Fundamentación de la fotografía del Concurso “Enmarcando la vida” de National Geographic en español by Erich Obed

UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA DE MÉXICO

FACULTAD DE ESTUDIOS SUPERIORES ACATLÁN

FUNDAMENTACIÓN DE LA FOTOGRAFÍA DEL CONCURSO “ENMARCANDO LA VIDA” DE

A PARTIR DE LA APLICACIÓN DELPROCESO CREATIVO DEL DISEÑO; LOS ELEMENTOS FORMALES DEL DISEÑO GRÁFICO Y LAS TÉCNICAS DE COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA PARA OBTENER EL TITULO DE LICENCIADO EN DISEÑO GRÁFICO PRESENTADO POR ERICH OBED ALBARRÁN HERRERA ASESORA: M.C.E. ANA MÁRIA CÁRDENAS VARGAS

ACATLÁN, ESTADO DE MÉXICO, 2009

UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA DE MÉXICO FACULTAD DE ESTUDIOS SUPERIORES “ACATLÁN”

FUNDAMENTACIÓN DE LA FOTOGRAFÍA DEL CONCURSO “ENMARCANDO LA VIDA” DE NATIONAL GEOGRAPHIC EN ESPAÑOL 2007 A PARTIR DE LA APLICACIÓN DEL PROCESO CREATIVO DEL DISEÑO; LOS ELEMENTOS FORMALES DEL DISEÑO GRÁFICO Y LAS TÉCNICAS DE COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA

PARA OBTENER EL TITULO DE LICENCIADO EN DISEÑO GRÁFICO PRESENTADO POR: ERICH OBED ALBARRÁN HERRERA

UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA DE MÉXICO FACULTAD DE ESTUDIOS SUPERIORES “ACATLÁN” FUNDAMENTACIÓN DE LA FOTOGRAFÍA DEL CONCURSO “ENMARCANDO LA VIDA” DE NATIONAL GEOGRAPHIC EN ESPAÑOL 2007 A PARTIR DE LA APLICACIÓN DEL PROCESO CREATIVO DEL DISEÑO; LOS ELEMENTOS FORMALES DEL DISEÑO GRÁFICO Y LAS TÉCNICAS DE COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA PARA OBTENER EL TITULO DE LICENCIADO EN DISEÑO GRÁFICO PRESENTADO POR: ERICH OBED ALBARRÁN HERRERA

ASESORA: M.C.E. ANA MARÍA CÁRDENAS VARGAS

ACATLÁN ESTADO DE MÉXICO 2009

A Josefina, mí madre, a quien quiero con todo mí corazón.

A Ana María, mí asesora, por su amistad y amor absoluto.

Y a mí Alma Matter, por darme tanto como profesionista y ser humano.

Agradecimientos Adriana Galván Guerrero Ana Fabiola Gutiérrez Guzmán Arturo Vega † Benjamín Chaires Carlos Villegas Maciel Catalina Ramírez Bonilla Claudia Mosqueda Gómez David Gutiérrez y Hernández Dina Rochman Beer Elvira Álvarez Esteban Piña Pérez Fernando Velásquez Francisco Manuel Fernández Infante Gerardo Labastida Álvarez Gretel Albarrán Rivero Horacio Marcial Ascencio Vargas Israel Albarrán Herrera

Juan Antonio López Juan José Freire Torrens Julio Cesar Mendoza Guzmán Laura Elena Espinosa Aguilar Leticia Salgado Ávila Marco Mijares María Elena Arias Aguilar María del Carmen Toris Marisela Montes de Oca Tlalpan Martha Olga Rodríguez Pérez Norma Angélica Juárez Malagon Olimpia Guadalupe Bañales Muñoz Olivia González Rodolfo Olivares Rocío Margarita Rivero Reséndiz Rosalba Namihira Guerrero

Por su contribuciones directas e indirectas para la realización de este proyecto de tesis.

De todo lo que se ha escrito, solo me agrada lo que uno escribe con sangre propia. Escribe con sangre y aprenderás que ésta es espíritu. Así hablaba Zaratustra, Primera parte, Leer y Escribir.

En la búsqueda del conocimiento yo no siento más que la alegría de mi voluntad, la alegría de engendrar, y si hay influencia en mi conocimiento, es porque hay en él la voluntad de engendrar. Esa voluntad me aparta lejos de Dios y de los dioses. ¿Qué se podría crear si hubiera dioses? Así hablaba Zaratustra, Segunda parte, En las Islas Bienaventuradas.

ÍNDICE INTRODUCCIÓN.................I CAPÍTULO 1 DISEÑO Y COMUNICACIÓN........01 1.1 COMUNICACIÓN Y DISEÑO.......................02 1.1.1 COMUNICACIÓN......................................02 1.1.2 DISEÑO.....................................................04 • DISEÑO AMBIENTAL.......................................05 • DISEÑO INDUSTRIAL.....................................06 • DISEÑO GRÁFICO..........................................06 1.2 TIPOS DE INFORMACIÓN..........................08 1.2.1 FUNCIONAL..............................................08 1.2.2 DIDACTICA...............................................08 1.2.3 PERSUASIVA............................................10 1.3 PROCESO CREATIVO DEL DISEÑO........12 1.3.1 INFORMACIÓN / DOCUMENTACIÓN......12 1.3.2 INCUBACIÓN............................................12 1.3.3 IDEA CREATIVA .......................................12 1.3.4 VERIFICACIÓN / DESARROLLO.............13 1.3.5 FORMALIZACIÓN Y DIFUSIÓN...............13 1.4 RAMAS DEL DISEÑO GRÁFICO................14 1.4.1 INFOGRAFÍA.............................................14 1.4.2 HIPERMEDIA............................................14 1.5 ELEMENTOS FORMALES DEL DISEÑO GRÁFICO......................................14 1.5.1 ESPACIO FORMATO................................15 1.5.2 SISTEMA DE MARGENES.......................16 • MÉTODO DE LA DIAGONAL Y DE LA DOBLE DIAGONAL..........................................18 • SISTEMA NORMALIZADO ISO 216................19 • CANON TERCIARIO........................................19 • ESCALA UNIVERSAL......................................20 • SISTEMA 2-3-4-6.............................................20 • MÉTODO VAN DER GRAAF............................20 • MÁRGENES INVERTIDOS Y ARBITRARIOS.................................................20 1.5.3 REDES Y RETICULAS..............................21 1.5.4 TIPOGRAFÍA: USOS Y FUNCIONES.......24 • CUERPO DE TEXTO.......................................24 • TITULARES / ENCABEZADOS.......................24 • PIE DE PÁGINA Y PIE DE FOTO....................24 • ESTILOS DE LA TIPOGRAFÍA........................25

• ARMONÍA Y ESPACIAMIENTO DE LA TIPOGRAFÍA....................................................26 1.5.5 COLOR......................................................28 • PSICOLOGÍA DEL COLOR Y SU CONTEXTUALIZACIÓN...................................28 • USO DEL COLOR (ARMONÍAS).....................28 • CÓDIGO CROMÁTICO....................................29 • LOS ESPECTROS DEL COLOR.....................30 1.5.6 LA IMAGEN Y SU USO.............................31 • LA VIÑETA.......................................................32 • LA ILUSTRACIÓN............................................32 • EL GRAFISMO.................................................33 • LA FOTOGRAFÍA.............................................34

CAPÍTULO 2 LA FOTOGRAFÍA...............................37 2.1 BREVE HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA........38

2.2 TIPOS DE FOTOGRAFÍA.................................44 2.2.1 TRADICIONAL (ANÁLOGA)...........................44 2.2.2 DIGITAL...........................................................45 2.2.3 TÉRMINOS TÉCNICOS..................................46 2.3 EQUIPO Y FORMATOS....................................50 2.3.1 CÁMARAS.......................................................50 • CÁMARAS DESECHABLES O DE UN SOLO USO............................................................50 • CÁMARAS INSTANTÁNEAS.................................50 • CÁMARAS DE BOLSILLO Y AVANZADAS...........51 • CÁMARAS SLR O REFLEX..................................52 • CÁMARAS DE CELULAR......................................52 2.3.2 OBJETIVOS....................................................53 • ULTRAGRANANGULAR DE 15 A 24 MM.............53 • GRANANGULAR DE 18 A 35 MM. Y DE 35 A 50 MM............................................................53 • TELEOBJETIVOS DE DE 70 A 120 MM.; 135 MM. A 300 MM. Y 400 MM. EN ADELANTE...54 2.3.3 ACCESORIOS..............................................54 2.3.4 FORMATOS DIGITALES DE IMAGEN PARA LA FOTOGRAFÍA................................55 • RAW.......................................................................55 • JPEG O JPG.........................................................55 • TIFF O TIF.............................................................56 2.4 CATEGORÍAS DE LA FOTOGRAFÍA...............57 2.4.1 FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA..............................57 2.4.2 FOTOGRAFÍA CLÍNICA..................................58 2.4.3 FOTOGRAFÍA DOCUMENTAL.......................59 2.4.4 FOTOGRAFÍA PARA PRENSA (FOTOPERIODISMO).....................................60 2.4.5 FOTOGRAFÍA PUBLICITARIA........................61 2.5 TECNICAS DE COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA.................................................62 2.5.1 ENCUADRE / FORMATO...............................62 2.5.2 PLANOS..........................................................62 2.5.3 ANGULOS DE LA CÁMARA...........................65 2.5.4 COMPOSICIÓN..............................................66 • ELEMENTOS CONCEPTUALES..........................66 • ELEMENTOS VISUALES......................................67 • ELEMENTOS DE RELACIÓN...............................67 • ELEMENTOS PRÁCTICOS...................................68 • REGLA DE LOS TERCIOS....................................68 • ARMONÍA Y CONTRASTE....................................69 • PERSPECTIVA......................................................70 2.5.5 GENERACIÓN Y PLANEACIÓN DE UNA FOTOGRAFÍA.........................................71

CAPÍTULO 3 CONCURSO DE FOTOGRAFÍA “ENMARCANDO LA VIDA” DE LA REVISTA NATIONAL GEOGRAPHIC EN ESPAÑOL 2007............................73 3.1 FUNDAMENTACIÓN.........................................74 3.2 BREVE HISTORIA DE LA REVISTA NATIONAL GEOGRAPHIC...............................75 3.3 CONVOCATORIA DEL CONCURSO DE FOTOGRAFÍA “ENMARCANDO LA VIDA” DE LA REVISTA NATIONAL GEOGRAPHIC EN ESPAÑOL 2007...........................................80 3.4 APLICACIÓN DEL PROCESO CREATIVO DEL DISEÑO.....................................................86 3.4.1 INFORMACIÓN / DOCUMENTACIÓN............86 3.4.2 INCUBACIÓN..................................................86 3.4.3 IDEA CREATIVA..............................................87 3.4.4 VERIFICACIÓN / DESARROLLO...................90 3.4.5 FORMALIZACIÓN Y DIFUSIÓN.....................90 3.5 PRODUCCIÓN...................................................94 3.5.1 DISCRIMINACIÓN DE LAS FOTOS TOMADAS.......................................................94 3.5.2 FOTOS SELECCIONADAS............................96 3.5.3 FOTO GANADORA.........................................99 • ESPACIO FORMATO...........................................100 • SISTEMA DE MARGENES..................................100 • RETICULA Y RED...............................................100 • TECNICA DE COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA..101 • GENERACIÓN Y PLANEACIÓN.........................104 3.6 RECONOCIMIENTOS Y PUBLICACIONES............................................106

CONCLUSIONES..................113 REFERENCIA DE IMÁGENES..............................117 FUENTES BIBLIOGRÁFICAS Y ELECTRÓNICAS...................125

INTRODUCCIÓN OBJETIVO GENERAL DE LA TESIS

Fundamentar la fotografía ganadora del concurso “Enmarcando la vida” de National Geographic en Español 2007 a partir de la aplicación del proceso creativo del diseño; los elementos formales del diseño gráfico y las técnicas de composición fotográfica. A lo largo de este proyecto de tesis veremos como fue el proceso de planeación de la fotografía ganadora del Concurso de Fotografía “Enmarcando la vida” de National Geographic en Español 2007 a partir del uso adecuado de los elementos formales del diseño gráfico y la aplicación del proceso creativo del diseño de Joan Costa. Pero antes veremos el significado de la comunicación y su importancia en la sociedad y el significado del diseño y las diferentes tipos que abarca. Distinguiremos dentro cada una de las herramientas que conforman los elementos formales del diseño gráfico, explicaremos su función e importancia dentro de un proyecto de diseño gráfico que en este caso fue la foto ganadora del concurso antes mencionado. Posteriormente conoceremos el tema central del proyecto que es la fotografía, comenzando con una breve historia del origen de esta herramienta tan útil para el diseño gráfico así como los dos tipos de la fotografía que existen: la tradicional (analógica) y la digital y las coincidencias técnicas que tienen ambas y comparten, desglosaremos las categorías existentes de la fotografía en que se ha desarrollado y las diferencias de cada una además de las técnicas de composición usadas para la obtención de una imagen fotográfica y la forma de generarla y planearla. Al tener la información de las bases del Concurso de Fotografía “Enmarcando la vida” de National Geographic en Español 2007 (Categoría, premios y la mecánica del concurso); haber visto las herramientas (Los elementos formales del dise-

ño gráfico y las técnicas de composición fotográfica), pondremos manos a la obra para procesar todo lo recopilado y es eso de lo que se encarga el proceso creativo del diseño de Joan Costa dentro del capitulo final del proyecto de tesis. Este paso implica en una serie de cinco niveles que son: la información / documentación; la incubación; la idea creativa; verificación / desarrollo y la formalización y difusión del proyecto. Veremos a lo largo de este proyecto de tesis que la planeación y desarrollo de una imagen fotográfica es todo un protocolo de desarrollo y nuestra labor como diseñadores gráficos tiene una lógica y un porque, nada sale por arte de magia ni estamos a la esperanza que vengan las musas a incitarnos a la creatividad, somos profesionistas al servicio de los intereses de nuestro cliente a quien ayudamos a codificar su mensaje para su receptor o consumidor, con la finalidad de que este lo lea y reaccione a favor de este. Todo esto tiene como fin llevar un orden de lo que estamos haciendo; saber que es lo que estamos proyectando y finalmente para saber como satisfacer las necesidades de comunicación de una forma óptima y funcional que es como debe ser nuestro proyecto de diseño (en nuestro caso la realización de una fotografía), y forma de trabajar. Son procesos interactivos para iniciar, desarrollar y concretar nuestros trabajos en un mundo que exige creatividad y sobre todo disciplina en esta profesión que como todas las existentes tiene su razón de existir.

CAPÍTULO 1 DISEÑO Y COMUNICACIÓN

OBJETIVO Definir e identificar cada uno de los elementos que constituyen el diseño y la comunicación así como su aplicación en el análisis de un producto de diseño y el tratado que lleva el mismo a partir del proceso creativo del diseño.

SÍNTESIS Veremos en orden las partes que conforman el diseño; la comunicación y los elementos formales del diseño gráfico y cada una de las partes que la conforman y como fundamentan un producto de diseño mediante el proceso creativo del diseño que principia con la recopilación de la información que será obtenida por el diseñador gráfico, quien analizará los datos y a partir de ahí comenzara a ampliar más información para concretar los puntos que se van a afrontar a lo largo de la realización del proyecto de diseño.

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001.

1.1 COMUNICACION Y DISEÑO 1.1.1 COMUNICACIÓN Tal es la importancia de la comunicación que se necesita primero definirla y ver sus repercusiones en la humanidad en todos los aspectos y que marcan, delimitan y acotan para este proyecto de tesis. Según la Enciclopedia Espasa (Edición 2001) la comunicación es “el conjunto de procedimientos que permiten transmitir mensajes cognoscitivos o afectivos de forma conciente o inconciente. Su eficacia depende del grado de empatía entre el emisor y receptor, esta se depende por el lugar en que se transmite el mensaje, el grado de identidad cultural y la intencionalidad del emisor. Puede ser de carácter 1 (GRAN DICCIONARIO ENCICLOPEDICO ESPASA 4, 2001, pp. 1241)

verbal, no verbal y no oral”.1 La Enciclopedia Hispanica (Edición 1990) complementa la definición de comunicación en que esta se encuentra “…estrechamente vinculado al concepto comunidad y, por consiguiente a los de organización social y de colaboración. Se entiende como… el intercambio de significados entre individuos mediante un sistema común de símbolos”.2 Entonces, en conclusión, la comunicación se entiende, como la transmisión de mensajes de un emisor a otro que seria el receptor, el fin de esto es emitir esos mensajes para obtener una respuesta ya sea negativa o afirmativa y el receptor pasaría a ser emisor y el emisor seria receptor, creándose todo un intercambio de ideas hasta que final2 (ENCICLOPEDIA HISPANICA MACROPEDIA VOL. 4, 1990, pp. 223, 224)

CAPÍTULO 1

mente se llegará a un acuerdo finito o no para ambos lados. Pero hoy en día no hablamos de 2 individuos, sino de millones que juegan este papel en este momento, todo el tiempo. Desde el origen del ser humano, esta necesidad tan básica surgió para mantener enlaces sociales para la protección, procreación y el abastecimiento de comida de esta, pero con el paso del tiempo fue evolucionando ya que el ser humano es “…un organismo susceptible de cambios y sujeto a un proceso constante de transformación”3, obtuvo más inteligencia y con ello adquirió más necesidades, por lo que requirió de nuevos códigos de comunicación más fáciles de comprender, además que tuvieran que ver en común con todos y de medios para hacerlos llegar lo más rápido posibles, y para ello fue

sintetizando los mensajes que pasaron del ahora llamado arte rupestre o prehistórico; el alfabeto grecolatino hasta los iconos de señalización y del internet. Así también como los medios para hacerlos llegar, de la piedra al cable coaxial. Acortando las distancias de kilómetros a minutos. Es así como la comunicación y su persistente progreso nos ha dado “…arquitectura y ciudades; trajo caminos y ejércitos.... Fue la metáfora básica con que empezó el ciclo de la civilización, el pasaje de la oscuridad a la luz de la mente”.4 Si vemos lo obvio, la comunicación ha estado presente con el fin de visualizar y expresar las ideas de forma sencilla y directa a ser decodificada. Sin la comunicación no habría humanidad.

001. El arte rupestre o prehistórico (pagina anterior) fue uno de los primeros antecedentes de mensajes y códigos para la comunicación humana, mismos que han ido evolucionando (y seguirán evolucionando…). 002. El cable coaxial uno de los medios más modernos para la transmisión de mensajes.

002.

3 (Marx Karl, 1974, pp. XIII)

4 (McLuhan Marshall, 2001, pp. 48)

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1.1.2 DISEÑO Hoy en día es una palabra muy aplicada por la gente pero cuyo significado cae siempre a un concepto muy erróneo o confuso. Muchos autores han definido al diseño, “Gregory lo describe como, una relación de un producto con su situación con objeto de satisfacerlo; por otro lado para Reswick es una actividad creativa, que supone la consecución de algo nuevo y útil sin existencia previa; el concepto de Asimov en 1962 es, la elaboración de una decisión, de cara a la incertidumbre, con grandes penalizaciones para el error. Para Broker en 1964 era, simular lo que queremos construir (o hacer) antes de construirlo (o hacerlo) tantas veces como sea necesario para confiar en el resultado final; en 1965 Archer lo definió como, una finalidad, un problema controlado una actividad resuelta, y en 1966 Farr lo describió como un factor que condiciona aquellas partes del producto que toman contacto con la gente”.5 Estos conceptos no son muy concretos y están más cargados de metáfora que denotación por lo que será mejor irnos a los orígenes de la palabra diseño. “La raíz etimológica de Diseño, proviene del italiano disegnare el que a su vez se deriva del latín «designares» que significa marcar o designar”.6 Sí nos apegamos este significado se asocia inmediatamente a «designio» que en consecuencia lleve a algo futuro y se relaciona con «proyecto».

5 (Jones John Chistopher, 1996, pp. 22) 9 (Munari Bruno., 1968, pp. 27)

En español, Diseño significa trazar, o delineación de formas por medios gráficos, que podría ser un cartel o la estructura de una maquina. Pero el diseño va más allá de lo gráfico va hasta lo material. Podríamos definir diseño como “todo un conjunto de actos de reflexión y formalización materia involucrados en el proceso creativo de una obra original, la cual es producto de una combinación particular de planificación, ideación, proyección y desarrollo creativo en forma de un modelo o prototipo destinado a su reproducción, producción o difusión por medios industriales”.7 Ya teniendo este precepto surge el que realiza estas acciones: el diseñador, que según Bruno Munari: “Es un proyectista dotado de sentido estético…”8 “…responde a las exigencias humanas de la gente de su tiempo, la ayuda a resolver ciertos problemas con independencia de todo preconcepto estético y de falsa dignidad artística que deriva divisiones entre las artes”.9 Aquí hay que subrayar la frase «resolver problemas» que es el fin de todo diseño y los diseñadores deben consumarlo en acciones, esos problemas son siempre del campo de la comunicación, códigos y medios, que, como sabemos, es la base de todo lo que es y será el ser humano en todos los campos que van de las artes, las ciencias y la sociedad en general. El diseño abarca un sector muy amplio ya que las áreas a cubrir son extensas por lo que el diseño se especifica y especializa, personajes como Munari, Jones, Blume, Scout entre otros

6 (García Olvera Francisco, 1996, pp. 18)

7 (Costa Joan, 1980, pp. 3)

8 (Munari Bruno., 1968, pp. 25)

CAPÍTULO 1

se han preocupado por sacar esas divisiones que en el diseño encontramos al: Diseño Industrial, el Diseño Ambiental y el Diseño Gráfico. • DISEÑO AMBIENTAL Comprende a la Arquitectura, el Urbanismo; y el Interiorismo (environment desing). Y las funciones que cumplen son: – El producto final siempre es tridimensional. – El destinatario es un usuario y ello comporta actos energéticos. – Construye el marco que soporta los objetos del diseño industrial y los mensajes del diseño gráfico. En palabras más concretas esta rama del diseño construye la configuración de un entorno comunicacional. Y se puede apreciar que las tres ramas importantes del diseño interactúan basándose en las necesidades que se presentan según el contexto especifico.

