Revista ARTDiseño N°8 Agosto 2022

ARTDiseño ART

Revista Mensual de Arte y Cultura

No.8 Año 1, Agosto de 2022

paradojaeditorial@gmail.com

PINTURA

Igor Volos

PINTURA

Wifredo Lam

ESCULTURA

Franz Xavier Messerschmidt GRÁFICA Maurits Cornelis Escher Maurits Cornelis Escher es el maestro de las figuras imposibles, las ilusiones ópticas y los mundosimaginarios. Siempre interesado por representar con tridimensionalidad espacios paradójicos que desafían a los modos tradicionales de representación, se podría decir que abrazó el relativismo de su época. El mundo es mucho más de lo que se nos presenta ante el ojo, como bien sabían los artistas, literatos, intelectuales y científicos de la época. El mundo es inquietantemente relativo.

REPORTAJE

Aspiramos a construir una colección referencial de las prácticas artísticas en México. Nuestro conjunto de piezas abarca de 1952, año de la fundación de Ciudad Universitaria, a la actualidad, con especial énfasis en la creación posterior a 1968.

Nuestra colección está conformada por obras de más de 300 artistas y se divide en dos cuerpos principales: la “Colección artística”, constituida por obras concebidas en los marcos cambiantes del circuito del arte, y la “Colección documental”, que contiene archivos con materiales heterogéneos.

La orientación nacional de nuestro acervo intenta reparar el descuido de colecciones contemporáneas en los museos mexicanos y, al formar parte del Patrimonio Universitario, es pionero en la revitalización del coleccionismo público en México. Con el fin de enriquecer las lecturas de su acervo y de establecer un diálogo con obras de artistas internacionales, hemos establecido alianzas con colecciones particulares bajo la figura de colecciones asociadas.

Aquí puedes consultar el acervo artístico y el acervo documental.

Somos un museo universitario. Nos concebimos como un espacio de cruce e intercambio de saberes y de construcción permanente de nuevos conocimientos, experiencias y aprendizajes significativos entre visitantes, artistas, curadores, museógrafos, investigadores y académicos.

Desarrollamos proyectos comunitarios y estimulamos el pensamiento crítico con el arte contemporáneo como lenguaje común. Nuestro programa pedagógico busca atender y generar nuevos públicos para el museo.

Somos un museo universitario. Nos concebimos como un espacio de cruce e intercambio de saberes y de construcción permanente de nuevos conocimientos, experiencias y aprendizajes significativos entre visitantes, artistas, curadores,

museógrafos, académicos.

investigadores

y

Desarrollamos proyectos comunitarios y estimulamos el pensamiento crítico con el arte contemporáneo como lenguaje común. Nuestro programa pedagógico busca atender y generar nuevos públicos para el museo.

HORARIOS Martes a domingo de 11:00 a 17:00 horas. Último acceso a las 16:30 horas.

Cerrado los días 1° de Ene. y 25 de Dic

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EDITORIAL

EDITORIAL

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Revista Mensual de Arte y Cultura

paradojaeditorial@gmail.com

Eric Hansen Mena DIRECTOR EDITORIAL

COLABORADORES Héctor Cabrera Lerma Ana Barreto Roberto Buenfil Souza Gerardo Solís Cisneros Aníbal Angulo Rodolfo Zaldate Gabriel Macotela Gloria Ritschel Galindo Jorge Luis Salas González Miguel Ángel Sotelo Javier Verdín Jorge Antonio González Alfaro Carlos Alberto Carbajal Arcos Patricia Soriano Troncoso Guillermo Santa Marina Héctor Massiel Gerardo Sosa Plata Luis Vargas Santacruz Adolfo Galindo Hugo Zúñiga Francisco Javier Díaz Virgen Luis Arturo Aguirre Miguel Jiménez Daniel Zamudio Lilián Casarrubias Aníbal Angulo Guillermo Valle Peralta Frank Cortez ArtDiseño es una publicación mensual digital editada por Editorial Paradoja que se distribuye de manera gratuita en las redes sociales y por correo digital, por medio de la plataforma issuu para su lectura con información general del arte para su difusión y conocimiento creativo de sus creadores sin afanes de lucro con imágenes y contenidos respetando su crédito de creadores y autoría, utilizados solo como referencia.

Tel: 55 9027-2919 paradojaeditorial@gmail.com

E

n esta ocasión hemos decido hacer un homenaje al artista holandés Maurits Cornelis Escher, grabador, ilustrador, escultor y sobre todo un portento en la expresión plástica moderna, ejemplo de sagacidad matemática para lograr propósitos inimaginables, traspasando el ámbito bidimensional a lo tridimensional imposible, por ello dedicamos 4 páginas de la edición de ARTDiseño número ocho, con la breve historia de su vida y ejemplos más representativos de su arte.

Con continuidad a la propuesta cultural de nuestra revista mostramos diferentes artistas latinoamericanos relevantes en el arte que han demostrado sagacidad a lo largo de la historia de su vida como Wifredo Lam, pintor cubano que vivió en España y Francia, considerado disípulo de Pablo Picasso, sí también contamos con Rafael Coronel, artista mexicano con un estilo característico, Nicolás de Jesús extraordinario grabador guerrerense que traspasado fronteras y es reconocido así como valorado, su arte de calaveras tan característico con expresión cotidiana del ser humano.

Dedicamos un artículo referente a los cuadros más costosos adquiridos en subastas de arte internacionales, donde han sido adquiridos por sumas de dinero exorbitantes y que siempre nos hacen pensar en el valor real del arte en nuestra sociedad y que convierten en inversión o negocio la creación artística.

Presentamos fotógrafos que no marcaron en conceptos, modas y sobre todo en estilos de época que han influenciado décadas posteriores tanto en concepto como en efectividad comercial de comunicación social.

En la contraportada de nuestra revista incluimos dos páginas referentes al Museo Nacional del Prado en Madrid España que es sin duda uno de los más amplios y con grandes cuadros de todas las épocas, obras relevantes del todo el mundo, pero sobre todo un acervo increíble de la cultura española para ser referente de el arte global.

Continuamos creciendo y aumentamos a veinticuatro páginas de la revista, donde podemos incluir más ejemplos de artistas internacionales de vanguardia contemporánea, gracias por ser nuestros lectores y seguidores.

Atentamente Eric Hansen Mena DIRECTOR EDITORIAL

Taller de pintura para jóvenes con talento ¿Quieres promocionarte y darte a conocer? somos un excelente medio de difusión El maestro Hugo Zúñiga en los pasillos del nostálgico hotel Flamingos Foto: Carlos Alberto Carbjal Arcos

Impartido por Alan Serna Cortés

INFORMES:

Jueves ó Sábados 4:00 PM Inscripción $200.°°

paradojaeditorial@gmail.com

Coyuca de Benítez, Gro.

Cel.: 74 4122 2101

Cel.: 78 1110-7112

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Jesús Escabernal

Andrew Wyeth

Laura Makabresku

Edgar Degas

María Elisa Bojorquez

Arturo Rivera

Luis Carreño

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PINTURA

Rafael Coronel

H

ermano menor de Pedro Coronel, Rafael Coronel sintió inclinaciones artísticas desde muy joven. Estudió en la Escuela Nacional de Pintura y Escultura La Esmeralda y pronto desarrolló un lenguaje artístico muy singular. Su pintura acude a temas populares, sin embargo no podría decirse de ningún modo que sus tratamientos y soluciones sean producto de lo espontáneo o lo gratuito.

La vocación de pintor fue algo que Rafael traía de familia. Su abuelo decoraba iglesias, dibujaba las guirnaldas que adornaban las paredes. Cuando su padre le platicó que Pedro, su hermano, estaba estudiando pintura en México se le hizo una de las mayores pérdidas de tiempo y una gran tontería que había pasado en su familia. En aquel tiempo los pintores jóvenes no comían de la pintura; ni los viejos, que además de pintar, tenían que dar clases en las academias. De 1947 a 1949 –cursó la educación preparatoria en el Instituto de Ciencias de Zacatecas, conocido actualmente como la preparatoria número uno de la Universidad Autónoma de Zacatecas.

