимаемся проектом по созданию клубной среды. Сотрудничество с театрами, музыкальными группами, диджеями, исполнителями, организациямми, компаниями со всего мира с целью современного представления музыки, искусства и продуков. Приглашения на театральные и световые фестивали в Европе, Израеле, России, Новой Зеландии.

109 are «schleuse» at fusion festival and the founding of the party and art place «sisyphos» in berlin. Street art rules... 2006 until present founding of the «lichtpiraten» with Caren Mueller as an artistic project. Since than developing it to a project with international approach. It got an leading venture about handling video projectors and visuals. Actualy we did hack projectors by not using them anymore on screens. Creation of video installations in Europe, Israel, Egypt, Russia, Newzealand. We are very proud that our work get respected as artistic and theatrical performance. As well we got a project for club and party enviroment. Collaboration with theatres, bands, djs, performer, organisations, companys from all over the world about modern presentation of contempary music, art and products. Invitations to theatre and light festivals in Europe, Israel, Russia, Newzealand.

Lichtpiraten Rico Tscharntke

Best Visual Art Project

Going with it through town and highlight places, create an enviroment people like to be in. Open the potential to participate for everybody by beeing in the right time in the right place. Creation of open temporarely communication spaces in urban enviroment 2005 until present colaboration with Adam Read, Dancer and Performer from australia. Since than creation of dance performances as sound and light designer, support artist and touring with it around the world, «eclipse of pygmy», nominated for best physical performance for «total theatre award» edinburgh 07, «c venue award» 07, Pula theatre festival award 08, Сroatia, Zadar snova award 09, Сroatia, «Katuk» with Anat Grigorio, Pula theatre festival award 09, Сroatia, «the garden» with Spiros Patarakis, Basia Pradzynska, «Booroloola» with Achilleas Chariskos. 2006 until present Creation and developing of art and party enviroments in underground style. Mayor projects

То, что живёт во мне

Лучшее произведение визуального искусства

Дмитрий Булатов, Алексей Чебыкин

110

Биоактивная инсталляция, улитки Achatina fulica, технологии Augmented Reality, 2011 г. Программирование: Константин Семенов. Электромеханическое обеспечение: Никифор Мартышевский. Терменвоксы: Даниил Акимов. Видеодокументация: Олег Блябляс, Дмитрий Булатов, Алексей Чебыкин, Виктор Гуров. Производство: Государственный центр современного искусства (Калининградский филиал, Россия). Проект реализован при финансовой поддержке Фонда некоммерческих программ «Династия» (Москва). Фото: Ася Аблогина. Сайт проекта: http://www.snails.ncca-kaliningrad.ru Этот проект посвящен исследованию возможностей трансформации тех временных длительностей, которые предлагаются нам неживым физическим окружением. Отвечать на воздействие немедленной реакцией, которая воспринимает тот же ритм и продолжается в той же длительности, — в этом состоит основной закон косной материи. О живых существах можно сказать, что независимость их воздействия на окружающую материю укрепляется в той мере, в какой они освобождаются от ритма, в котором пребывает неживая материя. «То, что живет во мне» — это инсталляция, в которой используются технологии Augmented Reality (дополненной

реальности), обеспечивающие динамическое комбинирование реального и виртуального пространств. Реализуя метафору “дома-ракушки”, которую несет на себе улитка, мы “дополнили” реальные ракушки гигантских африканских улиток Achatina fulica неким подобием “электронной ауры” — интерактивным слоем цифровой визуальной информации. Эта информация поступает на экран в режиме реального времени, а ее внешний вид зависит от поведения самих улиток — динамики их перемещения в террариуме и интенсивности общения друг с другом. Для создания эффекта остранения мы использовали способность улиток к ведению активного ночного образа жизни и организовали дополнительную трансляцию “электронных аур” с фазовой задержкой на девять часов, отделив таким образом “ауры” от “реальных тел” на существенный промежуток времени. В данном визуальном эксперименте мы не только демонстрируем возможности Augmented Reality к совмещению реального и виртуального пространств в режиме реального времени, но и очерчиваем границы применимости этих технологий, освобождая зрительское восприятие от механического ритма интерактивности, который навязывает нам окружающая жизнь. Проект получил Специальное упоминание жюри конкурса в области современного искусства и новейших технологий VIDA 13.2 (Фонд Telefonica, Мадрид, Испания).

This project investigates the transformative capacity of temporal rhythms offered by the non-living physical environment. The basic law of inert matter consists of reacting immediately to being affected, the reaction taking up the same rhythm and continuing through the same duration. With regard to living beings, it would be fair to say that the independence of their effect on surrounding matter is strengthened to the extent that they break free from the rhythms immanent to nonliving matter. That Which Lives In Me is an installation that uses Augmented Reality technologies to enable dynamic

rearrangement of real and virtual spaces. Drawing on the metaphor of a snail’s “shell house”, we have “augmented” real shells of Achatina fulica giant African snails with a certain analogue of “electronic aura”— an interactive layer of digital visual information. This information is output to the screen in real time, its appearance determined by behaviour of the snails: the dynamics of their movements inside the terrarium and the intensity of their intercommunication. To create an alienating effect, we made use of the snails’ active nocturnal habits and arranged an additional transmission of the “electronic auras” with a 9-hour phase delay, thus separating the “auras” from the “real bodies” for a considerable period of time. In this particular visual experiment, we not only demonstrate the abilities of Augmented Reality to superimpose the real and the virtual in real time, but also to outline the boundaries of applicability for these technologies, liberating spectator perception from the mechanical rhythm of interactivity imposed by the life that surrounds us. Honourable mention of the Jury of the VIDA 13.2 Art & Artificial Life International Competition (Fundacion Telefonica, Madrid, Spain).

THAT WHICH LIVES IN ME Dmitry Bulatov, Alexey Chebykin

111 Best Visual Art Project

Bioactive installation, Achatina fulica snails, Augmented Reality technologies, 2011. Concept, realization: Dmitry Bulatov, Alexey Chebykin. Programming: Konstantin Semenov. Electromechanics: Nikifor Martishevsky. Video documentary film: Oleg Blyablyas, Dmitry Bulatov, Alexey Chebykin, Viktor Gurov. Production: The National Centre for Contemporary Arts, Kaliningrad branch, Russia. Funded by the Dynasty Foundation for Non-commercial Programs (Moscow, Russia). Date: Ongoing since 2011. Foto by A.Ablogina. Web-site: http://www.snails.ncca-kaliningrad.ru/

ПТИЦЫ

Елена Губанова, Иван Говорков

Лучшее произведение визуального искусства

Идея: Елена Губанова, Иван Говорков. Видео: Елена Губанова. Видеоинженер: Виктор Рюхин. Медиа-лаборатория CYLAND. Программирование, монтаж: Сергей Комаров, Алексей Грачев. Санкт-Петербург, Россия. 2011

Best Visual Art Project

112

В этой видео-инсталляции изображение интерактивно связано с движением зрителя. Войдя в зал, человек «вспугивает» спокойствие и пустоту пространства, наполняя его движением. Он «пробуждает к жизни» реальность и отражение реальности и превращает «ничто» в «нечто». По мере продвижения зрителя пространство наполняется светящимися в темноте летающими белыми образами-птицами, беспокойным движением чёрного и белого, которое, в конце концов, «распыляется» в «белый шум». Художники используют видео не как законченный художественный образ, а как художественный материал. Скорее всего, здесь важен только свет, который, пробиваясь через темноту, принимает форму парящих птиц, заполняет собой пространство и исчезает, когда зритель уходит. Уходит наблюдатель — уходит свет — уходит тень — исчезает мир.

Concept: Elena Gubanova, Ivan Govorkov. Video: Elena Gubanova. Video Engineer: Viktor Ryukhin. Media Lab CYLAND. Computer Programming, Assembly: Sergey Komarov, Aleksey Grachev. St. Petersburg, Russia. 2011 In this video installation, the image is interactively connected with the viewer’s movements. By entering the room, a person “startles” the peace and emptiness of the space by filling it with the movement. He brings reality and the reflection of reality “to life” and turns “nothing” into “something”. As the viewer moves, the space fills with fluorescent flying white images-birds — with the troubled movement of black and white that, ultimately, “pulverizes” into the “white noise”. The artists use video not as a finished artistic image, but rather as an artistic material. Most likely, the only important thing here is the light that, forcing its way through darkness, assumes the shape of soaring birds, fills the space with itself and disappears when the viewer leaves. The beholder is gone — light is gone — shadow is gone — the world is gone.

BIRDS

Elena Gubanova, Ivan Govorkov

113

Russian online tube Пётр Жуков

Лучшее произведение визуального искусства

Видео-инсталляция (медиаживопись)

114

Материалом для проекта послужили видеоролики с youtube, подвергшиеся компьютерной манипуяции и сильно замедленные во времени, что в суме должно придавать им схожесть с картиной. Любительское видео из сети выбрано, как единственно возможный сегодня подлинно документальный материал, так как зритель не верит более безоговорочно ни масс медиа, ни документальной фотографии, ибо известна субъективность материала и возможность им манипуляции. В тоже время, учитывая сегодняшнюю неспособность к прямой документальности, видео обработаны так,

что выглядят подобно экспрессионистским картинам, передавая ощущение от события, а не доподлинно его. Ролики с youtube выбраны в качестве исходного материала, также и потому что в сегодняшней реальности именно они репрезентируют для интересующихся обывателей определённые удалённые от них географические, политические и культурные явления, создавая их новый медиаобраз. Проект аппилирует к событийной живописи XIX века (как например: «Плот Медузы» Жерико или «Расстрел императора Максимилиана» Э. Мане) и к работам немецких экспрессионистов (предчувствие войны).

115

Video clips from Youtube served as a resource for the projects, they were subjected to computer manipulation and slowed down greatly, which should result in similarity to a painting. Amateur video from the net is selected since it is the only authentic material available nowadays, for a viewer believes unconditionally neither mass media, nor documentary photography, because subjectivity of material and the possibility of manipulation are evident. At the same time, taking into account the present failure to document

reality, the video clips are treated in such a way that they look like expressionistic paintings interpreting feelings, not an event. Besides, Youtube clips are selected as original material because in present reality, just these clips present remote geographical, political and cultural phenomena to the involved inhabitants, creating a new media image. The project appeals to the event painting of the 19th century (for example, “The Raft of the Medusa” by Gericault or “The Execution of Emperor Maximilian” by E. Manet) and to the art works of German expressionists (Premonitions of War).