003. La arquitectura (arriba y abajo derecha) forma parte del diseño ambiental. 004. Así como el interiorismo (izquierda), cambian según el contexto especifico.

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• DISEÑO INDUSTRIAL Se encarga de proyectar los objetos de uso según las reglas de economía, el estudio de los medios técnicos y materiales. Abarca la planificación de la producción de los objetos técnicos de uso y de consumo, obtenidos por un proceso manufacturado o industrial. El producto final por lo general es tridimensional y su destinatario es usuario y consumidor.

005.

Ciertos productos pueden ser a la vez productos y medio ambiente. Los objetos se ubican en el medio ambiente y son promocionados a través de mensajes, los cuales son resultado del diseño gráfico, que podemos ver por lo común en los mupis, en los envases de electrodomésticos, bebidas y alimentos. • DISEÑO GRÁFICO Su área de desarrollo comprende todos los medios impresos como libros, revistas, periódicos, etc. y los medios electrónicos como el internet, cuyo fin es satisfacer una necesidad de comunicación visual mediante el uso lógico y fundamentado de códigos cromáticos, formas, tipografía y otros elementos gráficos. El producto final casi siempre es bidimensional y su destinatario es receptor y ello implica el registro perceptivo y una conducta reactiva. El diseño gráfico es un vehiculo fundamental de la comunicación acerca de la identidad, las ideas y productos.

008.

CAPÍTULO 1

006.

007.

005. Una Cortadora (izquierda), 006. El Volkswgen Sedan (en medio) y un 007. computador como la iMac G1 (derecha) son productos concebidos por el diseño industrial.

009.

Portadas exitosas de discos como 008. «The Piper at the Gates of Dawn» de Pink Floyd, 009. la Imagen de los XIX Juegos Olímpicos México 68 y las 010. campañas publicitarias de Cola-Cola® son parte de las acciones que ejerce el diseño gráfico cuyo fin es satisfacer una necesidad de comunicación.

010.

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1.2 TIPOS DE INFORMACIÓN Otro punto muy importante que debemos tomar en cuenta de nuestro cliente acerca del mensaje que desea enviar, es de que tipo de información va a tratar el mensaje mismo de los cuales conocemos tres: el funcional, el didáctico y el persuasivo. El primero tiene como fin guiarnos; el otro de enseñarnos y el ultimo de convencernos. 1.2.1 FUNCIONAL Este tipo de información tiene como propósito el de dar a la sociedad la facilitación de toda “utilidad publica”10 que corresponda a sus necesidades y expectativas.

“Los ejemplos más ilustrativos… son los indicadores callejeros, el grafismo cartográfico, los planos y mapas, la señalética y los sistemas de signos codificados”.11 Su fin es de orientar, guiar y dar orden al lector o consumidor para llegar al lugar o punto de encuentro donde desea estar. Ya sea, por ejemplo a un centro comercial; sede de gobierno; universidad; un estado o pueblo; y hasta donde encontrar el sanitario más cercano. 1.2.2 DIDÁCTICA Para Joan Costa: “…Implica la presentación de conocimientos y la transmisión de esta clase de contenidos,

011. Mapa de la Red del metro de la Ciudad de México (izquierda) para saber ¿Cuántas estaciones faltan para Balderas? 012. Señales (arriba), son parte del tipo de información funcional y nos ayudan a ubicarnos para poder llegar a un lugar dentro de una ciudad, edificio, y un largo etc.

10 (Costa Joan, 1980, pp. 19)

11 (Costa Joan, 1980, pp. 19)

CAPÍTULO 1

Con este tipo de información se “… suscitan en nosotros percepciones sensoriales de proporciones únicas. La prolongación de cualquier sentido modifica nuestra manera de pensar y de actuar − nuestra manera de percibir el mundo. Cuando esas proporciones cambian, los hombres cambian”.14

en tanto que elementos de formación del saber: cultural, científico, técnico y profesional”.12 En otras palabras: Enseña documenta y capacita. Tenemos como ejemplos: Los gráficos científicos, técnicos, y profesionales. Todos estos especifican seccionando los elementos para conseguir la total comprensión del que lo lea para que finalmente aprenda y se guié. Con ayuda de este tipo de información uno se instruye acerca de la anatomía del ser humano, como es y como funciona cada órgano del cuerpo; como se sumerge y emerge un submarino; hasta como armar un barco pirata de Playmobil®. Todo esto de forma atractiva y comprensible ya que “el hombre racional de nuestra cultura occidental es un hombre visual”.13 013. El Observatorio virtual Ixtli (arriba derecha), son algunos ejemplos del tipo de información didáctica para enseñarnos; documentarnos y resolver dudas de tipo escolar, profesional o personal. 014. El Encarta® de Microsoft® (derecha y abajo) para conocer las funciones de cada uno de los sistemas del cuerpo humano y conocer las principales actividades económicas de algún estado de la Republica.

12 (Costa Joan, 1980, pp. 20)

13 (McLuhan Marshall, 2001, pp. 45)

14 (McLuhan Marshall, 2001, pp. 41)

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015.

1.2.3 PERSUASIVA “Predomina sobre la función informativa y la función didáctica”.15 Este tipo de información esta muy ligado a la propaganda y publicidad cuyo propósito es buscar, impactar de la imagen sobre la sensación, así como el efecto de fascinación sobre la racionalidad con un objetivo: Ofrecer bienes o servicios. El mismo modo es para los partidos políticos; gobiernos y asociaciones ideológicas o de ayuda social; las primeras buscan el fin de lograr la simpatía del receptor y convencerlo de que son la mejor opción para sus necesidades y por tanto los persuaden a que los apoyen con su voto o en el caso de las asociaciones de caridad con dinero o donaciones. 15 (Costa Joan, 1980, pp. 20)

016.

Este tipo de información, como las demás, el consumidor tiene la última palabra si le da el visto bueno o no a lo que ve, si le gusta, se convenció; sino le parece, lo ignora; si piensa que lo insulta o agravo a una minoría, se queja, y a todos estos aspectos las agencias responsables de publicidad están al tanto, ya que deben conseguir de forma adecuada convencer al consumidor potencial con respeto y responsabilidad. Un ejemplo que pone en claro de lo antes mencionado es la campaña publicitaria: «Soy totalmente palacio» del Palacio de Hierro. Muchas agrupaciones feministas o en pro de la mujer levantaron la voz contra la campaña tachándola de un insulto al género femenino, pero el target al que fue dirigido: las mujeres de clase media

CAPÍTULO 1

017.

015. Campaña «Soy totalmente palacio» del Palacio de Hierro®; 016. Cartel de la marca Alka Seltzer® y 017. Espectaculares de Librerias Gandhii® son del tipo de información persuasiva, cuyo único fin es el de convencer sobre la efectividad de un bien o servicio a un cierto target.

alta en adelante les fascino, las convenció y al punto de sentirse las más privilegiadas… «¡¡Soy una chica palacio!!»… no por nada la campaña duro casi diez años. (Información de http//: www.sepiensa.org.mx, 20/03/2000) Otro ejemplo es el caso de Niké que en 1999 presento su nueva línea de tenis Air, el fenómeno empezó cuando varias asociaciones religiosas del clero islámico se quejaron del sacrilegio cometido por la compañía, esto debido a que la tipografía para escribir Air simulaba a la arábiga y cuya composición lo hacia similar a la forma de escribir «Ala» dios de esta minoría, quienes se sintieron ofendidos al uso comercial que le daban y que además según sus tradiciones esta prohibido escribir su nombre, el resultado fue una explicación por parte de Niké y una disculpa por las ofensas que causo sin querer y finalmente toda la línea tuvo que salir del marcado. En este ejemplo, el target al que fue dirigido

el producto no fue ofensivo pero si para una minoría de índole religiosa y tomando muy en claro que en el contexto actual en oriente medio y todo el mundo musulmán el uso indebido de sus símbolos sagrados es penado o agravante y que la empresa es estadunidence, y bien sabemos que ambos lados no se llevan bien que digamos. (Información de http//:www. sepiensa.org.mx, 17/07/2001) Es por esta razón que el uso del proceso creativo del diseño de Joan Costa nos ayuda a saber que aplicar y que no aplicar para un proyecto gráfico y que su fin de buscar la atención y convencimiento positivo del receptor debe estar alejado de errores o manejos inadecuados para evitar malos entendidos o malestares causados por ello. Una buena investigación y su eficiente desglose para ponerlo en práctica nos dará en consecuencia un proyecto gráfico óptimo y funcional.

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1.3 PROCESO CREATIVO DEL DISEÑO Al tener la información requerida y haber ubicado las herramientas (los elementos formales del diseño gráfico que veremos más adelante), pondremos manos a la obra para procesar todo lo recopilado a partir del proceso creativo del diseño, conjuntar estas dos últimas y construir el proyecto gráfico. Este paso implica en una serie de 5 niveles: que son: – La información / documentación – La incubación – La idea creativa – Verificación / desarrollo – Formalización y difusión. 1.3.1 INFORMACIÓN / DOCUMENTACIÓN La información / documentación, es la recopilación y búsqueda de datos útiles para la planeación de un proyecto gráfico y la conocemos como Listing. Es necesario ser muy explicito en este primer paso para conocer el entorno y el contexto como el aspecto cultural; demográfico; político; histórico; social la cuestión geográfica; climática y tecnológica bajo el cual estará sujeto el proyecto gráfico y en donde esta el receptor o el consumidor. Nuestro proyecto gráfico debe adaptarse a todas estas cuestiones para lograr una mejor penetración, no to-

marlas en cuenta traería en consecuencia perdida de tiempo y dinero, además de un mal rato tanto para nuestro cliente y en consecuencia nosotros. 1.3.2 INCUBACIÓN El siguiente nivel es la incubación, que no es más que la digestión de la información y documentación obtenida, para empezar a buscar una solución al problema y, en dado caso, encontrar otros detalles que no fueron percatados y que deben ser tratados en el paso siguiente: la idea creativa. 1.3.3 IDEA CREATIVA Después de obtener la información y procesarla, se empieza la etapa de búsqueda para resolver los problemas encontrados, que es el fin único del diseño y de quien ejerce el diseño, el diseñador, el codificador del mensaje para el receptor que en el proceso creativo conocemos este paso como la idea creativa. Como consecuencia se dará el proceso de bocetaje que son las confirmaciones basadas en toda la investigación realizada y digerida. Y el fin de este paso es el descubrimiento de varias soluciones posibles.

CAPÍTULO 1

1.3.4 VERIFICACIÓN / DESARROLLO

1.3.5 FORMALIZACIÓN Y DIFUSIÓN

Todo este proceso de bocetajes vendrá acompañado por toda una serie de pruebas y errores hasta minimizar todas las posibilidades de solución y quedarnos con una que sea finita, óptima y funcional que por consiguiente, queda libre de toda falla. Este paso se le conoce como verificación / desarrollo.

Después de la serie de pruebas, irá tomando forma nuestro trabajo hasta concretarse en un proyecto definido, listo para ser autorizado por el cliente, que en diseño gráfico es conocido como dummy; éste es el quinto paso: la formalización, que en consecuencia, al ser autorizado, será enviado para su producción. Y es así como entramos a la etapa final del proyecto gráfico: su distribución o difusión.

INFORMACIÓN DOCUMENTACIÓN I

INCUBACIÓN II

IDEA CREATIVA III

VERIFICACIÓN DESARROLLO IV

FORMALIZACIÓN DIFUSIÓN V

MENSAJE 018. El Proceso Creativo de Diseño, ofrece a los diseñadores un modo ordenado e interactivo (ya que no es forzosamente lineal) de planear, obtener la información y las herramientas adecuadas para el desarrollo de un proyecto gráfico y evitar algún contratiempo innecesario en el curso del proyecto, de forma tan efectiva que la creatividad no pelea con la disciplina.

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1.4 RAMAS DEL DISEÑO GRÁFICO

1.5 ELEMENTOS FORMALES DEL DISEÑO GRÁFICO

1.4.1 HIPERMEDIA

Posteriormente después de la planeación de un proyecto de diseño gráfico debemos conocer y saber darle un buen uso a los elementos formales que nos ofrece el diseño gráfico para la construcción de un proyecto.

Son todos los medios electrónicos que contienen movimiento y sonido como la televisión, la radio, el cine, los audiovisuales y el Internet. Por lo común estos medios presentan el producto de forma no real, o sea virtual, que es visible pero no se puede tocar físicamente, aunque en los último años los medios electrónicos ya ofrecen la sensación de estar tocando o estar en medio de un ambiente que uno no esta realmente, el ejemplo a esto es el sistema IMAX. Este producto de diseño “…permite mayor creatividad. Además de brindar oportunidades únicas en cuanto al color, movimiento y sonido…”16 1.4.2 INFOGRAFÍA Son todos los medios impresos en todas sus categorías como son: el cartel, los espectaculares, los folletos, los periódicos o la revista. Estos son físicamente visibles y se pueden tocar y hasta oler. Al igual que los medios electrónicos, algunas infografías ofrecen la sensación de que los elementos salen del mismo sustrato, la tercera dimensión. 019. Los libros (arriba derecha) y 020. Los computadores (abajo derecha) son claros ejemplos para la infografía y la hipermedia respectivamente, ramas en donde se desarrolla el diseño gráfico. 16 (Joannis Henri, 1990, pp. 159)

A partir del conocimiento y el uso de los elementos formales del diseño gráfico, el diseñador puede determinar que necesita para el desarrollo de un proyecto y experimentar todas las posibilidades más cercanas a una solución para el proyecto y posteriormente sacar el más óptimo y funcional para tal propósito.

CAPÍTULO 1

1.5.1 ESPACIO FORMATO

021.

Entendemos por espacio formato, la zona exclusiva limitada donde se plasmara un proyecto de diseño gráfico que se dividen en dos clases: tangible e intangible. – Tangible: Es toda el área física o real que podemos tocar, lo conocemos también como sustrato, y tenemos de ejemplos: las páginas de un periódico, una revista y cualquier infografía, también los lados de un envase. – Intangible: Es todo lo contrario de lo tangible, es el área virtual que solo podemos ver, comprende exclusivamente a las pantallas de T.V., de un celular o de una cámara fotográfica digital. Estos espacios formato pueden ser cruzados de un espacio a otro, por ejemplo en el caso de una imagen fotográfica cuando es captada por la cámara esta en un espacio formato intangible hasta que este es impreso y cambia al espacio formato tangible. Por el contrario si la imagen impresa quiere ser convertida a una imagen de pantalla solo se escanea.

022.

023.

024.

Las revistas como 021. Muy Interesante®; 022. Arqueología Mexicana® y 023. La Mosca en la Pared® son espacios formatos tangibles que son reales y se pueden ver y tocar. 024. La pantalla de un celular o 025. la pantalla de un televisor son espacios formatos intangibles que solo podemos ver pero no interactuar físicamente. 025.

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1.5.2 SISTEMA DE MÁRGENES El margen es el área reservada para la colocación de todos los elementos que harán la composición de un proyecto gráfico dentro de un sustrato (tangible o intangible) como nos mencionan Gavin Ambrose y Paul Harris, el margen son los “espacios en blanco de una página que rodea la mancha impresa”.17 Estos son determinados por el diseñador gráfico con fines técnicos de producción en el caso de ser un impreso y que también aplica para página web. Los espacios blancos en México y en Latinoamérica como menciona Jorge De Buen se ven “…como una ausencia de signos, una inexistencia que debe superarse. Por el contrario en Europa suele verse como una fuente de luz y, en cierto modo, como un signo para sí mismo”.18 Las funciones primordiales de los márgenes se podrían resumir de la siguiente forma: – Evitan que las partes del texto se pierdan en el momento de cortar el papel. – Un espacio adecuado para la manipulación de las páginas. – Ocultar posibles imprecisiones de la tirada. – Evitar que la encuadernación obstruya la lectura. 17 (Gavin Ambrose y Paul Harris, 2006, pp. 175)

Para cumplir estos propósitos no requerimos de márgenes amplios. En el caso de la infografía, en el acabado los cortes por lo común, quitan unos tres o hasta cinco milímetros, dependiendo de la materia prima y las diversas manipulaciones de los pliegos. Los márgenes deben ser lo suficientemente amplios para prevenir estas perdidas. Enseguida debe considerarse un espacio óptimo para la manipulación de las páginas, si bien las tintas de hoy en día ya no manchan las manos (con algunas mediocres excepciones de ciertas revistas y periódicos) sigue siendo muy desagradable para el lector tener tapada una parte del texto por las manos. Por tanto debe dejarse un borde suficiente para evitarlo; y este normalmente será bastante para cumplir con un nuevo compromiso, que es ocultar las imprecisiones. Si el margen es muy estrecho (por ejemplo 5 mm.), se requiere de una buena exactitud para acomodar el rectángulo tipográfico dentro de la pagina, de otra forma, un error de uno o dos milímetros resultaría excesivamente. Hay que dar la mejor condición al proyecto gráfico para que el lector no sufra de inconvenientes a lo largo de la lectura. La encuadernación exige un análisis particular, ya que existen muy diversas técnicas. Pero se deben adelantar dos efectos que hacen de los márgenes determinantes en el proyecto gráfico. El primero se relaciona con las encuadernaciones de caballete y el segundo, con todos los tipos de en-

18 (De Buen Jorge, 2005, pp. 164)

CAPÍTULO 1

cuadernaciones. Cuando el volumen se imprime en cuartos (como la gran mayoría de las revistas), el cuadernillo se forma apilando las hojas en un caballete, para pasar después al cosido, que ordinariamente se hace con grapas de cobre o acero. En este caso queda en el lomo una considerable acumulación de papel; tanto como la mitad del espesor que tiene el volumen terminado. Es decir, si una revista cerrada tiene un espesor de 8 mm., la acumulación de papel en el lomo será de 4 mm. Esta dimensión afecta a cada página en razón de su posición del conjunto. Así las páginas centrales tendrán una anchura de 4 mm. menos que las iniciales. Para ilustrar lo anterior, supongamos que debemos componer una revista de 128 páginas que ser encuadernada al caballete. Tendremos, entonces una pila de 32 hojas, ya que cada hoja incluye 4 paginas. Sí el fabricante del papel ha declarado que el espesor de la hoja es de 0,16 mm., el diseñador podrá calcular el grueso total de la revista multiplicando 32 X 0,16 mm., que da de resultado: 5,12 mm. La hoja central (paginas 63, 64, 65 y 66) tendría entonces una distancia de lomo a corte menor en 5,12 mm. Que la hoja inicial (paginas 1, 2, 127 y 128). “Otro factor a determinar es a la encuadernación, esto es sobre el aspecto del libro al ser abierto. Se ha hecho muy común, por cuestiones económicas, encuadernar los libros a la americana (muy mediocre por cierto). Esto consiste en unir en pegamento el conjunto de hojas y la cubierta en

una sola operación. Al no ser cosidas previamente las hojas se usan adhesivos muy duros, que dan lugar a lomos muy rígidos y en consecuencia los libros tienden a cerrarse; y si se fuerza a permanecer abiertos, terminaran por romperse o deformarse. Es por ello que el margen de lomo debe ser muy amplio, pues es preciso que la excesiva acumulación de material no haga más difícil la lectura de los espacios interiores”.19 “Todos los trabajos bibliográficos celebres (dice Josef Müller Brockmann) presentan proporciones de márgenes cuidadosamente calculadas”.20 A lo que se refería era que los clásicos colocaban el rectángulo tipográfico fuera del centro vertical y horizontal, buscando cumplir con las siguientes reglas: 1– La diagonal de la caja tipográfica debía coincidir con la diagonal de la página; 2– La altura de la caja debía de ser igual a la anchura de la página; 3– El margen exterior (o corte) debía ser el doble del margen del interior (o lomo); 4– El margen superior (o la cabeza) debía ser la mitad del margen inferior (o pie). Esta consecuencia de las tres anteriores. El resultado es un grato efecto visual, produciendo una armonía entre los rectángulos del papel y el texto, ya que ambos guardan exactamente

19 (De Buen Jorge, 2005, pp. 167)

20 (Müller Brockmann Josef, 1992, pp. 32)

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• MÉTODO DE LA DIAGONAL Y LA DOBLE DIAGONAL Este método cumple solo la primera regla y no las otras tres. Por el simple hecho que ambas diagonales (la del papel y de la mancha de texto) descansen sobre la misma línea, se sigue un ordenamiento algo armónico.