Cuando Rafael fue a la Ciudad de México quería ser futbolista en el equipo América. Pero a su padre le prometió que estudiaría contaduría. Al llegar al Distrito Federal, se entusiasmó por la arquitectura. En 1952 ganó un concurso de pintura que organizó el Instituto Nacional de la Juventud Mexicana. Era un cuadro que hizo con crayolas de cera sobre cartón (La mujer de Jerez), porque no tenía dinero para comprar óleos y telas. De esa forma ganó una beca anual de trescientos pesos al mes, con los cuales podía sobrevivir y dedicarse a pintar. "Traicioné a mi padre, pero le hice un bien a la patria." dijo Rafael. Fue la primera vez que expuso en el Museo del Palacio de Bellas Artes. El requisito para que la beca fuera efectiva tenía que estudiar pintura en alguna escuela, así se inscribió en La Esmeralda, de donde lo expulsaron dos meses después porque no hacía lo que los maestros querían. Un día, el pintor Carlos Mérida le recomendó con Inés Amor, la dueña de la Galería Arte Mexicano (GAM), que entonces era la que manejaba a los grandes artistas como Rufino Tamayo, Gunther Gerzso, Diego Rivera. "Antes de entrar con Inés solo había vendido dos cuadros, a un amigo de su hermano Pedro y otro a un tío que me lo compró en abonos. Desde que llegué a la GAM, agarré ritmo."

Hizo estudios en la Escuela Nacional de Arquitectura, en la Ciudad de México, y luego pasó a cursar estudios en la academia High American School. A partir de 1956 ha presentado exposiciones de su obra en México, Estados Unidos, Japón, Puerto Rico y Brasil.

Coronel es un hombre solitario. En 1969 murió su esposa Ruth, hija de Diego Rivera y Lupe Marín, y madre de su único hijo, Juan. Ha tenido "una que otra novia", con la que a veces se va "de vago por el mundo, pues con frecuencia me sucede que me pongo a aullar como hombre lobo por no saber qué pintar. Viajar refresca mi visión acerca de México y renueva el instinto impulsivo que me hace estar frente al lienzo, como en un confesionario, con mi pincelito, dale y dale".

Sus amigos son pocos, ya no hace esas fiestas semanales a las que, en los años sesenta, asistía "medio México, todos los intelectuales de la ciudad, desde mis amigos pintores como Francisco Corzas, Arnaldo Cohen y Salvador Elizondo, a Paulina Lavista, o Alejandro Jodorowski, o Emilio El Tigre Azcárraga, que siempre me trató como rey. Eran borracheras de dos o tres días, pero por lo regular, muy interesantes. Las hacíamos en el estudio de Diego Rivera —que para ese entonces ya había muerto— en la colonia Altavista".

Rafael Coronel trabajó durante veinte años en el taller de su suegro, dice que ahí realizó las mayores producciones plásticas que ha logrado. Desde 1981 vive en la ciudad de Cuernavaca, en una casa rodeada por una barda llena de gráfitis que parece resguardar un terreno abandonado. Con motivo de sus 80 años en septiembre del 2011 se inauguró en Bellas Artes “Retrofutura”, una muestra de 109 obras de las que Rafael creó 18 ese mismo año. Estas obras rompen con trabajos anteriores de Coronel, porque “dentro de la misma figuración, hay unos personajes decrépitos. Lo interesante es que pone el foco en el final de la vida de las mujeres y los hombres, en la vejez; es diferente porque nos tenía acostumbrados a ver la vejez redimida; en estos cuadros, la vejez se presenta como la decadencia, nunca había explorado esa parte”, según Juan Coronel Rivera, el hijo del artista.

El maestro Rafael Coronel ha decidido en los años recientes de su vida, no hacer apariciones públicas y dedicarse a vivir en los poblados indígenas, principalmente en los municipios, comunidades o aldeas de los estados de Oaxaca y Guerrero, en los cuales va adquiriendo las artesanías propias del lugar, principalmente las máscaras para engrandecer sus colecciones en los museos en los que tiene presente su obra.Su hijo, Juan Coronel, quien también es un extraordinario artista plástico, es el responsable de organizar y coordinar las exposiciones que del maestro Rafael Coronel se realizan en todo el mundo.

En 2011 se realizaron diferentes eventos para conmemorar el ochenta aniversario de su nacimiento en todo el país. En el Estado de Zacatecas, de donde es originario se han realizado diferentes exposiciones y eventos culturales para festejar al maestro, contando con su valiosa presencia en el mes de septiembre.

Se distinguen dos etapas en su obra: la primera figurativa, hasta 1960, y la segunda (a partir de 1970) abstracta, caracterizada por un estupendo manejo del color y la luz. Su plástica reproduce motivos prehispánicos. Sus pinturas tienen una sobriedad melancólica, e incluyen caras de los "últimos grandes amos", flotando a menudo en una calina difusa. Existe obra suya tanto en museos de México como en el extranjero.

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PINTURA

Wifredo Lam

En 1928 viajó a París, donde conoció a Picasso. A través de él entró en contacto con numerosos escritores y artistas del momento, entre ellos Michel Leiris, Joan Miró, Fernand Léger, Henri Matisse, Tristan Tzara, Paul Éluard, Georges Braque y Pierre Loeb. Este último organizó la primera exposición de Wifredo Lam en París.

Wifredo Lam nació el 8 de diciembre de 1902 en Sagua la Grande, en Cuba. Es el octavo hijo de Lam-Yam, nacido en Cantón hacia 1820 y emigrado hacia las Américas en 1860, y de Ana Serafina Castilla, nacida en 1862 en Cuba y descendiente mestiza de familias de origen español y africano.

A comienzos de la década de 1930 era evidente su influencia surrealista, así como la de Henri Matisse y también posiblemente la de Joaquín Torres García.

En 1936, al visitar una exposición de Pablo Picasso, se sintió fuertemente atraído hacia él, tanto artística como políticamente. En ese mismo año, ayudado por su amigo Faustino Cordón, se une como voluntario al Ejército Popular de la República en su lucha contra las tropas golpistas de Francisco Franco en el contexto de la guerra civil española. Dibuja carteles antifascistas y es encargado de la dirección de una fábrica de municiones. La violencia de los combates inspira su gran tela titulada La Guerra Civil.

En 1938 se fue a vivir a París, donde el propio Picasso lo tomó bajo su tutela y alimentó su interés por el arte africano y las máscaras primitivas. En ese mismo año viajó a México, donde permaneció con Frida Kahlo y Diego Rivera.

La variada herencia multicultural de Lam, así como su relación con la santería, se manifiesta extensamente en la obra del artista.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Lam vivió la mayor parte del tiempo en el Caribe junto con los también exiliados del nazismo Claude Lévi-Strauss, André Masson y André Breton, cuyo poema Fata Morgana Lam ilustró con seis dibujos en 1940. En 1941 regresó a La Habana, donde fue fuertemente influenciado por las teorías de Carl Jung.

A finales de 1942 comenzó su importante obra "La Jungla" (1943).

Lam desarrolló un estilo propio en el que combinaba el surrealismo y el cubismo con el espíritu y formas del Caribe.

Entre 1942 y 1950 realizó exposiciones regulares en la Pierre Matisse Gallery de Nueva York. Su segundo matrimonio, en 1944 con Helena Holzer, terminó en divorcio en 1950. En 1946, tras una estancia de cuatro meses en Haití, Lam regresó a Francia vía Nueva York.

En 1948 conoció a Asger Jorn, con quien trabó una amistad de muchos años.

Viajó intensamente hasta 1952, cuando permaneció tres años en París. En 1955 reanudó los viajes, y en 1960 se estableció en Albisola Mare, en la costa italiana. El invierno de ese año se casó con la pintora sueca Lou Laurin, con quien tuvo tres hijos.

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En 1964 recibió el Guggenheim International Award, y en 1966 y 1967 se realizaron numerosas retrospectivas de su obra en el Kunsthalle de Basilea, el Kestner-Gesellschaft de Hannover; el Stedelijk Museum de Ámsterdam , el Moderna Museet de Estocolmo y el Palais des Beaux-Arts de Bruselas.

Recibió numerosos premios y reconocimientos. Su obras se encuentran en los principales museos del mundo.

Se han subastado obras de Lam en todas las subastas de arte latinoamericano de prestigio mundial, alcanzando también los precios más altos (por ejemplo, 1 267 500 dólares por "La mañana verde", óleo/papel, 1943; Sotheby´s. Latin American Art. Sale #NY7140, 27 de mayo de 1998: lote 12).

Lam murió en París el 11 de septiembre de 1982. Está enterrado en su ciudad natal.

PINTURA

Robert Rauschenberg

Robert Rauschenberg nació en Port Arthur, Texas; el 22 de octubre de 1925-Captiva Island, Condado de Lee (Florida); 12 de mayo de 2008) fue un pintor y artista estadounidense, que alcanzó notoriedad en 1950 durante la transición del expresionismo abstracto al Pop-Art, del cual fue uno de los principales representantes en su país.

Estudió en el Instituto de Arte de Kansas City y en la Academia Julian en París, donde conoció a la pintora Susan Weil, con la que se casaría en 1950 y que sería la madre de su hijo, el fotógrafo Christopher Rauschenberg (1951-). En 1948 Rauschenberg y Weil decidieron ir al Black Mountain College en Carolina del Norte.