Russian online tube Peter Zhukov

Best Visual Art Project

Video-installation (media-painting)

Стоячая Волна Юрий Календарев

Лучшее произведение визуального искусства

Интерактивная звуковая скульптура

Best Visual Art Project

116

Юрий Календарев, скульптор, родился в Санкт Петербурге. Последние 25 лет живет и работает в Италии. Sound Plates Юрия Календарева сделаны из бронзовых акустических сплавов с помощью молота и огня. Визуальность самой скульптуры становится здесь несущественным аспектом по сравнению с «hidden voice», тайным голосом звучащей скульптуры. Sound Plates Юрия Календарева естественным образом генерируют широкий спектр частотных звуковых колебаний которые позволяют множественные взаимодействия с нашим существом благодаря феномену известному как sonic entrainment. Этот феномен не только действует на те области мозга которые обрабатывают акустические стимулы но так же синхронизирует электрическую активность мозга в целом, и, возможно, биоритмы других органов и функций. Звуковой энтраймент лежит в основе целительных преимуществ звуковой терапии, где звуковые вибрации стимулируют весь организм человека в целом функционирвать гармонично. Загадка звучащих скульптур Календарева в том, что они как бы зависают между разными жанрами. Это не просто визуальные объекты; они создаются для того, чтобы звучать. Но это и не музыкальные инструменты, ибо пока нет музыки, которую на них можно было бы исполнять. Что-то в нас резонирует в такт с этими звуками, они вводят в сомнамбулическое состояние, среднее между бодрствованием и сном. Для них может найтись самое неожиданное применение, например, в области психофизиологии, психотерапии или даже соматической медицины. Возможно, основным свойством этих звучащих скульптур является то, что они выводят нас за пределы жанров.

An interactive sound sculpture Jury Kalendarev, a sculptor, was born in Saint Petersburg. Over the last 25 years, he has lived and worked in Italy. Jury Kalendarev’s Sound Plates are made of bronze acoustic alloys with a hammer and fire. Visual character of the sculpture becomes insignificant as compared with the “hidden voice”, a secret voice of a sounding sculpture. Jury Kalendarev’s Sound Plates naturally generates a wide range of frequency sound vibrations, which allow for multiple interactions with our essence owing to the phenomenon known as sonic entrainment. This phenomenon not only effects those areas of brain treating acoustic stimuli but also synchronizes electric activity of the brain in whole, and, perhaps, biological rhythms of other organs and functions as well. Sound entrainment underlies curative properties of sound therapy with the sound vibrations making the whole human body function harmoniously, An enigma of Kalendarev’s sounding sculptures is that they as though hovered between different genres. These are not merely visual objects; they are created to sound. Yet, these are not musical instruments either, for there is no music to be played on them yet. Something in our bodies resonates in time with these sounds, they making an auditor fall into a trance, which is something in between wakeful state and dream. They can find an unexpected application, for example, in the field of psychophysiology, psychotherapy, or even somatic medical science. Perhaps, a key property of these sounding sculptures is that they drive us beyond the limits of genres.

standing wave youry kalendarev

Сок красных гранат Елена Ковылина

Лучшее произведение визуального искусства

Видео, 2011.

118

Когда едешь из аэропорта Шереметьево по Ленинградскому шоссе в направлении Москвы, то в районе города Химки перед МКАД неминуемо попадаешь в километровую пробку. Этот путь десятилетия подряд вонзается болезненным осадком в мозг расслабленного путешественника, возвращающегося в столицу. И если в девяностые основным впечатлением по приезде из Европы была разруха, то теперь она дополнилась мегапроектами Гипермаркетов и Жилых комплексов. Скученность, массовость на фоне нищеты — наследия советских времен; многонациональность, из лозунга превратившаяся в непрерывную иммиграцию бывших гостей столицы, пропорционально уравновешенную эмиграцией коренных жителей из переполненного мегаполиса: весь этот спектр знаков времени можно заметить, глядя из окна автомобиля, когда двигаешься по знаменитой дороге из Петербурга в Москву. Здесь, на территории Предмосковья сплелись Запад и Восток, Европа и Азия, супертехнологии и дикость, прогресс и первобытное потребление плодов цивилизации. Вот на таком фоне в видеофильме Красные гранаты едет на осле девушка. Животное в стрессе семенит мелкими шагами по обочине шоссе. Девушка одета во все белое

— шляпа с вуалью, белая кожаная куртка, отороченная мехом, сапоги на высоком каблуке, длинное платье-туника. Осла ведет мужчина с бородой, одетый в черное пальто и шарф. Пара напоминает жениха с невестой из какого-то грузинского кинофильма эпохи перестройки. Процессия и впрямь похожа на восточный свадебный обряд. В руках девушка держит блюдо с Красными гранатами. На Востоке существовал свадебный обряд, при котором невесту отправляли в дом жениха с красными плодами, которые указывали на ее чистоту и непорочность. Красный плод семантически отсылает к девственности. Видео Красные Гранаты — авторимейк перформанса 1999 года, проведенного недалеко от Еревана в горной деревне. В нем та же девушка ехала на осле, правда задом наперед, и не на подступах к городу Москве, а в глухом горном ауле, и плоды были зеленые вместо красных, но… это уже другая история. Время изменилось, оно требует других средств выражения, иных объектов внимания и точек отсчета. В видео Красные Гранаты анахронизм исходного жанра преодолевается силой поэтического образа. Вышедшая из моды схема социальной провокации обретает обновленный оттенок, а тем самым, обозначается и новый виток смысла в понимании перформанса как сверхзначимого искусства.

Video, 2011

Red Pomegranates Elena Kovylina

119 Best Visual Art Project

Driving from the Sheremetyevo Airport down the Leningradskoye highway to Moscow, you appear inevitably in the long traffic jam near the city of Khimki right at the entrance to the Moscow Ring Road. For decades, this way rips into the brain of a relaxed traveler who drives back to the capital leaving a painful settling. In 1990s, the main impression of anybody who arrived from Europe was the breakdown, today it is added by the megaprojects of hypermarkets and housing estates. Crowding, heaps of people against the background of poverty — the heritage of Soviet times; multinationality, which turned from the slogan into the permanent immigration of former guests of the capital, proportionally balanced by the emigration of native persons from the overcrowded megapolis: the whole spectrum of time signs can be seen through the car window while moving down the road from St. Petersburg to Moscow. Here, in the territory of Predmoscowie, the West and the East, Europe and Asia are convolved, as well as super technologies and savagery, progress and primeval consumption of civilization fruits. A young girl is riding a donkey against this background in the video film Red Pomegranates.

The animal is stressed, it minces along the roadside. The girl is dressed in white — she wears a hat with a veil, a white leather jacket, bordered by fur, high-heeled boots, a long dress — tunic. A bearded man wearing a black coat and a scarf leads the donkey. This pair looks like a groom and a bride, taken from the Georgian cinema film made during the epoch of perestroika. This procession looks like an eastern marriage rite. The girl holds a dish with red pomegranates. There was a marriage rite in the East, a bride was sent to groom's house with red fruit which indicated her innocence and virginity. The red fruit semantically refers to virginity. The video film Red Pomegranates is an auto-remake of the performance created in a mountain village near Yerevan, in 1999. The same girl was riding a donkey, backward, and it took place in the dead-end mountain aul, not near Moscow, and the pomegranates were green, but… it is another story. The time has changed, it demands other idioms, other objects of regard and reference points. The anachronism of initial genre is mastered by the force of poetic image in the film Red Pomegranates. The old-fashioned scheme of social provocation inherits a renewed tint, and a new coil of meaning is denoted by it in understanding the performance as a super crucial art.

H2Opera Анна Колосова

Лучшее произведение визуального искусства

Участники: Идея: Наталья Арефьева Видео: Анна Колосова Фото: Сергей Уржумцев Поющая: Виктория Кац Поющий: Дмитрия Прокахин Место: Елена Пешкова

120

Видео: http://vimeo.com/23697550 Музыка: Ария «Заздравная», опера Джузеппе Верди «Травиата» «В чреве несбыточности мы носим неродившихся яснооких детей наших чувств: нежные письма, которые мы пишем лишь в мыслях, или самые важные слова, которые мечтали сказать любимым, но отчего то не сказали…. Отчего мы производим на свет столько ненужных фраз и слов — бессмысленных шумов и прочих вредоносных сигналов. Порой мы сами себя не понимаем, говорим с притворством, элегантно водим под руку всякую ложь. На лице изображаем улыбку, а внутри душим крик. Тогда как хочется петь истинную и чистую музыку души, когда оглушительная немота внутренней страсти выбрасывается наружу»

Cast: Idea: Natalia Arefjeva Video: Anna Kolosova Photo: Sergey Urzhumtzev Singer: Viktoria Katz Singer: Dmitryi Prokahin Place: Elena Peshkova

121

“In the core of the neverness we bear unborn bright-eyed children of our feelings: tender letters which we write in our thoughts only, or the most important words we ever dreamt to tell to our loved ones, but to some reason failed to do it... Why do we produce so many unwanted phrases and words — meaningless noises and other harmful signals? Sometimes we don't understand ourselves, talking with pretence, elegantly strolling arm in arm with any lies. Keeping smiles on our faces with scream choked in our souls. While all we need is true and pure songs, when thunderous dumness of the internal passion bursts out.”

H2Opera Anna Kolosova

Best Visual Art Project

Video: http://vimeo.com/23697550 Music: “Libiamo, ne' lieti calici”, by Giuseppe Verdi «La Traviata»

Поэтический телевизор

Лучшее произведение визуального искусства

Студия «Кружок, квадрат, треугольник» «Поэтический телевизор» — интерактивная инсталляция, созданная студией «Кружок, квадрат и треугольник» в музее PERMM в рамках пермского поэтического фестиваля СловоNova в 2010 году. Поэзия долгое время оставалась уделом маргиналов, малоинтересным для широкой публики хобби неопрятных мужчин и женщин в черных кофтах. Так было еще лет пять назад, но ситуация начала меняться. Фестиваль СловоNova пытается уловить это движение, открывая поэзию не только в традиционных, но и в экспериментальных, аттракционных форматах. Телевизор — неотъемлемая часть быта большинства граждан нашей страны тоже выделяет для поэзии свой загончик. И все-таки прорывы случаются: достаточно вспомнить проект «Гражданин-поэт», который ворвался в жизнь большинства пользователей интернета, как еще раньше Всеволод Емелин или Верочка Полозкова. Коллектив студии «Квадрат, кружок и треугольник» — Денис Браницкий, Федор Кудряшов и Наталия Бабинцева — хорошо знакомы с современной поэтической ситуацией. Они популяризируют стихи через аттракцион, делая возвышенное и непонятное ближе и повседневнее.