026. El «margen perfecto» según Josef Müller Brockmann para los libros que no solo cumple una función visual para el lector sino también técnica a la hora de imprimir y encuadernar este tipo de proyectos gráficos.

Si el sistema anterior se completa trazando la diagonal de la doble página desplegada (l2), se llega a una interesante solución. Sobre la primera diagonal (l1) marcamos arbitrariamente la esquina superior izquierda (a) de la mancha de texto; desde ahí trazamos una horizontal hasta encontrare su intersección con la segunda diagonal (b). Esta misma marca la esquina superior derecha, desde donde traza-

las mismas proporciones. Además, los tercios superiores de ambas figuras descansan sobre la misma línea (línea del tercio); y esto es importante, dado el valor estético del tercio y la manera preponderante en que impresiona al perceptor. El rectángulo elevado y ladeado hace que la forma parezca más ligera e interesante que si se colocase simplemente centrada en el papel. La mancha de texto se alza un tanto para otorgarle una cierta volatilidad, pues, se situarse demasiado baja, tendría una apariencia de pesadez que daría pereza. Pero no es la única forma de marginación que se cuenta, ahora veamos otras técnicas y sus respectivas formulas para calcularlos como nos menciona Jorge De Buen (2005). Ejemplo de cómo crear un margen mediante 027. el método de la diagonal (arriba) y de 028. la doble diagonal (abajo).

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mos la vertical h. para finalmente, el límite inferior del texto se localiza en la intersección de h y l1. Con este método se siguen las reglas 1, 3 y 4. Se suele usar a formatos de proporción áurea y, especialmente, a los llamados de aproximación áurea (dos números consecutivos de la serie Fibonacci), como puede ser un 21:34. A este método se le conoce también con los nombres de sección áurea, relación áurea entre otros. • SISTEMA NORMALIZADO ISO 216 Cuando las cuatro reglas se cumplen sobre un formato ISO 216, la mancha de texto resultante tiene la medida del siguiente rectángulo de la serie. Es decir: si se esta utilizando una hoja A4 (210 mm. X 297 mm.), la mancha tendrá exactamente las dimensiones A5 (148 mm. X 210 mm.). Las proporciones ISO 216 no están tan lejos del canon ternario. • CANON TERNARIO Si la pagina cumple una proporción 2:3 y se cumplen las cuatro reglas, tiene lugar que el margen de pie es igual a la suma de los márgenes laterales. Este sistema esta presente en varios manuscritos de la edad media y en celebres incunables, también se le conoce como canon secreto. Fue divulgado por Jan Tschichold en 1953.

029. Ejemplos de cómo crear un margen mediante el Sistema ISO (1); el canon ternario (2); la escala universal (3); El Sistema 2-3-4-6 (4) y el método Van Der Graaf (5).

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• ESCALA UNIVERSAL Método creado por Raúl Rosarivo. Consiste en dividir la página en una cantidad igual de secciones verticales y horizontales, la cual debe ser múltiplo de tres. Hecha la división, se reserva una sección en sentido vertical para el margen de lomo y dos par el margen de corte; una sección horizontal para el de cabeza y dos para el pie. La anchura resulta inversamente proporcional al número de divisiones. • SISTEMA 2-3-4-6 El nombre del sistema se debe a que corresponden a las medidas relativas de los márgenes. Que se basan en el canon ternario. Con este método se cubren las reglas 3 y 4. Es fácil aplicarlo en cualquier formato editorial hecho al vapor: se asigna un valor cualquiera y se multiplica por 2, 3, 4 y 6 para encontrar el corte, cabeza, pie y lomo, sin alejarse de los criterios clásicos. • MÉTODO VAN DER GRAAF Para sacar de forma más aritmética el margen de la página mediante este sistema geométrico sencillo se sigue el siguiente proceso: Se trazan las seis diagonales de la doble página desplegada. A partir del punto a se levanta una vertical hasta tocar el borde superior del papel. Desde aquí se traza una recta que encuentre la intersección b en el verso. Donde esta recta cruza a la diagonal l1, queda el vértice superior izquierdo del texto. Este

método equivale a dividir la pagina en novenos y a repartir los márgenes según las cuentas del canon tenorio: un noveno par los márgenes menores y dos novenos para los márgenes mayores • MÁRGENES INVERTIDOS Y ARBITRARIOS El medianil angosto entre dos paginas de texto, el cual resulta dar al margen de lomo la mitad de la anchura del margen de corte, puede ser muy problemático en los libros de mucho espesor, y en especial si van a ser encuadernados a la americana. La solución es de tener que invertir los márgenes, haciendo que los blancos interiores sean más espaciosos que los exteriores. Evitando con ello el alabeo de las hojas dificulte la lectura. Este método también puede aplicarse a libros de menor volumen para aligerar páginas muy cargadas de texto. Y también con esto variar el sistema tradicional. Muchos diseñadores gráficos se sienten prisioneros al usar los métodos que hemos visto y buscan hacer márgenes a como ellos se sientan cómodos, y con esto el diseñador se convierte en un patético artista pero no en un diseñador gráfico serio que debe pensar en su cliente y sobretodo en su consumidor, es factible usar márgenes creados de forma arbitraria para infografías de poco texto como folletos, carteles, algunos libros de texto, etc.

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Esto ofrece un orden adecuado para decodificar la información por parte del lector o consumidor de una forma más sencilla. Wong (1997, pp. 61, 63) nos menciona que existen muchos tipos de retículas que destacan por sus variaciones, tales variaciones se dividen en:

030. Ejemplo de cómo crear un margen invertido, ideal para libros de mucho espesor y con ello evitar el alabeo de las hojas al momento de la lectura.

Esto siempre y cuando se apegue a las cuatro reglas que vimos anteriormente y evitarles al consumidor y a nuestro cliente un mal sabor visual. 1.5.3 REDES Y RETÍCULAS La retícula o pauta, es la división geométrica de un área compuesta de “líneas verticales y horizontales, parejamente espaciadas, que se cruzan entre sí, lo que resulta en una cantidad de subdivisiones cuadradas de igual medida”21 en donde se determinan las columnas, espacios y márgenes medidos con precisión. Las columnas son las partes verticales en donde se pondrá el texto, a igual que otros elementos como imágenes. La retícula ayuda no solo a dar un espacio determinado para todos los elementos que vamos a utilizar en un proyecto sino también para poder administrarlo y por tanto a fundamentar el lugar que ocupa cada elemento gráfico de los principales a lo secundarios.

– Cambio de proporción: En donde las subdivisiones cuadradas pueden ser sustituidas por rectángulos en donde se busca enfatizar la dirección. – Cambio de dirección: En donde las líneas verticales y horizontales ya sea cada una o ambas líneas sufren una inclinación de cualquier ángulo que abre a la sensación de movimiento. – Deslizamiento: Cada fila de subdivisiones puede ser deslizada en una u otra dirección, regular o irregularmente, puede estar o no encima o contigua a otra subdivisión en la fila adyacente. – Curvatura o quebrantamiento: Cada una o todas las líneas horizontales y verticales son curveadas o quebradas de forma regular que continúan conservando la misma forma y tamaño. – Reflexión: Como en la retícula de cambio de dirección y curvatura y quebrantamiento, suponiendo que los bordes exteriores de cada fila sean aun rectos y paralelos entre si, puede ser reflejada y repetida en forma alternada o regular. 21 (Wong Wucius, 1997, pp. 61)

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– Combinación: las subdivisiones pueden ser combinadas para integrar formas mayores o complejas, pueden ser de la misma forma y tamaño ajustándose entre sí. – Divisiones ulteriores: las subdivisiones pueden ser divididas en formas más pequeñas o más complejas siendo de igual tamaño y forma.

que así se forman”22, dejando tres direcciones equilibradas, aunque una o dos de estas parezcan más prominentes. – Retícula hexagonal: Es una combinación de seis unidades adyacentes de la retícula triangular, puede ser alargado o comprimido.

– Retícula triangular: Es una consecuencia de “la inclinación de la dirección de líneas estructurales y su nueva división en las subdivisiones

031. 22 (Wong Wucius, 1997, pp. 63)

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No todas las retículas tienen que ser solo de líneas verticales y horizontales, como nos menciona Wucius Wong, existen varias formas de retículas para aplicar a los proyectos gráficos, esto claro, según el criterio del diseñador gráfico y las necesidades del proyecto mismo. Entre los diferentes tipos de retículas vemos las de: 031. Cambio de proporción (a); Cambio de dirección (b); Desplazamiento (c); Curvatura o quebrantamiento (d) 032. Reflexión (e); Combinación (f); Divisiones ulteriores (g); de tipo Triangular (h) y Hexagonal (i) .

032.

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1.5.4 TIPOGRAFÍA: USOS Y FUNCIONES El diseño gráfico cuenta con su elemento más fascinante de todos los que hemos visto hasta ahora: la tipografía. “El alfabeto que usamos es el latino, que fue creado en Roma. Es una colección de fonogramas, es decir, sonidos escritos que hoy en día no resultan muy perfectos”.23 Esto debido a que nuestra lengua se ha transformado mucho, no es lo mismo el español del Siglo XIX al español del Siglo XXI ya que al tener solo 27 caracteres, tenemos más de 27 fonemas. La tipografía es un conjunto de signos muy rico que consigue que el mensaje sea visible, su uso efectivo se basa más en la experiencia o la cultura visual del diseñador gráfico. Pero en el factor técnico se rige por los principios de formación. Sus fundamentos “se basan en dos factores inalterables:…del alfabeto latino (en nuestro caso) y la fisiología del aparato humano de lectura. Después hay modificaciones que surgen a partir de factores mutables: tecnología nueva y modas”.24 La tipografía debe estar muy bien jerarquizada en la función que se le va a asignar, esto es el uso optimo de la misma que lleve directo lo que el mensaje tiene que decir al consumidor de nuestro cliente. Podemos jerarquizar las funciones de la tipografía de la siguiente forma: cuerpo de texto; titulares y pie de página o foto.

23 (C. Arnold Edmund, 1985, pp. 26)

24 (C. Arnold Edmund, 1985, pp. 33)

• CUERPO DE TEXTO Comúnmente llamado también como mancha tipográfica o de texto, es en donde contiene la información que leerá el consumidor o lector. La selección de la tipografía adecuada para esta función depende de dos factores que son: macroestética y microestética, esto se refiere a que algunas fuentes tipográficas se ven mejor cerca o lejos, aquí el diseñador gráfico determina si la información que tiene debe ser vista a cierta distancia por el lector como por ejemplo que la información sea para una señalización o si es muy cerca será en una revista o periódico. • TITULARES / ENCABEZADOS Los temas en que se dividirá la información seria en Titulo y Subtítulos, de lo principal a lo secundario. En los subtítulos si la información es muy amplia se dividirán en otros subtítulos que proporciona, en consecuencia, un mejor entendimiento de la información que se ofrece siempre y cuando se maneje adecuadamente por el diseñador gráfico. • PIE DE PÁGINA Y PIE DE FOTO Información adicional que nos dice de donde procede la misma, en el caso del pie de página puede decirnos de donde se tomo esa sección de datos si esta es extraída sin alteraciones. El pie de foto nos dice de donde procede la imagen o de quien es su autor.

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• ESTILOS DE LA TIPOGRAFÍA Todas estas funciones que mencionamos se jerarquizan mejor al aplicarles varias series o estilos que son: Bold, Black, Heavy o Extra Black (Negrita), Italia o itálico (Cursiva), Condensed (Condensada) y Extended (Extendida). Y se pueden hacer combinaciones de ellas para optimizar la jerarquización. Edmund C. Arnold denomina específicamente itálico “cuando un Romano (basado en el alfabeto Romano) se inclina hacia la derecha. Cualquier otra letra que se incline hacia la derecha recibe el nombre de Oblique. Una que se inclina hacia la izquierda es un Blackslant, que resulta una forma bastante desagradable”.25 Podemos ver las tipografías en estas series por medio de los fonts o fuentes que son colecciones de todos los caracteres que tenga creados la tipografía que se ve en diferentes medidas a partir de 8 puntos en los archivos dentro del computador.

Myriad Pro Black Myriad Pro Italic Myriad Pro Condensed Myriad Pro Extended

U2 OCTOBER 1983 Song: Rejoice It’s falling, it’s falling And outside a building Comes tumbling down And inside A child on the ground Says he’ll do it again And what am I to do And what in the world am I to say There’s nothing else to do

033. La fuente Myriad Pro de Adobe® (arriba derecha) nos ofrece una mejor explicación de los estilos que tiene la tipografía para la jerarquización de un texto (titulares; cuerpo de texto y pies de pagina y foto), aplicándolo en 034. la canción «Rejoice» del Álbum October del grupo de rock U2 (abajo derecha).

Everything’s crazy But I’m too lazy To lie And what am I to do Just tell me what am I suppossed to say I can’t change the world But I can change the world in me Rejoice...

He says he’ll change the world someday I rejoice This morning I fell out of bed When I woke up To what he had said

CD Image of the Album in sale in 1983.

25 (C. Arnold Edmund, 1985, pp. 27)

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• LA ARMONÍA Y EL ESPACIAMIENTO EN LA TIPOGRAFÍA

provocara consciente o inconscientemente la aparición de barreras psicológicas”.27

Hay que saber administrar la información del texto mediante una buena cautela en el número y ancho de columnas. Pero además dentro de la tipografía misma existen tres formas de darle armonía y espaciamiento: el tracking (Interletrado), el kerning y el leading (interlineado).

En su lado contrario cuando no se usa, nos dice Müller-Brockmann: “El texto aparece harto oscuro, las líneas pierden éticamente en claridad y reposo. Se exige demasiado del ojo, que resulta incapaz de leer aisladamente una línea sin leer a la vez la anterior y la siguiente. El esfuerzo en concentrarse favorece el cansancio”.

El tracking es la separación entre caracteres, letra por letra, todas las tipografías creadas lo tienen determinado que solo en un caso necesario y fundamentado debe manipularse, pero hay algunas tipografías como las Caligráficas en que el tracking resulta intratable. El kerning es la separación entre palabras. Al aumentarlo se tiene también que aumentar el interlineado para evitar la formación de calles o ríos indeseables. “Un buen espacio entre palabras no debe ser excesivo, ya que dificulta su agrupación, ni pequeño, porque impide su identificación”.26 Se recomienda el aumento del kerning cuando la tipografía sea expandida y en caso contrario cuando sea condensada. Y por ultimo tenemos el leading que es la separación entre líneas dentro del texto. El abuso de esa forma nos comenta Josef Müller-Brockmann: “…un interlineado demasiado grande o pequeño afectaría negativamente la imagen óptica de la tipografía, disminuiría el interés por la lectura y 26 (Montesinos José Luís Martín, 2004, pp. 141) 29 (Montesinos José Luís Martín, 2004, pp. 177)

Al momento de hacer estos movimientos debemos evitar que en el acto la mancha de texto engendre las desagradables viudas y huérfanos. “Viuda es la primera línea de un párrafo que queda al final de una pagina o columna. Huérfana es la primera línea pequeña que aparece en la parte superior de una página o columna. Ambas se consideran incorrecciones porque rompen la estética de la composición tipográfica. Las normas más estrictas recomiendan que en el inicio de una pagina haya al menos tres líneas, pero es suficiente con que sean dos”.29 Toda esta armonía y espaciamiento a la tipografía tiene un fin muy importante: la legibilidad de la información (esto es, que se comprenda al primer momento de verla) que por consiguiente se le dará un orden para la leibilidad de la misma, esto es, el sentido de la lectura de la información y los demás elementos gráficos por parte del lector y solo existen dos modos: el occidental (empezamos a leer

27 (Müller-Brockmann Josef, 1992, pp. 35)

28 (Müller-Brockmann Josef, 1992, pp. 20)

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de izquierda a derecha, zigzagueando) y el oriental (en sentido inverso o de arriba hacia abajo, común en Medio oriente y Asia pacifico).

Esto es un Tracking.

Esto es un Kerning.

Esto es un Tracking.

Esto es un Kerning.

Es to e s un Trac k in g.

Esto es un Kerning.

Esto es un Track ing.

Esto es un Kerning.

Esto es un Tracking.

Esto

Kerning.

Esto es un Leading. Esto es un Leading. Esto es un Leading. Esto es un Leading. Esto es un Leading. Esto es un Leading. Esto es un Leading. Esto es un Leading. Esto es un Leading.

035. Ejemplos de las tres formas de armonía y espaciamiento en la tipografía (tracking, kerning y leading) usando la fuente Myriad Pro de Adobe®. Solo el diseñador es quien determina el uso adecuado de estas herramientas a su proyecto gráfico.

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1.5.5 COLOR • PSICOLOGÍA DEL COLOR Y SU CONTEXTUALIZACIÓN El color es otra herramienta importante para el diseño editorial y el diseño gráfico en general pero no vital, de hecho, se puede conseguir un buen diseño sin colores (acromático o en blanco y negro) y aun así habría tonos, textura y perspectiva. Los físicos proporcionan conocimientos útiles sobre sus efectos psicológicos que mucho apoyan a los encargados del diseño gráfico y ponemos a continuación su definición. Los colores se manifiestan gracias a la descomposición de la luz cuando este choca con un objeto, por tanto, “el color es una propiedad de las ondas luminosas que llegan a nuestros ojos, no por el objeto que vemos. Este último tiene la propiedad de absorber algunas longitudes de onda al mismo tiempo que permite que se reflejen otras”.30 Los diseñadores gráficos debemos tener un conocimiento básico acerca de las dimensiones que abarca el color que son: – Matiz: Es el termino técnico para el color y logramos distinguir un color de otro gracias a la calidad del matiz que podemos identificar con ayuda del circulo cromático. – Valor: Hace referencia a la claridad u oscuridad de un matiz que puede ser aclarado por un matiz claro o un 30 (Turnbull Arthur T., 1990, pp. 255)

31 (Turnbull Arthur T., 1990, pp. 257)

blanco y para un matiz más oscuro se logra agregando un matiz más oscuro o negro. – Intensidad: Se trata de de dar fuerza o debilitar un color mediante la inclusión de otro color como el gris. “El gris es en realidad un color sin matiz y puede lograrse mediante una mezcla a partes iguales de blanco y negro”.31 Todo esto depende del contexto de donde se exponga el proyecto: en una región, estado, país, y además del nivel cultural, religioso, político, etc. de la gente o target al que se le presente el diseño, no recabar la suficiente información para lograr contextualizar los colores a emplear seria catastrófico o simplemente implica el fracaso del proyecto debido a que no es leído; es mal interpretado o de plano no es percatado por el consumidor. La cultura visual del diseñador junto al contexto en que se tiene que crear el proyecto gráfico determinará el buen uso y contextualización del color. • USO DEL COLOR (ARMONÍAS) Su uso correcto radica que de preferencia sean muy pocos o limitarse a solo tres si es posible (científicamente comprobado que el cerebro retiene de preferencia 3 elementos) y se dividiría esto en la forma siguiente: color base, color de soporte y color de complemento. Hay que tomar en cuenta si el proyecto de diseño ya tiene determinado un código cromático, que por lo común seria de

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una empresa que ya tiene una imagen corporativa con sus colores establecidos y lo que se tiene que hacer es buscar colores complementarios. Cabe mencionar y subrayar que las funciones del color dentro de un proyecto gráfico son: – Llamar la atención del receptor. – Crear efector psicológicos. – Desarrollar asociaciones. – Obtener la retención. – Y crear un ambiente placentero. “El uso esta justificado solo en tanto contribuya a la realización de tres importantes objetivos de la comunicación gráfica: 1) Atraer y lograr la atención; 2) Ser legible y comprensible y 3) Causar una impresión”.32 • CÓDIGO CROMÁTICO Toda institución, corporación e incluso una nación, cuenta con una serie de colores determinados que toma como propios y que tiene un significado especial para ellos basados en conceptos connotativos o denotativos, a esto lo conocemos como código cromatico. El diseñador gráfico debe respetar dicho código y en dado caso que se le pida agregar más matices buscar que estos no hagan conflicto con el código cromatico ya determinado.

036. La bandera de la Republica Mexicana; 037. El azul y oro de la Universidad Nacional y 038. El rojo y blanco de la Coca-Cola®. Son buenos ejemplos del uso del código cromatico. La cultura visual del diseñador juega un papel importante al momento de usarlos y sobre todo respetarlos, jamás se deben modificar dichos códigos y saber como integrarlos a otros colores si así se solicita.

32 (Turnbull Arthur T., 1990, pp. 257)

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• LOS ESPECTROS DEL COLOR Un factor muy importante y que muchos diseñadores descuidan, es el tipo de color en el archivo digital para infografía, por que existen dos espectros de colores: los colores luz (RGB) y los colores pigmento (CMYK). – El RGB (Rojo, Verde y Azul en inglés) es el espectro más amplio que lo vemos en todos los monitores de los computadores, televisores, teléfonos celulares, fotografía digital y escaners, su uso es exclusivo para hipermedia. – El CMYK (Cyan, Magenta, Amarillo y Registro en inglés) es el espectro para la infografía, que a diferencia del RGB su gama es muy limitada.