En el Black Mountain su maestro de pintura fue la renombrada figura de la Bauhaus, Josef Albers. Su estricta disciplina y sentido del método inspiraría a Rauschenberg, como él mismo dijo, para hacer "exactamente lo contrario" de lo que Albers le enseñó. El compositor John Cage, con cuya música Rauschenberg conectaría perfectamente, también asistió a la facultad de Black Mountain.

De 1949 a 1952 Rauschenberg estudió con Vaclav Vytlacil y Morris Kantor en la Liga de estudiantes de arte de Nueva York, donde conoció a los artistas Knox Martin y Cy Twombly.

Rauschenberg fue tal vez más famoso por su "Combines" de 1950, en la que materiales no tradicionales y objetos estaban empleados en combinaciones innovadoras. Si bien "Combines" es a la vez pintura y escultura, Rauschenberg también trabajó con fotografía, grabado, papel y en performance.

En 1953, Rauschenberg aturdió al mundo del arte borrando un dibujo de Willem de Kooning. Ese año se divorció de Susan Weil. En 1964 Rauschenberg fue el primer artista estadounidense en ganar el Gran Premio en la Bienal de Venecia.

(Mark Tobey y James Whistler habían ganado el Premio de Pintura). Desde entonces gozó de un raro grado de apoyo institucional.

En 1995 Rauschenberg fue galardonado con el Premio Mundial de Artes Leonardo da Vinci del Consejo Cultural Mundial.

Robert Rauschenberg vivió y trabajó en la ciudad de Nueva York y desde 1970 en Captiva Island, en la costa occidental de Florida.

Vivió sus últimos 25 años con el pintor Darryl Portoff.

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GRÁFICA

Nicolás de Jesús Pintor y grabador. Nació en 1960 en Ameyaltepec, municipio de Eduardo Neri, en la región del Alto Balsas. Esta comunidad pertenece a un pequeño grupo nahua conformado por los pueblos de Xalitla, San Juan Tetelcingo, San Agustín Oapan, Ahuehuepan, Ameyaltepec y Maxela, en el que hombres, mujeres, niños y ancianos son artistas del pincel, del trazo preciso y del color. Desgraciadamente, la pobreza del campo en la región, la falta de apoyos y el poco dinero que obtienen de sus pinturas sobre barro, yute, madera y, sobre todo, papel amate, los ha obligado a emigrar de sus lugares de origen.

La primera vez que Nicolás de Jesús cruzó la frontera, clandestinamente, una banda de racistas californianos le dio una gran paliza y lo abandonaron como muerto. Su obra refleja ese traumatismo, pero también su voluntad por superarlo; salvó la vida y se volvió pintor, sin negar sus orígenes, poniendo su identidad étnica al frente y confrontando su talento con el medio artístico de México, EU, Europa y Asia.

Este artista se ha dedicado, principalmente, a la pintura en papel amate, el cual se consigue en San Pablito,

municipio de Pahuatlán, en el estado de Puebla. Ahí se produce el papel amate amarillo, negro y blanco (aunque este último en menor escala). Esta industria se encuentra en peligro por la falta del árbol de amate, debido a la deforestación del territorio.

De sus raíces indígenas heredó, a través de generaciones, el arte del dibujo, la pintura y la escultura. Él define su obra como “arte náhuatl en ámatl”. Comunica sus sentimientos y los de su raza en las diversas obras que presenta en exposiciones, galerías y museos a nivel nacional e internacional, ya que es cofundador del Taller Mexicano de Grabado en Chicago y pertenece al grupo de Pintores Nahuas del Alto Balsas.

Los Pintores Nahuas del Alto Balsas (Ameyaltepec, San Agustín Oapan, Xalitla y Maxela) surgieron con este nombre en la

década de los 60 del Siglo XX. Son herederos de una tradición que data de la época prehispánica. Nicolás de Jesús, miembro de una segunda generación de artistas de este grupo de 187 pintores, de cuatro diferentes pueblos, se hizo acreedor, junto con otros, al Premio Nacional de Ciencias y Artes 2007 en la modalidad de Artes y Tradiciones Populares. Este premio se otorga cada año por medio de la Secretaría de Educación Pública.

En Guerrero, ha desempeñado el puesto de promotor cultural en la Secretaría de Educación Pública. Sus obras se identifican por el dominio del punteo en tinta china sobre el blanco papel amate; utiliza el nombre náhuatl Tlalnelhuáyotl (Tierra de Raíces). Enseguida, mostramos una de sus principales obras: el Árbol de la vida.

Características del arte

S

e le llama arte a una serie de actividades humanas de aspecto subjetivo, comunicativo y creativo que intenta obtener una finalidad estética. Esto significa que pretenden producir belleza, conmover, despertar reflexiones o sentimientos al usar la manipulación de materiales de distinta naturaleza.

Uno de los rasgos de mayor importancia en el arte es la posibilidad de perdurar en el tiempo, dando paso a que generaciones y culturas siguientes puedan conocer parte de las creencias, la historia, las sensibilidades y el lenguaje de la época y la sociedad en la cual fue creado. De esta manera el arte también constituye en ser un elemento histórico.

La voluntad de apreciar y de hacer el arte es común en cada una de las sociedades humanas desde el origen de la historia. El arte es una de las características que diferencian a los seres humanos de los animales porque este en sí mismo no posee utilidad evidente y no pretende obtener algún fin utilitario o práctico. Dicho de otra forma, el arte existe simplemente por existir.

Las personas que se dedican a crear el arte son llamados artistas. También están los que se especializan en clasificar, interpretar y estudiar el arte, a estos se les conoce por el nombre de críticos de arte.

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ESCULTURA

Franz Xavier Messerschmidt Messerschmidth creció en Munich, al cuidado de su tío el escultor Johann Baptist Straub, quien se convertiría en su primer maestro. Pasó dos años en Graz, en el taller de su otro tío materno, Philipp Jakob Straub. En 1755 se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Viena, donde fue discípulo de Jacob Schletterer. Una vez graduado, encontró empleo en la colección imperial de armas, donde entre 1760 y 1763 se labró su fama al producir su primera obra de arte conocida, los bustos en bronce de la emperatriz María Teresa y su marido Francisco de Lorena, y una serie de bajorrelieves del príncipe heredero y su mujer. Estas obras se enmarcan en el

barroco tardío, influenciado por la obra de Balthasar Ferdinand Moll. En este mismo estilo esculpió, bajo encargo del la emperatriz María Teresa, dos estatuas más de la pareja imperial entre 1764 y 1766. En su calidad de escultor de la corte de Viena, también trabajó en tallas religiosas y una serie de estatuas encargadas por la Princesa de Saboya.

Su período barroco terminó en 1769 cuando produjo un busto del médico de la corte, Gerard van Swieten, por encargo de la Emperatriz. En los siguientes años produjo obras de carácter neoclásico, sobre todo para la Academia de Viena. Sus obras neoclásicas parecen influenciadas por los bustos de la Roma republicana que pudo admirar en 1765 durante un viaje a Roma. Entre estas destaca el busto de Franz Anton Mesmer.

A partir de 1770, empezó a trabajar en lo que llamó bustos de caracteres, por los que es principalmente recordado.

El desarrollo de estos bustos tan característicos parece ligado a la paranoia y alucinaciones que Messerschmidt empezó a padecer en la década de 1770. Sus problemas mentales afectaron a sus relaciones con sus patrones y amigos, hasta el punto de que en 1774, cuando solicitó la plaza de profesor de la Academia (donde había enseñado desde 1769) que había quedado vacante, en vez de ser nombrado profesor fue expulsado.

El conde de Kaunitz, ministro principal de la Emperatriz María Teresa, alabó el talento de Messerschmidth al tiempo que lamentaba que su estado mental lo descalificaran para enseñar en la Academia.

A consecuencia de esto, y de su deterioro mental, abandonó Viena y en 1774 volvió a su pueblo natal,

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Wiesensteig, de donde fue invitado por la corte de Baviera en Munich. No obstante, no consiguió ningún encargo ni puesto en la corte bávara, por lo que en 1777 se mudó a Presburgo (actual Bratislava), donde su hermano Johann Adam Messerschmidth trabajaba de escultor. Pasó los últimos 6 años de su vida a las afueras de Presburgo, donde se dedicó principalmente a esculpir su colección de 69 bustos que representan 64 expresiones faciales exageradas, y por los que es principalmente recordado. Preso de sus alucinaciones y fobias, vivió apartado del mundo y se cree que murió de la Enfermedad de Crohn.