Best Visual Art Project

122

Poetic TV — interactive installation created by the studio «Circle, Square, Triangle» in the PERMM museum as part of the SlovoNova Perm poetry festival in 2010. The poetry has been the deal of unkempt men and women in black jackets. It was five years ago, but the situation began to change. Festival SlovoNova tries to catch this movement by opening poetry not only in traditional but also in the experimental, attraction formats. TV — an integral part of everyday life of most our citizens — also allocates for poetry special paddock. Nevertheless, breakthroughs occur: for example, project «Citizen-Poet» which broke into the lives of the majority of Internet users, as Vsevolod Emelin or Verochka Polozkova earlier. The studio «Circle, Square, Triangle» — Denis Branitsky, Fyodor Kudryashov and Natalia Babintseva — well acquainted with the modern poetic situation. They popularize poetry through the attraction, making the sublime and incomprehensible closer and casual.

Poetic TV

The studio “Circle, Square, Triangle”

123

Подснежник Дуэт ПРОВМЫЗА

Лучшее произведение визуального искусства

Инсталляция ЧБ стерео.

124

Человек способен дистанцироваться от непосредственного окружения и воспринимать мир как нечто большее, чем он сам. Важно прищуривать глаза чтобы рассмотреть предъявляемую трагическую картину мира. Тонкая линия поводка, объединяющая собаку и человека, то появляется, то исчезает из виду, определяя зыбкость отношений и предваряя надвигающееся расставание. Диссонирующий с природой вертолет в одно мгновение обрывает связь человека с собакой. Его сильное энергетическое поле наделено вполне конкретной перформативной задачей разрушить умиротворенную архитектонику природного состояния. Формально он формирует индивидуализированное пространство снежной бури, как некое особое место со своей историей, и одновременно создает пространственно-временную границу между природным спокойствием и искусственным хаосом (пургой). Полифоническое переплетение природных, человеческих и технологических образов создает принцип отстранения, сочетания не сочетаемого, несоизмеримости логического, чувственного и хаотичного мышления.

125 Best Visual Art Project

Installation, black and white, stereo Man is able to distance themselves from the immediate environment and can perceive the world as something more than himself. It is important to squint your eyes to view the tragic picture of the world. The thin line of the leash that combines dog and man, which appears and disappears from sight, defining the fragility of relationships and anticipating the impending separation. Helicopter, dissonant with the nature,

breaks in a moment connection between man and dog. Its strong energy field is endowed with specific performative task to destroy pacified architectonics of the natural state. Formally, it creates an individualized space of the snowstorm as a kind of special place with its history, and creates a space-time boundary between natural calm and artificial chaos (blizzard). Polyphonic interweaving of natural, human and technological images creates the principle of suspension, combination of incongruous, incommensurability of the logical, sensible and chaotic thinking.

Snowdrop Provmyza duet

Вокальные Параллели

Лучшее произведение визуального искусства

Вероника Рудьева-Рязанцева

Best Visual Art Project

126

Песня, как ничто другое затрагивает определенные струны души, как бы банально это не звучало. Песня это средство коммуникации, выражение мыслей и чувств, это часть культуры. Именно песня очень ярко иллюстрирует время. Для меня видео «Вокальные параллели» это очень эмоциональный проект, в котором я сталкиваю «наши родные песни», которые поют иностранцы. Сейчас «иностранец» уже не воспринимается как «экзотика», как «инопланетянин», перелетевший через «железный занавес». В сегодняшней России довольно много иностранных граждан: кто-то приехал по делам, кто-то здесь живет, учится, так или иначе им интересно быть здесь и им интересна наша культура и, в частности, наши песни. Это и «Russian brand’s» — застольные, народные песни, лиричные, военные песни, радостные советские, а так же сладкоголосая современная «попса». Кусочки разных песен как будто сплетаются в единую песню, в своеобразный портрет нашего общества, в котором микшируется прошлое и настоящее. Кульминационно завершает это песенное ассорти –«Гимн Зенита». Trivial as it may seem, nothing else touches definite fibers of one’s being but a song. A song is a means of communication, expression of thoughts and feelings, this is a part of culture. It is a song that illustrates time extremely vividly. As for me, a video “Vocal Parallels” is a very emotional project where I bring together “our native songs” the foreigners sing. Now, a “foreigner” is not perceived as an exotic phenomenon, or an alien who flew over the “Iron Curtain”. In present Russia, there are a lot of foreign citizens: some of them came on business, some of them live or study here; in one way or another, they are involved in this life, culture, and, particularly, in our songs. These are “Russian brand’s” — drinking songs, folk songs, lyrics, military songs, joyful songs of the Soviet period, and fruity modern pop. Pieces of various songs as though intertwined into a single song, a certain portrait of our society, where the past and the present are mixed. The culmination of this pot-pourri is the Hymn of Zenit.

Vocal Parallels veronika rudjeva-ryazantceva

127

Метель

Алексей Добров, Даниил Лебедев, Валерий Патконен и Александр Лобанов. Группа «Синий суп»

Лучшее произведение визуального искусства

Видеоинсталляция, 13'. Звук: Джеймс Велберн. Россия, 2008—2009

Best Visual Art Project

128

«Метель» — заключительная часть видеотриптиха (предыдущие части — «Эшелон» и «Оборона»). Эти работы объединяет условно-военная тема, а также способ обращения к зрителю. Он как бы вовлекается в происходящее на экране: аудитории предложена роль наблюдателя или случайного свидетеля некой тайной операции, или разведчика, вынужденного выслеживать перемещения грузов и живой силы. Суть заключается в том, что никакой ясности после просмотра не обнаруживается: зритель-разведчик не в состоянии ни вычислить объем груза, ни его содержание, ни направление его перемещения («Эшелон»), неясной остается и диспозиция сил, ведущих некие боевые действия в тумане («Оборона»). Наблюдение же за перемещением бегущих под снегом людей («Метель») также преподносит больше вопросов, чем ответов: кто эти люди? это военные? беженцы? спортсмены? диверсанты? куда и откуда они бегут? это переброска сил? отступление? война ли это вообще?

Video installation, 13’. Sound: James Velbern. Russia, 2008—2009 « Snowstorm» — the final part of the video triptych (the other parts — «Echelon» and «Defense»). These works are united by the quasi-military theme and appeal way to the viewer. He seems to be involved in what is happening on the screen: audience offered the role of an observer or accidental witness of some secret operations, or role of a scout forced to track the movement of goods and manpower. The idea is that it is impossible to find clarity after viewing: spectator-scout can neither calculate the volume of cargo nor its contents nor its direction of movement («Echelon»), also remains unclear the disposition of forces fighting in the fog («Defense»). Monitoring of the movements of people fleeing in the snow («Snowstorm») also presents more questions than answers: who are these people? military men? refugees? athletes? saboteurs? where and how they run? is it redeployment of forces? retreat? is it war at all?

Snowstorm

Alexei Dobrov, Daniil Lebedev, Valery Patkonen and Alexander Lobanov. The group “Blue Soup”

Лучшее произведение визуального искусства 129

Best Visual Art Project

Планета Максим Холодилин

Лучшее произведение визуального искусства

Самый лаконичный творческий акт, который, тем не менее, имеет космическое значение — голова человека вырастает до символа планеты. Художник приводит в соответствие внутренний универсум человека с внешним универсумом космоса и таким образом приобретает власть самому творить бытие.

Best Visual Art Project

130

Лучшее произведение визуального искусства 131 Best Visual Art Project

The most succinct creative act, which, however, has a cosmic significance — the human head grows to a symbol of the planet. The artist aligns the inner universe of man with the external universe of space and thus acquires the power to create the very existence.

Planet

Maxim Kholodilin

Сделай сам

Лучшее произведение визуального искусства

Вероника Черняева

132

В Ветхом Завете сказано: «Положишь намерение, и оно состоится у тебя, и над путями твоими будет сиять свет» (Книга Иова, 28). Сегодня теории визуализации будущего стали настолько популярны, что книги, посвященные этой теме, издаются миллионными тиражами. Инсталляция «Сделай сам» — эксперимент, призванный проверить на практике работу этого закона. В основе проека лежит принцип двойной подмены — будущее полностью придумывается согласно заданному сценарию, выбранному художником — в данном случае речь идет об успехе в искусстве, творческом самоудовлетворении и публичном признании, и, как результат, счастливой и успешной жизни в целом. Далее сфабрикованное будущее превращается в прошлое и вывешивается на доску в качестве документации уже произошедших событий. Инсталляция представляет собой пробковую доску размером 90 х 120 см (так называемая «Доска мечты»),

к которой кнопками приколоты всевозможные тексты, фотографии, вырезки из журналов, записки, зарисовки и т.п. Среди материалов — обложка Артхроники с фотографией Ники, лестные комментарии о ее выставках от лучших арт-критиков, интервью с Никой из разных изданий, пригласительные на ее персональные выставки, фотографии со светских мероприятий и т.п. Вымышленные тексты и публикации перемешаны с реально существующими интервью художницы в СМИ, имейлами о победах в конкурсах, фотографиями с ее выставок — таким образом проект живет во времени, и его составляющие находятся в постоянной динамике, переходя из категории сфабрикованного будущего в реально существующее прошлое (как, например, случилось с вымышленным сертификатом о победе в конкурсе Martini Art Club, который был вручен художнице в реальности спустя неделю после создания проекта).

133

called “Board of Wishes”), where various texts, photos, cuttings from magazines, letters and sketches, etc. are pinned. Among the materials, a cover of “Artchronika” with Nika’s picture, flattering reviews of her exhibitions by the best art critics, an interview with different media, invitation cards to her personal exhibitions, photos from society events, etc. Imaginary texts and publications are mixed with actual interview of the artists with mass media, e-mails speaking for won competitions, pictures taken at her exhibitions — in such a way, the project lives through time, and its constituents are in permanent dynamics passing from the invented future to the objective past (as this happened to the imaginary certificate of the winner of the competition Martini Art Club, which was presented to the artist a week later after the project had been created).

Do it Yourself veronika chernyaeva

Best Visual Art Project

Old Testament says: “You will decide on a matter, and it will be established for you, and light will shine on your ways” (Book of Job, 28). Today, theories of visualization of the future have become so popular that books devoted to this subject are published in edition of millions copies. The installation “Do it Yourself” is an experiment designed to try out how this rule works. The project is based on the principle of double substitution where the future is invented according to the scripts chosen by an artist; what is meant here is success in art, creative self-satisfaction and public acknowledgement, and, as a result, happy and successful life as a whole. After that, the invented future turns into the past and it is put up onto the board as a document testifying to the events that have already happened. The installation represents a pin board 90 x 120 cm (a so

о в т сс у м ск о и н н е в т с е щ в об е в т с н а р т с о р п t r a c i l b pu

АВТОПАРК

Искусство в общественном пространстве

Группа PPROFESSORS

Проект «Автопарк» является частью проекта «Cubism» — серии модульных зооморфных объектов и их автомобилей, представленных в Пермском музее современного искусства PERMM в апреле — мае 2011г., а так же гостивших в Коми-Пермяцком этнокультурном центре в городе Кудымкар в рамках программы музея PERMM «Культурная перезагрузка» в сентябре 2011г. «Автопарк», расположившийся в «Экстрим-парке» в Перми, это девять архетипов машин: легковой автомо- биль, грузовик, фура, лимузин, школьный автобус и т.д. Дополняет композицию трехметровый красный медведь — древний тотемный образ и, одновременно, излюбленная игрушка детей.