039. Los cuatro componentes del CMYK (arriba) mostrados en los ángulos de pantalla correctos para impresión que al ser integradas forman dicha pantalla. 040. Podemos ver el mismo tipo de pantalla aplicada en una fotografía que fue ampliada. (derecha). 33 (Gatter Mark, 2005, pp. 31)

“Los bordes de los textos e imágenes son comúnmente impresos en negro. Esto hace a menudo que las impresiones hagan más fáciles el acomodo de las posiciones – o registros (Key en inglés) – en los demás colores del trabajo. Es por ello que registro en realidad se le asigne la letra «K». Se ha mal interpretado que al color negro (Black en inglés) se le haya asignado la letra «K» porque si fuera llamado con la letra «B» se podría confundir con Azul (Blue en inglés)”.33 Si vamos a construir un diseño para medios impresos debe estar desde el principio programado para formato CMYK, nunca en RGB que esta siempre predeterminado en los programas para diseño. Si se crean dos archi-

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041. Dos imágenes (arriba) de tres colores iguales cada uno aplicándoles los espectros de color, el de la izquierda esta en CMYK y el otro en RGB. Podemos ver una gran diferencia. De ahí la importancia de saber para que medio se van a crear los trabajos. «Menos es más» aplica muy bien en las imágenes 042. monocromáticas (arriba derecha) que son impresionantes, porque a pesar de un solo color siguen existiendo tonos. En el caso de una 043. imagen dúotono (abajo derecha) se crea un tercer color al mezclar los dos colores escogidos, en este caso el azul y el amarillo crean verde.

vos para comparar los dos espectros de color mencionados se notara la diferencia, es por ello recomendable también calibrar el monitor del computador para CMYK, ya que con ello tendremos la seguridad que así como se presenta en la pantalla el proyecto, así saldrá impreso, de lo contrario, uno tendrá la desagradable sorpresa de ver su diseño en otros colores. No siempre podremos usar todos los colores, en ocasiones se nos pedirá en el proyecto gráfico que se usen mínimo uno (monocromía); o dos colores (dúotono). “La impresión a un solo color puede crear muchos efectos impresionantes y dinámicos. Sea cual fuese el único color que elegimos, ese color puede representarse en tonos, es decir, en sombras más

claros que el color original”.34 Con el Dúotono, “con dos colores primarios puede crearse un tercero; por ejemplo, el azul y el amarillo pueden conjuntar para crear el verde”.35 1.5.6 LA IMAGEN Y SU USO “Será oportuno recordar aquí la etimología del vocablo imagen: del latín imago (…imitare). Imagen es la representación figurada, ya sea visible o audible de un modelo original”.36 Entendemos por como toda representación real o ficticia de una cosa, persona o animal, que por lo común lo vemos en la fotografía; en las ilustraciones, pinturas y grabados. El modo como es trabajado dentro de un proyecto gráfico, debe enriquecer o hacer una referen-

34 (Lynn Jonh, 1991 pp. 64)

35 (Lynn Jonh, 1991 pp. 66)

36 (Costa Joan, 1980, pp. 182)

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cia a la información que la acompaña, además de ser estéticamente adecuado para la vista del lector. Por tanto, la imagen es un “elemento de la comunicación visual que materializa una idea”.37 El trato que se dará a la imagen, establecerá en primer lugar su importancia dentro del proyecto, ya sea para decir de lo que habla el trabajo; dar ejemplos gráficos del mismo y la jerarquización de las imágenes será de lo principal a lo secundario, pero en todos los casos el manejo debe ser atractivo para el lector y fundamen-

tado mediante el orden que se le den a estas. Pero lo más importante, es que las imágenes contextualicen con el proyecto de diseño gráfico. Es por ello que la responsabilidad del diseñador gráfico en darle un significado denotativo a la imagen de acuerdo con la información de texto ya que “la imagen es polisémica: puede significar varias cosas a la vez”.38 • LA VIÑETA “Del francés «vignette» y significa sarmiento. Esta denominación hacia referencia al adorno original de un pámpano tierno de vid”.39 Muy usado en los inicios de los libros y en los periódicos, su fin era “para adornar o embellecer una pagina, cubierta, etc.”40 Muchas veces maquillaban muchas aberraciones en la jerarquización de los elementos del diseño al no contar estas con una reticulación decente, pero como fue esto mejorando se disminuyo su uso solo a lo más esencial. Las representaciones de las viñetas son por lo común elementos vegetales o geométricos. También se consideran como tales “cada uno de los dibujos humorísticos o no, de que están formadas las historietas”.41 • LA ILUSTRACIÓN

044. Ejemplos de viñetas de tipo orgánicas (arriba), ahora la utilidad de las viñetas es más funcional que estética.

Se considera a la ilustración como arte visual por su calidad estética ya que “se basa en las técnicas artísticas tradicionales”42, sin embargo, tiene también la función de comunicar. Hay varios modos de crearlos, ya

37 (Martínez de Sousa José, 2001, pp. 233) 38 (Fontcuberta Joan, 1988, pp. 164) 39 (Luidi Phillip, 2004, pp. 16) 40 (Ricardo José G., 1976, pp. 148) 41 (DICCIONARIO ENCICLOPEDICO ILUSTRADO PLAZA Y JUANES 3, 1975, pp. 0) 42 (Dalley Terence, 1981, pp. 10)

CAPÍTULO 1

sea por los medios habituales como la acuarela; tinta china de colores; lápices de color; pintura de acrílico o por los medios digitales a través de las aplicaciones de vectores y mapa de bits o en mejor caso haciendo toda una interacción de estas técnicas para obtener resultados más ideales. También se le daba el empleo de maquillar y adornar pero su uso es funcional y referencial para la información que lo acompaña. Eso es y debe ser su papel, cosa que el diseñador gráfico igualmente debe poner en los demás elementos que componen un proyecto gráfico. • EL GRAFISMO Se le conoce como “…el sistema de expresión de ideas basado en el dibujo principal o directamente y también de indirecto modo en la escritura”43, literalmente significa: describir con dibujos. De ejemplos tenemos: las viñetas y los iconos para las páginas web y las publicaciones impresas, su función es más estética que practica. 045. Varias técnicas tradicionales y digitales de la ilustración (derecha), hay que saber muy bien cual es la indicada para un proyecto gráfico a realizar. 046. La barra de herramientas del programa de texto Word de Microsoft® (abajo) es un buen ejemplo de grafismo, cuyos iconos-botones describen cada función que proporciona el procesador de texto.

43 (DICCIONARIO ENCICLOPEDICO ILUSTRADO PLAZA Y JUANES 3, 1975, pp. 0)

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• LA FOTOGRAFIA Este es el tema centrar del proyecto que empezaremos a tratar en primer lugar, su significado “la clave de este termino… del griego «phos», que significa luz. Así, fotografía es tanto el procedimiento como el resultado de un sistema técnico de obtención de imágenes por medio de la luz. Grafía hecha con luz. Grafía en el sentido original de trazos”.44 “metafóricamente… el arte de «pintar» con luz o dibujar con luz”,45 esto es suficiente explicación para un artista visual pero para el diseñador gráfico este tipo de imagen va mas allá de la metáfora, ya que es una herramienta que funciona como un buen complemento para los demás elementos formales que vimos, y que nos da como resultado

un proyecto gráfico útil, que comunica. En términos técnicos la fotografía es la captura de un fragmento de la realidad, aunque no explícitamente ya que puede alterarse ese fragmento para darle otro propósito practico o simplemente enfatizarlo. En el siguiente capítulo veremos más detalladamente la fotografía a través de sus orígenes; su progreso técnico y las diferentes clases de fotografía que hay y como el diseñador gráfico lleva a cabo la planeación de una fotografía y su desarrollo para ser integrado y coexistir en un proyecto gráfico.

047. El movimiento de un colibrí; 048. La inauguración de un nuevo museo o solo obtener 049. Un bello recuerdo efímero, son algunas de las bondades que nos brinda la fotografía que en el siguiente capítulo, abordaremos todos los detalles históricos y técnicos que la rodean.

44 (Fontcuberta Joan, 1988, pp. 12)

45 (Fontcuberta Joan, 1988, pp. 12)

CAPÍTULO 2 La Fotografía

OBJETIVO Explicar y generalizar que es la fotografía y cuáles su importancia en la vida humana desde sus orígenes, ver cada una de las características técnicas con las que se maneja y su como el diseñador gráfico articula esta herramienta para un proyecto gráfico.

SÍNTESIS Distinguiremos las diferentes categorías de fotografía que existen y desglosar su utilidad hasta el tema que nos interesa: la aplicación de la fotografía en el diseño gráfico desde su planeación, en donde analizaremos como se crea una composición y la funcionalidad de cada una en sí y en conjunto con los demás elementos que veremos a lo largo de este capítulo.

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2.1 BREVE HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA “A pesar de los muchos antecedentes existentes, se considera a Niepce como el padre oficial de la fotografía”.46 la primera fotografía que conocemos oficialmente por parte de Nicéphore Niepce y de la historia de la fotografía es la llamada «Vista de Gras» aunque es muy probable que haya hecho más ensayos pero debieron haber sido destruidos o desaparecieron, esta fotografía muestra una vista de la localidad francesa de Gras. Para esta fijación Niepce utilizo betún de Judea como sustancia fotosensible con una mezcla de aceite de espliego y trementina como revelador-fijador. La exposición duro más de ocho horas, este detalle pronto fue mejorado por Daguerre quien utilizo placas de cobre emulsionadas con haluros de plata y que fue divulgado al público en 1839.

46 (Fontcuberta Joan, 1988, pp. 25)

47 (Fontcuberta Joan, 1988, pp. 27)

El nacimiento de la fotografía significo para algunos pintores y grabadores un nuevo reto para perfeccionar sus técnicas y no perder su trabajo. “Con el Daguerrotipo comenzaba a democratizarse el retrato ya que incluso entre las clases menos pudientes se podía ahora satisfacer el humano deseo de perpetuar la propia imagen”.47 050. «Vista de Gras» (abajo derecha) la primera fotografía oficial del que se tiene documentado por Niepce, 051. «Los dos caminos de la vida» de Gustave Rejlander (abajo).

CAPÍTULO 2

Esto era posible ya que la fotografía daba la gran ventaja de evitar las largas y tediosas sesiones de pose por ser de forma instantánea, pero para otros fue una nueva técnica que debía ser explotada para sus ambiciosos proyectos como el caso de Oscar Gustave Rejlander y su obra «Los dos caminos de la vida» de 1857 que fue lograda mediante más de treinta negativos.

el producto de la televisión, sino de la Galaxia Niepce. La fotografía inventó la imagen técnica y dio nacimiento al cinematógrafo, con las premoniciones de Eatkins, Muybridge y Marey… entro a la Galaxia Gutemberg inventando la reproducción icónica, con el fotograbado tramado, y la fotocomposición de textos. Y con ello, la fotografía inventaba la difusión planetaria de la imagen”.50

Pero no paso mucho tiempo para que se utilizara como instrumento para documentar los hechos que pasaban en la vida cotidiana y sin buscar un barroquismo o artificiosidad en ello, uno de los primeros en darle una utilidad funcional fue Peter Emerson quien “se erigió en el líder de una fotografía sencilla y sin pretensiones,”48 pronto la fotografía ampliaba su campo para fines prácticos como el área de investigación científica, ejemplo de ello fue Eadweard Muybridge y su «Animal Locomotion» en que registra el movimiento animal y humano “algunos de estos registros como la conocida secuencia del caballo al galope”49 fueron de gran interés por parte de zoólogos y anatomistas ya que el movimiento es muy rápido y la fotografía ofrecía un registro detallado de cada uno de los movimientos. Posteriormente la fotografía se comenzó a usar en la prensa diaria en 1880 y en poco tiempo en las demás infografías. Joan Costa (haciendo alegoría a Marshall McLuhan) considera que “la fotografía entro a la imprenta para revolucionarla. La «civilización de la imagen» no es, como se cree, 48 (Fontcuberta Joan, 1988, pp. 31)

052. Fotografías de «Animal locomotion» de Eadweard Muybrigde en donde vemos el movimiento humano y del caballo (arriba), a partir de estas tomas la fotografía tendría no solo un uso artístico sino practico para la comunidad científica y de varias disciplinas profesionales como el diseño gráfico. 49 (Fontcuberta Joan, 1988, pp. 34)

50 (Fontcuberta Joan, 1988, pp. 159)

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Fue un hecho que el Daguerrotipo comenzó con la popularización de la fotografía para las clases no acaudaladas, pero el salto radical de la fotografía como una industria fructífera y totalmente al alcance de todos fue sin duda gracias al ingenio empresarial y el amor por la fotografía que tenia George Eastman. “La cámara que revoluciono la fotografía en los años siguientes a 1890 y estimuló grandemente la fotografía de aficionado fue la cámara Kodak®, la primera cámara de película en rollo constituida Eastman en agosto de 1888”.51 Se trataba de una pequeña cámara de mano simple de 16 X 8 X 8 cm. que pesaba 1 Kg. esta contenía un rollo de papel recubierto con una emulsión separable sobre la cual se podían tomar cien fotografías circulares de 6 cm. de diámetro. Era un aparato muy sencillo con un valor de veinticinco dólares que lo hacia atractivo para todo interesado en adquirir una. Y como extra de la Kodak® era la facilidad que Eastman daba para enviar la cámara a la fábrica a fin de revelar y copiar la película. La cámara se devolvía cargada con una nueva película, por un gasto de diez dólares. “De esta manera se llevó a la práctica la consigna de Eastman «usted apriete el botón y nosotros haremos el resto.»”52 Hasta la fecha, la empresa de Eastman, Kodak® sigue siendo el «Gigante de la fotografía» al ser esta la que aporta más novedades en los papeles para el revelado, películas y ahora en esta naciente era digital de la fotografía también contribuye con nuevas tecnologías.

51 (Solís Miguel, 1960, pp. 180)

52 (Solís Miguel, 1960, pp. 180)

053. Cartel publicitario de la cámara Kodak® (arriba) que fue un parte aguas en la fotografía, la cual se convirtió en una gran industria redituable y al alcance de todos. La fotografía como herramienta para el arte siguió cosechando éxitos como vemos en esta fotografía de 054. Baglagia (abajo) parte del movimiento futurista.

CAPÍTULO 2

La fotografía sigue y seguirá siendo parte de la orbita del arte y ejemplo de ello fue el movimiento futurista quien la utilizo para sus fines de creatividad al servicio del espíritu moderno. “Así nace la «fotodinámica futurista» de Bragaglia, en un intento de hacer del movimiento el autentico protagonista de la representación artística”.53 Pero quizás el mayor legado de este movimiento fue en “destruir los lenguajes convencionales y descubrir nuevos horizontes expresivos… otro logro para la fotografía: el fotocollage”.54 Así es, los futuristas fueron los pioneros en este terreno que después los dadaístas la llevaron a los extremos de la sátira. El movimiento dadá llevo acabo muchos experimentos exitosos con el fotocollage y el fotomontaje que fue en sus inicios toda una provocación visual contra todo lo establecido del arte y la sociedad, crearon varios efectos atractivos, “Man Ray fue uno de los primeros en practicar la solarización”.55 Posteriormente los demás movimientos artísticos tomarían el fotomontaje según sus manifiestos y que finalmente los diseñadores gráficos e ilustradores la incluirían como herramienta para sus respectivas disciplinas.

el principio del display bidimensional por el montaje de paneles de espacio”.56

055. El fotomontaje (arriba), creación del movimiento futurista y la solarización que fue muy usada en las obras de 056. Man Ray (abajo).

El Lissitzky, además de haber sido arquitecto, ilustrador y principal difusor de la cultura soviética en el mundo también se desempeño como fotógrafo. En 1922 organiza en Berlín la primera muestra del arte figurativo soviético. “Hay que añadir que fue uno de los introductores de la fotografía a gran escala en los proyectos de stands de exposición, abandonando 53 (Fontcuberta Joan, 1988, pp. 38)

54 (Fontcuberta Joan, 1988, pp. 38)

55 (GRAN LAROUSSE UNIVERSAL, 1981, pp. 5255) 56 (Fontcuberta Joan, 1988, pp. 63)

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la toma de vista, el producto químico, lo que se hace de forma automática al sacar la película, y se obtiene en pocos segundos la imagen positiva directa revelada y fijada.”58 “Así el 26 de noviembre de 1948, la famosa tienda Jordan Marsh, en Boston Massachussets, vendió la primera cámara de revelado instantáneo y el primer rollo de película, fabricados por Polaroid® Corporation, empresa fundada por el inventor”.59

057. Obra de Andy Warhol a partir de la Mona Lisa de Da Vinci (arriba).

El físico estadounidense Edwin Land fotografiaba a su pequeña hija en 1944 cuando esta le pregunto: “«Papá ¿Por qué no podemos ver las fotos ahora mismo?»… «Buena pregunta» se dijo para sí el científico, y empezó a idear un sistema que eliminara el revelado de la película;”57 para obtener de forma directa la imagen fotográfica después de hacer la toma en un instante. Finalmente “…invento en 1947 un aparato empleando una emulsión combinada con su revelador fijador incorporado. Basta con aplicar sobre la emulsión, después de 57 (CONOZCA MÁS, 1999, pp. 22) 60 (Fontcuberta Joan, 1988, pp. 80)

Pero en términos tecnológicos es quizás el Pop-art el que aporto más cualidades en el proceso de imprimir y manipular las imágenes “que de un modo contundente ha revolucionado el mundo de las artes graficas, y yendo más lejos,…este y la publicidad le han servido de base para su creación y desarrollo.”60 Este movimiento surge basado en el dadá y su apóstol fue el inglés Richard Hamilton, quien conoció a Marcel Duchamp uno de los principales dadaístas y continuó Hamilton llevando un resurgimiento de ese movimiento, de hecho se le conoce también como Neo-dadá, el arte pop toma “con nihilismo de aceptación de todos los elementos de la vida corriente… por otro lado le confiere el contexto sociológico, urbano y publicitario… se caracteriza,… por ser realista y figurativo,… esta la idea vital de que el artista debe tratar a su mundo contemporáneo y referirse a las ideas y objetos del periodo que le ha tocado vivir”.61 Otro gran salto que dio la fotografía fue su reinterpretación tradicional al formato digital en los años 90’s del

58 (GRAN LAROUSSE UNIVERSAL, 1981, pp. 5249) 61 (Fontcuberta Joan, 1988, pp. 80)

59 (CONOZCA MÁS, 1999, pp. 22)

CAPÍTULO 2

siglo pasado, en que la era del píxel logro igualar las propiedades de las películas y las cámaras tradicionales y ahora en este siglo XXI se busca darle más posibilidades a los fotógrafos aficionados y profesionales apasionados con nuevas tecnologías y atributos a las cámaras de nueva generación. Hemos visto como han ido miniaturizándose el tamaño de las cámaras actuales ejemplo extremo es lo que planea HP® con su «gafacam» que “junto con una mesa de centro con pantalla táctil. Los investigadores de la Universidad de Stanford han puesto un conjunto de 90,000 lentes frente a un sensor de cámara digital ordinario; cada microlente registra el ángulo y la cantidad de luz que incide sobre él. Con ayuda de un software determinado, los científicos reconstruyen la imagen para hacer que todo aparezca perfectamente enfocado –sin importar que este o no en primer plano–. Las imágenes fuera de foco pronto podrían ser un vago recuerdo”.62 Entre los últimos cambios tecnológicos vemos el crecimiento en el almacenamiento de imágenes dentro de las tarjetas de memoria que paso de 64 Mb. a los 16 Gb. Recientemente Sony® y Panasonic® incorporaron a sus cámaras sensores de reconocimiento de cara y gestos (sonrisa) que hacen que automáticamente la cámara dispare y capture el instante que reconoce estos dos factores.

es quien explora y aprovecha al máximo estas nuevas atribuciones para todas sus disciplinas en que se desempeña o simplemente por obtener “para la eternidad un instante efímero desaparecido para siempre”.63

La evolución tecnológica de la fotografía tiene mucho de que hablar, pero eso si, nada de esto sirve si no existe el ser humano que, a final de cuentas,

058. Proyecto «Gafacam» en proceso de prueba por parte de HP®, una muestra de que la fotografía sigue en constante evolución tecnológica.

62 (NATIONAL GEOGRAPHIC GRAN GUÍA DE FOTOGRAFÍA DIGITAL, 2006, pp. 109)

63 (GRAN LAROUSSE UNIVERSAL, 1981, pp. 5249)

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2.2 TIPOS DE FOTOGRAFÍA 2.2.1 TRADICIONAL (ANÁLOGA) El proceso de la fotografía tradicional es que a partir de la luz se crea un negativo en una película de rollo que aparece al ser revelado mediante un proceso químico, y que posteriormente con el uso de un ampliador se crea su impresión en papel a determinado tamaño que decida el encargado del proceso. Existen dos tipos de películas: a color y en blanco y negro, en el primero se divide en negativo a color y la de diapositivas. Con esta última no hay negativo. “Después de revelar la película se obtiene un positivo,… A pesar que se pueden hacer copias sobre papel… lo más habitual es proyectarlas en una pantalla o verlas en una mesa de luz”.64 Se podría decir que con la entrada de la era digital los días de la fotografía tradicional terminaron, lo cierto es que no es así, ya que a partir de la película de rollo es posible digitalizarla con ayuda de los escáneres que adjuntan una parrilla para poner los rollos de película, (por lo común es el de 35 mm.) que pasa a ser leído por el software que acompaña al escáner para convertir el negativo en un positivo pero como archivo digital de imagen.