GRÁFICA

MC ESCHER

E

n 1919 y bajo presión paterna, empieza los estudios de arquitectura en la Escuela de Arquitectura y Artes Decorativas de Haarlem, estudios que abandonó poco después para pasar como discípulo de un profesor de artes gráficas, Samuel Jessurun de Mesquita. Adquirió conocimientos básicos de dibujo, y destacó por su técnica de grabado en madera o xilografía, que llegó a dominar con gran maestría.

los encargos especiales. Hacía, por ejemplo, esculturas en madera basadas en algunos de sus dibujos, y para algunas peticiones especiales reciclaba parte de las ideas y elementos de obras anteriores.

Quizás por ello en este período su producción sea tan fructífera y regular, y solo se verá interrumpida por la operación que sufrió en 1962, consecuencia de su debilitada salud. En 1969, con 71 años, realiza su grabado Serpientes donde demuestra sus facultades a pesar de su avanzada edad.

Entre 1922 y 1935 se traslada a Italia donde realiza diversos bocetos y grabados principalmente de temas paisajistas.

Abandona Italia debido al clima político de aquellas fechas, trasladándose a Suiza, y pasó algunos años allí, cuyo clima le resultó

En 1970 se traslada a la Casa Rosa Spier de Laren, al norte de los Países Bajos, donde los artistas podían tener estudio propio.

Murió dos años más tarde, en Hilversum, el 27 de marzo de 1972 a la edad de 73 años, y fue enterrado en el cementerio de Baarn.

A lo largo de su carrera realizó más de 400 litografías y grabados en madera, y también unos 2000 dibujos y borradores.

De muchos existen decenas de

muy desagradable y poco inspirador.

Añora el sur de Italia y lo frecuenta repetidas veces. También viaja a España, y en particular a Granada. Visita dos veces la Alhambra, la segunda vez de forma más detenida, copiando numerosos motivos ornamentales. Lo que aprendió allí contemplando los intrincados detalles decorativos fundados en repetidos patrones matemáticos por paredes y techos tuvo una profunda influencia en la obra de Escher, especialmente en la relacionada con la partición regular del plano y el uso de patrones que rellenan el horror vacui del espacio sin dejar ningún hueco.

En 1941 se muda a Baarn, Países Bajos, después de una estancia difícil en Bélgica durante la Segunda Guerra Mundial.

Parece que debido al habitual mal tiempo de esa región, donde los días soleados se

consideran una bendición, es por lo que abandona los motivos paisajísticos como modelos y se centra más en su propia mente, encontrando en ella una potentísima fuente de inspiración. Hasta 1951 vivió básicamente dependiendo económicamente de sus padres. A partir de entonces fue cuando comenzó a vender sus grabados y obtener un buen dinero por ellos. Esto le permitió vivir sus últimos años con una economía personal excelente. Generalmente hacía copias de las litografías y grabados por encargo.

También hizo por encargo diseños de sellos, portadas de libros, y algunas esculturas en marfil y madera. En cierto modo le resulta gratificante y a la vez fácil, y se admiraba de tener en su taller una especie de «máquina de fabricar billetes» reproduciendo sus propias obras.

Normalmente no usaba elementos de obras anteriores en las nuevas, excepto en

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Él mismo reconocería que no le interesaba mucho la realidad, ni la humanidad en general, las personas o la psicología, sino solo las cosas que pasaban por su cabeza.

En cierto modo era alguien introvertido, dicen incluso que de trato difícil, que prefería crear su propio universo.

reproducciones, cientos e incluso miles de otros. Al final de su carrera destruyó algunas de las planchas para que no se realizaran más reproducciones de originales. También existen estudios y borradores de muchas de sus obras, en ocasiones también varias versiones de algunas de ellas. Muchas de sus obras se vendieron masivamente poco después de su muerte y están esparcidas por el mundo.

Un grupo importante está expuesto de forma permanente en el Museo Escher en La Haya, Países Bajos.

Los expertos coinciden, y es bastante evidente examinando la mayor parte de sus obras, en que una de sus principales características es la dualidad y la búsqueda del equilibrio, la utilización del blanco y el negro, la simetría, el infinito frente a lo limitado, el que todo objeto representado tenga su contrapartida.

El análisis de sus obras, tal y como definió Bruno Ernst, uno de sus biógrafos y amigo personal, permite clasificarlas básicamente en tres temas y diversas categorías:

Como artista, M. C. Escher resulta difícil de clasificar. Se han hecho múltiples interpretaciones de sus obras, pero la realidad es que Escher no tenía grandes pretensiones ni mensajes que transmitir, sino que básicamente plasmaba lo que le gustaba. No basaba su trabajo en los sentimientos, como otros artistas, sino simplemente en situaciones, soluciones a problemas, juegos visuales y guiños al espectador. Visiones, en ocasiones, que le sobrevenían por las noches, que pasaban por su imaginación y que creía merecedoras de ser plasmadas en sus cuadros.

La estructura del espacio – Incluyendo paisajes, compenetración de mundo y cuerpos matemáticos.

La estructura de la superficie – Metamorfosis, ciclos y aproximaciones al infinito.

La proyección del espacio tridimensional en el plano – Representación pictórica tradicional, perspectiva y figuras imposibles.

Las obras más conocidas de Escher son probablemente las figuras imposibles, seguidas de los ciclos, metamorfosis y, directa o indirectamente, sus diversos trabajos sobre la estructura de la superficie y la partición regular del plano (patrones que rellenan el plano o teselado).

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Gran parte de su obra se guarda en el Museo Escher (Escher in het paleis) en La Haya (Países Bajos).

A pesar del amplio interés popular, Escher fue durante mucho tiempo un tanto descuidado en el mundo del arte; incluso en su Holanda natal, tenía 70 años antes de que se realizará una exposición retrospectiva.

En el siglo XXI, se han celebrado importantes exposiciones en ciudades de todo el mundo.

Una exposición de su trabajo en Río de Janeiro atrajo a más de 573,000 visitantes en 2011; su número de visitantes diarios de 9,677 lo convirtió en la exposición de museo más visitada del año, en cualquier parte del mundo. No se realizó ninguna gran exhibición del trabajo de Escher en Gran Bretaña hasta 2015, cuando la Galería Nacional de Arte Moderno de Escocia realizó una en Edimburgo de junio a septiembre de 2015, moviéndose en octubre de 2015 a Dulwich Picture Gallery, Londres. La exposición se trasladó a Italia en 2015-2016, atrayendo a más de 500,000 visitantes en Roma y Bolonia, y luego en Milán.La fama de Escher en la cultura popular creció cuando su trabajo fue presentado por Martin Gardner en su columna de "Juegos matemáticos" de abril de 1966 en Scientific American.

Las obras de Escher han aparecido en

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muchas portadas de discos, incluida The Scaffold’s 1969 the P con Ascending and Descending; el álbum homónimo de 1969 de Mott the Hoople con Reptiles, Beaver & Krause 1970 In A Wild Sanctuary with Three Worlds ; y Puzzle de Mandrake Memorial de 1970 con House of Stairsy (adentro) Curl Up. En otras latitudes, el cantautor Luis Alberto Spinetta utilizó su obra "El charco" para el arte de tapa de su disco "Invisible" (1974), considerado uno de los discos icónicos del rock argentino.

Sus obras han sido similarmente utilizado en muchas cubiertas para libros, incluidas algunas ediciones de Edwin Abbott Flatland, que utiliza tres esferas; E.H. Gombrich Meditaciones sobre un caballo de la afición con el jinete; las cabezas de Pamela Hall que pierdes con relleno de avión 1 ; Patrick A. Horton está dominando el poder de la historia con Drawing Hands ; Patrones de diseño de Erich Gamma.

Elementos de software orientado a objetos reutilizables con cisnes; y la Representación del Conocimiento de Arthur Markman con Reptiles. El "Mundo de Escher" comercializa carteles, corbatas, camisetas y rompecabezas de las obras de Escher. Tanto Austria como los Países Bajos han emitido sellos postales que conmemora al artista y sus obras.

Cuadros que se vendieron más caros para ser famosos y rompiendo records.

'El sueño' (1932), Pablo Picasso Esta colorista pintura muestra a la entonces esposa del pintor malagueño, Marie-Thérèse Walter, echándose la siesta. Al parecer, lo pintó en una sola tarde, y pertenece al período surrealista de Picassso. Fue comprado en 1941 por un matrimonio neoyorkino al precio de 7.000 dólares; tras pasar por diferentes manos, el multimillonario americano Steven Cohen pagó por él más de 147 millones de euros en 2006.

Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907), Gustav Klimt También conocido como 'La dama de oro', esta obra fue adquirida en 2006 por más de 147 millones de euros por Ronald Lauder para su Neue Galerie de Nueva York, donde se exhibe desde entonces. La historia de la mujer retratada inspiró en 2007 una película protagonizada por Helen Mirren, un filme que contaba cómo esta mujer austríaca reunía en su casa a la crème de la crème de la sociedad vienesa, desde Stefan Zweig a Gustav Mahler, pasando por Gropius y, claro está, el propio Klimt.

'Mujer III' (1952-53), de Willem de Kooning A principios de los 50, este pintor americano expresionista realizó una serie de cuadros de mujeres en las que expresó su visión femenina, totémica e inspirada en las figuras prehistóricas y mesopotámicas. La tercera de esta serie fue a parar a manos, otra vez de Steven Cohen, el multimillonario y coleccionista de arte que, en este caso, desembolsó más de 150 millones de euros por él.

¿Cuándo te casas?' (1892), de Paul Gauguin 'Nafea Faa Ipoipo' es el auténtico nombre de esta preciosa obra de Gaugin, que se vendió a principios de este año por más de 278 millones de euros. Es la pintura más cara de la historia (por ahora) y fue a parar a manos de un coleccionista de arte catarí. La obra es uno de los trabajos más conocidos de la fase tahitiana del pintor francés, que antes había pertenecido a una colección privada suiza y también al Kunstmuseum de Basilea.

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“Salvator Mundi”, el cuadro más caro del mundo, adquirido en 450 millones de dólares, presumiblemente por representantes del príncipe saudita Mohamed bin Salmán, habría sido pintado en el taller de Leonardo da Vinci pero no por el maestro, según un documental de Antoine Vitkine.

Vitkine investigó la obra, comprada en mal estado por 1.175 dólares por un marchante de arte neoyorkino en 2005 y restaurada en Estados Unidos, informó la agencia de noticias AFP. La pintura fue autentificada como un verdadero Da Vinci por expertos británicos y vendida a un ciudadano ruso que la puso a la venta en una subasta en noviembre de 2017.

Fuentes internas del gobierno francés, citadas en el documental que se exhibe en Francia, aseguraron que los sauditas pidieron que un perito examinara el cuadro, porque el Louvre cuenta con un laboratorio para analizar de obras de arte, y que el estudio pericial reveló que “Leonardo tan solo contribuyó con el cuadro”.

El documental plantea que bin Samán quería prestar la obra al Louvre para exponerla junto a La Gioconda en la gran exposición de 2019 dedicada a Da Vinci, a 100 años de su muerte, y así “dejar fuera de toda sospecha” su autoría.

“Antoine Vitkine se puso en contacto con el Louvre pero nosotros no deseamos responder a sus preguntas, pues el cuadro no fue prestado durante la retrospectiva de Leonardo da Vinci”, dijeron voceros del Louvre a la agencia AFP.

$ 78.100.000. Le Moulin de la Galette, Pierre-Auguste Renoir

(Violeta, verde y rojo)’ (1946), de Mark Rothko Otro pintor expresionista americano en nuestro listado; son de los más buscados por los coleccionistas. Esta hermosa pintura de tono tricolor es una auténtica obra de arte por la que se llegó a pagar más de 172 millones de euros.

104.200.000 dólares. Garçon à la pipe, de Pablo Picasso

'Las mujeres de Argel, versión O’ (1955), Pablo Picasso Esta obra del pintor malagueño puede preciarse de ser el cuadro más caro vendido en subasta: más de 166 millones de euros se pagaron la pasada primavera en Christie'sNueva York por él. Esta obra es una versión de un cuadro de Delacroix y forma parte de una serie de pinturas que Picasso realizó en homenaje a sus artistas preferidos. Ahora cuelga en alguna parte de la mansión del antiguo primer ministro de Qatar, Hamad bin Jassem bin Jabr Al Thani.

'Los jugadores de cartas’ (1892-1893), de Paul Cézanne Más de 254 millones de euros pagó la familia real de Qatar por esta magnífica obra de arte de Cézanne, considerada por muchos críticos como la primera pintura cubista de la historia.

Fue una obra rompedora en su momento, con los rostros que se desvanecen y con una clara influencia de la fotografía. Existen otras dos versiones de este cuadro, una en el Museo de Orsay y el Courtauld Institute of Art de Londres.

'Desnudo acostado (1917-1918) de Amadeo Modigliani Ha sido el último cuadro en saltar a la prensa por alcanzar el pasado 9 de noviembre más de 158 millones de euros en una subasta en Christie's-Nueva York, el segundo precio más alto pagado en una subasta de arte.

El afortunado nuevo propietario es Liu Yiqian, un antiguo taxista que, invirtiendo y especulando en Bolsa, se convirtió en multimillonario y últimamente se está dedicando a adquirir una buena colección de arte.

Nº 5, 1948', de Jackson Pollock En su momento, fue el cuadro más caro de la historia, y es que esta obra maestra temprana del maestro americano bien vale los casi 154 millones de euros que se pagaron por él. La pintura, con óleos grises, marrones, blancos y amarillos sobre fibra vulcanizada, acaba conformando lo que mucha gente percibe como un denso nido de pájaros.

$ 76.7 millones. Masacre de los inocentes por Peter Paul Rubens, 1610.

Retrato del doctor Gachet (1890), Vincent Van Gogh El pintor holandés hizo dos versiones de este cuadro; una primera en colores más oscuros y en la que la planta (una digital) aparece metida dentro de un vaso, y otra más clara con la planta apoyada sobre la mesa. Esta se encuentra en el Museo de Orsay; la primera, al parecer, en alguna parte desconocida del planeta. El retrato del médico personal del pintor se vendió en 1990 en Christie's Nueva York por más de 141 millones de euros.

$ 80 millones. Turquesa Marilyn de Andy Warhol, 1964-2007

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$ 86.300.000 dólares.

Tríptico de Francis Bacon , 1976.

FOTOGRAFÍA

Henry Cartier-Bresson Un elefante camina hacia el agua en Amboseli National Park, Kenya Foto: Pieter Ras

Enrique Bostelman

Sebastiao Salgado Blanca Charolet

Robert Capa en Ciudad de México

Flor Garduño

Bailarina subacuática en Protea Banks, en la costa de KwaZulu-Natal, Africa del Sur Foto: Pier Mane

Imágenes del cine que se convirtieron en iconos

El ciudadano Kane Orson Welles

Alien el 8vo pasajero Sigourney Weaver

Conde Drácula Béla Lugosi

El Padrino Marlon Brandon

El Padrino Marlon Brandon

María Candelaria Dolores del Río y Pedro Almendaris

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DISEÑO

Lance Wyman Lance Wyman (Newark, Estados Unidos, 1937)es un diseñador gráfico estadounidense. Se formó en el Pratt Institute, en Brooklyn, y desarrolló gran parte de su carrera profesional en México, donde realizó la mayoría de sus diseños más conocidos. Entre sus obras más representativas, se encuentran el logotipo de los Juegos Olímpicos de México 1968 y la gráfica institucional del Metro de la Ciudad de México, y el logo de Movilidad Integrada de la Ciudad de México mismos que llevó a cabo supervisado por el arquitecto Eduardo Terrazas, bajo la dirección del arquitecto y organizador de los juegos de la XIX Olimpiada, Pedro Ramírez Vázquez.

Nació en Newark, Nueva Jersey en el año de 1937. Los primeros 19 años de su existir los vivió en las cercanías del Río Passaic. Su padre trabajó en un barco de pesca comercial, lo que le permitió navegar el Atlántico con él durante su época de estudiante. El joven Lance pasó su juventud en la zona industrial de Kearny trabajando en sus vacaciones con el fin de reunir recursos para pagar sus estudios universitarios.

En 1960 se graduó de Pratt Institute en Brooklyn, Nueva York en Diseño Industrial. En ese momento el diseño gráfico era una influencia europea que estaba introduciéndose en las universidades americanas.

Cuando encontró a un estudiante de Diseño de Logotipos con Paul Rand en Yale, supo que diseñar logotipos era lo suyo. Empezó su carrera en Detroit, Míchigan, primero en General Motors, en donde participó en un programa de verano para estudiantes en el diseño de logos hipotéticos para GM. Fue en General Motors que realizó su primer trabajo profesional, con el diseñó de empaque para Delco "partes automotrices" y se crearon 1.200 empaques.

Después en la oficina de William Schmidt Asociación, en donde hizo los gráficos en 1962 para el Pabellón de EE. UU., en la feria de muestras en Zagreb, en aquel entonces Yugoslavia. El tema de la exhibición era "el Ocio Time"(Tiempo de descanso en inglés).

Creó un logotipo del reloj de arena con un sol e imagen de la luna en la cima y lo montó como la entrada a la exhibición.