Public Art

136

The project “Autopark” represents a part of the project “Cubism” which is a series of modular zoomorphic objects and their cars presented in the Perm museum of modern art PERMM in AprilMay, 2011, as well as those that were on a visit to Komi-Permyak center of ethnics and culture in the town of Kudymkar within the scope of the PERMM museum program “Cultural restarting” in September, 2011. “Autopark” occupying Extreme-park in Perm represents nine archetypes of cars; they are a light motor vehicle, truck, eighteenwheeler, limousine, etc. The composition is complemented with a three-meter-tall red bear, an ancient totem character and, at the same time, a favorite children’s toy.

AUTOPARK Group pPROFESSORS

Натуральный обмен Сергей Баловин

Искусство в общественном пространстве

Натуральный обмен — интерактивный арт-проект, объединивший несколько видов и жанров искусства. Любой желающий получает в подарок собственный портрет в обмен на предмет, выбранный в рамках темы, определенной художником. Отдавая художнику утилитарный объект, имеющий определенное значение в бытовой жизни, участник подтверждает значимость произведения, не обладающего утилитарными функциями. Художник, делает при встрече несколько быстрых портретов, но отдает только один, предпочитаемый участником. Остальные портреты сохраняются и экспонируются в составе монументальной инсталляции «стена лиц», утверждающей значимость каждого участника. Первая тема, обозначенная при старте проекта — «Дом». Участник приносит предмет полезный в доме, в хозяйстве. Один из незаменимых элементов домашнего уюта. Так, когда художник переехал в чужую страну, где не знал никого, и снял там пустую квартиру, уже через несколько недель после старта проекта, он обзавелся всеми необходимыми в быту вещами и новыми знакомствами. Тема «Дом» по-прежнему актуальна и реализуется в Шанхае. Коллекция собранных объектов насчитывает несколько десятков единиц: от свечей и чашек до мебели и бытовой техники.

Real Exchange Sergei Balovin

137 Public Art

Real Exchange is an interactive art project which connect some kinds and styles of art with each other. Anybody can receive his own portrait only for one thematic thing that have been changed by artist. And when exchange is done, it means that non-utilitarian art have a power cause thing he gave to artist was an utilitarian thing. Artist make several portraits. But he gives back only one which participant wants. Other pictures will be in exposition «Face Wall» asserting the importance (significance) of every participant. Themes of that exchange are detected by artist. It depends on real situation and life conditions (collisions). The first theme is 'Home». Participant bring a thing which is useful at home, really indispensable. Artist have the same (parallel) story in his life. When he came foreign country he had nothing. But when he started this project (Real exchange) he received all of important things and connections (contacts) in a moment. This theme («Home») is really popular and timely in Shanghai where a lot of objects in exposition — from simply candles and cups to furniture and home appliances.

Критическая масса

Искусство в общественном пространстве

Анна Биткина

Public Art

138

Пять художников из Финляндии, Норвегии, Исландии, Латвии и группа перформеров из России представили 5 проектов-инсталляций и 1 перформанс на территории парка «Куракина дача», в Культурном центре «Троицкий» и прилегающих к нему территориях, а также в Центральном парке культуры и отдыха имени С.М.Кирова (ЦПКиО) на Елагином острове. Все работы выставки отразили нестандартный взгляд художников на темы, которые они сочли важными для обсуждения с аудиторией Петербурга. Так, финский художник Калле Туракка Пурхонен сконструировал из автомобильных колпаков скульптуру “Яйцо динозавра (Невозможное возможно)” и предложил зрителям задуматься о современной потребительской идеологии и о том, как растущее увеличение числа автомобилей вредит экологии. Скульптура латвийской художницы Лауры Фельдберга “Бриллиантовый князь”, представленная в саду Куракина дача, была тесно связана с историей места и одновременно символизировала современную гламурную культуру. В ЦПКиО исландский художник Храфнкелл Зигурдсон создал масштабную инсталляцию “В состоянии ясности” из 27 флагов, cшитых из рабочей спецодежды, которая обыгрывала тему индивидуальности и ее растворения в группе. Интерактивная инсталляция Выставка «Критическая масса» познакомила аудиторию Санкт-Петербурга с новейшей формой творческой реализации, а именно с public art или искусством в общественном пространстве. Такая форма презентации подразумевает коммуникацию художников и их объектов искусства с городской средой и зрителем. Практика public art пока еще не очень популярна в нашей стране, поэтому организация подобной международной выставки способствовала развитию новой формы искусства в России и продвижению Санкт-Петербурга в европейский арт-процесс. «Критическая масса» стала открытой международной социальной и художественной платформой, где обсуждались местные и всеобщие социальные вопросы. Эта выставка стала местом, где художники делились своим художественным опытом, знаниями о критическом и социально значимом искусстве и осознанием важности открытого диалога между ними и их публиками. С помощью выставки ее организаторы пытались создать новые каналы общения между художниками, аудиторией и местным самоуправлением.

Five artistes from Finland, Norway, Iceland, Latvia, and a group of performers from Russia presented 5 installation projects and 1 performance within the territory of the park “Kurakina dacha”, in the Cultural center “Troitsky” and surrounding areas, as well as in the Central park of culture and rest named after S.M. Kirov (CPC&R) on Elagin island. The exhibition “Critical mass” has acquainted the audience of Saint-Petersburg with the newest form of creative implementation, to be more exact, with public art, or art in public space. Such a form of presentation implies communications of the artists and their art objects with urban environment and spectators. Public art is not wide spread in this country yet, that is why organization of an international exhibition like this has promoted the development of the new form of art in Russia and integration of Saint-Petersburg in European art-process. The “Critical mass” has become an open international social and artistic platform where local and global social problems were discussed. This exhibition has become a place for the artists to share their artistic experience, knowledge of critical and socially significant art, and idea of the importance of open dialog between artists and their audiences. Via the exhibition, the organizers tried to create new channels of communication between artists, audience and local self-government.

Critical mass Anna Bitkina

Ротонда Александр Бродский

Rotunda Alexander Brodsky

139 Public Art

Is the word «door» a noun or an adjective? «Mitrofanushka replies, it is an adjective because it is adjoined!» It was in the play of D.I. Fonvizin «Adolescent». Brodsky thinks absolutely differently: the door is a noun and an adjective — it may exist separately, as such or in the group of similar (or different «persons»; it also may be adjoined to something. In either case, it is a particle bearing a forming, creative charge. In this context the word «door» must be perceived not only as the door but as other items (tangible objects), «bedeviled by time», which frequently appear in the works of Alexander Brodsky and possessing the non-unique meaning, deflected each time when the author uses them in his works, opening the new sounding. The interest of master to such items can be explained by his endless love for old houses (not only for domestic house but for constructions and things which are the evidence of time, and their disappearance makes the author to feel discomfort — so the majority of his works is saturated with nostalgic mood), keeping memories about his childhood. Brodsky easily treats these details forgotten by the society: he inserts them successfully in the interior, makes them a part of installations or uses them as «bricks» for any architectural design. The Rotund may serve as one of the samples of similar works: the wood conduit got stuck amidst the bloomy buckwheat field and sky.

Искусство в общественном пространстве

«Слово «дверь» — это существительное или прилагательное?» «Прилагательное, — отвечает Митрофанушка, — ее же прилагают!» Так было в пьесе Д.И.Фонвизина «Недоросль». У Бродского же все совершенно иначе: дверь — и существительное и прилагательное — она может существовать как отдельно, сама по себе, или в группе подобных (либо отличающихся) от нее «персон»; так и может быть приложена к чемулибо. В любом случае, она является частицей, несущей в себе образующий созидательный заряд. Под словом «дверь» в данном контексте следует понимать не только дверь как таковую, но и другие предметы (материальные объекты), «истерзанные временем», часто фигурирующие в творчестве Александра Бродского и обладающие неоднозначным смыслом, преломляющимся каждый раз, когда автор использует их в своих произведениях, открывая новое звучание. Одним из примеров подобных работ может послужить Ротонда: деревянная постройка, застрявшая посреди цветущего гречишного поля и неба.

Штурм

Искусство в общественном пространстве

Дмитрий Булныгин

Public Art

140

В своих работах художник Дмитрий Булныгин часто использует документальный материал, как бы подглядывая за реальностью. Этот прием использован и в проекте «Штурм», в котором задействовано около 20 пермских школьников в возрасте от 9 до 12 лет. Они в суматохе карабкаются по прикладным и веревочным лестницам вверх. Кто-то размахивает белым флагом, кто-то оступается и падает вниз, другим везет больше — они быстро оказываются за рамками кадра — в будущем, неизведанном. «Штурм» — логическое продолжение проекта «Попытка», который был показан художником в Перми в 2010 году. Константин Бохоров, искусствовед: «Если оценивать видео Дмитрия Булныгина в категориях господствующей эстетики, то это — панк. Его цифровые технологии паразитируют на том, что едва ли сегодня радует глаз и душу обывателя: на мистике видеоморфинга, яркости цвета, ритмах сэмпловой музыки». Дмитрий Булныгин, видеохудожник: «Мое искусство строится на сочетании реалий и особенностей моего восприятия. Это когда снятый материал, полученный без предварительного осмысления, становится фильмом по мере работы с ним, как у скульптора — «отсекаем все лишнее». Часто включая камеру, я еще не знаю, что сделаю с этим в дальнейшем. Вообще я считаю, что фильмы можно делать из всего, что попадется под руку, было бы что сказать. Это как раз пример жизнь-как-искусства, когда события бытового плана и сказанное/сделанное уже не банальность частного характера, а красивая метафора жизни».