64 (Freeman John, 2004, pp. 36)

059. Accesorios para revelar una fotografía de tipo análoga o tradicional, cuyo almacenamiento de imágenes es por medio de 060. rollos de película ya sea para revelar en papel o para diapositivas.

CAPÍTULO 2

2.2.2 DIGITAL Comparar la fotografía digital con la tradicional, realmente no varia mucho, de hecho es una nueva interpretación de la primera de la ultima basado en los códigos binarios y hexadecimales de los computadores, que mediante el uso de de un sensor en que “sus celdas sensibles (píxeles) reaccionan a la intensidad de la luz que incide en ellas”.65 La captura de la imagen se transmuta de luz a código de computador como archivo digital de imagen.

061. Si desarmamos una cámara digital vemos que la captura de imagen es a través de un sensor (abajo) que convierte la luz en píxeles para construir una imagen. 062. Las tarjetas tipo SD y CF (abajo en medio) almacenan más imágenes que un rollo de película y se pueden volver a usar varias veces. 063. Tabla que compara lo antes mencionado por el numero de megapíxeles de la cámara (más abajo).

En términos técnicos su proceso de capturar y enviar imágenes acorta más el factor tiempo que significo para los fotógrafos, diseñadores gráficos y especialistas de esta rama, en ahorro del preciado tiempo y del dinero sobretodo, ya que se salta el proceso químico para revelar las imágenes (que influye en otro beneficio: el ambiental, ya que se evita la contaminación del agua) por el hecho de que están guardadas en tarjetas de almacenamiento de archivos, los más comunes: el CF (Compact Flash) y el SD (Secure Digital) que hay de diferentes tamaños: desde 128 Mb. hasta 4 Gb., suplantando a los rollos de película y que estas tarjetas pueden ser reutilizados una y otra vez, y finalmente las imágenes pasan al computador para ser retocados y listos para su impresión y difusión o en el caso de la hipermedia, para ser difundido en la red o en la televisión.

65 (NATIONAL GEOGRAPHIC GRAN GUÍA DE FOTOGRAFÍA DIGITAL, 2006, pp. 29)

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2.2.3 TÉRMINOS TÉCNICOS Es necesario conocer los términos técnicos que se aplican a la fotografía, en primer lugar, para saber que es y en segundo lugar, en que consiste la mecánica de la misma, todos los términos se aplican para los dos tipos de fotografía existentes: la tradicional y la digital, que lejos de ser diferentes como habíamos visto anteriormente tienen más en común y en el uso de términos no existe una diferencia significativa. – Abertura: El orificio por donde entra la luz en el objetivo que determina la cantidad de luz que llega al plano de la película o al sensor si es cámara digital. – Bit: Un digito binario, sea 1 o 0. 1024 bits = 1 byte 1024 bytes = 1 kilobyte (KB) 1024 kilobytes = 1 megabyte (MB) 1024 megabytes = 1 gigabyte (GB) – Byte: Unidad de medida del tamaño de un archivo informático.

– Exposición: Es la acción y duración de la incidencia de luz sobre la capa sensible de la película o el sensor para la toma fotográfica, la luz que es regulada de forma manual o automática (por el fotómetro incorporado a la cámara) a la hora de capturar una imagen, para equilibrar las zonas oscuras o las zonas claras de un encuadre. En el caso de las cámaras digitales esto también se puede modificar en el computador a través de una aplicación de mapa de bits como Photoshop®. En las películas de rollo un factor a determinar es su latitud de exposición, esto es, su capacidad de producir imágenes aceptables cuando sea subexpuesto o sobreexpuesto el ISO juega un papel determinante junto con la. La película para diapositivas tiene menos latitud de exposición que una película de negativo color, en que el ISO juega un papel determinante junto con la abertura y la velocidad del obturador.

– Diafragma: Sistema de laminas en el interior de un objetivo que regulan su abertura. – DPI: Del ingles: «Dots per Inch» (puntos por pulgada). Describe la resolución de una imagen impresa o digital. En el caso de imágenes para impresión se recomienda como mínimo 150 DPI y como máximo 300 DPI. En caso de imágenes para web el máximo recomendable es de 72 DPI.

064. En la serie de fotografías (pagina siguiente arriba) tomadas con diferentes exposiciones, notamos que la 3 y 5 son aceptables pero la 4 tiene la exposición correcta, mientras que 1 y 2 están sobreexpuestas y 6 y 7 están subexpuestas.

CAPÍTULO 2

SOBREEXPUESTA

– ISO: «Internacional Standards Organization» Código internacional que determina la sensibilidad de una película de rollo que también aplica en los archivos de imagen digitales. Sustituyo a los códigos ASA y DIN respectivamente. – Megapíxel: Unidad que equivale a un millón de píxeles. La capacidad del sensor de una cámara digital se mide con esta unidad, mientras más tenga, mayor será el detalle y su resolución optima para manipular en impresiones.

EXPOSICIÓN CORRECTA

SUBEXPUESTA

– Longitud focal: Es el alcance determinado que tiene un objetivo hacia cierto punto que desea uno tomar, entre más corto sea la longitud focal más amplio es el ángulo visual, pero en caso contrario si es largo la longitud focal el ángulo de visión es más limitado reduciendo la cantidad de elementos a incluir.

065. Entre mas megapíxeles tenga una cámara mayor será su resolución al momento de querer que la imagen sea impresa en formatos grandes como podemos apreciar en la siguiente comparación de formatos de papel y megapíxeles (abajo).

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– Obturador: Dispositivo que controla la cantidad de tiempo durante la cual la luz entra por el objetivo hacia el plano de la película o el sensor si es cámara digital. En los modelos más caros de cámaras es posible manipular la velocidad del obturador que oscila entre 1 seg. y 1/1000 seg. En un SLR es de 30 seg. a 1/8000 seg. Esto permite controlar la nitidez de los objetos que están en movimiento, entre más lenta sea la velocidad de obturación el objeto en movimiento se vera borroso si queremos que se vea en estado dinámico, en caso contrario debe ser más rápida la velocidad de obturación para dejarlo en estado estático. – Píxel: Cada uno de los elementos de que consta una imagen digital. – Pixelado: Imagen donde se ven los píxeles debido a su baja resolución. – Profundidad de bit: Cantidad de bits utilizados para representar cada píxel en una imagen digital. – Profundidad de campo: Gama de nitidez. Planos delante y detrás del punto de enfoque que están aceptablemente enfocados. – Resolución: Tolerancia de una imagen a la ampliación. En fotografía digital depende del número de píxeles que dispone. Solo hay dos tipos de resolución: Alta resolución, que es que cuenta con un número amplio de píxeles para su ampliación, y

de Baja resolución, que cuenta con un número limitado de píxeles muy poco recomendable para una ampliación. – Zoom: Objetivo cuya longitud focal se puede modificar.

CAPÍTULO 2

066. La velocidad de obturación también permite controlar la nitidez de los objetos en movimiento y reducir las probabilidades de que la fotografía quede movida a causa de las vibraciones. En esta serie de fotos (derecha) la fotografía (1), con una velocidad de obturación de 1/4000 seg. el vehiculo en movimiento parece estático. En (2) la velocidad de obturación se graduó a 1/1000 seg. en la que aun no hay ningún indicio de movimiento. En (3) se disparó a 1/250 seg. y el vehículo se empezó a difuminar. A medida que nos vamos acercando a las velocidades de obturación más lentas, el vehiculo se ve más borroso. A 1/15 seg. (5) esto todavía es más acentuado a 1/8 seg. (6). La imagen se vuelve más borrosa a 1/4 seg (7) a 1/2 seg (8). Y a 1 seg. (9), el vehículo está tan difuminado que casi desaparece.

067. En la siguiente serie de fotos (abajo derecha) vemos la correlación existente entre abertura y profundidad de campo. En la fotografía (1) se utilizó un granangular de 28 mm. a f/2.8; a f/8 (2) y a f/22 (3). En la siguiente foto se uso un objetivo estándar de 50 mm. a f/2.8 (4); a f/8 (5) y luego a f/22 (6). Por ultimo se utilizo teleobjetivo de 200 mm. a f/2.8 (7); a f/8 (8) y a f/22 (9). ¿Cuál es la mejor foto? (7) el fondo está completamente desenfocado y sólo la modelo se ve nítida. Aparte de que esto ayuda a concentrarse en la modelo, el fondo queda tamizado.

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2.3 EQUIPO Y FORMATOS 2.3.1 CÁMARAS En términos monetarios las cámaras pequeñas o de bolsillo son muy baratos y los grandes o reflex muy caros, claro que depende, en términos de uso, para lo que vayan a ser empleadas, desde tomas familiares y sociales o trabajos para las artes graficas. Lo anterior implica también las atribuciones requeridas para estos propósitos como tipo de flash, modos de tomas, efectos incluidos y un largo etc. • CÁMARAS DESECHABLES O DE UN SOLO USO La mayoría de las personas menosprecian este tipo de cámaras por ser desechables y como una forma de malgastar el dinero, pero todo lo contrario, nos salvan de un apuro dado que se nos haya olvidado o extraviado la cámara convencional o que se haya descompuesto inesperadamente en el peor momento como un evento familiar o social. Existen muchos modelos de cámaras desechables que ofrecen muchas prestaciones que las cámaras convencionales carecen y “que incluyen flash incorporado y ultragranangular, así como versiones subacuáticas que se pueden utilizar en el mar, la piscina, el baño o bajo la lluvia –situaciones que pueden ser desastrosas para una cámara más convencional”.66 068. ¿Quien no llego a conocer o usar una cámara Polaroid®? (derecha), cuya virtud es de mostrarnos al instante la imagen tomada saltándonos el paso del revelado químico. 66 (Freeman John, 2004, pp. 12)

Evitan la preocupación de que la cámara pueda dañarse por el agua, la arena (aunque es mejor evitar), la corrosión o la manipulación brusca incluso es ideal para que los niños conozcan y experimenten la fotografía sin el riesgo de que estropeen la cámara. Se puede declarar a las cámaras desechables como «el ultimo de los mohicanos» de las cámaras de tipo tradicional o analógica ya que seria ridículo sacar una versión digital por la cuestión monetaria que implicaría y la nula ganancia que generaría. • CÁMARAS INSTANTÁNEAS Sin duda alguna las cámaras instantáneas revolucionaron la fotografía al ofrecer una foto impresa al momento de ser tomada, por lo común se les conoce como cámaras Polaroid® ya

CAPÍTULO 2

por ser esta empresa la pionera que brindó este nuevo concepto, le sigue otro fabricante: Fuji®. Algunos modelos funcionan de forma similar a una cámara reflex, además de tener otros atributos como eliminación de ojos rojos, flash de relleno automático y todo esto a un precio muy barato. “El rápido crecimiento de la tecnología digital amenaza el mercado de Polaroid®. Las cámaras digitales ofrecen imágenes instantáneas, que se pueden ver en la pantalla de la cámara… existen impresoras que permiten obtener copias en papel. De todos modos, la cámara Polaroid® es una pieza fundamental en el equipo de cualquier fotógrafo profesional, y no todos sus efectos se pueden reproducir digitalmente”.67 Esto debido a que funciona como una especie de serie de bocetos para el fotógrafo cuando

este monta un bodegón o una sesión de modelos para analizar si la iluminación y la composición son optimas para hacer la toma final con la cámara reflex y con ello ahorrar tiempo y dinero. • CÁMARAS DE BOLSILLO Y AVANZADAS Estas cámaras miniatura de «apunte y dispare» son para toda la gente que solo desea documentar sus eventos más íntimos como reuniones con los amigos de la escuela, del trabajo o la familia, aunque un profesional puede usarla, ofrece un control creativo limitado, la mayoría son ideales para página web por su opción de baja resolución y para impresos cuando se cambia a opción a alta resolución. Pero en las tradicionales que usaban rollo en el caso “…de las cámaras «de bolsillo» 110 y 126: la última tiene más problemas a causa del formato (24 mm.de lado)”.68 Existen también compactas avanzadas que cuentan con algunos controles manuales como las cámaras reflex pero es más pequeña y su costo es más barato y accesible para todos aquellos curiosos que no se limitan a tomar solo fotos sencillas.

069. Cámara compacta Kodak® (arriba izquierda) y Canon® (abajo izquierda).

67 (Freeman John, 2004, pp. 15)

68 (Dalley Terence, 1981, pp. 172, 173)

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• CÁMARAS SLR O REFLEX “Las siglas SLR significan que tienen un solo objetivo y que carecen de visor obvio en la parte anterior de la cámara. Esto se debe a que cuando se coge la cámara y se mira a través del ocular, ubicado en la parte posterior, lo que se ve es exactamente lo que capta el objetivo”.69 Este es el formato más común entre los fotógrafos aficionados y profesionales. “El sistema de 35 mm. especialmente reflex…”70 de tipo tradicional es usado incluso cuando se requieren ampliaciones muy grandes por su flexibilidad que cualquier otro sistema. Las cámaras reflex digitales son muy versátiles y la gran mayoría de estas cámaras tiene la opción de guardarlas en formato RAW (usado por lo común por los expertos) o en el común JPG en alta o baja resolución. Ofrece una gama “de lentes intercambiables, flash externo, sensores y procesadores de alta calidad, tiene un amplio rango de ajustes de sensibilidad, varios accesorios y control creativo casi ilimitado”.71 • CÁMARAS DE CELULAR Los celulares cuentan ahora con cámaras digitales que con el paso del tiempo, se han vuelto tan cercanos a las cámaras convencionales, algunos ya han pasado el limite de los 3 megapixeles, además de agregar opciones de zoom, flash, ISO, balance de blancos, entre otras opciones. Incluso la gente se muestra poco nerviosa cuando uno quiere tomarle una foto con este

070. Cámara EOS Rebel XS de Canon® (abajo) una de las cámaras reflex usadas por profesionales y aficionados de la fotografía.

tipo de cámaras por verlo como una herramienta común e incluso divertida. Las personas les han dado usos creativos a las cámaras de sus celulares entre los que se encuentran: Tomar notas graficas, registrando sitios estratégicos para no perderse o recordar por donde andan en la ciudad; A la hora de hacer compras se hacen tomas de un producto o una futura casa para mostrarlas a su pareja y saber su opinión o resolver una duda; O como ciudadano-periodista al registrar hechos de ultima hora como un accidente o un crimen que sirve de mucho para encontrar personas extraviadas o resolver casos y el uso más frecuente, como fotocopiadora o escáner cuando es urgente tomar una pagina o imagen de una infografía. Todo esto cuenta con un atributo ob-

69 (Freeman John, 2004, pp. 22) 70 (Dalley Terence, 1981, pp. 173) 71 (NATIONAL GEOGRAPHIC GRAN GUÍA DE FOTOGRAFÍA DIGITAL, 2006, pp. 28)

CAPÍTULO 2

071. Sin duda la incorporación de cámaras fotográficas a los celulares creo nuevos modos de uso de la fotografía por parte de los usuarios de celular, entre las que se encuentra: tomar fotos de las páginas de un libro.

vio que ofrece este tipo de cámaras: el envió inmediato a determinadas personas que tengan un celular o una cuenta de correo electrónico por medio de los mensajes multimedia. 2.3.2 OBJETIVOS Los diferentes objetivos que se utilizan en las cámaras digitales y tradicionales se emplean según la necesidad y la creatividad para la que sea requerida por el fotógrafo o el diseñador gráfico, es importante clasificar los diferentes tipos de objetivos existentes que ofrece la fotografía.

72 (Dalley Terence, 1981, pp. 174)

• ULTRAGRANANGULAR DE 15 A 24 MM. Conocido también como «ojo de pescado», este tipo de objetivo marca un campo superior de 180º salvo el centro ya que las líneas horizontales y verticales que aparecen son muy deformes “…una imagen circular de todo lo que esta delante de la cámara e incluso un poco detrás”.72 Se usa para tomas a edificios, personas y de productos artísticos. “Los objetivos descentrables o de control de perspectiva (PC: Perspective Control) cada vez se fabrican más para las cámaras SLR. Son caros, pero son imprescindibles en fotografía de arquitectura… son excelentes para fotografiar bodegones y superficies altamente reflectantes, como los espejos”.73 • GRANANGULAR DE 28 A 35 MM. Y DE 35 A 50 MM. Es usado para espacios pequeños pero en donde se busca mucho detalle, su profundidad de campo es muy extensa e ideal si el motivo a fotografiar es cercano. Son ideales para trabajar en altas velocidades y a veces sin necesidad de un trípode si la luz es favorable para la toma. “Nuestro «ángulo visual» de cerca de 180º es mucho mas extenso, que los 45º de una lente normal, pero en comparación nuestra área de enfoque nítido es muy pequeña”.74

73 (Freeman John, 2004, pp. 31)

74 (Dalley Terence, 1981, pp. 174)

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072. El objetivo macro (1); El objetivo ultragranangular u «ojo de pez» (2) y El objetivo descentrable y basculante (3).

073. En las fotos de calabazas vemos la diferencia entre un granangular y un teleobjetivo. En la primera fotografía (arriba izquierda) se uso un granangular a 21 mm. la calabaza en primer plano y las demás a fondo quedaron muy nítidas. En la segunda foto (arriba derecha) se utilizo un teleobjetivo de 200 mm. la imagen es más comprimida y excluyendo la calabaza de primer plano, todas las demás están desenfocadas.

• TELEOBJETIVOS DE 70 A 120 MM.; 135 MM. A 300 MM. Y 400 MM. EN ADELANTE Es utilizado para motivos cuya distancia sea muy considerada y los demás objetivos de aumentos menores no sean suficientes para llegar ahí. Tenían la desventaja tanto por su tamaño y sobretodo por su peso al tener que ser manipulado por el fotógrafo y si este no contaba con un buen pulso ponía en riesgo la toma al ser movida la cámara, pero las ultimas generaciones de teleobjetivos usan plásticos muy ligeros que minimizan ya ese detalle pero si es posible se recomienda el uso de un trípode para ello.

2.3.3 ACCESORIOS Entre los elementos indispensables para un fotógrafo esta en primer lugar un trípode, cuya función es evitar las vibraciones; otra opción más ligera seria el monopié. El uso de filtros para los objetivos es bueno ya que existen para filtrar los rayos UV; para corrección cromática; equilibrio de color; degradados y efectos especiales, pero como atributo adicional sirve para proteger la lente del objetivo de cualquier percance. El uso de un fotómetro de mano es adecuado para la medición de la luz que llega al sujeto a parte de la luz que refleja el mismo, atributo que tienen la mayoría de las cámaras con fotómetro incorporado. Un parasol es una buena compra ya que “…en la can-

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tidad de veces en que, cuando hace mucho sol, nos cubrimos los ojos con la mano para protegernos del resplandor. A las cámaras les ocurre lo mismo, y si no las protegemos, la luz directa del sol o reflejada por una superficie brillante, como las cristaleras de un edificio moderno, podría arruinar las fotografías”.75 Los flashes externos son muy recomendables ya que eliminan el efecto de los «ojos rojos» causado en la mayoría de las veces por el flash incorporado a la cámara ya que es luz frontal. Cuando se hacen fotografías con una velocidad de obturación lenta es mejor tener un cable disparador para evitar vibrar la cámara. Disponer sobretodo de una maleta o bolsa para guardar el equipo fotográfico es una buena inversión y que tenga un buen grosor para proteger todo el equipo, las de tipo mochila son las preferidas.

2.3.4 FORMATOS DIGITALES DE IMAGEN PARA LA FOTOGRAFÍA Un formato de archivo es el método de almacenamiento de la información en un archivo informático, en el caso de las imágenes digitales para la fotografía solo hay 3 importantes que se utilizan y que son: el RAW, el JPEG (o JPG en las PC ya que solo permite leer 3 caracteres máximo en una extensión de archivo) y el TIFF (o TIF en las PC). Los demás archivos de imágenes (BMP, GIF, PNG) solo son para hipermedia y cuya calidad no es recomendable para impresos y para fotografía. • RAW Son los datos en bruto antes de convertirse en otro tipo de formato de imagen digital. Solo se pueden ver y abrir en el software que se proporciona junto con la cámara reflex digital, este tipo de formato ofrece una alta calidad a la imagen tomada y puede ser modificada sin alterar la misma. Debido a que este tipo de formato guarda más información para tal propósito, ocupa más espacio, lo recomendable es tener una tarjeta de memoria con mucho espacio si se piensa emplear exclusivamente RAW para las tomas fotográficas. • JPEG O JPG

074. Estas bolsas tipo mochila para las cámaras son las más preferidas porque se pueden llevar varios accesorios, los hay para cada tipo de cámara y se puede llevar como maleta convencional.