Fue su primera experiencia en la construcción de un logotipo en un ambiente tridimensional.

Posteriormente realizó gráficos para el pabellón Chrysler de la Feria Mundial de 1964, que consistían en una serie de islas con diseños para niños, utilizó el tema de una mano señalando las diferentes direcciones, lo que le dio la idea de que los logos podrían tener un papel importante en un programa total de diseño. La identificación de un evento como son las olimpiadas no es cosa de juego pero si del juego visual con tonos históricos y políticos. La identidad debería justificar la aptitud del lugar de origen; sus costumbres sobrevivientes de la mezcla de culturas, sus comidas; sus contornos; su música; su arte; ¿Quién en México estaba equipado para organizar sistemáticamente un programa de esa magnitud? El Diseño Gráfico, como era conocido en Europa y los Estados Unidos, estaba prácticamente en desarrollo en México, según Arthur Solin, y, en los últimos diez años debido a su economía, estaba preparado para dar el gran paso para que fuese utilizado como parte de un sistema más amplio de comunicación –como ya lo hacía en otras sociedades que se enfrentaban con problemas de identidad, problemas, donde el diseño gráfico, tuvo una gran influencia en la atención a las necesidades y en la elaboración de productos, diferenciando entre la gran competencia de productos y servicios.

Es por ello que se necesitaba a un diseñador de marca que diseñara un programa congruente y logístico.En 1968, el sistema de comunicación, ideado por Pedro Ramírez Vázquez , desarrollado por Wyman para los

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Olimpiadas de 1968 incluyó la colaboración de Eduardo Terrazas y Manuel Villazón. Ellos desarrollaron pictografías que mostraban el equipo deportivo utilizado en cada evento, lo que logró una identificación inmediata.

También desarrolló con Beatrice Colle, José Luis Ortiz y Eduardo Terrazas los iconos de los 19 eventos culturales, los cuales colocó usando como fondo la silueta que da el 68. Los iconos de los servicios fueron desarrollados de tal forma que pudieran ser entendidos fácilmente por los atletas participantes, sin importar su nacionalidad o lengua.

El mexicano José Luis Ortiz Téllez, proveniente de Escuela Nacional de Artes Plásticas quien colaboró desde principios de 1967, bajo la dirección de Wyman desarrolló el alfabeto olímpico al estilo del México 68, así como titulares para continuar con el juego cinético con transiciones direccionales de líneas paralelas a las formas, objetos, letras, números, palabras y locaciones sugiriendo movimiento o desplazamiento a su alrededor.

Enseguida fue terminar los símbolos deportivos; los símbolos culturales como parte de la señalética en las locaciones deportivas; los programas culturales; el desarrollo de los timbres postales por Wyman; la elaboración de carteles y apoyo gráfico para el departamento de Publicaciones y de Ornato Urbano en un sistema consistente; imagen, tipografía, fotografía, paleta de colores, redacción y todo lo que atañía a la comunicación de las olimpiadas.

ARQUITECTURA

Pedro Ramírez Vázquez Pedro Ramírez Vázquez nació en la Ciudad de México, México; 16 de abril de 1919 - 16 de abril de 2013 fue un arquitecto, urbanista, diseñador, escritor, editor y funcionario público mexicano. Dentro de las obras más representativas en las que trabajó se encuentran el Estadio Aztecade 1962, el Museo de Antropología de Méxicode 1963, el Estadio Cuauhtémoc de la ciudad de Puebla de 1968, la Nueva Basílica de Guadalupe de 1976 y el Palacio Legislativo de San Lázaro de 1977.emia Internacional de Arquitectura y del Colegi Pedro Ramírez Vázquez fue autor de varios proyectos icónicos en México y otras partes del mundo. Durante el gobierno de José López Portillo fue Secretario de Asentamientos Humanos y Obras Públicas.

Ingresó a la Universidad Nacional Autónoma de México, donde impartió cátedra como maestro. Fue presidente del Colegio, y de la sociedad de arquitectos de México, durante tres periodos consecutivos (1952 a 1958). En 1968 fue presidente del Comité Organizador de los Juegos Olímpicos de 1968 que se celebraron en la Ciudad de México, y diseñó su afiche oficial y su emblema. Fue presidente del Comité Olímpico Mexicano. Fue ganador del Premio Nacional de Bellas Artes en 1973.

En 1976 el presidente José López Portillo lo designó como secretario de Asentamientos Humanos y Obras Públicas, cargo en el que permaneció los seis años del gobierno; al concluir, continuó el ejercicio de su profesión.

Fue fundador y primer rector de la Universidad Autónoma Metropolitana. Fue doctor honoris causa por varias universidades como la Universidad Nacional Autónoma de México y la Universidad de Colima. Recibió múltiples premios y distinciones, como el Premio a la Vida y Obra, galardón otorgado por el Premio Obras Cemex que le fue otorgado en 2003.

Falleció el 16 de abril de 2013, misma fecha en la que cumplió los 94 años.

DISEÑO INMOBILIARIO El espíritu creativo de Pedro Ramírez Vázquez, no se limitó a la arquitectura, ya que también abarcó el diseño de mobiliario, tanto para interiores, como mobiliario urbano. Esta actividad se inició en los años 50´s, con el diseño de una silla de madera con piel. A principio de los años 70´s, desarrolló una línea de mobiliario en placa de acero con diferentes acabados, que abarcaron sillas para interior y exterior, mesas de centro, y mesas de comedor. Todo en diferentes diseños, formas y tamaños, así como algunos muebles en madera.

Con el mismo concepto, en placa de acero diseñó bancas para mobiliario urbano, entre ella varios modelos "tu y yo" característicos del Estado de Yucatán, y señalización urbana en gran formato, dichos diseños se aplicaron en el Estado de México, durante el gobierno del Profesor Carlos Hank González.

Es en esta época en que diseña el equipal contemporáneo, inspirado en el equipal tradicional mexicano, poniendo de manifiesto su principio de expresar en forma actual, las constantes culturales en cuanto a mobiliario típico.

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FOTOGRAFÍA

Helmut Newton De origen judío, nació en Berlín, en el año 1920. Compró su primera cámara en 1932 con sus ahorros, a la edad de 12 años: era una Agfa Tengor Box. La cámara venía con carrete. Sus primeras fotos fueron en el metro, y todas las fotos se velaron, a excepción de una. En 1938, justo cuando comenzó la persecución contra los judíos, abandonó Alemania hacia Singapur con dos cámaras, una Kodak y una Rolleicord. A su llegada a Singapur, la comisión encargada de recibir a los refugiados le consiguió un trabajo como fotógrafo en uno de los diarios más importantes de Singapur, el Straits Times. Es ahí donde comenzó su carrera fotográfica. Su trabajo consistía en hacer fotos para la sección de sociedad; el estilo de las fotografías de Helmut Newton no gustaba en el periódico, y fue despedido al poco tiempo.

Helmut Newton no gozaba del apoyo de su padre. Si no hubiera tenido que huir a Singapur, su padre habría insistido en que él trabajase en su fábrica de botones.

De Singapur fue deportado a Australia.

Y al ser alemán, estuvo un período en un campo de internamiento.

Posteriormente fue alistado por el ejército australiano hasta el final de la II Guerra Mundial. Después de abandonar el ejército, cambió su apellido Neustädter por Newton.

Después de la guerra, puso su propio estudio de fotografía en Melbourne y continuó ese punto. Es por esa época cuando conoció a la que más tarde sería su mujer, June Browne. Más tarde, para completar su formación en el campo de la moda, marchó a Londres por dos años. Dejando atrás su etapa en Londres, viajó a París para trabajar en revistas especializadas en moda como Vogue o Elle. Tras tanto viajar, es en

Helmut Newton nació el 31 de octubre de 1920 / 23 de enero de 2004 fue un fotógrafo australiano de origen alemán que se considera uno de los más importantes del siglo XX. Crea un nuevo estilo propio en sus fotografías, repletas de glamour y seducción y en las que predominan los desnudos femeninos y los tacones de aguja.

París donde fijó su residencia habitual.

Allí, su carrera como fotógrafo de moda empieza a tener reconocimiento mundial, convirtiéndose en uno de los de más éxito. Los últimos años de Newton discurrieron entre las ciudades de Nueva York y Montecarlo.

El trabajo de Newton tiene un estilo propio que hace reconocer su obra por donde se la observe. Fotos llenas de glamour, seducción y elegancia han sido portada de las más prestigiosas revistas.

Son famosas las fotos de bellas mujeres en ambientes lujosos donde algunas de ellas se han convertido en una imagen icónica del siglo XX. Newton fue un enamorado de la belleza, la que casi obsesivamente lograba captar como nadie con su cámara.