In his works artist Dmitry Bulnygin often uses some documentary material as though he is spying on reality. This approach is exploited as well in the project “Assault” in which some 20 Perm schoolboys of the age from 9 to 12 years are involved. In turmoil they climb on applied and rope ladders upwards. Someone swings a flag of truce, someone stumbles and falls downwards, some other ones are more lucky — they quickly move beyond the frameworks — and into the future, the unknown. “Assault” is the logic continuation of the project “Attempt” that was shown by the artist in Perm in 2010. Konstantin Bohorov, the critic: “If we’d like to estimate Dmitry Bulnygin’s video in the categories of dominating esthetics it is punk. Its digital technologies parasitize on things that hardly today pleases an eye and soul of ordinary people: on the mystic of video-morphing, brightness of colour, rhythms of sampling music”. Dmitry Bulnygin, the video artist: “My art is constructed on the combination of realities and peculiarities of my perception. This is when the shot material obtained without preliminary comprehension, becomes the movie as it is processed during the work, as the sculptor does — «he cuts off all superfluous». Often, turning on camera, I don’t know what I will do with it further on. In general I consider that it is possible to make movies from anything that is at hand, if You have the message to convey. This is exactly an example of “life-as-art”, when the events of every day life and spoken/done is no longer the banality of private character but beautiful metaphor of life”.

Assault Dmitry Bulnygin

Выставка Неми

Пётр Жуков, Даниил Зинченко, Виктория Чупахина. Объединение Вверх!

Константин Бохоров, искусствовед: «Если оценивать видео Дмитрия Булныгина в категориях господствующей эстетики, то это — панк. Его цифровые технологии пара-зитируют на том, что едва ли сегодня радует глаз и душу обывателя: на мистике видеоморфинга, яркости цвета, ритмах сэмпловой музыки».

Konstantin Bohorov, the critic: “If we’d like to estimate Dmitry Bulnygin’s video in the categories of dominating esthetics it is punk. Its digital technologies parasitize on things that hardly today pleases an eye and soul of ordinary people: on the mystic of video-morphing, brightness of colour, rhythms of sampling music”. Dmitry Bulnygin, the video artist: “My art is constructed on the combination of realities and peculiarities of my perception. This is when the shot material obtained without preliminary comprehension, becomes the movie as it is processed during the work, as the sculptor does — «he cuts off all superfluous». Often, turning on camera, I don’t know what I will do with it further on. In general I consider that it is possible to make movies from anything that is at hand, if You have the message to convey.

Exhibition Nemi

Zhukov Peter, Zinchenko Daniil, Chupakhina Victoria. The team “Upward!”

141 Public Art

Дмитрий Булныгин, видеохудожник: «Мое искусство строится на сочетании реалий и особенностей моего восприятия. Это когда снятый материал, полученный без предварительного осмысления, становится фильмом по мере работы с ним, как у скульптора — «отсекаем все лишнее». Часто включая камеру, я еще не знаю, что сделаю с этим в дальнейшем. Вообще я считаю, что фильмы можно делать из всего, что попадется под руку, было бы что сказать.

Nemi is a small forest lake in Italy, on the shore of this lake in ancient time, in a sacred grove, the Goddess Diana’s sacellum was situated. A pretender to the position of the priest of Nemi could attain this position in the only way — to pick the Golden branch and kill his predecessor; and he could hold this seat until being killed by a stronger and smarter competitor. The position of the priest gave a title of Tsar, the Tsar of the forest. Actually, the exhibition represents a single work which structure consists of three parts resulting in a certain experience gained via movement through the transformed space.

Искусство в общественном пространстве

Неми — небольшое лесное озеро в Италии, на берегу которого в древности в священной роще находилось святилище богини Дианы. Претендент на место Немийского жреца мог добиться его только одним способом — сорвав Золотую ветвь и убив своего предшественника, а удерживал он эту должность до тех пор, пока его не убивал более сильный и ловкий конкурент. Должность жреца приносила с собой звание Царя, Царя леса. Выставка, по сути, представляет собой единую работу, имеющую трёхчастную структуру, результатом которой, является некоторое результирующее переживание, полученное за счёт движения сквозь преобразованное пространство.

Искусство в общественном пространстве Public Art

142

Форма света Жанна Кадырова

Серия объектов и скульптурных инсталляций. Открытие состоялось 27.05.2011 (Киев. Пейзажная аллея.)

От ламп и прожекторов исходят бетонные лучи, обычные выключатели, электрический щиток, дверь, стаканчики отбрасывают бетонные тени. Взгляд привычно скрытой от глаз камеры слежения материализуется в зале бетонной глыбой, преграждающей путь. Работа «Форма света» материализует пространственную структуру света, которая вопреки своему постоянному присутствию в повседневности вытесняется на периферию сознания и остается незамеченным. Корпускулы световой волны — фотоны, как известно, не имеют массы покоя, обретая ее лишь в движении на предельно возможной в физической вселенной скорости. В работе Жанны Кадыровой почти невесомый луч осветительного прибора обретает массивность и монументальность, неподвижность и тяжесть.

The form of the light Zhanna Kadyrova

Скарабей Молдакул Нарымбетов

Искусство в общественном пространстве

Произведение отсылает зрителя к древнему мифу о жуке скарабее — символу Солнца, олицетворяющему идею вечного возвращения, труда и творчества. Замысел скульптуры родился у художника после того, как он увидел в степи маленького жука, который катит перед собой огромный шар. В работе «Скарабей» казахский художник переосмысливает древнеегипетский миф о жуке-скарабее, наделяя его актуальным содержанием. По сути, жук-скарабей — это критика современной цивилизации, бессмысленного потребления, после которого остаются только отходы, в данном случае — покрышки. Художник размышляет над экологическими проблемами современности. Скульптуры из старых резиновых автомобильных покрышек Молдакула Нарымбетова — креативная модель утилизации промышленных, которая может быть реализована в любом другом российском городе. Открытие проекта состоялось 21 октября 2011 года в Перми, в Саду камней.

143

Scarab

Moldacul Narymbetov

Public Art

The piece of work refers to an ancient myth about the scarab — a symbol of the Sun personalizing the idea of eternal return, labor and creative work. The conception of the sculpture was born after the artist had seen in the steppe a little beetle rolling a huge sphere in front of it. In the work “Scarab”, the Kazakh artist gives a second thought to an Old Egyptian myth, filling it with new content. Actually, a beetle-scarab represents critics of the modern civilization and senseless consumption resulted only in waste, in this particular case this refers to car tires. The artist speculates over ecological problems of the modernity. The Moldacul Narymbetov’ sculptures made of old rubber tires is a creative model of disposal of industrial waste, which could be implemented in any other Russian city. The project was opened on the 21st of October, 2011, in Perm, in the Rock garden.

Пермские ворота

Искусство в общественном пространстве

Николай Полисский

Public Art

144

12-метровые «Пермские ворота» Николая Полисского обещают стать самым масштабным городским пабликартом в России. Этот памятник можно смело назвать чудом архитектурного проектирования, в котором традиция русского деревянного зодчества переплелась с инженерными инновациями XX века. В творчестве Полисского до «Пермских» уже были «Лихоборские ворота» в Москве. Но если деревянный инвайронмент в столице кажется шедевром самодеятельности и напоминает архаические постройки, то «Пермские ворота» выглядят уже как настоящая «бревенчатая триумфальная арка» (Владислав Сурков, журнал «АртХроника») в виде трехмерной буквы «П». Это настоящий монумент, который выполняет целый ряд функций в городской среде: маркирование места (ворота открывают еще один открыточный вид и место для фотографирования), рекреация (идеальный объект для созерцания и отдыха), а также элемент благоустройства (ворота организовали пространство вокруг, выполнив роль доминанты). Ворота возвышаются рядом с так называемым Садом камней — и это символичное соседство: современные города — это сплошь сады камней, бетона и асфальта. В таком окружении «Пермские ворота» становятся настоящим экологическим памятником, который бесконечно облагораживает и оживляет индустриальную текстуру города, прорастая в ней еловыми бревнами. То, что памятник имеет такую «ершистую», всклокоченную структуру, делает его модернистским, ярким, таким характерным персонажем, с собственным настроением и посылом к гражданам. По словам Николая Полисского, замысел «Пермских ворот» родился у него еще в 2008 году, когда художник впервые приехал в Пермь. Экспедиция по городам Пермского края, в ходе которой художник познакомился с культурой и природой региона, также стала источником вдохновения при создании этого проекта. Сам автор и многие зрители увидели в этом памятнике посвящение реке Каме, которая на протяжении столетий была главной магистралью для сплава леса. В «Пермских воротах» сконцентрирован емкий образ малой Родины, с глубокими национальными и историческими корнями. Открытие состоялось 8 июня 2011 года в Сквере «250-летия Перми», Пермь

The 12-meter high Nikolai Polissky’s monument “The Gate of Perm” promises to become the most ambitious object of city public art in Russia. This monument could be rightly considered a miracle of architectural design, where the tradition of the Russian wooden architecture intertwines with the engineering innovations of the 20th century. “The Gate of Perm” followed “The Gate of Likhobors” by Polissky in Moscow. While the wooden environment in the capital seems to be a masterpiece of amateur performance, it resembling archaic structures, “The Gate of Perm” looks like a true “log triumphal arch” (Vladislav Surkov, “ArtChronicle” magazine) in the form of three-dimensional Russian letter “П”. This is a real monument performing a number of functions in the city environment: marking the place (the gate represents a punchy view and a place for taking pictures), recreation (a perfect object for contemplation and relaxation), as well as an element of landscaping (the gate has organized the space around playing a dominant role). The gate overlooks a so-called Rock garden, and this neighborhood has a symbolic function, for the modern cities are nothing else but gardens of rocks, concrete and asphalt. In this environment, “The Gate of Perm” represents a genuine ecological monument ennobling and enlivening industrial structure of the city, sprouting up with deal logs. As explained by Nikolai Polissky, he designed “The Gate of Perm” in 2008, when he visited Perm for the first time. The tour around the towns of the Perm Territory and acquaintance with the culture and nature of the region also has become a source of inspiration for this project. The exhibition was opened on the 8th of June, 2011, in the square “The 250th anniversary of Perm”, Perm

The Gate of Perm Nikolai Polissky

Вечный огонь Тимофей Радя

Графика: Серёжа Клещёв. Подготовка: Кирилл Воронков, Паша Ракевич, Саша Петров, Миша Скворцов, Катя Хамудисова , Даша Захарова, Света Спирина, Злая Голова. Съемка: Маша Шапкина, Серёжа Соловьев, Ваня Клейменов. Архивные снимки: Светлана Быкова, Илья Демаков, Анастасия Сазанова и Иван Тимаков (архив ЦДООСО).