Join Photographic Electronic Group o Grupo de Expertos Fotográficos Unidos, es un formato común de archivos 75 (Freeman John, 2004, pp. 32)

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digitales de imagen. Todas las cámaras digitales la tienen como estándar, es muy versátil ya que existen en: baja resolución para internet hasta alta resolución para impresos, claro que para impresiones debe cambiarse a formato de alta resolución como el TIFF, ya que el JPEG usa solo espectro de color RGB (Ver Los Espectros del color del Capitulo Uno). Este formato “usa algoritmos para comprimir la información digital y reducir el tamaño de los archivos. La compresión requiere desechar cierta información. La cantidad de datos a excluir depende de la opción de JPEG: pequeña, mediana o grande”.76 “Si el nivel de calidad es alto, ello no supone un gran problema, pero si es bajo, significa la ruina”.77 Por ello es preferible que el diseñador gráfico o el fotógrafo determinen si las imágenes a tomar serán para hipermedia o infografía a la hora de asignarle una resolución a la cámara en sus propiedades y evitar contratiempos inútiles.

de color aplicado. Como imágenes no comprimidas, tienden a ocupar bastante espacio…”78, es recomendable no agregar más atributos de imagen o vectores en capas (layer en inglés) si se procesa en una aplicación de mapa de bits como Photoshop® para evitar que pese más de lo permitido, si se hace deben fusionarse las capas, y sobretodo no comprimir este tipo de formato para no lidiar a la hora de imprimir o adjuntarlo a un archivo de maquetación si es para una revista o cualquier infografía.

• TIFF O TIF Tagged Image File Format, o Formato de Archivo de Imágenes con Etiquetas, esta basado en bits, usado en reproducción o digitalización por medio del escáner de fotografías, ilustraciones y otros gráficos. Este tipo de formato es adecuado y exclusivo para impresiones ya que es de alta resolución y puede estar a “…escala de grises, RGB o CMYK. Lo importante de ello es que cada píxel puede ser cualquier cosa que desee dentro de la gama dada de la imagen y el perfil

075. Esta fotografía de colibríes fue guardada en dos tipos de JPEG: alta y baja resolución, aplicando un zoom notamos que en la imagen de abajo a la derecha se empiezan a notar los píxeles por lo que no es apta para impresos de gran formato mientras la otra es adecuada, para tal propósito, hay que convertirlo en archivo TIFF.

76 (NATIONAL GEOGRAPHIC GRAN GUÍA DE FOTOGRAFÍA DIGITAL, 2006, pp. 32) 78 (Gatter Mark, 2005, pp. 95)

77 (Gatter Mark, 2005, pp. 104)

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2.4 CATEGORÍAS DE LA FOTOGRAFÍA 2.4.1 FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA Como vimos en la historia de la fotografía, los pintores y grabadores se dividieron en dos mandos: quienes vieron a la fotografía como un reto para perfeccionar sus habilidades y quienes vieron en ella una nueva herramienta que había que conocer y explotar todas sus posibilidades y aplicaciones. Los futuristas la utilizaron como parte de su movimiento y dejaron como legado, la técnica del fotocollage que más tarde los dadaístas, cubistas y surrealistas la llevarían a los extremos en cada uno de sus respectivos movimientos artísticos. A veces no basta con tomar la foto, sino de enriquecerla con otras técnicas, ya sean digitales o tradicionales para cambiar o enfatizarle una o más interpretaciones según vea conveniente el artista visual.

Entre los artistas que usaron la fotografía como parte de sus proyectos artísticos vemos una foto de 076. Man Ray «Rayograma» (arriba derecha) y otra de 077. Pablo Picasso «Jacqueline aux arbres, de Diurnes» (abajo derecha).

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2.4.2 FOTOGRAFÍA CLÍNICA Tiene el fin práctico de registrar, analizar y de educar a los especialistas o alumnos del área de la medicina y medicina veterinaria en todas sus ramas, esto implica por ejemplo el procedimiento de una operación; el escaneo de cuerpo entero o alguna sección de la misma; el seguimiento de un caso para diagnosticar o ver el desarrollo de una enfermedad o tratamiento y efectuar comparaciones de prueba y error de los mismos. La fotografía clínica más común que vemos todos en los hospitales son los famosos Rayos X que se realizan por lo común para el sistema óseo. Este tipo de fotografía es más que indispensable en el desarrollo de la medicina en todas sus ramas, ya que sin ella los resultados en nuevos tratamientos y tecnologías en pro de la salud humana y animal no seria igual.

078. La detección oportuna de males óseos como la osteoporosis o de alguna infección bucal (fotos a la derecha) y 079. el registro de un procedimiento de parto (fotos de abajo) forman parte de la categoría de fotografía clínica.

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2.4.3 FOTOGRAFÍA DOCUMENTAL Cuando se habla de fotografía documental implica desde investigaciones en flora y fauna; eventos sociales; en la vida cotidiana o especifica de un pueblo o ciudad en una nación en particular. Es muy común también que se use para dar seguimiento técnico a un proyecto como la organización y realización de todos estos eventos antes mencionados, en las mismas sesiones fotográficas; en el proceso de una obra de arte; el desarrollo de un proyecto científico como la construcción de un edificio o de una serie de experimentos de laboratorio, así como las filmaciones de comerciales; de cortometrajes o largometrajes cinematográficos.

080. Muestras fotográficas de la fauna submarina (fotos de arriba) o 081. el registro de experimentos del Departamento de Productos Naturales del Instituto de Química de la UNAM (fotos abajo) son buenos ejemplos de la fotografía documental.

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2.4.4 FOTOGRAFÍA PARA PRENSA (FOTOPERIODISMO) Es muy común ver a los medios masivos utilizar la fotografía como su instrumento básico insustituible y que con los avances tecnológicos sea más rápido que llegue impreso a los puestos de revistas y periodicos o al aire en las emisiones electrónicas como la televisión y el internet en un santiamén, la función de esta categoría es la de informar y comunicar de los hechos que suceden en algún lugar del mundo y como prueba de que «miren, esto sucedió» quedando como legado para las posteriores generaciones. “Con el reportaje fotoperiodístico, la «verdad» entró en la imprenta para testimoniar y difundir, irrefutablemente, los acontecimientos de la historia social”.79 Esto implica desde reuniones políticas, científicas o masivas; eventos deportivos; acciones bélicas; eventos de espectáculos y todas sus variables.

79 (Fontcuberta Joan, 1988, pp. 159)

Eventos históricos como 082. la conquista de la luna (abajo izquierda), 083. las acciones del Rector Javier Barros Sierra por la defensa de la autonomía de la UNAM en 1968 (abajo derecha) o los hechos trágicos del 084. 11 de Septiembre del 2001 en New York (abajo) son parte de la categoría del fotoperiodismo.

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2.4.5 FOTOGRAFÍA PUBLICITARIA La fotografía ofrece la «prueba real» de que un bien o servicio es serio y cumple con su propósito, claro, también se puede exagerar de esas bondades de dichos bienes o servicios para persuadir al consumidor en potencia que esa es su mejor opción. En el área de la política la fotografía debe exponer las bondades de un candidato a puesto popular que es la alternativa para atender y solucionar todos sus problemas entre los demás candidatos. En todo lo anteriormente mencionado juegan un papel importante la composición de los elementos a ser fotografiados. De ello depende que un producto; un servicio o un candidato sean tomados en cuenta y en mejor caso aceptados. Parte del éxito de grupos musicales como The Beatles se debe en parte a las fotos de sus portadas de discos tan memorables como 085. «A Hard Day’s Night», 086. «Let it Be» y 087. «Abbey Road» (arriba izquierda), lo mismo podemos decir de la promoción de películas como la saga de 088. «Terminator» (en medio izquierda) o 089. las campañas de Absolut (abajo derecha) y de 090. Adidas (abajo izquierda).

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2.5 TECNICAS DE COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA 2.5.1 ENCUADRE / FORMATO Antes de tomar una imagen fotográfica se debe determinar que formato va a ser, de los tipos de encuadre formato que ofrece la fotografía solo son dos, que son: en horizontal y en vertical. Esto depende en primer lugar que queremos encuadrar, que tipo de plano queremos para abarcar al objeto con o sin la escena que lo acompaña; también importa el ángulo de cámara que vamos a hacer. Por ejemplo al tomar el retrato de una persona en formato vertical, determinamos que solo la imagen tomada enfocara a la persona y deja en segundo plano al resto del entorno que lo rodea quizás para un recuerdo intimo. Pero en cambio al hacer la misma toma en formato horizontal ponemos en coexistencia a la persona con su entorno por varias razones como, demostrar que fue a un determinado lugar. Hay que recordar que “la imagen es polisémica: puede significar varias cosas a la vez”.80 Por tanto el fotógrafo o el diseñador gráfico encargado de las tomas debe determinar el significado que busca darle a la imagen fotográfica según le exige el proyecto y lograr con ello obtener la foto óptima para dicho proyecto.

80 (Fontcuberta Joan, 1988, pp. 164)

81 (Rose Tony, 1973, pp. 30)

2.5.2 PLANOS Cuando hablamos de planos “…se refieren en realidad al tamaño del objeto en la imagen mas que la distancia entre el objeto y la cámara, que puede variar según la distancia focal del objetivo empleado”.81 Tony Rose (1973) nos menciona solo 6 tipos de planos que son los siguientes: – Plano general: Cuando es enfocado el objeto coexistiendo con toda la escena que lo rodea, en este caso la imagen del cuerpo humano en la escena. – Plano general medio: El objeto abarca todo el encuadre de la imagen, el cuerpo humano destaca sobre la escena. – Plano medio: Presentación solo de la mitad del objeto en la imagen, solo vemos en el caso del cuerpo humano, de cintura para arriba. – Primer plano medio: Abarca una sección del objeto que en el cuerpo humano es de hombros para arriba. – Primer plano: Es cuando se detalla más en una sección del objeto, en este caso, observamos la cara completa de una persona. – Primerísimo plano: En este plano se busca en la sección del objeto otra sección mas intima del mismo, por ejemplo, en la cara de una persona se enfoca ya sea en una de las partes de la cara como puede ser los ojos.

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4 091. Esta serie de fotos nos muestran los diferentes tipos de planos existentes como: (1) el plano general; (2) el plano general medio; (3) el plano medio; (4) el primer plano medio; (5) el primer plano y (6) el primerísimo plano.

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A partir de estos planos principales se desglosan otros más específicos que están basados en estos y que son muy empleados tanto en la fotografía como en el cine. Entre los más comunes destacamos: – Del Plano general: * Extreme long shot (encuadres de grandes extensiones como el universo).

– Del Primer plano: * Close up (encuadre del rostro de una persona). – Del Primerísimo plano: * Extreme close up (encuadre detallado de una sección del rostro como los ojos, nariz…).

* Big long shot (encuadres de paisajes o ciudades).

* Long shot (encuadres de un edificio). – Del Plano general medio: * Full shot (encuadre completo de una persona de pies a cabeza).

* Médium full shot o American shot (el encuadre de rodillas para arriba, usado en las películas del viejo oeste estadunidence). c

* Product shot (encuadre de un producto ambientado, muy común en la fotografía publicitaria). – Del Plano medio: * Médium shot (encuadre de cintura para arriba).

* Tight shot (encuadre completo a un objeto que es usado por alguien). * Thing shot (encuadre completo a un objeto no usado por alguien). – Del Primer plano medio: * Médium close up (encuadre de pecho para arriba). i

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2.5.3 ÁNGULOS DE LA CÁMARA Especifica la posición de la cámara en una toma a realizar, esas posiciones nos darán variadas interpretaciones sobre el mismo objeto que es tomado por la cámara. Según Tony Rose (1973) entre los diferentes ángulos encontramos:

– Frontal: Dirigir la cámara directamente al objeto.

l 092. Ejemplos de encuadres específicos a partir de los planos: a) Extreme long shot; b) Big long shot; c) Long shot; d) Full shot; e) Médium full shot; f) Product shot; g) Médium shot; h) Thight shot; i) Thing shot; j) Médium close up; k) Close up y l) Extreme close up

– Picada: Colocación de la cámara arriba del objeto, ofrece la sensación visual de hacer chicas las cosas o verlas de ese modo. – Contrapicada: Ofrece el efecto contrario de ver el objeto como algo imponente y grande esto es posible cuando la cámara es puesta debajo del objeto mismo.

093. En esta serie de fotos vemos ejemplos claros de los diferentes ángulos para cámara que son el frontal (1); el de picada (2) y el de contrapicada (3).

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2.5.5 COMPOSICIÓN La composición no solo se usa en las bellas artes, también pasa a formar parte del diseño y la fotografía como herramienta importante para la creación de proyectos. Para las bellas artes, el significado de composición esta llena de muchos detalles metafóricos que nos alejan de lo que realmente es, pero en términos concretos y técnicos la composición, según Wong es “el resultado visual general obtenido con la disposición de figuras y formas en un marco de referencia, con el uso consciente de una estructura formal o sin él…”82 Entendemos entonces como composición a la forma de ordenar los elementos a dibujar; a diseñar o en

este caso, a ser fotografiados. Este tipo de jerarquización consiste simplemente en poner de lo principal a lo secundario. Toda composición toma como referencia los elementos del diseño de los cuales se dividen en: – Elementos conceptuales. – Elementos visuales. – Elementos de relación. – Elementos prácticos. • ELEMENTOS CONCEPTUALES No son visibles, por medio de ellos se determina la forma y al ser visibles de este modo dejan de ser conceptuales (Figura 094.). – Punto: Indica posición, carece de largo y ancho, “es la mínima parte de un todo”.83 (a) – Línea: Es cuando un punto se mueve o también puede ser una sucesión de puntos. Tiene posición y dirección (b). – Plano: Nace en el momento en que la línea se recorre, Tiene posición, dirección, largo y ancho (c).

094. Ejemplos de los elementos conceptuales según Wong.

– Volumen: Obtenido en el instante en que el plano se mueve, tiene una posición en el espacio. “En el diseño bi-dimensional, el volumen es ilusorio”.84 (d)

095. Ejemplos de los elementos visuales y de relación según Wong (pagina siguiente). 82 (Wong Wucius, 1997, pp. 345)

83 (Villegas Maciel Carlos, 2000, pp. 77)

84 (Wong Wucius, 1997, pp. 42)

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• ELEMENTOS VISUALES Es la consecuencia de la conjunción de los elementos conceptuales para concretarla una forma que realmente vemos y que tiene características propias según el material del que esta hecho (Figura 095.). – Forma: Es todo lo que puede ser visto y que aporta una identificación a todo cuerpo físico (a). – Medida: Es el tamaño de la forma y cuyas dimensiones son físicamente calculables (b). – Color: Es el modo de distinguir a la forma, esto por medio de la absorción y el reflejo a la vez de las longitudes de onda de la luz (c).

– Textura: Hace referencia a la cercanías de la superficie de la forma, puede ser plana, rugosa, dura, suave… (d). • ELEMENTOS DE RELACIÓN Es cuando el modo en que esta ubicada la forma en algún punto dentro del espacio puede ser percibido creando varias sensaciones visuales y psicológicas. – Dirección: Esta depende tanto como esta relacionada con el observador como la posición de la forma en el espacio en conjunto con otras formas cercanas este (e). – Posición: Es la “colocación de figuras o formas en situaciones especificas dentro del marco de referencia”85, que en el caso del observador abarca todo su campo visual (ilimitado), en el caso de un diseño gráfico (espacio / formato) o en la fotografía (encuadre / formato) en el campo gráfico (limitados) (f). – Espacio: Es el área ocupada por la forma, pero en las áreas en donde no hay forma se le conoce como espacio vacío, que sugiere una profundidad real o ilusoria (g). – Gravedad: Es una sensación más psicológica que visual, en donde le atribuimos a la forma y lo que le rodea el efecto de pesadez o liviandad, estabilidad o inestabilidad (h).

85 (Wong Wucius, 1997, pp. 43)

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• ELEMENTOS PRÁCTICOS A partir de estos elementos surgen los contenidos necesarios para la realización de una obra de arte o en nuestro caso, de un diseño gráfico o fotográfico. – Representación: Cuando es derivado de la naturaleza o del pensamiento humano, es representativa y puede ser realista o abstracto.

fue retomada para la realización de proyectos gráficos. Con el uso de esta regla de tercios podemos realizar y jerarquizar todos los elementos dentro del encuadre / formato para una fotografía y optimizar una composición.

– Significado: Se hace presente cuando el diseño transporta un mensaje determinado. – Función: Cuando el diseño sirve para un determinado propósito. Con estos elementos básicos que conforman los elementos del diseño es de donde se desglosan varias de las sensaciones visuales y psicológicas como el ritmo; la simetría; la asimetría; la intensidad; el equilibrio; el desequilibrio; alegría; tristeza y un largo etc.

096. El la primera ilustración muestra cómo establecer la proporción ideal de una línea AB (que puede ser la base o la altura de un rectángulo).

• REGLA DE LOS TERCIOS Es una serie de secciones áureas “de un rectángulo horizontal. Se llega a ellas determinando la Media Dorada de cada lado del rectángulo,”86 dando como resultado una división proporcionada de 9 partes, tres en horizontal y otras 3 en vertical en el rectángulo. Con ello, los artistas se basan en la creación de sus obras que más tarde, en el diseño gráfico y en la fotografía 86 (Ward T.W., 1992, pp. 15)

097. El la segunda ilustración es una ampliación de la ilustración anterior. En él, están marcadas las Secciones Áureas del rectángulo ABCD (para no hacer demasiado pesado el diagrama, sólo enseñamos las líneas de cálculo de tres lados, AB, BC y CD).

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• ARMONÍA Y CONTRASTE Como vimos anteriormente en el capítulo uno, el color juega un papel importante en un proyecto gráfico, esto también aplica en una imagen fotográfica a color o en blanco y negro. La armonía en el color es la coexistencia y el orden de uno o más valores del mismo matiz en donde la composición es determinante dentro de una fotografía en este caso. En cuanto al contraste en el uso del color es cuando un matiz convive con un matiz opuesto a este, el ejemplo claro es el blanco y el negro en donde el contraste es evidente. Pero también ahí existe una armonía ya que hay orden puede ser como dijimos blanco y negro o negro y blanco.

La cultura visual del diseñador gráfico ayudara a que la armonía y contraste de una imagen o un proyecto gráfico responda a las necesidades que solicita el cliente para su consumidor en potencia. Podemos ver claramente estos términos en un círculo cromatico en donde los términos aplican.

098. En este cuadro del «El campo de trigo» de John Constable (derecha) vemos la aplicación de la regla de tercios. Podemos apreciar que el perro esta en las intersecciones G4 y G5 y el muchacho se encuentra en las intersecciones G5, G6, G7 y G8.

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• PERSPECTIVA En la visión humana los objetos obtienen volumen y profundidad pasando a ser tri-dimensionales, en cuanto a una fotografía que es bi-dimensional la perspectiva es ilusoria como en una ilustración o dibujo. Es importante atribuirle esta sensación a toda toma fotográfica que se haga, para hacerla más atractiva visualmente hablando, esto es posible por medio del punto de fuga “…el lugar hacia donde observan nuestros ojos”.87 Esto es según Carlos Villegas Maciel aplicado al dibujo (como también en la fotografía): “Todas las líneas verticales y horizontales que se encuentran en el objeto real, permanecen idénticas en el plano de proyección (dibujo), y solamente las líneas que representan la profundidad, aquellas que van de tu persona hacia delante, se convierten, en el dibujo, en líneas diagonales que se juntan en el punto de fuga”.88

“Cada visión es un diagrama liso y estas visiones en su conjunto (ocasionalmente complementadas por otras visiones auxiliares y/o seccionales) aportan la descripción más exacta de una forma tri-dimensional...”90

Para Wong “cualquier forma tri-dimensional puede ser insertada dentro de un cubo imaginario para establecer las tres perspectivas”.89 (Figura T) Esto mediante la proyección hacia los planos superior, frontal y lateral del cubo imaginario, y obtenemos de ello: – Una visión plana: la forma tal como es vista desde arriba (a). – Una visión frontal: la forma tal como es vista desde adelante (b). – Una visión lateral: la forma tal como es vista desde el costado (c).

87 (Villegas Maciel Carlos, 2000, pp. 43) 90 (Wong Wucius, 1997, pp. 240)

099. Aplicación del «cubo imaginario» de Wong a un objeto 3D.

88 (Villegas Maciel Carlos, 2000, pp. 43)

89 (Wong Wucius, 1997, pp. 240)

CAPÍTULO 2 100. Aplicación de los puntos de fuga según Villegas Maciel. (derecha y abajo derecha)

2.5.5 GENERACIÓN Y PLANEACIÓN DE UNA FOTOGRAFÍA Teniendo un buen conocimiento de los términos técnicos de la fotografía y la anatomía de una cámara fotográfica, le podemos dar un buen uso de esta y maximizar nuestras posibilidades y necesidades para un proyecto gráfico, esto sumado también a saber que categoría de foto vamos a realizar, conociendo el rublo del cliente o para que fin busca en las imágenes que solicita y el tipo de consumidor al que lo va a dirigir. Literalmente estamos usando la luz para dibujar y el dibujo tiene como excelentes herramientas las técnicas de composición que vimos y que aplican muy bien para realizar una fotografía, finalmente el diseñador gráfico

es quien sabe como usar todos estos instrumentos para sacar adelante un proyecto gráfico. Antes de todo esto, como habíamos visto en el capítulo uno, debe empezarse con la planeación del proyecto usando el proceso creativo de Joan Costa para obtener y procesar la información requerida, que posteriormente da como resultado la creación de ideas posibles para concretar en una optima y funcional que se pueda aplicar para la formalización y en consecuencia la difusión del proyecto de diseño. En el siguiente capítulo aplicaremos todo lo antes mencionado y confirmaremos la utilidad de todo lo que hemos abarcado a lo largo de este proyecto de tesis.