Newton. Además de las fotografías, se proyectó un fragmento de un documental grabado por June; en él, June contesta, como sigue, a la pregunta de si alguna vez se ha sentido celosa por el trabajo de su marido: Solo me preocupé una vez, cuando empezó a fotografiar flores; en concreto, flores muertas.

Jude Newton

Para conocer parte de sus obras —objetos personales tales como cámaras, bolsas de material y artículos usados para fotografiar—, se puede visitar la Fundación Helmut Newton, Museum für Fotografie, Jebensstrasse, Berlín.

El 23 de enero de 2004, Helmut Newton murió en un accidente de tráfico en Los Ángeles. Además de su enorme legado fotográfico, nos ha dejado su autobiografía, que se ha publicado recientemente.

Del 24 de marzo de 2012 al 17 de junio de 2012, el Grand Palais de París acogió la primera retrospectiva de Helmut Newton. Se expusieron 200 fotografías seleccionadas por su mujer, June

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En este mismo video, Helmut Newton explica lo que es para él una buena fotografía de moda: Una buena fotografía de moda debe parecer cualquier cosa menos una fotografía de moda: un retrato, una foto recuerdo, una de paparazzi...

Helmut Newton

PINTURA

Igor Volos Igor V. Volosnikov nació en 1964 en los Urales, en Kirov. Estudió arte en MGPU (llamado así por Stroganov) así como Restauración de pintura monumental, después de lo cual ayudó a restaurar un templo en Sao Paulo (Brasil) construido por los Bibikovs, una familia de la nobleza real.

Igor ha expuesto su obra en galerías privadas de España, Italia y Argentina, principalmente de Paisajes Marinos y Surrealismo. Las pinturas se utilizaron para el Tipper Show en el Saeger Theatre de Nueva Orleans.

Fue galardonado con los títulos de Académico de la EAEN, Caballero de la Orden Fabergé, Ciudadano de Honor de Hannover con el premio de la Orden de Leibniz y un diploma de la Academia Europea de Ciencias Naturales al otorgarle el título de Doctor.

A Igor le gusta explorar la costa oeste de América del Norte y le gustan especialmente las tradiciones indígenas de los Estados Unidos.

La creatividad del artista es multifacética.

Siempre aprende nuevas técnicas, direcciones y estilos de actuación.

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PINTURA

Eduard Manet Nació en París el 23 de enero de 1832, en una familia acomodada. Sus días escolares pasaron sin acontecimientos destacables y terminó su formación sin obtener la calificación necesaria para estudiar derecho, para decepción de su padre, que era magistrado. Sus primeros contactos con el arte se produjeron en la etapa escolar.

A los dieciséis años viajó a Río de Janeiro como marinero en prácticas, con intención de ingresar en la Academia Naval Francesa.

Con el consentimiento paterno, decide iniciar los estudios en el taller de Thomas Couture. Las clases se complementaban con visitas a museos. En 1856 abandona el taller ya que consideraba anticuadas las enseñanzas del maestro. Estuvo casi seis años como alumno de Thomas Couture, un pintor muy estrecho de miras como profesor. Al mismo tiempo pudo copiar en el Louvre cuadros no

Salones oficiales, aunque le rechazaran.

Afirmaba que «no tenía intención de acabar con los viejos métodos de pintura ni de crear otros nuevos». Sus objetivos no eran compatibles con los de los impresionistas, por mucho que se respetaran mutuamente.

La notoriedad de Manet, al menos en las etapas tempranas de su carrera, se debió más a los temas de sus cuadros, considerados escandalosos, que a la novedad de su estilo. Hasta mediados de la década de 1870 no empezó a utilizar técnicas impresionistas. En este sentido, Bownes se muestra bastante convincente al demostrar que, de joven, sin llegar a considerarse un innovador,

solo de Tiziano y Rembrandt, sino también de Goya, Delacroix, Courbet y Daumier. De Couture aprendió que para ser un gran maestro hay que escuchar las enseñanzas de los que lo han sido en el pasado.

De todos los artistas de su tiempo, Manet fue quizás el más contradictorio.

Aunque se le consideraba un personaje controvertido y rebelde, Manet se pasó casi toda su vida buscando la fama y la fortuna y, lo que quizás sea más importante, un pintor que ahora es aceptado como uno de los grandes, solía mostrarse inseguro de su dirección artística y profundamente herido por las críticas hacia su obra. Tuvo que esperar al final de su vida para conseguir el éxito que su talento merecía. Pese a que se le considera uno de los padres del Impresionismo, nunca fue un impresionista en el sentido estricto de la palabra. Por ejemplo, jamás expuso con el grupo y nunca dejó de acudir a los

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Manet sí trataba de hacer algo nuevo: buscaba crear un tipo libre de composición que estaría, sin embargo, tan herméticamente organizada en su superficie como los cuadros de Velázquez.

En 1859 presentó por primera vez al Salón su Bebedor de absenta, un cuadro que permitía sin problemas adivinar su adoración por Frans Hals, pero que provocó una turbulenta reacción en el público y en el jurado, inexplicable sin duda para un Manet que durante toda su vida lo único que buscó fue el éxito dentro de la respetabilidad.

El tono general de la obra de Manet no es el de un pintor radical únicamente preocupado por el mundo visual. Es un sofisticado habitante de la ciudad, un caballero que se ajusta en todo al concepto decimonónico de dandi: un observador distante, refinado, que contempla desde una elegante distancia el espectáculo que le rodea. Desde este punto de vista, Manet concluye el que será, sin duda, uno de sus cuadros más escandalosos, rechazado en el Salón de 1863 y expuesto en el de los Rechazados, Almuerzo sobre la hierba.

PINTURA

James Rosenquist James Rosenquist (Grand Forks, Dakota del Norte, Estados Unidos; 29 de noviembre de 1933-Nueva York, 31 de marzo de 2017) fue un artista estadounidense del Pop Art. Estando en el primer ciclo de secundaria, Rosenquist obtuvo una beca limitada para estudiar en la Escuela de Arte de Minneápolis.

Posteriormente estudió pintura en la Universidad de Minnesota desde 1952 hasta 1954. En 1955 se trasladó a Nueva York con una beca para estudiar en la Liga de Estudiantes de Arte, donde estuvo hasta 1959. En ese centro recibió clases de Robert Indiana y Jack Youngerman. Allí conoció, además, a George Grosz.

identifican con facilidad y que no portan ningún significado simbólico. Y los trata en grandes formatos (cuadros, environments) con un lenguaje propio de la publicidad. A veces una figuración realista, amplificada como en los grandes carteles publicitarios, acaba siendo, si se mira muy de cerca, una forma abstracta. Eso hace Rosenquist: tomas fragmentos de la realidad y representarlos a gran tamaño.

Participó en documenta IV y VI de Kassel (años 1968 y 1977). Experimentó con técnicas de cine (1969) así como con trabajos en video (1970). Durante los años setenta fue activista en oposición a la guerra de Vietnam.

También se distinguió por la lucha en defensa de los derechos del artista en la sociedad democrática. Residió en Aripeka, Florida, desde 1983.

Abrió el taller en el mismo barrio que Indiana y Kelly. Desde 1957 hasta 1960, se ganó la vida como diseñador, escaparatista y pintor de grandes carteles publicitarios con colores fluorescentes. Este era el entrenamiento perfecto, según se vio después, para un artista que luego estallaría en la escena pop art. Rosenquist hábilmente aplicó técnica de pintura de signos a las pinturas a gran escala que empezó a crear en 1960. Como otros artistas pop, Rosenquist adaptó el lenguaje visual de la publicidad y la cultura pop (a menudo graciosa, vulgar y extravagante) al contexto de las Bellas Artes. En 1963 le encargaron un mural para el pabellón del Estado de Nueva York. Rosenquist consiguió la fama internacional en 1965, con su mural de tamaño gigante F-111 de 3 x 26 metros. Se expuso en museos de todo el mundo. Esta obra, F-111 se menciona en un capítulo de Polaroids from the Dead de Douglas Coupland.

Desde 1983 incluye elementos mecánicos en sus obras, a modo de crítica contra la devoción a la tecnología. Además de pintar, produjo una amplia serie de grabados, dibujos y collages. Una de sus láminas, Time Dust (1992), se cree que es la más grande del mundo, y mide aproximadamente 2 x 11 metros.

Rosenquist recibió numerosos honores, incluyendo una selección como «Art In America Young Talent USA» en 1963, nombramiento por un plazo de seis años para la junta del Consejo Nacional de las Artes en 1978, y recibiendo el Premio

Su especialidad era coger imágenes fragmentarias, extrañamente desproporcionadas y combinarlas, superponerlas, y yuxtaponiéndolas en lienzos para crear historias visuales. Esto puede dejar sin aliento al espectador, haciendo que consideren incluso los objetos más familiares (un remolque, o una caja de detergente, etcétera) de las maneras más abstractas y provocativas.