The memory of the victory erases the memory of the terrific beginning of war (WWII). How were they fighting — everyone was — putting their faces in fire. And how did they let the war happen? It’s repeating. The abandoned hospital used to take the wounded throughout the years of war. There are faces on the wall of four soldiers and two unnamed from Ural. They were created by an open flame set on a fabric of bandage. The faces were burnt; soon rain will wash them off. Eternal fire lasts a few minutes. Pictures were transfered to the base, varying density of bandages give different tones of color. After the burning we have removed the rest of bandages. Thanks to: • The hero of the USSR guard major Fedor Spekhov • Fomichev, colonel, commander of the 61st guard tank brigade • Guard sergeant I.D.Serebrjakov • Guard lieutenant V.A.Markov • Unknown • Unknown

eternal Flame timofey radya

145 Public Art

Спасибо: • Герой Советского Союза гвардии майор Федор Спехов • Фомичев, полковник, командир 61-й гвардейской танковой бригады • Гвардии сержант И.Д. Серебряков • Гвардии лейтенант В.А.Марков • неизвестный • неизвестный

Graphics: Serezha Kleshev. Production: Kirill Voronkov, Pasha Rakevich, Sasha Petrov, Misha Scvortsov, Katja Khamudisova, Dasha Zakharova, Sveta Spirina, Evil Head. Photo documentation: Masha Shapkina, Serezha Solovjev, Vanja Klejmenov. The archive documentation: Svetlana Bikova, Ilja Demakov, Anastasia Sazanova, Ivan Timakov (the archive of CDOOSO)

Искусство в общественном пространстве

Память о победе стирает память о страшном начале войны. Как побеждали — каждый побеждал — складывали в огонь лица а как могли допустить войну? Она повторяется заброшенный госпиталь в годы войны принимал раненых. На стене лица четырех уральских солдат и двоих безымянных. Они нарисованы открытым огнем, светлые участки закрывали бинтами. Вечный огонь длится несколько минут. Снимки перенесены на основу, разная плотность бинтов дает разные тона рисунка. После огня убираем оставшиеся бинты

т кс е т й и Лучш менной е р в о ос е р у т ь л у к t s e The b out b a t tex t r a n r e mod

Дневник Биеннале. От заката до рассвета

Лучший текст о современной культуре

Валерий Айзенберг

…Почему все так стремятся быть под эгидой этой странной ярмарки тщеславия? Отсутствие самостоятельности? Инстинкт толпы? Единственное объяснение этому — нужно привлечь спонсоров и включиться в список мест биеннальных экскурсий… …Я сбежал с «Винзавода» на день рождения моей знакомой. Гости там мерились, кто сегодня посетил больше выставок. Кто восемь, кто двенадцать, а кто и все двадцать… …Когда приходишь на плохую выставку, то в процессе принятия «на грудь» она преображается, становится лучше. То есть ее (выставку) гипотетически можно сделать лучше. Но здесь со мной случился обратный эффект — мне становилось все хуже и хуже. В чем дело? Это идеальная работа? Эту инсталляцию сделать лучше нельзя? Ничем ей не поможешь?.. А дальше — будемте пытаться писать только о хорошем.

The Best Text About Modern Art

148 …Why everyone wants to be under the auspices of this strange Vanity Fair? Lack of independence? The instinct of the crowd? The only explanation for this — it is necessary to find sponsors and get to the list of Biennale excursions… …I ran from Winzavod on the birthday of my friend. Guests competed there, who today visited more exhibitions. Eight, twelve, and somebody — twenty… …When you come to a bad exhibition, then in the process of drinking it is changing, getting better. It means that you can make the exhibition better. But I achieved the opposite effect — I was getting worse and worse. What is it? This is the perfect work? This installation can not be done better? Nothing will help? And then — we will try to write only the good.

Biennale diary. From dusk till dawn Valery Aizenberg

История искусства для собак Александр Боровский

Лучший текст о современной культуре

Александр Боровский всегда считал критику делом авторским и, по сути, — писательским. И не раз сетовал на то, что современная критика с ее внутренними разборками и писанием «по дискурсу» способствует тому, что contemporary art теряет свою аудиторию. В книге «История искусств для собак» Боровский пускается во все тяжкие: здесь есть парадоксальный сюжетный ход, интрига, даже характеры прописаны. При этом планка разговора о современном искусстве очень высока. В книге есть полемический — по отношению к коллегам — драйв: вот как, оказывается, можно писать о современном искусстве — увлекательно, ярко, и, главное, с удовольствием.

149

History of Art for the dogs Alexander Borovsky

The Best Text About Modern Art

Alexander Borovsky always considered criticism as author's matter and, in fact, a matter for the writer. He has repeatedly lamented that modern criticism with its internal quarrels and writing «in the discourse» contributes to the fact that contemporary art is losing its audience. In the book «History of Art for the dogs» Borovsky indulges in all serious: there are a paradoxical plot device, intrigue, prescribed characters. But the level of conversation about contemporary art is very high. The book has a polemical — in relation to colleagues — drive: here's how to write about contemporary art — with fun, brightly, and, most importantly, with pleasure.

9/11

Лучший текст о современной культуре

Валентин Дьяконов

Возможно ли искусство про 11 сентября? Или все, что делают художники на эту тему — игры разума, конъюнктура и спекуляции? Можно привести десятки ярких примеров и доказать, что художники не сидели сложа руки. Работы, рассчитанные на самые разные аудитории, от простых зрителей до интеллектуалов, от убежденных патриотов до скептиков, стали появляться в ближайшие дни после терактов. Проблема в том, что у искусства нет единой аудитории и ждать произведения, которое устроило бы всех, бессмысленно.

The Best Text About Modern Art

150

Is it possible art on September 11? Maybe what all artists do on this subject — only mind games, conjuncture and speculation? There are dozens of clear examples that the artists are not sitting idle. The works made for a variety of audiences — for simple spectators and intellectuals, convinced patriots and skeptics, — began to appear in the next few days after the terrorist attacks. The problem is that art has no general audience and it is senselessly to wait for a single work which would suit everyone.

9/11

Valentin Diakonov

100 фильмов, которые мне нравятся Андрей Фоменко

Андрей Фоменко — историк и критик современного искусства, фотографии и кино, доктор искусствоведения, профессор кафедры рекламных технологий СанктПетербургского государственного университета технологии и дизайна. Я пишу эссе об отдельных фильмах. Тексты пишутся в произвольной последовательности, но затем я намерен расположить их в том порядке, который предпочитаю всем прочим — хронологическом. В результате должна получиться своего рода «история кино в фильмах». В отличие от моей предыдущей монографии («Монтаж, фактография, эпос»), которая довольно академична по форме и представляет собой систематическое исследование советского фотоавангарда, новая книга носит более «личный» характер. Мой метод можно определить как средний путь между «чистой теорией» и «чистой литературой». Центральная идея состоит в том, что повествовательный кинематограф взял на себя некоторые функции, от которых отказалось модернистское искусство, а позиция современного кинокритика напоминает «наивную» позицию художественного критика XVIII — XIX вв.

151

Andrew Fomenko — historian, art, photo and film critic, Doctor of Arts, professor of advertising technology in St. Petersburg State University of Technology and Design I am writing an essay about the different films. Texts are written in random order, but then I intend to place them in the order that I prefer to all others — the chronological. As a result, it will be some kind of «history of cinema in the films». In contrast to my previous book («Montage, factual account, epic»), which is rather academic in form and is a systematic study of the Soviet photo avant-garde, a new book has a more «personal» nature. My method can be defined as a middle way between «pure theory» and «pure literature». The central idea is that narrative cinema took over some functions which modernist art is refused, and the position of modern film criticism reminds a «naive» position of art critic in XVIII — XIX centuries.

100 movies that I like Andrew Fomenko

Журнал «Проектор»

Лучший текст о современной культуре

митя харшак

The Best Text About Modern Art

152

В 2011 году журнал отметил четыре года своего успешного существования. Основные темы нашего издания — дизайн, визуальное искусство, фотография, история дизайна, интервью и публикации о ведущих российских и мировых мастерах. Журнал находится на острие актуальных тенденций современного дизайна, посвящает много внимания классическим объектам истории дизайна ХХ века. Журнал ставит перед собой задачи культурнопросветительского и образовательного характера. Огромное внимание уделяется публикациям, освещающим исторический процесс в сфере дизайна, важнейшие вехи становления профессии. Журнал привлекает к сотрудничеству признанных экспертов в областях дизайна и визуального искусства. www.projector-magazine.ru

тележурнал «проектор» Телевизионная передача выходит еженедельно в прямом эфире на телеканале «ВОТ». Гостями студии побывали многие известные художники, дизайнеры, архитекторы, кураторы и искусствоведы. Архив всех выпусков телепередачи доступен по адресу: http://www. youtube.com/user/kharshak

«Projector» Magazine «Subjective lightening of design questions». It is published four times per year since August 2007. The founder, the publisher and the editor-in-chief of magazine is a well-known Russian designer Mitya Kharshak. In 2011, the magazine marked the fourth anniversary of its successful existence. In this period, it earned the high authority in the professional environment. The main topics of our edition are graphical and object designs, visual art and photography, environment design and architecture, history of design and design pedagogics. The magazine is positioned on the peak of actual tendencies of modern design; it devotes special attention to classical objects in the history of design during the XX century. The magazine sets the tasks of cultural-educating and instructional character. It pays great attention to the publications highlighting the historical process in the sphere of design, the most important landmarks of this profession establishing. www.projector-magazine.ru

Television program The TV magazine «Projector» comes out once per week as a live program of the TV channel «VOT» (Your public television). The program is a half an hour talk provided as a live broadcast. The author and the linkman of program is a well known Russian designer Mitya Kharshak. The first program release took place in June 2011. Since that moment, more than twenty programs were produced and each week their number is growing. Wellknown Russian painters, architects, designers, critics and art historians took part at the program. The TV program continues the publishing activity of Mitya Kharshak in the media designer space. All issues of the TV program are on open access at the website «http://www.youtube.com/user/kharshak»

“Projector” Magazine mITYA KHARSHAK

Диана Воуба: Москва.Империя Арсений Штейнер

153

people, but living separate lives. Cover the entire body of the city can not afford living in it man. And Vouba collects far from Moscow in the human dimension of the mosaic pictures. Similarly, as people on a parallel structure, looking at the city in the era of the triumph of industrialization. Constructivist views, which are input into the subway station Red Gate (work number 3 in a series of 'City') and the towers of the Kremlin and the Cosmos Hotel does not provide a human presence.