CAPÍTULO 3 Concurso de Fotografía “Enmarcando la vida” de la revista National Geographic en Español 2007 OBJETIVO Explicar en que consistió la temática de la convocatoria para el Concurso de fotografía “Enmarcando la vida” de la revista National Geographic en Español 2007 y cuál fue el procedimiento para conseguir la foto adecuada mediante la aplicación de los elementos formales del diseño gráfico y el proceso creativo del diseño.

SÍNTESIS Daremos una síntesis del origen y propósitos de la revista National Geographic y su desarrollo a través de sus años hasta hoy en día, después veremos las bases en que consistió la convocatoria del Concurso de fotografía y aplicaremos el uso de los elementos formales del diseño gráfico para la planeación y el desarrollo del proyecto fotográfico por medio del proceso creativo del diseño de Joan Costa.

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3.1 FUNDAMENTACIÓN Las motivaciones por las que se decidió participar en dicho concurso fueron la evidente trascendencia de la revista que tiene más de 100 años de prestigio documental y científico y cuyas colaboraciones han sido reconocidas a nivel internacional y útiles para la incansable curiosidad del ser humano por conocer más acerca de la función de su entorno que lo rodea y lograr un mejor entendimiento; aprovechamiento y respeto de la misma. Conseguir un reconocimiento de dicha institución científica por medio del campo fotográfico que es una de las herramientas de las que se vale, fue un gran reto como profesionista y sobretodo como miembro de otra gran institución como la Universidad Nacional Autónoma de México que tiene más de 100 años de haberse forjado y hasta la fecha manteniendo y perdurando su inapelable compromiso por lograr una sociedad equitativa en donde el orden y el progreso deben ser lema y aplicación por el bienestar común de todos los mexicanos, no solo se decidió participar por iniciativa propia sino también llevando como merito extra ser un orgulloso representante de todo lo que simboliza el Alma Matter nacional.

101. Emblema oficial de la National Geographic Society. 102. Escudo universitario.

CAPÍTULO 3

3.2 BREVE HISTORIA DE LA REVISTA NATIONAL GEOGRAPHIC La National Geographic Society (Sociedad Geográfica Nacional en español) es una organización que tiene como objetivo principal avanzar hacia el conocimiento general de la geografía y el mundo entre el público general. Para este fin, realiza varias becas de exploración y publica mensualmente una revista, página web y otros materiales de difusión. Fue fundada en los Estados Unidos el 27 de enero de 1888 por 33 hombres interesados en «organizar una sociedad para el incremento y la difusión del conocimiento geográfico». Comenzaron a discutir sobre la formación de la sociedad, Gardnier Greene Hubbard se convirtió en su primer presidente.

de los mejores periodistas gráficos en el mundo. Incluso publicó fotografías a color a comienzos del siglo XX, cuando esta tecnología aun era incipiente. También es muy conocida por los frecuentes mapas detallados que ofrece sobre las regiones que visita. Incluso los archivos de los mapas de la Sociedad han sido utilizados por el gobierno de los Estados Unidos en momentos donde sus recursos cartográficos eran limitados. Los suscriptores de la revista tienden a coleccionarlas (la gran parte de otras revistas tienden a ser descartadas después de haber sido leídas) y pueden adquirir cajas especiales para guardarlas por año. En el año 1960 se inició la publicación de fotos en la portada de la revista, anteriormente, sólo contenían texto.

Nueve meses después de la fundación de la sociedad fue publicada The National Geographic Magazine, que más tarde fue acortado a National Geographic. Se ha convertido en una de las revistas más conocidas alrededor del mundo y es fácilmente reconocida por su característico «marco amarillo» en la portada. Es una publicación mensual, aunque varias veces se han realizado ediciones especiales. Además de los artículos sobre diversos lugares, historia y cada rincón del planeta, la revista es reconocida ampliamente por su calidad de edición y sus estándares en las fotografías, lo que la hace el hogar 103. Una de las primeras publicaciones de la revista The National Geographic Magazine.

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Varios de sus trabajos fotográficos han alcanzado el puesto de iconos, ejemplo de ello fue la foto de su portada del año de 1984 en donde mostraba el retrato de una joven refugiada de Afganistán de bellos ojos. Su imagen pasó a ser mundialmente famosa. Después de la invasión liderada por la entonces Unión Soviética a ese país, se realizó una búsqueda de la joven. Fue identificada en el año 2002 como Sharbat Gula. Su historia fue contada en la edición de marzo de 2003 de la revista. Actualmente existe su versión en español que se distribuye en varios países por Editorial Televisa, entre ellos Colombia, Ecuador, México, Venezuela, Perú, Chile y Argentina. En el año de 1995, National Geographic comenzó a publicarse en japonés, y fue la primera edición en un idioma local. Actualmente la revista se publica en diferentes idiomas: japonés, español, hebreo, griego, italiano, francés, alemán, polaco, coreano, portugués, chino, checo, rumano, ruso, búlgaro y holandés Otras publicaciones creadas por la National Geographic Society son: National Geographic Traveler que salio en 1984, seguida por National Geographic Adventure Magazine en 1999 y en el 2001 por National Geographic for Kids. Además publica Historia National Geographic, Catálogos de la National Geographic, etc. La sociedad también publica materiales educativos, mapas temáticos,

104. «La muchacha afgana» fotografiada por Steve McCurry en 1985, sin duda la imagen más famosa de la historia de National Geographic y de la historia misma.

atlas, DVDs y numerosos libros y material para su página web con búsquedas temáticas históricas. La National Geographic Society también ha explorado el uso de la televisión como otro medio para llevar los viajes de sus corresponsales y programas de interés educacional, cultural y científico al hogar de las personas. Los programas especiales del National Geographic se han emitido durante muchos años en Estados Unidos por la PBS, la televisión pública. Sus programas televisivos empezaron en 1964 en la CBS, para trasladarse a la ABC en 1973 y final-

CAPÍTULO 3

mente a la PBS en 1975. En septiembre de 1997, la sociedad lanzó oficialmente su propio canal de televisión internacional, el National Geographic Channel que se puede ver por cable y vía satélite. En el 2001 se lanzó en los Estados Unidos. En el 2007 National Geographic Channel se pasa a llamar NatGeo para tener un nombre más corto y reconocible por todo el mundo, este nombre se ocupa en todas sus publicaciones y materiales virtuales.

105. DVD’s; libros y mapas que ofrece la National Geographic Society. 106. Pagina web de National Geographic (más abajo).

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La National Geographic Society brinda apoyo a investigaciones como patrocinador de muchas expediciones y proyectos de investigación a través de los años, entre los más destacados se encuentran: – Dian Fossey (Gorilas de montaña). – George Bass (Arqueología submarina). – Gustavus McLeod (Primer vuelo al Polo Norte en un avión de cabina abierta). – Hiram Bingham (Excavaciones en Machu Picchu). – Ian Baker (Descubrimiento de las cascadas de Tsangpo Gorge, en el Tibet).

– Jacques-Yves Cousteau (Exploración submarina). – Jane Goodall (Estudios sobre chimpancés). – Lee Berger (Las huellas más antiguas del hombre moderno). – Richard E. Byrd (Primer vuelo sobre el Polo Sur). – Robert Ballard (Titanic). – Pedro Malásquez y Matthew Henson (Expedición al Polo Norte). Por todo ello, en el 2006 fue galardonada con el Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades.**

Entre los personajes auspiciados por la National Geographic Society se encuentran: 107. Dian Fossey y sus investigaciones sobre los Gorilas de montaña.

107.

El famoso Capitan 108. Jacques-Yves Cousteau en sus investigaciones sobre la fauna y flora submarina. 109. Y Robert Ballard con las exploraciones a los restos del celebre trasatlántico «Titanic».

** Información obtenida de Microsoft® Encarta® 2007 (DVD) y http//:es.wikipedia.org 10/11/2008.

CAPÍTULO 3

108.

109.

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1– Categoría: Abierta. 2– Premios: Entre todas las fotografías enviadas que cumplan con todos los requisitos establecidos en las bases del concurso, se elegirá a los siguientes ganadores. Primer lugar: El ganador recibirá una cámara Canon EOS Rebel XTI 10.0 Megapixels y la publicación de su fotografía en la revista National Geographic en Español de Enero de 2008. Segundo lugar: El ganador recibirá una cámara Canon PowerShot G7 10.0 Megapixels. 110. Primer número de la revista National Geographic en Español.

3.3 CONVOCATORIA DEL CONCURSO DE FOTOGRAFÍA “ENMARCANDO LA VIDA” DE LA REVISTA NATIONAL GEOGRAPHIC EN ESPAÑOL 2007 Como parte de las celebraciones del 10º aniversario de National Geographic en su edición en Español, y cuyas primera edición fue en 1997, la National Geographic Society y Editorial Televisa S.A. de C.V. encargada de la publicación de la revista, sacaron la convocatoria para el Concurso de fotografía “Enmarcando la vida” el pasado mes de noviembre del año 2007 y cuyas bases fueron las siguientes:

Tercer lugar: El ganador recibirá una cámara Canon PowerShot A640 10.0 Megapixels. 3– Mecánica: A. Cada participante deberá enviar a la dirección de internet: www.revistanatgeo.com todas aquellas fotografías con las que decida participar en el concurso. Cada fotografía debe ser de un mínimo 2megapixeles, se debe enviar en formato JPG o GIF y debe contener lo siguiente: I. La fotografía enviada deberá ser tomada a través del marco amarillo que se encontrara ubicado en las diferentes zonas o lugares estratégicos del Distrito Federal; dicho marco deberá ser usado como encuadre de

CAPÍTULO 3

111. En la publicación de National Geographic en Español del mes de Noviembre de 2007 aparece 112. la convocatoria del Concurso de fotografía «Enmarcando la vida» conmemorando sus primeros 10 años de publicación que iniciaron en Noviembre de 1997.

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la fotografía. Asimismo, se podrá utilizar el marco amarillo desprendible que aparecerá en la edición de noviembre de la revista National Geographic en Español de la siguiente forma: el participante deberá colocar el marco desprendible de manera tal que este aparezca en la fotografía como el encuadre de lo que se desea fotografiar. II. El titulo y una breve descripción de la fotografía en un párrafo. III. La fecha en que fue tomada la fotografía. Debe haberse tomado entre el 1º y el 30 de noviembre de 2007. IV. Los datos personales del participante o autor: nombre, dirección completa, teléfono con clave larga distancia y correo electrónico vigente. B. Las fotografías solo se recibirán a través de la página de internet www. revistanatgeo.com según las instrucciones proporcionadas en el sitio. C. Las fotos participantes se recibirán del 1º al 30 de noviembre de 2007. D. Podrán participar todas aquellas personas que radiquen en la Republica Mexicana. E. El jurado, que en su momento se dará a conocer en la revista National Geographic en Español en la edición de enero de 2008, estará integrado por un equipo de Editorial Televisa y National Geographic.

F. Se seleccionaran las tres mejores fotografías a criterio del jurado para determinar el 1º, 2º y 3º lugar. La selección de los ganadores será a discreción absoluta del jurado y su fallo será definitivo e inapelable. G. Los ganadores serán notificados vía telefónica, al igual que dados a conocer a través de la página de internet: www.revistanatgeo.com a partir del 1º de diciembre de 2007, así como por medio de la revista National Geographic en Español, en su edición de enero de 2008. H. En caso de que los ganadores radiquen en el área metropolitana, deberán acudir al lugar que Editorial Televisa, S.A. de C.V. determine en su momento para la entrega del premio, y para los ganadores del interior de la Republica Mexicana, el premio les será enviado por mensajería a su domicilio. I. Los premios no son canjeables. J. En cualquier caso, los premios solo podrán reclamarse entre el 1º de enero de 2008 y el 31 de marzo de 2008.

4– Generales: 1. La edad para participar es abierta. Podrán participar menores de edad siempre y cuando cuenten con autorización de su padre o tutor. 2. mediante su participación en el presente concurso, el autor establece

CAPÍTULO 3 113. «Marco amarillo» desprendible incluido en la edición de noviembre de 2007 de la revista National Geographic en Español.

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que el envió de la fotografía a la página de internet es una autorización expresa, gratuita e irrevocable, a favor de Editorial Televisa, S.A. de C.V., subsidiarias o filiares, para reproducirla editarla y explorarla en cualquier otro medio y formato conocido y por conocerse, durante la vigencia máxima que la ley en la materia otorga y en el territorio que determine Editorial Televisa, S.A. de C.V., subsidiarias o filiares. 3. No se aceptaran fotografías sometidas a concurso por personas distintas al autor. 4. Las imágenes manipuladas no serán elegibles. 5. Todas las fotografías de los finalistas deberán estar disponibles para su publicación por National Geographic Society y/o Editorial Televisa, S.A. de C.V. 6. En caso en que en la fotografía enviada este presente un(a) modelo, se deberá contar con el consentimiento por escrito correspondiente y deberá ser adjuntado en la fotografía. Asimismo, el autor se compromete a sacar en paz y salvo a Editorial Televisa, S.A. de C.V., subsidiarias o filiares, de la reclamación de cualquier tercero respecto de la titularidad o derecho sobre la fotografía. 7. Las fotografías no serán devueltas a los participantes ni se enviaran acuses de recibo. Correrá a cargo de cada participante el riesgo por pérdidas o daños a las fotografías durante el envió.

8. Las fotografías deberán ser inéditas, es decir, no deberán haber sido publicadas, divulgadas o exhibidas y/o premiadas con anterioridad. 9. Es responsabilidad del participante asegurarse de que la publicación de sus fotografías en la revista National Geographic en Español, o en cualquiera de las publicaciones de Editorial Televisa, S.A. de C.V., o en la que esta designe, no genere reclamo legal de algún tipo de lo contrario; el participante responderá por cualquier gasto y costas de abogados que se genere por algún tercero que reclame un mejor derecho sobre las fotografías. 10. El participante acepta que la publicación de sus fotografías en la revista National Geographic en Español o en cualquiera de las publicaciones de Editorial Televisa, S.A. de C.V., o en la que esta designe, no recibirá contraprestación o regalía alguna. 11. No podrán participar: (1) empleados o colaboradores, ni sus familiares, de Editorial Televisa, S.A. de C.V. y National Geographic Society y sus empresas filiares, ni (2) empleados o colaboradores, ni sus familiares, de empresas que patrocinen este concurso. 12. Los participantes que no cumplan con cualquiera de los requisitos indicados en esta convocatoria serán descalificados automáticamente y sin derecho alguno a reclamo sobre el uso que se le dé a la fotografía. 13. Al enviar su fotografía a la página de internet, el concursante acepta

CAPÍTULO 3 114. Anuncio de los «marcos amarillos» monumentales puestos en diferentes puntos del Distrito Federal.

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cada uno de los términos y condiciones aquí expuestas.

3.4 APLICACIÓN DEL PROCESO CREATIVO DEL DISEÑO

14. Este concurso se regirá de acuerdo con las bases de esta convocatoria y de conformidad con la legislación aplicable en la Cuidad de México, Distrito Federal, México. Cualquier controversia deberá dirigirse en los tribunales competentes de la Cuidad de México, Distrito Federal, México, no obstante el domicilio presente o futuro de los participantes o cualquier otra causa.

3.4.1 INFORMACIÓN / DOCUMENTACIÓN

“Concurso notificado a la Procuraduría Federal del Consumidor (Profeco) mediante escrito de fecha 26 de enero de 2007. Para mayor información sobre el concurso llamar al 52 61 26 08. Cualquier incumplimiento repórtelo a la Profeco.”

3.4.2 INCUBACIÓN

En primer lugar hay que obtener la convocatoria ya sea en su edición de noviembre de 2007 o en la página web de la revista. Y si hay dudas conocer si tienen un email o teléfonos para aclaraciones acerca de la convocatoria.

El concurso es único en su tipo debido a que su realización se hace con motivo de los primeros 10 años de la edición impresa en español de la revista National Geographic. Según la mecánica del concurso: A. Cada participante deberá enviar a la dirección de internet: www.revistanatgeo.com todas aquellas fotografías con las que decida participar en el concurso. Cada fotografía debe ser de un mínimo 2 megapixeles, se debe enviar en formato JPG o GIF y debe contener lo siguiente: I. La fotografía enviada deberá ser tomada a través del marco amarillo que se encontrara ubicado en las diferentes zonas o lugares estratégicos del Distrito Federal; dicho marco deberá ser usado como encuadre de la fotografía. Asimismo, se podrá utilizar el marco amarillo desprendible que aparecerá en la edición de noviembre

CAPÍTULO 3

de la revista National Geographic en Español de la siguiente forma: el participante deberá colocar el marco desprendible de manera tal que este aparezca en la fotografía como el encuadre de lo que se desea fotografiar.

C. Las fotos participantes se recibirán del 1º al 30 de noviembre de 2007.

II. El título y una breve descripción de la fotografía en un párrafo.

3.4.3 IDEA CREATIVA

III. La fecha en que fue tomada la fotografía. Debe haberse tomado entre el 1º y el 30 de noviembre de 2007. IV. Los datos personales del participante o autor: nombre, dirección completa, teléfono con clave larga distancia y correo electrónico vigente.

D. Podrán participar todas aquellas personas que radiquen en la Republica Mexicana.

En el inciso A de la mecánica del concurso pide como mínimo 2 megapixeles, ese punto esta resuelto gracias a que se cuenta con una cámara digital Nikon E3200 de 3 megapixeles optimo para las tomas, no será necesario gastar en impresiones para enviar las fotos ya que a través de la pagina de la revista se pueden entregar los archivos.

B. Las fotografías solo se recibirán a través de la página de internet www. revistanatgeo.com según las instrucciones proporcionadas en el sitio.

115. Se contó con una cámara digital Nikon E3200 (izquierda) de 3 megapíxeles para cubrir el mínimo solicitado por la mecánica del concurso. 116. Se decide usar el «marco amarillo» desprendible (arriba derecha) que venia incluido en la publicación de Noviembre de 2007 de la revista ya que permitía jugar más con las composiciones.

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También en el mismo inciso nos dice que no hay límite en el número de fotografías que uno desea enviar al concurso, sin embargo, se limitara a un mínimo de 3 a 4 fotos, para ser muy explícitos a la hora de la selección de fotos. En el punto número I en la parte 3 de mecánica, esta como primera opción utilizar el «marco amarillo» desprendible que viene en la edición de noviembre de 2007 y buscar un sitio adecuado dentro del Distrito Federal o el Área metropolitana para las tomas o de ubicar los marcos que se encuentran en zonas estratégicas del mismo Distrito Federal y buscar cual de ellos es idóneo para las tomas fotográficas. Se decide utilizar el «marco amarillo» desprendible ya que ofrece más posibilidades de jugar con las composiciones al momento de realizar las tomas fotográficas. Ya que las tomas tienen que ser en el Distrito Federal se realizo una investigación de los sitios que fueron considerados como aptos para dicho fin fotográfico debido a: – Su trascendencia histórica dentro del Distrito Federal e importancia en el país mismo. – Su jerarquía como sitio turístico por parte de los visitantes nacionales y extranjeros. – Y su calidad arquitectónica y estética. Los sitios seleccionados fueron los siguientes:

– El Centro Histórico. (El Zócalo; El Palacio de Bellas Artes; La Torre latinoamericana y las diferentes Iglesias, museos y edificios que alberga). – El Paseo de la Reforma. (El Auditorio Nacional; El Ángel de la independencia; La Diana cazadora; «El Caballito» y el Hemiciclo a Juárez). – La Ciudad Universitaria de la Universidad Nacional Autónoma de México. (La Biblioteca Central; La Zona Escolar y El Paseo escultórico). De estas opciones se opta finalmente por la Cuidad Universitaria de la Universidad Nacional Autónoma de México, ya que cumplió todos los requisitos antes mencionados para la realización del proyecto fotográfico y como valor agregado cuenta con una sólida trascendencia a nivel internacional debido a que es una de las instituciones educativas que ha contribuido y colaborado con otras academias en todo el mundo para la investigación científica y las humanidades, y como prueba reciente de ello, el pasado mes de Julio del año 2007, la UNESCO de la Organización de las Naciones Unidas declaro de forma oficial la llamada «Zona Escolar» dentro del campus C.U. como Patrimonio Cultural de la Humanidad, por tanto, la elección de este sitio académico, cultural y deportivo para el proyecto estaba decidido y totalmente fundamentado.