Escoge objetos simples que se

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Golden Plate en 1988. En 2002, la Fundación Cristóbal Gabarrón le confirió su premio anual internacional de las artes, en reconocimiento a sus grandes contribuciones a la cultura universal.

Desde sus primeras retrospectivas en 1972 organizadas por el Museo Whitney de Arte Estadounidense, Nueva York, y el Museo Wallraf-Richartz, Colonia, ha sido objeto de varias exposiciones de galerías y museos, tanto en los Estados Unidos como en el extranjero. Siguió produciendo encargos de gran tamaño, incluyendo la suite en tres partes The Swimmer en el Econo-mist (1997-1998) para el Deutsche Guggenheim, Berlín, Alemania, y un cuadro planeado para el techo del Palacio de Chaillot en París, Francia. Su obra ha influido en generaciones más jóvenes de artistas.

Museo del Estanquillo Ciudad de México

El museo del Estanquillo se encuentra localizado en el Centro Histórico de la Ciudad de México, México. El museo da cabida a la colección personal del escritor Carlos Monsiváis que abarca pinturas, fotografía, juguetes, álbumes; calendarios, publicidad y libros.

Carlos Monsiváis durante más de 30 años se dedicó al coleccionismo, adquiriendo alrededor de 12,000 objetos, que se han agrupado en fotografía, miniatura y maquetas; dibujo y caricaturas; grabado y vida cotidiana. En general, la colección tiene como centro la vida de México y el arte popular.

La idea del museo fue apoyada por Rafael Barajas el Fisgón, Carlos Payán, Carlos Slim.

El nombre fue acuñado por el propio Carlos Monsiváis dado que su colección abarca

objetos tan disímiles. Se entiende por estanquillo una pequeña tienda de artículos variados. El 23 de noviembre de 2006 se inauguró el museo con la exposición En orden de aparición acerca de la identidad del capitalino desde la Colonia hasta nuestros días El museo se encuentra en el edificio Longoria, construido en 1890 por los arquitectos Eleuterio Méndez y Francisco Serrano. Éste albergaba a fines del siglo XIX la joyería La Esmeralda Hauser-Zivy y compañía. A lo largo del siglo XX el edificio tuvo varios giros, de joyería a oficina de gobierno, después a banco; incluso albergó la discoteca La Opulencia. En la actualidad, también alberga una tienda de discos.

Fortín Álvarez, Colonia La Mira Acapulco Gro. colectivo.mira.cultura@gmail.com

Todos los Martes a las 12 AM www.econciencia.com/radio

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Museo Nacional del Prado

E

l Museo del Prado, cuyo nombre oficial es Museo Nacional del Prado, en Madrid, España, es uno de los más importantes del mundo, así como uno de los más visitados (el decimoctavo en 2013 entre los museos de arte), y está considerada la institución cultural más importante de España, según el Observatorio de la Cultura de 2020, estudio realizado entre varios centenares de profesionales del sector. Singularmente rico en cuadros de maestros españoles y de varias escuelas pictóricas del resto de Europa entre los siglos XV y XVIII, y españoles del XIX, según manifestó el historiador del arte e hispanista Jonathan Brown «pocos se atreverían a poner en duda que es el museo más importante del mundo en pintura europea».

Su principal atractivo radica en la amplia presencia de Velázquez, el Greco, Goya (el artista más extensamente representado en el museo),Tiziano, Rubens y el Bosco, de los que posee las mejores y más extensas colecciones que existen a nivel mundial, a lo que hay que sumar destacados conjuntos de autores tan importantes como Murillo, Ribera, Zurbarán, Fra Angelico, Rafael, Veronese, Tintoretto, Durero, Patinir, Antonio Moro, Van Dyck o Poussin, por citar solo algunos de los más relevantes.

de piezas expuestas ronda las 1700, y cuando se rehabilite el edificio del Salón de Reinos se colgarán en él entre 250 y 300 pinturas más.

Alfonso E. Pérez Sánchez, antiguo director de la institución, afirmaba que «representa a los ojos del mundo lo más significativo de nuestra cultura y lo más brillante y perdurable de nuestra historia».

Al igual que otros grandes museos europeos, como el Louvre de París y los Uffizi de Florencia, el Prado debe su origen a la afición coleccionista de las dinastías gobernantes a lo largo de varios siglos. Refleja los gustos personales de los reyes españoles y su red de alianzas y sus enemistades políticas, por lo que es una colección asimétrica; algunos artistas y estilos tienen un repertorio insuperable, y por el contrario otros se hallan representados nula o escasamente.

El inventario de bienes artísticos comprendía, a febrero de 2017, más de 35 000 objetos, desglosados en 8045 pinturas, 9561 dibujos, 5973 estampas y 34 matrices de estampación, 971 esculturas (además de 154 fragmentos), 1189 piezas de artes decorativas, 38 armas y armaduras, 2155 medallas y monedas, por encima de 15 000 fotografías, 4 libros y 155 mapas.

Por endémicas limitaciones de espacio, el museo exhibía una selección de obras de máxima calidad (unas 900), por lo que era definido como «la mayor concentración de obras maestras por metro cuadrado». Con la ampliación de Rafael Moneo, inaugurada en 2007, se previó que la selección expuesta crecería en un 50 %, con unas 450 obras más. Además, en 2018 se reabrieron las salas del ático norte, tras lo cual el total

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No. 8 Año 1, Agosto de 2022

Solo desde el siglo XX se procura, con resultados desiguales, solventar algunas ausencias.

El Prado no es un museo enciclopédico al estilo del Museo del Louvre, el Hermitage, el Metropolitan, la National Gallery de Londres, o incluso (a una escala mucho más reducida) el vecino Museo Thyssen-Bornemisza, que tienen obras de prácticamente todas las

escuelas y épocas. Por el contrario, es una colección intensa y distinguida, formada esencialmente por unos pocos reyes aficionados al arte, donde muchas obras fueron creadas por encargo. El fondo procedente de la Colección Real se ha ido complementando con aportaciones posteriores, que apenas han modificado su perfil inicial, puesto que, a diferencia de lo habitual en las pinacotecas nacionales de otros países, los esfuerzos, más que a completar las faltas, han ido dirigidos a reforzar el núcleo esencial.

Muchos expertos la consideran una colección «de pintores admirados por pintores», enseñanza inagotable para nuevas generaciones de artistas, desde Manet, Mary Cassatt, Renoir, ToulouseLautrec y Degas, que visitaron el museo en el siglo XIX, hasta Picasso, Matisse, Dalí, Edward Hopper, Francis Bacon, David Hockney y Antonio Saura, quien decía: «Este museo no es el más extenso, pero sí el más intenso».

Las escuelas pictóricas de España, Flandes e Italia (sobre todo Venecia) ostentan el protagonismo en el Prado, seguidas por el fondo francés, más limitado si bien con buenos ejemplos de Georges de La Tour, Nicolas Poussin y Claudio de Lorena. La pintura alemana cuenta con un repertorio discontinuo, con cuatro obras maestras de Durero y múltiples retratos de Mengs como principales tesoros. Junto al breve repertorio de pintura británica, circunscrito casi al género del retrato, hay que mencionar la pintura neerlandesa, una sección no demasiado amplia pero que incluye a Rembrandt.

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No. 8 Año 1, Agosto de 2022

Aunque sean aspectos menos conocidos, el museo cuenta también con una importante sección de Artes decorativas (que incluye el Tesoro del Delfín) y con una colección de esculturas, en la que destacan las grecoromanas.

Junto con el Museo ThyssenBornemisza y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Nacional del Prado forma el llamado Triángulo del Arte, meca de numerosos turistas de todo el mundo. Esta área se enriquece con otras instituciones cercanas: el Museo Arqueológico Nacional, el Museo Nacional de Artes Decorativas, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y otros pequeños museos.

El Prado es gobernado por un director (actualmente Miguel Falomir, en el cargo desde el año 2017), asistido por el Real Patronato del Museo. Su funcionamiento se rige por la Ley 46/2003, de 25 de noviembre, reguladora del Museo Nacional del Prado.

ABIERTO De lunes a sábado de 10.00 a 20.00 h Domingos y festivos de 10.00 a 19.00 h CERRADO 1 de enero 1 de mayo 25 de diciembre HORARIO REDUCIDO 6 de enero 24 y 31 de diciembre De 10.00 a 14.00 h HORARIO GRATUITO De lunes a sábado de 18.00 a 20.00 h Domingos y festivos de 17.00 a 19.00 h