Diana Vouba: Moscow.Empire Arseny Steiner

The Best Text About Modern Art

Diana Vouba — contemporary artist who doesn’t exploit current and trendy topics. Gender issues, social issues and problems of popular politics. Painting — an expression of urban culture, the same for any aborigine capital of the world Moscow in pictures Vouba deserted, but not lifeless. Giant city — one being, the arteries that move people on a daily basis. Domes, walls, streets, bridges, glitter and marble chipped bricks make up the body in Moscow, created by

Лучший текст о современной культуре

Диана Воуба — современный художник, который не эксплуатирует модных и актуальных тем: социальщины и популярной политики. Живопись Вауба — выражение городской культуры, единой для аборигена любой столицы мира. Москва на картинах Дианы безлюдна, но не безжизненна. Гигантский город — единое существо, по артериям которого перемещаются ежедневно люди. Купола, стены, переулки, мосты, выщербленный кирпич составляют тело Москвы, созданное людьми, но живущее отдельной жизнью. Охватить целиком тело города не по силам живущему в нем человеку. И Воуба собирает Москву в далекую от человеческого измерения мозаику картин. Схожим образом, как на параллельную людям структуру, смотрели на город в эпоху торжества индустриализации. Конструктивистские ракурсы, в которых даны вход в станцию метро Красные Ворота (работа №3 из серии ‘Город’) и башни Кремля и гостиница Космос, не предусматривают присутствия человека.

я а н т е ч о П : я и прем ханика е М о н т Э e l b a r o n o H : n o i t a n c i e n m a h c e M o n Eth

KIRA LAO сравнениям музыкальных критиков, то они тоже будут очень разными: кто-то сравнивает Киру с Бет Гиббонс, кто-то с Диамандой Галас, а кто-то — с Инной Желанной. Представляя дебютный альбом Kira Lao, вышедший в апреле 2011 года, Артемий Троицкий сказал: «Очень может быть, что здесь мы имеем дело с тем вожделенным и давно ожидаемым случаем, когда нашим музыкантам удастся с одной стороны органичная, с другой стороны актуальная версия модерн-музыки на национальной основе. Kira Lao — это то, что должен знать и слышать любой серьезный меломан».

Kira Lao band is one of the brightest debuts in Russian music of last years. It's a unique band combining historical sound with modern music, root ethnic music with actual modern tendencies, lyrics are in English or Russian and sound varies from softest acoustic to wild noise. Except guitars some special instruments are used as gusli, beat-box, cello. In fact all this puzzle is being combined by the vocal of Kira. Sometimes Kira is compared with Beth Gibbons,

sometimes with Diamanda Galas or Inna Zhelannaya. Presenting the band's debut album (released April, 2011) Artemiy Troitsky said: “It's possible that we deal with the desired kind of Russian music, that combines modern sound design and national elements. Kira Lao is something that every music lover should know and listen to”.

Почетная премия: Этно-Механика

Группа Kira Lao — одно из главных открытий в русской музыке последних нескольких лет. Kira Lao — уникальная группа, в которой архаика сочетается с современностью, «корневые» этно-мотивы с актуальными музыкальными тенденциями, песни поются на русском и английском языках, а звучание варьируется от тишайшей акустики до зашкаливающего нойза. Удивителен и набор инструментов, в котором помимо привычных гитар и ударных присутствуют гусли, бит-бокс, виолончель, а также фортепиано. Впрочем, складываться весь этот паззл в цельную картинку заставляет вокалистка Кира и ее песни. Если здесь обратиться к

Honorable mention: Ethno-Mechanica

156

KIRA LAO

THEODOR BASTARD

157 Honorable mention: Ethno-Mechanica

The history of the band begins in 1996 when Fedor Svolotch took interest in noise music experiments. Later other musicians joined the band, and there was their future vocalist Yana Veva among them. In 2004 THEODOR BASTARD recorded and released their sixth album «Pustota» which became the turning point in the history of the band. The album instantly became famous among various listeners in Russia as well as in foreign countries. A year later «Pustota» was released in three more countries. In this work Fedor managed to find a successful combination of electronic beats and ethnic instruments. And Yana Veva, who has rare vocal timbre, performed the main vocal parts using specific singing techniques which referred the listeners either to oriental musical tradition, or to Balkan and Russian folklore. Every following album of THEODOR BASTARD was released in its own specific style: the album «Sueta» was compiled of the live records made on the European tour, the album «Beloe» reflected Fedor and Yana's ardour for the Slavic mythology and Russian folk, and the last single «Tapahula» has shown new interests of the band: the culture of Mesoamerica and rhythms of Africa. In keeping with this concept, in 2012, the band will release a new album and presents it in a few cities and countries. But along with that, along with breaking stylistic and conceptual limits, THEODOR BASTARD has always been true to themselves and known for their sound and approach. In 2011, Theodor Bastard released collection of remixes on the own composition — «Remixed». Including 10 foreign known musicians (Up, Bustle & Out, Geomatic, Flint Glass, etc.), which once again highlighted how the band's music is polystylistic and geographical boundaries.

Почетная премия: Этно-Механика

История группы началась в 1996 году, когда Федор Сволочь увлекся шумовыми экспериментами. Позже к группе присоединяются другие музыканты, в том числе будущая вокалистка Яна Вева. В начале 2000-х группа плавно переходит от нойз эстетики к более насыщенному и живому звучание. В 2004 году THEODOR BASTARD записывают и выпускают альбом «Пустота», который становится поворотной точкой в истории группы. Альбом моментально становится известным у разной аудитории как в России так и за ее пределами. Спустя год “Пустота” выходит еще в трех странах. В этой работе Федору удалось найти удачное сочетание электронных битов, сэмплированных звуков и этнических инструментов. А Яна Вева, обладающая редким вокальным тембром, исполнила главные вокальные партии, используя специальную технику пения, которая отсылала слушателя, как к восточной музыкальной традиции, так и к балканскому и русскому фольклору. Каждый последующий альбом THEODOR BASTARD выходил в своей особой стилистике — альбом «Суета» был собран из живых выступлений европейского тура, альбом «Белое» отразил увлечения Федора и Яны славянской мифологией и русским фолком, и столкновением их с современной электроникой. Сингл “Tapachula” показал новые интересы коллектива — культуру мезоамерики и ритмы африки. Придерживаясь этой концепции в 2012 году группа выпустит новый альбом и презентует его в нескольких городах и странах. Ломая стилистические и концептуальные рамки, THEODOR BASTARD всегда оставались верны себе и узнаваемы своим звучанием и подходом. На данный момент музыканты дали множество концертов, как в России, так и в странах Балтии и в Европе. Группа выступала на нескольких крупных европейских фестивалях — WGT, FUSION и др. Их альбомы официально изданы в пяти странах мира. В 2011 году Theodor Bastard выпустили сборник ремиксов на композиции группы “Remixed”. В работе над сборником приняло 10 известных иностранных музыкантов (Up,Bustle&Out, Geomatic, Flint Glass и др.), что лишний раз подчеркнуло насколько музыка группы полистилична и существует вне географических границ.

НАМГАР Певица Намгар обладает уникальным голосом, сочетая в своём творчестве традиционные и современные вокальные техники. Песни Намгар — это история многовековой музыкальной культуры Сибири, это песни гор и Великой степи. И все это изящно синтезировано с музыкальными традициями world music. Уже на протяжении многих лет Намгар — культовая фигура, кумир нескольких поколений, не только Бурятии и Монголии, но и огромного пространства, наименование которому -Сибирь.

A fusion of Buryat-Mongolian tradition and modern rock/ jazz elements with haunting woman voice of Namgar, the Buryat star of traditional and modern music, and a blend of traditional and modern instruments that bring together images of the great wide open and modern drive. The heart of group, Namgar whose name means “white cloud”, grew up in a tiny village of Kunkur near the border crossing of Mongolia,at SIberia(Buryat Republic). In the heart of Siberia, under bottomless blue sky, the songs

sung by Namgar were born. She masters the mysteries of the great wide open, voices of spirits of mountains and forests. Love to the melodies sung by her granny and her father, the wish to maintain the tradition that is becoming extinct, brought her on festival stages around the world. She sings long songs and yokhor dance tunes, uliger legends of mighty champions, precise arrows, and swift horses, just as they used to sing ages ago, with music arranged so that the jewels of her singing were accessible on world music stage.

Почетная премия: Этно-Механика

В самом сердце морозной Сибири, под бездонным голубым небом рождены песни, которые поёт певица Намгар. Это древние легенды отважного племени бурятов, великих воинов и бесстрашных охотников. Ей подвластны тайны бескрайних степей , лесов и духов гор. Намгар поёт старинные песни кочевников, степные протяжные песни long song, задорные плясовые композиции и улигерные песни (песни-легенды, песни-сказания), прославляющие восточных красавиц, могучих богатырей, быстроногих коней и звон стрел, выпущенных из боевого лука. В этом ей помогают заветы её предков.

Honorable mention: Ethno-Mechanica

158

НАМГАР

Ят-ха Кроме участия в группах Ят-Ха и Хуун Хуур Ту, в разные года Альберт Кувезин так же сотрудничал с знаменитой исполнительницей романсов и авангардного джаза Валентиной Пономаревой, группами Алиса,Гарик Сукачев и Неприкасаемые, Сергей Воронов и группа Кроссроудз, Чикагский Симфонический оркестр, The Chieftans, Asian Dub Foundation, Trans Global Underground, Susheela Raman,Varttina и др. В нынешнем составе группы играют: Альберт Кувезин — горловое пение, гитара; Евгений Ткачев — ударные, вокал; Шолбан Монгуш — игил (тувинский смычковый инструмент), вокал.

Почетная премия: Этно-Механика

Группа создана в 1991 г. Ее лидер Альберт Кувезин является одним из основателей другого известного коллектива из Тувы Хуун Хуур Ту. Музыкальный стиль с электронного этно-техно меняется на живую органичную смесь рока и музыкальных традиций народов Сибири и Центральной Азии, которую критики называют: этно-рок, root-rock и даже этно-панк… За время существования группа совершила несколько мировых турне, десятки европейских, участвовала в сотнях крупнейших фестивалях и музыкальных форумах по всему миру, включая такие как: WOMAD, WOMEX,READING, GLASTOBURY, MELTDOWN, ROSKILDE, SFINKS, OTTAWA BLUES FEST,QUEBEC SUMMER FEST, CHIСAGO WORLD MUSIC FEST, Ridd-Riddu и многие другие…

159

The Standard: “Long-haired guitarist Albert has spent 15 years honing Yat-Kha’s daring mix of ancient Tuvan folk tunes and thrash metal riggs. Tuvans might compare it to a volcano erupting in a steel plant”. The Glasgow Herald: “In this global village, satellitelinked, worldwide-webbed, multi-cultural fusion age, where

everyone has learned something from somebody else. It seems almost impossible for a music to appear that is completely utterly different. Unless it’s Yat-Kha music”. Metro: “The unique sound of Yat-Kha is one of heartfelt passion and individuality. Welcome to their weird and wonderful world”. Nigel Williamson, Songlines: “With his subterranean deep throat growl, Albert Kuvesin?s voice makes Howling Wolf sound like a mincing sissy. The version of Bob Marley?s Exodus is quite mesmerizing while the scary alien take of Iron Butterfly?s In-A-Godda-Da-Vida should probably only be listened to from behind the sofa. But it?s unlikely there will be a more fun album reviewed in Songlines this year. 5 stars.”