CAPÍTULO 3

CENTRO HISTORICO

PASEO DE LA REFORMA

CIUDAD UNIVERSITARIA

Estos fueron los sitios seleccionados para la sesión fotográfica: El Centro Histórico, en donde se encuentra 117. La Torre Latinoamericana y 118. El Palacio de Bellas Artes y sus diferentes iglesias y museos emblemáticos que alberga. El Paseo de la Reforma donde se halla 119. El Ángel de la independencia y 120. El «Caballito». Y la Ciudad Universitaria de la Universidad Nacional Autónoma de México en donde se ubica 121. El Paseo Escultórico y 122. La «Zona Escolar».

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Hay que ser muy breves con el título y la descripción de las fotos a enviar según marca el punto numero II de la mecánica del concurso.

todas estas consideraciones al momento de enviar las fotografías al concurso.

Solo se cuentan las tomas fotográficas que se hayan realizado dentro de los días del mes de noviembre (el 1º al 30) para ser enviadas al concurso, según nos marca el punto III.

3.4.4 VERIFICACIÓN / DESARROLLO

No hay que olvidar que se deben también adjuntar en el archivo los datos personales: nombre y dirección completa; teléfono con clave a larga distancia y la dirección del correo electrónico. En la parte 4 de Generales, en su punto 4, nos pide como detalle técnico que no sean manipuladas las imágenes, por lo que las tomas que se van a realizar no deben tener posteriormente ningún retoque ni manipulación de cualquier tipo para evitar ser descalificados. En el punto 6 nos dice que si se usa un(a) modelo hay que tener por escrito su consentimiento para librar de cualquier asunto de regalías u otro asunto legal a Editorial Televisa y sus filiares. No se usaran personas para las tomas, las sesiones se harán con estructuras arquitectónicas. En el punto 10 pone explícitamente que las fotos que se envíen pasaran a domino de la revista National Geographic en Español o en cualquiera de la publicaciones de Editorial Televisa, por lo que no se recibirá ninguna regalía o compensación alguna. Y por tanto, según el punto 13 se aceptan

Ya decidido el sitio para las sesiones fotográficas se buscará los lugares adecuados que en este caso son tres lugares relevantes de la Ciudad Universitaria: la Biblioteca Central; La Zona Escolar y El Paseo escultórico, hay que averiguar que composición es la más adecuada para cada una de ellas y el horario óptimo de luz natural realizando tomas en cada lado de los lugares seleccionados.

3.4.5 FORMALIZACIÓN Y DIFUSIÓN Posteriormente se hará una discriminación de toda la serie de fotos tomadas a considerar pertinentes para ser enviadas al concurso, y se había definido que seria un máximo de 3 fotografías para ser muy explícitos con la calidad de las imágenes a entregar. 123. La Ciudad Universitaria de la UNAM, cubrió con los requisitos antes mencionados para las sesiones fotográficas de donde se escogieron tres lugares importantes: La Biblioteca Central; La Facultad de Arquitectura y El Paseo Escultórico en donde se realizaron las pruebas de luz; composición; planos y ángulos de cámara para la realización de las tomas fotográficas definitivas como podemos ver en los mapas de los tres lugares importantes antes mencionados (paginas siguientes) los puntos que se consideraron adecuados para las tomas definitivas.

CAPÍTULO 3

91 1

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CAPÍTULO 3

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3.5 PRODUCCIÓN 3.5.1 DESCRIMINACIÓN DE LAS FOTOGRAFÍAS TOMADAS Después de la sesión de tomas, esta fue la serie de fotografías que se consiguió prosiguiendo con la selección de las más indicadas para el concurso.

CAPÍTULO 3

124. Fotos obtenidas de la sesión fotográfica para posteriormente ser sometidas a una selección de las cuales solo serian escogidas tres para ser enviadas al concurso.

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3.5.2 FOTOGRAFÍAS SELECCIONADAS Finalmente, se determino que estas serían las fotografías indicadas para ser enviadas al concurso agregándole a cada una un título y una descripción breve de que trata cada foto. Título: «Pose perpetúa» Descripción de la fotografía: Escultura pasiva (se desconoce su autor), que es un eterno testigo mudo de haber visto a varias generaciones de estudiantes; visitantes y grandes acontecimientos del que sólo esta obra sabrá pero nosotros nunca jamás.

125. «Pose perpetúa».

CAPÍTULO 3

Título: «C.U., Patrimonio de México y del mundo» Descripción de la fotografía: El principal edificio de referencia de C.U. y al lado derecho la placa oficial que hace reconocimiento del Campus como nuevo Patrimonio Cultural de la Humanidad UNESCO 2007 y a su izquierda, un visitante de tantos que vienen a apreciar uno de los principales logros en organización arquitectónica y artística, que, una vez más, es todo un orgullo nacional.

126. «C.U., Patrimonio de México y del mundo».

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Título: «Una Sucesión de Marcos» Descripción de la fotografía: Usando como base esta escultura de Helen Escobedo para el marco de National, el resultado fue ideal, gracias a su combinación de colores calidos del rojizo al amarillo, al igual del dinamismo de esta que ajuste para el marco.

127. «Una Sucesión de Marcos»

CAPÍTULO 3

3.5.3 FOTOGRAFÍA GANADORA Finalmente, de las tres fotos que fueron seleccionadas y enviadas al concurso, la fotografía ganadora fue: «Una Sucesión de Marcos», que bajo el criterio del jurado fue la que cubrió todos los requisitos de composición del concurso para obtener el 1er. Lugar del Concurso de Fotografía “Enmarcando la vida” de National Geographic en Español 2007, con motivo de sus primeros 10 años de la revista. La decisión del jurado fue publicada en la página web de la revista el 14 de diciembre del 2007.

128. Publicación de la foto ganadora del 1er. Lugar del concurso “Enmarcando la vida” de National Geographic en Español 2007 en la pagina web de la revista.

100 ENMARCANDO LA VIDA • NATIONAL GEOGRAPHIC • ESPACIO FORMATO El espacio formato fue intangible desde el principio, debido a que se utilizo una cámara digital y como nos especifico la convocatoria, se tenía que enviar de esa forma, al ser la foto seleccionada al primer lugar la revista la paso a espacio formato tangible en su publicación. La convocatoria no específico las medidas de las fotos a enviar, así que se decidió desde el principio de las sesiones programar en formato de alta resolución (Dimensiones: 13 X 17.34 cm. equivalente a 1536 x 2048 píxeles, resolución a 300 DPI) a la cámara digital.

• SISTEMA DE MARGENES Al tratarse de una imagen fotográfica, no se uso un margen para mancha de texto, se realizo un margen arbitrario (Ver Sistemas de Márgenes en el Capítulo Uno) en donde cada uno de sus lados tenía una medida igual como una María Luisa para quedar centrado y estética la foto.

• RED Y RETÍCULA La retícula de esta imagen consiste en una red de cambio de dirección ya que por su composición la sensación de movimiento es evidente y se acopla a la red mencionada debido a que los elementos que componen la imagen sufren una inclinación a cierto ángulo (líneas horizontales a 39º y líneas verticales a -48º) que enfatiza ese efecto dinámico.

129. Sistemas de márgenes (arriba). 130. Retícula aplicada (abajo).

CAPÍTULO 3 101

• TECNICA DE COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA La composición de la foto se describe de la siguiente forma:

(forma, medida, color y textura); elementos de relación (dirección, posición, espacio y gravedad) y los elementos prácticos (representación, significado y función).

– Encuadre / Formato: * Elementos visuales: El tipo de encuadre es vertical porque el logotipo del «marco amarillo» de National Geographic es de esa misma orientación. El encuadre capturo toda la parte requerida de la escultura en donde enfatiza su movimiento junto con el «marco amarillo». – Planos: El tipo de plano realizado es el plano general medio ya que el objeto es el «marco amarillo» de National Geographic destacando en la escena en donde la escultura de «Coatl» de Helen Escobedo se encuentra en segundo plano como fondo.

– Ángulos de la Cámara: El ángulo de la cámara usado fue la frontal debido a que el encuadre fue directo al «marco amarillo» de National Geographic lo que hizo óptimo este ángulo para el objeto.

– Composición: Vemos que existen aquí remarcados cada uno de los elementos del diseño: elementos conceptuales (punto, línea, plano y volumen); elementos visuales

Cada forma de los elementos de la composición es identificable, sus medidas son calculables físicamente, el color de cada elemento es distinguible y sus texturas son planas y duras en el caso de las vigas cuadradas que conforman la escultura y en el «marco amarillo» de National Geographic la textura es plana y flexible.

131. Tipo de plano y ángulo aplicado a la foto.

102 ENMARCANDO LA VIDA • NATIONAL GEOGRAPHIC * Elementos de relación:

* Elementos prácticos:

La dirección de las vigas cuadradas de la escultura nos ofrece la sensación de inclinación, crecimiento y sucesión de cada uno de los elementos dirigidos directo al observador en que el «marco amarillo» de National Geographic es integrado para continuar este movimiento, la posición de la escultura y del «marco amarillo» es estática según lo determino el observador. Todo el espacio del campo gráfico de la imagen fotográfica esta ocupada, excepto casi al centro de la imagen del lado izquierdo en donde vemos parte del cielo que puede considerarse espacio vació. Y en la gravedad nos ofrece la sensación de liviandad y equilibrio a pesar de que los elementos de la escultura son pesadas al ser estas de metal, en el «marco amarillo» la sensación es liviana y equilibrada al coexistir con la escultura.

La representación es completamente realista físicamente hablando, pero que se le da una semiabstracción a los elementos de la imagen. El significado que le atribuimos a la fotografía es como puede coexistir de forma sensata las obras del ser humano con la naturaleza, representada en la parte central izquierda en donde apreciamos cierta vegetación, que es lo que National Geographic tiene como misión al explorar, conocer y difundir la geografía, así como la naturaleza para el beneficio del ser humano de forma respetuosa a esta. Se logro cumplir la función de que la imagen fotográfica sea adecuada para la conmemoración del 10º aniversario de la revista en su edición en español, enfatizando su misión de esta organización.

* Regla de tercios: Vemos que poniendo la regla de tercios en la imagen fotográfica existe una buena composición de los elementos mostrados, la mano esta casi centrada en la parte inferior mientras el «marco amarillo» y la salida de la escultura donde se encuentra una vista hacia la vegetación del espacio escultórico, están descentralizadas pero a pesar de ello, nos ofrece la sensación visual de que esta remarcada al centro.

132. Elementos de relación y elementos prácticos (izquierda).

CAPÍTULO 3 103

* Armonía y contraste: La imagen enfatiza el buen uso de colores en la composición, en el caso de la escultura de Helen Escobedo, vemos que la sucesión de cada una de las estructuras que componen el «Coatl» es enfatizada con el buen uso de colores calidos que le atribuyo a su obra que van del amarillo al rojo, existiendo por tanto armonía y contraste en los matices de la escultura. El «marco amarillo» de National Geographic sirve para contrastar como primer plano pero coexistiendo con la obra al compartir la misma gama de colores manteniendo la armonía cromática.

* Perspectiva: Vemos que existiendo los elementos de diseño y habiendo una armonía y contraste en la imagen fotográfica se nota a simple vista la existencia de perspectiva al notar volumen y profundidad real pero que, por tratarse de una imagen bi-dimensional la perspectiva es ilusoria pero que destaca.

133. Regla de tercios aplicada a la foto. (abajo izquierda) 134. Armonía y contraste de la foto. (arriba izquierda)

104 ENMARCANDO LA VIDA • NATIONAL GEOGRAPHIC • GENERACIÓN Y PLANEACIÓN Para la generación del proyecto primero se tuvo que recopilar la información requerida y su procesamiento, esto a través del uso del proceso creativo de Joan Costa, que nos dio todos los detalles técnicos para el envió de las imágenes seleccionadas y los datos necesarios para la selección de las herramientas indicadas y para la selección del lugar indicado para la realización de las sesiones fotográficas que fue la Ciudad Universitaria. Dentro del campus se buscaron tres zonas importantes de referencia del lugar: la Biblioteca Central; La Zona Escolar de donde se selecciono la Facultad de Arquitectura y el Espacio escultórico.

Cabe mencionar que se utilizo flash en la mayoría de las tomas para conseguir una optima exposición de las imágenes esto debido, como fue mencionado anteriormente, la convocatoria prohíbe los retoques posteriores a la toma, la cámara Nikon E3200 usada para las sesiones tiene la velocidad de obturación, y exposición automáticas por lo que se tenia que también pensar en la luz de día indicada y fue entre las 12 y 4 de la tarde el rango de luz apropiada para las sesiones fotográficas realizadas. Se uso la noción del «cubo imaginario» mencionada por Wong para la mejor perspectiva de los objetos seleccionados para la ejecución de todas las tomas fotográficas.

CAPÍTULO 3 105

En el espacio escultórico, de entre todas las obras del lugar se selecciono la escultura de «Coatl» de la Artista Plástica Helen Escobedo, debido a que el diseño sintetizado y abstracto que enfatiza el movimiento de la serpiente (Coatl en náhuatl) se considero optimo y adecuado a las necesidades de la toma, en los cuatro lados de la obra, usando el «cubo imaginario» mencionado por Wong se decide por el lado por donde se aprecian los cuadros rojos y al fondo los cuadros amarillos para detallar una buena armonía y contraste entre la obra y el «marco amarillo» de National Geographic, porque de haberse hecho en el lado por donde se encontraban los cuadros amarillos, el marco se hubiera perdido al momento de hacer la toma.

Esa cara de la obra desde el punto de vista del observador es la vista desde adelante. El plano escogido para el encuadre fue un plano general medio, un full shot para tomar todo el marco y la obra de Helen Escobedo como segundo plano. El ángulo de cámara escogido fue el frontal para la sesión.

135. Obras que conforman el Paseo Escultórico del Centro Cultural Universitario de Ciudad Universitaria de las cuales 136. «Coatl» de la artista plástica Helen Escobedo fue adecuada para la composición de la foto ganadora «Una Sucesión de Marcos».

137. Aplicación del «cubo imaginario» de Wong a la obra de Escobedo para la toma fotográfica ganadora (izquierda).

106 ENMARCANDO LA VIDA • NATIONAL GEOGRAPHIC 3.6 RECONOCIMIENTOS Y PUBLICACIONES Por haberse tratado de un concurso a nivel nacional y la importancia evidente de la revista National Geographic dentro del ramo fotográfico, fue noticia relevante dentro de las publicaciones de la misma en su edición impresa y en su página web, que posteriormente los medios internos de la Máxima Casa de Estudios, dieron seguimiento del éxito alcanzado. Estos fueron los reconocimientos recibidos de parte del Rector de la Universidad Nacional Autónoma de México, Dr. José Narro Robles, a quien posteriormente le fue enviado un agradecimiento y una copia de la foto ganadora; La Directora de la Facultad de Estudios Superiores “Acatlán” de la Universidad Nacional Autónoma de México, Mtra. Hermelinda Osorio Carranza y del Jefe de Diseño y Edificación de la Facultad de Estudios Superiores “Acatlán” de la Universidad Nacional Autónoma de México, Arq. José Luís Bermúdez Alejo.

CAPÍTULO 3 107

108 ENMARCANDO LA VIDA • NATIONAL GEOGRAPHIC Estas fueron las publicaciones impresas y electrónicas por parte de Gaceta UNAM en su edición del 21 de enero de 2008; de la Gaceta de la FES Acatlán en su edición de febrero de 2008; la página web de la FES Acatlán el 21 de enero de 2008 y El NotiFESAcatlán en su edición del 22 de enero de 2008.

CAPÍTULO 3 109

110 ENMARCANDO LA VIDA • NATIONAL GEOGRAPHIC Y por último esta es la publicación de la Fotografía «Una Sucesión de Marcos», Ganadora del 1er. lugar del Concurso de Fotografía “Enmarcando la vida” de National Geographic en Español 2007 en su edición del mes de Febrero de 2008. Finalmente solo se puede decir con total satisfacción, que se cometió con la fundamentación antes mencionada al principio de este capítulo: obtener el reconocimiento de una institución científica seria como National Geographic como profesionista y orgulloso representante de la Universidad Nacional Autónoma de México, pero nunca se contó como gran merito extra en obtener el reconocimiento y felicitación por esta meta lograda por parte de la comunidad universitaria.

138. Edición de National Geographic en Español de Febrero de 2008 donde esta publicada la fotografía ganadora 139. «Una Sucesión de Marcos» (pagina siguiente).

CAPÍTULO 3 111

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Conclusiones Podemos decir que un proyecto de diseño gráfico o fotográfico en este caso, no se puede llegar a nada si no se obtiene en primer lugar, la información necesaria para poner los pros y contras que se va enfrentar uno en la realización de dicho proyecto y en consecuencia estar organizado para afrontar con razón y coherencia esos detalles. Para ello hemos visto fundamentado la función en que fue concebido el proceso creativo del diseño ideado por Joan Costa para tales fines. Así como es imposible conducir un automóvil si uno no conoce la forma de conducir y los detalles técnicos para usar un vehiculo, lo mismo sucede con las herramientas de los elementos formales del diseño gráfico, si obtenemos el significado y la teoría sobre la función que tiene cada una de las herramientas que mencionamos podemos determinar como, cuando y porque usarlas en la realización de un proyecto de diseño gráfico así como los detalles técnicos para el conocimiento de la anatomía y el manejo de una cámara fotográfica, incluido la comprensión y el uso de los términos de la fotografía para la realización de una imagen o de una serie de imágenes fotográficas y finalmente como a través de las técnicas de composición que se usan en el dibujo sirven y son aplicables para la fotografía, porque, al final de cuentas, literalmente dibujamos con ayuda de la luz una imagen basada en la realidad, con la cámara como nuestro pincel y paleta de colores, pero no para buscar una inspiración artística sino para concretar el fin practico que tendrá la imagen concebida según la función para la que nuestro cliente nos haya encomendado para su consumidor. Todo esto es, para el principal propósito en que somos formados los diseñadores gráficos, en el viejo y vital protocolo de la comunicación en la que el ser humano ha forjado los cimientos de su civilización y progreso en cada una de las diferentes disciplinas en que se desempeña. Hemos comprobado y remarcado que el diseñador gráfico es un comunicador visual al servicio de su cliente quien espera a partir de una buena codificación y el uso adecuado que le

114 demos a las herramientas que antes mencionamos para llegar hacia su consumidor potencial y esperando de este último una respuesta a favor y optima hacia nuestro cliente. En un mundo cada vez más exigente de una mejor actitud profesional de quienes ejercen una profesión y en donde el lema es ahora «Todo es para anteayer» los diseñadores gráficos debemos responder a esas exigencias no solo para ese fin sino también para una autentica revalorización seria acerca de esta disciplina estigmatizada y menospreciada por la ignorancia y apatía de la gente ajena a esta área y demostrar con hechos y no palabras sobre la importancia del diseño gráfico en este mundo como toda profesión que se de a respetar.

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004. http//:www.google.com.mx Imágenes/ interiorismo

013. Foto: Juan Antonio López.

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014. Imagen tomada de Microsoft® Encarta® 2007 DVD.

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121 074. Freeman John, FOTOGRAFÍA: UN MANUAL ACTUAL Y COMPLETO DE TÉCNICA FOTOGRÁFICA, Editorial Omega, España, 2004, pp. 35.

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079. Fotos: Israel Albarrán Herrera.

088. http//:www.google.com.mx Imágenes/ terminator

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089. http//:www.google.com.mx Imágenes/ publicidad absolut

081. Fotos: Baldomero Esquivel y Juan Antonio López.

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121. Foto: Erich Obed Albarrán Herrera. 122. Foto: Erich Obed Albarrán Herrera. 123. Ilustraciones y Fotos: Erich Obed Albarrán Herrera. 124. Fotos: Erich Obed Albarrán Herrera. 125. Foto: Erich Obed Albarrán Herrera. 126. Foto: Erich Obed Albarrán Herrera. 127. Foto: Erich Obed Albarrán Herrera. 128. http//:www.ngenespanol.com 129. Foto-Ilustración: Erich Obed Albarrán Herrera. 130. Foto-Ilustración: Erich Obed Albarrán Herrera. 131. Foto-Ilustración: Erich Obed Albarrán Herrera. 132. Foto-Ilustración: Erich Obed Albarrán Herrera.

124 133. Ilustración: Erich Obed Albarrán Herrera. 134. Foto-Ilustración: Erich Obed Albarrán Herrera. 135. Fotos: Juan Antonio López. 136. Foto: Erich Obed Albarrán Herrera. 137. Ilustración: Erich Obed Albarrán Herrera. 138. National Geographic en Español, Febrero 2008, Vol. XXII, Num. 2, Editorial Televisa, 2008, portada. 139. National Geographic en Español, Febrero 2008, Vol. XXII, Num. 2, Editorial Televisa, 2008, pp. s/n.

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UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA DE MÉXICO

FACULTAD DE ESTUDIOS SUPERIORES ACATLÁN

FUNDAMENTACIÓN DE LA FOTOGRAFÍA DEL CONCURSO “ENMARCANDO LA VIDA” DE

ACATLÁN, ESTADO DE MÉXICO, 2009