Yat-Kha

Honorable mention: Ethno-Mechanica

The Herald: “Sons of the Ancient Tribes that rode with Gengis Khan, they sing of a way of life that makes your average rock n roll hell-raiser look like a wuss. The sound is feral and all the more mind- boggling for the addition of surf-guitar licks… a conglomeration of ancient bowed string instrument and fender Strat an otherworldly meeting of folk songs and punk thrash that exhilarates, intrigues sound like so much product”.

я а н т е ч о П : я и прем о р т Элек ка и н а Мех e l b a r o n Ho : n o i a t c i n n e a m h c e M o r t c e el

Почетная премия: Электро-Механика

DZA

DZA — музыкант и продюссер из Москвы. Принимал деятельное участие в создании творческого сообщества how2make. Сотрудничает и выступает с Романом Литвиновым (он же Mujuice). Писал музыку к хип-хоп- опере «Копы в огне». Одним из первых в России начал экспериментировать с новым инструментальным хип-хопом и музыкой, известной как вонки. Стал стипендиатом Red Bull Music Academy; продюсировал и ремикшировал самых разных людей — от американских подпольных рэперов до английского передовика Hudson Mohawke. Именно DZA стал одним из главных героев прошлогодней публикации сайта Pitchfork, посвященной новой московской электронике. www.soundcloud.com/dza

Honorable mention: Electro-Mechanica

162

Sasha Dza is an electronic music producer from Moscow, Russia. He is one of the founders of well know Russian community How2make Crew, where Sasha with friends, doing crazy party in the most unusual places, staged action movie style theatrical performance and toured throughout Russia and Europe. Cooperates and performs with Roma Litvinov (Mujuice). He composed the music for hip-hopera “Cops on fire”.One of the first in Russia, began experimenting with a new instrumental hiphop and beats music, known as wonky. Got a grant from Red Bull Music Academy. For his not long music career, Sasha produced and remixed a variety people — from the American and Russian underground rappers to UK headliner Hudson Mohawke. Dza, also, became one of the protagonists of last year Pitchfork's publication, dedicated to the new Moscow electronics. www.soundcloud.com/dza

dza

Miiisha

Почетная премия: Электро-Механика

Miiisha — российский музыкант: композитор,хип-хоп исполнитель, продюсер. Он хорошо знаком публике по проектам «Копы в огне», Сanicool, Ларик Сурапов. В 2010 году Миша возрождает сольную карьеру под псевдонимом Miiisha, кардинально изменив направление творчества. Новая музыка родилась под влиянием таких артистов как (m.i.a, mr oizo, pharrell williams). Miiisha выпустил два ЕP и один альбом, поучаствовал в трибьюте группе Мумий Тролль, организованном журналом афиша, перепев песню «черная дыра». Осенью 2011 года на фестивале «электромеханика» Miiisha представил новую аудиовизуальную концертную программу которая была очень горячо принята зрителями и названо одним из лучших выступлений на фестивале.

163

Miiisha

Honorable mention: Electro-Mechanica

Miiisha is a Russian composer, hip-hop musician, music producer. He is known by the audience for the projects “Cops on fire”, Canicool, Larik Surapov. In 2010 he has totally changed his creative direction & restarts his solo career with a new name. His music has been composed partly with the influence of: such artists as M.I.A., Mr Oizo, Pharrell Williams . Miiisha has released two EP and one album, has participated in a tribute to Mumiy Troll band, organized by Afisha magazine, he made a cover for the song callled “Black hole”. In autumn 2011 at Electro-Mechanica festival he presented a new audio-visual programme, that went down very well with the audience.

Почетная премия: Электро-Механика

Тайга и Vj Тарас Геш

Honorable mention: Electro-Mechanica

164

Одно из главных открытий фестиваля «ЭлектроМеханика V» — совместное выступление The Taiga и VJ Taras Gesh. The Taiga — это сольный проект Стаса Шарифуллина — музыканта из Лесосибирска (Красноярский край). Стас пишет музыку в дуэте Demokracy и является менеджером лейблаа G5. В начале The Taiga звучал как психоделический вичхаус на всей этой модной волне, его упомянули в блоге Мишка и журнале «Афиша». Сейчас The Taiga скорее смесь эмбиента, электронного фолка, бас музыки, дрона и вичхауса. Пока Стас только планирует выпустить сольный альбом, пара треков уже вышла на сборниках лейблов Origami Sound и Dark Clover. http://soundcloud.com/gimme5 Тарас Геш, графический дизайнер по специальности, начал заниматься виджеингом в 2007 году на небольших арт-площадках. Это были видеодекорации, которые позже переросли в эксперименты с видеопотоком и графикой. Опыт работы с видеодизайном на ТВ позволил создавать качественные видеоинсталяции и в то же время такое творчество стало возможностью воплощать те идеи, которые нельзя реализовать в коммерческой деятельности. В 2009 году занял призовое место в конкурсе на лучший AVloop среди виджеев на ресурсе vjvault и получил приглашение на издание своих материалов на самой крупной площадке материалов для виджеев vjloops.tv . Сейчас издает свой контент на нескольких подобных ресурсах и занимается запуском своего визуального лэйбла (look-loop.com), Кроме этого сотрудничает с различными музыкантами и коллективами, экспериментирует с разными музыкальными стилями, но в то же время придерживается своей визуальной концепции, схожей с идеями Брайана Ино в музыке. Состоит в объединении Fuselab, участвовал во многих фестивалях и выставках, некоторые работы входят в коллекцию видеоарта cybercinema. http://www.gesh.tv/

The Taiga music performance with vj-work of Taras Gesh became one of the main discoveries of Electro-Mechanica V. The Taiga is a solo project of Stas Sharifullin, musician from Lesosibirsk (Krasnoyarsk district). Stas composes music for Demokracy duo and at the same time he is a manager of G5 label. Fist The Taiga sound was close to psychodelic witch-house. Nowadays The Taiga is a mix of ambient, electronic folk, bass music, drone and witch-house. While Stas is still planning his solo album, a few tracks has been released at Origami Sound and Dark Clover. http://soundcloud.com/gimme5 Taras Gesh is a graphic designer, who has started to vj in 2007. At first he created videodecorations that turned into experiments with video and graphics. His videodesign experience on TV let him make high-quality videoinstallations and that gave him new opportunities for realization of some ideas. In 2009 he was awarded by vjvault and was invited to create some materials for vjloops.tv (the largest resource for vjs). Now he releases his content at several vj-resourses and is planning to create his visual label (look-loop.com). He collaborates with different musicians and bands, makes experiments with different music styles, his visual conception is close with ideas of Brian Ino in music. He participates in Fuselab community, many festivals and exhibitions, some of his works are included in videoart collection “cybercinema”. http://www.gesh.tv/

Taiga and VJ Taras Gesh.

Younnat

Почетная премия: Электро-Механика

Duo of Oleg Serdyuk (Younnat) & Jerome Soudan (Mimetic) became one of the brightest performance at Electro-Mechanica V festival. Younnat is a side project of Oleg Serdyuk, musician, composer, experimentalist and IT programmer from Kharkov (Ukraine). In his live performance he uses various interesting electronic devices like racing wheel, joystick, gamepad, desktop keyboard and some handmade controllers. He plays them with striking ease, so gives a drastic break bit and D'n'B. Mimetic (France, Switzerland) — is a special project of the modern electronic & industrial stage. Every release of Jerome Soudan has a new name that combines Mimetic and another word, that more exactly defines the meaning of the release. For example, Mimetic Mute, Mimetic Tale, Mimetic Under Pressure... Mimetic's many-sided music varies from dance music to experimental. Jerome has a classical music education, that helps him to use masterly the samples of academic composers and partly formed the perfect taste for music. “I want to get astonished, to feel something, not only entertain” — that's how he defines his style. “I don't like insincere stuff. Many people are used to lie. They try to pretend being somebody with the help of music, though we are the same as our music. My music is me”.

Younnat

165 Honorable mention: Electro-Mechanica

Дуэт Олега Сердюка (Younnat) и Жерома Судана (Mimetic) — одно из самых ярких выступлений фестиваля Электро-Механика V. Younnat — это один из музыкальных проектов Олега Сердюка, музыканта, электронного композитора, экспериментатора и IT программиста из Харькова, Украина. В своих живых выступлениях Younnat использует множество необычных и самодельных инструментов, превращая самые неожиданные предметы в MIDI контроллеры. Вооруженный такими приборами, как Socket Sampler, Doorbell Sampler, телевизионные антенны, всевозможные джойстики и игровые манипуляторы Олег создает задорную и эклектичную сэмплетронику (sampletronic). Mimetic — швейцарско-французский проект, который стоит особняком на современной электронноиндустриальной сцене. Каждый релиз Жерома Судана выходит под новым именем, общим для всех них остается только слово Mimetic, к которому добавляется еще одно слово, выражающее или уточняющее суть данного конкретного релиза. Музыка Mimetic очень многогранна и комплексна, это может быть и совершенно танцевальная программа и экспериментальная, скорее не для движения, а для созерцания. В отличие от многих коллег по цеху, Жером имеет классическое образование, что заметно не только по виртуозному использованию сэмплов академических композиторов, но и по тому превосходному вкусу, с которым он подходит к созданию своей музыки.

Над Премией Сергея Курёхина 2011 работали: Анастасия Курёхина Кураторы выставки: Виктория Илюшкина, Елена Олейникова Координаторы: Ольга Губенко, Екатерина Коваль Production: Дарья Никифорова, Елизавета Петровская, Екатерина Устимова

Над Премией Сергея Курёхина 2011 работали:

Над каталогом работали: Составители: Анастасия Курёхина, Ольга Губенко, Екатерина Коваль, Дарья Никифорова, Елизавета Петровская Автор интервью: Александр Кан Дизайн, верстка: Митя Харшак, Ярослав Иванов

Organisers of Sergey Kuryokhin Award 2011

166

Organisers of Sergey Kuryokhin Award 2011 Anastasia Kuryokhina Curators of the exhibition: Viktoria Ilyushkina, Elena Oleinikova Project coordinator: Olga Gubenko, Ekaterina Koval’ Production: Daria Nikiforova, Elizaveta Petrovskaya, Ekaterina Ustimova